Moses_Tests

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Archivo:Eventos de la vida de Moisés (Sandro Botticelli).jpg

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Las pruebas de Moisés o Tentaciones de Moisés (en italiano, Prove di Mosè) es un fresco realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 348,5 cm de alto y 558 cm de largo. Fue realizado entre los años 1481 y 1482 en la Capilla Sixtina de la Ciudad del Vaticano.En 1481, el Papa Sixto IV llamó a Botticelli, así como a otros artistas prominentes florentinos y umbríos, como Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli; a ellos se añadieron después Luca Signorelli y Bartolomeo della Gatta. La tarea que se les encomendó fue elaborar frescos en las paredes de la Capilla Sixtina. El papa proporcionó el programa iconográfico: la supremacía del papado. Se pretendía pintar las dos paredes, una frente a otra, la comparación de las vidas de Moisés y Cristo, incluyendo las prefiguraciones del Nuevo Testamento en el Antiguo. Además, en el registro superior, en todo el perímetro, estaban pintados una larga serie de papas. Para realizar la obra, los pintores tuvieron que aceptar unas convenciones representativas comunes a todos, de manera que la obra final resultara homogénea: usaban la misma escala de dimensiones, la misma estructura rítmica y representación paisajística, una sola gama cromática con adornos de oro que hiciera resplandecer las pinturas con la iluminación de las antorchas y las velas. Aunque Giorgio Vasari sostenía que Sandro Botticelli pintó todo el conjunto, lo cierto es que pintó tres historias en los frescos. Además, se cree que proporcionó los dibujos de once papas y quizá intervino directamente en la pintura de algunos. Las composiciones son complejas y difíciles, con reelaboraciones neoplatónicas de temas clásicos en la iconografía cristiana.Estos Hechos de la vida de Moisés (Fatti della vita di Mosè) representa varios episodios de la juventud de Moisés extraídos del Libro del Éxodo. Adopta un esquema compositivo parecido al del Castigo de los rebeldes. Moisés está representado en la figura con túnica amarilla y manto verde. Se lee desde la derecha: Moisés mata al egipcio que había maltratado a un israelita y huye al desierto, en este episodio Moisés puede verse como prefiguración de Jesucristo que derrota al demonio; en primer plano Moisés, con una espada en la mano, ataca al egipcio, a la derecha se le ve a este egipcio auxiliado por una mujer y al fondo a Moisés huyendo hacia Madián. Detrás del egipcio con la mujer se ve una arquitectura clasicista, con las pilastras rematadas en capiteles y arquitrabe.El siguiente es el episodio en el que combate a los pastores que quieren impedir a las hijas de Jetró, entre las que está su futura mujer, Séfora, que abreve el rebaño en el pozo y saca para ellas el agua del pozo. En el grupo de las hijas de Jetró se ejemplifica que Botticelli había tenido presente las soluciones formales de la escultura contemporánea, en particular la Puerta del Paraíso de Ghiberti, lo que se evidencia en la composición de la escena con los rápidos y oblicuos cortes de las colinas o con las verticales de los árboles del centro de la escena. Ellas están representadas con líneas curvas, sinuosas, el arabesco típico del autor.El tercero está en lo alto a la izquierda, cuando está cuidando el rebaño de Jetró, su suegro, y oye la llamada de Yahvé; entonces se descalza para acercarse a la zarza ardiente y recibe de Dios la misión de regresar a Egipto y liberar a su pueblo. En la figura de Moisés descalzándose se hace una cita del Espinario, una escultura de época romana, copia de otra helenística, que llegó al Palacio Capitolino en 1471, ejemplo de la impresión que las obras de la Antigüedad ejercieron en el pintor cuando llegó a Roma.Abajo, a la izquierda, se ve a Moisés mientras guía a los israelitas en el desierto hacia la Tierra Prometida; a este episodio se refiere el título: «TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS». Otra interpretación (ref. «Museos del Mundo») es que Moisés aquí está guiando a Séfora, su mujer, y a su familia hacia Egipto, donde posteriormente cumplirá su misión liberadora.El relato puede seguirse con claridad. Las bellas formas femeninas retratadas en las hijas de Jetró recuerdan a las Tres Gracias que pueden verse en la Alegoría de la Primavera.Los otros frescos de Botticelli en la Capilla Sixtina son:Castigo de los rebeldesLa tentación de Cristo


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Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Las pruebas de Moisés o Tentaciones de Moisés (en italiano, Prove di Mosè) es un fresco realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 348,5 cm de alto y 558 cm de largo. Fue realizado entre los años 1481 y 1482 en la Capilla Sixtina de la Ciudad del Vaticano.En 1481, el Papa Sixto IV llamó a Botticelli, así como a otros artistas prominentes florentinos y umbríos, como Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli; a ellos se añadieron después Luca Signorelli y Bartolomeo della Gatta. La tarea que se les encomendó fue elaborar frescos en las paredes de la Capilla Sixtina. El papa proporcionó el programa iconográfico: la supremacía del papado. Se pretendía pintar las dos paredes, una frente a otra, la comparación de las vidas de Moisés y Cristo, incluyendo las prefiguraciones del Nuevo Testamento en el Antiguo. Además, en el registro superior, en todo el perímetro, estaban pintados una larga serie de papas. Para realizar la obra, los pintores tuvieron que aceptar unas convenciones representativas comunes a todos, de manera que la obra final resultara homogénea: usaban la misma escala de dimensiones, la misma estructura rítmica y representación paisajística, una sola gama cromática con adornos de oro que hiciera resplandecer las pinturas con la iluminación de las antorchas y las velas. Aunque Giorgio Vasari sostenía que Sandro Botticelli pintó todo el conjunto, lo cierto es que pintó tres historias en los frescos. Además, se cree que proporcionó los dibujos de once papas y quizá intervino directamente en la pintura de algunos. Las composiciones son complejas y difíciles, con reelaboraciones neoplatónicas de temas clásicos en la iconografía cristiana.Estos Hechos de la vida de Moisés (Fatti della vita di Mosè) representa varios episodios de la juventud de Moisés extraídos del Libro del Éxodo. Adopta un esquema compositivo parecido al del Castigo de los rebeldes. Moisés está representado en la figura con túnica amarilla y manto verde. Se lee desde la derecha: Moisés mata al egipcio que había maltratado a un israelita y huye al desierto, en este episodio Moisés puede verse como prefiguración de Jesucristo que derrota al demonio; en primer plano Moisés, con una espada en la mano, ataca al egipcio, a la derecha se le ve a este egipcio auxiliado por una mujer y al fondo a Moisés huyendo hacia Madián. Detrás del egipcio con la mujer se ve una arquitectura clasicista, con las pilastras rematadas en capiteles y arquitrabe.El siguiente es el episodio en el que combate a los pastores que quieren impedir a las hijas de Jetró, entre las que está su futura mujer, Séfora, que abreve el rebaño en el pozo y saca para ellas el agua del pozo. En el grupo de las hijas de Jetró se ejemplifica que Botticelli había tenido presente las soluciones formales de la escultura contemporánea, en particular la Puerta del Paraíso de Ghiberti, lo que se evidencia en la composición de la escena con los rápidos y oblicuos cortes de las colinas o con las verticales de los árboles del centro de la escena. Ellas están representadas con líneas curvas, sinuosas, el arabesco típico del autor.El tercero está en lo alto a la izquierda, cuando está cuidando el rebaño de Jetró, su suegro, y oye la llamada de Yahvé; entonces se descalza para acercarse a la zarza ardiente y recibe de Dios la misión de regresar a Egipto y liberar a su pueblo. En la figura de Moisés descalzándose se hace una cita del Espinario, una escultura de época romana, copia de otra helenística, que llegó al Palacio Capitolino en 1471, ejemplo de la impresión que las obras de la Antigüedad ejercieron en el pintor cuando llegó a Roma.Abajo, a la izquierda, se ve a Moisés mientras guía a los israelitas en el desierto hacia la Tierra Prometida; a este episodio se refiere el título: «TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS». Otra interpretación (ref. «Museos del Mundo») es que Moisés aquí está guiando a Séfora, su mujer, y a su familia hacia Egipto, donde posteriormente cumplirá su misión liberadora.El relato puede seguirse con claridad. Las bellas formas femeninas retratadas en las hijas de Jetró recuerdan a las Tres Gracias que pueden verse en la Alegoría de la Primavera.Los otros frescos de Botticelli en la Capilla Sixtina son:Castigo de los rebeldesLa tentación de Cristo


Tomorrow_in_a_pine_forest

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La pintura fue realizada en 1889, usando la técnica de [[pintura al óleo

Categoría:Pintura de Rusia del siglo XIX

Archivo:Shishkin, Ivan - Morning in a Pine Forest.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Mañana en un bosque de pinos (del ruso: Утро в сосновом лесу) es una pintura elaborada por los artistas Iván Shishkin y Konstantín Savitski. Los osos fueron pintados por Savitski, pero el coleccionista de arte Pável Tretiakov borró su firma, declarando que "tanto la idea como el estilo, revelan la manera de pintar y el método creativo peculiar de Shishkin", por eso es que actualmente la pintura es acreditada sólo a Shishkin.[1][2]Esta obra se volvió muy popular, siendo reproducida en varios objetos, incluyendo los chocolates "Clumsy Bear" por Krasny Oktyabr.[3] Según una encuesta, la pintura es la segunda más popular en Rusia detrás de Bogatyrs por Viktor Vasnetsov.[4] Otras pinturas similares de Shishkin son: El Bosque en Primavera (1884) y El Bosque Sestrotesk (1896).Se cree que Shishkin se inspiró en los pinos cercanos a Gorodomlya en lago Seliguer, donde a menudo le gustaba descansar durante el verano.[5]


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La pintura fue realizada en 1889, usando la técnica de [[pintura al óleo

Categoría:Pintura de Rusia del siglo XIX

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Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Mañana en un bosque de pinos (del ruso: Утро в сосновом лесу) es una pintura elaborada por los artistas Iván Shishkin y Konstantín Savitski. Los osos fueron pintados por Savitski, pero el coleccionista de arte Pável Tretiakov borró su firma, declarando que "tanto la idea como el estilo, revelan la manera de pintar y el método creativo peculiar de Shishkin", por eso es que actualmente la pintura es acreditada sólo a Shishkin.[1][2]Esta obra se volvió muy popular, siendo reproducida en varios objetos, incluyendo los chocolates "Clumsy Bear" por Krasny Oktyabr.[3] Según una encuesta, la pintura es la segunda más popular en Rusia detrás de Bogatyrs por Viktor Vasnetsov.[4] Otras pinturas similares de Shishkin son: El Bosque en Primavera (1884) y El Bosque Sestrotesk (1896).Se cree que Shishkin se inspiró en los pinos cercanos a Gorodomlya en lago Seliguer, donde a menudo le gustaba descansar durante el verano.[5]


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La pintura fue realizada en 1889, usando la técnica de [[pintura al óleo

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Mañana en un bosque de pinos (del ruso: Утро в сосновом лесу) es una pintura elaborada por los artistas Iván Shishkin y Konstantín Savitski. Los osos fueron pintados por Savitski, pero el coleccionista de arte Pável Tretiakov borró su firma, declarando que "tanto la idea como el estilo, revelan la manera de pintar y el método creativo peculiar de Shishkin", por eso es que actualmente la pintura es acreditada sólo a Shishkin.[1][2]Esta obra se volvió muy popular, siendo reproducida en varios objetos, incluyendo los chocolates "Clumsy Bear" por Krasny Oktyabr.[3] Según una encuesta, la pintura es la segunda más popular en Rusia detrás de Bogatyrs por Viktor Vasnetsov.[4] Otras pinturas similares de Shishkin son: El Bosque en Primavera (1884) y El Bosque Sestrotesk (1896).Se cree que Shishkin se inspiró en los pinos cercanos a Gorodomlya en lago Seliguer, donde a menudo le gustaba descansar durante el verano.[5]


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La pintura fue realizada en 1889, usando la técnica de [[pintura al óleo

Categoría:Pintura de Rusia del siglo XIX

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Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Mañana en un bosque de pinos (del ruso: Утро в сосновом лесу) es una pintura elaborada por los artistas Iván Shishkin y Konstantín Savitski. Los osos fueron pintados por Savitski, pero el coleccionista de arte Pável Tretiakov borró su firma, declarando que "tanto la idea como el estilo, revelan la manera de pintar y el método creativo peculiar de Shishkin", por eso es que actualmente la pintura es acreditada sólo a Shishkin.[1][2]Esta obra se volvió muy popular, siendo reproducida en varios objetos, incluyendo los chocolates "Clumsy Bear" por Krasny Oktyabr.[3] Según una encuesta, la pintura es la segunda más popular en Rusia detrás de Bogatyrs por Viktor Vasnetsov.[4] Otras pinturas similares de Shishkin son: El Bosque en Primavera (1884) y El Bosque Sestrotesk (1896).Se cree que Shishkin se inspiró en los pinos cercanos a Gorodomlya en lago Seliguer, donde a menudo le gustaba descansar durante el verano.[5]


Portrait of Emperor Maximilian I

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Archivo:Durer, massimiliano I, disegno.jpg

Categoría:Representaciones culturales de Maximiliano I de Habsburgo

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Archivo:Albrecht Dürer - Portrait of Maximilian I - Google Art Project.jpg

El dibujo preparatorio en el museo [[Albertina

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

El Retrato del emperador Maximiliano I (en alemán, Kaiser Maximilian I) es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor Alberto Durero en 1519. De él existe una versión grabada en xilografía, igualmente obra de Durero.


Portrait of Emperor Maximilian I

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Categoría:Representaciones culturales de Maximiliano I de Habsburgo

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

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El dibujo preparatorio en el museo [[Albertina

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

El Retrato del emperador Maximiliano I (en alemán, Kaiser Maximilian I) es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor Alberto Durero en 1519. De él existe una versión grabada en xilografía, igualmente obra de Durero.


Portrait of Emperor Maximilian I

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Categoría:Representaciones culturales de Maximiliano I de Habsburgo

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

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El dibujo preparatorio en el museo [[Albertina

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

El Retrato del emperador Maximiliano I (en alemán, Kaiser Maximilian I) es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor Alberto Durero en 1519. De él existe una versión grabada en xilografía, igualmente obra de Durero.


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Categoría:Representaciones culturales de Maximiliano I de Habsburgo

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Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

El Retrato del emperador Maximiliano I (en alemán, Kaiser Maximilian I) es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor Alberto Durero en 1519. De él existe una versión grabada en xilografía, igualmente obra de Durero.


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Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

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Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Este retrato fue pintado tras la muerte del emperador Maximiliano I de Habsburgo a partir de un dibujo preparatorio que Durero realizó a lápiz durante una sesión de la Dieta de Augsburgo que tuvo lugar el 18 de junio de 1518.[1] En la parte superior se encuentra el escudo de los Habsburgo con la corona imperial y la cadena de la Orden del Toisón de Oro, junto con una inscripción que enumera los títulos, dignidades y fechas importantes de la vida de Maximiliano.[1] Sus dimensiones son de 74 cm × 62 cm y se expone en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.En las mismas fechas, Durero produjo una versión del retrato grabada en xilografía, que se hizo muy popular gracias a que circularon muchas estampaciones de él, tanto del taco original como copias. El Museo Británico de Londres conserva un ejemplar temprano de este grabado que es único por conservar en su margen inferior el nombre del impresor que lo publicó, Johann Kramer [1]; usualmente en siglos pasados los grabados se recortaban.


Portrait of Emperor Maximilian I

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Este retrato fue pintado tras la muerte del emperador Maximiliano I de Habsburgo a partir de un dibujo preparatorio que Durero realizó a lápiz durante una sesión de la Dieta de Augsburgo que tuvo lugar el 18 de junio de 1518.[1] En la parte superior se encuentra el escudo de los Habsburgo con la corona imperial y la cadena de la Orden del Toisón de Oro, junto con una inscripción que enumera los títulos, dignidades y fechas importantes de la vida de Maximiliano.[1] Sus dimensiones son de 74 cm × 62 cm y se expone en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.En las mismas fechas, Durero produjo una versión del retrato grabada en xilografía, que se hizo muy popular gracias a que circularon muchas estampaciones de él, tanto del taco original como copias. El Museo Británico de Londres conserva un ejemplar temprano de este grabado que es único por conservar en su margen inferior el nombre del impresor que lo publicó, Johann Kramer [1]; usualmente en siglos pasados los grabados se recortaban.


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Este retrato fue pintado tras la muerte del emperador Maximiliano I de Habsburgo a partir de un dibujo preparatorio que Durero realizó a lápiz durante una sesión de la Dieta de Augsburgo que tuvo lugar el 18 de junio de 1518.[1] En la parte superior se encuentra el escudo de los Habsburgo con la corona imperial y la cadena de la Orden del Toisón de Oro, junto con una inscripción que enumera los títulos, dignidades y fechas importantes de la vida de Maximiliano.[1] Sus dimensiones son de 74 cm × 62 cm y se expone en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.En las mismas fechas, Durero produjo una versión del retrato grabada en xilografía, que se hizo muy popular gracias a que circularon muchas estampaciones de él, tanto del taco original como copias. El Museo Británico de Londres conserva un ejemplar temprano de este grabado que es único por conservar en su margen inferior el nombre del impresor que lo publicó, Johann Kramer [1]; usualmente en siglos pasados los grabados se recortaban.


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Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Este retrato fue pintado tras la muerte del emperador Maximiliano I de Habsburgo a partir de un dibujo preparatorio que Durero realizó a lápiz durante una sesión de la Dieta de Augsburgo que tuvo lugar el 18 de junio de 1518.[1] En la parte superior se encuentra el escudo de los Habsburgo con la corona imperial y la cadena de la Orden del Toisón de Oro, junto con una inscripción que enumera los títulos, dignidades y fechas importantes de la vida de Maximiliano.[1] Sus dimensiones son de 74 cm × 62 cm y se expone en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.En las mismas fechas, Durero produjo una versión del retrato grabada en xilografía, que se hizo muy popular gracias a que circularon muchas estampaciones de él, tanto del taco original como copias. El Museo Británico de Londres conserva un ejemplar temprano de este grabado que es único por conservar en su margen inferior el nombre del impresor que lo publicó, Johann Kramer [1]; usualmente en siglos pasados los grabados se recortaban.


Broadway Boogie-Woogie

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Victory Boogie-Woogie
Museo de Arte Moderno
Categoría:De Stijl
Manhattan
Nueva York
Neoplasticismo
Broadway
MoMA
Estados Unidos
Maria Martins
Boogie-woogie
boogie woogie
Óleo sobre tela
Categoría:Cuadros de Piet Mondrian
Piet Mondrian

Broadway Boogie-Woogie es una pintura por Piet Mondrian terminada en 1943, poco después de su traslado a Nueva York en 1940. Comparado con sus trabajos más tempranos, la tela está dividida en un número más grande de cuadrados. A pesar de ser un trabajo abstracto, esta pintura está inspirada en un ejemplo del mundo real: la cuadrícula de la ciudad de Manhattan, y el Broadway boogie woogie, música que a Mondrian le encantaba bailar.[1] La pintura fue comprada por la escultora brasileña Maria Martins por el precio de 800 dólares en la Valentine Gallery de Nueva York, después de que Martins y Mondrian exhibieran allí en 1943.[2] Martins más tarde donó la pintura al Museo de Arte Moderno de Nueva York.[3]


Broadway Boogie-Woogie

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Victory Boogie-Woogie
Museo de Arte Moderno
Categoría:De Stijl
Manhattan
Nueva York
Neoplasticismo
Broadway
MoMA
Estados Unidos
Maria Martins
Boogie-woogie
boogie woogie
Óleo sobre tela
Categoría:Cuadros de Piet Mondrian
Piet Mondrian

Broadway Boogie-Woogie es una pintura por Piet Mondrian terminada en 1943, poco después de su traslado a Nueva York en 1940. Comparado con sus trabajos más tempranos, la tela está dividida en un número más grande de cuadrados. A pesar de ser un trabajo abstracto, esta pintura está inspirada en un ejemplo del mundo real: la cuadrícula de la ciudad de Manhattan, y el Broadway boogie woogie, música que a Mondrian le encantaba bailar.[1] La pintura fue comprada por la escultora brasileña Maria Martins por el precio de 800 dólares en la Valentine Gallery de Nueva York, después de que Martins y Mondrian exhibieran allí en 1943.[2] Martins más tarde donó la pintura al Museo de Arte Moderno de Nueva York.[3]


Broadway Boogie-Woogie

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Victory Boogie-Woogie
Museo de Arte Moderno
Categoría:De Stijl
Manhattan
Nueva York
Neoplasticismo
Broadway
MoMA
Estados Unidos
Maria Martins
Boogie-woogie
boogie woogie
Óleo sobre tela
Categoría:Cuadros de Piet Mondrian
Piet Mondrian

Broadway Boogie-Woogie es una pintura por Piet Mondrian terminada en 1943, poco después de su traslado a Nueva York en 1940. Comparado con sus trabajos más tempranos, la tela está dividida en un número más grande de cuadrados. A pesar de ser un trabajo abstracto, esta pintura está inspirada en un ejemplo del mundo real: la cuadrícula de la ciudad de Manhattan, y el Broadway boogie woogie, música que a Mondrian le encantaba bailar.[1] La pintura fue comprada por la escultora brasileña Maria Martins por el precio de 800 dólares en la Valentine Gallery de Nueva York, después de que Martins y Mondrian exhibieran allí en 1943.[2] Martins más tarde donó la pintura al Museo de Arte Moderno de Nueva York.[3]


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Victory Boogie-Woogie
Museo de Arte Moderno
Categoría:De Stijl
Manhattan
Nueva York
Neoplasticismo
Broadway
MoMA
Estados Unidos
Maria Martins
Boogie-woogie
boogie woogie
Óleo sobre tela
Categoría:Cuadros de Piet Mondrian
Piet Mondrian

Broadway Boogie-Woogie es una pintura por Piet Mondrian terminada en 1943, poco después de su traslado a Nueva York en 1940. Comparado con sus trabajos más tempranos, la tela está dividida en un número más grande de cuadrados. A pesar de ser un trabajo abstracto, esta pintura está inspirada en un ejemplo del mundo real: la cuadrícula de la ciudad de Manhattan, y el Broadway boogie woogie, música que a Mondrian le encantaba bailar.[1] La pintura fue comprada por la escultora brasileña Maria Martins por el precio de 800 dólares en la Valentine Gallery de Nueva York, después de que Martins y Mondrian exhibieran allí en 1943.[2] Martins más tarde donó la pintura al Museo de Arte Moderno de Nueva York.[3]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Mademoiselle Lange como Dánae (en francés, Mademoiselle Lange en Danaé) es un cuadro ovalado dentro de un marco rectangular del pintor francés Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Esta pintura satírica de la actriz Anne Françoise Elisabeth Lange como Dánae sustituyó a una Venus durante los dos últimos días en el Salón de París de 1799, tras una disputa entre el artista y la modelo.[1] Actualmente, forma parte de la colección del Instituto de Artes de Mineápolis.[2]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Mademoiselle Lange como Dánae (en francés, Mademoiselle Lange en Danaé) es un cuadro ovalado dentro de un marco rectangular del pintor francés Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Esta pintura satírica de la actriz Anne Françoise Elisabeth Lange como Dánae sustituyó a una Venus durante los dos últimos días en el Salón de París de 1799, tras una disputa entre el artista y la modelo.[1] Actualmente, forma parte de la colección del Instituto de Artes de Mineápolis.[2]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Mademoiselle Lange como Dánae (en francés, Mademoiselle Lange en Danaé) es un cuadro ovalado dentro de un marco rectangular del pintor francés Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Esta pintura satírica de la actriz Anne Françoise Elisabeth Lange como Dánae sustituyó a una Venus durante los dos últimos días en el Salón de París de 1799, tras una disputa entre el artista y la modelo.[1] Actualmente, forma parte de la colección del Instituto de Artes de Mineápolis.[2]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Mademoiselle Lange como Dánae (en francés, Mademoiselle Lange en Danaé) es un cuadro ovalado dentro de un marco rectangular del pintor francés Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Esta pintura satírica de la actriz Anne Françoise Elisabeth Lange como Dánae sustituyó a una Venus durante los dos últimos días en el Salón de París de 1799, tras una disputa entre el artista y la modelo.[1] Actualmente, forma parte de la colección del Instituto de Artes de Mineápolis.[2]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

El artista Girodet y Mademoiselle Lange (como se la conocía sobre los escenarios) se cruzaron por primera vez en el Salón de 1793. Girodet había sido alumno de Jacques-Louis David, y acababa de hacerse famoso con su obra El sueño de Endimión, mientras la señorita Lange ya era una destacada actriz y socia de la Comédie-Française. Su figura aparecía en Sylvie de Jean-François Gilles Colson, que se exhibía también allí.Seis años más tarde, en 1798, como regalo a su marido recién casado, Michel-Jean Simons, la ahora señora Simons encargó un retrato a Girodet,[3] quien a su pedido pintó a la actriz como la diosa romana Venus. A Anne Françoise Elisabeth Lange le gustó tan poco el cuadro que en una carta escrita al artista le pidió que retirara la obra del Salón y ofreció sólo la mitad del precio solicitado por Girodet. Además, escribió que su trabajo comprometía no sólo su reputación de belleza, sino también la de él como artista emergente.Furioso, Girodet, de treinta y dos años, comenzó a trabajar rápidamente en un nuevo cuadro de Mademoiselle Lange ahora como Dánae. La pintura está codificada deliberadamente con detalles ocultos de su vida íntima, en un intento de difamarla. El 2 de agosto de 1799,[4] Girodet orquestó su venganza. Después de deshacerse de la Venus cortándola en cuatro partes, Girodet hizo colgar en el Salón Carré su nueva representación de Mademoiselle Lange como Dánae, después de haber trabajado en ella durante diecinueve días.[5]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

El artista Girodet y Mademoiselle Lange (como se la conocía sobre los escenarios) se cruzaron por primera vez en el Salón de 1793. Girodet había sido alumno de Jacques-Louis David, y acababa de hacerse famoso con su obra El sueño de Endimión, mientras la señorita Lange ya era una destacada actriz y socia de la Comédie-Française. Su figura aparecía en Sylvie de Jean-François Gilles Colson, que se exhibía también allí.Seis años más tarde, en 1798, como regalo a su marido recién casado, Michel-Jean Simons, la ahora señora Simons encargó un retrato a Girodet,[3] quien a su pedido pintó a la actriz como la diosa romana Venus. A Anne Françoise Elisabeth Lange le gustó tan poco el cuadro que en una carta escrita al artista le pidió que retirara la obra del Salón y ofreció sólo la mitad del precio solicitado por Girodet. Además, escribió que su trabajo comprometía no sólo su reputación de belleza, sino también la de él como artista emergente.Furioso, Girodet, de treinta y dos años, comenzó a trabajar rápidamente en un nuevo cuadro de Mademoiselle Lange ahora como Dánae. La pintura está codificada deliberadamente con detalles ocultos de su vida íntima, en un intento de difamarla. El 2 de agosto de 1799,[4] Girodet orquestó su venganza. Después de deshacerse de la Venus cortándola en cuatro partes, Girodet hizo colgar en el Salón Carré su nueva representación de Mademoiselle Lange como Dánae, después de haber trabajado en ella durante diecinueve días.[5]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

Prompt: How does Mademoiselle_Lange_as_Danae explain its History?Please output in Spanish.

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

El artista Girodet y Mademoiselle Lange (como se la conocía sobre los escenarios) se cruzaron por primera vez en el Salón de 1793. Girodet había sido alumno de Jacques-Louis David, y acababa de hacerse famoso con su obra El sueño de Endimión, mientras la señorita Lange ya era una destacada actriz y socia de la Comédie-Française. Su figura aparecía en Sylvie de Jean-François Gilles Colson, que se exhibía también allí.Seis años más tarde, en 1798, como regalo a su marido recién casado, Michel-Jean Simons, la ahora señora Simons encargó un retrato a Girodet,[3] quien a su pedido pintó a la actriz como la diosa romana Venus. A Anne Françoise Elisabeth Lange le gustó tan poco el cuadro que en una carta escrita al artista le pidió que retirara la obra del Salón y ofreció sólo la mitad del precio solicitado por Girodet. Además, escribió que su trabajo comprometía no sólo su reputación de belleza, sino también la de él como artista emergente.Furioso, Girodet, de treinta y dos años, comenzó a trabajar rápidamente en un nuevo cuadro de Mademoiselle Lange ahora como Dánae. La pintura está codificada deliberadamente con detalles ocultos de su vida íntima, en un intento de difamarla. El 2 de agosto de 1799,[4] Girodet orquestó su venganza. Después de deshacerse de la Venus cortándola en cuatro partes, Girodet hizo colgar en el Salón Carré su nueva representación de Mademoiselle Lange como Dánae, después de haber trabajado en ella durante diecinueve días.[5]


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Prompt: In Mademoiselle_Lange_as_Danae, how is the History discussed?Please output in Spanish.

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

El artista Girodet y Mademoiselle Lange (como se la conocía sobre los escenarios) se cruzaron por primera vez en el Salón de 1793. Girodet había sido alumno de Jacques-Louis David, y acababa de hacerse famoso con su obra El sueño de Endimión, mientras la señorita Lange ya era una destacada actriz y socia de la Comédie-Française. Su figura aparecía en Sylvie de Jean-François Gilles Colson, que se exhibía también allí.Seis años más tarde, en 1798, como regalo a su marido recién casado, Michel-Jean Simons, la ahora señora Simons encargó un retrato a Girodet,[3] quien a su pedido pintó a la actriz como la diosa romana Venus. A Anne Françoise Elisabeth Lange le gustó tan poco el cuadro que en una carta escrita al artista le pidió que retirara la obra del Salón y ofreció sólo la mitad del precio solicitado por Girodet. Además, escribió que su trabajo comprometía no sólo su reputación de belleza, sino también la de él como artista emergente.Furioso, Girodet, de treinta y dos años, comenzó a trabajar rápidamente en un nuevo cuadro de Mademoiselle Lange ahora como Dánae. La pintura está codificada deliberadamente con detalles ocultos de su vida íntima, en un intento de difamarla. El 2 de agosto de 1799,[4] Girodet orquestó su venganza. Después de deshacerse de la Venus cortándola en cuatro partes, Girodet hizo colgar en el Salón Carré su nueva representación de Mademoiselle Lange como Dánae, después de haber trabajado en ella durante diecinueve días.[5]


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.


Mademoiselle_Lange_as_Danae

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]


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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]


The Mass of Bolsena

Prompt: Focus on The Mass of Bolsena and explain the abstract.Please output in Spanish.

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".


The Mass of Bolsena

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The Mass of Bolsena.Please output in Spanish.

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".


The Mass of Bolsena

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Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".


The Mass of Bolsena

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Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".


Self-portrait_at_the_age_of_63_years

Prompt: Focus on Self-portrait_at_the_age_of_63_years and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]


Self-portrait_at_the_age_of_63_years

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Self-portrait_at_the_age_of_63_years.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]


Self-portrait_at_the_age_of_63_years

Prompt: How does Self-portrait_at_the_age_of_63_years explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]


Self-portrait_at_the_age_of_63_years

Prompt: In Self-portrait_at_the_age_of_63_years, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]


Cupid Sleeping

Prompt: Focus on Cupid Sleeping and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.


Cupid Sleeping

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Cupid Sleeping.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.


Cupid Sleeping

Prompt: How does Cupid Sleeping explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.


Cupid Sleeping

Prompt: In Cupid Sleeping, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.


Cupid Sleeping

Prompt: Focus on Cupid Sleeping and explain the Bibliography used.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


Cupid Sleeping

Prompt: Explain the Bibliography used of this artwork, Cupid Sleeping.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


Cupid Sleeping

Prompt: How does Cupid Sleeping explain its Bibliography used?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


Cupid Sleeping

Prompt: In Cupid Sleeping, how is the Bibliography used discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


Annunciation of Cestello

Prompt: Focus on Annunciation of Cestello and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».


Annunciation of Cestello

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Annunciation of Cestello.Please output in Spanish.

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».


Annunciation of Cestello

Prompt: How does Annunciation of Cestello explain its abstract?Please output in Spanish.

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».


Annunciation of Cestello

Prompt: In Annunciation of Cestello, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».


Odalisque_with_slave

Prompt: How does Odalisque_with_slave explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.


Odalisque_with_slave

Prompt: In Odalisque_with_slave, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.


Odalisque_with_slave

Prompt: Focus on Odalisque_with_slave and explain the History.Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]


Odalisque_with_slave

Prompt: Explain the History of this artwork, Odalisque_with_slave.Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]


Odalisque_with_slave

Prompt: How does Odalisque_with_slave explain its History?Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]


Odalisque_with_slave

Prompt: In Odalisque_with_slave, how is the History discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]