Venetian_festival

Prompt: Focus on Venetian_festival and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1710

Fiesta veneciana (en francés, Les Fêtes Vénitiennes) es un cuadro del pintor francés Jean-Antoine Watteau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 56 cm de alto y 46 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Edimburgo (Reino Unido). El título proviene de una copia en grabado debida a Laurent Cars y que se publicó en 1732. Dado que el jardín parece francés, la alusión a la fiesta como "veneciana" se explicaría por el tipo de baile o de vestimenta.Este cuadro pertenece al tema de las fiestas galantes que había sido definido como nuevo género artístico por el propio Watteau. Se representa una fiesta, con diversos personajes entre los cuales ninguno es el centro, sino que todos son partícipes de un mismo ambiente festivo.[1]La bailarina principal que ocupa el centro del cuadro sería la actriz Christine Charlotte Desmares, que era amante del Duque de Orléans, con quien había tenido, en 1702, una hija bastarda: Angélique de Froissy.El bailarín con sombrero negro que se planta frente a ella se ha identificado con Nicolas Vleughels, un pintor flamenco, amigo y casero de Watteau, que llegó a ser director de la Academia de Roma (1725-36). Su vestimenta parece humorística y tal vez se inspira en comediantes italianos, lo que explicaría el título difundido por el grabador Cars.Detrás de esta pareja que baila el minué están sentados toda una serie de partícipes en la fiesta. El propio pintor se autorretrató sentado, como músico que toca una especie de gaita pequeña llamada musette. Desde la Edad Media, la gaita era reconocida como un instrumento de simbolismo sexual; El Bosco la incluye como tal en su famoso tríptico de El jardín de las delicias. Otro caballero hace la corte a una dama y otras dos damas charlan con un comediante. Detrás de esta línea abigarrada de personas, aún hay otra pareja, que pasea junto a una fuente. Watteau acostumbraba a pintar sus personajes basándose en dibujos parciales, que repetía con ligeras variantes en muchas obras.Watteau trata de manera semejante diversas materias, como el tafetán y el agua, las personas y la estatua, el follaje y los rizos, logrando así dar unidad al cuadro.[1]


Venetian_festival

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Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1710

Fiesta veneciana (en francés, Les Fêtes Vénitiennes) es un cuadro del pintor francés Jean-Antoine Watteau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 56 cm de alto y 46 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Edimburgo (Reino Unido). El título proviene de una copia en grabado debida a Laurent Cars y que se publicó en 1732. Dado que el jardín parece francés, la alusión a la fiesta como "veneciana" se explicaría por el tipo de baile o de vestimenta.Este cuadro pertenece al tema de las fiestas galantes que había sido definido como nuevo género artístico por el propio Watteau. Se representa una fiesta, con diversos personajes entre los cuales ninguno es el centro, sino que todos son partícipes de un mismo ambiente festivo.[1]La bailarina principal que ocupa el centro del cuadro sería la actriz Christine Charlotte Desmares, que era amante del Duque de Orléans, con quien había tenido, en 1702, una hija bastarda: Angélique de Froissy.El bailarín con sombrero negro que se planta frente a ella se ha identificado con Nicolas Vleughels, un pintor flamenco, amigo y casero de Watteau, que llegó a ser director de la Academia de Roma (1725-36). Su vestimenta parece humorística y tal vez se inspira en comediantes italianos, lo que explicaría el título difundido por el grabador Cars.Detrás de esta pareja que baila el minué están sentados toda una serie de partícipes en la fiesta. El propio pintor se autorretrató sentado, como músico que toca una especie de gaita pequeña llamada musette. Desde la Edad Media, la gaita era reconocida como un instrumento de simbolismo sexual; El Bosco la incluye como tal en su famoso tríptico de El jardín de las delicias. Otro caballero hace la corte a una dama y otras dos damas charlan con un comediante. Detrás de esta línea abigarrada de personas, aún hay otra pareja, que pasea junto a una fuente. Watteau acostumbraba a pintar sus personajes basándose en dibujos parciales, que repetía con ligeras variantes en muchas obras.Watteau trata de manera semejante diversas materias, como el tafetán y el agua, las personas y la estatua, el follaje y los rizos, logrando así dar unidad al cuadro.[1]


Venetian_festival

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Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1710

Fiesta veneciana (en francés, Les Fêtes Vénitiennes) es un cuadro del pintor francés Jean-Antoine Watteau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 56 cm de alto y 46 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Edimburgo (Reino Unido). El título proviene de una copia en grabado debida a Laurent Cars y que se publicó en 1732. Dado que el jardín parece francés, la alusión a la fiesta como "veneciana" se explicaría por el tipo de baile o de vestimenta.Este cuadro pertenece al tema de las fiestas galantes que había sido definido como nuevo género artístico por el propio Watteau. Se representa una fiesta, con diversos personajes entre los cuales ninguno es el centro, sino que todos son partícipes de un mismo ambiente festivo.[1]La bailarina principal que ocupa el centro del cuadro sería la actriz Christine Charlotte Desmares, que era amante del Duque de Orléans, con quien había tenido, en 1702, una hija bastarda: Angélique de Froissy.El bailarín con sombrero negro que se planta frente a ella se ha identificado con Nicolas Vleughels, un pintor flamenco, amigo y casero de Watteau, que llegó a ser director de la Academia de Roma (1725-36). Su vestimenta parece humorística y tal vez se inspira en comediantes italianos, lo que explicaría el título difundido por el grabador Cars.Detrás de esta pareja que baila el minué están sentados toda una serie de partícipes en la fiesta. El propio pintor se autorretrató sentado, como músico que toca una especie de gaita pequeña llamada musette. Desde la Edad Media, la gaita era reconocida como un instrumento de simbolismo sexual; El Bosco la incluye como tal en su famoso tríptico de El jardín de las delicias. Otro caballero hace la corte a una dama y otras dos damas charlan con un comediante. Detrás de esta línea abigarrada de personas, aún hay otra pareja, que pasea junto a una fuente. Watteau acostumbraba a pintar sus personajes basándose en dibujos parciales, que repetía con ligeras variantes en muchas obras.Watteau trata de manera semejante diversas materias, como el tafetán y el agua, las personas y la estatua, el follaje y los rizos, logrando así dar unidad al cuadro.[1]


Venetian_festival

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Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1710

Fiesta veneciana (en francés, Les Fêtes Vénitiennes) es un cuadro del pintor francés Jean-Antoine Watteau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 56 cm de alto y 46 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Edimburgo (Reino Unido). El título proviene de una copia en grabado debida a Laurent Cars y que se publicó en 1732. Dado que el jardín parece francés, la alusión a la fiesta como "veneciana" se explicaría por el tipo de baile o de vestimenta.Este cuadro pertenece al tema de las fiestas galantes que había sido definido como nuevo género artístico por el propio Watteau. Se representa una fiesta, con diversos personajes entre los cuales ninguno es el centro, sino que todos son partícipes de un mismo ambiente festivo.[1]La bailarina principal que ocupa el centro del cuadro sería la actriz Christine Charlotte Desmares, que era amante del Duque de Orléans, con quien había tenido, en 1702, una hija bastarda: Angélique de Froissy.El bailarín con sombrero negro que se planta frente a ella se ha identificado con Nicolas Vleughels, un pintor flamenco, amigo y casero de Watteau, que llegó a ser director de la Academia de Roma (1725-36). Su vestimenta parece humorística y tal vez se inspira en comediantes italianos, lo que explicaría el título difundido por el grabador Cars.Detrás de esta pareja que baila el minué están sentados toda una serie de partícipes en la fiesta. El propio pintor se autorretrató sentado, como músico que toca una especie de gaita pequeña llamada musette. Desde la Edad Media, la gaita era reconocida como un instrumento de simbolismo sexual; El Bosco la incluye como tal en su famoso tríptico de El jardín de las delicias. Otro caballero hace la corte a una dama y otras dos damas charlan con un comediante. Detrás de esta línea abigarrada de personas, aún hay otra pareja, que pasea junto a una fuente. Watteau acostumbraba a pintar sus personajes basándose en dibujos parciales, que repetía con ligeras variantes en muchas obras.Watteau trata de manera semejante diversas materias, como el tafetán y el agua, las personas y la estatua, el follaje y los rizos, logrando así dar unidad al cuadro.[1]


Woman sitting playing the spinet

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Johannes Vermeer - Zittende Klavecimbelspeelster (1673-1675).jpg

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Mujer sentada tocando la espineta (en neerlandés, Zittende Virginaalspeelster) es una famosa obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1675. Mide 51,5 cm de alto y 45,5 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.La obra está firmada IVMeer. Se trata de una de sus obras finales.La protagonista del cuadro es una joven mujer deliciosamente vestida, que toca una espineta decorada (a veces se habla de un clavicordio o de un virginal), sentada en el interior de una estancia: en línea con la elegancia de los vestidos de la joven, también lo que la rodea es ornamentado y rico, aunque la vista se limita a una sola esquina de la estancia.En primer plano se ha puesto una viola da gamba; sobre la pared del fondo, un cuadro, La alcahueta de Dirck van Baburen, que pertenecía a la suegra de Vermeer y aparece en otras obras del pintor.El tema es parecido al de Dama parada cerca del clavicordio o espineta (1670-1673), con la mujer que se vuelve sonriendo al espectador, y manteniendo las manos posadas sobre el teclado del instrumento musical.Como en otras obras tardías de Vermeer, se ha perdido la frescura, convirtiendo el sistema de distribución de los objetos en el espacio en un estereotipo. Aparece, además, un fondo con sombras de negro profundo. En este cuadro ya no es la luz la protagonista, cuando en sus obras anteriores el argumento del cuadro era, en realidad, «la penetración de la superficie de los objetos por la luz».[1]


Woman sitting playing the spinet

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Johannes Vermeer - Zittende Klavecimbelspeelster (1673-1675).jpg

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Mujer sentada tocando la espineta (en neerlandés, Zittende Virginaalspeelster) es una famosa obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1675. Mide 51,5 cm de alto y 45,5 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.La obra está firmada IVMeer. Se trata de una de sus obras finales.La protagonista del cuadro es una joven mujer deliciosamente vestida, que toca una espineta decorada (a veces se habla de un clavicordio o de un virginal), sentada en el interior de una estancia: en línea con la elegancia de los vestidos de la joven, también lo que la rodea es ornamentado y rico, aunque la vista se limita a una sola esquina de la estancia.En primer plano se ha puesto una viola da gamba; sobre la pared del fondo, un cuadro, La alcahueta de Dirck van Baburen, que pertenecía a la suegra de Vermeer y aparece en otras obras del pintor.El tema es parecido al de Dama parada cerca del clavicordio o espineta (1670-1673), con la mujer que se vuelve sonriendo al espectador, y manteniendo las manos posadas sobre el teclado del instrumento musical.Como en otras obras tardías de Vermeer, se ha perdido la frescura, convirtiendo el sistema de distribución de los objetos en el espacio en un estereotipo. Aparece, además, un fondo con sombras de negro profundo. En este cuadro ya no es la luz la protagonista, cuando en sus obras anteriores el argumento del cuadro era, en realidad, «la penetración de la superficie de los objetos por la luz».[1]


Woman sitting playing the spinet

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Johannes Vermeer - Zittende Klavecimbelspeelster (1673-1675).jpg

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Mujer sentada tocando la espineta (en neerlandés, Zittende Virginaalspeelster) es una famosa obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1675. Mide 51,5 cm de alto y 45,5 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.La obra está firmada IVMeer. Se trata de una de sus obras finales.La protagonista del cuadro es una joven mujer deliciosamente vestida, que toca una espineta decorada (a veces se habla de un clavicordio o de un virginal), sentada en el interior de una estancia: en línea con la elegancia de los vestidos de la joven, también lo que la rodea es ornamentado y rico, aunque la vista se limita a una sola esquina de la estancia.En primer plano se ha puesto una viola da gamba; sobre la pared del fondo, un cuadro, La alcahueta de Dirck van Baburen, que pertenecía a la suegra de Vermeer y aparece en otras obras del pintor.El tema es parecido al de Dama parada cerca del clavicordio o espineta (1670-1673), con la mujer que se vuelve sonriendo al espectador, y manteniendo las manos posadas sobre el teclado del instrumento musical.Como en otras obras tardías de Vermeer, se ha perdido la frescura, convirtiendo el sistema de distribución de los objetos en el espacio en un estereotipo. Aparece, además, un fondo con sombras de negro profundo. En este cuadro ya no es la luz la protagonista, cuando en sus obras anteriores el argumento del cuadro era, en realidad, «la penetración de la superficie de los objetos por la luz».[1]


Woman sitting playing the spinet

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Johannes Vermeer - Zittende Klavecimbelspeelster (1673-1675).jpg

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Mujer sentada tocando la espineta (en neerlandés, Zittende Virginaalspeelster) es una famosa obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1675. Mide 51,5 cm de alto y 45,5 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.La obra está firmada IVMeer. Se trata de una de sus obras finales.La protagonista del cuadro es una joven mujer deliciosamente vestida, que toca una espineta decorada (a veces se habla de un clavicordio o de un virginal), sentada en el interior de una estancia: en línea con la elegancia de los vestidos de la joven, también lo que la rodea es ornamentado y rico, aunque la vista se limita a una sola esquina de la estancia.En primer plano se ha puesto una viola da gamba; sobre la pared del fondo, un cuadro, La alcahueta de Dirck van Baburen, que pertenecía a la suegra de Vermeer y aparece en otras obras del pintor.El tema es parecido al de Dama parada cerca del clavicordio o espineta (1670-1673), con la mujer que se vuelve sonriendo al espectador, y manteniendo las manos posadas sobre el teclado del instrumento musical.Como en otras obras tardías de Vermeer, se ha perdido la frescura, convirtiendo el sistema de distribución de los objetos en el espacio en un estereotipo. Aparece, además, un fondo con sombras de negro profundo. En este cuadro ya no es la luz la protagonista, cuando en sus obras anteriores el argumento del cuadro era, en realidad, «la penetración de la superficie de los objetos por la luz».[1]


The_man_with_the_glove

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retrato
óleo
italiano
género
Tema artístico
moda
Leonardo (nombre)
Categoría:Pinturas del Museo del Louvre
venecia
composición
Categoría:Cuadros de Tiziano
Francia
Categoría:Cuadros manieristas
Categoría:Retratos
Hombres del guante
lienzo
Giorgione
rojo
París
mármol
Categoría:Retratos de Tiziano
Museo del Louvre
Categoría:Cuadros de los años 1520
perla
Internet Archive
Italia
guante
Leonardo
pintor
marrón
Nobleza
zafiro
Óleo
centímetro
aristócrata
Archivo:Tizian 079.jpg
Pintura al óleo
300px
Tiziano
castaños
Retrato pictórico
Pintura artística
Composición (artes visuales)

Retrato de hombre llamado El hombre del guante o Joven con guante es un cuadro ejecutado por el pintor italiano Tiziano en su juventud (hacia 1520-1523). Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 100 centímetros de alto y 89 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de L'Homme au gant.Se trata de un retrato, género en el que Ticiano consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicológica venía dada por la atención que prestaba a la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo del retrato psicológico.En este caso es un joven aristócrata, representado con gran sencillez. No se ha podido identificar al modelo. La elegante apariencia, particularmen el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristócrata en torno a los veinte años de edad, seguidor de la moda veneciana de la época.El retratado está sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mármol. El rostro está dispuesto en tres cuartos, vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro, mientras que los puños irradian las manos, procedimiento característico de Ticiano. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta, como el fondo, es oscuro, de manera que se concentra toda la atención en el rostro.Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas azules.El pintor concentra su interés en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, misma dirección en la que señala el dedo de su mano desnuda. Una mano está enguantada y sostiene el guante de la otra, que queda así desnuda. Los guantes castaños están representados de manera minuciosa. El peso de la composición cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura.Tiziano consigue transmitir la personalidad del modelo mediante la cuidadosa observación y reproducción del rostro y las manos del personaje, más que a través de atributos y detalles decorativos.


The_man_with_the_glove

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retrato
óleo
italiano
género
Tema artístico
moda
Leonardo (nombre)
Categoría:Pinturas del Museo del Louvre
venecia
composición
Categoría:Cuadros de Tiziano
Francia
Categoría:Cuadros manieristas
Categoría:Retratos
Hombres del guante
lienzo
Giorgione
rojo
París
mármol
Categoría:Retratos de Tiziano
Museo del Louvre
Categoría:Cuadros de los años 1520
perla
Internet Archive
Italia
guante
Leonardo
pintor
marrón
Nobleza
zafiro
Óleo
centímetro
aristócrata
Archivo:Tizian 079.jpg
Pintura al óleo
300px
Tiziano
castaños
Retrato pictórico
Pintura artística
Composición (artes visuales)

Retrato de hombre llamado El hombre del guante o Joven con guante es un cuadro ejecutado por el pintor italiano Tiziano en su juventud (hacia 1520-1523). Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 100 centímetros de alto y 89 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de L'Homme au gant.Se trata de un retrato, género en el que Ticiano consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicológica venía dada por la atención que prestaba a la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo del retrato psicológico.En este caso es un joven aristócrata, representado con gran sencillez. No se ha podido identificar al modelo. La elegante apariencia, particularmen el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristócrata en torno a los veinte años de edad, seguidor de la moda veneciana de la época.El retratado está sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mármol. El rostro está dispuesto en tres cuartos, vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro, mientras que los puños irradian las manos, procedimiento característico de Ticiano. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta, como el fondo, es oscuro, de manera que se concentra toda la atención en el rostro.Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas azules.El pintor concentra su interés en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, misma dirección en la que señala el dedo de su mano desnuda. Una mano está enguantada y sostiene el guante de la otra, que queda así desnuda. Los guantes castaños están representados de manera minuciosa. El peso de la composición cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura.Tiziano consigue transmitir la personalidad del modelo mediante la cuidadosa observación y reproducción del rostro y las manos del personaje, más que a través de atributos y detalles decorativos.


The_man_with_the_glove

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retrato
óleo
italiano
género
Tema artístico
moda
Leonardo (nombre)
Categoría:Pinturas del Museo del Louvre
venecia
composición
Categoría:Cuadros de Tiziano
Francia
Categoría:Cuadros manieristas
Categoría:Retratos
Hombres del guante
lienzo
Giorgione
rojo
París
mármol
Categoría:Retratos de Tiziano
Museo del Louvre
Categoría:Cuadros de los años 1520
perla
Internet Archive
Italia
guante
Leonardo
pintor
marrón
Nobleza
zafiro
Óleo
centímetro
aristócrata
Archivo:Tizian 079.jpg
Pintura al óleo
300px
Tiziano
castaños
Retrato pictórico
Pintura artística
Composición (artes visuales)

Retrato de hombre llamado El hombre del guante o Joven con guante es un cuadro ejecutado por el pintor italiano Tiziano en su juventud (hacia 1520-1523). Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 100 centímetros de alto y 89 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de L'Homme au gant.Se trata de un retrato, género en el que Ticiano consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicológica venía dada por la atención que prestaba a la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo del retrato psicológico.En este caso es un joven aristócrata, representado con gran sencillez. No se ha podido identificar al modelo. La elegante apariencia, particularmen el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristócrata en torno a los veinte años de edad, seguidor de la moda veneciana de la época.El retratado está sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mármol. El rostro está dispuesto en tres cuartos, vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro, mientras que los puños irradian las manos, procedimiento característico de Ticiano. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta, como el fondo, es oscuro, de manera que se concentra toda la atención en el rostro.Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas azules.El pintor concentra su interés en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, misma dirección en la que señala el dedo de su mano desnuda. Una mano está enguantada y sostiene el guante de la otra, que queda así desnuda. Los guantes castaños están representados de manera minuciosa. El peso de la composición cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura.Tiziano consigue transmitir la personalidad del modelo mediante la cuidadosa observación y reproducción del rostro y las manos del personaje, más que a través de atributos y detalles decorativos.


The_man_with_the_glove

Prompt: In The_man_with_the_glove, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

retrato
óleo
italiano
género
Tema artístico
moda
Leonardo (nombre)
Categoría:Pinturas del Museo del Louvre
venecia
composición
Categoría:Cuadros de Tiziano
Francia
Categoría:Cuadros manieristas
Categoría:Retratos
Hombres del guante
lienzo
Giorgione
rojo
París
mármol
Categoría:Retratos de Tiziano
Museo del Louvre
Categoría:Cuadros de los años 1520
perla
Internet Archive
Italia
guante
Leonardo
pintor
marrón
Nobleza
zafiro
Óleo
centímetro
aristócrata
Archivo:Tizian 079.jpg
Pintura al óleo
300px
Tiziano
castaños
Retrato pictórico
Pintura artística
Composición (artes visuales)

Retrato de hombre llamado El hombre del guante o Joven con guante es un cuadro ejecutado por el pintor italiano Tiziano en su juventud (hacia 1520-1523). Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 100 centímetros de alto y 89 cm de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de L'Homme au gant.Se trata de un retrato, género en el que Ticiano consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicológica venía dada por la atención que prestaba a la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo del retrato psicológico.En este caso es un joven aristócrata, representado con gran sencillez. No se ha podido identificar al modelo. La elegante apariencia, particularmen el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristócrata en torno a los veinte años de edad, seguidor de la moda veneciana de la época.El retratado está sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mármol. El rostro está dispuesto en tres cuartos, vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro, mientras que los puños irradian las manos, procedimiento característico de Ticiano. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta, como el fondo, es oscuro, de manera que se concentra toda la atención en el rostro.Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas azules.El pintor concentra su interés en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, misma dirección en la que señala el dedo de su mano desnuda. Una mano está enguantada y sostiene el guante de la otra, que queda así desnuda. Los guantes castaños están representados de manera minuciosa. El peso de la composición cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura.Tiziano consigue transmitir la personalidad del modelo mediante la cuidadosa observación y reproducción del rostro y las manos del personaje, más que a través de atributos y detalles decorativos.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: Focus on Saint Jerome in His Study (Dürer) and explain the abstract.Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo en su gabinete (en alemán, Der heilige Hieronymus im Gehäus) es un grabado del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Fue realizado en 1514 y forma, junto con El caballero, la Muerte y el Diablo y Melancolía I, el trío de obras a buril que se considera la cúspide de Durero como burilista y que es apodado en alemán Meisterstiche (Estampas Maestras). Desde 1510 Durero se dedicó más a producir grabados que a pintar, en parte debido a razones comerciales: aunque las pinturas se pagaban más caras que los grabados, estos se estampaban en múltiples ejemplares que permitían una distribución rápida y proporcionaban ingresos regulares. En el bienio 1513-1514 Durero grabó estas tres obras maestras, en las que la perfección técnica y plástica se convierte en vehículo de un pensamiento que se traduce en alegorías; y San Jerónimo en su gabinete se considera el culmen de las tres. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de símbolos iconográficos. Tradicionalmente este grabado se ha titulado San Jerónimo en su celda, pero el término celda es inexacto. La palabra alemana que aparece en el título original, "Gehäus" es una palabra en desuso refiriéndose a casa, habitación o estudio. En español podría traducirse, más que como celda monacal, como estudio o gabinete, que son los términos usados habitualmente para los cuadros que representan a santos estudiosos como san Jerónimo o san Agustín.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Saint Jerome in His Study (Dürer).Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo en su gabinete (en alemán, Der heilige Hieronymus im Gehäus) es un grabado del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Fue realizado en 1514 y forma, junto con El caballero, la Muerte y el Diablo y Melancolía I, el trío de obras a buril que se considera la cúspide de Durero como burilista y que es apodado en alemán Meisterstiche (Estampas Maestras). Desde 1510 Durero se dedicó más a producir grabados que a pintar, en parte debido a razones comerciales: aunque las pinturas se pagaban más caras que los grabados, estos se estampaban en múltiples ejemplares que permitían una distribución rápida y proporcionaban ingresos regulares. En el bienio 1513-1514 Durero grabó estas tres obras maestras, en las que la perfección técnica y plástica se convierte en vehículo de un pensamiento que se traduce en alegorías; y San Jerónimo en su gabinete se considera el culmen de las tres. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de símbolos iconográficos. Tradicionalmente este grabado se ha titulado San Jerónimo en su celda, pero el término celda es inexacto. La palabra alemana que aparece en el título original, "Gehäus" es una palabra en desuso refiriéndose a casa, habitación o estudio. En español podría traducirse, más que como celda monacal, como estudio o gabinete, que son los términos usados habitualmente para los cuadros que representan a santos estudiosos como san Jerónimo o san Agustín.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

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San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo en su gabinete (en alemán, Der heilige Hieronymus im Gehäus) es un grabado del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Fue realizado en 1514 y forma, junto con El caballero, la Muerte y el Diablo y Melancolía I, el trío de obras a buril que se considera la cúspide de Durero como burilista y que es apodado en alemán Meisterstiche (Estampas Maestras). Desde 1510 Durero se dedicó más a producir grabados que a pintar, en parte debido a razones comerciales: aunque las pinturas se pagaban más caras que los grabados, estos se estampaban en múltiples ejemplares que permitían una distribución rápida y proporcionaban ingresos regulares. En el bienio 1513-1514 Durero grabó estas tres obras maestras, en las que la perfección técnica y plástica se convierte en vehículo de un pensamiento que se traduce en alegorías; y San Jerónimo en su gabinete se considera el culmen de las tres. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de símbolos iconográficos. Tradicionalmente este grabado se ha titulado San Jerónimo en su celda, pero el término celda es inexacto. La palabra alemana que aparece en el título original, "Gehäus" es una palabra en desuso refiriéndose a casa, habitación o estudio. En español podría traducirse, más que como celda monacal, como estudio o gabinete, que son los términos usados habitualmente para los cuadros que representan a santos estudiosos como san Jerónimo o san Agustín.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: In Saint Jerome in His Study (Dürer), how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo en su gabinete (en alemán, Der heilige Hieronymus im Gehäus) es un grabado del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Fue realizado en 1514 y forma, junto con El caballero, la Muerte y el Diablo y Melancolía I, el trío de obras a buril que se considera la cúspide de Durero como burilista y que es apodado en alemán Meisterstiche (Estampas Maestras). Desde 1510 Durero se dedicó más a producir grabados que a pintar, en parte debido a razones comerciales: aunque las pinturas se pagaban más caras que los grabados, estos se estampaban en múltiples ejemplares que permitían una distribución rápida y proporcionaban ingresos regulares. En el bienio 1513-1514 Durero grabó estas tres obras maestras, en las que la perfección técnica y plástica se convierte en vehículo de un pensamiento que se traduce en alegorías; y San Jerónimo en su gabinete se considera el culmen de las tres. Como otros grabados del artista, esta imagen se caracteriza por una multiplicidad de símbolos iconográficos. Tradicionalmente este grabado se ha titulado San Jerónimo en su celda, pero el término celda es inexacto. La palabra alemana que aparece en el título original, "Gehäus" es una palabra en desuso refiriéndose a casa, habitación o estudio. En español podría traducirse, más que como celda monacal, como estudio o gabinete, que son los términos usados habitualmente para los cuadros que representan a santos estudiosos como san Jerónimo o san Agustín.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: Focus on Saint Jerome in His Study (Dürer) and explain the Content and symbolism.Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo se sienta en la obra detrás de un escritorio. Esta clase de mesa es típica del Renacimiento.Al pintar, se guiaba principalmente por la virtud teologal.En una esquina de la mesa hay una cruz. Si se traza una línea imaginaria desde la cabeza de Jerónimo hasta la cruz, la mirada del espectador se dirige hasta una calavera cerca de la ventana, dos objetos asociados entre sí y que se relacionan con estos dos temas: la resurrección y la muerte. Para el espectador queda abierta la cuestión de si finalmente ganará la muerte o la vida.Al fondo de la estancia, en la pared, se ve colgado un capelo de cardenal; Jerónimo no llegó a ser investido como tal, pero la iconografía le atribuye el cardenalato porque ejerció de secretario papal. Del techo de madera de la estancia cuelga una gran calabaza, alusiva a un escena bíblica de la vida de Jonás que san Jerónimo había traducido del griego al latín de manera inexacta, según algunos de sus críticos: Jerónimo afirmaba que Jonás había descansado a la sombra de una planta de calabaza, pero otros lectores del texto griego entendían que la planta era un ricino. En un primer término de la escena aparece un león, componente tradicional de la iconografía de Jerónimo, y un perro dormitando, animal que se encuentra frecuentemente en las obras de Durero y que simboliza la lealtad.Son notables la increíble fidelidad al detalle y la refinada elaboración, además de la logradísima perspectiva y la irreprochable ordenación de las formas; el artista y biógrafo Giorgio Vasari elogió esta imagen como la cúspide insuperable del arte del grabado. La escena está llena de pequeños detalles que atrapan la mirada del espectador y que son típicos del Renacimiento nórdico y de Durero, como las ventanas de vidrios emplomados, o las texturas de los diversos materiales, como la madera, los textiles...


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: Explain the Content and symbolism of this artwork, Saint Jerome in His Study (Dürer).Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo se sienta en la obra detrás de un escritorio. Esta clase de mesa es típica del Renacimiento.Al pintar, se guiaba principalmente por la virtud teologal.En una esquina de la mesa hay una cruz. Si se traza una línea imaginaria desde la cabeza de Jerónimo hasta la cruz, la mirada del espectador se dirige hasta una calavera cerca de la ventana, dos objetos asociados entre sí y que se relacionan con estos dos temas: la resurrección y la muerte. Para el espectador queda abierta la cuestión de si finalmente ganará la muerte o la vida.Al fondo de la estancia, en la pared, se ve colgado un capelo de cardenal; Jerónimo no llegó a ser investido como tal, pero la iconografía le atribuye el cardenalato porque ejerció de secretario papal. Del techo de madera de la estancia cuelga una gran calabaza, alusiva a un escena bíblica de la vida de Jonás que san Jerónimo había traducido del griego al latín de manera inexacta, según algunos de sus críticos: Jerónimo afirmaba que Jonás había descansado a la sombra de una planta de calabaza, pero otros lectores del texto griego entendían que la planta era un ricino. En un primer término de la escena aparece un león, componente tradicional de la iconografía de Jerónimo, y un perro dormitando, animal que se encuentra frecuentemente en las obras de Durero y que simboliza la lealtad.Son notables la increíble fidelidad al detalle y la refinada elaboración, además de la logradísima perspectiva y la irreprochable ordenación de las formas; el artista y biógrafo Giorgio Vasari elogió esta imagen como la cúspide insuperable del arte del grabado. La escena está llena de pequeños detalles que atrapan la mirada del espectador y que son típicos del Renacimiento nórdico y de Durero, como las ventanas de vidrios emplomados, o las texturas de los diversos materiales, como la madera, los textiles...


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: How does Saint Jerome in His Study (Dürer) explain its Content and symbolism?Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo se sienta en la obra detrás de un escritorio. Esta clase de mesa es típica del Renacimiento.Al pintar, se guiaba principalmente por la virtud teologal.En una esquina de la mesa hay una cruz. Si se traza una línea imaginaria desde la cabeza de Jerónimo hasta la cruz, la mirada del espectador se dirige hasta una calavera cerca de la ventana, dos objetos asociados entre sí y que se relacionan con estos dos temas: la resurrección y la muerte. Para el espectador queda abierta la cuestión de si finalmente ganará la muerte o la vida.Al fondo de la estancia, en la pared, se ve colgado un capelo de cardenal; Jerónimo no llegó a ser investido como tal, pero la iconografía le atribuye el cardenalato porque ejerció de secretario papal. Del techo de madera de la estancia cuelga una gran calabaza, alusiva a un escena bíblica de la vida de Jonás que san Jerónimo había traducido del griego al latín de manera inexacta, según algunos de sus críticos: Jerónimo afirmaba que Jonás había descansado a la sombra de una planta de calabaza, pero otros lectores del texto griego entendían que la planta era un ricino. En un primer término de la escena aparece un león, componente tradicional de la iconografía de Jerónimo, y un perro dormitando, animal que se encuentra frecuentemente en las obras de Durero y que simboliza la lealtad.Son notables la increíble fidelidad al detalle y la refinada elaboración, además de la logradísima perspectiva y la irreprochable ordenación de las formas; el artista y biógrafo Giorgio Vasari elogió esta imagen como la cúspide insuperable del arte del grabado. La escena está llena de pequeños detalles que atrapan la mirada del espectador y que son típicos del Renacimiento nórdico y de Durero, como las ventanas de vidrios emplomados, o las texturas de los diversos materiales, como la madera, los textiles...


Saint Jerome in His Study (Dürer)

Prompt: In Saint Jerome in His Study (Dürer), how is the Content and symbolism discussed?Please output in Spanish.

San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

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Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

San Jerónimo se sienta en la obra detrás de un escritorio. Esta clase de mesa es típica del Renacimiento.Al pintar, se guiaba principalmente por la virtud teologal.En una esquina de la mesa hay una cruz. Si se traza una línea imaginaria desde la cabeza de Jerónimo hasta la cruz, la mirada del espectador se dirige hasta una calavera cerca de la ventana, dos objetos asociados entre sí y que se relacionan con estos dos temas: la resurrección y la muerte. Para el espectador queda abierta la cuestión de si finalmente ganará la muerte o la vida.Al fondo de la estancia, en la pared, se ve colgado un capelo de cardenal; Jerónimo no llegó a ser investido como tal, pero la iconografía le atribuye el cardenalato porque ejerció de secretario papal. Del techo de madera de la estancia cuelga una gran calabaza, alusiva a un escena bíblica de la vida de Jonás que san Jerónimo había traducido del griego al latín de manera inexacta, según algunos de sus críticos: Jerónimo afirmaba que Jonás había descansado a la sombra de una planta de calabaza, pero otros lectores del texto griego entendían que la planta era un ricino. En un primer término de la escena aparece un león, componente tradicional de la iconografía de Jerónimo, y un perro dormitando, animal que se encuentra frecuentemente en las obras de Durero y que simboliza la lealtad.Son notables la increíble fidelidad al detalle y la refinada elaboración, además de la logradísima perspectiva y la irreprochable ordenación de las formas; el artista y biógrafo Giorgio Vasari elogió esta imagen como la cúspide insuperable del arte del grabado. La escena está llena de pequeños detalles que atrapan la mirada del espectador y que son típicos del Renacimiento nórdico y de Durero, como las ventanas de vidrios emplomados, o las texturas de los diversos materiales, como la madera, los textiles...


Saint Jerome in His Study (Dürer)

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Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Se ha considerado que formaba parte de un grupo consciente de Meisterstiche (grabados maestros), junto con el Caballero, la Muerte y el Diablo (1513) y la  Melancolía I (1514). Sería así un tríptico de grabados que comprendería las alegorías de las tres clases de virtudes y tres esferas de actividad según una clasificación aún medieval. El Caballero, la Muerte y el Diablo representaría la esfera moral y la "vita activa". Melancolía I representaría la esfera intelectual, y constituye una conexión entre el mundo racional de las ciencias y el imaginativo de las artes. En esta hipótesis, San Jerónimo en su gabinete simboliza la teología y la "vita contemplativa" del monje que alcanza la sabiduría mediante el estudio y la meditación.Acerca de la firma de Durero en este grabado ha surgido una teoría según la cual esta obra sería un homenaje de Durero a Leonardo da Vinci. 1514 + 1 (valor numérico de A) + 4 (valor numérico de D) señala 1519, año de la muerte de Leonardo da Vinci. Más aún, Jerónimo se parece a un autorretrato de da Vinci.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

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San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Se ha considerado que formaba parte de un grupo consciente de Meisterstiche (grabados maestros), junto con el Caballero, la Muerte y el Diablo (1513) y la  Melancolía I (1514). Sería así un tríptico de grabados que comprendería las alegorías de las tres clases de virtudes y tres esferas de actividad según una clasificación aún medieval. El Caballero, la Muerte y el Diablo representaría la esfera moral y la "vita activa". Melancolía I representaría la esfera intelectual, y constituye una conexión entre el mundo racional de las ciencias y el imaginativo de las artes. En esta hipótesis, San Jerónimo en su gabinete simboliza la teología y la "vita contemplativa" del monje que alcanza la sabiduría mediante el estudio y la meditación.Acerca de la firma de Durero en este grabado ha surgido una teoría según la cual esta obra sería un homenaje de Durero a Leonardo da Vinci. 1514 + 1 (valor numérico de A) + 4 (valor numérico de D) señala 1519, año de la muerte de Leonardo da Vinci. Más aún, Jerónimo se parece a un autorretrato de da Vinci.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

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San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Se ha considerado que formaba parte de un grupo consciente de Meisterstiche (grabados maestros), junto con el Caballero, la Muerte y el Diablo (1513) y la  Melancolía I (1514). Sería así un tríptico de grabados que comprendería las alegorías de las tres clases de virtudes y tres esferas de actividad según una clasificación aún medieval. El Caballero, la Muerte y el Diablo representaría la esfera moral y la "vita activa". Melancolía I representaría la esfera intelectual, y constituye una conexión entre el mundo racional de las ciencias y el imaginativo de las artes. En esta hipótesis, San Jerónimo en su gabinete simboliza la teología y la "vita contemplativa" del monje que alcanza la sabiduría mediante el estudio y la meditación.Acerca de la firma de Durero en este grabado ha surgido una teoría según la cual esta obra sería un homenaje de Durero a Leonardo da Vinci. 1514 + 1 (valor numérico de A) + 4 (valor numérico de D) señala 1519, año de la muerte de Leonardo da Vinci. Más aún, Jerónimo se parece a un autorretrato de da Vinci.


Saint Jerome in His Study (Dürer)

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San Jerónimo en su gabinete (ejemplar conservado en Berlín).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Se ha considerado que formaba parte de un grupo consciente de Meisterstiche (grabados maestros), junto con el Caballero, la Muerte y el Diablo (1513) y la  Melancolía I (1514). Sería así un tríptico de grabados que comprendería las alegorías de las tres clases de virtudes y tres esferas de actividad según una clasificación aún medieval. El Caballero, la Muerte y el Diablo representaría la esfera moral y la "vita activa". Melancolía I representaría la esfera intelectual, y constituye una conexión entre el mundo racional de las ciencias y el imaginativo de las artes. En esta hipótesis, San Jerónimo en su gabinete simboliza la teología y la "vita contemplativa" del monje que alcanza la sabiduría mediante el estudio y la meditación.Acerca de la firma de Durero en este grabado ha surgido una teoría según la cual esta obra sería un homenaje de Durero a Leonardo da Vinci. 1514 + 1 (valor numérico de A) + 4 (valor numérico de D) señala 1519, año de la muerte de Leonardo da Vinci. Más aún, Jerónimo se parece a un autorretrato de da Vinci.


The sleeping gypsy

Prompt: Focus on The sleeping gypsy and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

La gitana dormida (título original: La bohémienne endormie) es un óleo sobre lienzo pintado en 1897 por el artista naíf francés Henri Rousseau. El propio artista lo describe como sigue:Una negra errante, una bandolinista, yace, en un sueño profundo, vencida por el cansancio, con su jarrón al lado. Un león que pasa por allí, capta su olor pero no la devora. Hay un efecto de la luz de luna, muy poético.[1]


The sleeping gypsy

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The sleeping gypsy.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

La gitana dormida (título original: La bohémienne endormie) es un óleo sobre lienzo pintado en 1897 por el artista naíf francés Henri Rousseau. El propio artista lo describe como sigue:Una negra errante, una bandolinista, yace, en un sueño profundo, vencida por el cansancio, con su jarrón al lado. Un león que pasa por allí, capta su olor pero no la devora. Hay un efecto de la luz de luna, muy poético.[1]


The sleeping gypsy

Prompt: How does The sleeping gypsy explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

La gitana dormida (título original: La bohémienne endormie) es un óleo sobre lienzo pintado en 1897 por el artista naíf francés Henri Rousseau. El propio artista lo describe como sigue:Una negra errante, una bandolinista, yace, en un sueño profundo, vencida por el cansancio, con su jarrón al lado. Un león que pasa por allí, capta su olor pero no la devora. Hay un efecto de la luz de luna, muy poético.[1]


The sleeping gypsy

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

La gitana dormida (título original: La bohémienne endormie) es un óleo sobre lienzo pintado en 1897 por el artista naíf francés Henri Rousseau. El propio artista lo describe como sigue:Una negra errante, una bandolinista, yace, en un sueño profundo, vencida por el cansancio, con su jarrón al lado. Un león que pasa por allí, capta su olor pero no la devora. Hay un efecto de la luz de luna, muy poético.[1]


The sleeping gypsy

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El cuadro fue pintado en 1897.[2] Rousseau exhibió el cuadro por primera vez en el XIII Salon des Indépendants e intentó sin éxito venderlo al alcalde de su ciudad natal, Laval. En lugar de eso, pasó a formar parte de la colección privada de un comerciante de carbón de París, donde permaneció hasta 1924, cuando fue descubierto por el crítico de arte Louis Vauxcelles. El marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler, basado en París, compró el cuadro en 1924, aunque surgió una controversia sobre su autenticidad. En 1939 fue adquirido por Simon Guggenheim quien lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).[3][4]


The sleeping gypsy

Prompt: Explain the History of this artwork, The sleeping gypsy.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El cuadro fue pintado en 1897.[2] Rousseau exhibió el cuadro por primera vez en el XIII Salon des Indépendants e intentó sin éxito venderlo al alcalde de su ciudad natal, Laval. En lugar de eso, pasó a formar parte de la colección privada de un comerciante de carbón de París, donde permaneció hasta 1924, cuando fue descubierto por el crítico de arte Louis Vauxcelles. El marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler, basado en París, compró el cuadro en 1924, aunque surgió una controversia sobre su autenticidad. En 1939 fue adquirido por Simon Guggenheim quien lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).[3][4]


The sleeping gypsy

Prompt: How does The sleeping gypsy explain its History?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El cuadro fue pintado en 1897.[2] Rousseau exhibió el cuadro por primera vez en el XIII Salon des Indépendants e intentó sin éxito venderlo al alcalde de su ciudad natal, Laval. En lugar de eso, pasó a formar parte de la colección privada de un comerciante de carbón de París, donde permaneció hasta 1924, cuando fue descubierto por el crítico de arte Louis Vauxcelles. El marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler, basado en París, compró el cuadro en 1924, aunque surgió una controversia sobre su autenticidad. En 1939 fue adquirido por Simon Guggenheim quien lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).[3][4]


The sleeping gypsy

Prompt: In The sleeping gypsy, how is the History discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El cuadro fue pintado en 1897.[2] Rousseau exhibió el cuadro por primera vez en el XIII Salon des Indépendants e intentó sin éxito venderlo al alcalde de su ciudad natal, Laval. En lugar de eso, pasó a formar parte de la colección privada de un comerciante de carbón de París, donde permaneció hasta 1924, cuando fue descubierto por el crítico de arte Louis Vauxcelles. El marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler, basado en París, compró el cuadro en 1924, aunque surgió una controversia sobre su autenticidad. En 1939 fue adquirido por Simon Guggenheim quien lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).[3][4]


The sleeping gypsy

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El título de la obra, La bohémienne endormie, hace referencia a los gitanos: en Francia se los llama bohémiens. En el cuadro se ve a una mujer gitana durmiendo tumbada y tranquila en el suelo mientras un león husmea a su alrededor. El paisaje es árido y sin vegetación; destaca la luna llena en una noche clara. La mujer sostiene al parecer un cayado y a su lado yacen un jarrón (de agua para beber, al parecer) y un instrumento de cuerda.[5][2]En una publicación del MoMA —MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (2019)— se menciona lo siguiente sobre la obra: «Con sus planos de color puro, formas geométricas simples, atmósfera onírica y tema exótico, La gitana dormida evoca a la vez un deseo por un pasado preindustrial y afirma su estatus como un nuevo tipo de arte moderno; los detalles del ojo desconcertante del león y los dientes en forma de cremallera de la figura evidencian la singular imaginación pictórica del artista».[6]


The sleeping gypsy

Prompt: Explain the Analysis of this artwork, The sleeping gypsy.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El título de la obra, La bohémienne endormie, hace referencia a los gitanos: en Francia se los llama bohémiens. En el cuadro se ve a una mujer gitana durmiendo tumbada y tranquila en el suelo mientras un león husmea a su alrededor. El paisaje es árido y sin vegetación; destaca la luna llena en una noche clara. La mujer sostiene al parecer un cayado y a su lado yacen un jarrón (de agua para beber, al parecer) y un instrumento de cuerda.[5][2]En una publicación del MoMA —MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (2019)— se menciona lo siguiente sobre la obra: «Con sus planos de color puro, formas geométricas simples, atmósfera onírica y tema exótico, La gitana dormida evoca a la vez un deseo por un pasado preindustrial y afirma su estatus como un nuevo tipo de arte moderno; los detalles del ojo desconcertante del león y los dientes en forma de cremallera de la figura evidencian la singular imaginación pictórica del artista».[6]


The sleeping gypsy

Prompt: How does The sleeping gypsy explain its Analysis?Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El título de la obra, La bohémienne endormie, hace referencia a los gitanos: en Francia se los llama bohémiens. En el cuadro se ve a una mujer gitana durmiendo tumbada y tranquila en el suelo mientras un león husmea a su alrededor. El paisaje es árido y sin vegetación; destaca la luna llena en una noche clara. La mujer sostiene al parecer un cayado y a su lado yacen un jarrón (de agua para beber, al parecer) y un instrumento de cuerda.[5][2]En una publicación del MoMA —MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (2019)— se menciona lo siguiente sobre la obra: «Con sus planos de color puro, formas geométricas simples, atmósfera onírica y tema exótico, La gitana dormida evoca a la vez un deseo por un pasado preindustrial y afirma su estatus como un nuevo tipo de arte moderno; los detalles del ojo desconcertante del león y los dientes en forma de cremallera de la figura evidencian la singular imaginación pictórica del artista».[6]


The sleeping gypsy

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York

El título de la obra, La bohémienne endormie, hace referencia a los gitanos: en Francia se los llama bohémiens. En el cuadro se ve a una mujer gitana durmiendo tumbada y tranquila en el suelo mientras un león husmea a su alrededor. El paisaje es árido y sin vegetación; destaca la luna llena en una noche clara. La mujer sostiene al parecer un cayado y a su lado yacen un jarrón (de agua para beber, al parecer) y un instrumento de cuerda.[5][2]En una publicación del MoMA —MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York (2019)— se menciona lo siguiente sobre la obra: «Con sus planos de color puro, formas geométricas simples, atmósfera onírica y tema exótico, La gitana dormida evoca a la vez un deseo por un pasado preindustrial y afirma su estatus como un nuevo tipo de arte moderno; los detalles del ojo desconcertante del león y los dientes en forma de cremallera de la figura evidencian la singular imaginación pictórica del artista».[6]


The peasant dance

Prompt: Focus on The peasant dance and explain the abstract.Please output in Spanish.

''La boda campesina'', de [[Pieter Brueghel el Viejo

Archivo: Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding - Google Art Project 2.jpg

La danza campesina es un cuadro del pintor Pieter Brueghel el Viejo, realizado en 1568, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria.[1]Sufrió el saqueo por las tropas de Napoleón Bonaparte, fue llevado a París en 1808 y posteriormente devuelto en 1815. La obra está firmada en la parte inferior y fue pintada aproximadamente al mismo tiempo que La boda campesina. Las dos pinturas son del mismo tamaño y pueden haber sido ideadas como una pareja o formar parte de una serie que ilustraría la vida campesina. Son los dos ejemplos más destacados del estilo tardío de Brueghel, que se caracteriza por su uso de figuras monumentales de estilo italiano. Brueghel combinaba así su visita de aprendizaje a Italia con la tradición flamenca que se refleja en sus kermés o escenas campestres.[2]Al igual que La boda campesina, es probable que Brueghel pretendiera que esta pintura tuviera un sentido moralizante, en lugar de ser simplemente un retrato de la vida campesina. La gula, la lujuria y la ira se pueden identificar en algunos detalles de la imagen. El hombre sentado al lado del gaitero lleva una pluma de pavo real en su sombrero, un símbolo de vanidad y orgullo. La ocasión para la fiesta de los campesinos es el día de un santo, pero los bailarines le dan la espalda a la iglesia y no le prestan atención a la imagen de la Virgen que cuelga del árbol. La importancia que se da a la taberna deja claro que están más preocupados por los asuntos materiales que los espirituales.


The peasant dance

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The peasant dance.Please output in Spanish.

''La boda campesina'', de [[Pieter Brueghel el Viejo

Archivo: Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding - Google Art Project 2.jpg

La danza campesina es un cuadro del pintor Pieter Brueghel el Viejo, realizado en 1568, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria.[1]Sufrió el saqueo por las tropas de Napoleón Bonaparte, fue llevado a París en 1808 y posteriormente devuelto en 1815. La obra está firmada en la parte inferior y fue pintada aproximadamente al mismo tiempo que La boda campesina. Las dos pinturas son del mismo tamaño y pueden haber sido ideadas como una pareja o formar parte de una serie que ilustraría la vida campesina. Son los dos ejemplos más destacados del estilo tardío de Brueghel, que se caracteriza por su uso de figuras monumentales de estilo italiano. Brueghel combinaba así su visita de aprendizaje a Italia con la tradición flamenca que se refleja en sus kermés o escenas campestres.[2]Al igual que La boda campesina, es probable que Brueghel pretendiera que esta pintura tuviera un sentido moralizante, en lugar de ser simplemente un retrato de la vida campesina. La gula, la lujuria y la ira se pueden identificar en algunos detalles de la imagen. El hombre sentado al lado del gaitero lleva una pluma de pavo real en su sombrero, un símbolo de vanidad y orgullo. La ocasión para la fiesta de los campesinos es el día de un santo, pero los bailarines le dan la espalda a la iglesia y no le prestan atención a la imagen de la Virgen que cuelga del árbol. La importancia que se da a la taberna deja claro que están más preocupados por los asuntos materiales que los espirituales.


The peasant dance

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''La boda campesina'', de [[Pieter Brueghel el Viejo

Archivo: Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding - Google Art Project 2.jpg

La danza campesina es un cuadro del pintor Pieter Brueghel el Viejo, realizado en 1568, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria.[1]Sufrió el saqueo por las tropas de Napoleón Bonaparte, fue llevado a París en 1808 y posteriormente devuelto en 1815. La obra está firmada en la parte inferior y fue pintada aproximadamente al mismo tiempo que La boda campesina. Las dos pinturas son del mismo tamaño y pueden haber sido ideadas como una pareja o formar parte de una serie que ilustraría la vida campesina. Son los dos ejemplos más destacados del estilo tardío de Brueghel, que se caracteriza por su uso de figuras monumentales de estilo italiano. Brueghel combinaba así su visita de aprendizaje a Italia con la tradición flamenca que se refleja en sus kermés o escenas campestres.[2]Al igual que La boda campesina, es probable que Brueghel pretendiera que esta pintura tuviera un sentido moralizante, en lugar de ser simplemente un retrato de la vida campesina. La gula, la lujuria y la ira se pueden identificar en algunos detalles de la imagen. El hombre sentado al lado del gaitero lleva una pluma de pavo real en su sombrero, un símbolo de vanidad y orgullo. La ocasión para la fiesta de los campesinos es el día de un santo, pero los bailarines le dan la espalda a la iglesia y no le prestan atención a la imagen de la Virgen que cuelga del árbol. La importancia que se da a la taberna deja claro que están más preocupados por los asuntos materiales que los espirituales.


The peasant dance

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''La boda campesina'', de [[Pieter Brueghel el Viejo

Archivo: Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding - Google Art Project 2.jpg

La danza campesina es un cuadro del pintor Pieter Brueghel el Viejo, realizado en 1568, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria.[1]Sufrió el saqueo por las tropas de Napoleón Bonaparte, fue llevado a París en 1808 y posteriormente devuelto en 1815. La obra está firmada en la parte inferior y fue pintada aproximadamente al mismo tiempo que La boda campesina. Las dos pinturas son del mismo tamaño y pueden haber sido ideadas como una pareja o formar parte de una serie que ilustraría la vida campesina. Son los dos ejemplos más destacados del estilo tardío de Brueghel, que se caracteriza por su uso de figuras monumentales de estilo italiano. Brueghel combinaba así su visita de aprendizaje a Italia con la tradición flamenca que se refleja en sus kermés o escenas campestres.[2]Al igual que La boda campesina, es probable que Brueghel pretendiera que esta pintura tuviera un sentido moralizante, en lugar de ser simplemente un retrato de la vida campesina. La gula, la lujuria y la ira se pueden identificar en algunos detalles de la imagen. El hombre sentado al lado del gaitero lleva una pluma de pavo real en su sombrero, un símbolo de vanidad y orgullo. La ocasión para la fiesta de los campesinos es el día de un santo, pero los bailarines le dan la espalda a la iglesia y no le prestan atención a la imagen de la Virgen que cuelga del árbol. La importancia que se da a la taberna deja claro que están más preocupados por los asuntos materiales que los espirituales.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Júpiter y Tetis es un cuadro de Jean Auguste Dominique Ingres. Pintado en Roma en 1811, se conserva en el Museo Granet de Aix en Provence. La obra fue criticada por su audaz composición. Adquirido el cuadro por el estado francés en 1834, François Marius Granet lo transfiere en depósito al museo de Aix-en-Provence, donde se encuentra desde entonces.


Jupiter and Thetis

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Jupiter and Thetis.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Júpiter y Tetis es un cuadro de Jean Auguste Dominique Ingres. Pintado en Roma en 1811, se conserva en el Museo Granet de Aix en Provence. La obra fue criticada por su audaz composición. Adquirido el cuadro por el estado francés en 1834, François Marius Granet lo transfiere en depósito al museo de Aix-en-Provence, donde se encuentra desde entonces.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Júpiter y Tetis es un cuadro de Jean Auguste Dominique Ingres. Pintado en Roma en 1811, se conserva en el Museo Granet de Aix en Provence. La obra fue criticada por su audaz composición. Adquirido el cuadro por el estado francés en 1834, François Marius Granet lo transfiere en depósito al museo de Aix-en-Provence, donde se encuentra desde entonces.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Júpiter y Tetis es un cuadro de Jean Auguste Dominique Ingres. Pintado en Roma en 1811, se conserva en el Museo Granet de Aix en Provence. La obra fue criticada por su audaz composición. Adquirido el cuadro por el estado francés en 1834, François Marius Granet lo transfiere en depósito al museo de Aix-en-Provence, donde se encuentra desde entonces.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Ingres se inspiró en el relato mítico según lo narra Homero en el primer canto de la Ilíada: La nereida Tetis, atendiendo la demanda de su hijo Aquiles, suplica a Zeus (dios griego del que es equivalente el romano Júpiter), el mayor de todos los dioses olímpicos, que haga vencer a los troyanos frente a los aqueos. Para obtener su favor, le recuerda la ocasión en que había sido encadenado por Hera, Poseidón y Atenea en un intento de derrocarlo, y que fue ella, Tetis, quien invocó entonces a Briareo y a los demás Hecatónquiros para que acudieran en su auxilio.[3]Es un tema también abordado por pintores como el ruso Anton Losenko o el suizo Julien de Parme.


Jupiter and Thetis

Prompt: Explain the Theme of this artwork, Jupiter and Thetis.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Ingres se inspiró en el relato mítico según lo narra Homero en el primer canto de la Ilíada: La nereida Tetis, atendiendo la demanda de su hijo Aquiles, suplica a Zeus (dios griego del que es equivalente el romano Júpiter), el mayor de todos los dioses olímpicos, que haga vencer a los troyanos frente a los aqueos. Para obtener su favor, le recuerda la ocasión en que había sido encadenado por Hera, Poseidón y Atenea en un intento de derrocarlo, y que fue ella, Tetis, quien invocó entonces a Briareo y a los demás Hecatónquiros para que acudieran en su auxilio.[3]Es un tema también abordado por pintores como el ruso Anton Losenko o el suizo Julien de Parme.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Ingres se inspiró en el relato mítico según lo narra Homero en el primer canto de la Ilíada: La nereida Tetis, atendiendo la demanda de su hijo Aquiles, suplica a Zeus (dios griego del que es equivalente el romano Júpiter), el mayor de todos los dioses olímpicos, que haga vencer a los troyanos frente a los aqueos. Para obtener su favor, le recuerda la ocasión en que había sido encadenado por Hera, Poseidón y Atenea en un intento de derrocarlo, y que fue ella, Tetis, quien invocó entonces a Briareo y a los demás Hecatónquiros para que acudieran en su auxilio.[3]Es un tema también abordado por pintores como el ruso Anton Losenko o el suizo Julien de Parme.


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Ingres se inspiró en el relato mítico según lo narra Homero en el primer canto de la Ilíada: La nereida Tetis, atendiendo la demanda de su hijo Aquiles, suplica a Zeus (dios griego del que es equivalente el romano Júpiter), el mayor de todos los dioses olímpicos, que haga vencer a los troyanos frente a los aqueos. Para obtener su favor, le recuerda la ocasión en que había sido encadenado por Hera, Poseidón y Atenea en un intento de derrocarlo, y que fue ella, Tetis, quien invocó entonces a Briareo y a los demás Hecatónquiros para que acudieran en su auxilio.[3]Es un tema también abordado por pintores como el ruso Anton Losenko o el suizo Julien de Parme.


Jupiter and Thetis

Prompt: Focus on Jupiter and Thetis and explain the The work.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Zeus, representado en posición de majestad, con el águila que recuerda uno de sus atributos iconográficos a su izquierda, la nereida Tetis en posición sumisa y suplicando al dios, mientras su mano izquierda coge su barbilla. En la distancia, la esposa celosa de Zeus, Hera, observa la escena.[4]


Jupiter and Thetis

Prompt: Explain the The work of this artwork, Jupiter and Thetis.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Zeus, representado en posición de majestad, con el águila que recuerda uno de sus atributos iconográficos a su izquierda, la nereida Tetis en posición sumisa y suplicando al dios, mientras su mano izquierda coge su barbilla. En la distancia, la esposa celosa de Zeus, Hera, observa la escena.[4]


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Zeus, representado en posición de majestad, con el águila que recuerda uno de sus atributos iconográficos a su izquierda, la nereida Tetis en posición sumisa y suplicando al dios, mientras su mano izquierda coge su barbilla. En la distancia, la esposa celosa de Zeus, Hera, observa la escena.[4]


Jupiter and Thetis

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810

Archivo:Júpiter y Tetis, por Dominique Ingres.jpg

Zeus, representado en posición de majestad, con el águila que recuerda uno de sus atributos iconográficos a su izquierda, la nereida Tetis en posición sumisa y suplicando al dios, mientras su mano izquierda coge su barbilla. En la distancia, la esposa celosa de Zeus, Hera, observa la escena.[4]


The_wounded_angel

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Image:The Wounded Angel - Hugo Simberg.jpg

El ángel herido (en finés Haavoittunut enkeli) es una pintura del pintor finlandés Hugo Simberg. Es una de las mayores obras reconocidas de los trabajos de Simberg, y fue votada en  Finlandia "La Pintura Nacional" en una votación sostenida por el museo Ateneum de arte en 2006.[1][2][3][4]La figura central del ángel tiene una venda alrededor de sus ojos y rastros de sangre sobre su ala. Los dos portadores jóvenes aparecen vestidos en colores sombríos, como si estuviesen de luto, y el de la derecha mira fija y directamente desde la pintura al espectador con una expresión seria.Simberg coherentemente rehusó ofrecer cualquier explicación del significado detrás de sus pinturas. Al contrario, él sintió que era importante que el espectador fuera libre de sacar sus propias conclusiones basadas en el simbolismo. Simberg había estado sufriendo de meningitis, y la idea para la pintura vino a él en aquel tiempo. Fue una fuente de fuerza durante su recuperación.Cuando Simberg fue escogido para pintar los frescos de la Catedral de Tampere en 1905 y 1906, uno de ellos fue una versión mayor de El ángel herido, que él siempre consideró su pintura favorita.La omnipresencia de la pintura en la cultura finlandesa ha causado algunos trabajos derivados, como el vídeo musical de 2007 para la canción Amaranth de Nightwish.


The_wounded_angel

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Image:The Wounded Angel - Hugo Simberg.jpg

El ángel herido (en finés Haavoittunut enkeli) es una pintura del pintor finlandés Hugo Simberg. Es una de las mayores obras reconocidas de los trabajos de Simberg, y fue votada en  Finlandia "La Pintura Nacional" en una votación sostenida por el museo Ateneum de arte en 2006.[1][2][3][4]La figura central del ángel tiene una venda alrededor de sus ojos y rastros de sangre sobre su ala. Los dos portadores jóvenes aparecen vestidos en colores sombríos, como si estuviesen de luto, y el de la derecha mira fija y directamente desde la pintura al espectador con una expresión seria.Simberg coherentemente rehusó ofrecer cualquier explicación del significado detrás de sus pinturas. Al contrario, él sintió que era importante que el espectador fuera libre de sacar sus propias conclusiones basadas en el simbolismo. Simberg había estado sufriendo de meningitis, y la idea para la pintura vino a él en aquel tiempo. Fue una fuente de fuerza durante su recuperación.Cuando Simberg fue escogido para pintar los frescos de la Catedral de Tampere en 1905 y 1906, uno de ellos fue una versión mayor de El ángel herido, que él siempre consideró su pintura favorita.La omnipresencia de la pintura en la cultura finlandesa ha causado algunos trabajos derivados, como el vídeo musical de 2007 para la canción Amaranth de Nightwish.


The_wounded_angel

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Image:The Wounded Angel - Hugo Simberg.jpg

El ángel herido (en finés Haavoittunut enkeli) es una pintura del pintor finlandés Hugo Simberg. Es una de las mayores obras reconocidas de los trabajos de Simberg, y fue votada en  Finlandia "La Pintura Nacional" en una votación sostenida por el museo Ateneum de arte en 2006.[1][2][3][4]La figura central del ángel tiene una venda alrededor de sus ojos y rastros de sangre sobre su ala. Los dos portadores jóvenes aparecen vestidos en colores sombríos, como si estuviesen de luto, y el de la derecha mira fija y directamente desde la pintura al espectador con una expresión seria.Simberg coherentemente rehusó ofrecer cualquier explicación del significado detrás de sus pinturas. Al contrario, él sintió que era importante que el espectador fuera libre de sacar sus propias conclusiones basadas en el simbolismo. Simberg había estado sufriendo de meningitis, y la idea para la pintura vino a él en aquel tiempo. Fue una fuente de fuerza durante su recuperación.Cuando Simberg fue escogido para pintar los frescos de la Catedral de Tampere en 1905 y 1906, uno de ellos fue una versión mayor de El ángel herido, que él siempre consideró su pintura favorita.La omnipresencia de la pintura en la cultura finlandesa ha causado algunos trabajos derivados, como el vídeo musical de 2007 para la canción Amaranth de Nightwish.


The_wounded_angel

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Image:The Wounded Angel - Hugo Simberg.jpg

El ángel herido (en finés Haavoittunut enkeli) es una pintura del pintor finlandés Hugo Simberg. Es una de las mayores obras reconocidas de los trabajos de Simberg, y fue votada en  Finlandia "La Pintura Nacional" en una votación sostenida por el museo Ateneum de arte en 2006.[1][2][3][4]La figura central del ángel tiene una venda alrededor de sus ojos y rastros de sangre sobre su ala. Los dos portadores jóvenes aparecen vestidos en colores sombríos, como si estuviesen de luto, y el de la derecha mira fija y directamente desde la pintura al espectador con una expresión seria.Simberg coherentemente rehusó ofrecer cualquier explicación del significado detrás de sus pinturas. Al contrario, él sintió que era importante que el espectador fuera libre de sacar sus propias conclusiones basadas en el simbolismo. Simberg había estado sufriendo de meningitis, y la idea para la pintura vino a él en aquel tiempo. Fue una fuente de fuerza durante su recuperación.Cuando Simberg fue escogido para pintar los frescos de la Catedral de Tampere en 1905 y 1906, uno de ellos fue una versión mayor de El ángel herido, que él siempre consideró su pintura favorita.La omnipresencia de la pintura en la cultura finlandesa ha causado algunos trabajos derivados, como el vídeo musical de 2007 para la canción Amaranth de Nightwish.


Lady_in_yellow_writing

Prompt: Focus on Lady_in_yellow_writing and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Mujer de amarillo escribiendo una carta (también conocida como Dama en amarillo escribiendo, en neerlandés: Schrijvende vrouw in het geel) es una pintura al óleo atribuida al pintor neerlandés del siglo XVII Johannes Vermeer. Se cree que se completó alrededor de 1665.


Lady_in_yellow_writing

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Lady_in_yellow_writing.Please output in Spanish.

Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Mujer de amarillo escribiendo una carta (también conocida como Dama en amarillo escribiendo, en neerlandés: Schrijvende vrouw in het geel) es una pintura al óleo atribuida al pintor neerlandés del siglo XVII Johannes Vermeer. Se cree que se completó alrededor de 1665.


Lady_in_yellow_writing

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Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Mujer de amarillo escribiendo una carta (también conocida como Dama en amarillo escribiendo, en neerlandés: Schrijvende vrouw in het geel) es una pintura al óleo atribuida al pintor neerlandés del siglo XVII Johannes Vermeer. Se cree que se completó alrededor de 1665.


Lady_in_yellow_writing

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Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Mujer de amarillo escribiendo una carta (también conocida como Dama en amarillo escribiendo, en neerlandés: Schrijvende vrouw in het geel) es una pintura al óleo atribuida al pintor neerlandés del siglo XVII Johannes Vermeer. Se cree que se completó alrededor de 1665.


Lady_in_yellow_writing

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Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La dama está escribiendo una carta de amor con una pluma de ganso y ve interrumpida su labor, por lo que suavemente vuelve la cabeza para ver lo que está sucediendo. Se ven doce perlas (10 en el collar y dos en los pendientes), excelente recurso para el refinado juego estético en torno a los diversos grados de tonos presentes en el mantel. Muchos de los objetos que se ven en la pintura, como el abrigo, el mantel sobre la mesa, y el collar de perlas, aparecen en otras obras de Vermeer. Esto ha llevado a especular sobre la propiedad de los objetos, atribuyéndoselos al autor y su casa e incluso que los personajes de las pinturas eran sus parientes.La protagonista lleva un llamativo traje amarillo, lo que genera una sorprendente luminosidad a la obra.[1]La modelo de esta obra podría ser su propia hija María. A menudo se ha sugerido que en su pintura, Vermeer buscaba conceder a sus modelos lo que podía ofrecer a su esposa y familia: la calma y prosperidad.  La obra fue donada a la Galería Nacional de Arte en Washington en 1962 por Harry Waldron Havemeyer y Horace Havemeyer. El museo posee también la obra de Vermeer La tasadora de perlas.


Lady_in_yellow_writing

Prompt: Explain the Description of this artwork, Lady_in_yellow_writing.Please output in Spanish.

Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La dama está escribiendo una carta de amor con una pluma de ganso y ve interrumpida su labor, por lo que suavemente vuelve la cabeza para ver lo que está sucediendo. Se ven doce perlas (10 en el collar y dos en los pendientes), excelente recurso para el refinado juego estético en torno a los diversos grados de tonos presentes en el mantel. Muchos de los objetos que se ven en la pintura, como el abrigo, el mantel sobre la mesa, y el collar de perlas, aparecen en otras obras de Vermeer. Esto ha llevado a especular sobre la propiedad de los objetos, atribuyéndoselos al autor y su casa e incluso que los personajes de las pinturas eran sus parientes.La protagonista lleva un llamativo traje amarillo, lo que genera una sorprendente luminosidad a la obra.[1]La modelo de esta obra podría ser su propia hija María. A menudo se ha sugerido que en su pintura, Vermeer buscaba conceder a sus modelos lo que podía ofrecer a su esposa y familia: la calma y prosperidad.  La obra fue donada a la Galería Nacional de Arte en Washington en 1962 por Harry Waldron Havemeyer y Horace Havemeyer. El museo posee también la obra de Vermeer La tasadora de perlas.


Lady_in_yellow_writing

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Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La dama está escribiendo una carta de amor con una pluma de ganso y ve interrumpida su labor, por lo que suavemente vuelve la cabeza para ver lo que está sucediendo. Se ven doce perlas (10 en el collar y dos en los pendientes), excelente recurso para el refinado juego estético en torno a los diversos grados de tonos presentes en el mantel. Muchos de los objetos que se ven en la pintura, como el abrigo, el mantel sobre la mesa, y el collar de perlas, aparecen en otras obras de Vermeer. Esto ha llevado a especular sobre la propiedad de los objetos, atribuyéndoselos al autor y su casa e incluso que los personajes de las pinturas eran sus parientes.La protagonista lleva un llamativo traje amarillo, lo que genera una sorprendente luminosidad a la obra.[1]La modelo de esta obra podría ser su propia hija María. A menudo se ha sugerido que en su pintura, Vermeer buscaba conceder a sus modelos lo que podía ofrecer a su esposa y familia: la calma y prosperidad.  La obra fue donada a la Galería Nacional de Arte en Washington en 1962 por Harry Waldron Havemeyer y Horace Havemeyer. El museo posee también la obra de Vermeer La tasadora de perlas.


Lady_in_yellow_writing

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Archivo:Johannes Vermeer - A Lady Writing - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La dama está escribiendo una carta de amor con una pluma de ganso y ve interrumpida su labor, por lo que suavemente vuelve la cabeza para ver lo que está sucediendo. Se ven doce perlas (10 en el collar y dos en los pendientes), excelente recurso para el refinado juego estético en torno a los diversos grados de tonos presentes en el mantel. Muchos de los objetos que se ven en la pintura, como el abrigo, el mantel sobre la mesa, y el collar de perlas, aparecen en otras obras de Vermeer. Esto ha llevado a especular sobre la propiedad de los objetos, atribuyéndoselos al autor y su casa e incluso que los personajes de las pinturas eran sus parientes.La protagonista lleva un llamativo traje amarillo, lo que genera una sorprendente luminosidad a la obra.[1]La modelo de esta obra podría ser su propia hija María. A menudo se ha sugerido que en su pintura, Vermeer buscaba conceder a sus modelos lo que podía ofrecer a su esposa y familia: la calma y prosperidad.  La obra fue donada a la Galería Nacional de Arte en Washington en 1962 por Harry Waldron Havemeyer y Horace Havemeyer. El museo posee también la obra de Vermeer La tasadora de perlas.


Helena Fourment leaving the bathroom

Prompt: Focus on Helena Fourment leaving the bathroom and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Helena Fourment saliendo del baño (La pequeña piel) es una pintura al óleo realizada hacia el año 1638 por Pedro Pablo Rubens, perteneciente al estilo barroco y se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.Representa un retrato de la segunda esposa del pintor, Helena Fourment, cubriendo su cuerpo con un abrigo de piel. Sigue sin duda con el estilo propio de Rubens. Con una cierta influencia de Tiziano, se aprecia el fuerte contraste entre el color rosado del cuerpo de Helena y el color oscuro del abrigo y el fondo del cuadro. Esta obra demuestra más que ninguna otra, los valores tonales que consiguió Rubens en su último período de vida. Es una pintura donde se puede observar una gran sensualidad que suaviza, la actitud y el rostro de ternura que inspira la modelo.


Helena Fourment leaving the bathroom

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Helena Fourment leaving the bathroom.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Helena Fourment saliendo del baño (La pequeña piel) es una pintura al óleo realizada hacia el año 1638 por Pedro Pablo Rubens, perteneciente al estilo barroco y se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.Representa un retrato de la segunda esposa del pintor, Helena Fourment, cubriendo su cuerpo con un abrigo de piel. Sigue sin duda con el estilo propio de Rubens. Con una cierta influencia de Tiziano, se aprecia el fuerte contraste entre el color rosado del cuerpo de Helena y el color oscuro del abrigo y el fondo del cuadro. Esta obra demuestra más que ninguna otra, los valores tonales que consiguió Rubens en su último período de vida. Es una pintura donde se puede observar una gran sensualidad que suaviza, la actitud y el rostro de ternura que inspira la modelo.


Helena Fourment leaving the bathroom

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Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Helena Fourment saliendo del baño (La pequeña piel) es una pintura al óleo realizada hacia el año 1638 por Pedro Pablo Rubens, perteneciente al estilo barroco y se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.Representa un retrato de la segunda esposa del pintor, Helena Fourment, cubriendo su cuerpo con un abrigo de piel. Sigue sin duda con el estilo propio de Rubens. Con una cierta influencia de Tiziano, se aprecia el fuerte contraste entre el color rosado del cuerpo de Helena y el color oscuro del abrigo y el fondo del cuadro. Esta obra demuestra más que ninguna otra, los valores tonales que consiguió Rubens en su último período de vida. Es una pintura donde se puede observar una gran sensualidad que suaviza, la actitud y el rostro de ternura que inspira la modelo.


Helena Fourment leaving the bathroom

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Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Helena Fourment saliendo del baño (La pequeña piel) es una pintura al óleo realizada hacia el año 1638 por Pedro Pablo Rubens, perteneciente al estilo barroco y se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.Representa un retrato de la segunda esposa del pintor, Helena Fourment, cubriendo su cuerpo con un abrigo de piel. Sigue sin duda con el estilo propio de Rubens. Con una cierta influencia de Tiziano, se aprecia el fuerte contraste entre el color rosado del cuerpo de Helena y el color oscuro del abrigo y el fondo del cuadro. Esta obra demuestra más que ninguna otra, los valores tonales que consiguió Rubens en su último período de vida. Es una pintura donde se puede observar una gran sensualidad que suaviza, la actitud y el rostro de ternura que inspira la modelo.


Helena Fourment leaving the bathroom

Prompt: Focus on Helena Fourment leaving the bathroom and explain the Historical Context.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Los primeros espectadores modernos, mucho más los que eran muy afines al catolicismo, colocaban a esta pintura como “indecente” pues comprometía la virtud del creador, modelo y espectador, ya que en los países bajos de Habsburgo se tenía cierta ansiedad ante la visualización de pinturas que representaran desnudos femeninos, a pesar de que éstas mismas tenían mucha popularidad.[1]Dentro de la historia del arte existe la idea de que imágenes como ésta, fueron diseñadas con el único objetivo de satisfacer y sancionar los deseos masculinos heterosexuales.[1] Se cree que la pintura fue hecha como un cumplido por parte de Rubens para su joven esposa a pesar de que existían varios problemas como:[1]la responsabilidad que recae sobre el espectador responsable en el período moderno temprano[1]las actitudes complejas y contradictorias hacia la representación del cuerpo femenino desnudo también prevalecen en este período.[1]las sutilezas pictóricas del propio Het Pelsken (La pequeña piel).[1]Helena fue quien le coloca el nombre de Het Pelsken a la obra usándolo en dos ocasiones: la primera vez en su testamento conjunto en el año 1640; mientras que la segunda vez en su propio tesamente hacia el año 1658. Sin embargo, se consideraba algo inusual que una pintura tuviese títulos tan diferentes (Little Fur – Het Pelsken) pues a las pinturas se les atribuía la etiqueta descriptiva más conveniente en el momento.[1]


Helena Fourment leaving the bathroom

Prompt: Explain the Historical Context of this artwork, Helena Fourment leaving the bathroom.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Los primeros espectadores modernos, mucho más los que eran muy afines al catolicismo, colocaban a esta pintura como “indecente” pues comprometía la virtud del creador, modelo y espectador, ya que en los países bajos de Habsburgo se tenía cierta ansiedad ante la visualización de pinturas que representaran desnudos femeninos, a pesar de que éstas mismas tenían mucha popularidad.[1]Dentro de la historia del arte existe la idea de que imágenes como ésta, fueron diseñadas con el único objetivo de satisfacer y sancionar los deseos masculinos heterosexuales.[1] Se cree que la pintura fue hecha como un cumplido por parte de Rubens para su joven esposa a pesar de que existían varios problemas como:[1]la responsabilidad que recae sobre el espectador responsable en el período moderno temprano[1]las actitudes complejas y contradictorias hacia la representación del cuerpo femenino desnudo también prevalecen en este período.[1]las sutilezas pictóricas del propio Het Pelsken (La pequeña piel).[1]Helena fue quien le coloca el nombre de Het Pelsken a la obra usándolo en dos ocasiones: la primera vez en su testamento conjunto en el año 1640; mientras que la segunda vez en su propio tesamente hacia el año 1658. Sin embargo, se consideraba algo inusual que una pintura tuviese títulos tan diferentes (Little Fur – Het Pelsken) pues a las pinturas se les atribuía la etiqueta descriptiva más conveniente en el momento.[1]


Helena Fourment leaving the bathroom

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Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Los primeros espectadores modernos, mucho más los que eran muy afines al catolicismo, colocaban a esta pintura como “indecente” pues comprometía la virtud del creador, modelo y espectador, ya que en los países bajos de Habsburgo se tenía cierta ansiedad ante la visualización de pinturas que representaran desnudos femeninos, a pesar de que éstas mismas tenían mucha popularidad.[1]Dentro de la historia del arte existe la idea de que imágenes como ésta, fueron diseñadas con el único objetivo de satisfacer y sancionar los deseos masculinos heterosexuales.[1] Se cree que la pintura fue hecha como un cumplido por parte de Rubens para su joven esposa a pesar de que existían varios problemas como:[1]la responsabilidad que recae sobre el espectador responsable en el período moderno temprano[1]las actitudes complejas y contradictorias hacia la representación del cuerpo femenino desnudo también prevalecen en este período.[1]las sutilezas pictóricas del propio Het Pelsken (La pequeña piel).[1]Helena fue quien le coloca el nombre de Het Pelsken a la obra usándolo en dos ocasiones: la primera vez en su testamento conjunto en el año 1640; mientras que la segunda vez en su propio tesamente hacia el año 1658. Sin embargo, se consideraba algo inusual que una pintura tuviese títulos tan diferentes (Little Fur – Het Pelsken) pues a las pinturas se les atribuía la etiqueta descriptiva más conveniente en el momento.[1]


Helena Fourment leaving the bathroom

Prompt: In Helena Fourment leaving the bathroom, how is the Historical Context discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Los primeros espectadores modernos, mucho más los que eran muy afines al catolicismo, colocaban a esta pintura como “indecente” pues comprometía la virtud del creador, modelo y espectador, ya que en los países bajos de Habsburgo se tenía cierta ansiedad ante la visualización de pinturas que representaran desnudos femeninos, a pesar de que éstas mismas tenían mucha popularidad.[1]Dentro de la historia del arte existe la idea de que imágenes como ésta, fueron diseñadas con el único objetivo de satisfacer y sancionar los deseos masculinos heterosexuales.[1] Se cree que la pintura fue hecha como un cumplido por parte de Rubens para su joven esposa a pesar de que existían varios problemas como:[1]la responsabilidad que recae sobre el espectador responsable en el período moderno temprano[1]las actitudes complejas y contradictorias hacia la representación del cuerpo femenino desnudo también prevalecen en este período.[1]las sutilezas pictóricas del propio Het Pelsken (La pequeña piel).[1]Helena fue quien le coloca el nombre de Het Pelsken a la obra usándolo en dos ocasiones: la primera vez en su testamento conjunto en el año 1640; mientras que la segunda vez en su propio tesamente hacia el año 1658. Sin embargo, se consideraba algo inusual que una pintura tuviese títulos tan diferentes (Little Fur – Het Pelsken) pues a las pinturas se les atribuía la etiqueta descriptiva más conveniente en el momento.[1]