love

Prompt: Explain the Anglo-Saxon culture about the Different historical-cultural perspectives of this artwork, love.Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

Archivo:2 Ratonero Bodeguero Andaluz.jpg

Archivo:Temple de l'Amour vu du Petit Trianon.jpg

''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Archivo:Die Gartenlaube (1894) b 708.jpg

Archivo:Matthieu Ricard, World Economic Forum 2009 Annual Meeting.jpg

Archivo:Aid worker gives medicine to Haitian child in Léogâne 2010-01-24.jpg

Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

En la cultura anglosajona la palabra «amor» (love) presenta, al igual que en español, múltiples significados. Pero, a todos aquellos que existen en el mundo hispanohablante, los angloparlantes añaden un significado adicional, más relacionado con el simple gusto por algo: I love dancing (literalmente, «amo el baile») corresponde en español a «me encanta bailar» o «me gusta mucho bailar»; he's a great actor, I love him (literalmente, «es un gran actor, le amo») corresponde a «es un gran actor, me encanta», o «es un gran actor, me gusta mucho».[94] El psicoanálisis sitúa al amor como un comportamiento narcisista, de tal modo que el amor interpersonal es realmente amor a uno mismo en última instancia. En Estados Unidos, el psicoanálisis ha ocupado durante el siglo XX un lugar preponderante en el ámbito de la psicología, aunque actualmente existe una dura pugna entre sus detractores y defensores, que se conoce como the Freud wars. La cultura del psicoanálisis se ha extendido ampliamente por otros países, y actualmente los dos países que más se resisten a la extinción de esta corriente psicológica son Francia y Argentina.[95]


love

Prompt: In love, how is the Anglo-Saxon culture of the Different historical-cultural perspectives explained?Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

Archivo:2 Ratonero Bodeguero Andaluz.jpg

Archivo:Temple de l'Amour vu du Petit Trianon.jpg

''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

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Archivo:Die Gartenlaube (1894) b 708.jpg

Archivo:Matthieu Ricard, World Economic Forum 2009 Annual Meeting.jpg

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Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

En la cultura anglosajona la palabra «amor» (love) presenta, al igual que en español, múltiples significados. Pero, a todos aquellos que existen en el mundo hispanohablante, los angloparlantes añaden un significado adicional, más relacionado con el simple gusto por algo: I love dancing (literalmente, «amo el baile») corresponde en español a «me encanta bailar» o «me gusta mucho bailar»; he's a great actor, I love him (literalmente, «es un gran actor, le amo») corresponde a «es un gran actor, me encanta», o «es un gran actor, me gusta mucho».[94] El psicoanálisis sitúa al amor como un comportamiento narcisista, de tal modo que el amor interpersonal es realmente amor a uno mismo en última instancia. En Estados Unidos, el psicoanálisis ha ocupado durante el siglo XX un lugar preponderante en el ámbito de la psicología, aunque actualmente existe una dura pugna entre sus detractores y defensores, que se conoce como the Freud wars. La cultura del psicoanálisis se ha extendido ampliamente por otros países, y actualmente los dos países que más se resisten a la extinción de esta corriente psicológica son Francia y Argentina.[95]


love

Prompt: Describe the characteristics of the Anglo-Saxon culture in love's Different historical-cultural perspectives.Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

Archivo:2 Ratonero Bodeguero Andaluz.jpg

Archivo:Temple de l'Amour vu du Petit Trianon.jpg

''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Archivo:Die Gartenlaube (1894) b 708.jpg

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Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

En la cultura anglosajona la palabra «amor» (love) presenta, al igual que en español, múltiples significados. Pero, a todos aquellos que existen en el mundo hispanohablante, los angloparlantes añaden un significado adicional, más relacionado con el simple gusto por algo: I love dancing (literalmente, «amo el baile») corresponde en español a «me encanta bailar» o «me gusta mucho bailar»; he's a great actor, I love him (literalmente, «es un gran actor, le amo») corresponde a «es un gran actor, me encanta», o «es un gran actor, me gusta mucho».[94] El psicoanálisis sitúa al amor como un comportamiento narcisista, de tal modo que el amor interpersonal es realmente amor a uno mismo en última instancia. En Estados Unidos, el psicoanálisis ha ocupado durante el siglo XX un lugar preponderante en el ámbito de la psicología, aunque actualmente existe una dura pugna entre sus detractores y defensores, que se conoce como the Freud wars. La cultura del psicoanálisis se ha extendido ampliamente por otros países, y actualmente los dos países que más se resisten a la extinción de esta corriente psicológica son Francia y Argentina.[95]


love

Prompt: Focus on love and explain the Related bibliography.Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

Archivo:2 Ratonero Bodeguero Andaluz.jpg

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''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

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Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

Agustín García Calvo (1984), El amor y los 2 sexos. Del tiempo de amor y olvido. Editorial Lucina, Zamora. (2.ª ed. 1991).José Pedro Manglano Castellary (2007). El amor y otras idioteces. Editorial Planeta. ISBN 978-84-08-07567-7. Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4.Publio Ovidio Nasón (1995). Amores; Arte de amar; Sobre la cosmética del rostro femenino; Remedios contra el amor. Madrid: Editorial Gredos. ISBN 978-84-249-1392-2. C. S. Lewis (2007). Los cuatro amores. Rialp. ISBN 978-84-321-2749-6. Octavio Paz (1993). La llama doble - Amor y erotismo. Seix Barral. ISBN 978-968-6005-80-6. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas "RECORT", Barcelona.


love

Prompt: Explain the Related bibliography of this artwork, love.Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

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''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

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Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

Agustín García Calvo (1984), El amor y los 2 sexos. Del tiempo de amor y olvido. Editorial Lucina, Zamora. (2.ª ed. 1991).José Pedro Manglano Castellary (2007). El amor y otras idioteces. Editorial Planeta. ISBN 978-84-08-07567-7. Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4.Publio Ovidio Nasón (1995). Amores; Arte de amar; Sobre la cosmética del rostro femenino; Remedios contra el amor. Madrid: Editorial Gredos. ISBN 978-84-249-1392-2. C. S. Lewis (2007). Los cuatro amores. Rialp. ISBN 978-84-321-2749-6. Octavio Paz (1993). La llama doble - Amor y erotismo. Seix Barral. ISBN 978-968-6005-80-6. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas "RECORT", Barcelona.


love

Prompt: How does love explain its Related bibliography?Please output in Spanish.

Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

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''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

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Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Archivo:Die Gartenlaube (1894) b 708.jpg

Archivo:Matthieu Ricard, World Economic Forum 2009 Annual Meeting.jpg

Archivo:Aid worker gives medicine to Haitian child in Léogâne 2010-01-24.jpg

Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

Agustín García Calvo (1984), El amor y los 2 sexos. Del tiempo de amor y olvido. Editorial Lucina, Zamora. (2.ª ed. 1991).José Pedro Manglano Castellary (2007). El amor y otras idioteces. Editorial Planeta. ISBN 978-84-08-07567-7. Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4.Publio Ovidio Nasón (1995). Amores; Arte de amar; Sobre la cosmética del rostro femenino; Remedios contra el amor. Madrid: Editorial Gredos. ISBN 978-84-249-1392-2. C. S. Lewis (2007). Los cuatro amores. Rialp. ISBN 978-84-321-2749-6. Octavio Paz (1993). La llama doble - Amor y erotismo. Seix Barral. ISBN 978-968-6005-80-6. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas "RECORT", Barcelona.


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Según Deleuze y Guattari, el capitalismo deshumaniza.

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Maternal Admiration (1869).jpg

Imagen por resonancia magnética funcional

''La Virgen y su hijo'', de [[Isaac Oliver

Compendio del Catecismo de la Iglesia Católica

Forma de la vaina de silfio según su representación en monedas de [[Cirene

Día de San Valentín#Manifestaciones de amor o amistad

Psicología de la posible evolución del hombre

''Noonday heat'' («Calor del mediodía», 1902). Pintura de [[Henry Scott Tuke

Amor fraterno (figurillas prehispánicas de barro, 250-900 d. C.). Pueblos indígenas del Centro de Veracruz. Museo de Antropología de Xalapa, México.

Trabajadora humanitaria medicando a un niño en Léogâne ([[Haití

''Admiration maternelle'' («Admiración maternal», 1869). Óleo de [[William-Adolphe Bouguereau

Mapa de las religiones predominantes en el mundo.

Archivo:2 Ratonero Bodeguero Andaluz.jpg

Archivo:Temple de l'Amour vu du Petit Trianon.jpg

''Templo del Amor'', que resguarda en su interior una estatua de Cupido. [[Petit Trianon

Archivo:Edmund Blair Leighton - Courtship.jpg

''Le sommeil'' («El sueño», 1866). Óleo sobre lienzo de [[Gustave Courbet

''Courtship'' (''Cortejo''). Óleo sobre lienzo de [[Edmund Blair Leighton

Base química del amor; visión general simplista.

Pareja de perros en «situación amorosa».

Representación simplificada de la teoría de Dawkins acerca del «egoísmo» de la información genética. Todos los genes, como unidades de supervivencia, son en sí mismos «egoístas», compitiendo entre sí y con los de otros individuos. Una vez alcanzado cierto grado de organización durante el proceso evolutivo de las especies, la información genética que produzca un fenotipo egoísta será a la larga autodestructiva a nivel del grupo humano, mientras que la que produzca un fenotipo altruista (de egoísmo altruista a nivel de gen) facilitará la supervivencia de dicha información. Con los genes actuando irracionalmente, y bajo la «ley natural del más fuerte», se producirá inevitablemente una supremacía del «gen de egoísmo altruista». El intercambio de la reproducción sexual a su vez repartirá dicha información genética entre toda la población.<ref name="genegoísta">[[Richard Dawkins

Archivo:Prevailing world religions map.png

Archivo:Kiss Briseis Painter Louvre G278.jpg

Archivo:Tuke, Henry Scott (1858–1929) - 1902 - Noonday heat.jpg

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Archivo:Die Gartenlaube (1894) b 708.jpg

Archivo:Matthieu Ricard, World Economic Forum 2009 Annual Meeting.jpg

Archivo:Aid worker gives medicine to Haitian child in Léogâne 2010-01-24.jpg

Primer diseño del [[Sagrado Corazón de Jesús

Escultura análoga a la escultura de [[arte pop

Agustín García Calvo (1984), El amor y los 2 sexos. Del tiempo de amor y olvido. Editorial Lucina, Zamora. (2.ª ed. 1991).José Pedro Manglano Castellary (2007). El amor y otras idioteces. Editorial Planeta. ISBN 978-84-08-07567-7. Carmen Martín Gaite Usos amorosos de la postguerra española. 1.ª edición, 1987. 7.ª edición, 1988. Anagrama. Barcelona. ISBN 84-339-0085-4.Publio Ovidio Nasón (1995). Amores; Arte de amar; Sobre la cosmética del rostro femenino; Remedios contra el amor. Madrid: Editorial Gredos. ISBN 978-84-249-1392-2. C. S. Lewis (2007). Los cuatro amores. Rialp. ISBN 978-84-321-2749-6. Octavio Paz (1993). La llama doble - Amor y erotismo. Seix Barral. ISBN 978-968-6005-80-6. Conchita Ramón Delgado. Diccionario del amor. 1936. Gráficas "RECORT", Barcelona.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: Focus on Portrait_of_Maria_Trip and explain the abstract.Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

El Retrato de Maria Trip es una pintura de Rembrandt de 1639 en el Rijksmuseum de Ámsterdam, uno de sus retratos más conocidos.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait_of_Maria_Trip.Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

El Retrato de Maria Trip es una pintura de Rembrandt de 1639 en el Rijksmuseum de Ámsterdam, uno de sus retratos más conocidos.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: How does Portrait_of_Maria_Trip explain its abstract?Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

El Retrato de Maria Trip es una pintura de Rembrandt de 1639 en el Rijksmuseum de Ámsterdam, uno de sus retratos más conocidos.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: In Portrait_of_Maria_Trip, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

El Retrato de Maria Trip es una pintura de Rembrandt de 1639 en el Rijksmuseum de Ámsterdam, uno de sus retratos más conocidos.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: Focus on Portrait_of_Maria_Trip and explain the Presentation.Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

Probablemente representa a Maria Trip (1619-1683), hermana de Jacobus Trip y desde 1641 esposa de Balthasar Coymans (1589-1657), treinta años mayor y con quien tuvo seis hijos, y luego del notario Pieter Ruysch. Era hija de Elias Trip (1570-1636), rico propietario de minas de hierro, fabricante y comerciante de armas y su esposa Aletta Adriaensdr (1570-1656). Esta identificación se basa en la procedencia del trabajo y se realizó sobre la base de la investigación de Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).[1]En el mismo año de 1639 Rembrandt también pintó el retrato de su madre.Hay un estudio preliminar del retrato en el Museo Británico. Debido a que este estudio preliminar muestra una superficie pintada más grande, los miembros del Proyecto de Investigación Rembrandt creen que la pintura fue recortada en todos sus lados en algún momento desconocido.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: Explain the Presentation of this artwork, Portrait_of_Maria_Trip.Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

Probablemente representa a Maria Trip (1619-1683), hermana de Jacobus Trip y desde 1641 esposa de Balthasar Coymans (1589-1657), treinta años mayor y con quien tuvo seis hijos, y luego del notario Pieter Ruysch. Era hija de Elias Trip (1570-1636), rico propietario de minas de hierro, fabricante y comerciante de armas y su esposa Aletta Adriaensdr (1570-1656). Esta identificación se basa en la procedencia del trabajo y se realizó sobre la base de la investigación de Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).[1]En el mismo año de 1639 Rembrandt también pintó el retrato de su madre.Hay un estudio preliminar del retrato en el Museo Británico. Debido a que este estudio preliminar muestra una superficie pintada más grande, los miembros del Proyecto de Investigación Rembrandt creen que la pintura fue recortada en todos sus lados en algún momento desconocido.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

Probablemente representa a Maria Trip (1619-1683), hermana de Jacobus Trip y desde 1641 esposa de Balthasar Coymans (1589-1657), treinta años mayor y con quien tuvo seis hijos, y luego del notario Pieter Ruysch. Era hija de Elias Trip (1570-1636), rico propietario de minas de hierro, fabricante y comerciante de armas y su esposa Aletta Adriaensdr (1570-1656). Esta identificación se basa en la procedencia del trabajo y se realizó sobre la base de la investigación de Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).[1]En el mismo año de 1639 Rembrandt también pintó el retrato de su madre.Hay un estudio preliminar del retrato en el Museo Británico. Debido a que este estudio preliminar muestra una superficie pintada más grande, los miembros del Proyecto de Investigación Rembrandt creen que la pintura fue recortada en todos sus lados en algún momento desconocido.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: In Portrait_of_Maria_Trip, how is the Presentation discussed?Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

Probablemente representa a Maria Trip (1619-1683), hermana de Jacobus Trip y desde 1641 esposa de Balthasar Coymans (1589-1657), treinta años mayor y con quien tuvo seis hijos, y luego del notario Pieter Ruysch. Era hija de Elias Trip (1570-1636), rico propietario de minas de hierro, fabricante y comerciante de armas y su esposa Aletta Adriaensdr (1570-1656). Esta identificación se basa en la procedencia del trabajo y se realizó sobre la base de la investigación de Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).[1]En el mismo año de 1639 Rembrandt también pintó el retrato de su madre.Hay un estudio preliminar del retrato en el Museo Británico. Debido a que este estudio preliminar muestra una superficie pintada más grande, los miembros del Proyecto de Investigación Rembrandt creen que la pintura fue recortada en todos sus lados en algún momento desconocido.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra está firmada en la esquina inferior izquierda 'Rembrandt f / 1639'. Sin embargo, según el Rembrandt Research Project, esta firma fue copiada de otro trabajo imitando la caligrafía del artista y no es auténtica. No hay duda de la autenticidad de la obra en sí.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra está firmada en la esquina inferior izquierda 'Rembrandt f / 1639'. Sin embargo, según el Rembrandt Research Project, esta firma fue copiada de otro trabajo imitando la caligrafía del artista y no es auténtica. No hay duda de la autenticidad de la obra en sí.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra está firmada en la esquina inferior izquierda 'Rembrandt f / 1639'. Sin embargo, según el Rembrandt Research Project, esta firma fue copiada de otro trabajo imitando la caligrafía del artista y no es auténtica. No hay duda de la autenticidad de la obra en sí.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: In Portrait_of_Maria_Trip, how is the Attribution and citations discussed?Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra está firmada en la esquina inferior izquierda 'Rembrandt f / 1639'. Sin embargo, según el Rembrandt Research Project, esta firma fue copiada de otro trabajo imitando la caligrafía del artista y no es auténtica. No hay duda de la autenticidad de la obra en sí.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: Focus on Portrait_of_Maria_Trip and explain the Portrait.Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.


Portrait_of_Maria_Trip

Prompt: How does Portrait_of_Maria_Trip explain its Origin?Please output in Spanish.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.


Portrait_of_Maria_Trip

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Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.


A boy lighting a candle

Prompt: Focus on A boy lighting a candle and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the abstract of this artwork, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.


A boy lighting a candle

Prompt: How does A boy lighting a candle explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.


A boy lighting a candle

Prompt: In A boy lighting a candle, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.


A boy lighting a candle

Prompt: Focus on A boy lighting a candle and explain the Analysis.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the Analysis of this artwork, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]


A boy lighting a candle

Prompt: How does A boy lighting a candle explain its Analysis?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]


A boy lighting a candle

Prompt: In A boy lighting a candle, how is the Analysis discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]


A boy lighting a candle

Prompt: Focusing on the Analysis of the works of A boy lighting a candle, explain the Technical and registration data about the Version from Naples.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the Technical and registration data about the Version from Naples of the Analysis of the works in this work, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.


A boy lighting a candle

Prompt: Regarding A boy lighting a candle, how does the Analysis of the works's Version from Naples  incorporate the Technical and registration data.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.


A boy lighting a candle

Prompt: When looking at the Analysis of the works of A boy lighting a candle, how do you discuss its Version from Naples's Technical and registration data?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.


A boy lighting a candle

Prompt: Focusing on the Analysis of the works of A boy lighting a candle, explain the Description of the work about the Version from Naples.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the Description of the work about the Version from Naples of the Analysis of the works in this work, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: Regarding A boy lighting a candle, how does the Analysis of the works's Version from Naples  incorporate the Description of the work.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: When looking at the Analysis of the works of A boy lighting a candle, how do you discuss its Version from Naples's Description of the work?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: Focusing on the Analysis of the works of A boy lighting a candle, explain the Technical and registration data about the Version of a private collection.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the Technical and registration data about the Version of a private collection of the Analysis of the works in this work, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.


A boy lighting a candle

Prompt: Regarding A boy lighting a candle, how does the Analysis of the works's Version of a private collection  incorporate the Technical and registration data.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.


A boy lighting a candle

Prompt: When looking at the Analysis of the works of A boy lighting a candle, how do you discuss its Version of a private collection's Technical and registration data?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.


A boy lighting a candle

Prompt: Focusing on the Analysis of the works of A boy lighting a candle, explain the Description of the work about the Version of a private collection.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: Explain the Description of the work about the Version of a private collection of the Analysis of the works in this work, A boy lighting a candle.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: Regarding A boy lighting a candle, how does the Analysis of the works's Version of a private collection  incorporate the Description of the work.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]


A boy lighting a candle

Prompt: When looking at the Analysis of the works of A boy lighting a candle, how do you discuss its Version of a private collection's Description of the work?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]


Retablo of Saint Luke

Prompt: Focus on Retablo of Saint Luke and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.


Retablo of Saint Luke

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Retablo of Saint Luke.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

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Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Categoría:Pinturas representando a Jesús

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Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.


Retablo of Saint Luke

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.


Retablo of Saint Luke

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Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista

El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.


Ulises_mocking_Polyphemus

Prompt: Focus on Ulises_mocking_Polyphemus and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Imagen:Joseph Mallord William Turner 064.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.


Ulises_mocking_Polyphemus

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Ulises_mocking_Polyphemus.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Imagen:Joseph Mallord William Turner 064.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.


Ulises_mocking_Polyphemus

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Imagen:Joseph Mallord William Turner 064.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.


Ulises_mocking_Polyphemus

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Imagen:Joseph Mallord William Turner 064.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.


Fiesole Retablo

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 02.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 01.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.


Fiesole Retablo

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 02.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 01.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.


Fiesole Retablo

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 01.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.


Fiesole Retablo

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 01.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

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El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.


Fiesole Retablo

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 02.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 01.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.


Fiesole Retablo

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 02.jpg

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

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El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.


Fiesole Retablo

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 04.jpg

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.


Fiesole Retablo

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 03.jpg

El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.


Fiesole Retablo

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).


Fiesole Retablo

Prompt: Explain the Description of this artwork, Fiesole Retablo.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).


Fiesole Retablo

Prompt: How does Fiesole Retablo explain its Description?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).


Fiesole Retablo

Prompt: In Fiesole Retablo, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).


Fiesole Retablo

Prompt: Focus on Fiesole Retablo and explain the Style.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.