Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie erläutert Stanzen_des_Raffael seine Stanza di Eliodoro (Saal des Heliodors)?

Der zweite Raum, der unter Julius II. als Saal für Privataudienzen gedient hatte, wird mit Stanza di Eliodoro bezeichnet. Die Fresken haben ebenfalls eine politische Ausrichtung und zielen auf den gottgegebenen Reichtum und die Unabhängigkeit des Papsttums ab, die vor dem Hintergrund der Italienfeldzüge Frankreichs in Gefahr waren. Sie sind Ausdruck des Willens Julius II., nach dem politischen und moralischen Verfall des Papsttums in der „Babylonischen Gefangenschaft“ in Avignon und dem Großen Abendländischen Schisma im 14. und 15. Jahrhundert eine neue, politische und moralische Führungsrolle in der abendländischen Christenheit zu geben. Ausgemalt wurden die vier Wände des Raums und das Deckengewölbe, nachdem Raffael die Stanza della Segnatura beendet hatte. Teile der Deckenfresken gehen auf Raffaels Vorgänger in der Dekoration der Stanzen Luca Signorelli, Bramantino, Lorenzo Lotto und Cesare da Sesto zurück, deren Arbeiten im Auftrag Julius II. durch die Malereien Raffaels ersetzt wurden.Dargestellt wird die Verjagung des syrischen Feldherrn Heliodor aus dem jüdischen Tempel, der im Auftrag des syrischen Königs die Schätze des Tempels von Jerusalem plündern sollte, und von einem gottgesandten Reiter mit zwei Jünglingen in die Flucht geschlagen wurde. Papst Julius II. ist als Augenzeuge auf der Sedia gestatoria sitzend gemalt, die von den beiden Künstlern Raffael und Marcantonio Raimondi getragen wird.Die Messe von Bolsena stellt ein Ereignis aus dem Jahr 1263 dar, bei dem während einer Messe das Blut Christi aus der Hostie tropfte und das Korporale befleckte. Infolge dieses Wunders wurde das Fronleichnamsfest begründet und mit dem Bau der Kathedrale von Orvieto begonnen. Mögliche Zweifel an der theologischen Lehrmeinung über die Transsubstantiation, die Verwandlung des Weines und Brotes in das Blut und den Leib Christi, sollten in diesem Bild beseitigt werden. Die Gläubigen sollten in ihrem Glauben in der Kommunion gestärkt werden. Julius II. ist mit seinen Verwandten, den Kardinälen Leonardo Grosso della Rovere, Raffaello Riario, Tommaso Riario und Agostino Spinola, kniend zur Rechten dargestellt. Auf der linken Seite steht Felice della Rovere, Tochter des Papstes Julius II., unter den Gläubigen. Inmitten der Schweizer Garde – kniend und dem Betrachter zugewandt – findet sich ein weiteres Selbstporträt von Raffael.Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis zeigt die der Apostelgeschichte (12, 5–12) entnommene Schilderung der wundersamen Befreiung des ersten Bischofs von Rom durch einen Engel; es nimmt in der Themenwahl Bezug auf die Besetzung des Kirchenstaats durch die Franzosen und seine Befreiung durch Julius II., der Kardinal von San Pietro in Vincoli war.Nach dem Tod Julius II. wurde das letzte Fresko dieses Raumes fertiggestellt, das in der Begegnung Leos des Großen mit Attila (452 n. Chr.) die Verteidigung des Kirchenstaates durch Leo I. gegen den Einfall der Hunnen zeigt. Dem namensgebenden Vorgänger des Papstes Leo X., der zweimal als Kardinal und als Papst Leo I. hier gezeichnet wurde, erschienen in den Verhandlungen mit Attila die schwerterschwingenden Apostel Petrus und Paulus, die dem Papst als Apostelfürsten der ecclesia militans den Rücken stärkten und den Hunnen von einer Abkehr von Italien bewegt haben sollen. Auch hier ist ein deutliches Signal sowohl an die Franzosen als auch an die Habsburger zu erkennen, die schließlich 1527 im Sacco di Roma barbarisch die Stadt Rom verwüsteten.

Datei:Tommaso Laureti - Ceiling of Room of Constantine.jpg

Datei:Raphael - Ceiling of the Selling Room.jpg

Datei:Raphael - Deliverance of Saint Peter.jpg

Datei:2 Estancia del Sello (Vista general II).jpg

Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

Datei:Giulio Romano - The Battle of the Milvian Bridge.jpg

Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

Datei:Raffael Stanza della Segnatura.jpg

Datei:"The School of Athens" by Raffaello Sanzio da Urbino.jpg

Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

Datei:Perugino - Ceiling of the Room of Fire in the Borgo.jpg

Datei:Raphael - Ceiling of the Room of Eliodorus.jpg

Datei:God the Father and angels, Pietro Perugino, Stanza dell'Incendio di Borgo, medalion, part of the ceiling, Vatican City 1.jpg

Datei:1 Estancia del Sello (Vista general I).jpg

Datei:113d Sala de Constantino (Vista, d).jpg

Datei:Giannfrancesco Penni - Baptism of Constantine.jpg

Datei:8 Estancia de Heliodoro (Vista general I).jpg

Datei:9 Estancia de Heliodoro (Vista general II).jpg

Datei:School of Raphael - Donation of Rome.jpg

Datei:Raphael - Coronation of Charlemagne.jpg

Datei:16 Estancia del Incendio del Borgo (Vista general II).jpg

Datei:15 Estancia del Incendio del Borgo (Vista general I).png

Datei:113e Sala de Constantino (Vista, e).jpg

Datei:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Datei:School of Raphael - Vision of the Cross.jpg

Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

Datei:Raphael - Cardinal and Theological Virtues.jpg

Datei:Raphael - The Meeting of Leo the Great and Attila.jpg

Datei:23 Estancia de Constantino (Visión de la Cruz).jpg

Datei:Batalla en Puente Milvio entre Constantino y Majencio.jpg

Die Disputa des allerheiligsten Sakraments ([[Disputa del Sacramento

Datei:Cacciata di eliodoro dal tempio 03.jpg

Datei:Raphael - The Expulsion of Heliodorus from the Temple.jpg


Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie wird die Stanza di Eliodoro (Saal des Heliodors) in Stanzen_des_Raffael diskutiert?

Der zweite Raum, der unter Julius II. als Saal für Privataudienzen gedient hatte, wird mit Stanza di Eliodoro bezeichnet. Die Fresken haben ebenfalls eine politische Ausrichtung und zielen auf den gottgegebenen Reichtum und die Unabhängigkeit des Papsttums ab, die vor dem Hintergrund der Italienfeldzüge Frankreichs in Gefahr waren. Sie sind Ausdruck des Willens Julius II., nach dem politischen und moralischen Verfall des Papsttums in der „Babylonischen Gefangenschaft“ in Avignon und dem Großen Abendländischen Schisma im 14. und 15. Jahrhundert eine neue, politische und moralische Führungsrolle in der abendländischen Christenheit zu geben. Ausgemalt wurden die vier Wände des Raums und das Deckengewölbe, nachdem Raffael die Stanza della Segnatura beendet hatte. Teile der Deckenfresken gehen auf Raffaels Vorgänger in der Dekoration der Stanzen Luca Signorelli, Bramantino, Lorenzo Lotto und Cesare da Sesto zurück, deren Arbeiten im Auftrag Julius II. durch die Malereien Raffaels ersetzt wurden.Dargestellt wird die Verjagung des syrischen Feldherrn Heliodor aus dem jüdischen Tempel, der im Auftrag des syrischen Königs die Schätze des Tempels von Jerusalem plündern sollte, und von einem gottgesandten Reiter mit zwei Jünglingen in die Flucht geschlagen wurde. Papst Julius II. ist als Augenzeuge auf der Sedia gestatoria sitzend gemalt, die von den beiden Künstlern Raffael und Marcantonio Raimondi getragen wird.Die Messe von Bolsena stellt ein Ereignis aus dem Jahr 1263 dar, bei dem während einer Messe das Blut Christi aus der Hostie tropfte und das Korporale befleckte. Infolge dieses Wunders wurde das Fronleichnamsfest begründet und mit dem Bau der Kathedrale von Orvieto begonnen. Mögliche Zweifel an der theologischen Lehrmeinung über die Transsubstantiation, die Verwandlung des Weines und Brotes in das Blut und den Leib Christi, sollten in diesem Bild beseitigt werden. Die Gläubigen sollten in ihrem Glauben in der Kommunion gestärkt werden. Julius II. ist mit seinen Verwandten, den Kardinälen Leonardo Grosso della Rovere, Raffaello Riario, Tommaso Riario und Agostino Spinola, kniend zur Rechten dargestellt. Auf der linken Seite steht Felice della Rovere, Tochter des Papstes Julius II., unter den Gläubigen. Inmitten der Schweizer Garde – kniend und dem Betrachter zugewandt – findet sich ein weiteres Selbstporträt von Raffael.Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis zeigt die der Apostelgeschichte (12, 5–12) entnommene Schilderung der wundersamen Befreiung des ersten Bischofs von Rom durch einen Engel; es nimmt in der Themenwahl Bezug auf die Besetzung des Kirchenstaats durch die Franzosen und seine Befreiung durch Julius II., der Kardinal von San Pietro in Vincoli war.Nach dem Tod Julius II. wurde das letzte Fresko dieses Raumes fertiggestellt, das in der Begegnung Leos des Großen mit Attila (452 n. Chr.) die Verteidigung des Kirchenstaates durch Leo I. gegen den Einfall der Hunnen zeigt. Dem namensgebenden Vorgänger des Papstes Leo X., der zweimal als Kardinal und als Papst Leo I. hier gezeichnet wurde, erschienen in den Verhandlungen mit Attila die schwerterschwingenden Apostel Petrus und Paulus, die dem Papst als Apostelfürsten der ecclesia militans den Rücken stärkten und den Hunnen von einer Abkehr von Italien bewegt haben sollen. Auch hier ist ein deutliches Signal sowohl an die Franzosen als auch an die Habsburger zu erkennen, die schließlich 1527 im Sacco di Roma barbarisch die Stadt Rom verwüsteten.

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

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Die Disputa des allerheiligsten Sakraments ([[Disputa del Sacramento

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: Fokussiere dich auf Stanzen_des_Raffael und erkunde erkläre die Stanza della Segnatura (Saal der Signatur).

Die Stanza della Segnatura, der erste 1508–1511 von Raffael ausgemalte Saal der vier Räume, beherbergt vier der berühmtesten Fresken Raffaels, die einen Markstein in der Malerei der Hochrenaissance darstellen. Der Raum diente Julius II. als Bibliothek und Studierzimmer und war unterhalb der Fresken mit Bücherschränken ausgestattet, die an der Nordwand nur vorgetäuscht sind, vermutlich um die Passage zwischen den Türen nicht zu behindern. Seinen Namen erhielt der Raum unter Paul III., der dort die höchste päpstliche Gerichtsbarkeit, die Segnatura Gratiae et Iustitiae, unter seinem Vorsitz versammelte. Die bestimmenden Themen des Raumes sind die „drei höchsten Prinzipien des menschlichen Geistes“: das Wahre, das Gute und das Schöne. Diese sind dargestellt in den vier Wand- und den Gewölbe-Fresken, die die Disputa del Sacramento, die Schule von Athen, die Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz sowie den Parnass zum Thema haben.Die theologische Wahrheit findet ihren Ausdruck in der Disputa des allerheiligsten Sakraments, die sich ebenso wie das Fresko in der Sala di Costantino auf den Triumph der christlichen Religion bezieht: Der ganze katholische Glaubenskosmos bestehend aus der Heiligen Dreifaltigkeit samt der Mutter Gottes, den Heiligen, den Patriarchen, den Propheten, den Aposteln, den Kirchenvätern etc. – einige der Personen tragen Gesichtszüge historischer Figuren –, wie er beim fünften Laterankonzil 1512–1517 erneut definiert wurde.In der Schule von Athen hat Raffael die natürliche Wahrheit, die philosophische Vernunft, in Form von antiken Philosophen – Platon, Aristoteles, Pythagoras, Diogenes, Heraklit, Euklid, Zarathustra, Ptolemäus, z. T. wiederum mit Gesichtszügen historischer Personen (u. a. Michelangelo und Raffael selbst) – vor einer Renaissance-Architektur (Bramantes Entwurf für Neu-St.-Peter) gemalt.Das Gute zeigt Raffael in den Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz als Allegorien auf die Kardinaltugenden Tapferkeit, Klugheit und Mäßigung und die christlichen Tugenden Glaube, Hoffnung und Liebe, die in den Lünetten der Wand gemalt wurden. Unten links neben dem Fenster ist die Übergabe der Pandekten (römische Rechtsdekrete) an Kaiser Justinian zu sehen. Rechts werden die Dekretalien an Papst Gregor IX. übergeben. Der Papst trägt die Züge des Auftraggebers Julius II. (1503–1513). Die Kardinäle zu seiner Seite sind Giovanni de’ Medici und Alessandro Farnese, die zukünftigen Päpste Leo X. (1513–1521) und Paul III. (1534–1549). Die Ausführung der Übergabe der Pandekten an Kaiser Justinian stammt von Lorenzo Lotto.Im Parnass, Verherrlichung der Idee des Schönen, ergänzen die Apoll untergebenen Musen und die antiken und modernen Dichter – Homer, Vergil, Dante und Sappho – den Geisteskosmos dieses Raums. Das Gewölbe zeigt zusammenfassend in allegorischer Form die Fähigkeiten des Menschen zur Philosophie, Theologie, Poesie und Gerechtigkeit.Die jüngste Restaurierung der Stanzen, geleitet von Arnold Nesselrath, hat bei den vorausgegangenen Untersuchungen der Fresken und mit Hilfe eines Stilvergleichs mit den Fresken Lorenzo Lottos in Trescore bei Bergamo ergeben, dass der erhaltene Anteil Lottos viel größer ist als bisher angenommen.

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: ErkundeErkläre die Stanza della Segnatura (Saal der Signatur) dieses Kunstwerks, Stanzen_des_Raffael.

Die Stanza della Segnatura, der erste 1508–1511 von Raffael ausgemalte Saal der vier Räume, beherbergt vier der berühmtesten Fresken Raffaels, die einen Markstein in der Malerei der Hochrenaissance darstellen. Der Raum diente Julius II. als Bibliothek und Studierzimmer und war unterhalb der Fresken mit Bücherschränken ausgestattet, die an der Nordwand nur vorgetäuscht sind, vermutlich um die Passage zwischen den Türen nicht zu behindern. Seinen Namen erhielt der Raum unter Paul III., der dort die höchste päpstliche Gerichtsbarkeit, die Segnatura Gratiae et Iustitiae, unter seinem Vorsitz versammelte. Die bestimmenden Themen des Raumes sind die „drei höchsten Prinzipien des menschlichen Geistes“: das Wahre, das Gute und das Schöne. Diese sind dargestellt in den vier Wand- und den Gewölbe-Fresken, die die Disputa del Sacramento, die Schule von Athen, die Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz sowie den Parnass zum Thema haben.Die theologische Wahrheit findet ihren Ausdruck in der Disputa des allerheiligsten Sakraments, die sich ebenso wie das Fresko in der Sala di Costantino auf den Triumph der christlichen Religion bezieht: Der ganze katholische Glaubenskosmos bestehend aus der Heiligen Dreifaltigkeit samt der Mutter Gottes, den Heiligen, den Patriarchen, den Propheten, den Aposteln, den Kirchenvätern etc. – einige der Personen tragen Gesichtszüge historischer Figuren –, wie er beim fünften Laterankonzil 1512–1517 erneut definiert wurde.In der Schule von Athen hat Raffael die natürliche Wahrheit, die philosophische Vernunft, in Form von antiken Philosophen – Platon, Aristoteles, Pythagoras, Diogenes, Heraklit, Euklid, Zarathustra, Ptolemäus, z. T. wiederum mit Gesichtszügen historischer Personen (u. a. Michelangelo und Raffael selbst) – vor einer Renaissance-Architektur (Bramantes Entwurf für Neu-St.-Peter) gemalt.Das Gute zeigt Raffael in den Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz als Allegorien auf die Kardinaltugenden Tapferkeit, Klugheit und Mäßigung und die christlichen Tugenden Glaube, Hoffnung und Liebe, die in den Lünetten der Wand gemalt wurden. Unten links neben dem Fenster ist die Übergabe der Pandekten (römische Rechtsdekrete) an Kaiser Justinian zu sehen. Rechts werden die Dekretalien an Papst Gregor IX. übergeben. Der Papst trägt die Züge des Auftraggebers Julius II. (1503–1513). Die Kardinäle zu seiner Seite sind Giovanni de’ Medici und Alessandro Farnese, die zukünftigen Päpste Leo X. (1513–1521) und Paul III. (1534–1549). Die Ausführung der Übergabe der Pandekten an Kaiser Justinian stammt von Lorenzo Lotto.Im Parnass, Verherrlichung der Idee des Schönen, ergänzen die Apoll untergebenen Musen und die antiken und modernen Dichter – Homer, Vergil, Dante und Sappho – den Geisteskosmos dieses Raums. Das Gewölbe zeigt zusammenfassend in allegorischer Form die Fähigkeiten des Menschen zur Philosophie, Theologie, Poesie und Gerechtigkeit.Die jüngste Restaurierung der Stanzen, geleitet von Arnold Nesselrath, hat bei den vorausgegangenen Untersuchungen der Fresken und mit Hilfe eines Stilvergleichs mit den Fresken Lorenzo Lottos in Trescore bei Bergamo ergeben, dass der erhaltene Anteil Lottos viel größer ist als bisher angenommen.

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie erläutert Stanzen_des_Raffael seine Stanza della Segnatura (Saal der Signatur)?

Die Stanza della Segnatura, der erste 1508–1511 von Raffael ausgemalte Saal der vier Räume, beherbergt vier der berühmtesten Fresken Raffaels, die einen Markstein in der Malerei der Hochrenaissance darstellen. Der Raum diente Julius II. als Bibliothek und Studierzimmer und war unterhalb der Fresken mit Bücherschränken ausgestattet, die an der Nordwand nur vorgetäuscht sind, vermutlich um die Passage zwischen den Türen nicht zu behindern. Seinen Namen erhielt der Raum unter Paul III., der dort die höchste päpstliche Gerichtsbarkeit, die Segnatura Gratiae et Iustitiae, unter seinem Vorsitz versammelte. Die bestimmenden Themen des Raumes sind die „drei höchsten Prinzipien des menschlichen Geistes“: das Wahre, das Gute und das Schöne. Diese sind dargestellt in den vier Wand- und den Gewölbe-Fresken, die die Disputa del Sacramento, die Schule von Athen, die Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz sowie den Parnass zum Thema haben.Die theologische Wahrheit findet ihren Ausdruck in der Disputa des allerheiligsten Sakraments, die sich ebenso wie das Fresko in der Sala di Costantino auf den Triumph der christlichen Religion bezieht: Der ganze katholische Glaubenskosmos bestehend aus der Heiligen Dreifaltigkeit samt der Mutter Gottes, den Heiligen, den Patriarchen, den Propheten, den Aposteln, den Kirchenvätern etc. – einige der Personen tragen Gesichtszüge historischer Figuren –, wie er beim fünften Laterankonzil 1512–1517 erneut definiert wurde.In der Schule von Athen hat Raffael die natürliche Wahrheit, die philosophische Vernunft, in Form von antiken Philosophen – Platon, Aristoteles, Pythagoras, Diogenes, Heraklit, Euklid, Zarathustra, Ptolemäus, z. T. wiederum mit Gesichtszügen historischer Personen (u. a. Michelangelo und Raffael selbst) – vor einer Renaissance-Architektur (Bramantes Entwurf für Neu-St.-Peter) gemalt.Das Gute zeigt Raffael in den Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz als Allegorien auf die Kardinaltugenden Tapferkeit, Klugheit und Mäßigung und die christlichen Tugenden Glaube, Hoffnung und Liebe, die in den Lünetten der Wand gemalt wurden. Unten links neben dem Fenster ist die Übergabe der Pandekten (römische Rechtsdekrete) an Kaiser Justinian zu sehen. Rechts werden die Dekretalien an Papst Gregor IX. übergeben. Der Papst trägt die Züge des Auftraggebers Julius II. (1503–1513). Die Kardinäle zu seiner Seite sind Giovanni de’ Medici und Alessandro Farnese, die zukünftigen Päpste Leo X. (1513–1521) und Paul III. (1534–1549). Die Ausführung der Übergabe der Pandekten an Kaiser Justinian stammt von Lorenzo Lotto.Im Parnass, Verherrlichung der Idee des Schönen, ergänzen die Apoll untergebenen Musen und die antiken und modernen Dichter – Homer, Vergil, Dante und Sappho – den Geisteskosmos dieses Raums. Das Gewölbe zeigt zusammenfassend in allegorischer Form die Fähigkeiten des Menschen zur Philosophie, Theologie, Poesie und Gerechtigkeit.Die jüngste Restaurierung der Stanzen, geleitet von Arnold Nesselrath, hat bei den vorausgegangenen Untersuchungen der Fresken und mit Hilfe eines Stilvergleichs mit den Fresken Lorenzo Lottos in Trescore bei Bergamo ergeben, dass der erhaltene Anteil Lottos viel größer ist als bisher angenommen.

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie wird die Stanza della Segnatura (Saal der Signatur) in Stanzen_des_Raffael diskutiert?

Die Stanza della Segnatura, der erste 1508–1511 von Raffael ausgemalte Saal der vier Räume, beherbergt vier der berühmtesten Fresken Raffaels, die einen Markstein in der Malerei der Hochrenaissance darstellen. Der Raum diente Julius II. als Bibliothek und Studierzimmer und war unterhalb der Fresken mit Bücherschränken ausgestattet, die an der Nordwand nur vorgetäuscht sind, vermutlich um die Passage zwischen den Türen nicht zu behindern. Seinen Namen erhielt der Raum unter Paul III., der dort die höchste päpstliche Gerichtsbarkeit, die Segnatura Gratiae et Iustitiae, unter seinem Vorsitz versammelte. Die bestimmenden Themen des Raumes sind die „drei höchsten Prinzipien des menschlichen Geistes“: das Wahre, das Gute und das Schöne. Diese sind dargestellt in den vier Wand- und den Gewölbe-Fresken, die die Disputa del Sacramento, die Schule von Athen, die Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz sowie den Parnass zum Thema haben.Die theologische Wahrheit findet ihren Ausdruck in der Disputa des allerheiligsten Sakraments, die sich ebenso wie das Fresko in der Sala di Costantino auf den Triumph der christlichen Religion bezieht: Der ganze katholische Glaubenskosmos bestehend aus der Heiligen Dreifaltigkeit samt der Mutter Gottes, den Heiligen, den Patriarchen, den Propheten, den Aposteln, den Kirchenvätern etc. – einige der Personen tragen Gesichtszüge historischer Figuren –, wie er beim fünften Laterankonzil 1512–1517 erneut definiert wurde.In der Schule von Athen hat Raffael die natürliche Wahrheit, die philosophische Vernunft, in Form von antiken Philosophen – Platon, Aristoteles, Pythagoras, Diogenes, Heraklit, Euklid, Zarathustra, Ptolemäus, z. T. wiederum mit Gesichtszügen historischer Personen (u. a. Michelangelo und Raffael selbst) – vor einer Renaissance-Architektur (Bramantes Entwurf für Neu-St.-Peter) gemalt.Das Gute zeigt Raffael in den Kardinal- und Gottestugenden und das Gesetz als Allegorien auf die Kardinaltugenden Tapferkeit, Klugheit und Mäßigung und die christlichen Tugenden Glaube, Hoffnung und Liebe, die in den Lünetten der Wand gemalt wurden. Unten links neben dem Fenster ist die Übergabe der Pandekten (römische Rechtsdekrete) an Kaiser Justinian zu sehen. Rechts werden die Dekretalien an Papst Gregor IX. übergeben. Der Papst trägt die Züge des Auftraggebers Julius II. (1503–1513). Die Kardinäle zu seiner Seite sind Giovanni de’ Medici und Alessandro Farnese, die zukünftigen Päpste Leo X. (1513–1521) und Paul III. (1534–1549). Die Ausführung der Übergabe der Pandekten an Kaiser Justinian stammt von Lorenzo Lotto.Im Parnass, Verherrlichung der Idee des Schönen, ergänzen die Apoll untergebenen Musen und die antiken und modernen Dichter – Homer, Vergil, Dante und Sappho – den Geisteskosmos dieses Raums. Das Gewölbe zeigt zusammenfassend in allegorischer Form die Fähigkeiten des Menschen zur Philosophie, Theologie, Poesie und Gerechtigkeit.Die jüngste Restaurierung der Stanzen, geleitet von Arnold Nesselrath, hat bei den vorausgegangenen Untersuchungen der Fresken und mit Hilfe eines Stilvergleichs mit den Fresken Lorenzo Lottos in Trescore bei Bergamo ergeben, dass der erhaltene Anteil Lottos viel größer ist als bisher angenommen.

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Datei:16 Estancia del Incendio del Borgo (Vista general II).jpg

Datei:15 Estancia del Incendio del Borgo (Vista general I).png

Datei:113e Sala de Constantino (Vista, e).jpg

Datei:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Datei:School of Raphael - Vision of the Cross.jpg

Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

Datei:Raphael - Cardinal and Theological Virtues.jpg

Datei:Raphael - The Meeting of Leo the Great and Attila.jpg

Datei:23 Estancia de Constantino (Visión de la Cruz).jpg

Datei:Batalla en Puente Milvio entre Constantino y Majencio.jpg

Die Disputa des allerheiligsten Sakraments ([[Disputa del Sacramento

Datei:Cacciata di eliodoro dal tempio 03.jpg

Datei:Raphael - The Expulsion of Heliodorus from the Temple.jpg


Stanzen_des_Raffael

Prompt: Fokussiere dich auf Stanzen_des_Raffael und erkunde erkläre die Stanza dell’incendio di Borgo (Saal des Borgobrandes).

1514–1517 malte Raffael seinen zweiten Raum aus, die Stanza dell’incendio di Borgo, die unter Julius II. ebenfalls als Gerichtsraum und unter Leo X. als Speisezimmer diente. Peruginos Ausmalung des Deckengewölbes von 1508 nimmt Bezug auf die Gerichtsfunktion des Saals. Raffael verdeutlicht in seinen Fresken den politischen Willen zur kirchlichen Vorherrschaft Leos X., wie er es in der Stanza di Eliodoro bereits für Julius II. umgesetzt hatte. Die Suprematie des Papstes gegenüber den weltlichen Mächten, die Einheit der Christenheit und der Kampf gegen die Ungläubigen sind die bestimmenden Bildaussagen.Diese finden in der Krönung Karls des Großen durch den Papst Leo III. ihre erste Formulierung eines erwünschten und angestrebten Verhältnisses von Papsttum und Kaisertum. Konkret Bezug genommen wird auf Leo X. und den französischen König Franz I., dessen Eroberungen in Norditalien im Konkordat von Bologna durch den Papst anerkannt worden war. Die Gründung des Heiligen Römischen Reiches als Fortführung des fünften, römischen Weltimperiums, und die translatio imperii waren die ideologischen Grundlagen für die Autorität des Papstes in der westlichen Welt.Im folgenden Fresko der Rechtfertigung Leos III. zeigt Raffael die Episode nach der Krönung des Frankenkönigs, in der der Papst gegenüber den Nepoten seines Vorgängers Hadrian VI. Rechtfertigungen mit dem Hinweis zurückweist, Gott allein für sein Handeln verantwortlich zu sein. Auch wird der politische Anspruch des Papstes an seine weltlichen und kirchlichen Gegner deutlich, allein Gott zu unterstehen und keinem weltlichen Herrscher.Das Bild des Borgobrandes zeigt Papst Leo IV. (847–855), der durch seinen Segen den Brand im Nachbarviertel des Vatikan, dem Borgo, löscht und damit Stadt und Kirche rettet. Anspielungen auf die seit Jahrzehnten in Südosteuropa tobenden und nach dem Fall von Konstantinopel nun in Ungarn wütenden Türkenkrieg sind hier nicht zu übersehen.Das Thema des Kreuzzugs bzw. des Kampfes gegen die Ungläubigen und des Schutzes der Gläubigen steht auch im Mittelpunkt des Bildes der Seeschlacht von Ostia, in der die Truppen Leos IV. die feindlichen Sarazenen vernichtend schlagen. Alle in diesem Raum gezeigten Szenen nehmen Bezug auf die wichtigsten Taten der Namensvorgänger Leos X., der sich mit seinen Gesichtszügen in ihren Figuren darstellen lässt und damit eine ideelle Vereinigung seiner Vorgänger mit seinem Pontifikat verbildlicht.Insgesamt sind die Fresken Raffaels als Ausdruck des Glaubens an den Triumph des Christentums und als ein Willensbekenntnis des politischen Anspruchs auf die Suprematie des Papsttums gegenüber weltlicher Herrschaft zu lesen.

Datei:Tommaso Laureti - Ceiling of Room of Constantine.jpg

Datei:Raphael - Ceiling of the Selling Room.jpg

Datei:Raphael - Deliverance of Saint Peter.jpg

Datei:2 Estancia del Sello (Vista general II).jpg

Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

Datei:Giulio Romano - The Battle of the Milvian Bridge.jpg

Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

Datei:Raffael Stanza della Segnatura.jpg

Datei:"The School of Athens" by Raffaello Sanzio da Urbino.jpg

Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

Datei:Perugino - Ceiling of the Room of Fire in the Borgo.jpg

Datei:Raphael - Ceiling of the Room of Eliodorus.jpg

Datei:God the Father and angels, Pietro Perugino, Stanza dell'Incendio di Borgo, medalion, part of the ceiling, Vatican City 1.jpg

Datei:1 Estancia del Sello (Vista general I).jpg

Datei:113d Sala de Constantino (Vista, d).jpg

Datei:Giannfrancesco Penni - Baptism of Constantine.jpg

Datei:8 Estancia de Heliodoro (Vista general I).jpg

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Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

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Die Disputa des allerheiligsten Sakraments ([[Disputa del Sacramento

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: ErkundeErkläre die Stanza dell’incendio di Borgo (Saal des Borgobrandes) dieses Kunstwerks, Stanzen_des_Raffael.

1514–1517 malte Raffael seinen zweiten Raum aus, die Stanza dell’incendio di Borgo, die unter Julius II. ebenfalls als Gerichtsraum und unter Leo X. als Speisezimmer diente. Peruginos Ausmalung des Deckengewölbes von 1508 nimmt Bezug auf die Gerichtsfunktion des Saals. Raffael verdeutlicht in seinen Fresken den politischen Willen zur kirchlichen Vorherrschaft Leos X., wie er es in der Stanza di Eliodoro bereits für Julius II. umgesetzt hatte. Die Suprematie des Papstes gegenüber den weltlichen Mächten, die Einheit der Christenheit und der Kampf gegen die Ungläubigen sind die bestimmenden Bildaussagen.Diese finden in der Krönung Karls des Großen durch den Papst Leo III. ihre erste Formulierung eines erwünschten und angestrebten Verhältnisses von Papsttum und Kaisertum. Konkret Bezug genommen wird auf Leo X. und den französischen König Franz I., dessen Eroberungen in Norditalien im Konkordat von Bologna durch den Papst anerkannt worden war. Die Gründung des Heiligen Römischen Reiches als Fortführung des fünften, römischen Weltimperiums, und die translatio imperii waren die ideologischen Grundlagen für die Autorität des Papstes in der westlichen Welt.Im folgenden Fresko der Rechtfertigung Leos III. zeigt Raffael die Episode nach der Krönung des Frankenkönigs, in der der Papst gegenüber den Nepoten seines Vorgängers Hadrian VI. Rechtfertigungen mit dem Hinweis zurückweist, Gott allein für sein Handeln verantwortlich zu sein. Auch wird der politische Anspruch des Papstes an seine weltlichen und kirchlichen Gegner deutlich, allein Gott zu unterstehen und keinem weltlichen Herrscher.Das Bild des Borgobrandes zeigt Papst Leo IV. (847–855), der durch seinen Segen den Brand im Nachbarviertel des Vatikan, dem Borgo, löscht und damit Stadt und Kirche rettet. Anspielungen auf die seit Jahrzehnten in Südosteuropa tobenden und nach dem Fall von Konstantinopel nun in Ungarn wütenden Türkenkrieg sind hier nicht zu übersehen.Das Thema des Kreuzzugs bzw. des Kampfes gegen die Ungläubigen und des Schutzes der Gläubigen steht auch im Mittelpunkt des Bildes der Seeschlacht von Ostia, in der die Truppen Leos IV. die feindlichen Sarazenen vernichtend schlagen. Alle in diesem Raum gezeigten Szenen nehmen Bezug auf die wichtigsten Taten der Namensvorgänger Leos X., der sich mit seinen Gesichtszügen in ihren Figuren darstellen lässt und damit eine ideelle Vereinigung seiner Vorgänger mit seinem Pontifikat verbildlicht.Insgesamt sind die Fresken Raffaels als Ausdruck des Glaubens an den Triumph des Christentums und als ein Willensbekenntnis des politischen Anspruchs auf die Suprematie des Papsttums gegenüber weltlicher Herrschaft zu lesen.

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie erläutert Stanzen_des_Raffael seine Stanza dell’incendio di Borgo (Saal des Borgobrandes)?

1514–1517 malte Raffael seinen zweiten Raum aus, die Stanza dell’incendio di Borgo, die unter Julius II. ebenfalls als Gerichtsraum und unter Leo X. als Speisezimmer diente. Peruginos Ausmalung des Deckengewölbes von 1508 nimmt Bezug auf die Gerichtsfunktion des Saals. Raffael verdeutlicht in seinen Fresken den politischen Willen zur kirchlichen Vorherrschaft Leos X., wie er es in der Stanza di Eliodoro bereits für Julius II. umgesetzt hatte. Die Suprematie des Papstes gegenüber den weltlichen Mächten, die Einheit der Christenheit und der Kampf gegen die Ungläubigen sind die bestimmenden Bildaussagen.Diese finden in der Krönung Karls des Großen durch den Papst Leo III. ihre erste Formulierung eines erwünschten und angestrebten Verhältnisses von Papsttum und Kaisertum. Konkret Bezug genommen wird auf Leo X. und den französischen König Franz I., dessen Eroberungen in Norditalien im Konkordat von Bologna durch den Papst anerkannt worden war. Die Gründung des Heiligen Römischen Reiches als Fortführung des fünften, römischen Weltimperiums, und die translatio imperii waren die ideologischen Grundlagen für die Autorität des Papstes in der westlichen Welt.Im folgenden Fresko der Rechtfertigung Leos III. zeigt Raffael die Episode nach der Krönung des Frankenkönigs, in der der Papst gegenüber den Nepoten seines Vorgängers Hadrian VI. Rechtfertigungen mit dem Hinweis zurückweist, Gott allein für sein Handeln verantwortlich zu sein. Auch wird der politische Anspruch des Papstes an seine weltlichen und kirchlichen Gegner deutlich, allein Gott zu unterstehen und keinem weltlichen Herrscher.Das Bild des Borgobrandes zeigt Papst Leo IV. (847–855), der durch seinen Segen den Brand im Nachbarviertel des Vatikan, dem Borgo, löscht und damit Stadt und Kirche rettet. Anspielungen auf die seit Jahrzehnten in Südosteuropa tobenden und nach dem Fall von Konstantinopel nun in Ungarn wütenden Türkenkrieg sind hier nicht zu übersehen.Das Thema des Kreuzzugs bzw. des Kampfes gegen die Ungläubigen und des Schutzes der Gläubigen steht auch im Mittelpunkt des Bildes der Seeschlacht von Ostia, in der die Truppen Leos IV. die feindlichen Sarazenen vernichtend schlagen. Alle in diesem Raum gezeigten Szenen nehmen Bezug auf die wichtigsten Taten der Namensvorgänger Leos X., der sich mit seinen Gesichtszügen in ihren Figuren darstellen lässt und damit eine ideelle Vereinigung seiner Vorgänger mit seinem Pontifikat verbildlicht.Insgesamt sind die Fresken Raffaels als Ausdruck des Glaubens an den Triumph des Christentums und als ein Willensbekenntnis des politischen Anspruchs auf die Suprematie des Papsttums gegenüber weltlicher Herrschaft zu lesen.

Datei:Tommaso Laureti - Ceiling of Room of Constantine.jpg

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

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Stanzen_des_Raffael

Prompt: Wie wird die Stanza dell’incendio di Borgo (Saal des Borgobrandes) in Stanzen_des_Raffael diskutiert?

1514–1517 malte Raffael seinen zweiten Raum aus, die Stanza dell’incendio di Borgo, die unter Julius II. ebenfalls als Gerichtsraum und unter Leo X. als Speisezimmer diente. Peruginos Ausmalung des Deckengewölbes von 1508 nimmt Bezug auf die Gerichtsfunktion des Saals. Raffael verdeutlicht in seinen Fresken den politischen Willen zur kirchlichen Vorherrschaft Leos X., wie er es in der Stanza di Eliodoro bereits für Julius II. umgesetzt hatte. Die Suprematie des Papstes gegenüber den weltlichen Mächten, die Einheit der Christenheit und der Kampf gegen die Ungläubigen sind die bestimmenden Bildaussagen.Diese finden in der Krönung Karls des Großen durch den Papst Leo III. ihre erste Formulierung eines erwünschten und angestrebten Verhältnisses von Papsttum und Kaisertum. Konkret Bezug genommen wird auf Leo X. und den französischen König Franz I., dessen Eroberungen in Norditalien im Konkordat von Bologna durch den Papst anerkannt worden war. Die Gründung des Heiligen Römischen Reiches als Fortführung des fünften, römischen Weltimperiums, und die translatio imperii waren die ideologischen Grundlagen für die Autorität des Papstes in der westlichen Welt.Im folgenden Fresko der Rechtfertigung Leos III. zeigt Raffael die Episode nach der Krönung des Frankenkönigs, in der der Papst gegenüber den Nepoten seines Vorgängers Hadrian VI. Rechtfertigungen mit dem Hinweis zurückweist, Gott allein für sein Handeln verantwortlich zu sein. Auch wird der politische Anspruch des Papstes an seine weltlichen und kirchlichen Gegner deutlich, allein Gott zu unterstehen und keinem weltlichen Herrscher.Das Bild des Borgobrandes zeigt Papst Leo IV. (847–855), der durch seinen Segen den Brand im Nachbarviertel des Vatikan, dem Borgo, löscht und damit Stadt und Kirche rettet. Anspielungen auf die seit Jahrzehnten in Südosteuropa tobenden und nach dem Fall von Konstantinopel nun in Ungarn wütenden Türkenkrieg sind hier nicht zu übersehen.Das Thema des Kreuzzugs bzw. des Kampfes gegen die Ungläubigen und des Schutzes der Gläubigen steht auch im Mittelpunkt des Bildes der Seeschlacht von Ostia, in der die Truppen Leos IV. die feindlichen Sarazenen vernichtend schlagen. Alle in diesem Raum gezeigten Szenen nehmen Bezug auf die wichtigsten Taten der Namensvorgänger Leos X., der sich mit seinen Gesichtszügen in ihren Figuren darstellen lässt und damit eine ideelle Vereinigung seiner Vorgänger mit seinem Pontifikat verbildlicht.Insgesamt sind die Fresken Raffaels als Ausdruck des Glaubens an den Triumph des Christentums und als ein Willensbekenntnis des politischen Anspruchs auf die Suprematie des Papsttums gegenüber weltlicher Herrschaft zu lesen.

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Papst Leo X., Detail aus einem Gemälde Raffaels, [[Uffizien

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Papst Julius II., Detail aus der ''Verjagung Heliodors aus dem Tempel'', Fresko im Raum ''Stanza di Eliodoro''

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Stanza della Segnatura: ''Parnass'' und ''Die Schule von Athen''

Datei:Perugino - Ceiling of the Room of Fire in the Borgo.jpg

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Datei:God the Father and angels, Pietro Perugino, Stanza dell'Incendio di Borgo, medalion, part of the ceiling, Vatican City 1.jpg

Datei:1 Estancia del Sello (Vista general I).jpg

Datei:113d Sala de Constantino (Vista, d).jpg

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Datei:8 Estancia de Heliodoro (Vista general I).jpg

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Datei:15 Estancia del Incendio del Borgo (Vista general I).png

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Selbstbildnis Raffaels (links) aus seinem Fresko ''[[Die Schule von Athen

Datei:Raphael - Cardinal and Theological Virtues.jpg

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Datei:23 Estancia de Constantino (Visión de la Cruz).jpg

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Die Disputa des allerheiligsten Sakraments ([[Disputa del Sacramento

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Anatomie_des_Dr._Tulp und erkunde erkläre die abstract.

Die Anatomie des Dr. Tulp ist ein Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt. Das 1632 fertiggestellte Werk mit den Maßen 216,5 cm × 169,5 cm hängt heute im Mauritshuis in Den Haag.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Die_Anatomie_des_Dr._Tulp.

Die Anatomie des Dr. Tulp ist ein Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt. Das 1632 fertiggestellte Werk mit den Maßen 216,5 cm × 169,5 cm hängt heute im Mauritshuis in Den Haag.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie erläutert Die_Anatomie_des_Dr._Tulp seine abstract?

Die Anatomie des Dr. Tulp ist ein Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt. Das 1632 fertiggestellte Werk mit den Maßen 216,5 cm × 169,5 cm hängt heute im Mauritshuis in Den Haag.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie wird die abstract in Die_Anatomie_des_Dr._Tulp diskutiert?

Die Anatomie des Dr. Tulp ist ein Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt. Das 1632 fertiggestellte Werk mit den Maßen 216,5 cm × 169,5 cm hängt heute im Mauritshuis in Den Haag.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Anatomie_des_Dr._Tulp und erkunde erkläre die Historischer Hintergrund.

Das Gemälde wurde von der Amsterdamer Chirurgengilde, deren offizieller städtischer Anatom Tulp war, in Auftrag gegeben. Das Geschehen kann auf den 31. Januar 1632 datiert werden, da die Gilde nur eine öffentliche Sektion pro Jahr gestattete, wobei die Leiche die eines hingerichteten Verbrechers sein musste.Zwei Personen auf diesem Gemälde sind besonders exponiert: Die eine ist der Arzt Nicolaes Tulp, der den anwesenden Zuschauern anhand der Sektion des linken Armes der zu obduzierenden Person die Skelettmuskulatur erklärt. Die andere ist der auf dem Tisch liegende Tote, gemeinhin als Adriaan Adriaanszoon identifiziert, was jedoch zunehmend angezweifelt wird. Adriaanszoon war ein gewalttätiger Straßenräuber, der wegen seiner Verbrechen gehängt wurde. Die anderen Personen sind vermutlich Jacob Jansz Colevelt, Adrian Cornilsz Slabberaen, Mathys Evertsz Calkoen, Jacob Jans de Witt, Jacob Dielofse Block und Frans van Loenen, was sich sowohl durch die Auftragslage als auch das mittig in der Hand gehaltene Papier stützen lässt. Anatomie-Vorführungen waren im 17. Jahrhundert ein gesellschaftliches Ereignis. Sie fanden in hörsaalähnlichen sogenannten anatomischen Theatern statt, in diesem Fall in De Waag, dem Zunfthaus der Amsterdamer Chirurgengilde. Das Publikum, oft Zunftkollegen, Studenten und Honoratioren, musste Eintritt bezahlen. Mit dem eingenommenen Geld wurden die an der Schaustellung beteiligten Personen entgolten.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: ErkundeErkläre die Historischer Hintergrund dieses Kunstwerks, Die_Anatomie_des_Dr._Tulp.

Das Gemälde wurde von der Amsterdamer Chirurgengilde, deren offizieller städtischer Anatom Tulp war, in Auftrag gegeben. Das Geschehen kann auf den 31. Januar 1632 datiert werden, da die Gilde nur eine öffentliche Sektion pro Jahr gestattete, wobei die Leiche die eines hingerichteten Verbrechers sein musste.Zwei Personen auf diesem Gemälde sind besonders exponiert: Die eine ist der Arzt Nicolaes Tulp, der den anwesenden Zuschauern anhand der Sektion des linken Armes der zu obduzierenden Person die Skelettmuskulatur erklärt. Die andere ist der auf dem Tisch liegende Tote, gemeinhin als Adriaan Adriaanszoon identifiziert, was jedoch zunehmend angezweifelt wird. Adriaanszoon war ein gewalttätiger Straßenräuber, der wegen seiner Verbrechen gehängt wurde. Die anderen Personen sind vermutlich Jacob Jansz Colevelt, Adrian Cornilsz Slabberaen, Mathys Evertsz Calkoen, Jacob Jans de Witt, Jacob Dielofse Block und Frans van Loenen, was sich sowohl durch die Auftragslage als auch das mittig in der Hand gehaltene Papier stützen lässt. Anatomie-Vorführungen waren im 17. Jahrhundert ein gesellschaftliches Ereignis. Sie fanden in hörsaalähnlichen sogenannten anatomischen Theatern statt, in diesem Fall in De Waag, dem Zunfthaus der Amsterdamer Chirurgengilde. Das Publikum, oft Zunftkollegen, Studenten und Honoratioren, musste Eintritt bezahlen. Mit dem eingenommenen Geld wurden die an der Schaustellung beteiligten Personen entgolten.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie erläutert Die_Anatomie_des_Dr._Tulp seine Historischer Hintergrund?

Das Gemälde wurde von der Amsterdamer Chirurgengilde, deren offizieller städtischer Anatom Tulp war, in Auftrag gegeben. Das Geschehen kann auf den 31. Januar 1632 datiert werden, da die Gilde nur eine öffentliche Sektion pro Jahr gestattete, wobei die Leiche die eines hingerichteten Verbrechers sein musste.Zwei Personen auf diesem Gemälde sind besonders exponiert: Die eine ist der Arzt Nicolaes Tulp, der den anwesenden Zuschauern anhand der Sektion des linken Armes der zu obduzierenden Person die Skelettmuskulatur erklärt. Die andere ist der auf dem Tisch liegende Tote, gemeinhin als Adriaan Adriaanszoon identifiziert, was jedoch zunehmend angezweifelt wird. Adriaanszoon war ein gewalttätiger Straßenräuber, der wegen seiner Verbrechen gehängt wurde. Die anderen Personen sind vermutlich Jacob Jansz Colevelt, Adrian Cornilsz Slabberaen, Mathys Evertsz Calkoen, Jacob Jans de Witt, Jacob Dielofse Block und Frans van Loenen, was sich sowohl durch die Auftragslage als auch das mittig in der Hand gehaltene Papier stützen lässt. Anatomie-Vorführungen waren im 17. Jahrhundert ein gesellschaftliches Ereignis. Sie fanden in hörsaalähnlichen sogenannten anatomischen Theatern statt, in diesem Fall in De Waag, dem Zunfthaus der Amsterdamer Chirurgengilde. Das Publikum, oft Zunftkollegen, Studenten und Honoratioren, musste Eintritt bezahlen. Mit dem eingenommenen Geld wurden die an der Schaustellung beteiligten Personen entgolten.

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie wird die Historischer Hintergrund in Die_Anatomie_des_Dr._Tulp diskutiert?

Das Gemälde wurde von der Amsterdamer Chirurgengilde, deren offizieller städtischer Anatom Tulp war, in Auftrag gegeben. Das Geschehen kann auf den 31. Januar 1632 datiert werden, da die Gilde nur eine öffentliche Sektion pro Jahr gestattete, wobei die Leiche die eines hingerichteten Verbrechers sein musste.Zwei Personen auf diesem Gemälde sind besonders exponiert: Die eine ist der Arzt Nicolaes Tulp, der den anwesenden Zuschauern anhand der Sektion des linken Armes der zu obduzierenden Person die Skelettmuskulatur erklärt. Die andere ist der auf dem Tisch liegende Tote, gemeinhin als Adriaan Adriaanszoon identifiziert, was jedoch zunehmend angezweifelt wird. Adriaanszoon war ein gewalttätiger Straßenräuber, der wegen seiner Verbrechen gehängt wurde. Die anderen Personen sind vermutlich Jacob Jansz Colevelt, Adrian Cornilsz Slabberaen, Mathys Evertsz Calkoen, Jacob Jans de Witt, Jacob Dielofse Block und Frans van Loenen, was sich sowohl durch die Auftragslage als auch das mittig in der Hand gehaltene Papier stützen lässt. Anatomie-Vorführungen waren im 17. Jahrhundert ein gesellschaftliches Ereignis. Sie fanden in hörsaalähnlichen sogenannten anatomischen Theatern statt, in diesem Fall in De Waag, dem Zunfthaus der Amsterdamer Chirurgengilde. Das Publikum, oft Zunftkollegen, Studenten und Honoratioren, musste Eintritt bezahlen. Mit dem eingenommenen Geld wurden die an der Schaustellung beteiligten Personen entgolten.

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Anatomie_des_Dr._Tulp und erkunde erkläre die Das Gemälde.

Die abgebildeten Zuschauer sind dem gesellschaftlichen Anlass entsprechend feierlich gekleidet, es sind ebenso wie Nicolaes Tulp Mitglieder der Amsterdamer Gilde der Barbiere und Chirurgen. Der hohe Rang Tulps zeigt sich darin, dass er im Saal den Hut aufbehalten hat. Dies ist jedoch eine spätere kompositorische Lösung, da Röntgenaufnahmen in tieferen Malschichten einen Hut bei der am höchsten sitzenden Person offenbarten. Es wird ebenfalls angenommen, dass die Person links im Bild sowie die im Hintergrund über allen anderen Zuschauern stehende erst nachträglich in das Bild eingefügt wurden.Die damalige Wissenschaft erklärte, das blutige Handwerk der Sektion solle von anderen Berufsgruppen verrichtet werden. Folgerichtig gibt es in diesem Bild auch keine Schneideinstrumente, stattdessen schließt es im rechten unteren Rand mit einem gewaltigen Buch ab, das für den Betrachter nicht lesbar ist, doch ein Lehrbuch der Anatomie sein wird. Im Gemälde zeigt sich ein sachlicher Fehler: Der angehobene Muskel (Musculus flexor digitorum superficialis) müsste laut der anatomischen Nomenklatur auf der Innenseite des Ellenbogens seinen Ursprung haben, er setzt im Bild hingegen nicht dort an.Rembrandt war erst 25 Jahre alt, als er das Bild malte. Doch bereits hier, besonders in der Gestaltung der Person des Toten, zeigt sich eine Eigenart, die Rembrandt in späteren Jahren immer öfter praktizierte: das Abschatten von Gesichtern, das als Andeutung der umbra mortis gedeutet wird.Ende 1951 wurde das Gemälde nach einer Restaurierung durch J. C. Traas wieder im Rijksmuseum Amsterdam ausgestellt. Es hatte sich um die bis dahin siebente Restaurierung gehandelt, bei der Rembrandts echte Signatur wiederentdeckt wurde.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

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Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: ErkundeErkläre die Das Gemälde dieses Kunstwerks, Die_Anatomie_des_Dr._Tulp.

Die abgebildeten Zuschauer sind dem gesellschaftlichen Anlass entsprechend feierlich gekleidet, es sind ebenso wie Nicolaes Tulp Mitglieder der Amsterdamer Gilde der Barbiere und Chirurgen. Der hohe Rang Tulps zeigt sich darin, dass er im Saal den Hut aufbehalten hat. Dies ist jedoch eine spätere kompositorische Lösung, da Röntgenaufnahmen in tieferen Malschichten einen Hut bei der am höchsten sitzenden Person offenbarten. Es wird ebenfalls angenommen, dass die Person links im Bild sowie die im Hintergrund über allen anderen Zuschauern stehende erst nachträglich in das Bild eingefügt wurden.Die damalige Wissenschaft erklärte, das blutige Handwerk der Sektion solle von anderen Berufsgruppen verrichtet werden. Folgerichtig gibt es in diesem Bild auch keine Schneideinstrumente, stattdessen schließt es im rechten unteren Rand mit einem gewaltigen Buch ab, das für den Betrachter nicht lesbar ist, doch ein Lehrbuch der Anatomie sein wird. Im Gemälde zeigt sich ein sachlicher Fehler: Der angehobene Muskel (Musculus flexor digitorum superficialis) müsste laut der anatomischen Nomenklatur auf der Innenseite des Ellenbogens seinen Ursprung haben, er setzt im Bild hingegen nicht dort an.Rembrandt war erst 25 Jahre alt, als er das Bild malte. Doch bereits hier, besonders in der Gestaltung der Person des Toten, zeigt sich eine Eigenart, die Rembrandt in späteren Jahren immer öfter praktizierte: das Abschatten von Gesichtern, das als Andeutung der umbra mortis gedeutet wird.Ende 1951 wurde das Gemälde nach einer Restaurierung durch J. C. Traas wieder im Rijksmuseum Amsterdam ausgestellt. Es hatte sich um die bis dahin siebente Restaurierung gehandelt, bei der Rembrandts echte Signatur wiederentdeckt wurde.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie erläutert Die_Anatomie_des_Dr._Tulp seine Das Gemälde?

Die abgebildeten Zuschauer sind dem gesellschaftlichen Anlass entsprechend feierlich gekleidet, es sind ebenso wie Nicolaes Tulp Mitglieder der Amsterdamer Gilde der Barbiere und Chirurgen. Der hohe Rang Tulps zeigt sich darin, dass er im Saal den Hut aufbehalten hat. Dies ist jedoch eine spätere kompositorische Lösung, da Röntgenaufnahmen in tieferen Malschichten einen Hut bei der am höchsten sitzenden Person offenbarten. Es wird ebenfalls angenommen, dass die Person links im Bild sowie die im Hintergrund über allen anderen Zuschauern stehende erst nachträglich in das Bild eingefügt wurden.Die damalige Wissenschaft erklärte, das blutige Handwerk der Sektion solle von anderen Berufsgruppen verrichtet werden. Folgerichtig gibt es in diesem Bild auch keine Schneideinstrumente, stattdessen schließt es im rechten unteren Rand mit einem gewaltigen Buch ab, das für den Betrachter nicht lesbar ist, doch ein Lehrbuch der Anatomie sein wird. Im Gemälde zeigt sich ein sachlicher Fehler: Der angehobene Muskel (Musculus flexor digitorum superficialis) müsste laut der anatomischen Nomenklatur auf der Innenseite des Ellenbogens seinen Ursprung haben, er setzt im Bild hingegen nicht dort an.Rembrandt war erst 25 Jahre alt, als er das Bild malte. Doch bereits hier, besonders in der Gestaltung der Person des Toten, zeigt sich eine Eigenart, die Rembrandt in späteren Jahren immer öfter praktizierte: das Abschatten von Gesichtern, das als Andeutung der umbra mortis gedeutet wird.Ende 1951 wurde das Gemälde nach einer Restaurierung durch J. C. Traas wieder im Rijksmuseum Amsterdam ausgestellt. Es hatte sich um die bis dahin siebente Restaurierung gehandelt, bei der Rembrandts echte Signatur wiederentdeckt wurde.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie wird die Das Gemälde in Die_Anatomie_des_Dr._Tulp diskutiert?

Die abgebildeten Zuschauer sind dem gesellschaftlichen Anlass entsprechend feierlich gekleidet, es sind ebenso wie Nicolaes Tulp Mitglieder der Amsterdamer Gilde der Barbiere und Chirurgen. Der hohe Rang Tulps zeigt sich darin, dass er im Saal den Hut aufbehalten hat. Dies ist jedoch eine spätere kompositorische Lösung, da Röntgenaufnahmen in tieferen Malschichten einen Hut bei der am höchsten sitzenden Person offenbarten. Es wird ebenfalls angenommen, dass die Person links im Bild sowie die im Hintergrund über allen anderen Zuschauern stehende erst nachträglich in das Bild eingefügt wurden.Die damalige Wissenschaft erklärte, das blutige Handwerk der Sektion solle von anderen Berufsgruppen verrichtet werden. Folgerichtig gibt es in diesem Bild auch keine Schneideinstrumente, stattdessen schließt es im rechten unteren Rand mit einem gewaltigen Buch ab, das für den Betrachter nicht lesbar ist, doch ein Lehrbuch der Anatomie sein wird. Im Gemälde zeigt sich ein sachlicher Fehler: Der angehobene Muskel (Musculus flexor digitorum superficialis) müsste laut der anatomischen Nomenklatur auf der Innenseite des Ellenbogens seinen Ursprung haben, er setzt im Bild hingegen nicht dort an.Rembrandt war erst 25 Jahre alt, als er das Bild malte. Doch bereits hier, besonders in der Gestaltung der Person des Toten, zeigt sich eine Eigenart, die Rembrandt in späteren Jahren immer öfter praktizierte: das Abschatten von Gesichtern, das als Andeutung der umbra mortis gedeutet wird.Ende 1951 wurde das Gemälde nach einer Restaurierung durch J. C. Traas wieder im Rijksmuseum Amsterdam ausgestellt. Es hatte sich um die bis dahin siebente Restaurierung gehandelt, bei der Rembrandts echte Signatur wiederentdeckt wurde.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Anatomie_des_Dr._Tulp und erkunde erkläre die Nachwirkung.

Im 19. Jahrhundert hatte der französische Maler Henri Gervex – inspiriert von Rembrandts Bild – den Pathologen Jean-Martin Charcot auf seinem Werk „Leçon à la Salpetrière“ dargestellt.Im November 1967 entstanden mehrere Fotos des aufgebahrten Che Guevara, der kurz zuvor vom bolivianischen Militär gefangen genommen und erschossen worden war. Zu den bekanntesten Fotografien zählt die Aufnahme des bolivianischen Fotografen Freddy Alborta, die Offiziere, Soldaten und Zivilisten zeigt, die sich um Guevaras Leichnam platziert haben. Sie wurde vom britischen Kunstkritiker John Berger in einem bereits kurz nach dem Tod Guevaras erschienenen Essay mit der Anatomie des Dr. Tulp verglichen. Daneben kombinierten mehrere Künstler die Fotografie mit dem Gemälde, beispielsweise der Mexikaner Arnold Belkin in einer zwischen 1972 und 1975 entstandenen Serie von vier Acrylgemälden.W. G. Sebald beschäftigt sich in Die Ringe des Saturn ausführlich mit dem Gemälde, insbesondere auch mit dem anatomischen Fehler. Im Spielfilm Barbara von Christian Petzold (2012) interpretiert der Arzt André Reiser, in Anlehnung an Sebald, den Fehler so, dass Rembrandt die Hand absichtlich falsch gezeichnet hat – als eine zweite rechte Hand. Alle Ärzte schauen auf das Lehrbuch der Anatomie und sehen die Hand so, wie sie diese sehen wollen – wie im Lehrbuch abgebildet – nicht aber so, wie sie in der Realität vorliegt.Goscinny und Uderzo parodierten das Gemälde im Asterix-Band Der Seher. Der Seher „liest“ hierbei aus einem auf dem Tisch liegenden Fisch die Zukunft, während die Dorfbewohner um das Tischende herumstehen. In einem Werbetrailer des Computerspiels Deus Ex: Human Revolution wurde das Bild als Variation in einer computergenerierten Animation umgesetzt. Es dient als Parallele für das Ersetzen der Arme durch kybernetische Prothesen.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: ErkundeErkläre die Nachwirkung dieses Kunstwerks, Die_Anatomie_des_Dr._Tulp.

Im 19. Jahrhundert hatte der französische Maler Henri Gervex – inspiriert von Rembrandts Bild – den Pathologen Jean-Martin Charcot auf seinem Werk „Leçon à la Salpetrière“ dargestellt.Im November 1967 entstanden mehrere Fotos des aufgebahrten Che Guevara, der kurz zuvor vom bolivianischen Militär gefangen genommen und erschossen worden war. Zu den bekanntesten Fotografien zählt die Aufnahme des bolivianischen Fotografen Freddy Alborta, die Offiziere, Soldaten und Zivilisten zeigt, die sich um Guevaras Leichnam platziert haben. Sie wurde vom britischen Kunstkritiker John Berger in einem bereits kurz nach dem Tod Guevaras erschienenen Essay mit der Anatomie des Dr. Tulp verglichen. Daneben kombinierten mehrere Künstler die Fotografie mit dem Gemälde, beispielsweise der Mexikaner Arnold Belkin in einer zwischen 1972 und 1975 entstandenen Serie von vier Acrylgemälden.W. G. Sebald beschäftigt sich in Die Ringe des Saturn ausführlich mit dem Gemälde, insbesondere auch mit dem anatomischen Fehler. Im Spielfilm Barbara von Christian Petzold (2012) interpretiert der Arzt André Reiser, in Anlehnung an Sebald, den Fehler so, dass Rembrandt die Hand absichtlich falsch gezeichnet hat – als eine zweite rechte Hand. Alle Ärzte schauen auf das Lehrbuch der Anatomie und sehen die Hand so, wie sie diese sehen wollen – wie im Lehrbuch abgebildet – nicht aber so, wie sie in der Realität vorliegt.Goscinny und Uderzo parodierten das Gemälde im Asterix-Band Der Seher. Der Seher „liest“ hierbei aus einem auf dem Tisch liegenden Fisch die Zukunft, während die Dorfbewohner um das Tischende herumstehen. In einem Werbetrailer des Computerspiels Deus Ex: Human Revolution wurde das Bild als Variation in einer computergenerierten Animation umgesetzt. Es dient als Parallele für das Ersetzen der Arme durch kybernetische Prothesen.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie erläutert Die_Anatomie_des_Dr._Tulp seine Nachwirkung?

Im 19. Jahrhundert hatte der französische Maler Henri Gervex – inspiriert von Rembrandts Bild – den Pathologen Jean-Martin Charcot auf seinem Werk „Leçon à la Salpetrière“ dargestellt.Im November 1967 entstanden mehrere Fotos des aufgebahrten Che Guevara, der kurz zuvor vom bolivianischen Militär gefangen genommen und erschossen worden war. Zu den bekanntesten Fotografien zählt die Aufnahme des bolivianischen Fotografen Freddy Alborta, die Offiziere, Soldaten und Zivilisten zeigt, die sich um Guevaras Leichnam platziert haben. Sie wurde vom britischen Kunstkritiker John Berger in einem bereits kurz nach dem Tod Guevaras erschienenen Essay mit der Anatomie des Dr. Tulp verglichen. Daneben kombinierten mehrere Künstler die Fotografie mit dem Gemälde, beispielsweise der Mexikaner Arnold Belkin in einer zwischen 1972 und 1975 entstandenen Serie von vier Acrylgemälden.W. G. Sebald beschäftigt sich in Die Ringe des Saturn ausführlich mit dem Gemälde, insbesondere auch mit dem anatomischen Fehler. Im Spielfilm Barbara von Christian Petzold (2012) interpretiert der Arzt André Reiser, in Anlehnung an Sebald, den Fehler so, dass Rembrandt die Hand absichtlich falsch gezeichnet hat – als eine zweite rechte Hand. Alle Ärzte schauen auf das Lehrbuch der Anatomie und sehen die Hand so, wie sie diese sehen wollen – wie im Lehrbuch abgebildet – nicht aber so, wie sie in der Realität vorliegt.Goscinny und Uderzo parodierten das Gemälde im Asterix-Band Der Seher. Der Seher „liest“ hierbei aus einem auf dem Tisch liegenden Fisch die Zukunft, während die Dorfbewohner um das Tischende herumstehen. In einem Werbetrailer des Computerspiels Deus Ex: Human Revolution wurde das Bild als Variation in einer computergenerierten Animation umgesetzt. Es dient als Parallele für das Ersetzen der Arme durch kybernetische Prothesen.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Anatomie_des_Dr._Tulp

Prompt: Wie wird die Nachwirkung in Die_Anatomie_des_Dr._Tulp diskutiert?

Im 19. Jahrhundert hatte der französische Maler Henri Gervex – inspiriert von Rembrandts Bild – den Pathologen Jean-Martin Charcot auf seinem Werk „Leçon à la Salpetrière“ dargestellt.Im November 1967 entstanden mehrere Fotos des aufgebahrten Che Guevara, der kurz zuvor vom bolivianischen Militär gefangen genommen und erschossen worden war. Zu den bekanntesten Fotografien zählt die Aufnahme des bolivianischen Fotografen Freddy Alborta, die Offiziere, Soldaten und Zivilisten zeigt, die sich um Guevaras Leichnam platziert haben. Sie wurde vom britischen Kunstkritiker John Berger in einem bereits kurz nach dem Tod Guevaras erschienenen Essay mit der Anatomie des Dr. Tulp verglichen. Daneben kombinierten mehrere Künstler die Fotografie mit dem Gemälde, beispielsweise der Mexikaner Arnold Belkin in einer zwischen 1972 und 1975 entstandenen Serie von vier Acrylgemälden.W. G. Sebald beschäftigt sich in Die Ringe des Saturn ausführlich mit dem Gemälde, insbesondere auch mit dem anatomischen Fehler. Im Spielfilm Barbara von Christian Petzold (2012) interpretiert der Arzt André Reiser, in Anlehnung an Sebald, den Fehler so, dass Rembrandt die Hand absichtlich falsch gezeichnet hat – als eine zweite rechte Hand. Alle Ärzte schauen auf das Lehrbuch der Anatomie und sehen die Hand so, wie sie diese sehen wollen – wie im Lehrbuch abgebildet – nicht aber so, wie sie in der Realität vorliegt.Goscinny und Uderzo parodierten das Gemälde im Asterix-Band Der Seher. Der Seher „liest“ hierbei aus einem auf dem Tisch liegenden Fisch die Zukunft, während die Dorfbewohner um das Tischende herumstehen. In einem Werbetrailer des Computerspiels Deus Ex: Human Revolution wurde das Bild als Variation in einer computergenerierten Animation umgesetzt. Es dient als Parallele für das Ersetzen der Arme durch kybernetische Prothesen.

Kategorie:Gemälde von Rembrandt van Rijn

Freddy Albortas Foto des toten Che Guevara


Die_Kartoffelesser

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Kartoffelesser und erkunde erkläre die abstract.

Die Kartoffelesser (niederländisch De Aardappeleters) ist ein Gemälde Vincent van Goghs, das er im April 1885 in Nuenen malte.Das Gemälde misst 81,5 × 114,5 cm und ist mit Ölfarben auf Leinwand gemalt.

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Die_Kartoffelesser.

Die Kartoffelesser (niederländisch De Aardappeleters) ist ein Gemälde Vincent van Goghs, das er im April 1885 in Nuenen malte.Das Gemälde misst 81,5 × 114,5 cm und ist mit Ölfarben auf Leinwand gemalt.

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie erläutert Die_Kartoffelesser seine abstract?

Die Kartoffelesser (niederländisch De Aardappeleters) ist ein Gemälde Vincent van Goghs, das er im April 1885 in Nuenen malte.Das Gemälde misst 81,5 × 114,5 cm und ist mit Ölfarben auf Leinwand gemalt.

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie wird die abstract in Die_Kartoffelesser diskutiert?

Die Kartoffelesser (niederländisch De Aardappeleters) ist ein Gemälde Vincent van Goghs, das er im April 1885 in Nuenen malte.Das Gemälde misst 81,5 × 114,5 cm und ist mit Ölfarben auf Leinwand gemalt.

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Kartoffelesser und erkunde erkläre die Beschreibung.

Die Kartoffelesser ist das erste große Werk van Goghs. Er fertigte zwei Versionen des Themas an, an denen er einige Monate lang arbeitete. Die beiden Ölbilder entstanden zwischen dem 13. April und Anfang Mai.Dargestellt werden beim Nachtmahl sitzende Bauern. Van Gogh, der sich auch kurze Zeit als Prediger versuchte, wollte den Bezug des Menschen zur Natur und zu seiner Hände Arbeit ausdrücken. Er schreibt dazu am 30. April 1885 im Brief 404 an seinen Bruder Theo:Das Sujet existiert in zwei Versionen in Öl, die wohl im April 1885 entstanden: Die oben abgebildete Fassung im Van Gogh Museum in Amsterdam (F 82, JH 764, Größe 81,5 × 114,5 cm) und eine frühere Version im Kröller-Müller Museum, Otterlo (F 78, JH 734, Größe 72 × 93 cm).Darüber hinaus brachte van Gogh eine billige Lithografie heraus, die seitenverkehrt erscheint (der Künstler machte sich niemals die Mühe, Spiegelbilder umzukehren. Beispielsweise sind alle seiner Selbstporträts spiegelverkehrt).

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: ErkundeErkläre die Beschreibung dieses Kunstwerks, Die_Kartoffelesser.

Die Kartoffelesser ist das erste große Werk van Goghs. Er fertigte zwei Versionen des Themas an, an denen er einige Monate lang arbeitete. Die beiden Ölbilder entstanden zwischen dem 13. April und Anfang Mai.Dargestellt werden beim Nachtmahl sitzende Bauern. Van Gogh, der sich auch kurze Zeit als Prediger versuchte, wollte den Bezug des Menschen zur Natur und zu seiner Hände Arbeit ausdrücken. Er schreibt dazu am 30. April 1885 im Brief 404 an seinen Bruder Theo:Das Sujet existiert in zwei Versionen in Öl, die wohl im April 1885 entstanden: Die oben abgebildete Fassung im Van Gogh Museum in Amsterdam (F 82, JH 764, Größe 81,5 × 114,5 cm) und eine frühere Version im Kröller-Müller Museum, Otterlo (F 78, JH 734, Größe 72 × 93 cm).Darüber hinaus brachte van Gogh eine billige Lithografie heraus, die seitenverkehrt erscheint (der Künstler machte sich niemals die Mühe, Spiegelbilder umzukehren. Beispielsweise sind alle seiner Selbstporträts spiegelverkehrt).

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie erläutert Die_Kartoffelesser seine Beschreibung?

Die Kartoffelesser ist das erste große Werk van Goghs. Er fertigte zwei Versionen des Themas an, an denen er einige Monate lang arbeitete. Die beiden Ölbilder entstanden zwischen dem 13. April und Anfang Mai.Dargestellt werden beim Nachtmahl sitzende Bauern. Van Gogh, der sich auch kurze Zeit als Prediger versuchte, wollte den Bezug des Menschen zur Natur und zu seiner Hände Arbeit ausdrücken. Er schreibt dazu am 30. April 1885 im Brief 404 an seinen Bruder Theo:Das Sujet existiert in zwei Versionen in Öl, die wohl im April 1885 entstanden: Die oben abgebildete Fassung im Van Gogh Museum in Amsterdam (F 82, JH 764, Größe 81,5 × 114,5 cm) und eine frühere Version im Kröller-Müller Museum, Otterlo (F 78, JH 734, Größe 72 × 93 cm).Darüber hinaus brachte van Gogh eine billige Lithografie heraus, die seitenverkehrt erscheint (der Künstler machte sich niemals die Mühe, Spiegelbilder umzukehren. Beispielsweise sind alle seiner Selbstporträts spiegelverkehrt).

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie wird die Beschreibung in Die_Kartoffelesser diskutiert?

Die Kartoffelesser ist das erste große Werk van Goghs. Er fertigte zwei Versionen des Themas an, an denen er einige Monate lang arbeitete. Die beiden Ölbilder entstanden zwischen dem 13. April und Anfang Mai.Dargestellt werden beim Nachtmahl sitzende Bauern. Van Gogh, der sich auch kurze Zeit als Prediger versuchte, wollte den Bezug des Menschen zur Natur und zu seiner Hände Arbeit ausdrücken. Er schreibt dazu am 30. April 1885 im Brief 404 an seinen Bruder Theo:Das Sujet existiert in zwei Versionen in Öl, die wohl im April 1885 entstanden: Die oben abgebildete Fassung im Van Gogh Museum in Amsterdam (F 82, JH 764, Größe 81,5 × 114,5 cm) und eine frühere Version im Kröller-Müller Museum, Otterlo (F 78, JH 734, Größe 72 × 93 cm).Darüber hinaus brachte van Gogh eine billige Lithografie heraus, die seitenverkehrt erscheint (der Künstler machte sich niemals die Mühe, Spiegelbilder umzukehren. Beispielsweise sind alle seiner Selbstporträts spiegelverkehrt).

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Fokussiere dich auf Die_Kartoffelesser und erkunde erkläre die Entstehung und Kritik.

Fast 40 gemalte Studien von Köpfen, Händen und anderen geplanten Kompositionselementen zeigen die akribische Vorbereitung van Goghs auf das Gemälde.Wenige Tage nach dem Tod seines Vaters (dieser starb am 26. März 1885 an Herzstillstand) begann van Gogh, das sozialkritische Ölbild zu malen. Er benötigte hierfür gerade einmal drei Wochen. Er wollte wie Jean-François Millet malen und entdeckte hierbei seinen eigenen Malstil mit den erdigen Tönen.Rembrandts „Emmausmahl“ soll ihm als Vorbild gedient haben.Der Maler Anthon van Rappard kritisierte die Maltechnik (wie z. B. zu kurz geratene Arme, aufgedunsene Gesichter, schlechte Proportionen) und sprach van Gogh die Nachfolge Millets ab.Van Goghs Freund, der Maler Emile Bernard schrieb: „Mich bestürzte in diesem Durcheinander eine Mahlzeit armer Leute in einer unheimlichen Hütte unter trüber Lampe. Er nannte es Die Kartoffelesser; es war auf grandiose Weise häßlich und voll beruhigenden Lebens.“

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: ErkundeErkläre die Entstehung und Kritik dieses Kunstwerks, Die_Kartoffelesser.

Fast 40 gemalte Studien von Köpfen, Händen und anderen geplanten Kompositionselementen zeigen die akribische Vorbereitung van Goghs auf das Gemälde.Wenige Tage nach dem Tod seines Vaters (dieser starb am 26. März 1885 an Herzstillstand) begann van Gogh, das sozialkritische Ölbild zu malen. Er benötigte hierfür gerade einmal drei Wochen. Er wollte wie Jean-François Millet malen und entdeckte hierbei seinen eigenen Malstil mit den erdigen Tönen.Rembrandts „Emmausmahl“ soll ihm als Vorbild gedient haben.Der Maler Anthon van Rappard kritisierte die Maltechnik (wie z. B. zu kurz geratene Arme, aufgedunsene Gesichter, schlechte Proportionen) und sprach van Gogh die Nachfolge Millets ab.Van Goghs Freund, der Maler Emile Bernard schrieb: „Mich bestürzte in diesem Durcheinander eine Mahlzeit armer Leute in einer unheimlichen Hütte unter trüber Lampe. Er nannte es Die Kartoffelesser; es war auf grandiose Weise häßlich und voll beruhigenden Lebens.“

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie erläutert Die_Kartoffelesser seine Entstehung und Kritik?

Fast 40 gemalte Studien von Köpfen, Händen und anderen geplanten Kompositionselementen zeigen die akribische Vorbereitung van Goghs auf das Gemälde.Wenige Tage nach dem Tod seines Vaters (dieser starb am 26. März 1885 an Herzstillstand) begann van Gogh, das sozialkritische Ölbild zu malen. Er benötigte hierfür gerade einmal drei Wochen. Er wollte wie Jean-François Millet malen und entdeckte hierbei seinen eigenen Malstil mit den erdigen Tönen.Rembrandts „Emmausmahl“ soll ihm als Vorbild gedient haben.Der Maler Anthon van Rappard kritisierte die Maltechnik (wie z. B. zu kurz geratene Arme, aufgedunsene Gesichter, schlechte Proportionen) und sprach van Gogh die Nachfolge Millets ab.Van Goghs Freund, der Maler Emile Bernard schrieb: „Mich bestürzte in diesem Durcheinander eine Mahlzeit armer Leute in einer unheimlichen Hütte unter trüber Lampe. Er nannte es Die Kartoffelesser; es war auf grandiose Weise häßlich und voll beruhigenden Lebens.“

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

Datei:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Die_Kartoffelesser

Prompt: Wie wird die Entstehung und Kritik in Die_Kartoffelesser diskutiert?

Fast 40 gemalte Studien von Köpfen, Händen und anderen geplanten Kompositionselementen zeigen die akribische Vorbereitung van Goghs auf das Gemälde.Wenige Tage nach dem Tod seines Vaters (dieser starb am 26. März 1885 an Herzstillstand) begann van Gogh, das sozialkritische Ölbild zu malen. Er benötigte hierfür gerade einmal drei Wochen. Er wollte wie Jean-François Millet malen und entdeckte hierbei seinen eigenen Malstil mit den erdigen Tönen.Rembrandts „Emmausmahl“ soll ihm als Vorbild gedient haben.Der Maler Anthon van Rappard kritisierte die Maltechnik (wie z. B. zu kurz geratene Arme, aufgedunsene Gesichter, schlechte Proportionen) und sprach van Gogh die Nachfolge Millets ab.Van Goghs Freund, der Maler Emile Bernard schrieb: „Mich bestürzte in diesem Durcheinander eine Mahlzeit armer Leute in einer unheimlichen Hütte unter trüber Lampe. Er nannte es Die Kartoffelesser; es war auf grandiose Weise häßlich und voll beruhigenden Lebens.“

Datei:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Kategorie:Essen und Trinken (Bildende Kunst)

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Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Fokussiere dich auf Adele_Bloch-Bauer_I und erkunde erkläre die abstract.

Das Bildnis Adele Bloch-Bauer I, auch „Goldene Adele“ genannt, ist ein Gemälde von Gustav Klimt (1862–1918). Es gilt als eines der bedeutendsten Werke Klimts wie auch des österreichischen Jugendstils (Wiener Secession) insgesamt. Im Zuge der Medienberichterstattung rund um die Rückgabe des Gemäldes an die Erben durch die Republik Österreich wurde es mitunter als „Ikone“ der kulturellen Identität des Landes bezeichnet.2006 wurde es zu einem kolportierten Rekordpreis von 135 Millionen Dollar (106,7 Mio. Euro) – dem bis dahin höchsten Preis, der je für ein Gemälde gezahlt wurde – von dem US-amerikanischen Unternehmer Ronald Lauder für die von ihm gegründete Neue Galerie in Manhattan (New York) erworben.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

Datei:Meister von San Vitale in Ravenna 008.jpg

Österreichischen Staatsgalerie im Belvedere

Washingtoner Abkommen für Entschädigung und Restitution

Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

Österreich in der Zeit des Nationalsozialismus


Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Adele_Bloch-Bauer_I.

Das Bildnis Adele Bloch-Bauer I, auch „Goldene Adele“ genannt, ist ein Gemälde von Gustav Klimt (1862–1918). Es gilt als eines der bedeutendsten Werke Klimts wie auch des österreichischen Jugendstils (Wiener Secession) insgesamt. Im Zuge der Medienberichterstattung rund um die Rückgabe des Gemäldes an die Erben durch die Republik Österreich wurde es mitunter als „Ikone“ der kulturellen Identität des Landes bezeichnet.2006 wurde es zu einem kolportierten Rekordpreis von 135 Millionen Dollar (106,7 Mio. Euro) – dem bis dahin höchsten Preis, der je für ein Gemälde gezahlt wurde – von dem US-amerikanischen Unternehmer Ronald Lauder für die von ihm gegründete Neue Galerie in Manhattan (New York) erworben.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

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Österreichischen Staatsgalerie im Belvedere

Washingtoner Abkommen für Entschädigung und Restitution

Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

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Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Wie erläutert Adele_Bloch-Bauer_I seine abstract?

Das Bildnis Adele Bloch-Bauer I, auch „Goldene Adele“ genannt, ist ein Gemälde von Gustav Klimt (1862–1918). Es gilt als eines der bedeutendsten Werke Klimts wie auch des österreichischen Jugendstils (Wiener Secession) insgesamt. Im Zuge der Medienberichterstattung rund um die Rückgabe des Gemäldes an die Erben durch die Republik Österreich wurde es mitunter als „Ikone“ der kulturellen Identität des Landes bezeichnet.2006 wurde es zu einem kolportierten Rekordpreis von 135 Millionen Dollar (106,7 Mio. Euro) – dem bis dahin höchsten Preis, der je für ein Gemälde gezahlt wurde – von dem US-amerikanischen Unternehmer Ronald Lauder für die von ihm gegründete Neue Galerie in Manhattan (New York) erworben.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

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Österreichischen Staatsgalerie im Belvedere

Washingtoner Abkommen für Entschädigung und Restitution

Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

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Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Wie wird die abstract in Adele_Bloch-Bauer_I diskutiert?

Das Bildnis Adele Bloch-Bauer I, auch „Goldene Adele“ genannt, ist ein Gemälde von Gustav Klimt (1862–1918). Es gilt als eines der bedeutendsten Werke Klimts wie auch des österreichischen Jugendstils (Wiener Secession) insgesamt. Im Zuge der Medienberichterstattung rund um die Rückgabe des Gemäldes an die Erben durch die Republik Österreich wurde es mitunter als „Ikone“ der kulturellen Identität des Landes bezeichnet.2006 wurde es zu einem kolportierten Rekordpreis von 135 Millionen Dollar (106,7 Mio. Euro) – dem bis dahin höchsten Preis, der je für ein Gemälde gezahlt wurde – von dem US-amerikanischen Unternehmer Ronald Lauder für die von ihm gegründete Neue Galerie in Manhattan (New York) erworben.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

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Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

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Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Fokussiere dich auf Adele_Bloch-Bauer_I und erkunde erkläre die Beschreibung.

Adele Bloch-Bauer I ist ein Ölgemälde mit umfangreichen Blattsilber- und Blattgoldauflagen auf Leinwand im Format 138 × 138 Zentimeter.Der Gesamteindruck des Bildes wird von Gesicht und Händen im rechten oberen Viertel beherrscht, die, realistisch dargestellt, gegenüber dem ornamental fließenden Goldton des restlichen Bildes hervortreten und den Blick des Betrachters auf sich ziehen.Die Bildkomposition ist vertikal deutlich in zwei Hälften geteilt: in der rechten Hälfte ist Adele Bloch-Bauer dargestellt, die linke Hälfte ist dagegen fast leer, zeigt einen lediglich angedeuteten Innenraum, in dem im unteren Drittel des Bildes der weite Saum des Kleides oder Mantels der Porträtierten hineinreicht. Gustav Klimt hat auf die Andeutung einer Raumwirkung weitgehend verzichtet, so dass das Gemälde insgesamt flach wirkt. Die skizzierte Räumlichkeit tritt hinter der ornamentalen Qualität des goldenen Bildgrundes zurück, in dem Wohnraum, Sessel und Kleid flächenhaft nebeneinander gesetzt sind.Die schmale Figur steht scheinbar aufrecht, sitzt oder lehnt jedoch bei genauerem Hinsehen auf einem Polstersessel und nimmt die gesamte Vertikale des Bildes ein, der Kopf scheint am oberen Bildrand geradezu abgeschnitten. Die dunklen aufgesteckten Haare und der überproportional große rote Mund betonen die im Kontrast extrem bleiche, weiß-bläulich wirkende Haut, die durch das enganliegende Trägerkleid an Dekolleté und Armen freigegeben wird. Adele Bloch-Bauer hält die Hände vor der Brust lose ineinander gelegt und blickt den Betrachter direkt an.Um das enge Kleid breitet sich ein weites Tuch oder ein Mantel, der von den Armen ausgehend seitlich weit auseinanderfließend bis an die Bildränder ausgreift.Kleid, Mantel, Sessel und Bildgrund sind vorwiegend mit Gold belegt. Das enge Kleid zeigt am oberen Abschluss eine schmale Leiste teils linienhafter Rechtecke und einen breiteren Abschnitt mit einer Doppelreihe hoher, schlanker Dreiecke. Daran schließt ein Muster aus quer angeordneten stilisierten Augen an, die von großen flachen Dreiecken umfasst sind, welche an ein allsehendes Auge erinnern. Das Kleid wirkt insgesamt etwas dunkler als der umgebende Mantel mit seinen eingestreuten Ornamenten aus Spiralen und blattartigen Symbolen und angedeutetem Faltenwurf. Der ebenfalls goldene Sessel ist vom Bildgrund nur durch seine mit Spiralmuster gestaltete Oberfläche zu unterscheiden, Schattenwurf oder Konturen fehlen ganz oder sind nur sparsam angedeutet.Hinter Oberkörper und Kopf sind zwei große viereckige Flächen, möglicherweise Kissen erkennbar, die das helle Gesicht vor den dunklen Farbtönen und kleinteiligen Ornamenten hervortreten lassen.Die linke Bildhälfte könnte für die Wand eines Innenraums stehen. Sie ist flächig golden marmoriert, das untere Viertel ist grün gehalten und von der goldenen Fläche mit einer schwarz-weißen Bordüre mit Schachbrettmuster abgesetzt. Es könnte sich bei der grünen Fläche um eine angedeutete Wandtäfelung oder Wandmalerei, aber auch um einen an eine Sesselleiste anschließenden Fußboden handeln.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

Datei:Meister von San Vitale in Ravenna 008.jpg

Österreichischen Staatsgalerie im Belvedere

Washingtoner Abkommen für Entschädigung und Restitution

Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

Österreich in der Zeit des Nationalsozialismus


Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: ErkundeErkläre die Beschreibung dieses Kunstwerks, Adele_Bloch-Bauer_I.

Adele Bloch-Bauer I ist ein Ölgemälde mit umfangreichen Blattsilber- und Blattgoldauflagen auf Leinwand im Format 138 × 138 Zentimeter.Der Gesamteindruck des Bildes wird von Gesicht und Händen im rechten oberen Viertel beherrscht, die, realistisch dargestellt, gegenüber dem ornamental fließenden Goldton des restlichen Bildes hervortreten und den Blick des Betrachters auf sich ziehen.Die Bildkomposition ist vertikal deutlich in zwei Hälften geteilt: in der rechten Hälfte ist Adele Bloch-Bauer dargestellt, die linke Hälfte ist dagegen fast leer, zeigt einen lediglich angedeuteten Innenraum, in dem im unteren Drittel des Bildes der weite Saum des Kleides oder Mantels der Porträtierten hineinreicht. Gustav Klimt hat auf die Andeutung einer Raumwirkung weitgehend verzichtet, so dass das Gemälde insgesamt flach wirkt. Die skizzierte Räumlichkeit tritt hinter der ornamentalen Qualität des goldenen Bildgrundes zurück, in dem Wohnraum, Sessel und Kleid flächenhaft nebeneinander gesetzt sind.Die schmale Figur steht scheinbar aufrecht, sitzt oder lehnt jedoch bei genauerem Hinsehen auf einem Polstersessel und nimmt die gesamte Vertikale des Bildes ein, der Kopf scheint am oberen Bildrand geradezu abgeschnitten. Die dunklen aufgesteckten Haare und der überproportional große rote Mund betonen die im Kontrast extrem bleiche, weiß-bläulich wirkende Haut, die durch das enganliegende Trägerkleid an Dekolleté und Armen freigegeben wird. Adele Bloch-Bauer hält die Hände vor der Brust lose ineinander gelegt und blickt den Betrachter direkt an.Um das enge Kleid breitet sich ein weites Tuch oder ein Mantel, der von den Armen ausgehend seitlich weit auseinanderfließend bis an die Bildränder ausgreift.Kleid, Mantel, Sessel und Bildgrund sind vorwiegend mit Gold belegt. Das enge Kleid zeigt am oberen Abschluss eine schmale Leiste teils linienhafter Rechtecke und einen breiteren Abschnitt mit einer Doppelreihe hoher, schlanker Dreiecke. Daran schließt ein Muster aus quer angeordneten stilisierten Augen an, die von großen flachen Dreiecken umfasst sind, welche an ein allsehendes Auge erinnern. Das Kleid wirkt insgesamt etwas dunkler als der umgebende Mantel mit seinen eingestreuten Ornamenten aus Spiralen und blattartigen Symbolen und angedeutetem Faltenwurf. Der ebenfalls goldene Sessel ist vom Bildgrund nur durch seine mit Spiralmuster gestaltete Oberfläche zu unterscheiden, Schattenwurf oder Konturen fehlen ganz oder sind nur sparsam angedeutet.Hinter Oberkörper und Kopf sind zwei große viereckige Flächen, möglicherweise Kissen erkennbar, die das helle Gesicht vor den dunklen Farbtönen und kleinteiligen Ornamenten hervortreten lassen.Die linke Bildhälfte könnte für die Wand eines Innenraums stehen. Sie ist flächig golden marmoriert, das untere Viertel ist grün gehalten und von der goldenen Fläche mit einer schwarz-weißen Bordüre mit Schachbrettmuster abgesetzt. Es könnte sich bei der grünen Fläche um eine angedeutete Wandtäfelung oder Wandmalerei, aber auch um einen an eine Sesselleiste anschließenden Fußboden handeln.

Bundesgesetz über die Rückgabe von Kunstgegenständen

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Österreichischen Staatsgalerie im Belvedere

Washingtoner Abkommen für Entschädigung und Restitution

Aus Klimts „Goldener Periode“:<br /> ''[[Der Kuss (Klimt)

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