The Mousmé

Prompt: Focus on The Mousmé and explain the Height of Van Gogh's career.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]


The Mousmé

Prompt: Explain the Height of Van Gogh's career of this artwork, The Mousmé.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]


The Mousmé

Prompt: How does The Mousmé explain its Height of Van Gogh's career?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]


The Mousmé

Prompt: In The Mousmé, how is the Height of Van Gogh's career discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]


The Mousmé

Prompt: Focus on The Mousmé and explain the The painting.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]


The Mousmé

Prompt: Explain the The painting of this artwork, The Mousmé.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]


The Mousmé

Prompt: How does The Mousmé explain its The painting?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]


The Mousmé

Prompt: In The Mousmé, how is the The painting discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]


The Mousmé

Prompt: Focus on The Mousmé and explain the Origin.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]


The Mousmé

Prompt: Explain the Origin of this artwork, The Mousmé.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]


The Mousmé

Prompt: How does The Mousmé explain its Origin?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]


The Mousmé

Prompt: In The Mousmé, how is the Origin discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]


The Mousmé

Prompt: Focus on The Mousmé and explain the Drawings of La Mousmé.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]


The Mousmé

Prompt: Explain the Drawings of La Mousmé of this artwork, The Mousmé.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]


The Mousmé

Prompt: How does The Mousmé explain its Drawings of La Mousmé?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]


The Mousmé

Prompt: In The Mousmé, how is the Drawings of La Mousmé discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]


Triptych_Portinari

Prompt: Focus on Triptych_Portinari and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.


Triptych_Portinari

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Triptych_Portinari.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.


Triptych_Portinari

Prompt: How does Triptych_Portinari explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.


Triptych_Portinari

Prompt: In Triptych_Portinari, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.


Triptych_Portinari

Prompt: Focus on Triptych_Portinari and explain the History.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.


Triptych_Portinari

Prompt: Explain the History of this artwork, Triptych_Portinari.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.


Triptych_Portinari

Prompt: How does Triptych_Portinari explain its History?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.


Triptych_Portinari

Prompt: In Triptych_Portinari, how is the History discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.


Triptych_Portinari

Prompt: Focus on Triptych_Portinari and explain the Analysis of the situation.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.


Triptych_Portinari

Prompt: Explain the Analysis of the situation of this artwork, Triptych_Portinari.Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.


Triptych_Portinari

Prompt: How does Triptych_Portinari explain its Analysis of the situation?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.


Triptych_Portinari

Prompt: In Triptych_Portinari, how is the Analysis of the situation discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.


Laocoonte

Prompt: Focus on Laocoonte and explain the abstract.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.


Laocoonte

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Laocoonte.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.


Laocoonte

Prompt: How does Laocoonte explain its abstract?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.


Laocoonte

Prompt: In Laocoonte, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.


Laocoonte

Prompt: Focus on Laocoonte and explain the Mythology.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.


Laocoonte

Prompt: Explain the Mythology of this artwork, Laocoonte.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.


Laocoonte

Prompt: How does Laocoonte explain its Mythology?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.


Laocoonte

Prompt: In Laocoonte, how is the Mythology discussed?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.


Laocoonte

Prompt: In the context of Laocoonte, explain the The Hellenistic sculptural ensemble and the Representations in art.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

La obra representaba sobre todo todas las características del canon helenístico. En primer lugar, la copia está tallada en mármol. La obra original era de bronce y se realizó mediante la técnica de la cera perdida. Hay una exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla. Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta obra está dotada de una expresividad muy realzada, pues la expresión de Laocoonte recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte. El grupo escultórico presenta una captura del movimiento en forma de triángulo. Se utiliza el escorzo para dar profundidad a la figura. La escultura es un momento crítico, un clímax en la temática, cogida directamente del mito. Las diferentes piezas encajan en armonía y fluidez. El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Mide 2,42 m y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.Cuando la escultura se descubrió en 1506 fue adquirida para el papa Julio II. Le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo original, estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción.


Laocoonte

Prompt: Explain the The Hellenistic sculptural ensemble about the Representations in art of this artwork, Laocoonte.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Categoría:Videntes de la mitología griega

La obra representaba sobre todo todas las características del canon helenístico. En primer lugar, la copia está tallada en mármol. La obra original era de bronce y se realizó mediante la técnica de la cera perdida. Hay una exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla. Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta obra está dotada de una expresividad muy realzada, pues la expresión de Laocoonte recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte. El grupo escultórico presenta una captura del movimiento en forma de triángulo. Se utiliza el escorzo para dar profundidad a la figura. La escultura es un momento crítico, un clímax en la temática, cogida directamente del mito. Las diferentes piezas encajan en armonía y fluidez. El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Mide 2,42 m y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.Cuando la escultura se descubrió en 1506 fue adquirida para el papa Julio II. Le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo original, estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción.


Laocoonte

Prompt: In Laocoonte, how is the The Hellenistic sculptural ensemble of the Representations in art explained?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

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Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

La obra representaba sobre todo todas las características del canon helenístico. En primer lugar, la copia está tallada en mármol. La obra original era de bronce y se realizó mediante la técnica de la cera perdida. Hay una exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla. Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta obra está dotada de una expresividad muy realzada, pues la expresión de Laocoonte recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte. El grupo escultórico presenta una captura del movimiento en forma de triángulo. Se utiliza el escorzo para dar profundidad a la figura. La escultura es un momento crítico, un clímax en la temática, cogida directamente del mito. Las diferentes piezas encajan en armonía y fluidez. El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Mide 2,42 m y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.Cuando la escultura se descubrió en 1506 fue adquirida para el papa Julio II. Le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo original, estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción.


Laocoonte

Prompt: Describe the characteristics of the The Hellenistic sculptural ensemble in Laocoonte's Representations in art.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

La obra representaba sobre todo todas las características del canon helenístico. En primer lugar, la copia está tallada en mármol. La obra original era de bronce y se realizó mediante la técnica de la cera perdida. Hay una exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla. Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta obra está dotada de una expresividad muy realzada, pues la expresión de Laocoonte recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte. El grupo escultórico presenta una captura del movimiento en forma de triángulo. Se utiliza el escorzo para dar profundidad a la figura. La escultura es un momento crítico, un clímax en la temática, cogida directamente del mito. Las diferentes piezas encajan en armonía y fluidez. El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Mide 2,42 m y actualmente se halla expuesta en los Museos Vaticanos.Cuando la escultura se descubrió en 1506 fue adquirida para el papa Julio II. Le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo original, estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción.


Laocoonte

Prompt: In the context of Laocoonte, explain the The painting by El Greco and the Representations in art.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Es un óleo sobre lienzo de 1609, la época final de El Greco. Representa en primer plano la violenta escena de la muerte de Laocoonte y sus hijos, y en la lejanía, un caballo dirigiéndose a la ciudad de Troya, para la que se sirve del paisaje urbano de Toledo. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.


Laocoonte

Prompt: Explain the The painting by El Greco about the Representations in art of this artwork, Laocoonte.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Es un óleo sobre lienzo de 1609, la época final de El Greco. Representa en primer plano la violenta escena de la muerte de Laocoonte y sus hijos, y en la lejanía, un caballo dirigiéndose a la ciudad de Troya, para la que se sirve del paisaje urbano de Toledo. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.


Laocoonte

Prompt: In Laocoonte, how is the The painting by El Greco of the Representations in art explained?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Es un óleo sobre lienzo de 1609, la época final de El Greco. Representa en primer plano la violenta escena de la muerte de Laocoonte y sus hijos, y en la lejanía, un caballo dirigiéndose a la ciudad de Troya, para la que se sirve del paisaje urbano de Toledo. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.


Laocoonte

Prompt: Describe the characteristics of the The painting by El Greco in Laocoonte's Representations in art.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

Es un óleo sobre lienzo de 1609, la época final de El Greco. Representa en primer plano la violenta escena de la muerte de Laocoonte y sus hijos, y en la lejanía, un caballo dirigiéndose a la ciudad de Troya, para la que se sirve del paisaje urbano de Toledo. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.


Laocoonte

Prompt: Focus on Laocoonte and explain the Eponymy.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

El asteroide 3240 recibió el nombre en inglés de este personaje mitológico: «Laocoon».


Laocoonte

Prompt: Explain the Eponymy of this artwork, Laocoonte.Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

El asteroide 3240 recibió el nombre en inglés de este personaje mitológico: «Laocoon».


Laocoonte

Prompt: How does Laocoonte explain its Eponymy?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

El asteroide 3240 recibió el nombre en inglés de este personaje mitológico: «Laocoon».


Laocoonte

Prompt: In Laocoonte, how is the Eponymy discussed?Please output in Spanish.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega

El asteroide 3240 recibió el nombre en inglés de este personaje mitológico: «Laocoon».


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Focus on Madonna_with_the_blue_headband and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Madonna con la diadema azul es una pintura de Rafael y su alumno Gianfrancesco Penni  y probablemente fue pintada en Roma alrededor de 1512, ahora está en el Louvre. En el Louvre, la pintura se llama Virgen y el Niño con San Juan niño, también conocida como Virgen con el velo o Virgen con la diadema azul.[1]  otros nombres son: Virgen con el lino, Niño dormido y Silencio de la Santísima Virgen.[2]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Madonna_with_the_blue_headband.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Madonna con la diadema azul es una pintura de Rafael y su alumno Gianfrancesco Penni  y probablemente fue pintada en Roma alrededor de 1512, ahora está en el Louvre. En el Louvre, la pintura se llama Virgen y el Niño con San Juan niño, también conocida como Virgen con el velo o Virgen con la diadema azul.[1]  otros nombres son: Virgen con el lino, Niño dormido y Silencio de la Santísima Virgen.[2]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: How does Madonna_with_the_blue_headband explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Madonna con la diadema azul es una pintura de Rafael y su alumno Gianfrancesco Penni  y probablemente fue pintada en Roma alrededor de 1512, ahora está en el Louvre. En el Louvre, la pintura se llama Virgen y el Niño con San Juan niño, también conocida como Virgen con el velo o Virgen con la diadema azul.[1]  otros nombres son: Virgen con el lino, Niño dormido y Silencio de la Santísima Virgen.[2]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: In Madonna_with_the_blue_headband, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Madonna con la diadema azul es una pintura de Rafael y su alumno Gianfrancesco Penni  y probablemente fue pintada en Roma alrededor de 1512, ahora está en el Louvre. En el Louvre, la pintura se llama Virgen y el Niño con San Juan niño, también conocida como Virgen con el velo o Virgen con la diadema azul.[1]  otros nombres son: Virgen con el lino, Niño dormido y Silencio de la Santísima Virgen.[2]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Focus on Madonna_with_the_blue_headband and explain the History.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La leyenda dice que el panel estuvo dividido en dos y se usó para cubrir barriles en Pescia. Una vez encontrados, se dice que fueron unidos por manos expertas.[2] También hay una versión diferente donde el panel se dividió en tres partes para hacer un biombo, y que se completó más tarde.[3] En la última parte del siglo XVI,[3] estuvo en la Colección Chateauneuf, París[4] y luego pasó a su heredero, el Marqués de la Valliere.[3][5] En 1620, la pintura era propiedad del marqués de la Valliere, secretario de Estado, como parte de la Colección La Valliere en París.[5][6] En 1713, el príncipe Luis Alejandro de Borbón, conde de Toulouse, era dueño de la pintura y de él pasó en 1728 a la colección del Príncipe de Carignan.[3][5] Desde por lo menos 1728 a 1743 estuvo en posesión de Victor Amadeo I, Príncipe de Carignan.[6] Después de su muerte, la pintura llegó a su hijo Louis de Carignan y el pintor Rigauld medió la venta en 1742, hasta que en 1743[7] llegó a manos de Louis XV.[3][4][5][7]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna_with_the_blue_headband.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La leyenda dice que el panel estuvo dividido en dos y se usó para cubrir barriles en Pescia. Una vez encontrados, se dice que fueron unidos por manos expertas.[2] También hay una versión diferente donde el panel se dividió en tres partes para hacer un biombo, y que se completó más tarde.[3] En la última parte del siglo XVI,[3] estuvo en la Colección Chateauneuf, París[4] y luego pasó a su heredero, el Marqués de la Valliere.[3][5] En 1620, la pintura era propiedad del marqués de la Valliere, secretario de Estado, como parte de la Colección La Valliere en París.[5][6] En 1713, el príncipe Luis Alejandro de Borbón, conde de Toulouse, era dueño de la pintura y de él pasó en 1728 a la colección del Príncipe de Carignan.[3][5] Desde por lo menos 1728 a 1743 estuvo en posesión de Victor Amadeo I, Príncipe de Carignan.[6] Después de su muerte, la pintura llegó a su hijo Louis de Carignan y el pintor Rigauld medió la venta en 1742, hasta que en 1743[7] llegó a manos de Louis XV.[3][4][5][7]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: How does Madonna_with_the_blue_headband explain its History?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La leyenda dice que el panel estuvo dividido en dos y se usó para cubrir barriles en Pescia. Una vez encontrados, se dice que fueron unidos por manos expertas.[2] También hay una versión diferente donde el panel se dividió en tres partes para hacer un biombo, y que se completó más tarde.[3] En la última parte del siglo XVI,[3] estuvo en la Colección Chateauneuf, París[4] y luego pasó a su heredero, el Marqués de la Valliere.[3][5] En 1620, la pintura era propiedad del marqués de la Valliere, secretario de Estado, como parte de la Colección La Valliere en París.[5][6] En 1713, el príncipe Luis Alejandro de Borbón, conde de Toulouse, era dueño de la pintura y de él pasó en 1728 a la colección del Príncipe de Carignan.[3][5] Desde por lo menos 1728 a 1743 estuvo en posesión de Victor Amadeo I, Príncipe de Carignan.[6] Después de su muerte, la pintura llegó a su hijo Louis de Carignan y el pintor Rigauld medió la venta en 1742, hasta que en 1743[7] llegó a manos de Louis XV.[3][4][5][7]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: In Madonna_with_the_blue_headband, how is the History discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La leyenda dice que el panel estuvo dividido en dos y se usó para cubrir barriles en Pescia. Una vez encontrados, se dice que fueron unidos por manos expertas.[2] También hay una versión diferente donde el panel se dividió en tres partes para hacer un biombo, y que se completó más tarde.[3] En la última parte del siglo XVI,[3] estuvo en la Colección Chateauneuf, París[4] y luego pasó a su heredero, el Marqués de la Valliere.[3][5] En 1620, la pintura era propiedad del marqués de la Valliere, secretario de Estado, como parte de la Colección La Valliere en París.[5][6] En 1713, el príncipe Luis Alejandro de Borbón, conde de Toulouse, era dueño de la pintura y de él pasó en 1728 a la colección del Príncipe de Carignan.[3][5] Desde por lo menos 1728 a 1743 estuvo en posesión de Victor Amadeo I, Príncipe de Carignan.[6] Después de su muerte, la pintura llegó a su hijo Louis de Carignan y el pintor Rigauld medió la venta en 1742, hasta que en 1743[7] llegó a manos de Louis XV.[3][4][5][7]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Focus on Madonna_with_the_blue_headband and explain the Description.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Aunque participaron el ella varios artistas, la composición es casi seguramente de Rafael.  Debido al uso de colores brillantes, ácidos y al acabado similar a la porcelana, se piensa que el acabado de la composición puede haber sido obra de uno de sus alumnos, Giovanfrancesco Penni, y que data del año 1518.[1] La pintura es similar a la Virgen de Loreto (Musée Condé, Chantilly), con el velo levantado de modo simbólico.[1] El uso del velo en las pinturas del Renacimiento, en las Meditaciones sobre la Vida de Cristo, simboliza la forma en que la Virgen envolvió al Niño con el velo de su cabeza en la Natividad y, proféticamente, nuevamente en la Crucifixión.[8] Aquí la Virgen pone el velo sobre el Niño dormido, que mira hacia los espectadores, con su otro brazo alrededor del joven Juan el Bautista. Tanto la Virgen como Juan están de perfil. Un velo por su cabeza, detrás de una diadema azul y que a través de sus hombros llega hasta sus brazos. Una túnica cubierta, ceñida a la cintura puesta sobre su ropa interior roja.[6] Si bien la pintura tienen cierta similitud con la Virgen de Loreto, Rafael hace una interpretación más dramática, como el uso de las ruinas[6] de la Villa y viñedo de Sacchetti, cerca de la Basílica de San Pedro en Roma.[2][3] También hay refinamiento en las características y extremidades del niño Cristo.  El niño está muy tranquilo, en contraste con la expresión de admiración y adoración del joven Juan.[6]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: Explain the Description of this artwork, Madonna_with_the_blue_headband.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Aunque participaron el ella varios artistas, la composición es casi seguramente de Rafael.  Debido al uso de colores brillantes, ácidos y al acabado similar a la porcelana, se piensa que el acabado de la composición puede haber sido obra de uno de sus alumnos, Giovanfrancesco Penni, y que data del año 1518.[1] La pintura es similar a la Virgen de Loreto (Musée Condé, Chantilly), con el velo levantado de modo simbólico.[1] El uso del velo en las pinturas del Renacimiento, en las Meditaciones sobre la Vida de Cristo, simboliza la forma en que la Virgen envolvió al Niño con el velo de su cabeza en la Natividad y, proféticamente, nuevamente en la Crucifixión.[8] Aquí la Virgen pone el velo sobre el Niño dormido, que mira hacia los espectadores, con su otro brazo alrededor del joven Juan el Bautista. Tanto la Virgen como Juan están de perfil. Un velo por su cabeza, detrás de una diadema azul y que a través de sus hombros llega hasta sus brazos. Una túnica cubierta, ceñida a la cintura puesta sobre su ropa interior roja.[6] Si bien la pintura tienen cierta similitud con la Virgen de Loreto, Rafael hace una interpretación más dramática, como el uso de las ruinas[6] de la Villa y viñedo de Sacchetti, cerca de la Basílica de San Pedro en Roma.[2][3] También hay refinamiento en las características y extremidades del niño Cristo.  El niño está muy tranquilo, en contraste con la expresión de admiración y adoración del joven Juan.[6]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: How does Madonna_with_the_blue_headband explain its Description?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Aunque participaron el ella varios artistas, la composición es casi seguramente de Rafael.  Debido al uso de colores brillantes, ácidos y al acabado similar a la porcelana, se piensa que el acabado de la composición puede haber sido obra de uno de sus alumnos, Giovanfrancesco Penni, y que data del año 1518.[1] La pintura es similar a la Virgen de Loreto (Musée Condé, Chantilly), con el velo levantado de modo simbólico.[1] El uso del velo en las pinturas del Renacimiento, en las Meditaciones sobre la Vida de Cristo, simboliza la forma en que la Virgen envolvió al Niño con el velo de su cabeza en la Natividad y, proféticamente, nuevamente en la Crucifixión.[8] Aquí la Virgen pone el velo sobre el Niño dormido, que mira hacia los espectadores, con su otro brazo alrededor del joven Juan el Bautista. Tanto la Virgen como Juan están de perfil. Un velo por su cabeza, detrás de una diadema azul y que a través de sus hombros llega hasta sus brazos. Una túnica cubierta, ceñida a la cintura puesta sobre su ropa interior roja.[6] Si bien la pintura tienen cierta similitud con la Virgen de Loreto, Rafael hace una interpretación más dramática, como el uso de las ruinas[6] de la Villa y viñedo de Sacchetti, cerca de la Basílica de San Pedro en Roma.[2][3] También hay refinamiento en las características y extremidades del niño Cristo.  El niño está muy tranquilo, en contraste con la expresión de admiración y adoración del joven Juan.[6]


Madonna_with_the_blue_headband

Prompt: In Madonna_with_the_blue_headband, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

Aunque participaron el ella varios artistas, la composición es casi seguramente de Rafael.  Debido al uso de colores brillantes, ácidos y al acabado similar a la porcelana, se piensa que el acabado de la composición puede haber sido obra de uno de sus alumnos, Giovanfrancesco Penni, y que data del año 1518.[1] La pintura es similar a la Virgen de Loreto (Musée Condé, Chantilly), con el velo levantado de modo simbólico.[1] El uso del velo en las pinturas del Renacimiento, en las Meditaciones sobre la Vida de Cristo, simboliza la forma en que la Virgen envolvió al Niño con el velo de su cabeza en la Natividad y, proféticamente, nuevamente en la Crucifixión.[8] Aquí la Virgen pone el velo sobre el Niño dormido, que mira hacia los espectadores, con su otro brazo alrededor del joven Juan el Bautista. Tanto la Virgen como Juan están de perfil. Un velo por su cabeza, detrás de una diadema azul y que a través de sus hombros llega hasta sus brazos. Una túnica cubierta, ceñida a la cintura puesta sobre su ropa interior roja.[6] Si bien la pintura tienen cierta similitud con la Virgen de Loreto, Rafael hace una interpretación más dramática, como el uso de las ruinas[6] de la Villa y viñedo de Sacchetti, cerca de la Basílica de San Pedro en Roma.[2][3] También hay refinamiento en las características y extremidades del niño Cristo.  El niño está muy tranquilo, en contraste con la expresión de admiración y adoración del joven Juan.[6]


The_red_vineyard

Prompt: Focus on The_red_vineyard and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge) es una pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en Arlés a principios de noviembre de 1888. Fue una de las poquísimas obras que Vincent vendió en vida, aunque no la única, como se ha pretendido con frecuencia.[1]


The_red_vineyard

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The_red_vineyard.Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge) es una pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en Arlés a principios de noviembre de 1888. Fue una de las poquísimas obras que Vincent vendió en vida, aunque no la única, como se ha pretendido con frecuencia.[1]


The_red_vineyard

Prompt: How does The_red_vineyard explain its abstract?Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge) es una pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en Arlés a principios de noviembre de 1888. Fue una de las poquísimas obras que Vincent vendió en vida, aunque no la única, como se ha pretendido con frecuencia.[1]


The_red_vineyard

Prompt: In The_red_vineyard, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge) es una pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en Arlés a principios de noviembre de 1888. Fue una de las poquísimas obras que Vincent vendió en vida, aunque no la única, como se ha pretendido con frecuencia.[1]


The_red_vineyard

Prompt: Focus on The_red_vineyard and explain the Origin.Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo fue uno de los pocos trabajos artísticos de Van Gogh que vendió durante su vida. Se exhibió por primera vez en la exhibición anual de Los XX, 1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (el equivalente a 710 € actuales) a Anna Boch[2] una pintora impresionista, miembro de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.[3][4] Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888. Al igual que El café de noche, fue adquirido[5] por el famoso coleccionista ruso Sergei Shchukin. La obra fue posteriormente nacionalizada por los bolcheviques con el resto de la colección de Shchukin y, finalmente, pasó a formar parte del Museo Pushkin de Moscú.


The_red_vineyard

Prompt: Explain the Origin of this artwork, The_red_vineyard.Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo fue uno de los pocos trabajos artísticos de Van Gogh que vendió durante su vida. Se exhibió por primera vez en la exhibición anual de Los XX, 1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (el equivalente a 710 € actuales) a Anna Boch[2] una pintora impresionista, miembro de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.[3][4] Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888. Al igual que El café de noche, fue adquirido[5] por el famoso coleccionista ruso Sergei Shchukin. La obra fue posteriormente nacionalizada por los bolcheviques con el resto de la colección de Shchukin y, finalmente, pasó a formar parte del Museo Pushkin de Moscú.


The_red_vineyard

Prompt: How does The_red_vineyard explain its Origin?Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo fue uno de los pocos trabajos artísticos de Van Gogh que vendió durante su vida. Se exhibió por primera vez en la exhibición anual de Los XX, 1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (el equivalente a 710 € actuales) a Anna Boch[2] una pintora impresionista, miembro de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.[3][4] Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888. Al igual que El café de noche, fue adquirido[5] por el famoso coleccionista ruso Sergei Shchukin. La obra fue posteriormente nacionalizada por los bolcheviques con el resto de la colección de Shchukin y, finalmente, pasó a formar parte del Museo Pushkin de Moscú.


The_red_vineyard

Prompt: In The_red_vineyard, how is the Origin discussed?Please output in Spanish.

Archivo: Vincent Willem van Gogh 036.jpg

El viñedo rojo fue uno de los pocos trabajos artísticos de Van Gogh que vendió durante su vida. Se exhibió por primera vez en la exhibición anual de Los XX, 1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (el equivalente a 710 € actuales) a Anna Boch[2] una pintora impresionista, miembro de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica.[3][4] Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888. Al igual que El café de noche, fue adquirido[5] por el famoso coleccionista ruso Sergei Shchukin. La obra fue posteriormente nacionalizada por los bolcheviques con el resto de la colección de Shchukin y, finalmente, pasó a formar parte del Museo Pushkin de Moscú.


Census_in_Bethlehem

Prompt: Focus on Census_in_Bethlehem and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Archivo:Pieter Bruegel der Ältere - Volkszählung zu Bethlehem.jpg

Censo en Belén o  El empadronamiento en Belén (en neerlandés, De Volkstelling te Bethlehem) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1566. Mide 115,3 cm de alto y 164,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en los Museos reales de Bellas Artes de Bélgica de Bruselas, Bélgica. El tema del empadronamiento en Belén, derivado del censo decretado por el emperador Augusto, y descrito en el Evangelio según san Lucas, no es muy frecuente en el arte. En este caso le sirve al artista para pintar un paisaje nevado propio del Brabante, en el que las figuras de los protagonistas (la Sagrada Familia, con el asno sobre el que va montada la Virgen y el buey) son de pequeño tamaño y aparecen perdidos en el entorno nevado.


Census_in_Bethlehem

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Census_in_Bethlehem.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Archivo:Pieter Bruegel der Ältere - Volkszählung zu Bethlehem.jpg

Censo en Belén o  El empadronamiento en Belén (en neerlandés, De Volkstelling te Bethlehem) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1566. Mide 115,3 cm de alto y 164,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en los Museos reales de Bellas Artes de Bélgica de Bruselas, Bélgica. El tema del empadronamiento en Belén, derivado del censo decretado por el emperador Augusto, y descrito en el Evangelio según san Lucas, no es muy frecuente en el arte. En este caso le sirve al artista para pintar un paisaje nevado propio del Brabante, en el que las figuras de los protagonistas (la Sagrada Familia, con el asno sobre el que va montada la Virgen y el buey) son de pequeño tamaño y aparecen perdidos en el entorno nevado.


Census_in_Bethlehem

Prompt: How does Census_in_Bethlehem explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Archivo:Pieter Bruegel der Ältere - Volkszählung zu Bethlehem.jpg

Censo en Belén o  El empadronamiento en Belén (en neerlandés, De Volkstelling te Bethlehem) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1566. Mide 115,3 cm de alto y 164,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en los Museos reales de Bellas Artes de Bélgica de Bruselas, Bélgica. El tema del empadronamiento en Belén, derivado del censo decretado por el emperador Augusto, y descrito en el Evangelio según san Lucas, no es muy frecuente en el arte. En este caso le sirve al artista para pintar un paisaje nevado propio del Brabante, en el que las figuras de los protagonistas (la Sagrada Familia, con el asno sobre el que va montada la Virgen y el buey) son de pequeño tamaño y aparecen perdidos en el entorno nevado.


Census_in_Bethlehem

Prompt: In Census_in_Bethlehem, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Archivo:Pieter Bruegel der Ältere - Volkszählung zu Bethlehem.jpg

Censo en Belén o  El empadronamiento en Belén (en neerlandés, De Volkstelling te Bethlehem) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1566. Mide 115,3 cm de alto y 164,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en los Museos reales de Bellas Artes de Bélgica de Bruselas, Bélgica. El tema del empadronamiento en Belén, derivado del censo decretado por el emperador Augusto, y descrito en el Evangelio según san Lucas, no es muy frecuente en el arte. En este caso le sirve al artista para pintar un paisaje nevado propio del Brabante, en el que las figuras de los protagonistas (la Sagrada Familia, con el asno sobre el que va montada la Virgen y el buey) son de pequeño tamaño y aparecen perdidos en el entorno nevado.


Portrait_of_a_goldsmith

Prompt: Focus on Portrait_of_a_goldsmith and explain the abstract.Please output in Spanish.

Exposición de los Primitivos Flamencos de Brujas

Retrato de un orfebre, Retrato de un joyero,  Retrato de hombre con gorro azul, Hombre del chaperón azul, Hombre del turbante azul u Hombre con anillo es una pequeña tabla al óleo del pintor primitivo flamenco Jan van Eyck. En ella se retrata a un hombre no identificado. Los artistas de este periodo no solían titular sus obras, por lo que a lo largo de los años a este obra se le han dado varios títulos genéricos. Durante muchos años la sortija se interpretó como algo relacionado con su profesión, aunque hoy día se cree que puede ser un emblema de esponsales, por lo que se le da al cuadro nombres que hacen referencia al sombrero o a su color.[1]  La pintura, que solo mide 22,5 cm x 16,6 cm con marco, se encargó y completó alrededor de 1430. Contiene un número de elementos típicos de los retratos seculares de Van Eyck, incluyendo un ligero sobredimensionamiento de la cabeza, fondo oscuro y plano, máxima atención a los pequeños detalles y texturas de la cara del hombre, y dispositivos ilusionistas.[2]La pintura fue atribuida a Van Eyck a finales del siglo XIX, algo con lo que no estaban de acuerdo algunos historiadores de arte hasta 1991 cuando una limpieza y un análisis infrarrojo revelaron un dibujo subyacente y métodos de tratamiento del óleo que eran sin lugar a dudas de Van Eyck. Antes de 1948, la tabla estaba en el Museo Nacional Brukenthal de Sibiu, Rumanía y ese año el nuevo régimen comunista la llevó junto con otras al Museo Nacional de Arte de Rumanía en Bucarest y regresó a Sibiu cuando esta ciudad fue Capital Europea de la Cultura en 2007.[3][4]


Portrait_of_a_goldsmith

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait_of_a_goldsmith.Please output in Spanish.

Exposición de los Primitivos Flamencos de Brujas

Retrato de un orfebre, Retrato de un joyero,  Retrato de hombre con gorro azul, Hombre del chaperón azul, Hombre del turbante azul u Hombre con anillo es una pequeña tabla al óleo del pintor primitivo flamenco Jan van Eyck. En ella se retrata a un hombre no identificado. Los artistas de este periodo no solían titular sus obras, por lo que a lo largo de los años a este obra se le han dado varios títulos genéricos. Durante muchos años la sortija se interpretó como algo relacionado con su profesión, aunque hoy día se cree que puede ser un emblema de esponsales, por lo que se le da al cuadro nombres que hacen referencia al sombrero o a su color.[1]  La pintura, que solo mide 22,5 cm x 16,6 cm con marco, se encargó y completó alrededor de 1430. Contiene un número de elementos típicos de los retratos seculares de Van Eyck, incluyendo un ligero sobredimensionamiento de la cabeza, fondo oscuro y plano, máxima atención a los pequeños detalles y texturas de la cara del hombre, y dispositivos ilusionistas.[2]La pintura fue atribuida a Van Eyck a finales del siglo XIX, algo con lo que no estaban de acuerdo algunos historiadores de arte hasta 1991 cuando una limpieza y un análisis infrarrojo revelaron un dibujo subyacente y métodos de tratamiento del óleo que eran sin lugar a dudas de Van Eyck. Antes de 1948, la tabla estaba en el Museo Nacional Brukenthal de Sibiu, Rumanía y ese año el nuevo régimen comunista la llevó junto con otras al Museo Nacional de Arte de Rumanía en Bucarest y regresó a Sibiu cuando esta ciudad fue Capital Europea de la Cultura en 2007.[3][4]