Persephone

Prompt: In Persephone, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Diosas de vida, muerte y resurrección

Proserpina, un drama mitológico en dos actos

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Proserpina o Prosérpina es la grafía latina de la diosa griega Perséfone (en latín, Proserpina; en griego: Προσερπίνα) es una diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección y la esposa de Plutón.


Persephone

Prompt: Focus on Persephone and explain the Myth.Please output in Spanish.

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Proserpina, un drama mitológico en dos actos

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

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Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]


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Prompt: Explain the Myth of this artwork, Persephone.Please output in Spanish.

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

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Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]


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Prompt: How does Persephone explain its Myth?Please output in Spanish.

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

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Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]


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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]


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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

El rapto de Proserpina, de Bernini (ca. 1621)Pintura:El rapto de Proserpina, de dell'Abbate (1509-1512)Rapto de Proserpina, de Durero (1516)El Rapto de Proserpina, de Pieter Brueghel el JovenFresco de Pomarancio (ca. 1575)El robo de Proserpina de Joseph Heintz (ca. 1595)Rapto de Proserpina, de Rembrandt (ca. 1632)El rapto de Proserpina de Rubens (ca. 1636)Rapto de Proserpina, fresco de Luca Giordano (1684-1686)Proserpina, de Rossetti (1874)El rapto de Proserpina, de Ulpiano Checa (1888)Proserpina y las ninfas marinas, de Parrish (1910)


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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

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El rapto de Proserpina, de Bernini (ca. 1621)Pintura:El rapto de Proserpina, de dell'Abbate (1509-1512)Rapto de Proserpina, de Durero (1516)El Rapto de Proserpina, de Pieter Brueghel el JovenFresco de Pomarancio (ca. 1575)El robo de Proserpina de Joseph Heintz (ca. 1595)Rapto de Proserpina, de Rembrandt (ca. 1632)El rapto de Proserpina de Rubens (ca. 1636)Rapto de Proserpina, fresco de Luca Giordano (1684-1686)Proserpina, de Rossetti (1874)El rapto de Proserpina, de Ulpiano Checa (1888)Proserpina y las ninfas marinas, de Parrish (1910)


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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

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El rapto de Proserpina, de Bernini (ca. 1621)Pintura:El rapto de Proserpina, de dell'Abbate (1509-1512)Rapto de Proserpina, de Durero (1516)El Rapto de Proserpina, de Pieter Brueghel el JovenFresco de Pomarancio (ca. 1575)El robo de Proserpina de Joseph Heintz (ca. 1595)Rapto de Proserpina, de Rembrandt (ca. 1632)El rapto de Proserpina de Rubens (ca. 1636)Rapto de Proserpina, fresco de Luca Giordano (1684-1686)Proserpina, de Rossetti (1874)El rapto de Proserpina, de Ulpiano Checa (1888)Proserpina y las ninfas marinas, de Parrish (1910)


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De raptu Proserpinae, poema mitológico de ClaudianoProserpina, de Goethe (1777)Proserpina, un drama mitológico en dos actos, de Mary y Percy Bysshe Shelley (1820)Hymn to Proserpine, de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).The Garden of Proserpine, también de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).La agonía de Proserpina, de Javier Tomeo (1993)


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De raptu Proserpinae, poema mitológico de ClaudianoProserpina, de Goethe (1777)Proserpina, un drama mitológico en dos actos, de Mary y Percy Bysshe Shelley (1820)Hymn to Proserpine, de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).The Garden of Proserpine, también de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).La agonía de Proserpina, de Javier Tomeo (1993)


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De raptu Proserpinae, poema mitológico de ClaudianoProserpina, de Goethe (1777)Proserpina, un drama mitológico en dos actos, de Mary y Percy Bysshe Shelley (1820)Hymn to Proserpine, de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).The Garden of Proserpine, también de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).La agonía de Proserpina, de Javier Tomeo (1993)


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De raptu Proserpinae, poema mitológico de ClaudianoProserpina, de Goethe (1777)Proserpina, un drama mitológico en dos actos, de Mary y Percy Bysshe Shelley (1820)Hymn to Proserpine, de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).The Garden of Proserpine, también de Swinburne, en sus Poems and Ballads (1866).La agonía de Proserpina, de Javier Tomeo (1993)


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Proserpina, de Pasqual Mas, estrenada por Xarxa Teatre en la inauguración del LV Festival de Mérida


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El robo de Proserpina y sentencia de Júpiter, ópera en español representada en Nápoles (1678), con libreto de Manuel García Bustamante y música de Filippo Coppola.[2][3]Proserpina, tragedia musical en 5 actos de Jean-Baptiste Lully (1680)*Perséphone, oratorio-ballet de Igor Stravinsky (1934)Proserpina y el extranjero, ópera de Juan José Castro (1952)Proserpina, canción de Luis Alberto Spinetta, del álbum Pan (2006)Proserpina, ópera (monodrama) para soprano, coro y orquesta de cámara, del compositor alemán Wolfgang Rihm (2008).


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El robo de Proserpina y sentencia de Júpiter, ópera en español representada en Nápoles (1678), con libreto de Manuel García Bustamante y música de Filippo Coppola.[2][3]Proserpina, tragedia musical en 5 actos de Jean-Baptiste Lully (1680)*Perséphone, oratorio-ballet de Igor Stravinsky (1934)Proserpina y el extranjero, ópera de Juan José Castro (1952)Proserpina, canción de Luis Alberto Spinetta, del álbum Pan (2006)Proserpina, ópera (monodrama) para soprano, coro y orquesta de cámara, del compositor alemán Wolfgang Rihm (2008).


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El robo de Proserpina y sentencia de Júpiter, ópera en español representada en Nápoles (1678), con libreto de Manuel García Bustamante y música de Filippo Coppola.[2][3]Proserpina, tragedia musical en 5 actos de Jean-Baptiste Lully (1680)*Perséphone, oratorio-ballet de Igor Stravinsky (1934)Proserpina y el extranjero, ópera de Juan José Castro (1952)Proserpina, canción de Luis Alberto Spinetta, del álbum Pan (2006)Proserpina, ópera (monodrama) para soprano, coro y orquesta de cámara, del compositor alemán Wolfgang Rihm (2008).


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Proserpina, un drama mitológico en dos actos

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

El robo de Proserpina y sentencia de Júpiter, ópera en español representada en Nápoles (1678), con libreto de Manuel García Bustamante y música de Filippo Coppola.[2][3]Proserpina, tragedia musical en 5 actos de Jean-Baptiste Lully (1680)*Perséphone, oratorio-ballet de Igor Stravinsky (1934)Proserpina y el extranjero, ópera de Juan José Castro (1952)Proserpina, canción de Luis Alberto Spinetta, del álbum Pan (2006)Proserpina, ópera (monodrama) para soprano, coro y orquesta de cámara, del compositor alemán Wolfgang Rihm (2008).


Chimera_of_Arezzo

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Categoría:Mitología griega en la escultura antigua

Categoría:Esculturas de Italia del siglo IV a. C.

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Florencia

La Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. La Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia (ubicada en lo que hoy es Turquía), hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener (según la leyenda) la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. La actual cola es una restauración del siglo XVIII.La Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San Laurentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia.La firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 "Etrusco" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera * [1]


Chimera_of_Arezzo

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Categoría:Mitología griega en la escultura antigua

Categoría:Esculturas de Italia del siglo IV a. C.

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Florencia

La Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. La Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia (ubicada en lo que hoy es Turquía), hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener (según la leyenda) la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. La actual cola es una restauración del siglo XVIII.La Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San Laurentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia.La firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 "Etrusco" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera * [1]


Chimera_of_Arezzo

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Categoría:Mitología griega en la escultura antigua

Categoría:Esculturas de Italia del siglo IV a. C.

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Florencia

La Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. La Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia (ubicada en lo que hoy es Turquía), hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener (según la leyenda) la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. La actual cola es una restauración del siglo XVIII.La Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San Laurentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia.La firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 "Etrusco" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera * [1]


Chimera_of_Arezzo

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Categoría:Mitología griega en la escultura antigua

Categoría:Esculturas de Italia del siglo IV a. C.

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Florencia

La Quimera de Arezzo de bronce es uno de los ejemplos más conocidos del arte etrusco. Fue hallado en Arezzo en 1553, una antigua ciudad etrusca y romana en Toscana y fue rápidamente reclamada para la colección del Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, quien la expuso al público en el Palazzo Vecchio, y colocó piezas de bronce de menor tamaño en su propio estudio en el Palazzo Pitti. La Quimera todavía se conserva en Florencia, actualmente en el museo arqueológico. Mide aproximadamente 80 centímetros de altura.En la mitología griega, la monstruosa Quimera devastaba su lugar natal, Licia (ubicada en lo que hoy es Turquía), hasta que le dio muerte el héroe Belerofonte. En un principio, los descubridores de la estatua en Arezzo pensaron que la estatua representaba a un león, debido a que su cola, que debiese tener (según la leyenda) la forma de una serpiente, se había perdido. Sin embargo, pronto se vio que se trataba de la Quimera del mito y, de hecho, la cola fue finalmente recuperada entre otras piezas de bronce, según Giorgio Vasari. La actual cola es una restauración del siglo XVIII.La Quimera formaba parte de un aún mayor tesoro de estatuas de bronce enterradas en algún momento de la antigüedad. Fueron encontradas por casualidad, mientras se construían zanjas a las afueras de la ciudad, justo en la parte exterior de la Porta San Laurentino, sin embargo la imagen de Belerofonte que debería acompañar a la quimera no se ha encontrado. Actualmente, una réplica del mismo material se exhibe en aquel lugar.En su pata delantera hay una inscripción, que tras numerosas lecturas se ha llegado a la conclusión que dice TINSCVIL, cuya traducción sería «donada al dios Tinia» demostrando que la Quimera era un elemento usado para venerar al dios etrusco del día, Tinia.La firma alemana Adidas se inspiró en la Quimera para el diseño del balón oficial de la Copa Mundial FIFA de 1990 "Etrusco" pues en el diseño de las tríadas aparecen tres cabezas de león con cierto parecido a la de la Quimera * [1]


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una Venus Calipigia (en griego antiguo, Ἀφροδίτη Καλλίπυγος —Aphrodite Kallipygos, «Afrodita de Bellas Nalgas»—) es un tipo de estatua femenina semidesnuda de época helenística en que una diosa (o mujer) se levanta el peplo hasta la cintura, mientras mira hacia atrás, a fin de que se le vean sobre todo las nalgas.Por extensión, el término «calipigia» se emplea para referirse a toda obra artística (generalmente pictórica o fotográfica) en que las nalgas de la modelo aparecen de forma tal de atraer el interés de quien la observa.


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una Venus Calipigia (en griego antiguo, Ἀφροδίτη Καλλίπυγος —Aphrodite Kallipygos, «Afrodita de Bellas Nalgas»—) es un tipo de estatua femenina semidesnuda de época helenística en que una diosa (o mujer) se levanta el peplo hasta la cintura, mientras mira hacia atrás, a fin de que se le vean sobre todo las nalgas.Por extensión, el término «calipigia» se emplea para referirse a toda obra artística (generalmente pictórica o fotográfica) en que las nalgas de la modelo aparecen de forma tal de atraer el interés de quien la observa.


Venus Calipigia

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Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una Venus Calipigia (en griego antiguo, Ἀφροδίτη Καλλίπυγος —Aphrodite Kallipygos, «Afrodita de Bellas Nalgas»—) es un tipo de estatua femenina semidesnuda de época helenística en que una diosa (o mujer) se levanta el peplo hasta la cintura, mientras mira hacia atrás, a fin de que se le vean sobre todo las nalgas.Por extensión, el término «calipigia» se emplea para referirse a toda obra artística (generalmente pictórica o fotográfica) en que las nalgas de la modelo aparecen de forma tal de atraer el interés de quien la observa.


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una Venus Calipigia (en griego antiguo, Ἀφροδίτη Καλλίπυγος —Aphrodite Kallipygos, «Afrodita de Bellas Nalgas»—) es un tipo de estatua femenina semidesnuda de época helenística en que una diosa (o mujer) se levanta el peplo hasta la cintura, mientras mira hacia atrás, a fin de que se le vean sobre todo las nalgas.Por extensión, el término «calipigia» se emplea para referirse a toda obra artística (generalmente pictórica o fotográfica) en que las nalgas de la modelo aparecen de forma tal de atraer el interés de quien la observa.


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Otro autor clásico, Alcifrón, las llama Trialides y Mirrina: El hecho de que existiese un culto religioso a Afrodita Calipigia en Siracusa también es mencionado por el autor cristiano Clemente de Alejandría (siglos II-III d.C.) en una lista de manifestaciones eróticas del paganismo.[6] Cita al poeta Nicandro de Colofón, así como el término alternativo (kalligloutos, «de hermoso trasero»), utilizado por este.[7]Ya en el siglo XVII, Jean de La Fontaine (1621-1691) parafrasea el relato de Ateneo: Popularizado por el cantante y compositor Georges Brassens a mediados de los años 60.[8]


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Otro autor clásico, Alcifrón, las llama Trialides y Mirrina: El hecho de que existiese un culto religioso a Afrodita Calipigia en Siracusa también es mencionado por el autor cristiano Clemente de Alejandría (siglos II-III d.C.) en una lista de manifestaciones eróticas del paganismo.[6] Cita al poeta Nicandro de Colofón, así como el término alternativo (kalligloutos, «de hermoso trasero»), utilizado por este.[7]Ya en el siglo XVII, Jean de La Fontaine (1621-1691) parafrasea el relato de Ateneo: Popularizado por el cantante y compositor Georges Brassens a mediados de los años 60.[8]


Venus Calipigia

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Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Otro autor clásico, Alcifrón, las llama Trialides y Mirrina: El hecho de que existiese un culto religioso a Afrodita Calipigia en Siracusa también es mencionado por el autor cristiano Clemente de Alejandría (siglos II-III d.C.) en una lista de manifestaciones eróticas del paganismo.[6] Cita al poeta Nicandro de Colofón, así como el término alternativo (kalligloutos, «de hermoso trasero»), utilizado por este.[7]Ya en el siglo XVII, Jean de La Fontaine (1621-1691) parafrasea el relato de Ateneo: Popularizado por el cantante y compositor Georges Brassens a mediados de los años 60.[8]


Venus Calipigia

Prompt: In Venus Calipigia, how is the Literary sources and modernity discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Otro autor clásico, Alcifrón, las llama Trialides y Mirrina: El hecho de que existiese un culto religioso a Afrodita Calipigia en Siracusa también es mencionado por el autor cristiano Clemente de Alejandría (siglos II-III d.C.) en una lista de manifestaciones eróticas del paganismo.[6] Cita al poeta Nicandro de Colofón, así como el término alternativo (kalligloutos, «de hermoso trasero»), utilizado por este.[7]Ya en el siglo XVII, Jean de La Fontaine (1621-1691) parafrasea el relato de Ateneo: Popularizado por el cantante y compositor Georges Brassens a mediados de los años 60.[8]


Venus Calipigia

Prompt: Focus on Venus Calipigia and explain the Antique pieces.Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

La pieza más antigua conocida hasta ahora es una copia de un original helenístico del siglo III a. C., hallada en Roma.[9] Estuvo expuesta en el Palacio Farnesio, de donde fue trasladada con el resto de la colección a Nápoles, en 1802. Se la consideró entonces «peligrosamente erótica», quizá por estar cubierta en parte y no completamente desnuda como la Venus de Médici, siendo incluida, junto con otras piezas de este tipo, en el denominado Gabinete Segreto o «Gabinete de objetos obscenos». En 1836, César Famin la definió como «una estatuilla[10] encantadora», pese a lo que se encontraba: Actualmente, se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


Venus Calipigia

Prompt: Explain the Antique pieces of this artwork, Venus Calipigia.Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

La pieza más antigua conocida hasta ahora es una copia de un original helenístico del siglo III a. C., hallada en Roma.[9] Estuvo expuesta en el Palacio Farnesio, de donde fue trasladada con el resto de la colección a Nápoles, en 1802. Se la consideró entonces «peligrosamente erótica», quizá por estar cubierta en parte y no completamente desnuda como la Venus de Médici, siendo incluida, junto con otras piezas de este tipo, en el denominado Gabinete Segreto o «Gabinete de objetos obscenos». En 1836, César Famin la definió como «una estatuilla[10] encantadora», pese a lo que se encontraba: Actualmente, se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


Venus Calipigia

Prompt: How does Venus Calipigia explain its Antique pieces?Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

La pieza más antigua conocida hasta ahora es una copia de un original helenístico del siglo III a. C., hallada en Roma.[9] Estuvo expuesta en el Palacio Farnesio, de donde fue trasladada con el resto de la colección a Nápoles, en 1802. Se la consideró entonces «peligrosamente erótica», quizá por estar cubierta en parte y no completamente desnuda como la Venus de Médici, siendo incluida, junto con otras piezas de este tipo, en el denominado Gabinete Segreto o «Gabinete de objetos obscenos». En 1836, César Famin la definió como «una estatuilla[10] encantadora», pese a lo que se encontraba: Actualmente, se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


Venus Calipigia

Prompt: In Venus Calipigia, how is the Antique pieces discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

La pieza más antigua conocida hasta ahora es una copia de un original helenístico del siglo III a. C., hallada en Roma.[9] Estuvo expuesta en el Palacio Farnesio, de donde fue trasladada con el resto de la colección a Nápoles, en 1802. Se la consideró entonces «peligrosamente erótica», quizá por estar cubierta en parte y no completamente desnuda como la Venus de Médici, siendo incluida, junto con otras piezas de este tipo, en el denominado Gabinete Segreto o «Gabinete de objetos obscenos». En 1836, César Famin la definió como «una estatuilla[10] encantadora», pese a lo que se encontraba: Actualmente, se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


Venus Calipigia

Prompt: Focus on Venus Calipigia and explain the Subsequent copies.Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una copia en mármol de Jean-Jacques Clérion (1686) fue enviada al Palacio de Versalles. Otra fue realizada por François Barois durante su estancia en la Academia Francesa de Roma (1683-1686). Fue llevada también a Versalles y, de allí, a Marly-le-Roi, en 1695, donde Jean Thierry le añadió más «ropa» para no ofender los sentimientos cada vez más mojigatos de la época. Allí permaneció hasta la Revolución francesa, siendo trasladada más tarde al Jardín de las Tullerías.[12]Augusto II el Fuerte encargó otra copia, realizada por Pierre de l'Estache en Roma (1722-1723) para el Großer Garten de Dresde; fue destruida en 1945.[13]


Venus Calipigia

Prompt: Explain the Subsequent copies of this artwork, Venus Calipigia.Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una copia en mármol de Jean-Jacques Clérion (1686) fue enviada al Palacio de Versalles. Otra fue realizada por François Barois durante su estancia en la Academia Francesa de Roma (1683-1686). Fue llevada también a Versalles y, de allí, a Marly-le-Roi, en 1695, donde Jean Thierry le añadió más «ropa» para no ofender los sentimientos cada vez más mojigatos de la época. Allí permaneció hasta la Revolución francesa, siendo trasladada más tarde al Jardín de las Tullerías.[12]Augusto II el Fuerte encargó otra copia, realizada por Pierre de l'Estache en Roma (1722-1723) para el Großer Garten de Dresde; fue destruida en 1945.[13]


Venus Calipigia

Prompt: How does Venus Calipigia explain its Subsequent copies?Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una copia en mármol de Jean-Jacques Clérion (1686) fue enviada al Palacio de Versalles. Otra fue realizada por François Barois durante su estancia en la Academia Francesa de Roma (1683-1686). Fue llevada también a Versalles y, de allí, a Marly-le-Roi, en 1695, donde Jean Thierry le añadió más «ropa» para no ofender los sentimientos cada vez más mojigatos de la época. Allí permaneció hasta la Revolución francesa, siendo trasladada más tarde al Jardín de las Tullerías.[12]Augusto II el Fuerte encargó otra copia, realizada por Pierre de l'Estache en Roma (1722-1723) para el Großer Garten de Dresde; fue destruida en 1945.[13]


Venus Calipigia

Prompt: In Venus Calipigia, how is the Subsequent copies discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Tipos iconográficos de Afrodita y Venus

Categoría:Afrodita y Venus en la escultura

Categoría:Esculturas de la Antigua Grecia

Categoría:Colecciones del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Categoría:Afrodita y Venus en el arte de la Edad Antigua

Categoría:Esculturas de Grecia del siglo I a. C.

File:Callipygian Venus Barois Louvre MR1999.jpg

Categoría:Copias romanas de esculturas griegas

Una copia en mármol de Jean-Jacques Clérion (1686) fue enviada al Palacio de Versalles. Otra fue realizada por François Barois durante su estancia en la Academia Francesa de Roma (1683-1686). Fue llevada también a Versalles y, de allí, a Marly-le-Roi, en 1695, donde Jean Thierry le añadió más «ropa» para no ofender los sentimientos cada vez más mojigatos de la época. Allí permaneció hasta la Revolución francesa, siendo trasladada más tarde al Jardín de las Tullerías.[12]Augusto II el Fuerte encargó otra copia, realizada por Pierre de l'Estache en Roma (1722-1723) para el Großer Garten de Dresde; fue destruida en 1945.[13]


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: Focus on The church of Auvers-sur-Oise and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia de Auvers sur Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The church of Auvers-sur-Oise.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia de Auvers sur Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: How does The church of Auvers-sur-Oise explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia de Auvers sur Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: In The church of Auvers-sur-Oise, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia de Auvers sur Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).


The church of Auvers-sur-Oise

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Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.[1]Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia.[2] Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»[3]Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:[4]  El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: Explain the Context of this artwork, The church of Auvers-sur-Oise.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.[1]Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia.[2] Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»[3]Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:[4]  El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: How does The church of Auvers-sur-Oise explain its Context?Please output in Spanish.

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Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.[1]Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia.[2] Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»[3]Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:[4]  El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: In The church of Auvers-sur-Oise, how is the Context discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

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Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.[1]Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia.[2] Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»[3]Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:[4]  El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: Focus on The church of Auvers-sur-Oise and explain the Description.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.[1] La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».[5]Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 1[6] del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»:[7] «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»[8]Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes y las pinceladas se han aplicado con vigor.[1]


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: Explain the Description of this artwork, The church of Auvers-sur-Oise.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.[1] La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».[5]Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 1[6] del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»:[7] «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»[8]Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes y las pinceladas se han aplicado con vigor.[1]


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: How does The church of Auvers-sur-Oise explain its Description?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.[1] La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».[5]Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 1[6] del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»:[7] «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»[8]Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes y las pinceladas se han aplicado con vigor.[1]


The church of Auvers-sur-Oise

Prompt: In The church of Auvers-sur-Oise, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Vincent van Gogh - The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet - Google Art Project.jpg

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.[1] La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».[5]Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 1[6] del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»:[7] «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»[8]Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles. Los colores son fuertes y las pinceladas se han aplicado con vigor.[1]


Prompt: Focus on Self-portrait_with_his_wife_Isabel_Brant and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Autorretrato con su esposa Isabel Brant es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera, que mide 1,78 metros de alto y 1,36 m de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).Rubens se autorretrata aquí con su primera esposa, Isabella Brant (1591–1626), hija de un noble de Amberes. Rubens e Isabel se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes, poco después de que él regresara a la ciudad tras pasar ocho años en Italia[1] El cuadro fue realizado hacia 1609, durante el primer año de matrimonio, y pretende reflejar tanto la felicidad como el bienestar de la pareja.[2]La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas (junctio dextrarum) indican que ya estaban casados.[3][4][5] Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista y el brazo también izquierdo, que parece sostener la espada.[2]Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad.[3] De esta manera se refleja en su pintura la influencia de la pintura veneciana, en particular de Tiziano, por el colorido, como puede verse en el intenso azafranado de las medias del pintor, y el suntuoso tratamiento de las telas, como el minucioso bordado del corpiño de la mujer.[2]Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.[1]El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de los recién casados.[2]


Prompt: Explain the abstract of this artwork, Self-portrait_with_his_wife_Isabel_Brant.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Autorretrato con su esposa Isabel Brant es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera, que mide 1,78 metros de alto y 1,36 m de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).Rubens se autorretrata aquí con su primera esposa, Isabella Brant (1591–1626), hija de un noble de Amberes. Rubens e Isabel se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes, poco después de que él regresara a la ciudad tras pasar ocho años en Italia[1] El cuadro fue realizado hacia 1609, durante el primer año de matrimonio, y pretende reflejar tanto la felicidad como el bienestar de la pareja.[2]La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas (junctio dextrarum) indican que ya estaban casados.[3][4][5] Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista y el brazo también izquierdo, que parece sostener la espada.[2]Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad.[3] De esta manera se refleja en su pintura la influencia de la pintura veneciana, en particular de Tiziano, por el colorido, como puede verse en el intenso azafranado de las medias del pintor, y el suntuoso tratamiento de las telas, como el minucioso bordado del corpiño de la mujer.[2]Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.[1]El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de los recién casados.[2]


Prompt: How does Self-portrait_with_his_wife_Isabel_Brant explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Autorretrato con su esposa Isabel Brant es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera, que mide 1,78 metros de alto y 1,36 m de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).Rubens se autorretrata aquí con su primera esposa, Isabella Brant (1591–1626), hija de un noble de Amberes. Rubens e Isabel se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes, poco después de que él regresara a la ciudad tras pasar ocho años en Italia[1] El cuadro fue realizado hacia 1609, durante el primer año de matrimonio, y pretende reflejar tanto la felicidad como el bienestar de la pareja.[2]La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas (junctio dextrarum) indican que ya estaban casados.[3][4][5] Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista y el brazo también izquierdo, que parece sostener la espada.[2]Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad.[3] De esta manera se refleja en su pintura la influencia de la pintura veneciana, en particular de Tiziano, por el colorido, como puede verse en el intenso azafranado de las medias del pintor, y el suntuoso tratamiento de las telas, como el minucioso bordado del corpiño de la mujer.[2]Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.[1]El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de los recién casados.[2]


Prompt: In Self-portrait_with_his_wife_Isabel_Brant, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca Antigua de Múnich

Autorretrato con su esposa Isabel Brant es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera, que mide 1,78 metros de alto y 1,36 m de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).Rubens se autorretrata aquí con su primera esposa, Isabella Brant (1591–1626), hija de un noble de Amberes. Rubens e Isabel se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes, poco después de que él regresara a la ciudad tras pasar ocho años en Italia[1] El cuadro fue realizado hacia 1609, durante el primer año de matrimonio, y pretende reflejar tanto la felicidad como el bienestar de la pareja.[2]La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas (junctio dextrarum) indican que ya estaban casados.[3][4][5] Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista y el brazo también izquierdo, que parece sostener la espada.[2]Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad.[3] De esta manera se refleja en su pintura la influencia de la pintura veneciana, en particular de Tiziano, por el colorido, como puede verse en el intenso azafranado de las medias del pintor, y el suntuoso tratamiento de las telas, como el minucioso bordado del corpiño de la mujer.[2]Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.[1]El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de los recién casados.[2]


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: Focus on The_dispute_of_the_Sacramento and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La disputa del Sacramento es una pintura del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de Firmas (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.La anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Es el pintor Giorgio Vasari el que da este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término "disputa", en el italiano de la época, se entendía como "discusión": no tiene por ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que discuten.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The_dispute_of_the_Sacramento.Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La disputa del Sacramento es una pintura del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de Firmas (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.La anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Es el pintor Giorgio Vasari el que da este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término "disputa", en el italiano de la época, se entendía como "discusión": no tiene por ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que discuten.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: How does The_dispute_of_the_Sacramento explain its abstract?Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La disputa del Sacramento es una pintura del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de Firmas (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.La anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Es el pintor Giorgio Vasari el que da este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término "disputa", en el italiano de la época, se entendía como "discusión": no tiene por ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que discuten.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: In The_dispute_of_the_Sacramento, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La disputa del Sacramento es una pintura del artista Rafael Sanzio (1483-1520). Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de Firmas (Stanza della Segnatura) fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.La anchura en la base del fresco es de 770 cm. Representa la Teología, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.Es el pintor Giorgio Vasari el que da este nombre a la obra, un poco impropiamente, dado que parece aludir a un conflicto teológico, es decir, un intenso debate, que podría darse en el registro inferior, pero en cambio el registro superior funciona más como una glorificación de la Iglesia celestial triunfante. El título de la obra bien habría podido ser El triunfo de la Iglesia. El término "disputa", en el italiano de la época, se entendía como "discusión": no tiene por ello significado de divergencia y enfrentamiento entre las personas que discuten.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: Focus on The_dispute_of_the_Sacramento and explain the General sense of the work.Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

El fresco pretende representar en pintura lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la tradición cristiana esta Verdad teológica se personifica en la eucaristía, gesto de sacrificio sacramental en el que se hace realmente presente el sacrificio de acción de gracias de la persona de Jesucristo, legado a sus discípulos en su memoria poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención y también de relación con un Ser Divino (la Trinidad), que incluye en comunión con Sí Mismo a las potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad teológica compleja la que Rafael pretende representar en este fresco que debe ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los Cielos.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: Explain the General sense of the work of this artwork, The_dispute_of_the_Sacramento.Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

El fresco pretende representar en pintura lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la tradición cristiana esta Verdad teológica se personifica en la eucaristía, gesto de sacrificio sacramental en el que se hace realmente presente el sacrificio de acción de gracias de la persona de Jesucristo, legado a sus discípulos en su memoria poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención y también de relación con un Ser Divino (la Trinidad), que incluye en comunión con Sí Mismo a las potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad teológica compleja la que Rafael pretende representar en este fresco que debe ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los Cielos.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: How does The_dispute_of_the_Sacramento explain its General sense of the work?Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

El fresco pretende representar en pintura lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la tradición cristiana esta Verdad teológica se personifica en la eucaristía, gesto de sacrificio sacramental en el que se hace realmente presente el sacrificio de acción de gracias de la persona de Jesucristo, legado a sus discípulos en su memoria poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención y también de relación con un Ser Divino (la Trinidad), que incluye en comunión con Sí Mismo a las potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad teológica compleja la que Rafael pretende representar en este fresco que debe ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los Cielos.


The_dispute_of_the_Sacramento

Prompt: In The_dispute_of_the_Sacramento, how is the General sense of the work discussed?Please output in Spanish.

Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

El fresco pretende representar en pintura lo que se podría llamar la Verdad teológica, frente a la Verdad filosófica que personifica el fresco de la Escuela de Atenas que queda enfrente. En la tradición cristiana esta Verdad teológica se personifica en la eucaristía, gesto de sacrificio sacramental en el que se hace realmente presente el sacrificio de acción de gracias de la persona de Jesucristo, legado a sus discípulos en su memoria poco tiempo antes de su pasión. Por lo tanto, todo el servicio de la Iglesia de Cristo sobre tierra gira en torno a este acto supremo, como medio de redención y también de relación con un Ser Divino (la Trinidad), que incluye en comunión con Sí Mismo a las potencias celestiales y a los santos en todas las épocas. Es pues esta realidad teológica compleja la que Rafael pretende representar en este fresco que debe ser, dado que se destina a la oficina y a la biblioteca del papa Julio II, un apoyo a la contemplación del misterio de la Iglesia sobre tierra y en los Cielos.


The_dispute_of_the_Sacramento

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Archivo:5 Estancia del Sello (La Disputa del Sacramento).jpg

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

En la parte superior está representada la "Iglesia triunfante", esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en el centro, flanqueado por María y Juan el Bautista.En la parte inferior está la "Iglesia militante", en la cual figuran teólogos, doctores y papas, pero también filántropos y literatos.


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Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Pinturas representando a San Pablo

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

En la parte superior está representada la "Iglesia triunfante", esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en el centro, flanqueado por María y Juan el Bautista.En la parte inferior está la "Iglesia militante", en la cual figuran teólogos, doctores y papas, pero también filántropos y literatos.


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Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

En la parte superior está representada la "Iglesia triunfante", esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en el centro, flanqueado por María y Juan el Bautista.En la parte inferior está la "Iglesia militante", en la cual figuran teólogos, doctores y papas, pero también filántropos y literatos.


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En la parte superior está representada la "Iglesia triunfante", esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en el centro, flanqueado por María y Juan el Bautista.En la parte inferior está la "Iglesia militante", en la cual figuran teólogos, doctores y papas, pero también filántropos y literatos.