Jupiter, Neptune, and Pluto

Prompt: How does Jupiter, Neptune, and Pluto explain its Bibliography used?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


Jupiter, Neptune, and Pluto

Prompt: In Jupiter, Neptune, and Pluto, how is the Bibliography used discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7


The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man

Prompt: Focus on The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]


The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]


The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man

Prompt: How does The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]


The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man

Prompt: In The_Garden_of_Eden_with_the_fall_of_man, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]


Venus and Love discovered by a satyr

Prompt: Focus on Venus and Love discovered by a satyr and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.


Venus and Love discovered by a satyr

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Venus and Love discovered by a satyr.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.


Venus and Love discovered by a satyr

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Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.


Venus and Love discovered by a satyr

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Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.


Madonna Rucellai

Prompt: Focus on Madonna Rucellai and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.


Madonna Rucellai

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Madonna Rucellai.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.


Madonna Rucellai

Prompt: How does Madonna Rucellai explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.


Madonna Rucellai

Prompt: In Madonna Rucellai, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.


Madonna Rucellai

Prompt: Focus on Madonna Rucellai and explain the History.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]


Madonna Rucellai

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna Rucellai.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]


Madonna Rucellai

Prompt: How does Madonna Rucellai explain its History?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]


Madonna Rucellai

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]


Madonna Rucellai

Prompt: Focus on Madonna Rucellai and explain the Description.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.


Madonna Rucellai

Prompt: Explain the Description of this artwork, Madonna Rucellai.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.


Madonna Rucellai

Prompt: How does Madonna Rucellai explain its Description?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.


Madonna Rucellai

Prompt: In Madonna Rucellai, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.


Madonna_of_Manchester

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:MICHELANGELO - Manchester Madonna.JPG

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».


Madonna_of_Manchester

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:MICHELANGELO - Manchester Madonna.JPG

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».


Madonna_of_Manchester

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».


Madonna_of_Manchester

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista

La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».


White House at night

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soviéticos
Millet
Auvers-sur-Oise
Retrato de Madame Trabuc
San Petersburgo
Vincent Van Gogh
Venus (planeta)
Jean-François Millet
Rusia
Unión Soviética
Venus
nazi
Categoría:Cuadros de Vincent van Gogh
Universidad Estatal de Texas
Categoría:Cuadros de 1890
Wikimedia Commons
Archivo:Whitehousenight.jpg
Vincent van Gogh
Museo del Hermitage
Postimpresionismo
300px
Suiza
Segunda Guerra Mundial

La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]


White House at night

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soviéticos
Millet
Auvers-sur-Oise
Retrato de Madame Trabuc
San Petersburgo
Vincent Van Gogh
Venus (planeta)
Jean-François Millet
Rusia
Unión Soviética
Venus
nazi
Categoría:Cuadros de Vincent van Gogh
Universidad Estatal de Texas
Categoría:Cuadros de 1890
Wikimedia Commons
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Vincent van Gogh
Museo del Hermitage
Postimpresionismo
300px
Suiza
Segunda Guerra Mundial

La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]


White House at night

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soviéticos
Millet
Auvers-sur-Oise
Retrato de Madame Trabuc
San Petersburgo
Vincent Van Gogh
Venus (planeta)
Jean-François Millet
Rusia
Unión Soviética
Venus
nazi
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Universidad Estatal de Texas
Categoría:Cuadros de 1890
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Vincent van Gogh
Museo del Hermitage
Postimpresionismo
300px
Suiza
Segunda Guerra Mundial

La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]


White House at night

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soviéticos
Millet
Auvers-sur-Oise
Retrato de Madame Trabuc
San Petersburgo
Vincent Van Gogh
Venus (planeta)
Jean-François Millet
Rusia
Unión Soviética
Venus
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Categoría:Cuadros de Vincent van Gogh
Universidad Estatal de Texas
Categoría:Cuadros de 1890
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Vincent van Gogh
Museo del Hermitage
Postimpresionismo
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Suiza
Segunda Guerra Mundial

La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]


Portrait of Simonetta Vespucci

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italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.


Portrait of Simonetta Vespucci

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italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.


Portrait of Simonetta Vespucci

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Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.


Portrait of Simonetta Vespucci

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Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.


Portrait of Simonetta Vespucci

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Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.


Portrait of Simonetta Vespucci

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italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.


Portrait of Simonetta Vespucci

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italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.


Portrait of Simonetta Vespucci

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Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
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Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
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Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.


Portrait of Simonetta Vespucci

Prompt: Focus on Portrait of Simonetta Vespucci and explain the Identity.Please output in Spanish.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]


Portrait of Simonetta Vespucci

Prompt: Explain the Identity of this artwork, Portrait of Simonetta Vespucci.Please output in Spanish.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]


Portrait of Simonetta Vespucci

Prompt: How does Portrait of Simonetta Vespucci explain its Identity?Please output in Spanish.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]


Portrait of Simonetta Vespucci

Prompt: In Portrait of Simonetta Vespucci, how is the Identity discussed?Please output in Spanish.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]


A_asparagus

Prompt: Focus on A_asparagus and explain the abstract.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.


A_asparagus

Prompt: Explain the abstract of this artwork, A_asparagus.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.


A_asparagus

Prompt: How does A_asparagus explain its abstract?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.


A_asparagus

Prompt: In A_asparagus, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.


A_asparagus

Prompt: Focus on A_asparagus and explain the Description.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]


A_asparagus

Prompt: Explain the Description of this artwork, A_asparagus.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]


A_asparagus

Prompt: How does A_asparagus explain its Description?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]


A_asparagus

Prompt: In A_asparagus, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]


A_asparagus

Prompt: Focus on A_asparagus and explain the History.Please output in Spanish.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


A_asparagus

Prompt: Explain the History of this artwork, A_asparagus.Please output in Spanish.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


A_asparagus

Prompt: How does A_asparagus explain its History?Please output in Spanish.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


A_asparagus

Prompt: In A_asparagus, how is the History discussed?Please output in Spanish.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


A_asparagus

Prompt: Focus on A_asparagus and explain the Origin.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]


A_asparagus

Prompt: Explain the Origin of this artwork, A_asparagus.Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]


A_asparagus

Prompt: How does A_asparagus explain its Origin?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]


A_asparagus

Prompt: In A_asparagus, how is the Origin discussed?Please output in Spanish.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]


The_Yellow_Christ

Prompt: Focus on The_Yellow_Christ and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

''Autorretrato con Cristo amarillo'', 1889. París, [[Museo de Orsay

Categoría:Crucifixión de Jesús en la pintura

El Cristo amarillo (en francés Le Christ jaune) es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña), o bien acabado más tarde el mismo año en Le Pouldu. Se conoce por la referencia núm. 327 del catálogo de Wildenstein.El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.