Gertrude_Stein

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Categoría:Escritores en inglés del siglo XX

Archivo:Plaque Gertrude Stein, 27 rue de Fleurus, Paris 6.jpg

Placa de Gertrude Stein en 27 rue de Fleurus

Archivo:Leo, Gertrude, Michael Stein.jpg

Rosa es una rosa es una rosa es una rosa

Categoría:Escritores en inglés del siglo XIX

Categoría:Escritoras LGBT de Estados Unidos

Lugar de nacimiento y niñez de Gertrude Stein en Allegheny West.

Instituto de Estudios Avanzados Radcliffe

Archivo:Félix Valloton, Portrait of Gertrude Stein, 1907.jpg

Categoría:Sepultados en el cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer de estómago

Gertrude Stein con el hijo de [[Ernest Hemingway

Categoría:Historia LGBT de Estados Unidos

Tumba de Stein en el [[Cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer en Francia

Escuela de Medicina de la Universidad Johns Hopkins

The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, The Metropolitan Museum of Art of New-York, February 28 – June 3, 2012 ..The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, San Francisco Museum of Modern Art, 21 de mayo – 6 de septiembre2011, archivado desde el original el 24 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, Washington, D.C.: The National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, October 14, 2011 – January 22, 2012 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, San Francisco: Contemporary Jewish Museum, 12 de mayo – 6 de septiembre de 2011, archivado desde el original el 28 de julio de 2011, consultado el 25 de junio de 2011 ..Four Saints in Three Acts: Four live presentations of a new production, San Francisco: Yerba Buena Center for the Arts, August 18–21, 2011, archivado desde el original el 21 de marzo de 2012, consultado el 10 de junio de 2015 ..Picasso: Masterpieces from the Musée National Picasso, Paris, San Francisco: M. H. de Young Memorial Museum, June 11 – October 9, 2011, archivado desde el original el 28 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 .Riba-Rovira year 2012 Galeria Muro,  escrito en Valencia, Homenage for Gertrude Stein, Valencia, ES .


Gertrude_Stein

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Categoría:Escritores en inglés del siglo XX

Archivo:Plaque Gertrude Stein, 27 rue de Fleurus, Paris 6.jpg

Placa de Gertrude Stein en 27 rue de Fleurus

Archivo:Leo, Gertrude, Michael Stein.jpg

Rosa es una rosa es una rosa es una rosa

Categoría:Escritores en inglés del siglo XIX

Categoría:Escritoras LGBT de Estados Unidos

Lugar de nacimiento y niñez de Gertrude Stein en Allegheny West.

Instituto de Estudios Avanzados Radcliffe

Archivo:Félix Valloton, Portrait of Gertrude Stein, 1907.jpg

Categoría:Sepultados en el cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer de estómago

Gertrude Stein con el hijo de [[Ernest Hemingway

Categoría:Historia LGBT de Estados Unidos

Tumba de Stein en el [[Cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer en Francia

Escuela de Medicina de la Universidad Johns Hopkins

The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, The Metropolitan Museum of Art of New-York, February 28 – June 3, 2012 ..The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, San Francisco Museum of Modern Art, 21 de mayo – 6 de septiembre2011, archivado desde el original el 24 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, Washington, D.C.: The National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, October 14, 2011 – January 22, 2012 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, San Francisco: Contemporary Jewish Museum, 12 de mayo – 6 de septiembre de 2011, archivado desde el original el 28 de julio de 2011, consultado el 25 de junio de 2011 ..Four Saints in Three Acts: Four live presentations of a new production, San Francisco: Yerba Buena Center for the Arts, August 18–21, 2011, archivado desde el original el 21 de marzo de 2012, consultado el 10 de junio de 2015 ..Picasso: Masterpieces from the Musée National Picasso, Paris, San Francisco: M. H. de Young Memorial Museum, June 11 – October 9, 2011, archivado desde el original el 28 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 .Riba-Rovira year 2012 Galeria Muro,  escrito en Valencia, Homenage for Gertrude Stein, Valencia, ES .


Gertrude_Stein

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Categoría:Escritores en inglés del siglo XX

Archivo:Plaque Gertrude Stein, 27 rue de Fleurus, Paris 6.jpg

Placa de Gertrude Stein en 27 rue de Fleurus

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Rosa es una rosa es una rosa es una rosa

Categoría:Escritores en inglés del siglo XIX

Categoría:Escritoras LGBT de Estados Unidos

Lugar de nacimiento y niñez de Gertrude Stein en Allegheny West.

Instituto de Estudios Avanzados Radcliffe

Archivo:Félix Valloton, Portrait of Gertrude Stein, 1907.jpg

Categoría:Sepultados en el cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer de estómago

Gertrude Stein con el hijo de [[Ernest Hemingway

Categoría:Historia LGBT de Estados Unidos

Tumba de Stein en el [[Cementerio del Père-Lachaise

Categoría:Fallecidos por cáncer en Francia

Escuela de Medicina de la Universidad Johns Hopkins

The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, The Metropolitan Museum of Art of New-York, February 28 – June 3, 2012 ..The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde, San Francisco Museum of Modern Art, 21 de mayo – 6 de septiembre2011, archivado desde el original el 24 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, Washington, D.C.: The National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, October 14, 2011 – January 22, 2012 ..Seeing Gertrude Stein: five stories, San Francisco: Contemporary Jewish Museum, 12 de mayo – 6 de septiembre de 2011, archivado desde el original el 28 de julio de 2011, consultado el 25 de junio de 2011 ..Four Saints in Three Acts: Four live presentations of a new production, San Francisco: Yerba Buena Center for the Arts, August 18–21, 2011, archivado desde el original el 21 de marzo de 2012, consultado el 10 de junio de 2015 ..Picasso: Masterpieces from the Musée National Picasso, Paris, San Francisco: M. H. de Young Memorial Museum, June 11 – October 9, 2011, archivado desde el original el 28 de junio de 2011, consultado el 10 de junio de 2015 .Riba-Rovira year 2012 Galeria Muro,  escrito en Valencia, Homenage for Gertrude Stein, Valencia, ES .


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

El Retrato de Giovanna Tornabuoni es una pintura del pintor italiano renacentista Domenico Ghirlandaio que data del año 1488. En la actualidad, permanece expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).


Portrait of Giovanna Tornabuoni

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait of Giovanna Tornabuoni.Please output in Spanish.

Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

El Retrato de Giovanna Tornabuoni es una pintura del pintor italiano renacentista Domenico Ghirlandaio que data del año 1488. En la actualidad, permanece expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

El Retrato de Giovanna Tornabuoni es una pintura del pintor italiano renacentista Domenico Ghirlandaio que data del año 1488. En la actualidad, permanece expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

El Retrato de Giovanna Tornabuoni es una pintura del pintor italiano renacentista Domenico Ghirlandaio que data del año 1488. En la actualidad, permanece expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España).


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d. C. Marco Valerio Marcial. El texto dice: « ARS VTINAM MORES/ANIMVMQVE EFFINGERE/POSSES PVLCHRIOR IN TER/RIS NVLLA TABELLA FORET/MCCCCLXXXVIII ». (Oh arte, si tan solo pudieras representar el alma y el carácter, no habría una imagen más hermosa en la tierra).[1]


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d. C. Marco Valerio Marcial. El texto dice: « ARS VTINAM MORES/ANIMVMQVE EFFINGERE/POSSES PVLCHRIOR IN TER/RIS NVLLA TABELLA FORET/MCCCCLXXXVIII ». (Oh arte, si tan solo pudieras representar el alma y el carácter, no habría una imagen más hermosa en la tierra).[1]


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d. C. Marco Valerio Marcial. El texto dice: « ARS VTINAM MORES/ANIMVMQVE EFFINGERE/POSSES PVLCHRIOR IN TER/RIS NVLLA TABELLA FORET/MCCCCLXXXVIII ». (Oh arte, si tan solo pudieras representar el alma y el carácter, no habría una imagen más hermosa en la tierra).[1]


Portrait of Giovanna Tornabuoni

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Categoría:Cuadros de Domenico Ghirlandaio

La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d. C. Marco Valerio Marcial. El texto dice: « ARS VTINAM MORES/ANIMVMQVE EFFINGERE/POSSES PVLCHRIOR IN TER/RIS NVLLA TABELLA FORET/MCCCCLXXXVIII ». (Oh arte, si tan solo pudieras representar el alma y el carácter, no habría una imagen más hermosa en la tierra).[1]


Fountain of King Fahd

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Categoría:Edificios y estructuras de Yeda

Categoría:Arquitectura de Arabia Saudita del siglo XX

La Fuente del Rey Fahd (en árabe: نافورة الملك فهد)[1] también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies (312 m) sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. La fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros (233 millas) por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas (16.000 kg). Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en  1985. La fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento La Hora del Planeta de 2010.


Fountain of King Fahd

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Categoría:Edificios y estructuras de Yeda

Categoría:Arquitectura de Arabia Saudita del siglo XX

La Fuente del Rey Fahd (en árabe: نافورة الملك فهد)[1] también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies (312 m) sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. La fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros (233 millas) por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas (16.000 kg). Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en  1985. La fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento La Hora del Planeta de 2010.


Fountain of King Fahd

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Categoría:Edificios y estructuras de Yeda

Categoría:Arquitectura de Arabia Saudita del siglo XX

La Fuente del Rey Fahd (en árabe: نافورة الملك فهد)[1] también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies (312 m) sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. La fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros (233 millas) por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas (16.000 kg). Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en  1985. La fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento La Hora del Planeta de 2010.


Fountain of King Fahd

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Categoría:Edificios y estructuras de Yeda

Categoría:Arquitectura de Arabia Saudita del siglo XX

La Fuente del Rey Fahd (en árabe: نافورة الملك فهد)[1] también conocida como la Fuente de Yeda, es la fuente más alta de su tipo en el mundo. Situada en la costa de Yeda, en el litoral oeste del Reino de Arabia Saudita. Los chorros de la fuente de agua alcanzan hasta 1.024 pies (312 m) sobre el Mar Rojo. Fue donada a la ciudad de Yeda por el rey Fahd, de ahí su nombre. La fuente es visible en toda la vecindad de Yeda. El agua que se expulsa puede alcanzar una velocidad de 375 kilómetros (233 millas) por hora y su masa en el aire puede exceder 18 toneladas cortas (16.000 kg). Fue construida entre 1980 y 1983 y comenzó a funcionar en  1985. La fuente utiliza agua salada procedente del Mar Rojo en lugar de agua dulce. Se utilizan más de 500 focos para iluminar la fuente en la noche.El 27 de marzo de 2010, las luces de la fuente se apagaron en apoyo al movimiento La Hora del Planeta de 2010.


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

El aguador de Sevilla es una de las más destacadas obras de juventud de Diego Velázquez, pintada en los últimos años de su estancia en Sevilla y conservada actualmente en el Wellington Museum, instalado en el palacio londinense de Apsley House, tras haber sido regalada por Fernando VII al general Arthur Wellesley en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la Independencia.[1]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

El aguador de Sevilla es una de las más destacadas obras de juventud de Diego Velázquez, pintada en los últimos años de su estancia en Sevilla y conservada actualmente en el Wellington Museum, instalado en el palacio londinense de Apsley House, tras haber sido regalada por Fernando VII al general Arthur Wellesley en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la Independencia.[1]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

El aguador de Sevilla es una de las más destacadas obras de juventud de Diego Velázquez, pintada en los últimos años de su estancia en Sevilla y conservada actualmente en el Wellington Museum, instalado en el palacio londinense de Apsley House, tras haber sido regalada por Fernando VII al general Arthur Wellesley en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la Independencia.[1]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

El aguador de Sevilla es una de las más destacadas obras de juventud de Diego Velázquez, pintada en los últimos años de su estancia en Sevilla y conservada actualmente en el Wellington Museum, instalado en el palacio londinense de Apsley House, tras haber sido regalada por Fernando VII al general Arthur Wellesley en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la Independencia.[1]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

La pintura pertenece al género del bodegón con figuras que Velázquez practicó durante sus años de formación en Sevilla para adquirir por ese medio el completo dominio de la imitación del natural, según defendía su suegro Francisco Pacheco en El arte de la pintura. De las pinturas tempranas de Velázquez, es la que cuenta con mayor número de testimonios documentales y literarios, habiendo sido extensamente descrita, aunque de memoria y con errores, por Antonio Palomino, que la ponía como ejemplo de las pinturas de género a las que se había entregado el pintor en sus primeros años:  Su datación oscila, según los especialistas, entre 1618 y 1622, pero en todo caso se presume sea posterior a la Vieja friendo huevos, otra de las obras destacadas de este periodo pero de técnica más inexperta, e incluso, según insinúa Jonathan Brown, podría haber sido pintada ya en Madrid en 1623.[3] El cuadro perteneció por regalo o venta a Juan de Fonseca, clérigo y maestrescuela sevillano llamado a la corte por el Conde-Duque de Olivares donde desempeñaba el cargo de sumiller de cortina al servicio de Felipe IV. Fonseca, por orden de Olivares, fue quien llamó a Velázquez a Madrid, siendo su primer protector en la corte. El retrato que Velázquez le pintó a poco de llegar a Madrid fue, según Pacheco, lo primero de su mano que vio el rey, abriéndole las puertas de palacio.[4] El 28 de enero de 1627 el propio Velázquez se encargó de su tasación en el inventario de los bienes dejados por Fonseca a su muerte, dando una sencilla descripción de la pintura, valorada en 400 reales: «un quadro de un aguador de mano de Diego Velázquez».[5] Como «un aguador» fue adquirido en la almoneda de los bienes de Fonseca por Gaspar de Bracamonte, camarero del infante don Carlos, habiéndoselo adjudicado por 330 reales a cuenta de deudas; perteneció luego al cardenal-infante don Fernando antes de pasar al Palacio del Buen Retiro, donde en el inventario de 1700 se aventuró por primera vez el nombre de «el corzo de Sevilla» para denominar al aguador: «496 Ottra de Vara de alto y ttres quartas de ancho Con Un rettrato de Un Aguador de Velázquez llamado el dicho Aguador el corzo de Sevilla». Más tarde se incorporó al Palacio Real Nuevo donde lo vio Antonio Ponz y fue grabado al aguafuerte por Goya. También Blas Ametller lo grabó en 1793 a buril y aguafuerte bajo la dirección de Manuel Salvador Carmona y por dibujo de León Bueno por encargo de la Compañía para grabar los cuadros de los Reales Palacios.[6] Según explicaba la leyenda al pie: En 1813 fue apresado por el duque de Wellington con el equipaje de José Bonaparte tras la batalla de Vitoria y llevado a Inglaterra. Regalado al duque por Fernando VII, permanece desde entonces en Apsley House.


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

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La pintura pertenece al género del bodegón con figuras que Velázquez practicó durante sus años de formación en Sevilla para adquirir por ese medio el completo dominio de la imitación del natural, según defendía su suegro Francisco Pacheco en El arte de la pintura. De las pinturas tempranas de Velázquez, es la que cuenta con mayor número de testimonios documentales y literarios, habiendo sido extensamente descrita, aunque de memoria y con errores, por Antonio Palomino, que la ponía como ejemplo de las pinturas de género a las que se había entregado el pintor en sus primeros años:  Su datación oscila, según los especialistas, entre 1618 y 1622, pero en todo caso se presume sea posterior a la Vieja friendo huevos, otra de las obras destacadas de este periodo pero de técnica más inexperta, e incluso, según insinúa Jonathan Brown, podría haber sido pintada ya en Madrid en 1623.[3] El cuadro perteneció por regalo o venta a Juan de Fonseca, clérigo y maestrescuela sevillano llamado a la corte por el Conde-Duque de Olivares donde desempeñaba el cargo de sumiller de cortina al servicio de Felipe IV. Fonseca, por orden de Olivares, fue quien llamó a Velázquez a Madrid, siendo su primer protector en la corte. El retrato que Velázquez le pintó a poco de llegar a Madrid fue, según Pacheco, lo primero de su mano que vio el rey, abriéndole las puertas de palacio.[4] El 28 de enero de 1627 el propio Velázquez se encargó de su tasación en el inventario de los bienes dejados por Fonseca a su muerte, dando una sencilla descripción de la pintura, valorada en 400 reales: «un quadro de un aguador de mano de Diego Velázquez».[5] Como «un aguador» fue adquirido en la almoneda de los bienes de Fonseca por Gaspar de Bracamonte, camarero del infante don Carlos, habiéndoselo adjudicado por 330 reales a cuenta de deudas; perteneció luego al cardenal-infante don Fernando antes de pasar al Palacio del Buen Retiro, donde en el inventario de 1700 se aventuró por primera vez el nombre de «el corzo de Sevilla» para denominar al aguador: «496 Ottra de Vara de alto y ttres quartas de ancho Con Un rettrato de Un Aguador de Velázquez llamado el dicho Aguador el corzo de Sevilla». Más tarde se incorporó al Palacio Real Nuevo donde lo vio Antonio Ponz y fue grabado al aguafuerte por Goya. También Blas Ametller lo grabó en 1793 a buril y aguafuerte bajo la dirección de Manuel Salvador Carmona y por dibujo de León Bueno por encargo de la Compañía para grabar los cuadros de los Reales Palacios.[6] Según explicaba la leyenda al pie: En 1813 fue apresado por el duque de Wellington con el equipaje de José Bonaparte tras la batalla de Vitoria y llevado a Inglaterra. Regalado al duque por Fernando VII, permanece desde entonces en Apsley House.


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

La pintura pertenece al género del bodegón con figuras que Velázquez practicó durante sus años de formación en Sevilla para adquirir por ese medio el completo dominio de la imitación del natural, según defendía su suegro Francisco Pacheco en El arte de la pintura. De las pinturas tempranas de Velázquez, es la que cuenta con mayor número de testimonios documentales y literarios, habiendo sido extensamente descrita, aunque de memoria y con errores, por Antonio Palomino, que la ponía como ejemplo de las pinturas de género a las que se había entregado el pintor en sus primeros años:  Su datación oscila, según los especialistas, entre 1618 y 1622, pero en todo caso se presume sea posterior a la Vieja friendo huevos, otra de las obras destacadas de este periodo pero de técnica más inexperta, e incluso, según insinúa Jonathan Brown, podría haber sido pintada ya en Madrid en 1623.[3] El cuadro perteneció por regalo o venta a Juan de Fonseca, clérigo y maestrescuela sevillano llamado a la corte por el Conde-Duque de Olivares donde desempeñaba el cargo de sumiller de cortina al servicio de Felipe IV. Fonseca, por orden de Olivares, fue quien llamó a Velázquez a Madrid, siendo su primer protector en la corte. El retrato que Velázquez le pintó a poco de llegar a Madrid fue, según Pacheco, lo primero de su mano que vio el rey, abriéndole las puertas de palacio.[4] El 28 de enero de 1627 el propio Velázquez se encargó de su tasación en el inventario de los bienes dejados por Fonseca a su muerte, dando una sencilla descripción de la pintura, valorada en 400 reales: «un quadro de un aguador de mano de Diego Velázquez».[5] Como «un aguador» fue adquirido en la almoneda de los bienes de Fonseca por Gaspar de Bracamonte, camarero del infante don Carlos, habiéndoselo adjudicado por 330 reales a cuenta de deudas; perteneció luego al cardenal-infante don Fernando antes de pasar al Palacio del Buen Retiro, donde en el inventario de 1700 se aventuró por primera vez el nombre de «el corzo de Sevilla» para denominar al aguador: «496 Ottra de Vara de alto y ttres quartas de ancho Con Un rettrato de Un Aguador de Velázquez llamado el dicho Aguador el corzo de Sevilla». Más tarde se incorporó al Palacio Real Nuevo donde lo vio Antonio Ponz y fue grabado al aguafuerte por Goya. También Blas Ametller lo grabó en 1793 a buril y aguafuerte bajo la dirección de Manuel Salvador Carmona y por dibujo de León Bueno por encargo de la Compañía para grabar los cuadros de los Reales Palacios.[6] Según explicaba la leyenda al pie: En 1813 fue apresado por el duque de Wellington con el equipaje de José Bonaparte tras la batalla de Vitoria y llevado a Inglaterra. Regalado al duque por Fernando VII, permanece desde entonces en Apsley House.


The Water Carrier of Seville

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Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

La pintura pertenece al género del bodegón con figuras que Velázquez practicó durante sus años de formación en Sevilla para adquirir por ese medio el completo dominio de la imitación del natural, según defendía su suegro Francisco Pacheco en El arte de la pintura. De las pinturas tempranas de Velázquez, es la que cuenta con mayor número de testimonios documentales y literarios, habiendo sido extensamente descrita, aunque de memoria y con errores, por Antonio Palomino, que la ponía como ejemplo de las pinturas de género a las que se había entregado el pintor en sus primeros años:  Su datación oscila, según los especialistas, entre 1618 y 1622, pero en todo caso se presume sea posterior a la Vieja friendo huevos, otra de las obras destacadas de este periodo pero de técnica más inexperta, e incluso, según insinúa Jonathan Brown, podría haber sido pintada ya en Madrid en 1623.[3] El cuadro perteneció por regalo o venta a Juan de Fonseca, clérigo y maestrescuela sevillano llamado a la corte por el Conde-Duque de Olivares donde desempeñaba el cargo de sumiller de cortina al servicio de Felipe IV. Fonseca, por orden de Olivares, fue quien llamó a Velázquez a Madrid, siendo su primer protector en la corte. El retrato que Velázquez le pintó a poco de llegar a Madrid fue, según Pacheco, lo primero de su mano que vio el rey, abriéndole las puertas de palacio.[4] El 28 de enero de 1627 el propio Velázquez se encargó de su tasación en el inventario de los bienes dejados por Fonseca a su muerte, dando una sencilla descripción de la pintura, valorada en 400 reales: «un quadro de un aguador de mano de Diego Velázquez».[5] Como «un aguador» fue adquirido en la almoneda de los bienes de Fonseca por Gaspar de Bracamonte, camarero del infante don Carlos, habiéndoselo adjudicado por 330 reales a cuenta de deudas; perteneció luego al cardenal-infante don Fernando antes de pasar al Palacio del Buen Retiro, donde en el inventario de 1700 se aventuró por primera vez el nombre de «el corzo de Sevilla» para denominar al aguador: «496 Ottra de Vara de alto y ttres quartas de ancho Con Un rettrato de Un Aguador de Velázquez llamado el dicho Aguador el corzo de Sevilla». Más tarde se incorporó al Palacio Real Nuevo donde lo vio Antonio Ponz y fue grabado al aguafuerte por Goya. También Blas Ametller lo grabó en 1793 a buril y aguafuerte bajo la dirección de Manuel Salvador Carmona y por dibujo de León Bueno por encargo de la Compañía para grabar los cuadros de los Reales Palacios.[6] Según explicaba la leyenda al pie: En 1813 fue apresado por el duque de Wellington con el equipaje de José Bonaparte tras la batalla de Vitoria y llevado a Inglaterra. Regalado al duque por Fernando VII, permanece desde entonces en Apsley House.


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

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''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Protagonistas del cuadro son un anciano aguador vestido con un capote pardo, bajo el que asoma una camisa blanca y limpia, y el muchacho que de él recibe una copa de cristal fino llena de agua. El muchacho, vestido de negro y con amplio cuello blanco, inclina la cabeza, en un escorzo semejante al del joven recadero de La vieja friendo huevos, para recoger la copa con gesto grave, sin cruzarse las miradas. Entre ellos, casi confundido en las sombras del fondo de color tierra oscuro, otro hombre de mediana edad bebe en lo que parece una jarrilla de loza. El brazo izquierdo del anciano se proyecta en escorzo hacia fuera del cuadro, apoyando la mano en un cántaro grande de cerámica en el que se dibujan las marcas del torno, cortado en su parte inferior y sin apoyo dentro del lienzo. En su superficie rezuma el líquido y brillan algunas gotas de agua. Ante él, sobre una mesa o banco, aparece otra alcarraza de arcilla de menor tamaño, cubierta por una taza de loza blanca.Velázquez insiste en el dibujo, la luz dirigida creadora del fuerte modelado y los aspectos táctiles de los objetos con mayor meticulosidad que en otras obras tempranas, pero además recalca esa tangibilidad con la rotura del marco, privando al cántaro en primer término de asiento, pues éste queda más allá del espacio comprendido en la tela y situado en el espacio del espectador, hacia el que se proyecta la mano del anciano. El aguador es, pese a su aparente naturalidad, el resultado final de un meticuloso estudio del dibujo y de las posibilidades de la pintura para recrear el natural por procedimientos exclusivamente pictóricos. Velázquez pone el mismo interés en representar los diversos tipos humanos —por la contraposición de edades— y la expresión de sus emociones, como en analizar las calidades táctiles de los objetos, respondiendo a un interés científico por los efectos de la visión en los que la luz controlada desempeña un papel fundamental por la forma diversa de verse reflejada en los diferentes objetos. La afirmación de Pacheco de que Velázquez en sus años de formación dibujaba con frecuencia a un aldeanillo en diferentes posturas y representando emociones diferentes, «sin perdonar dificultad alguna», puede aplicarse a los bodegones de estos primeros años, en los que el pintor parece querer dar respuesta a las dificultades con las que se ha ido enfrentado, mostrando el grado de dominio y perfección técnica alcanzado en cada momento. Velázquez responde con soluciones exclusivamente pictóricas —la mancha de agua que escurre por la superficie de la cerámica— como los escorzos o la representación del volumen mediante la luz —el «rilievo»—, e independientes de su significado, a problemas ópticos y psicológicos que habían sido puestos de actualidad por la teoría italiana del arte, unido todo ello al deseo de emular las obras de los artistas clásicos que, según Plinio, habían alcanzado un gran dominio de la representación del natural sirviéndose de sujetos bajos.


The Water Carrier of Seville

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Protagonistas del cuadro son un anciano aguador vestido con un capote pardo, bajo el que asoma una camisa blanca y limpia, y el muchacho que de él recibe una copa de cristal fino llena de agua. El muchacho, vestido de negro y con amplio cuello blanco, inclina la cabeza, en un escorzo semejante al del joven recadero de La vieja friendo huevos, para recoger la copa con gesto grave, sin cruzarse las miradas. Entre ellos, casi confundido en las sombras del fondo de color tierra oscuro, otro hombre de mediana edad bebe en lo que parece una jarrilla de loza. El brazo izquierdo del anciano se proyecta en escorzo hacia fuera del cuadro, apoyando la mano en un cántaro grande de cerámica en el que se dibujan las marcas del torno, cortado en su parte inferior y sin apoyo dentro del lienzo. En su superficie rezuma el líquido y brillan algunas gotas de agua. Ante él, sobre una mesa o banco, aparece otra alcarraza de arcilla de menor tamaño, cubierta por una taza de loza blanca.Velázquez insiste en el dibujo, la luz dirigida creadora del fuerte modelado y los aspectos táctiles de los objetos con mayor meticulosidad que en otras obras tempranas, pero además recalca esa tangibilidad con la rotura del marco, privando al cántaro en primer término de asiento, pues éste queda más allá del espacio comprendido en la tela y situado en el espacio del espectador, hacia el que se proyecta la mano del anciano. El aguador es, pese a su aparente naturalidad, el resultado final de un meticuloso estudio del dibujo y de las posibilidades de la pintura para recrear el natural por procedimientos exclusivamente pictóricos. Velázquez pone el mismo interés en representar los diversos tipos humanos —por la contraposición de edades— y la expresión de sus emociones, como en analizar las calidades táctiles de los objetos, respondiendo a un interés científico por los efectos de la visión en los que la luz controlada desempeña un papel fundamental por la forma diversa de verse reflejada en los diferentes objetos. La afirmación de Pacheco de que Velázquez en sus años de formación dibujaba con frecuencia a un aldeanillo en diferentes posturas y representando emociones diferentes, «sin perdonar dificultad alguna», puede aplicarse a los bodegones de estos primeros años, en los que el pintor parece querer dar respuesta a las dificultades con las que se ha ido enfrentado, mostrando el grado de dominio y perfección técnica alcanzado en cada momento. Velázquez responde con soluciones exclusivamente pictóricas —la mancha de agua que escurre por la superficie de la cerámica— como los escorzos o la representación del volumen mediante la luz —el «rilievo»—, e independientes de su significado, a problemas ópticos y psicológicos que habían sido puestos de actualidad por la teoría italiana del arte, unido todo ello al deseo de emular las obras de los artistas clásicos que, según Plinio, habían alcanzado un gran dominio de la representación del natural sirviéndose de sujetos bajos.


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Protagonistas del cuadro son un anciano aguador vestido con un capote pardo, bajo el que asoma una camisa blanca y limpia, y el muchacho que de él recibe una copa de cristal fino llena de agua. El muchacho, vestido de negro y con amplio cuello blanco, inclina la cabeza, en un escorzo semejante al del joven recadero de La vieja friendo huevos, para recoger la copa con gesto grave, sin cruzarse las miradas. Entre ellos, casi confundido en las sombras del fondo de color tierra oscuro, otro hombre de mediana edad bebe en lo que parece una jarrilla de loza. El brazo izquierdo del anciano se proyecta en escorzo hacia fuera del cuadro, apoyando la mano en un cántaro grande de cerámica en el que se dibujan las marcas del torno, cortado en su parte inferior y sin apoyo dentro del lienzo. En su superficie rezuma el líquido y brillan algunas gotas de agua. Ante él, sobre una mesa o banco, aparece otra alcarraza de arcilla de menor tamaño, cubierta por una taza de loza blanca.Velázquez insiste en el dibujo, la luz dirigida creadora del fuerte modelado y los aspectos táctiles de los objetos con mayor meticulosidad que en otras obras tempranas, pero además recalca esa tangibilidad con la rotura del marco, privando al cántaro en primer término de asiento, pues éste queda más allá del espacio comprendido en la tela y situado en el espacio del espectador, hacia el que se proyecta la mano del anciano. El aguador es, pese a su aparente naturalidad, el resultado final de un meticuloso estudio del dibujo y de las posibilidades de la pintura para recrear el natural por procedimientos exclusivamente pictóricos. Velázquez pone el mismo interés en representar los diversos tipos humanos —por la contraposición de edades— y la expresión de sus emociones, como en analizar las calidades táctiles de los objetos, respondiendo a un interés científico por los efectos de la visión en los que la luz controlada desempeña un papel fundamental por la forma diversa de verse reflejada en los diferentes objetos. La afirmación de Pacheco de que Velázquez en sus años de formación dibujaba con frecuencia a un aldeanillo en diferentes posturas y representando emociones diferentes, «sin perdonar dificultad alguna», puede aplicarse a los bodegones de estos primeros años, en los que el pintor parece querer dar respuesta a las dificultades con las que se ha ido enfrentado, mostrando el grado de dominio y perfección técnica alcanzado en cada momento. Velázquez responde con soluciones exclusivamente pictóricas —la mancha de agua que escurre por la superficie de la cerámica— como los escorzos o la representación del volumen mediante la luz —el «rilievo»—, e independientes de su significado, a problemas ópticos y psicológicos que habían sido puestos de actualidad por la teoría italiana del arte, unido todo ello al deseo de emular las obras de los artistas clásicos que, según Plinio, habían alcanzado un gran dominio de la representación del natural sirviéndose de sujetos bajos.


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Protagonistas del cuadro son un anciano aguador vestido con un capote pardo, bajo el que asoma una camisa blanca y limpia, y el muchacho que de él recibe una copa de cristal fino llena de agua. El muchacho, vestido de negro y con amplio cuello blanco, inclina la cabeza, en un escorzo semejante al del joven recadero de La vieja friendo huevos, para recoger la copa con gesto grave, sin cruzarse las miradas. Entre ellos, casi confundido en las sombras del fondo de color tierra oscuro, otro hombre de mediana edad bebe en lo que parece una jarrilla de loza. El brazo izquierdo del anciano se proyecta en escorzo hacia fuera del cuadro, apoyando la mano en un cántaro grande de cerámica en el que se dibujan las marcas del torno, cortado en su parte inferior y sin apoyo dentro del lienzo. En su superficie rezuma el líquido y brillan algunas gotas de agua. Ante él, sobre una mesa o banco, aparece otra alcarraza de arcilla de menor tamaño, cubierta por una taza de loza blanca.Velázquez insiste en el dibujo, la luz dirigida creadora del fuerte modelado y los aspectos táctiles de los objetos con mayor meticulosidad que en otras obras tempranas, pero además recalca esa tangibilidad con la rotura del marco, privando al cántaro en primer término de asiento, pues éste queda más allá del espacio comprendido en la tela y situado en el espacio del espectador, hacia el que se proyecta la mano del anciano. El aguador es, pese a su aparente naturalidad, el resultado final de un meticuloso estudio del dibujo y de las posibilidades de la pintura para recrear el natural por procedimientos exclusivamente pictóricos. Velázquez pone el mismo interés en representar los diversos tipos humanos —por la contraposición de edades— y la expresión de sus emociones, como en analizar las calidades táctiles de los objetos, respondiendo a un interés científico por los efectos de la visión en los que la luz controlada desempeña un papel fundamental por la forma diversa de verse reflejada en los diferentes objetos. La afirmación de Pacheco de que Velázquez en sus años de formación dibujaba con frecuencia a un aldeanillo en diferentes posturas y representando emociones diferentes, «sin perdonar dificultad alguna», puede aplicarse a los bodegones de estos primeros años, en los que el pintor parece querer dar respuesta a las dificultades con las que se ha ido enfrentado, mostrando el grado de dominio y perfección técnica alcanzado en cada momento. Velázquez responde con soluciones exclusivamente pictóricas —la mancha de agua que escurre por la superficie de la cerámica— como los escorzos o la representación del volumen mediante la luz —el «rilievo»—, e independientes de su significado, a problemas ópticos y psicológicos que habían sido puestos de actualidad por la teoría italiana del arte, unido todo ello al deseo de emular las obras de los artistas clásicos que, según Plinio, habían alcanzado un gran dominio de la representación del natural sirviéndose de sujetos bajos.


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Atendiendo a lo dicho por el propio Velázquez en el inventario de los bienes de Juan de Fonseca, el  cuadro tendría como tema, sencillamente, el retrato de «un aguador», oficio común en Sevilla. Estebanillo González en su Vida y hechos, que pretende ser novela autobiográfica, cuenta que llegando a Sevilla, por no ser perseguido como vagabundo, adoptó este oficio dejándose aconsejar por un anciano aguador «que me pareció letrado, porque tenía la barba de cola de pato». Estebanillo elegirá este trabajo, que siendo Sevilla una ciudad calurosa y muy poblada dejaba a sus oficiales un digno beneficio, porque siendo oficio «necesario en la república» no requería examen ni caudal para establecerse, bastándole para practicarlo con adquirir «un cántaro y dos cristalinos vidrios». Pagaba dos maravedíes por cada cántaro que llenaba en un pozo de agua fría de un portugués y la vendía luego como agua de la Alameda, poniendo sobre el tapador un ramito para acreditar tal origen, obteniendo con su venta dos reales más lo que le dejaba la venta de falsos jabones de Bolonia y mondadientes de Moscovia, a lo que dedicaba las mañanas por no ser esas horas buenas para la venta de agua.[8]  La posibilidad de que el sujeto representado sea el retrato de un aguador concreto, el supuesto Corzo o Corso de Sevilla al que alude el inventario de 1700, quien sería un personaje popular en la ciudad del Guadalquivir y en el que estaría pensando Palomino, más que en el propio cuadro, cuando pasando del presente al imperfecto decía que con el sayo abierto se le descubría el pecho con costras y callos, ha sido defendida por José López-Rey.[9] La crítica, en términos generales, no toma en consideración tal posibilidad, atendiendo a la tardía aparición del nombre del Corzo en los inventarios, y al contrario, observando en los gestos y actitudes de los personajes una composición de «naturaleza casi sacramental», ha preferido buscar mensajes ocultos, de interpretación insegura.[10] En este sentido, Leo Steinberg primero[11] y Julián Gállego han explicado El aguador como una representación de las tres edades en «una suerte de ceremonia iniciática», en la que el anciano, la Vejez, tiende la copa del conocimiento al muchacho más joven y de noble aspecto.[12] El propio Gállego apuntaba en 1990 que ese rito de iniciación pudiera hacer referencia también al amor, encontrando un símbolo sexual en el higo dibujado en el interior de la copa en la que bebe el adolescente, destinado a perfumar el agua según los comentaristas.[13] Como una representación de las tres edades, en la que a cada una correspondería una actividad, ha interpretado el cuadro también Fernando Marías: el anciano, abstraído, medita; el hombre actúa y el joven con la mirada pregunta. Pero, además, esas tres figuras enlazarían conceptualmente y de forma enigmática con los tres objetos que rivalizan con ellas en protagonismo —el cántaro, la jarra vidriada y la copa de cristal—, respondiendo a la luz conforme a su materia, opaca, reflectante y transparente.[14]Últimamente Manuela Mena ha propuesto identificar el asunto como una representación del filósofo ateniense Diógenes el Cínico en su función de pedagogo, interpretando así la ceremonia iniciática con relación a un asunto histórico concreto, la educación de los hijos de Xeníades, lo que convendría a una pintura destinada a un maestrescuela neoestoico como lo sería Juan de Fonseca, quien en el inventario de sus bienes contaba también con un retrato de Justo Lipsio.[15] Sin embargo, la copa de fino cristal que el aguador en el lienzo velazqueño entrega al joven, parece en contradicción con una de las más célebres anécdotas referidas al filósofo cínico, ilustrada entre otros por Nicolas Poussin (Diógenes tirando su escudilla, Museo del Louvre), según la cual, viendo el filósofo a un muchacho beber con las manos, arrojó su humilde vasija diciendo «un muchacho me gana en simplicidad y economía».[16]El nombre del primer propietario, aunque no hay modo de saber si el cuadro fue encargo suyo o se pintó para él, ha hecho pensar que el cuadro pudiera ocultar un juego de palabras. Según ello, tanto si se considera a Fonseca como primer protector de Velázquez o como maestrescuela, la transmisión del conocimiento mediante la entrega del agua indicaría que la «fuente» no está «seca».[17] Para Fernando Marías, el juego de palabras «lúdico y conceptuoso», se extendería también al segundo apellido, Figueroa, aludido en el higo —ficus— contenido dentro del agua de la fuente.[18]


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Atendiendo a lo dicho por el propio Velázquez en el inventario de los bienes de Juan de Fonseca, el  cuadro tendría como tema, sencillamente, el retrato de «un aguador», oficio común en Sevilla. Estebanillo González en su Vida y hechos, que pretende ser novela autobiográfica, cuenta que llegando a Sevilla, por no ser perseguido como vagabundo, adoptó este oficio dejándose aconsejar por un anciano aguador «que me pareció letrado, porque tenía la barba de cola de pato». Estebanillo elegirá este trabajo, que siendo Sevilla una ciudad calurosa y muy poblada dejaba a sus oficiales un digno beneficio, porque siendo oficio «necesario en la república» no requería examen ni caudal para establecerse, bastándole para practicarlo con adquirir «un cántaro y dos cristalinos vidrios». Pagaba dos maravedíes por cada cántaro que llenaba en un pozo de agua fría de un portugués y la vendía luego como agua de la Alameda, poniendo sobre el tapador un ramito para acreditar tal origen, obteniendo con su venta dos reales más lo que le dejaba la venta de falsos jabones de Bolonia y mondadientes de Moscovia, a lo que dedicaba las mañanas por no ser esas horas buenas para la venta de agua.[8]  La posibilidad de que el sujeto representado sea el retrato de un aguador concreto, el supuesto Corzo o Corso de Sevilla al que alude el inventario de 1700, quien sería un personaje popular en la ciudad del Guadalquivir y en el que estaría pensando Palomino, más que en el propio cuadro, cuando pasando del presente al imperfecto decía que con el sayo abierto se le descubría el pecho con costras y callos, ha sido defendida por José López-Rey.[9] La crítica, en términos generales, no toma en consideración tal posibilidad, atendiendo a la tardía aparición del nombre del Corzo en los inventarios, y al contrario, observando en los gestos y actitudes de los personajes una composición de «naturaleza casi sacramental», ha preferido buscar mensajes ocultos, de interpretación insegura.[10] En este sentido, Leo Steinberg primero[11] y Julián Gállego han explicado El aguador como una representación de las tres edades en «una suerte de ceremonia iniciática», en la que el anciano, la Vejez, tiende la copa del conocimiento al muchacho más joven y de noble aspecto.[12] El propio Gállego apuntaba en 1990 que ese rito de iniciación pudiera hacer referencia también al amor, encontrando un símbolo sexual en el higo dibujado en el interior de la copa en la que bebe el adolescente, destinado a perfumar el agua según los comentaristas.[13] Como una representación de las tres edades, en la que a cada una correspondería una actividad, ha interpretado el cuadro también Fernando Marías: el anciano, abstraído, medita; el hombre actúa y el joven con la mirada pregunta. Pero, además, esas tres figuras enlazarían conceptualmente y de forma enigmática con los tres objetos que rivalizan con ellas en protagonismo —el cántaro, la jarra vidriada y la copa de cristal—, respondiendo a la luz conforme a su materia, opaca, reflectante y transparente.[14]Últimamente Manuela Mena ha propuesto identificar el asunto como una representación del filósofo ateniense Diógenes el Cínico en su función de pedagogo, interpretando así la ceremonia iniciática con relación a un asunto histórico concreto, la educación de los hijos de Xeníades, lo que convendría a una pintura destinada a un maestrescuela neoestoico como lo sería Juan de Fonseca, quien en el inventario de sus bienes contaba también con un retrato de Justo Lipsio.[15] Sin embargo, la copa de fino cristal que el aguador en el lienzo velazqueño entrega al joven, parece en contradicción con una de las más célebres anécdotas referidas al filósofo cínico, ilustrada entre otros por Nicolas Poussin (Diógenes tirando su escudilla, Museo del Louvre), según la cual, viendo el filósofo a un muchacho beber con las manos, arrojó su humilde vasija diciendo «un muchacho me gana en simplicidad y economía».[16]El nombre del primer propietario, aunque no hay modo de saber si el cuadro fue encargo suyo o se pintó para él, ha hecho pensar que el cuadro pudiera ocultar un juego de palabras. Según ello, tanto si se considera a Fonseca como primer protector de Velázquez o como maestrescuela, la transmisión del conocimiento mediante la entrega del agua indicaría que la «fuente» no está «seca».[17] Para Fernando Marías, el juego de palabras «lúdico y conceptuoso», se extendería también al segundo apellido, Figueroa, aludido en el higo —ficus— contenido dentro del agua de la fuente.[18]


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Atendiendo a lo dicho por el propio Velázquez en el inventario de los bienes de Juan de Fonseca, el  cuadro tendría como tema, sencillamente, el retrato de «un aguador», oficio común en Sevilla. Estebanillo González en su Vida y hechos, que pretende ser novela autobiográfica, cuenta que llegando a Sevilla, por no ser perseguido como vagabundo, adoptó este oficio dejándose aconsejar por un anciano aguador «que me pareció letrado, porque tenía la barba de cola de pato». Estebanillo elegirá este trabajo, que siendo Sevilla una ciudad calurosa y muy poblada dejaba a sus oficiales un digno beneficio, porque siendo oficio «necesario en la república» no requería examen ni caudal para establecerse, bastándole para practicarlo con adquirir «un cántaro y dos cristalinos vidrios». Pagaba dos maravedíes por cada cántaro que llenaba en un pozo de agua fría de un portugués y la vendía luego como agua de la Alameda, poniendo sobre el tapador un ramito para acreditar tal origen, obteniendo con su venta dos reales más lo que le dejaba la venta de falsos jabones de Bolonia y mondadientes de Moscovia, a lo que dedicaba las mañanas por no ser esas horas buenas para la venta de agua.[8]  La posibilidad de que el sujeto representado sea el retrato de un aguador concreto, el supuesto Corzo o Corso de Sevilla al que alude el inventario de 1700, quien sería un personaje popular en la ciudad del Guadalquivir y en el que estaría pensando Palomino, más que en el propio cuadro, cuando pasando del presente al imperfecto decía que con el sayo abierto se le descubría el pecho con costras y callos, ha sido defendida por José López-Rey.[9] La crítica, en términos generales, no toma en consideración tal posibilidad, atendiendo a la tardía aparición del nombre del Corzo en los inventarios, y al contrario, observando en los gestos y actitudes de los personajes una composición de «naturaleza casi sacramental», ha preferido buscar mensajes ocultos, de interpretación insegura.[10] En este sentido, Leo Steinberg primero[11] y Julián Gállego han explicado El aguador como una representación de las tres edades en «una suerte de ceremonia iniciática», en la que el anciano, la Vejez, tiende la copa del conocimiento al muchacho más joven y de noble aspecto.[12] El propio Gállego apuntaba en 1990 que ese rito de iniciación pudiera hacer referencia también al amor, encontrando un símbolo sexual en el higo dibujado en el interior de la copa en la que bebe el adolescente, destinado a perfumar el agua según los comentaristas.[13] Como una representación de las tres edades, en la que a cada una correspondería una actividad, ha interpretado el cuadro también Fernando Marías: el anciano, abstraído, medita; el hombre actúa y el joven con la mirada pregunta. Pero, además, esas tres figuras enlazarían conceptualmente y de forma enigmática con los tres objetos que rivalizan con ellas en protagonismo —el cántaro, la jarra vidriada y la copa de cristal—, respondiendo a la luz conforme a su materia, opaca, reflectante y transparente.[14]Últimamente Manuela Mena ha propuesto identificar el asunto como una representación del filósofo ateniense Diógenes el Cínico en su función de pedagogo, interpretando así la ceremonia iniciática con relación a un asunto histórico concreto, la educación de los hijos de Xeníades, lo que convendría a una pintura destinada a un maestrescuela neoestoico como lo sería Juan de Fonseca, quien en el inventario de sus bienes contaba también con un retrato de Justo Lipsio.[15] Sin embargo, la copa de fino cristal que el aguador en el lienzo velazqueño entrega al joven, parece en contradicción con una de las más célebres anécdotas referidas al filósofo cínico, ilustrada entre otros por Nicolas Poussin (Diógenes tirando su escudilla, Museo del Louvre), según la cual, viendo el filósofo a un muchacho beber con las manos, arrojó su humilde vasija diciendo «un muchacho me gana en simplicidad y economía».[16]El nombre del primer propietario, aunque no hay modo de saber si el cuadro fue encargo suyo o se pintó para él, ha hecho pensar que el cuadro pudiera ocultar un juego de palabras. Según ello, tanto si se considera a Fonseca como primer protector de Velázquez o como maestrescuela, la transmisión del conocimiento mediante la entrega del agua indicaría que la «fuente» no está «seca».[17] Para Fernando Marías, el juego de palabras «lúdico y conceptuoso», se extendería también al segundo apellido, Figueroa, aludido en el higo —ficus— contenido dentro del agua de la fuente.[18]


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''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Atendiendo a lo dicho por el propio Velázquez en el inventario de los bienes de Juan de Fonseca, el  cuadro tendría como tema, sencillamente, el retrato de «un aguador», oficio común en Sevilla. Estebanillo González en su Vida y hechos, que pretende ser novela autobiográfica, cuenta que llegando a Sevilla, por no ser perseguido como vagabundo, adoptó este oficio dejándose aconsejar por un anciano aguador «que me pareció letrado, porque tenía la barba de cola de pato». Estebanillo elegirá este trabajo, que siendo Sevilla una ciudad calurosa y muy poblada dejaba a sus oficiales un digno beneficio, porque siendo oficio «necesario en la república» no requería examen ni caudal para establecerse, bastándole para practicarlo con adquirir «un cántaro y dos cristalinos vidrios». Pagaba dos maravedíes por cada cántaro que llenaba en un pozo de agua fría de un portugués y la vendía luego como agua de la Alameda, poniendo sobre el tapador un ramito para acreditar tal origen, obteniendo con su venta dos reales más lo que le dejaba la venta de falsos jabones de Bolonia y mondadientes de Moscovia, a lo que dedicaba las mañanas por no ser esas horas buenas para la venta de agua.[8]  La posibilidad de que el sujeto representado sea el retrato de un aguador concreto, el supuesto Corzo o Corso de Sevilla al que alude el inventario de 1700, quien sería un personaje popular en la ciudad del Guadalquivir y en el que estaría pensando Palomino, más que en el propio cuadro, cuando pasando del presente al imperfecto decía que con el sayo abierto se le descubría el pecho con costras y callos, ha sido defendida por José López-Rey.[9] La crítica, en términos generales, no toma en consideración tal posibilidad, atendiendo a la tardía aparición del nombre del Corzo en los inventarios, y al contrario, observando en los gestos y actitudes de los personajes una composición de «naturaleza casi sacramental», ha preferido buscar mensajes ocultos, de interpretación insegura.[10] En este sentido, Leo Steinberg primero[11] y Julián Gállego han explicado El aguador como una representación de las tres edades en «una suerte de ceremonia iniciática», en la que el anciano, la Vejez, tiende la copa del conocimiento al muchacho más joven y de noble aspecto.[12] El propio Gállego apuntaba en 1990 que ese rito de iniciación pudiera hacer referencia también al amor, encontrando un símbolo sexual en el higo dibujado en el interior de la copa en la que bebe el adolescente, destinado a perfumar el agua según los comentaristas.[13] Como una representación de las tres edades, en la que a cada una correspondería una actividad, ha interpretado el cuadro también Fernando Marías: el anciano, abstraído, medita; el hombre actúa y el joven con la mirada pregunta. Pero, además, esas tres figuras enlazarían conceptualmente y de forma enigmática con los tres objetos que rivalizan con ellas en protagonismo —el cántaro, la jarra vidriada y la copa de cristal—, respondiendo a la luz conforme a su materia, opaca, reflectante y transparente.[14]Últimamente Manuela Mena ha propuesto identificar el asunto como una representación del filósofo ateniense Diógenes el Cínico en su función de pedagogo, interpretando así la ceremonia iniciática con relación a un asunto histórico concreto, la educación de los hijos de Xeníades, lo que convendría a una pintura destinada a un maestrescuela neoestoico como lo sería Juan de Fonseca, quien en el inventario de sus bienes contaba también con un retrato de Justo Lipsio.[15] Sin embargo, la copa de fino cristal que el aguador en el lienzo velazqueño entrega al joven, parece en contradicción con una de las más célebres anécdotas referidas al filósofo cínico, ilustrada entre otros por Nicolas Poussin (Diógenes tirando su escudilla, Museo del Louvre), según la cual, viendo el filósofo a un muchacho beber con las manos, arrojó su humilde vasija diciendo «un muchacho me gana en simplicidad y economía».[16]El nombre del primer propietario, aunque no hay modo de saber si el cuadro fue encargo suyo o se pintó para él, ha hecho pensar que el cuadro pudiera ocultar un juego de palabras. Según ello, tanto si se considera a Fonseca como primer protector de Velázquez o como maestrescuela, la transmisión del conocimiento mediante la entrega del agua indicaría que la «fuente» no está «seca».[17] Para Fernando Marías, el juego de palabras «lúdico y conceptuoso», se extendería también al segundo apellido, Figueroa, aludido en el higo —ficus— contenido dentro del agua de la fuente.[18]


The Water Carrier of Seville

Prompt: Focus on The Water Carrier of Seville and explain the Replicas and old copies.Please output in Spanish.

''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Del Aguador se conocen dos réplicas o copias antiguas, la más destacada de ellas en la antigua colección Contini-Bonacossi de Florencia (Galería Uffizi), que José Gudiol pensó podría tratarse de la primera versión, distinta a ella no solo en su ejecución, notablemente más seca —incapaz de reproducir la exudación del barro—, sino en detalles como el bonete que cubre la cabeza del aguador, además de por hacer más nítido el dibujo del hombre de mediana edad y del vaso de loza vidriada en el que bebe, surgiendo de la penumbra en que los dejó Velázquez, alteraciones que en opinión de Gudiol serían impropias de un copista y abonarían una ejecución anterior.[19] Las radiografías que se han hecho del original velazqueño muestran, sin embargo, arrepentimientos en la posición y dibujo de las manos del aguador que no se advierten en la versión de Florencia, que es en esta parte copia del último estado.[20]


The Water Carrier of Seville

Prompt: Explain the Replicas and old copies of this artwork, The Water Carrier of Seville.Please output in Spanish.

''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Del Aguador se conocen dos réplicas o copias antiguas, la más destacada de ellas en la antigua colección Contini-Bonacossi de Florencia (Galería Uffizi), que José Gudiol pensó podría tratarse de la primera versión, distinta a ella no solo en su ejecución, notablemente más seca —incapaz de reproducir la exudación del barro—, sino en detalles como el bonete que cubre la cabeza del aguador, además de por hacer más nítido el dibujo del hombre de mediana edad y del vaso de loza vidriada en el que bebe, surgiendo de la penumbra en que los dejó Velázquez, alteraciones que en opinión de Gudiol serían impropias de un copista y abonarían una ejecución anterior.[19] Las radiografías que se han hecho del original velazqueño muestran, sin embargo, arrepentimientos en la posición y dibujo de las manos del aguador que no se advierten en la versión de Florencia, que es en esta parte copia del último estado.[20]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Archivo:Diego Velázquez - The Waterseller of Seville (detail) - WGA24367.jpg

Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Del Aguador se conocen dos réplicas o copias antiguas, la más destacada de ellas en la antigua colección Contini-Bonacossi de Florencia (Galería Uffizi), que José Gudiol pensó podría tratarse de la primera versión, distinta a ella no solo en su ejecución, notablemente más seca —incapaz de reproducir la exudación del barro—, sino en detalles como el bonete que cubre la cabeza del aguador, además de por hacer más nítido el dibujo del hombre de mediana edad y del vaso de loza vidriada en el que bebe, surgiendo de la penumbra en que los dejó Velázquez, alteraciones que en opinión de Gudiol serían impropias de un copista y abonarían una ejecución anterior.[19] Las radiografías que se han hecho del original velazqueño muestran, sin embargo, arrepentimientos en la posición y dibujo de las manos del aguador que no se advierten en la versión de Florencia, que es en esta parte copia del último estado.[20]


The Water Carrier of Seville

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''El aguador de Sevilla'', copia, [[Florencia

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas perdidas de la Colección Real española

Archivo:El aguador de Sevilla, por Diego Velázquez.jpg

''El aguador de Sevilla'', detalle. La jarra cubierta por una taza a modo de tapa es una [[alcarraza

Del Aguador se conocen dos réplicas o copias antiguas, la más destacada de ellas en la antigua colección Contini-Bonacossi de Florencia (Galería Uffizi), que José Gudiol pensó podría tratarse de la primera versión, distinta a ella no solo en su ejecución, notablemente más seca —incapaz de reproducir la exudación del barro—, sino en detalles como el bonete que cubre la cabeza del aguador, además de por hacer más nítido el dibujo del hombre de mediana edad y del vaso de loza vidriada en el que bebe, surgiendo de la penumbra en que los dejó Velázquez, alteraciones que en opinión de Gudiol serían impropias de un copista y abonarían una ejecución anterior.[19] Las radiografías que se han hecho del original velazqueño muestran, sin embargo, arrepentimientos en la posición y dibujo de las manos del aguador que no se advierten en la versión de Florencia, que es en esta parte copia del último estado.[20]


Little Madonna of Cowper

Prompt: Focus on Little Madonna of Cowper and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La Pequeña Madonna de Cowper es un cuadro del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael, que representa a María con el Niño en una típica campiña italiana. Se ha datado en torno a 1504-1505,[1] a mediados del Alto Renacimiento.


Little Madonna of Cowper

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Little Madonna of Cowper.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La Pequeña Madonna de Cowper es un cuadro del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael, que representa a María con el Niño en una típica campiña italiana. Se ha datado en torno a 1504-1505,[1] a mediados del Alto Renacimiento.


Little Madonna of Cowper

Prompt: How does Little Madonna of Cowper explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La Pequeña Madonna de Cowper es un cuadro del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael, que representa a María con el Niño en una típica campiña italiana. Se ha datado en torno a 1504-1505,[1] a mediados del Alto Renacimiento.


Little Madonna of Cowper

Prompt: In Little Madonna of Cowper, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

La Pequeña Madonna de Cowper es un cuadro del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael, que representa a María con el Niño en una típica campiña italiana. Se ha datado en torno a 1504-1505,[1] a mediados del Alto Renacimiento.


Droeshout_Portrait

Prompt: Focus on Droeshout_Portrait and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Representaciones culturales de William Shakespeare

Categoría:Teorías conspirativas en Reino Unido

Archivo:Title Page - Shakespeare First Folio (1623), title page - BL.jpg

El retrato de Droeshout o grabado Droeshout es un retrato de William Shakespeare grabado por Martin Droeshout para la primera página del llamado First Folio, colección de las obras dramáticas de Shakespeare publicada en 1623. Es una de las únicas dos representaciones que se conocen del poeta y dramaturgo. La otra es la estatua erigida en su monumento funerario en Stratford-upon-Avon, pueblo del cual Shakespeare era originario. Ambas obras son póstumas.Aunque su rol como retrato en la carátula de la publicación es típica de las costumbres de la época, se desconocen las circunstancias exactas en que se realizó el grabado. No se sabe a ciencia cierta cuál de los dos "Martin Droeshout" realizó el grabado y se desconoce en qué medida las facciones fueron copiadas de dibujos o pinturas existentes. Los críticos por lo general no se han mostrado impresionados por esta obra de arte, aunque el retrato ha tenido algunos defensores, y algunos de los estudiosos de la cuestión de la autoría de las obras de Shakespeare han sostenido que el retrato posee mensajes escondidos en él.[1]


Droeshout_Portrait

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Droeshout_Portrait.Please output in Spanish.

Categoría:Representaciones culturales de William Shakespeare

Categoría:Teorías conspirativas en Reino Unido

Archivo:Title Page - Shakespeare First Folio (1623), title page - BL.jpg

El retrato de Droeshout o grabado Droeshout es un retrato de William Shakespeare grabado por Martin Droeshout para la primera página del llamado First Folio, colección de las obras dramáticas de Shakespeare publicada en 1623. Es una de las únicas dos representaciones que se conocen del poeta y dramaturgo. La otra es la estatua erigida en su monumento funerario en Stratford-upon-Avon, pueblo del cual Shakespeare era originario. Ambas obras son póstumas.Aunque su rol como retrato en la carátula de la publicación es típica de las costumbres de la época, se desconocen las circunstancias exactas en que se realizó el grabado. No se sabe a ciencia cierta cuál de los dos "Martin Droeshout" realizó el grabado y se desconoce en qué medida las facciones fueron copiadas de dibujos o pinturas existentes. Los críticos por lo general no se han mostrado impresionados por esta obra de arte, aunque el retrato ha tenido algunos defensores, y algunos de los estudiosos de la cuestión de la autoría de las obras de Shakespeare han sostenido que el retrato posee mensajes escondidos en él.[1]


Droeshout_Portrait

Prompt: How does Droeshout_Portrait explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Representaciones culturales de William Shakespeare

Categoría:Teorías conspirativas en Reino Unido

Archivo:Title Page - Shakespeare First Folio (1623), title page - BL.jpg

El retrato de Droeshout o grabado Droeshout es un retrato de William Shakespeare grabado por Martin Droeshout para la primera página del llamado First Folio, colección de las obras dramáticas de Shakespeare publicada en 1623. Es una de las únicas dos representaciones que se conocen del poeta y dramaturgo. La otra es la estatua erigida en su monumento funerario en Stratford-upon-Avon, pueblo del cual Shakespeare era originario. Ambas obras son póstumas.Aunque su rol como retrato en la carátula de la publicación es típica de las costumbres de la época, se desconocen las circunstancias exactas en que se realizó el grabado. No se sabe a ciencia cierta cuál de los dos "Martin Droeshout" realizó el grabado y se desconoce en qué medida las facciones fueron copiadas de dibujos o pinturas existentes. Los críticos por lo general no se han mostrado impresionados por esta obra de arte, aunque el retrato ha tenido algunos defensores, y algunos de los estudiosos de la cuestión de la autoría de las obras de Shakespeare han sostenido que el retrato posee mensajes escondidos en él.[1]


Droeshout_Portrait

Prompt: In Droeshout_Portrait, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Representaciones culturales de William Shakespeare

Categoría:Teorías conspirativas en Reino Unido

Archivo:Title Page - Shakespeare First Folio (1623), title page - BL.jpg

El retrato de Droeshout o grabado Droeshout es un retrato de William Shakespeare grabado por Martin Droeshout para la primera página del llamado First Folio, colección de las obras dramáticas de Shakespeare publicada en 1623. Es una de las únicas dos representaciones que se conocen del poeta y dramaturgo. La otra es la estatua erigida en su monumento funerario en Stratford-upon-Avon, pueblo del cual Shakespeare era originario. Ambas obras son póstumas.Aunque su rol como retrato en la carátula de la publicación es típica de las costumbres de la época, se desconocen las circunstancias exactas en que se realizó el grabado. No se sabe a ciencia cierta cuál de los dos "Martin Droeshout" realizó el grabado y se desconoce en qué medida las facciones fueron copiadas de dibujos o pinturas existentes. Los críticos por lo general no se han mostrado impresionados por esta obra de arte, aunque el retrato ha tenido algunos defensores, y algunos de los estudiosos de la cuestión de la autoría de las obras de Shakespeare han sostenido que el retrato posee mensajes escondidos en él.[1]


Malle_Babbe

Prompt: Focus on Malle_Babbe and explain the abstract.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Malle Babbe es una pintura del maestro de la Edad de Oro holandesa Frans Hals, pintada entre 1633 y 1635 y ahora en la Gemäldegalerie de Berlín. La pintura también fue antaño titulada Hille Bobbe o La Bruja de Haarlem. Fue tradicionalmente interpretada como un tronie, o pintura de género en formato de busto expresivo caracterizando un personaje concreto, en este caso describiendo una figura mítica, una bruja. Posteriormente se descubrió que la pintura era en realidad un retrato de género representando a un individuo concreto de Haarlem, conocida como Malle Babbe (Barbara la "loca"), que pudo haber sido una alcohólica o padecer una enfermedad mental.La pintura ya fue objeto de admiración artística en vida de Hals, como confirman las varias copias y variantes pintadas por sus seguidores conservadas. Fue admirada por Gustave Courbet, que realizó una copia de la obra en 1869 mientras estaba en exhibición en Múnich.[1]


Malle_Babbe

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Malle_Babbe.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Malle Babbe es una pintura del maestro de la Edad de Oro holandesa Frans Hals, pintada entre 1633 y 1635 y ahora en la Gemäldegalerie de Berlín. La pintura también fue antaño titulada Hille Bobbe o La Bruja de Haarlem. Fue tradicionalmente interpretada como un tronie, o pintura de género en formato de busto expresivo caracterizando un personaje concreto, en este caso describiendo una figura mítica, una bruja. Posteriormente se descubrió que la pintura era en realidad un retrato de género representando a un individuo concreto de Haarlem, conocida como Malle Babbe (Barbara la "loca"), que pudo haber sido una alcohólica o padecer una enfermedad mental.La pintura ya fue objeto de admiración artística en vida de Hals, como confirman las varias copias y variantes pintadas por sus seguidores conservadas. Fue admirada por Gustave Courbet, que realizó una copia de la obra en 1869 mientras estaba en exhibición en Múnich.[1]


Malle_Babbe

Prompt: How does Malle_Babbe explain its abstract?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Malle Babbe es una pintura del maestro de la Edad de Oro holandesa Frans Hals, pintada entre 1633 y 1635 y ahora en la Gemäldegalerie de Berlín. La pintura también fue antaño titulada Hille Bobbe o La Bruja de Haarlem. Fue tradicionalmente interpretada como un tronie, o pintura de género en formato de busto expresivo caracterizando un personaje concreto, en este caso describiendo una figura mítica, una bruja. Posteriormente se descubrió que la pintura era en realidad un retrato de género representando a un individuo concreto de Haarlem, conocida como Malle Babbe (Barbara la "loca"), que pudo haber sido una alcohólica o padecer una enfermedad mental.La pintura ya fue objeto de admiración artística en vida de Hals, como confirman las varias copias y variantes pintadas por sus seguidores conservadas. Fue admirada por Gustave Courbet, que realizó una copia de la obra en 1869 mientras estaba en exhibición en Múnich.[1]


Malle_Babbe

Prompt: In Malle_Babbe, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

Malle Babbe es una pintura del maestro de la Edad de Oro holandesa Frans Hals, pintada entre 1633 y 1635 y ahora en la Gemäldegalerie de Berlín. La pintura también fue antaño titulada Hille Bobbe o La Bruja de Haarlem. Fue tradicionalmente interpretada como un tronie, o pintura de género en formato de busto expresivo caracterizando un personaje concreto, en este caso describiendo una figura mítica, una bruja. Posteriormente se descubrió que la pintura era en realidad un retrato de género representando a un individuo concreto de Haarlem, conocida como Malle Babbe (Barbara la "loca"), que pudo haber sido una alcohólica o padecer una enfermedad mental.La pintura ya fue objeto de admiración artística en vida de Hals, como confirman las varias copias y variantes pintadas por sus seguidores conservadas. Fue admirada por Gustave Courbet, que realizó una copia de la obra en 1869 mientras estaba en exhibición en Múnich.[1]


Malle_Babbe

Prompt: Focus on Malle_Babbe and explain the Painting.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura mide 75 × 64 cm y muestra la figura de medio cuerpo de una mujer sonriente, sentada en la esquina de una mesa, aparentemente hablando o riéndose de alguien o algo a la derecha del lienzo, fuera del encuadre. Con la mano derecha, la mujer sujeta el asa de una jarra de cerveza de peltre con la tapa levantada. Hay un búho sobre el hombro de la bebedora. La ropa de la mujer es sencilla y se corresponde con la moda de las clases humildes en la década de 1630 en Haarlem. Su cara está animada por una mueca casi maníaca. El manejo muy libre de la pincelada y el movimiento es propio del estilo de Hals, y no muy diferente al de sus retratos más formales por encargo.


Malle_Babbe

Prompt: Explain the Painting of this artwork, Malle_Babbe.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura mide 75 × 64 cm y muestra la figura de medio cuerpo de una mujer sonriente, sentada en la esquina de una mesa, aparentemente hablando o riéndose de alguien o algo a la derecha del lienzo, fuera del encuadre. Con la mano derecha, la mujer sujeta el asa de una jarra de cerveza de peltre con la tapa levantada. Hay un búho sobre el hombro de la bebedora. La ropa de la mujer es sencilla y se corresponde con la moda de las clases humildes en la década de 1630 en Haarlem. Su cara está animada por una mueca casi maníaca. El manejo muy libre de la pincelada y el movimiento es propio del estilo de Hals, y no muy diferente al de sus retratos más formales por encargo.


Malle_Babbe

Prompt: How does Malle_Babbe explain its Painting?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura mide 75 × 64 cm y muestra la figura de medio cuerpo de una mujer sonriente, sentada en la esquina de una mesa, aparentemente hablando o riéndose de alguien o algo a la derecha del lienzo, fuera del encuadre. Con la mano derecha, la mujer sujeta el asa de una jarra de cerveza de peltre con la tapa levantada. Hay un búho sobre el hombro de la bebedora. La ropa de la mujer es sencilla y se corresponde con la moda de las clases humildes en la década de 1630 en Haarlem. Su cara está animada por una mueca casi maníaca. El manejo muy libre de la pincelada y el movimiento es propio del estilo de Hals, y no muy diferente al de sus retratos más formales por encargo.


Malle_Babbe

Prompt: In Malle_Babbe, how is the Painting discussed?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura mide 75 × 64 cm y muestra la figura de medio cuerpo de una mujer sonriente, sentada en la esquina de una mesa, aparentemente hablando o riéndose de alguien o algo a la derecha del lienzo, fuera del encuadre. Con la mano derecha, la mujer sujeta el asa de una jarra de cerveza de peltre con la tapa levantada. Hay un búho sobre el hombro de la bebedora. La ropa de la mujer es sencilla y se corresponde con la moda de las clases humildes en la década de 1630 en Haarlem. Su cara está animada por una mueca casi maníaca. El manejo muy libre de la pincelada y el movimiento es propio del estilo de Hals, y no muy diferente al de sus retratos más formales por encargo.


Malle_Babbe

Prompt: Focus on Malle_Babbe and explain the Name.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura fue durante mucho tiempo mal etiquetada como Hille Bobbe (alternativamente, La Bruja de Haarlem) debido a una lectura errónea de la inscripción en la parte posterior del marco que en realidad dice Malle Babbe van Haerlem … Fr[un]ns Hals (Malle Babbe de Haarlem).Creyéndola una bruja, el búho era considerado un posible familiar. Sin embargo, el parecido con otras obras de Frans Hals indica que en realidad se trata de una escena de taberna y análisis modernos descubrieron que el búho fue pintado más tarde por el propio Hals, probablemente para reflejar el proverbio holandés para referirse a alguien muy ebrio, "borracho como un búho."[2]


Malle_Babbe

Prompt: Explain the Name of this artwork, Malle_Babbe.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura fue durante mucho tiempo mal etiquetada como Hille Bobbe (alternativamente, La Bruja de Haarlem) debido a una lectura errónea de la inscripción en la parte posterior del marco que en realidad dice Malle Babbe van Haerlem … Fr[un]ns Hals (Malle Babbe de Haarlem).Creyéndola una bruja, el búho era considerado un posible familiar. Sin embargo, el parecido con otras obras de Frans Hals indica que en realidad se trata de una escena de taberna y análisis modernos descubrieron que el búho fue pintado más tarde por el propio Hals, probablemente para reflejar el proverbio holandés para referirse a alguien muy ebrio, "borracho como un búho."[2]


Malle_Babbe

Prompt: How does Malle_Babbe explain its Name?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura fue durante mucho tiempo mal etiquetada como Hille Bobbe (alternativamente, La Bruja de Haarlem) debido a una lectura errónea de la inscripción en la parte posterior del marco que en realidad dice Malle Babbe van Haerlem … Fr[un]ns Hals (Malle Babbe de Haarlem).Creyéndola una bruja, el búho era considerado un posible familiar. Sin embargo, el parecido con otras obras de Frans Hals indica que en realidad se trata de una escena de taberna y análisis modernos descubrieron que el búho fue pintado más tarde por el propio Hals, probablemente para reflejar el proverbio holandés para referirse a alguien muy ebrio, "borracho como un búho."[2]


Malle_Babbe

Prompt: In Malle_Babbe, how is the Name discussed?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La pintura fue durante mucho tiempo mal etiquetada como Hille Bobbe (alternativamente, La Bruja de Haarlem) debido a una lectura errónea de la inscripción en la parte posterior del marco que en realidad dice Malle Babbe van Haerlem … Fr[un]ns Hals (Malle Babbe de Haarlem).Creyéndola una bruja, el búho era considerado un posible familiar. Sin embargo, el parecido con otras obras de Frans Hals indica que en realidad se trata de una escena de taberna y análisis modernos descubrieron que el búho fue pintado más tarde por el propio Hals, probablemente para reflejar el proverbio holandés para referirse a alguien muy ebrio, "borracho como un búho."[2]


Malle_Babbe

Prompt: Explain the The true Malle Babbe of this artwork, Malle_Babbe.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La investigación en el municipio de Haarlem demostró que realmente existió una verdadera Malle Babbe, llamada Barbara Claes. Estaba incluida en una lista de los residentes del hospital local llamado Het Dolhuys, situado fuera de las murallas de ciudad, que servía a personas que eran peligrosas para sí mismas o la sociedad, así como un albergue para los viajeros que llegaban después del cierre de las puertas de la ciudad al anochecer. Alrededor de 1642, Pieter Hals, un hijo de Frans Hals, estaba también en este hospicio. Hals y Malle Babbe probablemente ya se habían conocido para entonces, ya que evidentemente era una figura bien conocida en Haarlem, a pesar de que no sobreviven más detalles biográficos excepto que murió en 1663. En holandés, Babbe es un diminutivo de Barbara y el adjetivo "Malle" significa "chiflado" y no era raro que los pintores o los escritores describieran a este tipo de figura aldeana estrafalaria, el loco o el tonto del pueblo. Este tipo de representación ha conservado el registro de estas figuras desequilibradas que deambulaban por la vida cotidiana, con las que el artista también podía disfrutar explorando la delgada línea entre cordura y locura.


Malle_Babbe

Prompt: How does Malle_Babbe explain its The true Malle Babbe?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La investigación en el municipio de Haarlem demostró que realmente existió una verdadera Malle Babbe, llamada Barbara Claes. Estaba incluida en una lista de los residentes del hospital local llamado Het Dolhuys, situado fuera de las murallas de ciudad, que servía a personas que eran peligrosas para sí mismas o la sociedad, así como un albergue para los viajeros que llegaban después del cierre de las puertas de la ciudad al anochecer. Alrededor de 1642, Pieter Hals, un hijo de Frans Hals, estaba también en este hospicio. Hals y Malle Babbe probablemente ya se habían conocido para entonces, ya que evidentemente era una figura bien conocida en Haarlem, a pesar de que no sobreviven más detalles biográficos excepto que murió en 1663. En holandés, Babbe es un diminutivo de Barbara y el adjetivo "Malle" significa "chiflado" y no era raro que los pintores o los escritores describieran a este tipo de figura aldeana estrafalaria, el loco o el tonto del pueblo. Este tipo de representación ha conservado el registro de estas figuras desequilibradas que deambulaban por la vida cotidiana, con las que el artista también podía disfrutar explorando la delgada línea entre cordura y locura.


Malle_Babbe

Prompt: In Malle_Babbe, how is the The true Malle Babbe discussed?Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

La investigación en el municipio de Haarlem demostró que realmente existió una verdadera Malle Babbe, llamada Barbara Claes. Estaba incluida en una lista de los residentes del hospital local llamado Het Dolhuys, situado fuera de las murallas de ciudad, que servía a personas que eran peligrosas para sí mismas o la sociedad, así como un albergue para los viajeros que llegaban después del cierre de las puertas de la ciudad al anochecer. Alrededor de 1642, Pieter Hals, un hijo de Frans Hals, estaba también en este hospicio. Hals y Malle Babbe probablemente ya se habían conocido para entonces, ya que evidentemente era una figura bien conocida en Haarlem, a pesar de que no sobreviven más detalles biográficos excepto que murió en 1663. En holandés, Babbe es un diminutivo de Barbara y el adjetivo "Malle" significa "chiflado" y no era raro que los pintores o los escritores describieran a este tipo de figura aldeana estrafalaria, el loco o el tonto del pueblo. Este tipo de representación ha conservado el registro de estas figuras desequilibradas que deambulaban por la vida cotidiana, con las que el artista también podía disfrutar explorando la delgada línea entre cordura y locura.


Malle_Babbe

Prompt: Focus on Malle_Babbe and explain the Other paintings.Please output in Spanish.

Inscripción en el reverso: ''Malle Babbe van Haerlem ''.''.. Fr[Un]ns Hals'''

''Malle Babbe'', óleo sobre lienzo, 74,9 x 61 cm, Museo Metropolitano de Arte.

''Bronce de Malle Babbe'', de [[Kees Verkade

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York posee una pintura muy similar. No está claro quién fue el autor. Antiguamente también se atribuyó a Frans Hals, pero ahora se cree que es el trabajo de uno de sus alumnos.[2]Otra variante muestra a Malle Babbe acompañada por un bebedor. Hay dos pinturas de autoría desconocida en los que aparece una figura masculina adaptada de un trabajo de Adriaen Brouwer. El hombre y la mujer aparecen detrás de una mesa llena de pescados.[3] Hay otras dos copias del retrato de Babbe, pero sin el búho.[4]Han van Meegeren creó una versión del tema al estilo de Vermeer que se exhibe en el Rijksmuseum.