Liebe

Prompt: Erkunde Erkläre die Weitere soziologische Aspekte über die Liebe in der Wissenschaft dieses Kunstwerks, Liebe.

Wesentlich ist im sozialen Kontext die Unterscheidung zwischen der einseitigen und der gegenseitigen Liebe. Erstere hat ihren Spezialfall in der im Volksmund sogenannten unglücklichen Liebe (vgl. Liebeskummer).Viele Bezeichnungen für Fachgebiete sind, ebenso wie eine Reihe anderer Begriffe, auf dem Präfix phil- aufgebaut, das für Liebe steht. Hierzu zählen insbesondere die Philosophie (ursprünglich: Liebe zur Weisheit) und die Philologie (ursprünglich: Liebe zu Sprachen). Die Philatelie sei stellvertretend für andere Sammelleidenschaften genannt, der Name Philipp („Philhippos“, verschiedene Schreibweisen) bedeutet „Pferdeliebhaber“.Einen christlichen Standpunkt innerhalb der Existenzphilosophie vertritt Gabriel Marcel in Sein und Haben: Der Mensch existiere ursprünglich nicht in der Abgrenzung, sondern in der Teilhabe am Mitmenschen und göttlichen Sein. In dieser Seinsteilhabe verwirkliche sich die Liebe, die sich vorbehaltlos öffne, wenn der Mensch dessen in innerlicher Hingabe gewahr werde.Seit Harry Harlow (siehe Literatur: Psychologie) seinen Bericht über die Untersuchungen an Affenjungen veröffentlicht hat (Das Wesen der Liebe), lässt sich diskutieren, ob Liebe auch von Tieren empfunden und erlebt werden kann. Sein Konzept von der Liebe ist allerdings eher positivistisch orientiert, denn Liebe sei ein Gefühl der Haut, indem sie sich eben vorwiegend über die Berührung zweier Lebewesen realisiere.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

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Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: In Liebe, wie wird die Weitere soziologische Aspekte der Liebe in der Wissenschaft erläutert?

Wesentlich ist im sozialen Kontext die Unterscheidung zwischen der einseitigen und der gegenseitigen Liebe. Erstere hat ihren Spezialfall in der im Volksmund sogenannten unglücklichen Liebe (vgl. Liebeskummer).Viele Bezeichnungen für Fachgebiete sind, ebenso wie eine Reihe anderer Begriffe, auf dem Präfix phil- aufgebaut, das für Liebe steht. Hierzu zählen insbesondere die Philosophie (ursprünglich: Liebe zur Weisheit) und die Philologie (ursprünglich: Liebe zu Sprachen). Die Philatelie sei stellvertretend für andere Sammelleidenschaften genannt, der Name Philipp („Philhippos“, verschiedene Schreibweisen) bedeutet „Pferdeliebhaber“.Einen christlichen Standpunkt innerhalb der Existenzphilosophie vertritt Gabriel Marcel in Sein und Haben: Der Mensch existiere ursprünglich nicht in der Abgrenzung, sondern in der Teilhabe am Mitmenschen und göttlichen Sein. In dieser Seinsteilhabe verwirkliche sich die Liebe, die sich vorbehaltlos öffne, wenn der Mensch dessen in innerlicher Hingabe gewahr werde.Seit Harry Harlow (siehe Literatur: Psychologie) seinen Bericht über die Untersuchungen an Affenjungen veröffentlicht hat (Das Wesen der Liebe), lässt sich diskutieren, ob Liebe auch von Tieren empfunden und erlebt werden kann. Sein Konzept von der Liebe ist allerdings eher positivistisch orientiert, denn Liebe sei ein Gefühl der Haut, indem sie sich eben vorwiegend über die Berührung zweier Lebewesen realisiere.

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Liebe

Prompt: Beschreibe die Merkmale der Weitere soziologische Aspekte in  der Liebe's Liebe in der Wissenschaft von Liebe.

Wesentlich ist im sozialen Kontext die Unterscheidung zwischen der einseitigen und der gegenseitigen Liebe. Erstere hat ihren Spezialfall in der im Volksmund sogenannten unglücklichen Liebe (vgl. Liebeskummer).Viele Bezeichnungen für Fachgebiete sind, ebenso wie eine Reihe anderer Begriffe, auf dem Präfix phil- aufgebaut, das für Liebe steht. Hierzu zählen insbesondere die Philosophie (ursprünglich: Liebe zur Weisheit) und die Philologie (ursprünglich: Liebe zu Sprachen). Die Philatelie sei stellvertretend für andere Sammelleidenschaften genannt, der Name Philipp („Philhippos“, verschiedene Schreibweisen) bedeutet „Pferdeliebhaber“.Einen christlichen Standpunkt innerhalb der Existenzphilosophie vertritt Gabriel Marcel in Sein und Haben: Der Mensch existiere ursprünglich nicht in der Abgrenzung, sondern in der Teilhabe am Mitmenschen und göttlichen Sein. In dieser Seinsteilhabe verwirkliche sich die Liebe, die sich vorbehaltlos öffne, wenn der Mensch dessen in innerlicher Hingabe gewahr werde.Seit Harry Harlow (siehe Literatur: Psychologie) seinen Bericht über die Untersuchungen an Affenjungen veröffentlicht hat (Das Wesen der Liebe), lässt sich diskutieren, ob Liebe auch von Tieren empfunden und erlebt werden kann. Sein Konzept von der Liebe ist allerdings eher positivistisch orientiert, denn Liebe sei ein Gefühl der Haut, indem sie sich eben vorwiegend über die Berührung zweier Lebewesen realisiere.

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Liebe

Prompt: Fokussiere dich auf Liebe und erkunde erkläre die Liebe in der Literatur.

Wanders Deutsches Sprichwörter-Lexikon bietet zu Liebe, Liebeli, Liebelei, Liebeln, Lieben, Liebende usw. ca. tausend Sprichwörter. Auch in der medizinischen Fachliteratur erscheinen die Liebe und deren Folgen (etwa der „Liebeskummer“) seit der Antike. In zahlreichen Sprachen wurde und wird das Thema Liebe aufgenommen (siehe auch Liebeslyrik). Das klassische Liebesdrama schlechthin ist William Shakespeares Romeo und Julia. In der sogenannten Trivialliteratur ist besonders der sogenannte Liebesroman zu erwähnen.Minnesang bzw. Minnedichtung reflektierten programmatisch unerfüllte Liebe, priesen die Angebetete oder schilderten erotische Erlebnisse (ab Mitte des 13. Jahrhunderts).Die Schäferdichtung war eine beliebte Literaturgattung der europäischen Renaissance und des Barock in der Tradition der Bukolik. Sie entwickelte sich ursprünglich aus der Schäferei, einer höfischen Rollendichtung, die durch die Verschmelzung von lyrisch-musikalischen Elementen, Prosa, Dialogen und kunstvollen Versen gekennzeichnet war und das Hirtenleben idealisierte. Ein beliebtes Thema ist der Bericht von einer spröden, abweisenden Geliebten, der ein Liebender gegenübersteht, der ihr völlig ausgeliefert ist, sich nach ihr verzehrt und, unter Umständen sogar krankhaft leidet. Gefühle wie unerfüllte Liebe, Lobgesänge auf eine Schäferin, Wehmut in Anbetracht einer schöneren Vergangenheit oder einer verlorenen Heimat zählen zu den typischen Gegenständen der künstlerischen Darstellung.

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Liebe

Prompt: ErkundeErkläre die Liebe in der Literatur dieses Kunstwerks, Liebe.

Wanders Deutsches Sprichwörter-Lexikon bietet zu Liebe, Liebeli, Liebelei, Liebeln, Lieben, Liebende usw. ca. tausend Sprichwörter. Auch in der medizinischen Fachliteratur erscheinen die Liebe und deren Folgen (etwa der „Liebeskummer“) seit der Antike. In zahlreichen Sprachen wurde und wird das Thema Liebe aufgenommen (siehe auch Liebeslyrik). Das klassische Liebesdrama schlechthin ist William Shakespeares Romeo und Julia. In der sogenannten Trivialliteratur ist besonders der sogenannte Liebesroman zu erwähnen.Minnesang bzw. Minnedichtung reflektierten programmatisch unerfüllte Liebe, priesen die Angebetete oder schilderten erotische Erlebnisse (ab Mitte des 13. Jahrhunderts).Die Schäferdichtung war eine beliebte Literaturgattung der europäischen Renaissance und des Barock in der Tradition der Bukolik. Sie entwickelte sich ursprünglich aus der Schäferei, einer höfischen Rollendichtung, die durch die Verschmelzung von lyrisch-musikalischen Elementen, Prosa, Dialogen und kunstvollen Versen gekennzeichnet war und das Hirtenleben idealisierte. Ein beliebtes Thema ist der Bericht von einer spröden, abweisenden Geliebten, der ein Liebender gegenübersteht, der ihr völlig ausgeliefert ist, sich nach ihr verzehrt und, unter Umständen sogar krankhaft leidet. Gefühle wie unerfüllte Liebe, Lobgesänge auf eine Schäferin, Wehmut in Anbetracht einer schöneren Vergangenheit oder einer verlorenen Heimat zählen zu den typischen Gegenständen der künstlerischen Darstellung.

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Liebe

Prompt: Wie erläutert Liebe seine Liebe in der Literatur?

Wanders Deutsches Sprichwörter-Lexikon bietet zu Liebe, Liebeli, Liebelei, Liebeln, Lieben, Liebende usw. ca. tausend Sprichwörter. Auch in der medizinischen Fachliteratur erscheinen die Liebe und deren Folgen (etwa der „Liebeskummer“) seit der Antike. In zahlreichen Sprachen wurde und wird das Thema Liebe aufgenommen (siehe auch Liebeslyrik). Das klassische Liebesdrama schlechthin ist William Shakespeares Romeo und Julia. In der sogenannten Trivialliteratur ist besonders der sogenannte Liebesroman zu erwähnen.Minnesang bzw. Minnedichtung reflektierten programmatisch unerfüllte Liebe, priesen die Angebetete oder schilderten erotische Erlebnisse (ab Mitte des 13. Jahrhunderts).Die Schäferdichtung war eine beliebte Literaturgattung der europäischen Renaissance und des Barock in der Tradition der Bukolik. Sie entwickelte sich ursprünglich aus der Schäferei, einer höfischen Rollendichtung, die durch die Verschmelzung von lyrisch-musikalischen Elementen, Prosa, Dialogen und kunstvollen Versen gekennzeichnet war und das Hirtenleben idealisierte. Ein beliebtes Thema ist der Bericht von einer spröden, abweisenden Geliebten, der ein Liebender gegenübersteht, der ihr völlig ausgeliefert ist, sich nach ihr verzehrt und, unter Umständen sogar krankhaft leidet. Gefühle wie unerfüllte Liebe, Lobgesänge auf eine Schäferin, Wehmut in Anbetracht einer schöneren Vergangenheit oder einer verlorenen Heimat zählen zu den typischen Gegenständen der künstlerischen Darstellung.

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Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

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Liebe

Prompt: Wie wird die Liebe in der Literatur in Liebe diskutiert?

Wanders Deutsches Sprichwörter-Lexikon bietet zu Liebe, Liebeli, Liebelei, Liebeln, Lieben, Liebende usw. ca. tausend Sprichwörter. Auch in der medizinischen Fachliteratur erscheinen die Liebe und deren Folgen (etwa der „Liebeskummer“) seit der Antike. In zahlreichen Sprachen wurde und wird das Thema Liebe aufgenommen (siehe auch Liebeslyrik). Das klassische Liebesdrama schlechthin ist William Shakespeares Romeo und Julia. In der sogenannten Trivialliteratur ist besonders der sogenannte Liebesroman zu erwähnen.Minnesang bzw. Minnedichtung reflektierten programmatisch unerfüllte Liebe, priesen die Angebetete oder schilderten erotische Erlebnisse (ab Mitte des 13. Jahrhunderts).Die Schäferdichtung war eine beliebte Literaturgattung der europäischen Renaissance und des Barock in der Tradition der Bukolik. Sie entwickelte sich ursprünglich aus der Schäferei, einer höfischen Rollendichtung, die durch die Verschmelzung von lyrisch-musikalischen Elementen, Prosa, Dialogen und kunstvollen Versen gekennzeichnet war und das Hirtenleben idealisierte. Ein beliebtes Thema ist der Bericht von einer spröden, abweisenden Geliebten, der ein Liebender gegenübersteht, der ihr völlig ausgeliefert ist, sich nach ihr verzehrt und, unter Umständen sogar krankhaft leidet. Gefühle wie unerfüllte Liebe, Lobgesänge auf eine Schäferin, Wehmut in Anbetracht einer schöneren Vergangenheit oder einer verlorenen Heimat zählen zu den typischen Gegenständen der künstlerischen Darstellung.

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Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

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Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

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„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: Fokussiere dich auf Liebe und erkunde erkläre die Liebe in der Musik.

In der Musik ist Liebe seit jeher das dominanteste aller Themen. Dazu gehören neben Balladen und romantischer Musik im Allgemeinen besonders auch Liebeslieder. In der Populären Musik kann, was die Massentauglichkeit des Themas betrifft, die Loveparade genannt werden. Die Rockband Sonic Youth hat 1986 mit dem Album Evol auf die Bedeutung der rückwärts gelesenen Schreibweise mit dem Anklang an evil (böse) aufmerksam gemacht. 1975 erschien der Song Love Is the Drug der Rockband Roxy Music um einen der bekanntesten „Ladies men“ der Rockszene, Bryan Ferry. John Miles hat 1976 den Song Music mit der Zeile „Music was my first love and it will be my last“ veröffentlicht. Singer/Songwriter wie Leonard Cohen (Songs of Love and Hate, 1971) und Avantgarde-Bands wie die New Age Steppers (Love Forever, 1981; Some Love als Coverversion von Chaka Khan, 1978/1983) oder Depeche Mode (Freelove, 2001) haben weithin beachtete Songs und Alben zum Thema verfasst. So auch die deutsche Band Der Plan mit Ich Liebe Dich von 1986. Auf der ersten Public Image Ltd. ist mit Fodderstompf ein Song erschienen, in dem über eine Strecke von fast acht Minuten ausschließlich der Satz „We only wanted to be loved“ kommentiert wird. Der Disco beschäftigt sich fast ausschließlich mit den Themen Liebe und Tanz. So zum Beispiel Donna Summers, von Giorgio Moroder produzierter, zu seiner Zeit skandalöser Song I Feel Love. Auch im Schlager ist die Liebe das Hauptthema. Im Kriegsjahr 1940 wurde von Marika Rökk das Lied Musik, Musik, Musik mit der Zeile „Ich brauche deine Liebe und Musik, Musik, Musik“ veröffentlicht. In Frankreich erschien 1969 der Chanson Je t’aime … moi non plus von Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot und Jane Birkin. Erwähnt werden können auch Elvis Presley mit Love Me Tender, die Beatles mit All You Need Is Love und Weiteren sowie die Bee Gees mit How Deep Is Your Love. Im Country, der sich weithin mit Lovesongs befasst, zum Beispiel Tammy Wynettes Stand By Your Man von 1968. In der Musik der Hippies spielte das Thema eine hervorragende Rolle, etwa in Yummy Yummy Yummy der Bubblegum-Band Ohio Express aus dem gleichen Jahr. Bereits im Jahr 1965 wurde die etwas später sehr erfolgreiche Psychedelic-Rock-Band Love gegründet. Im Jazz findet sich das Thema vielfach, 1947 erschien beispielsweise Nat King Coles Kemo Kimo mit dem Refrain „I Love You“. Ebenso bei Charles Mingus (Love Chant von 1956), Miles Davis, Ella Fitzgerald, Billie Holiday und vielen Weiteren.In der Oper sind besonders Arien Ausdruck der Auseinandersetzung mit der Liebe. Zu den bekanntesten Opern, die sich mit Liebe befassen, zählen Wolfgang Amadeus Mozarts Don Giovanni, Richard Wagners Tristan und Isolde, Giuseppe Verdis La Traviata und Georges Bizets Carmen. Auch die Operette behandelt vorwiegend das Thema. Musicals beschäftigen sich ebenso oft damit. So zum Beispiel Dirty Dancing, Grease, die West Side Story oder Saturday Night Fever.In der christlichen Musik werden vor allem die Gottesliebe und die Nächstenliebe besungen, wie beispielsweise in der Antiphon Ubi caritas oder in Das Liebesmahl der Apostel von Richard Wagner. Vereinzelt gibt es aber auch dort musikalische Umsetzungen der Partnerliebe, etwa in Joseph Haydns Oratorium Die Schöpfung das Liebesduett Holde Gattin, dir zur Seite zwischen Adam und Eva.

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Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

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Liebe

Prompt: ErkundeErkläre die Liebe in der Musik dieses Kunstwerks, Liebe.

In der Musik ist Liebe seit jeher das dominanteste aller Themen. Dazu gehören neben Balladen und romantischer Musik im Allgemeinen besonders auch Liebeslieder. In der Populären Musik kann, was die Massentauglichkeit des Themas betrifft, die Loveparade genannt werden. Die Rockband Sonic Youth hat 1986 mit dem Album Evol auf die Bedeutung der rückwärts gelesenen Schreibweise mit dem Anklang an evil (böse) aufmerksam gemacht. 1975 erschien der Song Love Is the Drug der Rockband Roxy Music um einen der bekanntesten „Ladies men“ der Rockszene, Bryan Ferry. John Miles hat 1976 den Song Music mit der Zeile „Music was my first love and it will be my last“ veröffentlicht. Singer/Songwriter wie Leonard Cohen (Songs of Love and Hate, 1971) und Avantgarde-Bands wie die New Age Steppers (Love Forever, 1981; Some Love als Coverversion von Chaka Khan, 1978/1983) oder Depeche Mode (Freelove, 2001) haben weithin beachtete Songs und Alben zum Thema verfasst. So auch die deutsche Band Der Plan mit Ich Liebe Dich von 1986. Auf der ersten Public Image Ltd. ist mit Fodderstompf ein Song erschienen, in dem über eine Strecke von fast acht Minuten ausschließlich der Satz „We only wanted to be loved“ kommentiert wird. Der Disco beschäftigt sich fast ausschließlich mit den Themen Liebe und Tanz. So zum Beispiel Donna Summers, von Giorgio Moroder produzierter, zu seiner Zeit skandalöser Song I Feel Love. Auch im Schlager ist die Liebe das Hauptthema. Im Kriegsjahr 1940 wurde von Marika Rökk das Lied Musik, Musik, Musik mit der Zeile „Ich brauche deine Liebe und Musik, Musik, Musik“ veröffentlicht. In Frankreich erschien 1969 der Chanson Je t’aime … moi non plus von Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot und Jane Birkin. Erwähnt werden können auch Elvis Presley mit Love Me Tender, die Beatles mit All You Need Is Love und Weiteren sowie die Bee Gees mit How Deep Is Your Love. Im Country, der sich weithin mit Lovesongs befasst, zum Beispiel Tammy Wynettes Stand By Your Man von 1968. In der Musik der Hippies spielte das Thema eine hervorragende Rolle, etwa in Yummy Yummy Yummy der Bubblegum-Band Ohio Express aus dem gleichen Jahr. Bereits im Jahr 1965 wurde die etwas später sehr erfolgreiche Psychedelic-Rock-Band Love gegründet. Im Jazz findet sich das Thema vielfach, 1947 erschien beispielsweise Nat King Coles Kemo Kimo mit dem Refrain „I Love You“. Ebenso bei Charles Mingus (Love Chant von 1956), Miles Davis, Ella Fitzgerald, Billie Holiday und vielen Weiteren.In der Oper sind besonders Arien Ausdruck der Auseinandersetzung mit der Liebe. Zu den bekanntesten Opern, die sich mit Liebe befassen, zählen Wolfgang Amadeus Mozarts Don Giovanni, Richard Wagners Tristan und Isolde, Giuseppe Verdis La Traviata und Georges Bizets Carmen. Auch die Operette behandelt vorwiegend das Thema. Musicals beschäftigen sich ebenso oft damit. So zum Beispiel Dirty Dancing, Grease, die West Side Story oder Saturday Night Fever.In der christlichen Musik werden vor allem die Gottesliebe und die Nächstenliebe besungen, wie beispielsweise in der Antiphon Ubi caritas oder in Das Liebesmahl der Apostel von Richard Wagner. Vereinzelt gibt es aber auch dort musikalische Umsetzungen der Partnerliebe, etwa in Joseph Haydns Oratorium Die Schöpfung das Liebesduett Holde Gattin, dir zur Seite zwischen Adam und Eva.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

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Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

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„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

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Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: Wie erläutert Liebe seine Liebe in der Musik?

In der Musik ist Liebe seit jeher das dominanteste aller Themen. Dazu gehören neben Balladen und romantischer Musik im Allgemeinen besonders auch Liebeslieder. In der Populären Musik kann, was die Massentauglichkeit des Themas betrifft, die Loveparade genannt werden. Die Rockband Sonic Youth hat 1986 mit dem Album Evol auf die Bedeutung der rückwärts gelesenen Schreibweise mit dem Anklang an evil (böse) aufmerksam gemacht. 1975 erschien der Song Love Is the Drug der Rockband Roxy Music um einen der bekanntesten „Ladies men“ der Rockszene, Bryan Ferry. John Miles hat 1976 den Song Music mit der Zeile „Music was my first love and it will be my last“ veröffentlicht. Singer/Songwriter wie Leonard Cohen (Songs of Love and Hate, 1971) und Avantgarde-Bands wie die New Age Steppers (Love Forever, 1981; Some Love als Coverversion von Chaka Khan, 1978/1983) oder Depeche Mode (Freelove, 2001) haben weithin beachtete Songs und Alben zum Thema verfasst. So auch die deutsche Band Der Plan mit Ich Liebe Dich von 1986. Auf der ersten Public Image Ltd. ist mit Fodderstompf ein Song erschienen, in dem über eine Strecke von fast acht Minuten ausschließlich der Satz „We only wanted to be loved“ kommentiert wird. Der Disco beschäftigt sich fast ausschließlich mit den Themen Liebe und Tanz. So zum Beispiel Donna Summers, von Giorgio Moroder produzierter, zu seiner Zeit skandalöser Song I Feel Love. Auch im Schlager ist die Liebe das Hauptthema. Im Kriegsjahr 1940 wurde von Marika Rökk das Lied Musik, Musik, Musik mit der Zeile „Ich brauche deine Liebe und Musik, Musik, Musik“ veröffentlicht. In Frankreich erschien 1969 der Chanson Je t’aime … moi non plus von Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot und Jane Birkin. Erwähnt werden können auch Elvis Presley mit Love Me Tender, die Beatles mit All You Need Is Love und Weiteren sowie die Bee Gees mit How Deep Is Your Love. Im Country, der sich weithin mit Lovesongs befasst, zum Beispiel Tammy Wynettes Stand By Your Man von 1968. In der Musik der Hippies spielte das Thema eine hervorragende Rolle, etwa in Yummy Yummy Yummy der Bubblegum-Band Ohio Express aus dem gleichen Jahr. Bereits im Jahr 1965 wurde die etwas später sehr erfolgreiche Psychedelic-Rock-Band Love gegründet. Im Jazz findet sich das Thema vielfach, 1947 erschien beispielsweise Nat King Coles Kemo Kimo mit dem Refrain „I Love You“. Ebenso bei Charles Mingus (Love Chant von 1956), Miles Davis, Ella Fitzgerald, Billie Holiday und vielen Weiteren.In der Oper sind besonders Arien Ausdruck der Auseinandersetzung mit der Liebe. Zu den bekanntesten Opern, die sich mit Liebe befassen, zählen Wolfgang Amadeus Mozarts Don Giovanni, Richard Wagners Tristan und Isolde, Giuseppe Verdis La Traviata und Georges Bizets Carmen. Auch die Operette behandelt vorwiegend das Thema. Musicals beschäftigen sich ebenso oft damit. So zum Beispiel Dirty Dancing, Grease, die West Side Story oder Saturday Night Fever.In der christlichen Musik werden vor allem die Gottesliebe und die Nächstenliebe besungen, wie beispielsweise in der Antiphon Ubi caritas oder in Das Liebesmahl der Apostel von Richard Wagner. Vereinzelt gibt es aber auch dort musikalische Umsetzungen der Partnerliebe, etwa in Joseph Haydns Oratorium Die Schöpfung das Liebesduett Holde Gattin, dir zur Seite zwischen Adam und Eva.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

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Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

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„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Vorlage:SEP/Wartung/Parameter 1 und Parameter 3 und nicht Parameter 2


Liebe

Prompt: Wie wird die Liebe in der Musik in Liebe diskutiert?

In der Musik ist Liebe seit jeher das dominanteste aller Themen. Dazu gehören neben Balladen und romantischer Musik im Allgemeinen besonders auch Liebeslieder. In der Populären Musik kann, was die Massentauglichkeit des Themas betrifft, die Loveparade genannt werden. Die Rockband Sonic Youth hat 1986 mit dem Album Evol auf die Bedeutung der rückwärts gelesenen Schreibweise mit dem Anklang an evil (böse) aufmerksam gemacht. 1975 erschien der Song Love Is the Drug der Rockband Roxy Music um einen der bekanntesten „Ladies men“ der Rockszene, Bryan Ferry. John Miles hat 1976 den Song Music mit der Zeile „Music was my first love and it will be my last“ veröffentlicht. Singer/Songwriter wie Leonard Cohen (Songs of Love and Hate, 1971) und Avantgarde-Bands wie die New Age Steppers (Love Forever, 1981; Some Love als Coverversion von Chaka Khan, 1978/1983) oder Depeche Mode (Freelove, 2001) haben weithin beachtete Songs und Alben zum Thema verfasst. So auch die deutsche Band Der Plan mit Ich Liebe Dich von 1986. Auf der ersten Public Image Ltd. ist mit Fodderstompf ein Song erschienen, in dem über eine Strecke von fast acht Minuten ausschließlich der Satz „We only wanted to be loved“ kommentiert wird. Der Disco beschäftigt sich fast ausschließlich mit den Themen Liebe und Tanz. So zum Beispiel Donna Summers, von Giorgio Moroder produzierter, zu seiner Zeit skandalöser Song I Feel Love. Auch im Schlager ist die Liebe das Hauptthema. Im Kriegsjahr 1940 wurde von Marika Rökk das Lied Musik, Musik, Musik mit der Zeile „Ich brauche deine Liebe und Musik, Musik, Musik“ veröffentlicht. In Frankreich erschien 1969 der Chanson Je t’aime … moi non plus von Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot und Jane Birkin. Erwähnt werden können auch Elvis Presley mit Love Me Tender, die Beatles mit All You Need Is Love und Weiteren sowie die Bee Gees mit How Deep Is Your Love. Im Country, der sich weithin mit Lovesongs befasst, zum Beispiel Tammy Wynettes Stand By Your Man von 1968. In der Musik der Hippies spielte das Thema eine hervorragende Rolle, etwa in Yummy Yummy Yummy der Bubblegum-Band Ohio Express aus dem gleichen Jahr. Bereits im Jahr 1965 wurde die etwas später sehr erfolgreiche Psychedelic-Rock-Band Love gegründet. Im Jazz findet sich das Thema vielfach, 1947 erschien beispielsweise Nat King Coles Kemo Kimo mit dem Refrain „I Love You“. Ebenso bei Charles Mingus (Love Chant von 1956), Miles Davis, Ella Fitzgerald, Billie Holiday und vielen Weiteren.In der Oper sind besonders Arien Ausdruck der Auseinandersetzung mit der Liebe. Zu den bekanntesten Opern, die sich mit Liebe befassen, zählen Wolfgang Amadeus Mozarts Don Giovanni, Richard Wagners Tristan und Isolde, Giuseppe Verdis La Traviata und Georges Bizets Carmen. Auch die Operette behandelt vorwiegend das Thema. Musicals beschäftigen sich ebenso oft damit. So zum Beispiel Dirty Dancing, Grease, die West Side Story oder Saturday Night Fever.In der christlichen Musik werden vor allem die Gottesliebe und die Nächstenliebe besungen, wie beispielsweise in der Antiphon Ubi caritas oder in Das Liebesmahl der Apostel von Richard Wagner. Vereinzelt gibt es aber auch dort musikalische Umsetzungen der Partnerliebe, etwa in Joseph Haydns Oratorium Die Schöpfung das Liebesduett Holde Gattin, dir zur Seite zwischen Adam und Eva.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

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Liebe

Prompt: Fokussiere dich auf Liebe und erkunde erkläre die Liebe im Film.

Im Film haben sich ebenfalls etliche Filmemacher mit dem Thema beschäftigt. Zu den klassischen Liebesfilmen gehören Es war einmal, Casablanca, Vom Winde verweht, Der letzte Tango in Paris und Titanic. Avantgarde-Filmemacher wie Monika Treut und Carl Andersen haben sich hauptsächlich mit dem Thema auseinandergesetzt. Der Liebesfilm ist wie der nahestehende Porno ein Genre, das inzwischen auf Art einer Massengenreproduktion bedient wird.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

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Liebe

Prompt: ErkundeErkläre die Liebe im Film dieses Kunstwerks, Liebe.

Im Film haben sich ebenfalls etliche Filmemacher mit dem Thema beschäftigt. Zu den klassischen Liebesfilmen gehören Es war einmal, Casablanca, Vom Winde verweht, Der letzte Tango in Paris und Titanic. Avantgarde-Filmemacher wie Monika Treut und Carl Andersen haben sich hauptsächlich mit dem Thema auseinandergesetzt. Der Liebesfilm ist wie der nahestehende Porno ein Genre, das inzwischen auf Art einer Massengenreproduktion bedient wird.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

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„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: Wie erläutert Liebe seine Liebe im Film?

Im Film haben sich ebenfalls etliche Filmemacher mit dem Thema beschäftigt. Zu den klassischen Liebesfilmen gehören Es war einmal, Casablanca, Vom Winde verweht, Der letzte Tango in Paris und Titanic. Avantgarde-Filmemacher wie Monika Treut und Carl Andersen haben sich hauptsächlich mit dem Thema auseinandergesetzt. Der Liebesfilm ist wie der nahestehende Porno ein Genre, das inzwischen auf Art einer Massengenreproduktion bedient wird.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: Wie wird die Liebe im Film in Liebe diskutiert?

Im Film haben sich ebenfalls etliche Filmemacher mit dem Thema beschäftigt. Zu den klassischen Liebesfilmen gehören Es war einmal, Casablanca, Vom Winde verweht, Der letzte Tango in Paris und Titanic. Avantgarde-Filmemacher wie Monika Treut und Carl Andersen haben sich hauptsächlich mit dem Thema auseinandergesetzt. Der Liebesfilm ist wie der nahestehende Porno ein Genre, das inzwischen auf Art einer Massengenreproduktion bedient wird.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Liebe

Prompt: Fokussiere dich auf Liebe und erkunde erkläre die Liebe in der bildenden Kunst.

Auch in der bildenden Kunst ist Liebe ein wichtiges Thema. So mit Gustav Klimts Der Kuss. Ebenso hat die Liebe ihren Platz bei Rembrandt, Pablo Picasso und vielen Weiteren, wie René Magritte mit der Serie Die Liebenden von 1928. Von Sandro Botticelli bis Auguste Rodin findet sich das Liebesmotiv, in der Gegenwartskunst zum Beispiel bei Keith Haring oder Banksy.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

Datei:Ferdinand Hodler - Die Liebe Zyklus 2.jpg

Vorlage:SEP/Wartung/Parameter 1 und Parameter 3 und nicht Parameter 2


Liebe

Prompt: ErkundeErkläre die Liebe in der bildenden Kunst dieses Kunstwerks, Liebe.

Auch in der bildenden Kunst ist Liebe ein wichtiges Thema. So mit Gustav Klimts Der Kuss. Ebenso hat die Liebe ihren Platz bei Rembrandt, Pablo Picasso und vielen Weiteren, wie René Magritte mit der Serie Die Liebenden von 1928. Von Sandro Botticelli bis Auguste Rodin findet sich das Liebesmotiv, in der Gegenwartskunst zum Beispiel bei Keith Haring oder Banksy.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

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Vorlage:SEP/Wartung/Parameter 1 und Parameter 3 und nicht Parameter 2


Liebe

Prompt: Wie erläutert Liebe seine Liebe in der bildenden Kunst?

Auch in der bildenden Kunst ist Liebe ein wichtiges Thema. So mit Gustav Klimts Der Kuss. Ebenso hat die Liebe ihren Platz bei Rembrandt, Pablo Picasso und vielen Weiteren, wie René Magritte mit der Serie Die Liebenden von 1928. Von Sandro Botticelli bis Auguste Rodin findet sich das Liebesmotiv, in der Gegenwartskunst zum Beispiel bei Keith Haring oder Banksy.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

Datei:Ferdinand Hodler - Die Liebe Zyklus 2.jpg

Vorlage:SEP/Wartung/Parameter 1 und Parameter 3 und nicht Parameter 2


Liebe

Prompt: Wie wird die Liebe in der bildenden Kunst in Liebe diskutiert?

Auch in der bildenden Kunst ist Liebe ein wichtiges Thema. So mit Gustav Klimts Der Kuss. Ebenso hat die Liebe ihren Platz bei Rembrandt, Pablo Picasso und vielen Weiteren, wie René Magritte mit der Serie Die Liebenden von 1928. Von Sandro Botticelli bis Auguste Rodin findet sich das Liebesmotiv, in der Gegenwartskunst zum Beispiel bei Keith Haring oder Banksy.

Reitendes Paar (Elfenbein. Pariser Werkstatt, erstes Drittel des 14. Jahrhunderts) im [[Louvre

Darstellung aus dem [[Das Narrenschiff (Brant)

Gustav Klimt: Der Kuss – Liebespaar (1909)

Datei:Lucas Cranach (I) - Venus and Cupid (National Gallery, London).jpg

Archetypische Liebhaber [[Romeo und Julia

Datei:Händehalten- und schütteln - zwischen Frau und Mann - Bild 001.jpg

„Die Liebe“ (1904), Bild aus dem Zyklus zur Liebe von [[Ferdinand Hodler

Kunstdruck ''God is love'' (dt.: „Gott ist Liebe“) von Currier & Ives, ca. 1874

Händehalten als Form der Verbundenheit und Liebe

Datei:The Kiss - Gustav Klimt - Google Cultural Institute.jpg

Datei:Ferdinand Hodler - Die Liebe Zyklus 2.jpg

Vorlage:SEP/Wartung/Parameter 1 und Parameter 3 und nicht Parameter 2


Die_drei_Philosophen

Prompt: Fokussiere dich auf Die_drei_Philosophen und erkunde erkläre die abstract.

Die drei Philosophen ist ein um 1508 bis 1509 vollendetes Ölgemälde des italienischen Renaissancemalers Giorgione, das im Auftrag des venezianischen Adligen Taddeo Contarini ausgeführt wurde. Es befindet sich heute im Kunsthistorischen Museum in Wien.


Die_drei_Philosophen

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Die_drei_Philosophen.

Die drei Philosophen ist ein um 1508 bis 1509 vollendetes Ölgemälde des italienischen Renaissancemalers Giorgione, das im Auftrag des venezianischen Adligen Taddeo Contarini ausgeführt wurde. Es befindet sich heute im Kunsthistorischen Museum in Wien.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie erläutert Die_drei_Philosophen seine abstract?

Die drei Philosophen ist ein um 1508 bis 1509 vollendetes Ölgemälde des italienischen Renaissancemalers Giorgione, das im Auftrag des venezianischen Adligen Taddeo Contarini ausgeführt wurde. Es befindet sich heute im Kunsthistorischen Museum in Wien.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie wird die abstract in Die_drei_Philosophen diskutiert?

Die drei Philosophen ist ein um 1508 bis 1509 vollendetes Ölgemälde des italienischen Renaissancemalers Giorgione, das im Auftrag des venezianischen Adligen Taddeo Contarini ausgeführt wurde. Es befindet sich heute im Kunsthistorischen Museum in Wien.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Fokussiere dich auf Die_drei_Philosophen und erkunde erkläre die Beschreibung.

Die Bezeichnung des Werkes rührt aus einer Schrift Marcantonio Michiels, der es 1525 in der Sammlung Taddeo Contarinis sah. Die drei Figuren weisen deutliche allegorische Züge auf: einen bärtigen Alten, einen orientalischen Gelehrten (möglicherweise Avicenna darstellend) sowie einen sitzenden jugendlichen Mann in einer Naturlandschaft. Im Hintergrund ist ein Dorf inmitten von Bergen zu sehen, ganz hinten ein blaues Objekt mit unbekannter Bedeutung. Der junge Mann betrachtet eine Höhle am linken Bildrand und vermisst diese offenbar mit einem Gerät.


Die_drei_Philosophen

Prompt: ErkundeErkläre die Beschreibung dieses Kunstwerks, Die_drei_Philosophen.

Die Bezeichnung des Werkes rührt aus einer Schrift Marcantonio Michiels, der es 1525 in der Sammlung Taddeo Contarinis sah. Die drei Figuren weisen deutliche allegorische Züge auf: einen bärtigen Alten, einen orientalischen Gelehrten (möglicherweise Avicenna darstellend) sowie einen sitzenden jugendlichen Mann in einer Naturlandschaft. Im Hintergrund ist ein Dorf inmitten von Bergen zu sehen, ganz hinten ein blaues Objekt mit unbekannter Bedeutung. Der junge Mann betrachtet eine Höhle am linken Bildrand und vermisst diese offenbar mit einem Gerät.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie erläutert Die_drei_Philosophen seine Beschreibung?

Die Bezeichnung des Werkes rührt aus einer Schrift Marcantonio Michiels, der es 1525 in der Sammlung Taddeo Contarinis sah. Die drei Figuren weisen deutliche allegorische Züge auf: einen bärtigen Alten, einen orientalischen Gelehrten (möglicherweise Avicenna darstellend) sowie einen sitzenden jugendlichen Mann in einer Naturlandschaft. Im Hintergrund ist ein Dorf inmitten von Bergen zu sehen, ganz hinten ein blaues Objekt mit unbekannter Bedeutung. Der junge Mann betrachtet eine Höhle am linken Bildrand und vermisst diese offenbar mit einem Gerät.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie wird die Beschreibung in Die_drei_Philosophen diskutiert?

Die Bezeichnung des Werkes rührt aus einer Schrift Marcantonio Michiels, der es 1525 in der Sammlung Taddeo Contarinis sah. Die drei Figuren weisen deutliche allegorische Züge auf: einen bärtigen Alten, einen orientalischen Gelehrten (möglicherweise Avicenna darstellend) sowie einen sitzenden jugendlichen Mann in einer Naturlandschaft. Im Hintergrund ist ein Dorf inmitten von Bergen zu sehen, ganz hinten ein blaues Objekt mit unbekannter Bedeutung. Der junge Mann betrachtet eine Höhle am linken Bildrand und vermisst diese offenbar mit einem Gerät.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Fokussiere dich auf Die_drei_Philosophen und erkunde erkläre die Deutungen.

Die kunstgeschichtliche Literatur deutet das Werk unterschiedlich. Nach verbreiteter Interpretation repräsentieren die drei Männer nicht die Weisen aus dem Morgenland vor der Geburtsgrotte Jesu, sondern die drei Stadien des menschlichen Geisteslebens: der Renaissance (der junge Mann), der arabischen Welt (der Mann mit Turban) sowie des Mittelalters (der Alte). Wieder andere vermuten in Bezug auf das gelehrte Engagement Contarinis astrologische und alchemistische Andeutungen.Laut neuen Forschungsergebnissen folgt aus der unterschiedlichen Darstellung der drei Männer, die Abbildung bestimmter Philosophen. Der junge Mann links mit dem Winkeleisen ist Pythagoras neben seinen beiden Lehrern Pherekydes von Syros und Thales von Milet. Hierbei habe sein Beiname Syrios („von Syros“) zur irrigen Annahme geführt, es habe sich bei Pherekydes um einen orientalischen Syrer gehandelt, was die Darstellung des mittleren der drei Philosophen auf dem Gemälde erkläre. Auch diese Deutung des Gemäldes ist allerdings umstritten.Die Sozialphilosophin Agnes Heller, eine Schülerin von Georg Lukács, beschreibt das venezianische Bild als die "für die venezianische Entwicklung repräsentativen Philosophentypen: den Thomisten, den Averroisten und den Naturphilosophen". Mit dieser Interpretation stützt Heller ihre Argumentation, dass in Venedig im Gegensatz zu Florenz der Determinismus in der Renaissance dominierte.Details aus dem Gemälde Die drei PhilosophenAls ein Thema des Bildes wurde die Gegenüberstellung von Licht und Dunkelheit mit der Darstellung der Allegorie der drei Lebensalter durch die Philosophen gesehen, deren Metapher vor der Beschneidung des Bildes am linken Rand noch deutlicher war, als der dunkle Felsen der linken Seite mehr als die Hälfte der Bildfläche einnahm. Der junge Philosoph betrachtet die Dunkelheit, der reife östliche Philosoph die Welt und der älteste fast blinde Philosoph hält ein Diagramm mit Berechnungen.


Die_drei_Philosophen

Prompt: ErkundeErkläre die Deutungen dieses Kunstwerks, Die_drei_Philosophen.

Die kunstgeschichtliche Literatur deutet das Werk unterschiedlich. Nach verbreiteter Interpretation repräsentieren die drei Männer nicht die Weisen aus dem Morgenland vor der Geburtsgrotte Jesu, sondern die drei Stadien des menschlichen Geisteslebens: der Renaissance (der junge Mann), der arabischen Welt (der Mann mit Turban) sowie des Mittelalters (der Alte). Wieder andere vermuten in Bezug auf das gelehrte Engagement Contarinis astrologische und alchemistische Andeutungen.Laut neuen Forschungsergebnissen folgt aus der unterschiedlichen Darstellung der drei Männer, die Abbildung bestimmter Philosophen. Der junge Mann links mit dem Winkeleisen ist Pythagoras neben seinen beiden Lehrern Pherekydes von Syros und Thales von Milet. Hierbei habe sein Beiname Syrios („von Syros“) zur irrigen Annahme geführt, es habe sich bei Pherekydes um einen orientalischen Syrer gehandelt, was die Darstellung des mittleren der drei Philosophen auf dem Gemälde erkläre. Auch diese Deutung des Gemäldes ist allerdings umstritten.Die Sozialphilosophin Agnes Heller, eine Schülerin von Georg Lukács, beschreibt das venezianische Bild als die "für die venezianische Entwicklung repräsentativen Philosophentypen: den Thomisten, den Averroisten und den Naturphilosophen". Mit dieser Interpretation stützt Heller ihre Argumentation, dass in Venedig im Gegensatz zu Florenz der Determinismus in der Renaissance dominierte.Details aus dem Gemälde Die drei PhilosophenAls ein Thema des Bildes wurde die Gegenüberstellung von Licht und Dunkelheit mit der Darstellung der Allegorie der drei Lebensalter durch die Philosophen gesehen, deren Metapher vor der Beschneidung des Bildes am linken Rand noch deutlicher war, als der dunkle Felsen der linken Seite mehr als die Hälfte der Bildfläche einnahm. Der junge Philosoph betrachtet die Dunkelheit, der reife östliche Philosoph die Welt und der älteste fast blinde Philosoph hält ein Diagramm mit Berechnungen.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie erläutert Die_drei_Philosophen seine Deutungen?

Die kunstgeschichtliche Literatur deutet das Werk unterschiedlich. Nach verbreiteter Interpretation repräsentieren die drei Männer nicht die Weisen aus dem Morgenland vor der Geburtsgrotte Jesu, sondern die drei Stadien des menschlichen Geisteslebens: der Renaissance (der junge Mann), der arabischen Welt (der Mann mit Turban) sowie des Mittelalters (der Alte). Wieder andere vermuten in Bezug auf das gelehrte Engagement Contarinis astrologische und alchemistische Andeutungen.Laut neuen Forschungsergebnissen folgt aus der unterschiedlichen Darstellung der drei Männer, die Abbildung bestimmter Philosophen. Der junge Mann links mit dem Winkeleisen ist Pythagoras neben seinen beiden Lehrern Pherekydes von Syros und Thales von Milet. Hierbei habe sein Beiname Syrios („von Syros“) zur irrigen Annahme geführt, es habe sich bei Pherekydes um einen orientalischen Syrer gehandelt, was die Darstellung des mittleren der drei Philosophen auf dem Gemälde erkläre. Auch diese Deutung des Gemäldes ist allerdings umstritten.Die Sozialphilosophin Agnes Heller, eine Schülerin von Georg Lukács, beschreibt das venezianische Bild als die "für die venezianische Entwicklung repräsentativen Philosophentypen: den Thomisten, den Averroisten und den Naturphilosophen". Mit dieser Interpretation stützt Heller ihre Argumentation, dass in Venedig im Gegensatz zu Florenz der Determinismus in der Renaissance dominierte.Details aus dem Gemälde Die drei PhilosophenAls ein Thema des Bildes wurde die Gegenüberstellung von Licht und Dunkelheit mit der Darstellung der Allegorie der drei Lebensalter durch die Philosophen gesehen, deren Metapher vor der Beschneidung des Bildes am linken Rand noch deutlicher war, als der dunkle Felsen der linken Seite mehr als die Hälfte der Bildfläche einnahm. Der junge Philosoph betrachtet die Dunkelheit, der reife östliche Philosoph die Welt und der älteste fast blinde Philosoph hält ein Diagramm mit Berechnungen.


Die_drei_Philosophen

Prompt: Wie wird die Deutungen in Die_drei_Philosophen diskutiert?

Die kunstgeschichtliche Literatur deutet das Werk unterschiedlich. Nach verbreiteter Interpretation repräsentieren die drei Männer nicht die Weisen aus dem Morgenland vor der Geburtsgrotte Jesu, sondern die drei Stadien des menschlichen Geisteslebens: der Renaissance (der junge Mann), der arabischen Welt (der Mann mit Turban) sowie des Mittelalters (der Alte). Wieder andere vermuten in Bezug auf das gelehrte Engagement Contarinis astrologische und alchemistische Andeutungen.Laut neuen Forschungsergebnissen folgt aus der unterschiedlichen Darstellung der drei Männer, die Abbildung bestimmter Philosophen. Der junge Mann links mit dem Winkeleisen ist Pythagoras neben seinen beiden Lehrern Pherekydes von Syros und Thales von Milet. Hierbei habe sein Beiname Syrios („von Syros“) zur irrigen Annahme geführt, es habe sich bei Pherekydes um einen orientalischen Syrer gehandelt, was die Darstellung des mittleren der drei Philosophen auf dem Gemälde erkläre. Auch diese Deutung des Gemäldes ist allerdings umstritten.Die Sozialphilosophin Agnes Heller, eine Schülerin von Georg Lukács, beschreibt das venezianische Bild als die "für die venezianische Entwicklung repräsentativen Philosophentypen: den Thomisten, den Averroisten und den Naturphilosophen". Mit dieser Interpretation stützt Heller ihre Argumentation, dass in Venedig im Gegensatz zu Florenz der Determinismus in der Renaissance dominierte.Details aus dem Gemälde Die drei PhilosophenAls ein Thema des Bildes wurde die Gegenüberstellung von Licht und Dunkelheit mit der Darstellung der Allegorie der drei Lebensalter durch die Philosophen gesehen, deren Metapher vor der Beschneidung des Bildes am linken Rand noch deutlicher war, als der dunkle Felsen der linken Seite mehr als die Hälfte der Bildfläche einnahm. Der junge Philosoph betrachtet die Dunkelheit, der reife östliche Philosoph die Welt und der älteste fast blinde Philosoph hält ein Diagramm mit Berechnungen.


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Fokussiere dich auf Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci und erkunde erkläre die abstract.

Das Bildnis der Ginevra de’ Benci ist ein Gemälde des italienischen Renaissancekünstlers Leonardo da Vinci (1452–1519). Es wird um 1474 bis 1478 datiert und befindet sich im Bestand der National Gallery of Art in Washington D.C.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci.

Das Bildnis der Ginevra de’ Benci ist ein Gemälde des italienischen Renaissancekünstlers Leonardo da Vinci (1452–1519). Es wird um 1474 bis 1478 datiert und befindet sich im Bestand der National Gallery of Art in Washington D.C.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie erläutert Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci seine abstract?

Das Bildnis der Ginevra de’ Benci ist ein Gemälde des italienischen Renaissancekünstlers Leonardo da Vinci (1452–1519). Es wird um 1474 bis 1478 datiert und befindet sich im Bestand der National Gallery of Art in Washington D.C.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie wird die abstract in Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci diskutiert?

Das Bildnis der Ginevra de’ Benci ist ein Gemälde des italienischen Renaissancekünstlers Leonardo da Vinci (1452–1519). Es wird um 1474 bis 1478 datiert und befindet sich im Bestand der National Gallery of Art in Washington D.C.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Fokussiere dich auf Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci und erkunde erkläre die Das Werk.

Das Bild gehört zu Leonardos frühesten Versuchen mit dem damals neuen Medium der Ölfarbe. Die sorgfältige Darstellung der Natur und die feine Dreidimensionalität des Gesichts zeigen schon deutlich den neuen Naturalismus, mit dem Leonardo die Renaissancemalerei später veränderte. Die abgebildete Person ist mit allmählich ineinander übergehenden Farbabstufungen und Schatten dargestellt, nicht durch Linien und abrupte Übergänge von Farbe oder Licht.Es wird vermutet, dass das Gemälde im unteren Teil beschnitten wurde; möglicherweise wurden auch einige Zentimeter des rechten Bildrandes entfernt. Eine erhaltene Zeichnung Leonardos könnte darauf hindeuten, dass die Person einen kleinen Zweig, eventuell eine Blume in den Händen trug. Ginevras Gesicht wird durch die Blätter eines Wacholderstrauches umrahmt. Möglicherweise ist die Wahl dieser Pflanze ein Wortspiel mit dem Namen „Ginevra“: Eine italienische Bezeichnung für Wacholder ist „Ginepro“.Auf der Rückseite der Holztafel ist, umgeben von einem Lorbeerzweig und einem Palmblatt, ein Spruchband angebracht: VIRTVTEM FORMA DECORAT (deutsch: „die Gestalt schmückt die Tugend“ oder freier übersetzt „Schönheit erhöht den Glanz der Tugend“).

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: ErkundeErkläre die Das Werk dieses Kunstwerks, Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci.

Das Bild gehört zu Leonardos frühesten Versuchen mit dem damals neuen Medium der Ölfarbe. Die sorgfältige Darstellung der Natur und die feine Dreidimensionalität des Gesichts zeigen schon deutlich den neuen Naturalismus, mit dem Leonardo die Renaissancemalerei später veränderte. Die abgebildete Person ist mit allmählich ineinander übergehenden Farbabstufungen und Schatten dargestellt, nicht durch Linien und abrupte Übergänge von Farbe oder Licht.Es wird vermutet, dass das Gemälde im unteren Teil beschnitten wurde; möglicherweise wurden auch einige Zentimeter des rechten Bildrandes entfernt. Eine erhaltene Zeichnung Leonardos könnte darauf hindeuten, dass die Person einen kleinen Zweig, eventuell eine Blume in den Händen trug. Ginevras Gesicht wird durch die Blätter eines Wacholderstrauches umrahmt. Möglicherweise ist die Wahl dieser Pflanze ein Wortspiel mit dem Namen „Ginevra“: Eine italienische Bezeichnung für Wacholder ist „Ginepro“.Auf der Rückseite der Holztafel ist, umgeben von einem Lorbeerzweig und einem Palmblatt, ein Spruchband angebracht: VIRTVTEM FORMA DECORAT (deutsch: „die Gestalt schmückt die Tugend“ oder freier übersetzt „Schönheit erhöht den Glanz der Tugend“).

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

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Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie erläutert Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci seine Das Werk?

Das Bild gehört zu Leonardos frühesten Versuchen mit dem damals neuen Medium der Ölfarbe. Die sorgfältige Darstellung der Natur und die feine Dreidimensionalität des Gesichts zeigen schon deutlich den neuen Naturalismus, mit dem Leonardo die Renaissancemalerei später veränderte. Die abgebildete Person ist mit allmählich ineinander übergehenden Farbabstufungen und Schatten dargestellt, nicht durch Linien und abrupte Übergänge von Farbe oder Licht.Es wird vermutet, dass das Gemälde im unteren Teil beschnitten wurde; möglicherweise wurden auch einige Zentimeter des rechten Bildrandes entfernt. Eine erhaltene Zeichnung Leonardos könnte darauf hindeuten, dass die Person einen kleinen Zweig, eventuell eine Blume in den Händen trug. Ginevras Gesicht wird durch die Blätter eines Wacholderstrauches umrahmt. Möglicherweise ist die Wahl dieser Pflanze ein Wortspiel mit dem Namen „Ginevra“: Eine italienische Bezeichnung für Wacholder ist „Ginepro“.Auf der Rückseite der Holztafel ist, umgeben von einem Lorbeerzweig und einem Palmblatt, ein Spruchband angebracht: VIRTVTEM FORMA DECORAT (deutsch: „die Gestalt schmückt die Tugend“ oder freier übersetzt „Schönheit erhöht den Glanz der Tugend“).

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

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Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie wird die Das Werk in Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci diskutiert?

Das Bild gehört zu Leonardos frühesten Versuchen mit dem damals neuen Medium der Ölfarbe. Die sorgfältige Darstellung der Natur und die feine Dreidimensionalität des Gesichts zeigen schon deutlich den neuen Naturalismus, mit dem Leonardo die Renaissancemalerei später veränderte. Die abgebildete Person ist mit allmählich ineinander übergehenden Farbabstufungen und Schatten dargestellt, nicht durch Linien und abrupte Übergänge von Farbe oder Licht.Es wird vermutet, dass das Gemälde im unteren Teil beschnitten wurde; möglicherweise wurden auch einige Zentimeter des rechten Bildrandes entfernt. Eine erhaltene Zeichnung Leonardos könnte darauf hindeuten, dass die Person einen kleinen Zweig, eventuell eine Blume in den Händen trug. Ginevras Gesicht wird durch die Blätter eines Wacholderstrauches umrahmt. Möglicherweise ist die Wahl dieser Pflanze ein Wortspiel mit dem Namen „Ginevra“: Eine italienische Bezeichnung für Wacholder ist „Ginepro“.Auf der Rückseite der Holztafel ist, umgeben von einem Lorbeerzweig und einem Palmblatt, ein Spruchband angebracht: VIRTVTEM FORMA DECORAT (deutsch: „die Gestalt schmückt die Tugend“ oder freier übersetzt „Schönheit erhöht den Glanz der Tugend“).

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Fokussiere dich auf Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci und erkunde erkläre die Geschichte.

Die dargestellte Person Ginevra de’ Benci (1457–1520) war die Tochter eines wohlhabenden Florentiner Bankiers. Ihr Porträt wurde wahrscheinlich zur Zeit ihrer Eheschließung mit dem Kaufmann Luigi Niccolini (* um 1440) in Auftrag gegeben. Ginevra war damals sechzehn Jahre alt.Es ist ungeklärt, ob sich das Bild jemals im Besitz der Familie de’ Benci befunden hat. Seit dem 17. oder 18. Jahrhundert befand es sich in der Sammlung des Fürstenhauses von Liechtenstein. Von Franz Josef II. von Liechtenstein erwarb es die National Gallery of Art in Washington D.C. im Jahr 1967 für 5 Millionen US-Dollar aus den Mitteln des Ailsa Mellon Bruce Fonds.Damit war das Bildnis der Ginevra de’ Benci das bis dahin am teuersten verkaufte Gemälde.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

Datei:Ginevra benci with hands collage.jpg

Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: ErkundeErkläre die Geschichte dieses Kunstwerks, Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci.

Die dargestellte Person Ginevra de’ Benci (1457–1520) war die Tochter eines wohlhabenden Florentiner Bankiers. Ihr Porträt wurde wahrscheinlich zur Zeit ihrer Eheschließung mit dem Kaufmann Luigi Niccolini (* um 1440) in Auftrag gegeben. Ginevra war damals sechzehn Jahre alt.Es ist ungeklärt, ob sich das Bild jemals im Besitz der Familie de’ Benci befunden hat. Seit dem 17. oder 18. Jahrhundert befand es sich in der Sammlung des Fürstenhauses von Liechtenstein. Von Franz Josef II. von Liechtenstein erwarb es die National Gallery of Art in Washington D.C. im Jahr 1967 für 5 Millionen US-Dollar aus den Mitteln des Ailsa Mellon Bruce Fonds.Damit war das Bildnis der Ginevra de’ Benci das bis dahin am teuersten verkaufte Gemälde.

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Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

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Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie erläutert Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci seine Geschichte?

Die dargestellte Person Ginevra de’ Benci (1457–1520) war die Tochter eines wohlhabenden Florentiner Bankiers. Ihr Porträt wurde wahrscheinlich zur Zeit ihrer Eheschließung mit dem Kaufmann Luigi Niccolini (* um 1440) in Auftrag gegeben. Ginevra war damals sechzehn Jahre alt.Es ist ungeklärt, ob sich das Bild jemals im Besitz der Familie de’ Benci befunden hat. Seit dem 17. oder 18. Jahrhundert befand es sich in der Sammlung des Fürstenhauses von Liechtenstein. Von Franz Josef II. von Liechtenstein erwarb es die National Gallery of Art in Washington D.C. im Jahr 1967 für 5 Millionen US-Dollar aus den Mitteln des Ailsa Mellon Bruce Fonds.Damit war das Bildnis der Ginevra de’ Benci das bis dahin am teuersten verkaufte Gemälde.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

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Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci

Prompt: Wie wird die Geschichte in Bildnis_der_Ginevra_de’_Benci diskutiert?

Die dargestellte Person Ginevra de’ Benci (1457–1520) war die Tochter eines wohlhabenden Florentiner Bankiers. Ihr Porträt wurde wahrscheinlich zur Zeit ihrer Eheschließung mit dem Kaufmann Luigi Niccolini (* um 1440) in Auftrag gegeben. Ginevra war damals sechzehn Jahre alt.Es ist ungeklärt, ob sich das Bild jemals im Besitz der Familie de’ Benci befunden hat. Seit dem 17. oder 18. Jahrhundert befand es sich in der Sammlung des Fürstenhauses von Liechtenstein. Von Franz Josef II. von Liechtenstein erwarb es die National Gallery of Art in Washington D.C. im Jahr 1967 für 5 Millionen US-Dollar aus den Mitteln des Ailsa Mellon Bruce Fonds.Damit war das Bildnis der Ginevra de’ Benci das bis dahin am teuersten verkaufte Gemälde.

Datei:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Liste der teuersten Gemälde#Die ehemals teuersten Gemälde

Hypothetische Rekonstruktion des Porträts und der Vergleich mit der [[Mona Lisa

Handstudie, Leonardo da Vinci, 21 cm × 15 cm, [[Royal Collection

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Datei:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Fokussiere dich auf Musik_im_Tuileriengarten und erkunde erkläre die abstract.

Musik im Tuileriengarten ist ein Gemälde des französischen Malers Édouard Manet. Das 1,18 × 0,76 Meter große Bild entstand 1862. Das Gemälde ist im gemeinschaftlichen Besitz der National Gallery in London und Dublin City Gallery The Hugh Lane und wird abwechselnd in beiden Museen ausgestellt.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: ErkundeErkläre die abstract dieses Kunstwerks, Musik_im_Tuileriengarten.

Musik im Tuileriengarten ist ein Gemälde des französischen Malers Édouard Manet. Das 1,18 × 0,76 Meter große Bild entstand 1862. Das Gemälde ist im gemeinschaftlichen Besitz der National Gallery in London und Dublin City Gallery The Hugh Lane und wird abwechselnd in beiden Museen ausgestellt.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Wie erläutert Musik_im_Tuileriengarten seine abstract?

Musik im Tuileriengarten ist ein Gemälde des französischen Malers Édouard Manet. Das 1,18 × 0,76 Meter große Bild entstand 1862. Das Gemälde ist im gemeinschaftlichen Besitz der National Gallery in London und Dublin City Gallery The Hugh Lane und wird abwechselnd in beiden Museen ausgestellt.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Wie wird die abstract in Musik_im_Tuileriengarten diskutiert?

Musik im Tuileriengarten ist ein Gemälde des französischen Malers Édouard Manet. Das 1,18 × 0,76 Meter große Bild entstand 1862. Das Gemälde ist im gemeinschaftlichen Besitz der National Gallery in London und Dublin City Gallery The Hugh Lane und wird abwechselnd in beiden Museen ausgestellt.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Fokussiere dich auf Musik_im_Tuileriengarten und erkunde erkläre die Hintergrund.

„Diese Kunst ist nicht gesund.“So lautete die Kritik anlässlich der Ausstellung des Bildes am 1. März 1863 in der Galerie Martinet am Boulevard des Italiens. Das Publikum war mit dieser neuen und sehr unkonventionellen Maltechnik völlig überfordert. Der Schriftsteller Émile Zola erinnerte sich sogar an einen Besucher, der mit Gewalt gedroht hatte, sollte dieser Schandfleck nicht aus der Ausstellung verschwinden. Zola schreibt weiter:Zola empfiehlt dem Betrachter sich auf eine „respektvolle Distanz“ zum Bild zu begeben, dann werde er auch etwas erkennen können. Dem Publikum war aber weder an respektvoller Distanz noch an Respekt überhaupt gelegen. Das Gemälde blieb 20 Jahre lang unverkäuflich.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: ErkundeErkläre die Hintergrund dieses Kunstwerks, Musik_im_Tuileriengarten.

„Diese Kunst ist nicht gesund.“So lautete die Kritik anlässlich der Ausstellung des Bildes am 1. März 1863 in der Galerie Martinet am Boulevard des Italiens. Das Publikum war mit dieser neuen und sehr unkonventionellen Maltechnik völlig überfordert. Der Schriftsteller Émile Zola erinnerte sich sogar an einen Besucher, der mit Gewalt gedroht hatte, sollte dieser Schandfleck nicht aus der Ausstellung verschwinden. Zola schreibt weiter:Zola empfiehlt dem Betrachter sich auf eine „respektvolle Distanz“ zum Bild zu begeben, dann werde er auch etwas erkennen können. Dem Publikum war aber weder an respektvoller Distanz noch an Respekt überhaupt gelegen. Das Gemälde blieb 20 Jahre lang unverkäuflich.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Wie erläutert Musik_im_Tuileriengarten seine Hintergrund?

„Diese Kunst ist nicht gesund.“So lautete die Kritik anlässlich der Ausstellung des Bildes am 1. März 1863 in der Galerie Martinet am Boulevard des Italiens. Das Publikum war mit dieser neuen und sehr unkonventionellen Maltechnik völlig überfordert. Der Schriftsteller Émile Zola erinnerte sich sogar an einen Besucher, der mit Gewalt gedroht hatte, sollte dieser Schandfleck nicht aus der Ausstellung verschwinden. Zola schreibt weiter:Zola empfiehlt dem Betrachter sich auf eine „respektvolle Distanz“ zum Bild zu begeben, dann werde er auch etwas erkennen können. Dem Publikum war aber weder an respektvoller Distanz noch an Respekt überhaupt gelegen. Das Gemälde blieb 20 Jahre lang unverkäuflich.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Wie wird die Hintergrund in Musik_im_Tuileriengarten diskutiert?

„Diese Kunst ist nicht gesund.“So lautete die Kritik anlässlich der Ausstellung des Bildes am 1. März 1863 in der Galerie Martinet am Boulevard des Italiens. Das Publikum war mit dieser neuen und sehr unkonventionellen Maltechnik völlig überfordert. Der Schriftsteller Émile Zola erinnerte sich sogar an einen Besucher, der mit Gewalt gedroht hatte, sollte dieser Schandfleck nicht aus der Ausstellung verschwinden. Zola schreibt weiter:Zola empfiehlt dem Betrachter sich auf eine „respektvolle Distanz“ zum Bild zu begeben, dann werde er auch etwas erkennen können. Dem Publikum war aber weder an respektvoller Distanz noch an Respekt überhaupt gelegen. Das Gemälde blieb 20 Jahre lang unverkäuflich.

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: Fokussiere dich auf Musik_im_Tuileriengarten und erkunde erkläre die Das Gemälde.

Zolas Tipp ist teilweise richtig: Auf eine bestimmte Entfernung klären sich diejenigen Details des Bildes, die scharf umrissen sind – vor allem die Figuren männlicher Flaneure und weiblicher Flaneusen auf dem linken Bildflügel, des stehenden Flaneurs über dem aufgespannten Sonnenschirm und des in seinem Rücken nach rechts gewendeten Mannes, der den Hut lüftet. Die Dame gegenüber dem stehenden Flaneur allerdings und die von beiden Figuren zwickelartig gerahmte Bildmitte sind eklatant unscharf gehalten und offenbar absichtlich, weil vom oberen Bildrand her ein Stück blauen Himmels wie ein Richtungspfeil auf diese Bildvertikale weist. Die hier zu sehenden gelben und grauen Farbflecken stellen sich aus der Entfernung betrachtet so wenig plastisch dar wie einige Figuren auf dem rechten Bildflügel, die der Maler, in einem sprunghaften Wechsel von Schärfe zu Unschärfe im selben Bildsegment, lediglich skizziert. Dargestellt ist eine Szene aus dem berühmten Tuileriengarten in Paris. Manet hatte dort viele Sommernachmittage verbracht und unter den neugierigen Blicken der Spaziergänger erste Skizzen angefertigt. Dieses Gemälde vollendete er allerdings in seinem Atelier. Die Stühle im Vordergrund des Bildes sind authentisch, im Sommer 1862 wurden nämlich alle Holzstühle des Gartens durch eben solche Eisenstühle ausgewechselt, wie sie besonders deutlich rechts vorne im Bild zu sehen sind. Außerdem hat Manet in dem Bild einige bekannte Gesichter versteckt: Freunde, Bekannte, Kritiker und Meinungsmacher. Augenfällig ist der Flaneur in der Bildmitte mit der weißen Hose, der sich nach links wendet: Es ist Manets Bruder Eugène. Direkt hinter ihm vor dem Baum befindet sich das Porträt des Komponisten Jacques Offenbach, es wirkt wie eine Karikatur. Sich selbst hat Manet, vom linken Bildrand überschnitten, neben seinem früheren Ateliergenossen, dem Maler Albert de Balleroy stehend porträtiert. Wendet man den Blick von den zwei Malern etwas nach rechts, sind weitere Gesichter zu erkennen: Die sitzende männliche Person, deren Gesicht neben einem spitzen gelben Hut erscheint, ist der Journalist Zacharie Astruc, hinter ihm stehend der Mann mit dem Schnauzbart sein Kollege Aurélien Scholl. Bei dem etwas weiter rechts stehenden Mann, der den Betrachter anzuschauen scheint, handelt es sich um den Maler Henri Fantin-Latour. Weitaus undeutlicher, aber von Kennern identifiziert, ist die Personengruppe, die sich direkt über den gelb gewandeten Damen befinde. Diese Gruppe ist mit der schwarzen Baumbahn verknüpft, die den linken Bildflügel symbolisch zentriert. Zu sehen sind das Profil des Dichters und Kunstkritikers Charles Baudelaire, dicht neben ihm das Dreiviertelporträt des Dichters Kunstkritikers Théophile Gautier, der sich gegen den Baumstamm zu lehnen scheint, und beiden gegenüber die Profilfigur des Museumsbeamten Baron Isidor Taylor. Über diese Dreiergruppe erschließt sich das ästhetische Programm des Bildes, das erstmals der schwedische Kunsthistoriker Nils Gösta Sandblad erkannte.Taylor hatte 1835 im Auftrag des Bürgerkönigs Louis-Philippe I. in Spanien Gemälde von Velázquez, Zurbaran, Murillo und Goya aufgekauft, die ab 1838 in der Galerie espagnol des Louvre zu sehen waren. Auch Théophile Gautier hatte Spanien während der Julimonarchie bereist und 1845 seinen Reisebericht veröffentlicht. Diese Spanienbegeisterung der älteren romantischen Generation hatte durch die Heirat von Napoleon III. mit der spanischen Prinzessin Eugénie de Montijo im Januar 1853 neuen Aufwind erhalten und erreichte 1862, als Manet „Musik im Tuileriengarten“ malte, einen neuen Höhepunkt. In diesem Sommer gastierte eine spanische Ballettgruppe mit der berühmten Tänzerin Lola de Valence im Hippodrome von Paris und lockte unzählige Besucher an, unter ihnen auch Manet, der die Vorführungen gemeinsam mit Baudelaire besuchte und einige Bilder (Gemälde, Zeichnungen, Radierungen) der Tänzerin Lola, des Tänzers Don Mariano Cambrubi sowie der spanischen Ballett-Truppe schuf. Mit der Dreiergruppe Baudelaire, Gautier, Taylor schrieb Manet seinem Gemälde die Genealogie seiner Ästhetik ein.Zunächst bildete Manet einige Figuren seines Bildes dem 1851 vom Louvre angekauften Gemälde „Die kleinen Kavaliere“ nach, das man damals für ein Werk von Velázquez hielt; nach diesem Werk hatte Manet 1861–62 eine kolorierte Radierung geschaffen. Der bildbestimmende Kontrast von „Schwarz“ und „Weiß“ allerdings orientiert sich weder an den „Kleinen Kavalieren“ noch an der Porträtmalerei von Velázquez, sondern in seiner Härte an der Mal- und Radierkunst von de Goya. Während der Enthusiasmus für die spanische Kunst insgesamt den jüngeren Baudelaire mit Gautier und Taylor als Vertreter der älteren romantischen Generation verbindet, ergibt sich über Goya die nähere Verbindung zu Manet.Denn über Eugène Delacroix hinaus nennt Baudelaire Goya in seinem Gedicht Les Phares als Vorbild seiner pessimistischen Ästhetik. 1857 veröffentlichte er einen Essay über Goyas Radierungen als Ausdruck des „absolut Komischen“. Unter dem absolut Komischen verstand Baudelaire eine Ästhetik bitterster Ironie, wie sie insgesamt seine „Blumen des Bösen“ verwirklichen. Dieses absolut Komische unterscheidet Baudelaire vom „historisch Komischen“ des französischen Malers und Karikaturisten Honoré Daumier, der nach Baudelaires Ausführungen einen zwar unbestechlichen, doch wohlwollenden Blick auf die Schattenseiten der modernen Gesellschaft und das moderne Großstadtleben richtete, wie es sich seit dem Umbau der Stadt unter dem Baron Georges-Eugène Haussmann gestaltete. 1859 lernt Baudelaire den damals weitgehend unbekannten Constantin Guys kennen, dessen Zeichnungen und Aquarelle er mit Daumiers Bildästhetik in Verbindung bringt, und beginnt im Winter 1859, einen Aufsatz über Guys zu schreiben. Dieser Aufsatz erscheint vier Jahre nach seiner ersten Konzeption im November und Dezember 1863 unter dem Titel „Der Maler des modernen Lebens“ in der Zeitschrift Le Figaro.Damit schließt sich der Kreis: Neben der Radierkunst von Rembrandt war die von Baudelaire gewürdigte Radierkunst Goyas ein wichtiges Vorbild der im Frühjahr 1862 gegründeten Société des Aquafortistes. Die Gründungsurkunde dieser Gesellschaft nennt berühmte Maler und Radierer der romantischen Generation und Vertreter einer neuen Künstlergeneration, darunter Manet und seinen Freund Henri Fantin-Latour. Im April 1862 schreibt Baudelaire einen ersten Artikel über die neue Gesellschaft und ihre jüngeren Mitglieder, im September desselben Jahres einen zweiten. Während Manet im ersten Artikel als bloßer Name auftaucht, stellt Baudelaire Manet in seinem zweiten Artikel als neues großes Talent in der Nachfolge von Gustave Courbet vor. In diesem Beitrag spricht Baudelaire Manets Malerei „spanische Würze“ zu. Zudem hebt er Manets „entschiedenen Geschmack“ für die „moderne Wirklichkeit“ hervor und kündigt diejenige Ausstellung für das kommende Frühjahr an, in der  „Musik im Tuileriengarten“ zu sehen sein wird, die Ausstellung in der Galerie Martinet. Entgegen einer anders lautenden Legende, die von Manets Biografen Antonin Proust stammt, zeigt der Vergleich der Artikel, dass sich Manet und Baudelaire im Frühjahr 1862 über die „Gesellschaft der Radierer“ kennen lernten und im Sommer desselben Jahres enge Freundschaft schlossen. Insofern ist „Musik im Tuileriengarten“ zunächst ein Dokument der neuen Freundschaft Manets mit dem wichtigsten Dichter und Kunsttheoretiker seiner Zeit.Henri Fantin-Latours Gemälde Hommage à Delacroix bezeugt diese Freundschaft im Kreis der jungen Mitglieder der Gesellschaft der Radierer, jedoch in anderer Form. Im Vergleich zu diesem Gemälde wird die Neuheit der Formensprache Manets besonders deutlich. Sie besteht darin, dass Manet in kontrastierenden und diskontinuierlich gesetzten malerischen „Flecken“ das Bild einer dicht gedrängten Menge von Zeitgenossen in einem konzentrierten Moment ihrer Wahrnehmung verwirklicht. Weil die Protagonisten innerhalb der Menge einerseits stillstehen und andererseits in Bewegung sind, malt Manet ihre Wahrnehmungsbilder im selben Bild dicht benachbart scharf und unscharf zugleich. Diese neuartige Verwirklichung einer Wahrnehmungsästhetik verbindet „Musik im Tuileriengarten“ mit Baudelaires viel diskutierter Theorie ästhetischer Modernität, wie er sie im Essay über den „Maler des modernen Lebens“ entwickelt. Eine Pointe ist, dass Manets „Musik im Tuileriengarten“ Baudelaires Modernitätstheorie eineinhalb Jahre vor dem erstmaligen Erscheinen des Essays als eine gemalte Kunsttheorie vor Augen stellt. Erstmals machte der Kritiker Alfred Sensier auf die Verbindung der Ästhetik Baudelaires und Manets aufmerksam, als er 1865 über Manets Olympia schrieb: „Malerei der Schule Baudelaires, ausgeführt von einem Schüler Goyas“.Die zweite Pointe liegt darin, dass sich „Musik im Tuileriengarten“ in einer wichtigen Hinsicht von den aquarellierten Zeichnungen des Constantin Guys und mittelbar von Baudelaires Modernitätsästhetik unterscheidet. Anders als Guys nämlich arbeitet Manet nicht mit den Tonwerten von Hell und Dunkel. Vielmehr übersetzt er Licht und Schatten in die kontrastierenden Farben seiner Malerei. Durch den Verzicht auf einen mittleren Ton, der die Pole von Hell und Dunkel verbindet, gab Manet den traditionellen Schein einer ästhetischen Einheit der Bildwelt auf, an dem nach Goya, Delacroix, Daumier und Constantin Guys auch Baudelaire im „Maler des modernen Lebens“ festhielt. Diesem Schein gegenüber verfährt Manets Malerei kontrastiv diskontinuierlich und nimmt einen materiellen Charakter an. In „Musik im Tuileriengarten“ akzentuiert Manet den Unterschied seines malerischen Verfahrens zu Baudelaires Vorstellungen von der Hell-Dunkel-Malerei, indem er die Profile Baudelaires, Gautiers und Taylors schattenumwoben zeigt. Sofern er das ältere Hell-Dunkel allein auf diese Gruppe konzentriert, distanziert Manet sich im Namen einer neuen Ästhetik von Gegenwärtigkeit von der romantischen Ästhetik der Erinnerung. Zugleich schließt sich Manet, indem er sich selbst am linken Bildrand im neuen Licht seiner kontrastscharf kühlen Malerei porträtiert, mit der dargestellten Menge zusammen. Baudelaire, Gautier und Taylor hingegen zeigt er inmitten der bewegt fixierten Menge kühl blickender Flaneure und Flaneusen als letzte Vertreter der älteren romantischen Generation.Das Frühstück im Grünen

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)


Musik_im_Tuileriengarten

Prompt: ErkundeErkläre die Das Gemälde dieses Kunstwerks, Musik_im_Tuileriengarten.

Zolas Tipp ist teilweise richtig: Auf eine bestimmte Entfernung klären sich diejenigen Details des Bildes, die scharf umrissen sind – vor allem die Figuren männlicher Flaneure und weiblicher Flaneusen auf dem linken Bildflügel, des stehenden Flaneurs über dem aufgespannten Sonnenschirm und des in seinem Rücken nach rechts gewendeten Mannes, der den Hut lüftet. Die Dame gegenüber dem stehenden Flaneur allerdings und die von beiden Figuren zwickelartig gerahmte Bildmitte sind eklatant unscharf gehalten und offenbar absichtlich, weil vom oberen Bildrand her ein Stück blauen Himmels wie ein Richtungspfeil auf diese Bildvertikale weist. Die hier zu sehenden gelben und grauen Farbflecken stellen sich aus der Entfernung betrachtet so wenig plastisch dar wie einige Figuren auf dem rechten Bildflügel, die der Maler, in einem sprunghaften Wechsel von Schärfe zu Unschärfe im selben Bildsegment, lediglich skizziert. Dargestellt ist eine Szene aus dem berühmten Tuileriengarten in Paris. Manet hatte dort viele Sommernachmittage verbracht und unter den neugierigen Blicken der Spaziergänger erste Skizzen angefertigt. Dieses Gemälde vollendete er allerdings in seinem Atelier. Die Stühle im Vordergrund des Bildes sind authentisch, im Sommer 1862 wurden nämlich alle Holzstühle des Gartens durch eben solche Eisenstühle ausgewechselt, wie sie besonders deutlich rechts vorne im Bild zu sehen sind. Außerdem hat Manet in dem Bild einige bekannte Gesichter versteckt: Freunde, Bekannte, Kritiker und Meinungsmacher. Augenfällig ist der Flaneur in der Bildmitte mit der weißen Hose, der sich nach links wendet: Es ist Manets Bruder Eugène. Direkt hinter ihm vor dem Baum befindet sich das Porträt des Komponisten Jacques Offenbach, es wirkt wie eine Karikatur. Sich selbst hat Manet, vom linken Bildrand überschnitten, neben seinem früheren Ateliergenossen, dem Maler Albert de Balleroy stehend porträtiert. Wendet man den Blick von den zwei Malern etwas nach rechts, sind weitere Gesichter zu erkennen: Die sitzende männliche Person, deren Gesicht neben einem spitzen gelben Hut erscheint, ist der Journalist Zacharie Astruc, hinter ihm stehend der Mann mit dem Schnauzbart sein Kollege Aurélien Scholl. Bei dem etwas weiter rechts stehenden Mann, der den Betrachter anzuschauen scheint, handelt es sich um den Maler Henri Fantin-Latour. Weitaus undeutlicher, aber von Kennern identifiziert, ist die Personengruppe, die sich direkt über den gelb gewandeten Damen befinde. Diese Gruppe ist mit der schwarzen Baumbahn verknüpft, die den linken Bildflügel symbolisch zentriert. Zu sehen sind das Profil des Dichters und Kunstkritikers Charles Baudelaire, dicht neben ihm das Dreiviertelporträt des Dichters Kunstkritikers Théophile Gautier, der sich gegen den Baumstamm zu lehnen scheint, und beiden gegenüber die Profilfigur des Museumsbeamten Baron Isidor Taylor. Über diese Dreiergruppe erschließt sich das ästhetische Programm des Bildes, das erstmals der schwedische Kunsthistoriker Nils Gösta Sandblad erkannte.Taylor hatte 1835 im Auftrag des Bürgerkönigs Louis-Philippe I. in Spanien Gemälde von Velázquez, Zurbaran, Murillo und Goya aufgekauft, die ab 1838 in der Galerie espagnol des Louvre zu sehen waren. Auch Théophile Gautier hatte Spanien während der Julimonarchie bereist und 1845 seinen Reisebericht veröffentlicht. Diese Spanienbegeisterung der älteren romantischen Generation hatte durch die Heirat von Napoleon III. mit der spanischen Prinzessin Eugénie de Montijo im Januar 1853 neuen Aufwind erhalten und erreichte 1862, als Manet „Musik im Tuileriengarten“ malte, einen neuen Höhepunkt. In diesem Sommer gastierte eine spanische Ballettgruppe mit der berühmten Tänzerin Lola de Valence im Hippodrome von Paris und lockte unzählige Besucher an, unter ihnen auch Manet, der die Vorführungen gemeinsam mit Baudelaire besuchte und einige Bilder (Gemälde, Zeichnungen, Radierungen) der Tänzerin Lola, des Tänzers Don Mariano Cambrubi sowie der spanischen Ballett-Truppe schuf. Mit der Dreiergruppe Baudelaire, Gautier, Taylor schrieb Manet seinem Gemälde die Genealogie seiner Ästhetik ein.Zunächst bildete Manet einige Figuren seines Bildes dem 1851 vom Louvre angekauften Gemälde „Die kleinen Kavaliere“ nach, das man damals für ein Werk von Velázquez hielt; nach diesem Werk hatte Manet 1861–62 eine kolorierte Radierung geschaffen. Der bildbestimmende Kontrast von „Schwarz“ und „Weiß“ allerdings orientiert sich weder an den „Kleinen Kavalieren“ noch an der Porträtmalerei von Velázquez, sondern in seiner Härte an der Mal- und Radierkunst von de Goya. Während der Enthusiasmus für die spanische Kunst insgesamt den jüngeren Baudelaire mit Gautier und Taylor als Vertreter der älteren romantischen Generation verbindet, ergibt sich über Goya die nähere Verbindung zu Manet.Denn über Eugène Delacroix hinaus nennt Baudelaire Goya in seinem Gedicht Les Phares als Vorbild seiner pessimistischen Ästhetik. 1857 veröffentlichte er einen Essay über Goyas Radierungen als Ausdruck des „absolut Komischen“. Unter dem absolut Komischen verstand Baudelaire eine Ästhetik bitterster Ironie, wie sie insgesamt seine „Blumen des Bösen“ verwirklichen. Dieses absolut Komische unterscheidet Baudelaire vom „historisch Komischen“ des französischen Malers und Karikaturisten Honoré Daumier, der nach Baudelaires Ausführungen einen zwar unbestechlichen, doch wohlwollenden Blick auf die Schattenseiten der modernen Gesellschaft und das moderne Großstadtleben richtete, wie es sich seit dem Umbau der Stadt unter dem Baron Georges-Eugène Haussmann gestaltete. 1859 lernt Baudelaire den damals weitgehend unbekannten Constantin Guys kennen, dessen Zeichnungen und Aquarelle er mit Daumiers Bildästhetik in Verbindung bringt, und beginnt im Winter 1859, einen Aufsatz über Guys zu schreiben. Dieser Aufsatz erscheint vier Jahre nach seiner ersten Konzeption im November und Dezember 1863 unter dem Titel „Der Maler des modernen Lebens“ in der Zeitschrift Le Figaro.Damit schließt sich der Kreis: Neben der Radierkunst von Rembrandt war die von Baudelaire gewürdigte Radierkunst Goyas ein wichtiges Vorbild der im Frühjahr 1862 gegründeten Société des Aquafortistes. Die Gründungsurkunde dieser Gesellschaft nennt berühmte Maler und Radierer der romantischen Generation und Vertreter einer neuen Künstlergeneration, darunter Manet und seinen Freund Henri Fantin-Latour. Im April 1862 schreibt Baudelaire einen ersten Artikel über die neue Gesellschaft und ihre jüngeren Mitglieder, im September desselben Jahres einen zweiten. Während Manet im ersten Artikel als bloßer Name auftaucht, stellt Baudelaire Manet in seinem zweiten Artikel als neues großes Talent in der Nachfolge von Gustave Courbet vor. In diesem Beitrag spricht Baudelaire Manets Malerei „spanische Würze“ zu. Zudem hebt er Manets „entschiedenen Geschmack“ für die „moderne Wirklichkeit“ hervor und kündigt diejenige Ausstellung für das kommende Frühjahr an, in der  „Musik im Tuileriengarten“ zu sehen sein wird, die Ausstellung in der Galerie Martinet. Entgegen einer anders lautenden Legende, die von Manets Biografen Antonin Proust stammt, zeigt der Vergleich der Artikel, dass sich Manet und Baudelaire im Frühjahr 1862 über die „Gesellschaft der Radierer“ kennen lernten und im Sommer desselben Jahres enge Freundschaft schlossen. Insofern ist „Musik im Tuileriengarten“ zunächst ein Dokument der neuen Freundschaft Manets mit dem wichtigsten Dichter und Kunsttheoretiker seiner Zeit.Henri Fantin-Latours Gemälde Hommage à Delacroix bezeugt diese Freundschaft im Kreis der jungen Mitglieder der Gesellschaft der Radierer, jedoch in anderer Form. Im Vergleich zu diesem Gemälde wird die Neuheit der Formensprache Manets besonders deutlich. Sie besteht darin, dass Manet in kontrastierenden und diskontinuierlich gesetzten malerischen „Flecken“ das Bild einer dicht gedrängten Menge von Zeitgenossen in einem konzentrierten Moment ihrer Wahrnehmung verwirklicht. Weil die Protagonisten innerhalb der Menge einerseits stillstehen und andererseits in Bewegung sind, malt Manet ihre Wahrnehmungsbilder im selben Bild dicht benachbart scharf und unscharf zugleich. Diese neuartige Verwirklichung einer Wahrnehmungsästhetik verbindet „Musik im Tuileriengarten“ mit Baudelaires viel diskutierter Theorie ästhetischer Modernität, wie er sie im Essay über den „Maler des modernen Lebens“ entwickelt. Eine Pointe ist, dass Manets „Musik im Tuileriengarten“ Baudelaires Modernitätstheorie eineinhalb Jahre vor dem erstmaligen Erscheinen des Essays als eine gemalte Kunsttheorie vor Augen stellt. Erstmals machte der Kritiker Alfred Sensier auf die Verbindung der Ästhetik Baudelaires und Manets aufmerksam, als er 1865 über Manets Olympia schrieb: „Malerei der Schule Baudelaires, ausgeführt von einem Schüler Goyas“.Die zweite Pointe liegt darin, dass sich „Musik im Tuileriengarten“ in einer wichtigen Hinsicht von den aquarellierten Zeichnungen des Constantin Guys und mittelbar von Baudelaires Modernitätsästhetik unterscheidet. Anders als Guys nämlich arbeitet Manet nicht mit den Tonwerten von Hell und Dunkel. Vielmehr übersetzt er Licht und Schatten in die kontrastierenden Farben seiner Malerei. Durch den Verzicht auf einen mittleren Ton, der die Pole von Hell und Dunkel verbindet, gab Manet den traditionellen Schein einer ästhetischen Einheit der Bildwelt auf, an dem nach Goya, Delacroix, Daumier und Constantin Guys auch Baudelaire im „Maler des modernen Lebens“ festhielt. Diesem Schein gegenüber verfährt Manets Malerei kontrastiv diskontinuierlich und nimmt einen materiellen Charakter an. In „Musik im Tuileriengarten“ akzentuiert Manet den Unterschied seines malerischen Verfahrens zu Baudelaires Vorstellungen von der Hell-Dunkel-Malerei, indem er die Profile Baudelaires, Gautiers und Taylors schattenumwoben zeigt. Sofern er das ältere Hell-Dunkel allein auf diese Gruppe konzentriert, distanziert Manet sich im Namen einer neuen Ästhetik von Gegenwärtigkeit von der romantischen Ästhetik der Erinnerung. Zugleich schließt sich Manet, indem er sich selbst am linken Bildrand im neuen Licht seiner kontrastscharf kühlen Malerei porträtiert, mit der dargestellten Menge zusammen. Baudelaire, Gautier und Taylor hingegen zeigt er inmitten der bewegt fixierten Menge kühl blickender Flaneure und Flaneusen als letzte Vertreter der älteren romantischen Generation.Das Frühstück im Grünen

Kategorie:Gemälde der National Gallery (London)