The_night_café

Prompt: Describe the characteristics of the History of the painting in The_night_café's The painting.Please output in Spanish.

Gauguin
right
220px
thumb
Categoría:Pinturas de comida y bebida
El viñedo rojo
Unión Soviética
Galería de Arte de la Universidad Yale
Theo van Gogh (marchante de arte)
Paul Gauguin
Yale University Art Gallery
Universidad de Yale
La Casa Amarilla (Van Gogh)
Casa Amarilla
Archivo:Paul Gauguin 072.jpg
250px
Moscú
Arlés
[[Café de noche en Arlés
Ivan Morozov
Theo
pintor
Universidad Yale
Vincent van Gogh
Archivo:Vincent Willem van Gogh 076.jpg
fovismo
Categoría:Cuadros de 1888

La pintura, que antes estaba en la colección de Ivan Morozov, en Moscú, salió clandestinamente fuera de la Unión Soviética en los años 1930,[5] y actualmente está expuesta en la galería de arte de la Universidad de Yale.


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Focus on The battle of Alexander at Issus and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La batalla de Alejandro en Issos (también conocida por otros nombres similares, como La batalla de Alejandro, La batalla de Issos, etc.) es la pintura más famosa de Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538).[1] Realizada entre 1528 y 1529, esta pintura al óleo[2] muestra al joven Alejandro Magno en 333 a C., en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos. La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera y pasó de la colección real de Baviera a la Pinacoteca Antigua de Múnich, Alemania.[1][2]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The battle of Alexander at Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La batalla de Alejandro en Issos (también conocida por otros nombres similares, como La batalla de Alejandro, La batalla de Issos, etc.) es la pintura más famosa de Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538).[1] Realizada entre 1528 y 1529, esta pintura al óleo[2] muestra al joven Alejandro Magno en 333 a C., en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos. La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera y pasó de la colección real de Baviera a la Pinacoteca Antigua de Múnich, Alemania.[1][2]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: How does The battle of Alexander at Issus explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La batalla de Alejandro en Issos (también conocida por otros nombres similares, como La batalla de Alejandro, La batalla de Issos, etc.) es la pintura más famosa de Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538).[1] Realizada entre 1528 y 1529, esta pintura al óleo[2] muestra al joven Alejandro Magno en 333 a C., en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos. La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera y pasó de la colección real de Baviera a la Pinacoteca Antigua de Múnich, Alemania.[1][2]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: In The battle of Alexander at Issus, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La batalla de Alejandro en Issos (también conocida por otros nombres similares, como La batalla de Alejandro, La batalla de Issos, etc.) es la pintura más famosa de Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538).[1] Realizada entre 1528 y 1529, esta pintura al óleo[2] muestra al joven Alejandro Magno en 333 a C., en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos. La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera y pasó de la colección real de Baviera a la Pinacoteca Antigua de Múnich, Alemania.[1][2]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Focus on The battle of Alexander at Issus and explain the Altdorfer and painting.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Albrecht Altdorfer llevó a cabo importantes mejoras dentro del paisajismo y el aguafuerte.[1][2] También fue arquitecto, grabador y líder de la Escuela del Danubio.[1] Altdorfer casi fue contemporáneo de Alberto Durero y Grünewald, con influencias más destacadas de este último en su arte. El Concierto de los Ángeles y una Virgen y el Niño (véase Sección Galería) del Retablo de Isemheim ha sido comparada con La batalla de Alejandro en Issos a causa del extraño cielo nocturno.[1]Altdorfer fue uno de los primeros paisajistas puros, sin retratar personas, aunque la mayoría de su producción consiste en escenas religiosas más convencionales. La batalla de Issos es una obra atípica dentro de su trabajo, tanto por su tamaño como por su temática que fueron dictadas por la comisión recibida. Sin embargo, allí puede apreciarse el crecimiento de su estilo respecto de varias escenas de batalla en miniatura que había realizado años antes, en 1512-14, para el manuscrito ilustrado de Maximiliano I de Habsburgo llamado La procesión triunfal.[3] Pese a hallarse fuera de su temática habitual, o tal vez por eso mismo, esta pintura se ha convertido en su obra más famosa. Altdorfer firmó la pintura con un monograma situado en la esquina inferior derecha, fechado en 1529, y también escribió "ALBRECHT ALTORFER ZU REGENSPVRG FECIT" en el borde inferior del estandarte en el cielo.[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Explain the Altdorfer and painting of this artwork, The battle of Alexander at Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Albrecht Altdorfer llevó a cabo importantes mejoras dentro del paisajismo y el aguafuerte.[1][2] También fue arquitecto, grabador y líder de la Escuela del Danubio.[1] Altdorfer casi fue contemporáneo de Alberto Durero y Grünewald, con influencias más destacadas de este último en su arte. El Concierto de los Ángeles y una Virgen y el Niño (véase Sección Galería) del Retablo de Isemheim ha sido comparada con La batalla de Alejandro en Issos a causa del extraño cielo nocturno.[1]Altdorfer fue uno de los primeros paisajistas puros, sin retratar personas, aunque la mayoría de su producción consiste en escenas religiosas más convencionales. La batalla de Issos es una obra atípica dentro de su trabajo, tanto por su tamaño como por su temática que fueron dictadas por la comisión recibida. Sin embargo, allí puede apreciarse el crecimiento de su estilo respecto de varias escenas de batalla en miniatura que había realizado años antes, en 1512-14, para el manuscrito ilustrado de Maximiliano I de Habsburgo llamado La procesión triunfal.[3] Pese a hallarse fuera de su temática habitual, o tal vez por eso mismo, esta pintura se ha convertido en su obra más famosa. Altdorfer firmó la pintura con un monograma situado en la esquina inferior derecha, fechado en 1529, y también escribió "ALBRECHT ALTORFER ZU REGENSPVRG FECIT" en el borde inferior del estandarte en el cielo.[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: How does The battle of Alexander at Issus explain its Altdorfer and painting?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Albrecht Altdorfer llevó a cabo importantes mejoras dentro del paisajismo y el aguafuerte.[1][2] También fue arquitecto, grabador y líder de la Escuela del Danubio.[1] Altdorfer casi fue contemporáneo de Alberto Durero y Grünewald, con influencias más destacadas de este último en su arte. El Concierto de los Ángeles y una Virgen y el Niño (véase Sección Galería) del Retablo de Isemheim ha sido comparada con La batalla de Alejandro en Issos a causa del extraño cielo nocturno.[1]Altdorfer fue uno de los primeros paisajistas puros, sin retratar personas, aunque la mayoría de su producción consiste en escenas religiosas más convencionales. La batalla de Issos es una obra atípica dentro de su trabajo, tanto por su tamaño como por su temática que fueron dictadas por la comisión recibida. Sin embargo, allí puede apreciarse el crecimiento de su estilo respecto de varias escenas de batalla en miniatura que había realizado años antes, en 1512-14, para el manuscrito ilustrado de Maximiliano I de Habsburgo llamado La procesión triunfal.[3] Pese a hallarse fuera de su temática habitual, o tal vez por eso mismo, esta pintura se ha convertido en su obra más famosa. Altdorfer firmó la pintura con un monograma situado en la esquina inferior derecha, fechado en 1529, y también escribió "ALBRECHT ALTORFER ZU REGENSPVRG FECIT" en el borde inferior del estandarte en el cielo.[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: In The battle of Alexander at Issus, how is the Altdorfer and painting discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Albrecht Altdorfer llevó a cabo importantes mejoras dentro del paisajismo y el aguafuerte.[1][2] También fue arquitecto, grabador y líder de la Escuela del Danubio.[1] Altdorfer casi fue contemporáneo de Alberto Durero y Grünewald, con influencias más destacadas de este último en su arte. El Concierto de los Ángeles y una Virgen y el Niño (véase Sección Galería) del Retablo de Isemheim ha sido comparada con La batalla de Alejandro en Issos a causa del extraño cielo nocturno.[1]Altdorfer fue uno de los primeros paisajistas puros, sin retratar personas, aunque la mayoría de su producción consiste en escenas religiosas más convencionales. La batalla de Issos es una obra atípica dentro de su trabajo, tanto por su tamaño como por su temática que fueron dictadas por la comisión recibida. Sin embargo, allí puede apreciarse el crecimiento de su estilo respecto de varias escenas de batalla en miniatura que había realizado años antes, en 1512-14, para el manuscrito ilustrado de Maximiliano I de Habsburgo llamado La procesión triunfal.[3] Pese a hallarse fuera de su temática habitual, o tal vez por eso mismo, esta pintura se ha convertido en su obra más famosa. Altdorfer firmó la pintura con un monograma situado en la esquina inferior derecha, fechado en 1529, y también escribió "ALBRECHT ALTORFER ZU REGENSPVRG FECIT" en el borde inferior del estandarte en el cielo.[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Focus on The battle of Alexander at Issus and explain the The historic battle of Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

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Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La ciudad de Issos estaba ubicada en el sureste de Asia Menor, cerca de donde actualmente se encuentra Alejandreta, Turquía.[1] Pese a que la batalla tuvo lugar allí (en la moderna Turquía), en la pintura pueden distinguirse los Alpes y ciudades obviamente alemanas,[1] puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.La batalla misma fue un triunfo táctico de Alejandro Magno, y posiblemente su victoria más famosa. Los historiadores modernos estiman que el ejército macedonio perdió a unos 7000 hombres (tal vez, el 16 %) frente a las 30 000 muertes causadas al ejército persa de Darío III. No obstante, las inscripciones de la pintura, probablemente efectuadas por Aventin, el historiador de la corte bávara, se refieren a cantidades mucho mayores (véase siguiente sección).[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Explain the The historic battle of Issus of this artwork, The battle of Alexander at Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La ciudad de Issos estaba ubicada en el sureste de Asia Menor, cerca de donde actualmente se encuentra Alejandreta, Turquía.[1] Pese a que la batalla tuvo lugar allí (en la moderna Turquía), en la pintura pueden distinguirse los Alpes y ciudades obviamente alemanas,[1] puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.La batalla misma fue un triunfo táctico de Alejandro Magno, y posiblemente su victoria más famosa. Los historiadores modernos estiman que el ejército macedonio perdió a unos 7000 hombres (tal vez, el 16 %) frente a las 30 000 muertes causadas al ejército persa de Darío III. No obstante, las inscripciones de la pintura, probablemente efectuadas por Aventin, el historiador de la corte bávara, se refieren a cantidades mucho mayores (véase siguiente sección).[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: How does The battle of Alexander at Issus explain its The historic battle of Issus?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La ciudad de Issos estaba ubicada en el sureste de Asia Menor, cerca de donde actualmente se encuentra Alejandreta, Turquía.[1] Pese a que la batalla tuvo lugar allí (en la moderna Turquía), en la pintura pueden distinguirse los Alpes y ciudades obviamente alemanas,[1] puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.La batalla misma fue un triunfo táctico de Alejandro Magno, y posiblemente su victoria más famosa. Los historiadores modernos estiman que el ejército macedonio perdió a unos 7000 hombres (tal vez, el 16 %) frente a las 30 000 muertes causadas al ejército persa de Darío III. No obstante, las inscripciones de la pintura, probablemente efectuadas por Aventin, el historiador de la corte bávara, se refieren a cantidades mucho mayores (véase siguiente sección).[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: In The battle of Alexander at Issus, how is the The historic battle of Issus discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La ciudad de Issos estaba ubicada en el sureste de Asia Menor, cerca de donde actualmente se encuentra Alejandreta, Turquía.[1] Pese a que la batalla tuvo lugar allí (en la moderna Turquía), en la pintura pueden distinguirse los Alpes y ciudades obviamente alemanas,[1] puesto que la cantidad de territorio que puede verse desde un punto tan elevado está exagerado inmensamente.La batalla misma fue un triunfo táctico de Alejandro Magno, y posiblemente su victoria más famosa. Los historiadores modernos estiman que el ejército macedonio perdió a unos 7000 hombres (tal vez, el 16 %) frente a las 30 000 muertes causadas al ejército persa de Darío III. No obstante, las inscripciones de la pintura, probablemente efectuadas por Aventin, el historiador de la corte bávara, se refieren a cantidades mucho mayores (véase siguiente sección).[4]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Focus on The battle of Alexander at Issus and explain the Theme and origin.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

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Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La temática queda explicada en la pintura misma por medio del estandarte que cuelga del cielo; dentro de él, originariamente en alemán pero reemplazado al latín en una fecha desconocida (aunque se presume que el texto es el mismo), puede leerse: Además, Alejandro y Darío están identificados mediante pequeñas inscripciones en su montura y carro respectivamente y los estandartes que portan los ejércitos tienen sus propias inscripciones.[4] La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera[5] como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la Antigüedad clásica (otras dos son La batalla de Cannas de Hans Burgkmair y La batalla de Zama de Jörg Breu). Cinco de estas obras aún se encuentran en la Pinacoteca Antigua de Múnich, mientras que las tres restantes actualmente se hallan en el Nationalmuseum en Estocolmo, Suecia, tras haber sido tomados como botín por el ejército sueco durante la Guerra de los Treinta Años. Estas ocho pinturas que celebran a hombres heroicos acabaron teniendo por compañía a otras ocho obras que exaltan a heroínas de la Biblia y la Antigüedad.[5] Altdorfer llevó a cabo su encargo con toda seriedad y renunció a su puesto de alcalde de Ratisbona para cumplir con este. La pintura histórica a gran escala era algo nuevo en Alemania por aquella época y la originalidad de la visión de Altdorfer pudo beneficiarse por la ausencia de modelos a seguir.La batalla de Alejandro en Issos fue una de muchas obras que fueron llevadas a París por Napoleón Bonaparte y su fama data principalmente de este período. Supuestamente, Napoleón la habría hecho colgar en su baño de Saint-Cloud hasta que los prusianos la capturaron en 1814. En 1740 un crítico alemán la había creído un trabajo de Alberto Durero (Albrecht Dürer), pese a las dos firmas de Altdorfer. El escritor alemán Friedrich von Schlegel fue una de las muchas personas que la vio en el Museo del Louvre y quedó maravillado, por lo que la llamó una «pequeña Ilíada pintada».[6]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Explain the Theme and origin of this artwork, The battle of Alexander at Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La temática queda explicada en la pintura misma por medio del estandarte que cuelga del cielo; dentro de él, originariamente en alemán pero reemplazado al latín en una fecha desconocida (aunque se presume que el texto es el mismo), puede leerse: Además, Alejandro y Darío están identificados mediante pequeñas inscripciones en su montura y carro respectivamente y los estandartes que portan los ejércitos tienen sus propias inscripciones.[4] La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera[5] como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la Antigüedad clásica (otras dos son La batalla de Cannas de Hans Burgkmair y La batalla de Zama de Jörg Breu). Cinco de estas obras aún se encuentran en la Pinacoteca Antigua de Múnich, mientras que las tres restantes actualmente se hallan en el Nationalmuseum en Estocolmo, Suecia, tras haber sido tomados como botín por el ejército sueco durante la Guerra de los Treinta Años. Estas ocho pinturas que celebran a hombres heroicos acabaron teniendo por compañía a otras ocho obras que exaltan a heroínas de la Biblia y la Antigüedad.[5] Altdorfer llevó a cabo su encargo con toda seriedad y renunció a su puesto de alcalde de Ratisbona para cumplir con este. La pintura histórica a gran escala era algo nuevo en Alemania por aquella época y la originalidad de la visión de Altdorfer pudo beneficiarse por la ausencia de modelos a seguir.La batalla de Alejandro en Issos fue una de muchas obras que fueron llevadas a París por Napoleón Bonaparte y su fama data principalmente de este período. Supuestamente, Napoleón la habría hecho colgar en su baño de Saint-Cloud hasta que los prusianos la capturaron en 1814. En 1740 un crítico alemán la había creído un trabajo de Alberto Durero (Albrecht Dürer), pese a las dos firmas de Altdorfer. El escritor alemán Friedrich von Schlegel fue una de las muchas personas que la vio en el Museo del Louvre y quedó maravillado, por lo que la llamó una «pequeña Ilíada pintada».[6]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: How does The battle of Alexander at Issus explain its Theme and origin?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La temática queda explicada en la pintura misma por medio del estandarte que cuelga del cielo; dentro de él, originariamente en alemán pero reemplazado al latín en una fecha desconocida (aunque se presume que el texto es el mismo), puede leerse: Además, Alejandro y Darío están identificados mediante pequeñas inscripciones en su montura y carro respectivamente y los estandartes que portan los ejércitos tienen sus propias inscripciones.[4] La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera[5] como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la Antigüedad clásica (otras dos son La batalla de Cannas de Hans Burgkmair y La batalla de Zama de Jörg Breu). Cinco de estas obras aún se encuentran en la Pinacoteca Antigua de Múnich, mientras que las tres restantes actualmente se hallan en el Nationalmuseum en Estocolmo, Suecia, tras haber sido tomados como botín por el ejército sueco durante la Guerra de los Treinta Años. Estas ocho pinturas que celebran a hombres heroicos acabaron teniendo por compañía a otras ocho obras que exaltan a heroínas de la Biblia y la Antigüedad.[5] Altdorfer llevó a cabo su encargo con toda seriedad y renunció a su puesto de alcalde de Ratisbona para cumplir con este. La pintura histórica a gran escala era algo nuevo en Alemania por aquella época y la originalidad de la visión de Altdorfer pudo beneficiarse por la ausencia de modelos a seguir.La batalla de Alejandro en Issos fue una de muchas obras que fueron llevadas a París por Napoleón Bonaparte y su fama data principalmente de este período. Supuestamente, Napoleón la habría hecho colgar en su baño de Saint-Cloud hasta que los prusianos la capturaron en 1814. En 1740 un crítico alemán la había creído un trabajo de Alberto Durero (Albrecht Dürer), pese a las dos firmas de Altdorfer. El escritor alemán Friedrich von Schlegel fue una de las muchas personas que la vio en el Museo del Louvre y quedó maravillado, por lo que la llamó una «pequeña Ilíada pintada».[6]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: In The battle of Alexander at Issus, how is the Theme and origin discussed?Please output in Spanish.

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Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

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Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

La temática queda explicada en la pintura misma por medio del estandarte que cuelga del cielo; dentro de él, originariamente en alemán pero reemplazado al latín en una fecha desconocida (aunque se presume que el texto es el mismo), puede leerse: Además, Alejandro y Darío están identificados mediante pequeñas inscripciones en su montura y carro respectivamente y los estandartes que portan los ejércitos tienen sus propias inscripciones.[4] La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera[5] como una de las tres primeras obras de una serie de ocho pinturas que representan batallas de la Antigüedad clásica (otras dos son La batalla de Cannas de Hans Burgkmair y La batalla de Zama de Jörg Breu). Cinco de estas obras aún se encuentran en la Pinacoteca Antigua de Múnich, mientras que las tres restantes actualmente se hallan en el Nationalmuseum en Estocolmo, Suecia, tras haber sido tomados como botín por el ejército sueco durante la Guerra de los Treinta Años. Estas ocho pinturas que celebran a hombres heroicos acabaron teniendo por compañía a otras ocho obras que exaltan a heroínas de la Biblia y la Antigüedad.[5] Altdorfer llevó a cabo su encargo con toda seriedad y renunció a su puesto de alcalde de Ratisbona para cumplir con este. La pintura histórica a gran escala era algo nuevo en Alemania por aquella época y la originalidad de la visión de Altdorfer pudo beneficiarse por la ausencia de modelos a seguir.La batalla de Alejandro en Issos fue una de muchas obras que fueron llevadas a París por Napoleón Bonaparte y su fama data principalmente de este período. Supuestamente, Napoleón la habría hecho colgar en su baño de Saint-Cloud hasta que los prusianos la capturaron en 1814. En 1740 un crítico alemán la había creído un trabajo de Alberto Durero (Albrecht Dürer), pese a las dos firmas de Altdorfer. El escritor alemán Friedrich von Schlegel fue una de las muchas personas que la vio en el Museo del Louvre y quedó maravillado, por lo que la llamó una «pequeña Ilíada pintada».[6]


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Focus on The battle of Alexander at Issus and explain the Analysis of the painting.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

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Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Detrás de los numerosos ejércitos se encuentran las montañas de Asia Menor frente al mar Mediterráneo y Chipre. En el fondo se hallan Palestina, el Sinaí, el mar Rojo y África con el serpenteante río Nilo hasta su delta frente a la gentil curva del horizonte y la dramática puesta del sol. En la esquina superior izquierda está la luna en cuarto creciente, sobre la escena del rey persa que huye en su carro de guerra, una referencia al «pueblo de la luna creciente», por ejemplo los turcos. La presencia de dos cuerpos celestes se ve reflejada en las dimensiones cósmicas atribuidas a la batalla, con el apoyo de una cita bíblica (Daniel 7) que describe el hecho como parte del plan de Dios para la humanidad, donde el reino de Alejandro Magno fue sucedido por el Imperio romano, que a su vez fue sucedido por el Sacro Imperio Romano Germánico. Por lo tanto, toda la pintura es una exhortación al emperador Carlos V para que aplaste a los turcos que en ese entonces amenazaban Viena.[5]Altdorfer intentó representar las descripciones históricas de que disponía en cuanto al número de soldados presentes en la batalla, por lo que los dos ejércitos se transformaron en una masa de gente de modo que no pueden distinguirse los bandos. Las armaduras que utilizan la mayoría o todos los soldados es inconfundiblemente la empleada en el siglo XVI.[1] La obra hace uso de una compleja e imposible vista a vuelo de pájaro que comienza relativamente cerca del suelo, al frente de la pintura, pero que en cuanto al fondo se halla claramente a la altura que alcanzaría transbordador espacial.[7] Pese a que también están representadas la Torre de Babel (cerca del borde izquierdo), las Pirámides de Egipto y probablemente el Templo de Jerusalén, la mayoría de estos edificios no tienen la intención de reflejar la arquitectura antigua y son construcciones imaginarias y extravagantes de estilo renacentista alemán.


The battle of Alexander at Issus

Prompt: Explain the Analysis of the painting of this artwork, The battle of Alexander at Issus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Detrás de los numerosos ejércitos se encuentran las montañas de Asia Menor frente al mar Mediterráneo y Chipre. En el fondo se hallan Palestina, el Sinaí, el mar Rojo y África con el serpenteante río Nilo hasta su delta frente a la gentil curva del horizonte y la dramática puesta del sol. En la esquina superior izquierda está la luna en cuarto creciente, sobre la escena del rey persa que huye en su carro de guerra, una referencia al «pueblo de la luna creciente», por ejemplo los turcos. La presencia de dos cuerpos celestes se ve reflejada en las dimensiones cósmicas atribuidas a la batalla, con el apoyo de una cita bíblica (Daniel 7) que describe el hecho como parte del plan de Dios para la humanidad, donde el reino de Alejandro Magno fue sucedido por el Imperio romano, que a su vez fue sucedido por el Sacro Imperio Romano Germánico. Por lo tanto, toda la pintura es una exhortación al emperador Carlos V para que aplaste a los turcos que en ese entonces amenazaban Viena.[5]Altdorfer intentó representar las descripciones históricas de que disponía en cuanto al número de soldados presentes en la batalla, por lo que los dos ejércitos se transformaron en una masa de gente de modo que no pueden distinguirse los bandos. Las armaduras que utilizan la mayoría o todos los soldados es inconfundiblemente la empleada en el siglo XVI.[1] La obra hace uso de una compleja e imposible vista a vuelo de pájaro que comienza relativamente cerca del suelo, al frente de la pintura, pero que en cuanto al fondo se halla claramente a la altura que alcanzaría transbordador espacial.[7] Pese a que también están representadas la Torre de Babel (cerca del borde izquierdo), las Pirámides de Egipto y probablemente el Templo de Jerusalén, la mayoría de estos edificios no tienen la intención de reflejar la arquitectura antigua y son construcciones imaginarias y extravagantes de estilo renacentista alemán.


The battle of Alexander at Issus

Prompt: How does The battle of Alexander at Issus explain its Analysis of the painting?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Detrás de los numerosos ejércitos se encuentran las montañas de Asia Menor frente al mar Mediterráneo y Chipre. En el fondo se hallan Palestina, el Sinaí, el mar Rojo y África con el serpenteante río Nilo hasta su delta frente a la gentil curva del horizonte y la dramática puesta del sol. En la esquina superior izquierda está la luna en cuarto creciente, sobre la escena del rey persa que huye en su carro de guerra, una referencia al «pueblo de la luna creciente», por ejemplo los turcos. La presencia de dos cuerpos celestes se ve reflejada en las dimensiones cósmicas atribuidas a la batalla, con el apoyo de una cita bíblica (Daniel 7) que describe el hecho como parte del plan de Dios para la humanidad, donde el reino de Alejandro Magno fue sucedido por el Imperio romano, que a su vez fue sucedido por el Sacro Imperio Romano Germánico. Por lo tanto, toda la pintura es una exhortación al emperador Carlos V para que aplaste a los turcos que en ese entonces amenazaban Viena.[5]Altdorfer intentó representar las descripciones históricas de que disponía en cuanto al número de soldados presentes en la batalla, por lo que los dos ejércitos se transformaron en una masa de gente de modo que no pueden distinguirse los bandos. Las armaduras que utilizan la mayoría o todos los soldados es inconfundiblemente la empleada en el siglo XVI.[1] La obra hace uso de una compleja e imposible vista a vuelo de pájaro que comienza relativamente cerca del suelo, al frente de la pintura, pero que en cuanto al fondo se halla claramente a la altura que alcanzaría transbordador espacial.[7] Pese a que también están representadas la Torre de Babel (cerca del borde izquierdo), las Pirámides de Egipto y probablemente el Templo de Jerusalén, la mayoría de estos edificios no tienen la intención de reflejar la arquitectura antigua y son construcciones imaginarias y extravagantes de estilo renacentista alemán.


The battle of Alexander at Issus

Prompt: In The battle of Alexander at Issus, how is the Analysis of the painting discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Archivo:Battle of Issus mosaic - Museo Archeologico Nazionale - Naples 2013-05-16 16-25-06 BW.jpg

Detalle de la inscripción del estandarte.

Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Representaciones culturales de Alejandro Magno

Archivo:Albrecht Altdorfer - Schlacht bei Issus (Alte Pinakothek, München).jpg

Archivo:Albrecht Altdorfer - The Battle of Alexander (detail) - WGA0203.jpg

Detrás de los numerosos ejércitos se encuentran las montañas de Asia Menor frente al mar Mediterráneo y Chipre. En el fondo se hallan Palestina, el Sinaí, el mar Rojo y África con el serpenteante río Nilo hasta su delta frente a la gentil curva del horizonte y la dramática puesta del sol. En la esquina superior izquierda está la luna en cuarto creciente, sobre la escena del rey persa que huye en su carro de guerra, una referencia al «pueblo de la luna creciente», por ejemplo los turcos. La presencia de dos cuerpos celestes se ve reflejada en las dimensiones cósmicas atribuidas a la batalla, con el apoyo de una cita bíblica (Daniel 7) que describe el hecho como parte del plan de Dios para la humanidad, donde el reino de Alejandro Magno fue sucedido por el Imperio romano, que a su vez fue sucedido por el Sacro Imperio Romano Germánico. Por lo tanto, toda la pintura es una exhortación al emperador Carlos V para que aplaste a los turcos que en ese entonces amenazaban Viena.[5]Altdorfer intentó representar las descripciones históricas de que disponía en cuanto al número de soldados presentes en la batalla, por lo que los dos ejércitos se transformaron en una masa de gente de modo que no pueden distinguirse los bandos. Las armaduras que utilizan la mayoría o todos los soldados es inconfundiblemente la empleada en el siglo XVI.[1] La obra hace uso de una compleja e imposible vista a vuelo de pájaro que comienza relativamente cerca del suelo, al frente de la pintura, pero que en cuanto al fondo se halla claramente a la altura que alcanzaría transbordador espacial.[7] Pese a que también están representadas la Torre de Babel (cerca del borde izquierdo), las Pirámides de Egipto y probablemente el Templo de Jerusalén, la mayoría de estos edificios no tienen la intención de reflejar la arquitectura antigua y son construcciones imaginarias y extravagantes de estilo renacentista alemán.


Wheat_field_with_crows

Prompt: Focus on Wheat_field_with_crows and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos,[1] Campo de trigo con cuervos[2][3] o Trigal bajo la tormenta[4] (título completo en neerlandés: Korenvelden onder dreigende luchten met kraaien, lit. Trigales bajo un cielo amenazador con cuervos) es un óleo sobre lienzo del pintor holandés Vincent van Gogh. Comúnmente se afirmaba que esta fue la última pintura de Van Gogh.[2] Sin embargo, los historiadores de arte no estaban seguros de que la pintura fuera la última, ya que la evidencia de sus cartas sugiere que Trigal con cuervos se completó alrededor del 10 de julio, y es anterior a pinturas tales como El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890 y Jardín de Daubigny.[5][6][7] Por otra parte, Jan Hulsker señaló que una pintura de trigo ya cosechado, Campo con las gavillas de trigo (F771), podría ser una pintura posterior.[8]


Wheat_field_with_crows

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Wheat_field_with_crows.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos,[1] Campo de trigo con cuervos[2][3] o Trigal bajo la tormenta[4] (título completo en neerlandés: Korenvelden onder dreigende luchten met kraaien, lit. Trigales bajo un cielo amenazador con cuervos) es un óleo sobre lienzo del pintor holandés Vincent van Gogh. Comúnmente se afirmaba que esta fue la última pintura de Van Gogh.[2] Sin embargo, los historiadores de arte no estaban seguros de que la pintura fuera la última, ya que la evidencia de sus cartas sugiere que Trigal con cuervos se completó alrededor del 10 de julio, y es anterior a pinturas tales como El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890 y Jardín de Daubigny.[5][6][7] Por otra parte, Jan Hulsker señaló que una pintura de trigo ya cosechado, Campo con las gavillas de trigo (F771), podría ser una pintura posterior.[8]


Wheat_field_with_crows

Prompt: How does Wheat_field_with_crows explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos,[1] Campo de trigo con cuervos[2][3] o Trigal bajo la tormenta[4] (título completo en neerlandés: Korenvelden onder dreigende luchten met kraaien, lit. Trigales bajo un cielo amenazador con cuervos) es un óleo sobre lienzo del pintor holandés Vincent van Gogh. Comúnmente se afirmaba que esta fue la última pintura de Van Gogh.[2] Sin embargo, los historiadores de arte no estaban seguros de que la pintura fuera la última, ya que la evidencia de sus cartas sugiere que Trigal con cuervos se completó alrededor del 10 de julio, y es anterior a pinturas tales como El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890 y Jardín de Daubigny.[5][6][7] Por otra parte, Jan Hulsker señaló que una pintura de trigo ya cosechado, Campo con las gavillas de trigo (F771), podría ser una pintura posterior.[8]


Wheat_field_with_crows

Prompt: In Wheat_field_with_crows, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos,[1] Campo de trigo con cuervos[2][3] o Trigal bajo la tormenta[4] (título completo en neerlandés: Korenvelden onder dreigende luchten met kraaien, lit. Trigales bajo un cielo amenazador con cuervos) es un óleo sobre lienzo del pintor holandés Vincent van Gogh. Comúnmente se afirmaba que esta fue la última pintura de Van Gogh.[2] Sin embargo, los historiadores de arte no estaban seguros de que la pintura fuera la última, ya que la evidencia de sus cartas sugiere que Trigal con cuervos se completó alrededor del 10 de julio, y es anterior a pinturas tales como El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890 y Jardín de Daubigny.[5][6][7] Por otra parte, Jan Hulsker señaló que una pintura de trigo ya cosechado, Campo con las gavillas de trigo (F771), podría ser una pintura posterior.[8]


Wheat_field_with_crows

Prompt: Focus on Wheat_field_with_crows and explain the Origin.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos fue pintado en julio de 1890, en las últimas semanas de vida de Van Gogh. Muchos han afirmado que se trata de su última pintura, mientras otros indican que es Raíces de árbol,[3] o la ya mencionada Jardín de Daubigny, como su pintura final.La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.[6] Una sensación de aislamiento se ve reforzada por un camino central que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. El viento barre el trigal que llena dos tercios de la lona. Jules Michelet, uno de los autores favoritos de Van Gogh, escribió sobre los cuervos: «Se interesan en todo, y lo observan todo. Los antiguos, que tuvieron una vida mucho más completa que nosotros mismos y con la naturaleza, no encontraron siquiera un pequeño beneficio en seguir un centenar de cosas oscuras donde la experiencia humana todavía no ofrece luz, ni instrucciones de manera prudente y sabia como un pájaro».[9] Kathleen Erickson consideró a la pintura como la expresión de tanto dolor y sensación porque su vida llegaba a su fin.[10] Los cuervos eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento, o de la resurrección.[11][12] Erickson dijo que el camino, en colores contrastados como rojo y verde, posiblemente sea una metáfora de un sermón que él había dado, basado en El progreso del peregrino de Bunyan, donde el peregrino estaba triste porque el camino era demasiado largo, pero se regocijaba porque tenía la esperanza de llegar a la Ciudad Eterna al final de la jornada.[13][14]Alrededor del 10 de julio de 1890, Van Gogh escribió a Theo van Gogh y Jo Bonger, diciendo que había pintado otros tres grandes lienzos en Auvers después de visitarlos en París el 6 de julio.[5] Dos de ellos fueron descritos como campos de trigo de inmensas extensiones bajo cielos turbulentos, que se cree que son Trigal bajo el cielo nublado y Trigal con cuervos, y el tercero Jardín de Daubigny. Escribió que había estaba a punto de expresar su tristeza, para luego añadir «soledad extrema» (de la solitude extrême, en francés), pero también dijo que creía que los lienzos mostraban lo que considera un campo saludable y fortificante (y añade que tenía la intención de acercarse a París tan pronto como le fuese posible): Walther y Metzger se referían a una carta de Van Gogh de junio de 1880, en el que se comparó a sí mismo con un pájaro en una jaula,[15] y puntualizaron: Estas pinturas son ejemplos de los alargados lienzos de Van Gogh, que exclusivamente utilizó en las últimas semanas de su vida, de junio a julio de 1890.La pintura se encuentra en la colección del Museo van Gogh de Ámsterdam, al igual que Trigal bajo nubes de tormenta.


Wheat_field_with_crows

Prompt: Explain the Origin of this artwork, Wheat_field_with_crows.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos fue pintado en julio de 1890, en las últimas semanas de vida de Van Gogh. Muchos han afirmado que se trata de su última pintura, mientras otros indican que es Raíces de árbol,[3] o la ya mencionada Jardín de Daubigny, como su pintura final.La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.[6] Una sensación de aislamiento se ve reforzada por un camino central que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. El viento barre el trigal que llena dos tercios de la lona. Jules Michelet, uno de los autores favoritos de Van Gogh, escribió sobre los cuervos: «Se interesan en todo, y lo observan todo. Los antiguos, que tuvieron una vida mucho más completa que nosotros mismos y con la naturaleza, no encontraron siquiera un pequeño beneficio en seguir un centenar de cosas oscuras donde la experiencia humana todavía no ofrece luz, ni instrucciones de manera prudente y sabia como un pájaro».[9] Kathleen Erickson consideró a la pintura como la expresión de tanto dolor y sensación porque su vida llegaba a su fin.[10] Los cuervos eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento, o de la resurrección.[11][12] Erickson dijo que el camino, en colores contrastados como rojo y verde, posiblemente sea una metáfora de un sermón que él había dado, basado en El progreso del peregrino de Bunyan, donde el peregrino estaba triste porque el camino era demasiado largo, pero se regocijaba porque tenía la esperanza de llegar a la Ciudad Eterna al final de la jornada.[13][14]Alrededor del 10 de julio de 1890, Van Gogh escribió a Theo van Gogh y Jo Bonger, diciendo que había pintado otros tres grandes lienzos en Auvers después de visitarlos en París el 6 de julio.[5] Dos de ellos fueron descritos como campos de trigo de inmensas extensiones bajo cielos turbulentos, que se cree que son Trigal bajo el cielo nublado y Trigal con cuervos, y el tercero Jardín de Daubigny. Escribió que había estaba a punto de expresar su tristeza, para luego añadir «soledad extrema» (de la solitude extrême, en francés), pero también dijo que creía que los lienzos mostraban lo que considera un campo saludable y fortificante (y añade que tenía la intención de acercarse a París tan pronto como le fuese posible): Walther y Metzger se referían a una carta de Van Gogh de junio de 1880, en el que se comparó a sí mismo con un pájaro en una jaula,[15] y puntualizaron: Estas pinturas son ejemplos de los alargados lienzos de Van Gogh, que exclusivamente utilizó en las últimas semanas de su vida, de junio a julio de 1890.La pintura se encuentra en la colección del Museo van Gogh de Ámsterdam, al igual que Trigal bajo nubes de tormenta.


Wheat_field_with_crows

Prompt: How does Wheat_field_with_crows explain its Origin?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos fue pintado en julio de 1890, en las últimas semanas de vida de Van Gogh. Muchos han afirmado que se trata de su última pintura, mientras otros indican que es Raíces de árbol,[3] o la ya mencionada Jardín de Daubigny, como su pintura final.La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.[6] Una sensación de aislamiento se ve reforzada por un camino central que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. El viento barre el trigal que llena dos tercios de la lona. Jules Michelet, uno de los autores favoritos de Van Gogh, escribió sobre los cuervos: «Se interesan en todo, y lo observan todo. Los antiguos, que tuvieron una vida mucho más completa que nosotros mismos y con la naturaleza, no encontraron siquiera un pequeño beneficio en seguir un centenar de cosas oscuras donde la experiencia humana todavía no ofrece luz, ni instrucciones de manera prudente y sabia como un pájaro».[9] Kathleen Erickson consideró a la pintura como la expresión de tanto dolor y sensación porque su vida llegaba a su fin.[10] Los cuervos eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento, o de la resurrección.[11][12] Erickson dijo que el camino, en colores contrastados como rojo y verde, posiblemente sea una metáfora de un sermón que él había dado, basado en El progreso del peregrino de Bunyan, donde el peregrino estaba triste porque el camino era demasiado largo, pero se regocijaba porque tenía la esperanza de llegar a la Ciudad Eterna al final de la jornada.[13][14]Alrededor del 10 de julio de 1890, Van Gogh escribió a Theo van Gogh y Jo Bonger, diciendo que había pintado otros tres grandes lienzos en Auvers después de visitarlos en París el 6 de julio.[5] Dos de ellos fueron descritos como campos de trigo de inmensas extensiones bajo cielos turbulentos, que se cree que son Trigal bajo el cielo nublado y Trigal con cuervos, y el tercero Jardín de Daubigny. Escribió que había estaba a punto de expresar su tristeza, para luego añadir «soledad extrema» (de la solitude extrême, en francés), pero también dijo que creía que los lienzos mostraban lo que considera un campo saludable y fortificante (y añade que tenía la intención de acercarse a París tan pronto como le fuese posible): Walther y Metzger se referían a una carta de Van Gogh de junio de 1880, en el que se comparó a sí mismo con un pájaro en una jaula,[15] y puntualizaron: Estas pinturas son ejemplos de los alargados lienzos de Van Gogh, que exclusivamente utilizó en las últimas semanas de su vida, de junio a julio de 1890.La pintura se encuentra en la colección del Museo van Gogh de Ámsterdam, al igual que Trigal bajo nubes de tormenta.


Wheat_field_with_crows

Prompt: In Wheat_field_with_crows, how is the Origin discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Trigal con cuervos fue pintado en julio de 1890, en las últimas semanas de vida de Van Gogh. Muchos han afirmado que se trata de su última pintura, mientras otros indican que es Raíces de árbol,[3] o la ya mencionada Jardín de Daubigny, como su pintura final.La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.[6] Una sensación de aislamiento se ve reforzada por un camino central que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. El viento barre el trigal que llena dos tercios de la lona. Jules Michelet, uno de los autores favoritos de Van Gogh, escribió sobre los cuervos: «Se interesan en todo, y lo observan todo. Los antiguos, que tuvieron una vida mucho más completa que nosotros mismos y con la naturaleza, no encontraron siquiera un pequeño beneficio en seguir un centenar de cosas oscuras donde la experiencia humana todavía no ofrece luz, ni instrucciones de manera prudente y sabia como un pájaro».[9] Kathleen Erickson consideró a la pintura como la expresión de tanto dolor y sensación porque su vida llegaba a su fin.[10] Los cuervos eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento, o de la resurrección.[11][12] Erickson dijo que el camino, en colores contrastados como rojo y verde, posiblemente sea una metáfora de un sermón que él había dado, basado en El progreso del peregrino de Bunyan, donde el peregrino estaba triste porque el camino era demasiado largo, pero se regocijaba porque tenía la esperanza de llegar a la Ciudad Eterna al final de la jornada.[13][14]Alrededor del 10 de julio de 1890, Van Gogh escribió a Theo van Gogh y Jo Bonger, diciendo que había pintado otros tres grandes lienzos en Auvers después de visitarlos en París el 6 de julio.[5] Dos de ellos fueron descritos como campos de trigo de inmensas extensiones bajo cielos turbulentos, que se cree que son Trigal bajo el cielo nublado y Trigal con cuervos, y el tercero Jardín de Daubigny. Escribió que había estaba a punto de expresar su tristeza, para luego añadir «soledad extrema» (de la solitude extrême, en francés), pero también dijo que creía que los lienzos mostraban lo que considera un campo saludable y fortificante (y añade que tenía la intención de acercarse a París tan pronto como le fuese posible): Walther y Metzger se referían a una carta de Van Gogh de junio de 1880, en el que se comparó a sí mismo con un pájaro en una jaula,[15] y puntualizaron: Estas pinturas son ejemplos de los alargados lienzos de Van Gogh, que exclusivamente utilizó en las últimas semanas de su vida, de junio a julio de 1890.La pintura se encuentra en la colección del Museo van Gogh de Ámsterdam, al igual que Trigal bajo nubes de tormenta.


Wheat_field_with_crows

Prompt: In the context of Wheat_field_with_crows, explain the Bibliography and the Consulted sources.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Erickson, Kathleen Powers (1998). At Eternity's Gate: The Spiritual Vision of Vincent van Gogh (en inglés). ISBN 0-8028-4978-4. Walther, Ingo F; Metzger, Rainer (2010). Van Gogh: The Complete Paintings (en inglés). Colonia: Taschen. pp. 680-682. ISBN 3-8365-2299-3.


Wheat_field_with_crows

Prompt: Explain the Bibliography about the Consulted sources of this artwork, Wheat_field_with_crows.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Erickson, Kathleen Powers (1998). At Eternity's Gate: The Spiritual Vision of Vincent van Gogh (en inglés). ISBN 0-8028-4978-4. Walther, Ingo F; Metzger, Rainer (2010). Van Gogh: The Complete Paintings (en inglés). Colonia: Taschen. pp. 680-682. ISBN 3-8365-2299-3.


Wheat_field_with_crows

Prompt: In Wheat_field_with_crows, how is the Bibliography of the Consulted sources explained?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Erickson, Kathleen Powers (1998). At Eternity's Gate: The Spiritual Vision of Vincent van Gogh (en inglés). ISBN 0-8028-4978-4. Walther, Ingo F; Metzger, Rainer (2010). Van Gogh: The Complete Paintings (en inglés). Colonia: Taschen. pp. 680-682. ISBN 3-8365-2299-3.


Wheat_field_with_crows

Prompt: Describe the characteristics of the Bibliography in Wheat_field_with_crows's Consulted sources.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo:Vincent van Gogh - Wheatfield Under Thunderclouds - VGM F778.jpg

''Trigal bajo nubes de tormenta'' (1890).

El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890

Imagen:Van Gogh, Wheatfield with crows.jpg

Erickson, Kathleen Powers (1998). At Eternity's Gate: The Spiritual Vision of Vincent van Gogh (en inglés). ISBN 0-8028-4978-4. Walther, Ingo F; Metzger, Rainer (2010). Van Gogh: The Complete Paintings (en inglés). Colonia: Taschen. pp. 680-682. ISBN 3-8365-2299-3.


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Focus on Monument_to_Wikipedia and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El Monumento a Wikipedia (en polaco: Pomnik Wikipedii) es una escultura ubicada en Słubice (Polonia), diseñada por el artista armenio Mihran Hakobyan para honrar a los contribuyentes a Wikipedia.[1]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Monument_to_Wikipedia.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El Monumento a Wikipedia (en polaco: Pomnik Wikipedii) es una escultura ubicada en Słubice (Polonia), diseñada por el artista armenio Mihran Hakobyan para honrar a los contribuyentes a Wikipedia.[1]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: How does Monument_to_Wikipedia explain its abstract?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El Monumento a Wikipedia (en polaco: Pomnik Wikipedii) es una escultura ubicada en Słubice (Polonia), diseñada por el artista armenio Mihran Hakobyan para honrar a los contribuyentes a Wikipedia.[1]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: In Monument_to_Wikipedia, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El Monumento a Wikipedia (en polaco: Pomnik Wikipedii) es una escultura ubicada en Słubice (Polonia), diseñada por el artista armenio Mihran Hakobyan para honrar a los contribuyentes a Wikipedia.[1]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Focus on Monument_to_Wikipedia and explain the Description.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El monumento representa cuatro figuras desnudas que sostienen en alto un globo terráqueo basado en el Logo de Wikipedia, que alcanza más de 2 metros (2,2 yd) de altura.[2][3] La estatua de fibra yresina fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado en el Collegium Polonicum.[1][4][5] Costó unos 50.000 złotys (aproximadamente; 14.000 euros) y fue financiada por las autoridades de la ciudad de Słubice.[1][6][7]Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».[8]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Explain the Description of this artwork, Monument_to_Wikipedia.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El monumento representa cuatro figuras desnudas que sostienen en alto un globo terráqueo basado en el Logo de Wikipedia, que alcanza más de 2 metros (2,2 yd) de altura.[2][3] La estatua de fibra yresina fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado en el Collegium Polonicum.[1][4][5] Costó unos 50.000 złotys (aproximadamente; 14.000 euros) y fue financiada por las autoridades de la ciudad de Słubice.[1][6][7]Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».[8]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: How does Monument_to_Wikipedia explain its Description?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El monumento representa cuatro figuras desnudas que sostienen en alto un globo terráqueo basado en el Logo de Wikipedia, que alcanza más de 2 metros (2,2 yd) de altura.[2][3] La estatua de fibra yresina fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado en el Collegium Polonicum.[1][4][5] Costó unos 50.000 złotys (aproximadamente; 14.000 euros) y fue financiada por las autoridades de la ciudad de Słubice.[1][6][7]Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».[8]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: In Monument_to_Wikipedia, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

El monumento representa cuatro figuras desnudas que sostienen en alto un globo terráqueo basado en el Logo de Wikipedia, que alcanza más de 2 metros (2,2 yd) de altura.[2][3] La estatua de fibra yresina fue diseñada por el artista de origen armenio Mihran Hakobyan, graduado en el Collegium Polonicum.[1][4][5] Costó unos 50.000 złotys (aproximadamente; 14.000 euros) y fue financiada por las autoridades de la ciudad de Słubice.[1][6][7]Su presentación tuvo lugar el 22 de octubre de 2014, convirtiéndose en el primer monumento del mundo dedicado a la enciclopedia en línea. Según Piotr Łuczyński, teniente de alcalde de la ciudad, el memorial «pondrá de relieve la importancia de la ciudad como un centro académico».[8]


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Focus on Monument_to_Wikipedia and explain the Registration.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:


Monument_to_Wikipedia

Prompt: Explain the Registration of this artwork, Monument_to_Wikipedia.Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:


Monument_to_Wikipedia

Prompt: How does Monument_to_Wikipedia explain its Registration?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:


Monument_to_Wikipedia

Prompt: In Monument_to_Wikipedia, how is the Registration discussed?Please output in Spanish.

Archivo:Wikipedia Monument in Słubice - Inscription (En.).JPG

Categoría:Arquitectura de Polonia del siglo XXI

Categoría:Escultura en Polonia del siglo XXI

En primer plano, referencia escrita (en inglés) en la base del monumento.<ref name=honorwikipedia/>

En la base del monumento figura una placa con el siguiente texto:


The flamenco proverbs

Prompt: Focus on The flamenco proverbs and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Los proverbios flamencos (en neerlandés: Nederlandse Spreekwoorden) es una obra del pintor Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla de roble, pintado en el año 1559.[1] Mide 117 cm de alto y 163 cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. Otros nombres con los que es conocida esta obra son La capa azul y El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558, y el propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se cree que Los proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el tema. François Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Gargantúa y Pantagruel poco después, en 1564.Las pinturas de Brueghel tratan los temas de lo absurdo, las debilidades y las locuras humanas, en lo que sigue la tradición de El Bosco,[2] y esta pintura no es una excepción. Originalmente se tituló La capa azul o la locura del mundo, lo que indica que no pretendía tan sólo representar una colección de proverbios, sino más bien hacer un estudio de la estupidez humana. Muchas de las personas representadas muestran los característicos rasgos en blanco que Brueghel usaba para representar a los tontos. Con gran maestría, Brueghel trata hasta el detalle más nimio.[2]Su hijo, Pieter Brueghel el Joven, se especializó en hacer copias de la obra de su padre, y pintó hasta veinte copias de Los proverbios flamencos. Consigue una gran unidad, a pesar de los múltiples detalles, gracias a su unidad de composición, en torno a una diagonal que, desde la parte inferior izquierda, va hacia la parte superior derecha.[2]


The flamenco proverbs

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The flamenco proverbs.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Los proverbios flamencos (en neerlandés: Nederlandse Spreekwoorden) es una obra del pintor Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla de roble, pintado en el año 1559.[1] Mide 117 cm de alto y 163 cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. Otros nombres con los que es conocida esta obra son La capa azul y El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558, y el propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se cree que Los proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el tema. François Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Gargantúa y Pantagruel poco después, en 1564.Las pinturas de Brueghel tratan los temas de lo absurdo, las debilidades y las locuras humanas, en lo que sigue la tradición de El Bosco,[2] y esta pintura no es una excepción. Originalmente se tituló La capa azul o la locura del mundo, lo que indica que no pretendía tan sólo representar una colección de proverbios, sino más bien hacer un estudio de la estupidez humana. Muchas de las personas representadas muestran los característicos rasgos en blanco que Brueghel usaba para representar a los tontos. Con gran maestría, Brueghel trata hasta el detalle más nimio.[2]Su hijo, Pieter Brueghel el Joven, se especializó en hacer copias de la obra de su padre, y pintó hasta veinte copias de Los proverbios flamencos. Consigue una gran unidad, a pesar de los múltiples detalles, gracias a su unidad de composición, en torno a una diagonal que, desde la parte inferior izquierda, va hacia la parte superior derecha.[2]


The flamenco proverbs

Prompt: How does The flamenco proverbs explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Los proverbios flamencos (en neerlandés: Nederlandse Spreekwoorden) es una obra del pintor Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla de roble, pintado en el año 1559.[1] Mide 117 cm de alto y 163 cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. Otros nombres con los que es conocida esta obra son La capa azul y El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558, y el propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se cree que Los proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el tema. François Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Gargantúa y Pantagruel poco después, en 1564.Las pinturas de Brueghel tratan los temas de lo absurdo, las debilidades y las locuras humanas, en lo que sigue la tradición de El Bosco,[2] y esta pintura no es una excepción. Originalmente se tituló La capa azul o la locura del mundo, lo que indica que no pretendía tan sólo representar una colección de proverbios, sino más bien hacer un estudio de la estupidez humana. Muchas de las personas representadas muestran los característicos rasgos en blanco que Brueghel usaba para representar a los tontos. Con gran maestría, Brueghel trata hasta el detalle más nimio.[2]Su hijo, Pieter Brueghel el Joven, se especializó en hacer copias de la obra de su padre, y pintó hasta veinte copias de Los proverbios flamencos. Consigue una gran unidad, a pesar de los múltiples detalles, gracias a su unidad de composición, en torno a una diagonal que, desde la parte inferior izquierda, va hacia la parte superior derecha.[2]


The flamenco proverbs

Prompt: In The flamenco proverbs, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Los proverbios flamencos (en neerlandés: Nederlandse Spreekwoorden) es una obra del pintor Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla de roble, pintado en el año 1559.[1] Mide 117 cm de alto y 163 cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. Otros nombres con los que es conocida esta obra son La capa azul y El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558, y el propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se cree que Los proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el tema. François Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Gargantúa y Pantagruel poco después, en 1564.Las pinturas de Brueghel tratan los temas de lo absurdo, las debilidades y las locuras humanas, en lo que sigue la tradición de El Bosco,[2] y esta pintura no es una excepción. Originalmente se tituló La capa azul o la locura del mundo, lo que indica que no pretendía tan sólo representar una colección de proverbios, sino más bien hacer un estudio de la estupidez humana. Muchas de las personas representadas muestran los característicos rasgos en blanco que Brueghel usaba para representar a los tontos. Con gran maestría, Brueghel trata hasta el detalle más nimio.[2]Su hijo, Pieter Brueghel el Joven, se especializó en hacer copias de la obra de su padre, y pintó hasta veinte copias de Los proverbios flamencos. Consigue una gran unidad, a pesar de los múltiples detalles, gracias a su unidad de composición, en torno a una diagonal que, desde la parte inferior izquierda, va hacia la parte superior derecha.[2]


The flamenco proverbs

Prompt: Focus on The flamenco proverbs and explain the Detail.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Hay cerca de cien «proverbios» identificados[2] en la escena (aunque Brueghel puede haber incluido otros). Algunas expresiones se usan hoy en día; entre ellas: Nadar contra corriente, El pez grande se come al chico, Darse de cabezazos contra un muro de ladrillos y Armado hasta los dientes, y algunos son familiares, aunque no idénticos a expresiones inglesas, como por ejemplo Casting roses before swine (Echar rosas a los cerdos, equivalente a la expresión bíblica Echar perlas a los puercos (Evangelio de Mateo, capítulo 7, versículo 6, aunque en castellano, con traducción macarrónica se suele decir echar margaritas a los cerdos). Muchos han decaído con el tiempo o nunca se usaron en inglés, como Tener el techo tejado de tartas, por ejemplo, que significa tener abundancia de todo y que era una imagen que Brueghel más tarde volvería a usar en su pintura de la idílica tierra de Jauja. Sería semejante a la expresión española Atar los perros con longaniza(s).La capa azul a la que se refiere el título original está colocada sobre el hombre en el centro de la pintura con su esposa. Esto indicaba que ella le era infiel. Otros proverbios indican la estupidez del hombre: un hombre llena una charca después de que su becerro haya muerto, justo encima de la figura central del hombre con capa azul; otro lleva la luz del día en una cesta. Algunas de las figuras parecen representar más de una expresión (si esto era intención de Brueghel o no, se desconoce), como el hombre que esquila una oveja en el centro, en la parte inferior izquierda del cuadro. Está junto a un hombre que esquila un cerdo, así que representa la expresión: Uno esquila ovejas y otro esquila cerdos, lo que significa que uno aventaja al otro, pero también puede representar el consejo Esquílalas pero no las desuelles, lo que significa que hay que sacar el mejor partido que se pueda a los activos.


The flamenco proverbs

Prompt: Explain the Detail of this artwork, The flamenco proverbs.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Hay cerca de cien «proverbios» identificados[2] en la escena (aunque Brueghel puede haber incluido otros). Algunas expresiones se usan hoy en día; entre ellas: Nadar contra corriente, El pez grande se come al chico, Darse de cabezazos contra un muro de ladrillos y Armado hasta los dientes, y algunos son familiares, aunque no idénticos a expresiones inglesas, como por ejemplo Casting roses before swine (Echar rosas a los cerdos, equivalente a la expresión bíblica Echar perlas a los puercos (Evangelio de Mateo, capítulo 7, versículo 6, aunque en castellano, con traducción macarrónica se suele decir echar margaritas a los cerdos). Muchos han decaído con el tiempo o nunca se usaron en inglés, como Tener el techo tejado de tartas, por ejemplo, que significa tener abundancia de todo y que era una imagen que Brueghel más tarde volvería a usar en su pintura de la idílica tierra de Jauja. Sería semejante a la expresión española Atar los perros con longaniza(s).La capa azul a la que se refiere el título original está colocada sobre el hombre en el centro de la pintura con su esposa. Esto indicaba que ella le era infiel. Otros proverbios indican la estupidez del hombre: un hombre llena una charca después de que su becerro haya muerto, justo encima de la figura central del hombre con capa azul; otro lleva la luz del día en una cesta. Algunas de las figuras parecen representar más de una expresión (si esto era intención de Brueghel o no, se desconoce), como el hombre que esquila una oveja en el centro, en la parte inferior izquierda del cuadro. Está junto a un hombre que esquila un cerdo, así que representa la expresión: Uno esquila ovejas y otro esquila cerdos, lo que significa que uno aventaja al otro, pero también puede representar el consejo Esquílalas pero no las desuelles, lo que significa que hay que sacar el mejor partido que se pueda a los activos.


The flamenco proverbs

Prompt: How does The flamenco proverbs explain its Detail?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Hay cerca de cien «proverbios» identificados[2] en la escena (aunque Brueghel puede haber incluido otros). Algunas expresiones se usan hoy en día; entre ellas: Nadar contra corriente, El pez grande se come al chico, Darse de cabezazos contra un muro de ladrillos y Armado hasta los dientes, y algunos son familiares, aunque no idénticos a expresiones inglesas, como por ejemplo Casting roses before swine (Echar rosas a los cerdos, equivalente a la expresión bíblica Echar perlas a los puercos (Evangelio de Mateo, capítulo 7, versículo 6, aunque en castellano, con traducción macarrónica se suele decir echar margaritas a los cerdos). Muchos han decaído con el tiempo o nunca se usaron en inglés, como Tener el techo tejado de tartas, por ejemplo, que significa tener abundancia de todo y que era una imagen que Brueghel más tarde volvería a usar en su pintura de la idílica tierra de Jauja. Sería semejante a la expresión española Atar los perros con longaniza(s).La capa azul a la que se refiere el título original está colocada sobre el hombre en el centro de la pintura con su esposa. Esto indicaba que ella le era infiel. Otros proverbios indican la estupidez del hombre: un hombre llena una charca después de que su becerro haya muerto, justo encima de la figura central del hombre con capa azul; otro lleva la luz del día en una cesta. Algunas de las figuras parecen representar más de una expresión (si esto era intención de Brueghel o no, se desconoce), como el hombre que esquila una oveja en el centro, en la parte inferior izquierda del cuadro. Está junto a un hombre que esquila un cerdo, así que representa la expresión: Uno esquila ovejas y otro esquila cerdos, lo que significa que uno aventaja al otro, pero también puede representar el consejo Esquílalas pero no las desuelles, lo que significa que hay que sacar el mejor partido que se pueda a los activos.


The flamenco proverbs

Prompt: In The flamenco proverbs, how is the Detail discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Archivo:Pieter Brueghel the Elder - The Dutch Proverbs - Google Art Project.jpg

Hay cerca de cien «proverbios» identificados[2] en la escena (aunque Brueghel puede haber incluido otros). Algunas expresiones se usan hoy en día; entre ellas: Nadar contra corriente, El pez grande se come al chico, Darse de cabezazos contra un muro de ladrillos y Armado hasta los dientes, y algunos son familiares, aunque no idénticos a expresiones inglesas, como por ejemplo Casting roses before swine (Echar rosas a los cerdos, equivalente a la expresión bíblica Echar perlas a los puercos (Evangelio de Mateo, capítulo 7, versículo 6, aunque en castellano, con traducción macarrónica se suele decir echar margaritas a los cerdos). Muchos han decaído con el tiempo o nunca se usaron en inglés, como Tener el techo tejado de tartas, por ejemplo, que significa tener abundancia de todo y que era una imagen que Brueghel más tarde volvería a usar en su pintura de la idílica tierra de Jauja. Sería semejante a la expresión española Atar los perros con longaniza(s).La capa azul a la que se refiere el título original está colocada sobre el hombre en el centro de la pintura con su esposa. Esto indicaba que ella le era infiel. Otros proverbios indican la estupidez del hombre: un hombre llena una charca después de que su becerro haya muerto, justo encima de la figura central del hombre con capa azul; otro lleva la luz del día en una cesta. Algunas de las figuras parecen representar más de una expresión (si esto era intención de Brueghel o no, se desconoce), como el hombre que esquila una oveja en el centro, en la parte inferior izquierda del cuadro. Está junto a un hombre que esquila un cerdo, así que representa la expresión: Uno esquila ovejas y otro esquila cerdos, lo que significa que uno aventaja al otro, pero también puede representar el consejo Esquílalas pero no las desuelles, lo que significa que hay que sacar el mejor partido que se pueda a los activos.


A bar at the Folies Bergère

Prompt: Focus on A bar at the Folies Bergère and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Un bar del Folies-Bergère (en francés: Un bar aux Folies Bergère), pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. Dentro de la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos (tratados sin condescendencia alguna y a menudo en términos positivos), Manet centra la obra en el reconocido cabaret parisino Folies Bergère.[1] Este cuadro se conserva actualmente en el Courtauld Institute of Art de Londres.


A bar at the Folies Bergère

Prompt: Explain the abstract of this artwork, A bar at the Folies Bergère.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Un bar del Folies-Bergère (en francés: Un bar aux Folies Bergère), pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. Dentro de la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos (tratados sin condescendencia alguna y a menudo en términos positivos), Manet centra la obra en el reconocido cabaret parisino Folies Bergère.[1] Este cuadro se conserva actualmente en el Courtauld Institute of Art de Londres.


A bar at the Folies Bergère

Prompt: How does A bar at the Folies Bergère explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Un bar del Folies-Bergère (en francés: Un bar aux Folies Bergère), pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. Dentro de la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos (tratados sin condescendencia alguna y a menudo en términos positivos), Manet centra la obra en el reconocido cabaret parisino Folies Bergère.[1] Este cuadro se conserva actualmente en el Courtauld Institute of Art de Londres.


A bar at the Folies Bergère

Prompt: In A bar at the Folies Bergère, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Un bar del Folies-Bergère (en francés: Un bar aux Folies Bergère), pintado y expuesto en el Salón de París en 1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. Dentro de la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos (tratados sin condescendencia alguna y a menudo en términos positivos), Manet centra la obra en el reconocido cabaret parisino Folies Bergère.[1] Este cuadro se conserva actualmente en el Courtauld Institute of Art de Londres.


A bar at the Folies Bergère

Prompt: Focus on A bar at the Folies Bergère and explain the The painting.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Manet presenta a una chica (Suzon) delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère. En la obra se pueden ver reflejados en el espejo que se encuentra a las espaldas de Suzón -la camarera del local- las piernas de una trapecista, los palcos y demás detalles del sitio. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de Suzon se aprecia un juego de botellas flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol, todo presentado de manera impecable, lo cual da la idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.[1] Es importante resaltar que aunque Suzon trabajaba por aquella época en el Folies Bergère, la obra no se realizó ahí. Ella posó para la pintura en el taller de Manet detrás de una mesa llena de botellas y otros objetos, y el pintor los combinó con los bocetos que había realizado previamente. Posiblemente sea esta la razón de las críticas de muchos especialistas en torno a esta obra.[2]La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de la escena contemporánea. Muchas han sido las críticas hechas a sus obras, pero casi todas estas han mostrado que tienen una razón de ser. Es el caso de Un bar aux Folies Bergère, que ha sido objeto de numerosos artículos populares y académicos.[3][4]


A bar at the Folies Bergère

Prompt: Explain the The painting of this artwork, A bar at the Folies Bergère.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Manet presenta a una chica (Suzon) delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère. En la obra se pueden ver reflejados en el espejo que se encuentra a las espaldas de Suzón -la camarera del local- las piernas de una trapecista, los palcos y demás detalles del sitio. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de Suzon se aprecia un juego de botellas flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol, todo presentado de manera impecable, lo cual da la idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.[1] Es importante resaltar que aunque Suzon trabajaba por aquella época en el Folies Bergère, la obra no se realizó ahí. Ella posó para la pintura en el taller de Manet detrás de una mesa llena de botellas y otros objetos, y el pintor los combinó con los bocetos que había realizado previamente. Posiblemente sea esta la razón de las críticas de muchos especialistas en torno a esta obra.[2]La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de la escena contemporánea. Muchas han sido las críticas hechas a sus obras, pero casi todas estas han mostrado que tienen una razón de ser. Es el caso de Un bar aux Folies Bergère, que ha sido objeto de numerosos artículos populares y académicos.[3][4]


A bar at the Folies Bergère

Prompt: How does A bar at the Folies Bergère explain its The painting?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Manet presenta a una chica (Suzon) delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère. En la obra se pueden ver reflejados en el espejo que se encuentra a las espaldas de Suzón -la camarera del local- las piernas de una trapecista, los palcos y demás detalles del sitio. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de Suzon se aprecia un juego de botellas flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol, todo presentado de manera impecable, lo cual da la idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.[1] Es importante resaltar que aunque Suzon trabajaba por aquella época en el Folies Bergère, la obra no se realizó ahí. Ella posó para la pintura en el taller de Manet detrás de una mesa llena de botellas y otros objetos, y el pintor los combinó con los bocetos que había realizado previamente. Posiblemente sea esta la razón de las críticas de muchos especialistas en torno a esta obra.[2]La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de la escena contemporánea. Muchas han sido las críticas hechas a sus obras, pero casi todas estas han mostrado que tienen una razón de ser. Es el caso de Un bar aux Folies Bergère, que ha sido objeto de numerosos artículos populares y académicos.[3][4]


A bar at the Folies Bergère

Prompt: In A bar at the Folies Bergère, how is the The painting discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

Manet presenta a una chica (Suzon) delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère. En la obra se pueden ver reflejados en el espejo que se encuentra a las espaldas de Suzón -la camarera del local- las piernas de una trapecista, los palcos y demás detalles del sitio. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de Suzon se aprecia un juego de botellas flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol, todo presentado de manera impecable, lo cual da la idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.[1] Es importante resaltar que aunque Suzon trabajaba por aquella época en el Folies Bergère, la obra no se realizó ahí. Ella posó para la pintura en el taller de Manet detrás de una mesa llena de botellas y otros objetos, y el pintor los combinó con los bocetos que había realizado previamente. Posiblemente sea esta la razón de las críticas de muchos especialistas en torno a esta obra.[2]La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de la escena contemporánea. Muchas han sido las críticas hechas a sus obras, pero casi todas estas han mostrado que tienen una razón de ser. Es el caso de Un bar aux Folies Bergère, que ha sido objeto de numerosos artículos populares y académicos.[3][4]


Virgin of the Spindle

Prompt: Focus on Virgin of the Spindle and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La Virgen de la rueca, también conocida como La Virgen del huso, es el título de varias pinturas al óleo (al menos tres) ejecutadas copiando un original (hoy perdido) del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. La pintura original fue probablemente encargo de Florimund Robertet, Secretario de Estado del rey Luis XII de Francia, y hubo de realizarse hacia 1501.La imagen diseñada por Leonardo representa a la Virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hilar. La rueca sirve como un símbolo tanto del carácter doméstico de María como de la Cruz en la que Cristo fue crucificado, y quizá también recuerda a las Moiras o Parcas, representadas tradicionalmente en la mitología como hilanderas. Al menos hay tres versiones de este cuadro, las tres en colecciones privadas de varios países. Una llamada "Virgen Landsowne" (en alusión a su anterior propietario) se cita ahora en Nueva York, y otra con variaciones en detalles pertenece al magnate y coleccionista Carlos Slim y se exhibe en el Museo Soumaya de México D.F.. La restante versión de esta pintura pertenece al Duque de Buccleuch, quien la mantiene en préstamo en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo. La tenía colgada en su casa, el castillo de Drumlanrig en Dumfries and Galloway (Escocia) hasta 2003, cuando fue robada por dos ladrones que se hicieron pasar por turistas. La pintura fue recuperada en Glasgow, en octubre de 2007, luego de que oficiales de policía de cuatro agencias anticrimen interceptaran una reunión entre cinco personas en el centro de Glasgow a alrededor de las 11:00 BST; se realizaron cuatro arrestos.[1][2]


Virgin of the Spindle

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Virgin of the Spindle.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La Virgen de la rueca, también conocida como La Virgen del huso, es el título de varias pinturas al óleo (al menos tres) ejecutadas copiando un original (hoy perdido) del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. La pintura original fue probablemente encargo de Florimund Robertet, Secretario de Estado del rey Luis XII de Francia, y hubo de realizarse hacia 1501.La imagen diseñada por Leonardo representa a la Virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hilar. La rueca sirve como un símbolo tanto del carácter doméstico de María como de la Cruz en la que Cristo fue crucificado, y quizá también recuerda a las Moiras o Parcas, representadas tradicionalmente en la mitología como hilanderas. Al menos hay tres versiones de este cuadro, las tres en colecciones privadas de varios países. Una llamada "Virgen Landsowne" (en alusión a su anterior propietario) se cita ahora en Nueva York, y otra con variaciones en detalles pertenece al magnate y coleccionista Carlos Slim y se exhibe en el Museo Soumaya de México D.F.. La restante versión de esta pintura pertenece al Duque de Buccleuch, quien la mantiene en préstamo en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo. La tenía colgada en su casa, el castillo de Drumlanrig en Dumfries and Galloway (Escocia) hasta 2003, cuando fue robada por dos ladrones que se hicieron pasar por turistas. La pintura fue recuperada en Glasgow, en octubre de 2007, luego de que oficiales de policía de cuatro agencias anticrimen interceptaran una reunión entre cinco personas en el centro de Glasgow a alrededor de las 11:00 BST; se realizaron cuatro arrestos.[1][2]