Lucrecia

Prompt: In Lucrecia, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

Archivo:Lucas Cranach (I) - Lucretia (Museo Soumaya).jpg

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

''[[Lucrecia Romana (Lucas Cranach el Viejo)

''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

Archivo:Eduardo Rosales Gallinas - La muerte de Lucrecia.jpg

Ab Urbe condita (libro) #Enlaces externos

Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

Lucrecia (en latín, Lucretia; m. c. 510 a. C.) es un personaje perteneciente a la historia de la Antigua Roma, coetánea del último rey romano, Lucio Tarquinio el Soberbio (534-510 a. C.). Lucrecia era una patricia en la antigua Roma, hija del ilustre romano Espurio Lucrecio Tricipitino, y contrajo matrimonio con Colatino. Fue víctima de una violación perpetrada por Sexto Tarquinio, hijo de Lucio Tarquinio. Este ultraje y el posterior suicidio de Lucrecia, influyeron en la caída de la monarquía y en el establecimiento de la República.[1] El incidente encendió las llamas del descontento por los métodos tiránicos del padre de Tarquinio, Lucio Tarquinio el Soberbio, el último rey de Roma. Como resultado, las familias prominentes instituyeron una república, expulsaron a la extensa familia real de Tarquinio de Roma y defendieron con éxito la república contra los intentos de intervención etrusca y latina.[1]No existen fuentes contemporáneas sobre Lucrecia y el suceso. La información relativa a Lucrecia, su violación y suicidio, y la consecuencia de que esto fuera el inicio de la República Romana, provienen de los relatos del historiador romano Tito Livio y del historiador grecorromano Dionisio de Halicarnaso, aproximadamente 500 años después. Fuentes secundarias sobre el establecimiento de la república reiteran los acontecimientos básicos de la historia de Lucrecia, si bien los relatos varían ligeramente entre historiadores. La evidencia apunta a la existencia histórica de una mujer llamada Lucrecia y a un acontecimiento que desempeñó un papel fundamental en la caída de la monarquía. Sin embargo, los detalles concretos son debatibles y varían según el autor. Según fuentes modernas, el relato de Lucrecia se considera parte de la mitohistoria romana.[2] Al igual que el rapto de las sabinas, la historia de Lucrecia brinda una explicación para el cambio histórico en Roma a través de un relato de agresiones sexuales contra las mujeres.


Lucrecia

Prompt: In the context of Lucrecia, explain the Tales of Titus Livius and the The legend.Please output in Spanish.

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''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

Según la narración de Tito Livio,[3] aceptada sin graves reparos por los historiadores posteriores, tenía fama de mujer hacendosa, honesta y hermosa. Se sabe que su belleza y honestidad impresionaron vivamente a Sexto Tarquinio, hijo del rey Lucio Tarquinio el Soberbio.Este, para satisfacer los frenéticos deseos que sentía por ella, pidió hospitalidad a Lucrecia cuando su esposo se hallaba ausente. Aprovechando la oscuridad de la noche, se introdujo en la habitación de Lucrecia y la violó, sin que ella se resistiera ni gritara, creyéndole su marido. Esto ha derivado en una variante que la mencionada como increíble. Según la moderna referencia del episodio, Lucrecia despertó sobresaltada y reconoció a Sexto; quien temeroso de que su víctima gritase, le dijo "¡Silencio, Lucrecia; Sexto Tarquino soy, si lanzas un grito, si profieres una palabra, te mato!" y como Lucrecia no pudo responder ya con la punta de una espada colocada sobre su pecho, Sexto Tarquino prosiguió "Escucha: yo te amo. Sé que eres fiel, y que me resistirás, prefiriendo morir antes de rendirte. Mas con todo, óyeme. No es la muerte la mayor amenaza para ti, sino la deshonra pública. Si no accedes a mi pasión y me veo obligado a matarte, mataré en seguida al más joven y bello de tus esclavos, pondré su desnudo cadáver entre tus brazos y proclamaré que habiéndote sorprendido en adulterio, he castigado a ambos con la muerte, vengando así el honor de Colatino, mi deudo y amigo. En vano Lucrecia rogó, imploró, se revolvió desesperada, Sexto Tarquino le hizo comprender con evidencia que resistirse era morir y quedar para siempre deshonrada en la memoria de Roma y de su esposo.Al día siguiente Lucrecia llamó a su padre y a su esposo, y les refirió el ultraje recibido. Les pidió venganza contra Sexto Tarquino y se hundió un puñal en el pecho después de pronunciar la frase: «¡Ninguna mujer quedará autorizada con el ejemplo de Lucrecia para sobrevivir a su deshonor!»


Lucrecia

Prompt: Explain the Tales of Titus Livius about the The legend of this artwork, Lucrecia.Please output in Spanish.

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Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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Según la narración de Tito Livio,[3] aceptada sin graves reparos por los historiadores posteriores, tenía fama de mujer hacendosa, honesta y hermosa. Se sabe que su belleza y honestidad impresionaron vivamente a Sexto Tarquinio, hijo del rey Lucio Tarquinio el Soberbio.Este, para satisfacer los frenéticos deseos que sentía por ella, pidió hospitalidad a Lucrecia cuando su esposo se hallaba ausente. Aprovechando la oscuridad de la noche, se introdujo en la habitación de Lucrecia y la violó, sin que ella se resistiera ni gritara, creyéndole su marido. Esto ha derivado en una variante que la mencionada como increíble. Según la moderna referencia del episodio, Lucrecia despertó sobresaltada y reconoció a Sexto; quien temeroso de que su víctima gritase, le dijo "¡Silencio, Lucrecia; Sexto Tarquino soy, si lanzas un grito, si profieres una palabra, te mato!" y como Lucrecia no pudo responder ya con la punta de una espada colocada sobre su pecho, Sexto Tarquino prosiguió "Escucha: yo te amo. Sé que eres fiel, y que me resistirás, prefiriendo morir antes de rendirte. Mas con todo, óyeme. No es la muerte la mayor amenaza para ti, sino la deshonra pública. Si no accedes a mi pasión y me veo obligado a matarte, mataré en seguida al más joven y bello de tus esclavos, pondré su desnudo cadáver entre tus brazos y proclamaré que habiéndote sorprendido en adulterio, he castigado a ambos con la muerte, vengando así el honor de Colatino, mi deudo y amigo. En vano Lucrecia rogó, imploró, se revolvió desesperada, Sexto Tarquino le hizo comprender con evidencia que resistirse era morir y quedar para siempre deshonrada en la memoria de Roma y de su esposo.Al día siguiente Lucrecia llamó a su padre y a su esposo, y les refirió el ultraje recibido. Les pidió venganza contra Sexto Tarquino y se hundió un puñal en el pecho después de pronunciar la frase: «¡Ninguna mujer quedará autorizada con el ejemplo de Lucrecia para sobrevivir a su deshonor!»


Lucrecia

Prompt: In Lucrecia, how is the Tales of Titus Livius of the The legend explained?Please output in Spanish.

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Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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Según la narración de Tito Livio,[3] aceptada sin graves reparos por los historiadores posteriores, tenía fama de mujer hacendosa, honesta y hermosa. Se sabe que su belleza y honestidad impresionaron vivamente a Sexto Tarquinio, hijo del rey Lucio Tarquinio el Soberbio.Este, para satisfacer los frenéticos deseos que sentía por ella, pidió hospitalidad a Lucrecia cuando su esposo se hallaba ausente. Aprovechando la oscuridad de la noche, se introdujo en la habitación de Lucrecia y la violó, sin que ella se resistiera ni gritara, creyéndole su marido. Esto ha derivado en una variante que la mencionada como increíble. Según la moderna referencia del episodio, Lucrecia despertó sobresaltada y reconoció a Sexto; quien temeroso de que su víctima gritase, le dijo "¡Silencio, Lucrecia; Sexto Tarquino soy, si lanzas un grito, si profieres una palabra, te mato!" y como Lucrecia no pudo responder ya con la punta de una espada colocada sobre su pecho, Sexto Tarquino prosiguió "Escucha: yo te amo. Sé que eres fiel, y que me resistirás, prefiriendo morir antes de rendirte. Mas con todo, óyeme. No es la muerte la mayor amenaza para ti, sino la deshonra pública. Si no accedes a mi pasión y me veo obligado a matarte, mataré en seguida al más joven y bello de tus esclavos, pondré su desnudo cadáver entre tus brazos y proclamaré que habiéndote sorprendido en adulterio, he castigado a ambos con la muerte, vengando así el honor de Colatino, mi deudo y amigo. En vano Lucrecia rogó, imploró, se revolvió desesperada, Sexto Tarquino le hizo comprender con evidencia que resistirse era morir y quedar para siempre deshonrada en la memoria de Roma y de su esposo.Al día siguiente Lucrecia llamó a su padre y a su esposo, y les refirió el ultraje recibido. Les pidió venganza contra Sexto Tarquino y se hundió un puñal en el pecho después de pronunciar la frase: «¡Ninguna mujer quedará autorizada con el ejemplo de Lucrecia para sobrevivir a su deshonor!»


Lucrecia

Prompt: Describe the characteristics of the Tales of Titus Livius in Lucrecia's The legend.Please output in Spanish.

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Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

Según la narración de Tito Livio,[3] aceptada sin graves reparos por los historiadores posteriores, tenía fama de mujer hacendosa, honesta y hermosa. Se sabe que su belleza y honestidad impresionaron vivamente a Sexto Tarquinio, hijo del rey Lucio Tarquinio el Soberbio.Este, para satisfacer los frenéticos deseos que sentía por ella, pidió hospitalidad a Lucrecia cuando su esposo se hallaba ausente. Aprovechando la oscuridad de la noche, se introdujo en la habitación de Lucrecia y la violó, sin que ella se resistiera ni gritara, creyéndole su marido. Esto ha derivado en una variante que la mencionada como increíble. Según la moderna referencia del episodio, Lucrecia despertó sobresaltada y reconoció a Sexto; quien temeroso de que su víctima gritase, le dijo "¡Silencio, Lucrecia; Sexto Tarquino soy, si lanzas un grito, si profieres una palabra, te mato!" y como Lucrecia no pudo responder ya con la punta de una espada colocada sobre su pecho, Sexto Tarquino prosiguió "Escucha: yo te amo. Sé que eres fiel, y que me resistirás, prefiriendo morir antes de rendirte. Mas con todo, óyeme. No es la muerte la mayor amenaza para ti, sino la deshonra pública. Si no accedes a mi pasión y me veo obligado a matarte, mataré en seguida al más joven y bello de tus esclavos, pondré su desnudo cadáver entre tus brazos y proclamaré que habiéndote sorprendido en adulterio, he castigado a ambos con la muerte, vengando así el honor de Colatino, mi deudo y amigo. En vano Lucrecia rogó, imploró, se revolvió desesperada, Sexto Tarquino le hizo comprender con evidencia que resistirse era morir y quedar para siempre deshonrada en la memoria de Roma y de su esposo.Al día siguiente Lucrecia llamó a su padre y a su esposo, y les refirió el ultraje recibido. Les pidió venganza contra Sexto Tarquino y se hundió un puñal en el pecho después de pronunciar la frase: «¡Ninguna mujer quedará autorizada con el ejemplo de Lucrecia para sobrevivir a su deshonor!»


Lucrecia

Prompt: Focus on Lucrecia and explain the Influence on the fate of Rome.Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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"Sobre las gradas del templo reposa el cuerpo sin vida de la ofendida Lucrecia, mancillada por Sexto, el hijo del rey Lucio Tarquino el Soberbio. Dos mujeres lloran la muerte de la dama mientras que los hombres de la familia -Lucrecio (su padre), Publio Valerio, Colatino (su esposo) y Bruto- rodean el cadáver. Este último empuña en alto el puñal y jura venganza contra el rey, a lo que responde la muchedumbre que levanta los brazos, lo que supone el fin de la monarquía en Roma."Cierto es que existen muchas versiones sobre el hecho, mas lo importante es cómo contribuyó a la caída de la monarquía en Roma, al ser expulsado de Roma Tarquino el soberbio junto con su familia por el acto de Sexto Tarquino contra Lucrecia.Su pariente Lucio Junio Bruto fue líder de la revuelta que se organizó contra el rey Lucio Tarquino el Soberbio y después proclamó la República, en el año 509 a. C. A partir de estos hechos, ya no fueron elegidos más reyes. En su lugar fueron elegidos para gobernar los pretores, que más tarde fueron llamados cónsules. Fue el inicio de la República romana.


Lucrecia

Prompt: Explain the Influence on the fate of Rome of this artwork, Lucrecia.Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

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"Sobre las gradas del templo reposa el cuerpo sin vida de la ofendida Lucrecia, mancillada por Sexto, el hijo del rey Lucio Tarquino el Soberbio. Dos mujeres lloran la muerte de la dama mientras que los hombres de la familia -Lucrecio (su padre), Publio Valerio, Colatino (su esposo) y Bruto- rodean el cadáver. Este último empuña en alto el puñal y jura venganza contra el rey, a lo que responde la muchedumbre que levanta los brazos, lo que supone el fin de la monarquía en Roma."Cierto es que existen muchas versiones sobre el hecho, mas lo importante es cómo contribuyó a la caída de la monarquía en Roma, al ser expulsado de Roma Tarquino el soberbio junto con su familia por el acto de Sexto Tarquino contra Lucrecia.Su pariente Lucio Junio Bruto fue líder de la revuelta que se organizó contra el rey Lucio Tarquino el Soberbio y después proclamó la República, en el año 509 a. C. A partir de estos hechos, ya no fueron elegidos más reyes. En su lugar fueron elegidos para gobernar los pretores, que más tarde fueron llamados cónsules. Fue el inicio de la República romana.


Lucrecia

Prompt: How does Lucrecia explain its Influence on the fate of Rome?Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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"Sobre las gradas del templo reposa el cuerpo sin vida de la ofendida Lucrecia, mancillada por Sexto, el hijo del rey Lucio Tarquino el Soberbio. Dos mujeres lloran la muerte de la dama mientras que los hombres de la familia -Lucrecio (su padre), Publio Valerio, Colatino (su esposo) y Bruto- rodean el cadáver. Este último empuña en alto el puñal y jura venganza contra el rey, a lo que responde la muchedumbre que levanta los brazos, lo que supone el fin de la monarquía en Roma."Cierto es que existen muchas versiones sobre el hecho, mas lo importante es cómo contribuyó a la caída de la monarquía en Roma, al ser expulsado de Roma Tarquino el soberbio junto con su familia por el acto de Sexto Tarquino contra Lucrecia.Su pariente Lucio Junio Bruto fue líder de la revuelta que se organizó contra el rey Lucio Tarquino el Soberbio y después proclamó la República, en el año 509 a. C. A partir de estos hechos, ya no fueron elegidos más reyes. En su lugar fueron elegidos para gobernar los pretores, que más tarde fueron llamados cónsules. Fue el inicio de la República romana.


Lucrecia

Prompt: In Lucrecia, how is the Influence on the fate of Rome discussed?Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

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"Sobre las gradas del templo reposa el cuerpo sin vida de la ofendida Lucrecia, mancillada por Sexto, el hijo del rey Lucio Tarquino el Soberbio. Dos mujeres lloran la muerte de la dama mientras que los hombres de la familia -Lucrecio (su padre), Publio Valerio, Colatino (su esposo) y Bruto- rodean el cadáver. Este último empuña en alto el puñal y jura venganza contra el rey, a lo que responde la muchedumbre que levanta los brazos, lo que supone el fin de la monarquía en Roma."Cierto es que existen muchas versiones sobre el hecho, mas lo importante es cómo contribuyó a la caída de la monarquía en Roma, al ser expulsado de Roma Tarquino el soberbio junto con su familia por el acto de Sexto Tarquino contra Lucrecia.Su pariente Lucio Junio Bruto fue líder de la revuelta que se organizó contra el rey Lucio Tarquino el Soberbio y después proclamó la República, en el año 509 a. C. A partir de estos hechos, ya no fueron elegidos más reyes. En su lugar fueron elegidos para gobernar los pretores, que más tarde fueron llamados cónsules. Fue el inicio de la República romana.


Lucrecia

Prompt: Focus on Lucrecia and explain the Artistic representations.Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

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''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

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Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

La violación y suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Lucas Cranach el Viejo, Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. En contra de la mentalidad actual, el propósito de dichas obras no era denunciar el delito de violación sino satisfacer la demanda de imágenes eróticas, de desnudo, bajo un argumento histórico.[cita requerida]Durante el siglo XIX fue una historia elegida para representar tres importantes cuadros de pintura histórica: Lucrecia de José Madrazo, La muerte de Lucrecia de Eduardo Rosales y El origen de la República romana de Casto Plasencia.William Shakespeare trató el tema en una de sus obras poéticas de juventud, La violación de Lucrecia, publicada en 1594.El compositor británico Benjamin Britten estrenó en 1946 la ópera La violación de Lucrecia.


Lucrecia

Prompt: Explain the Artistic representations of this artwork, Lucrecia.Please output in Spanish.

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''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

''[[Lucrecia Romana (Lucas Cranach el Viejo)

''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

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Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

La violación y suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Lucas Cranach el Viejo, Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. En contra de la mentalidad actual, el propósito de dichas obras no era denunciar el delito de violación sino satisfacer la demanda de imágenes eróticas, de desnudo, bajo un argumento histórico.[cita requerida]Durante el siglo XIX fue una historia elegida para representar tres importantes cuadros de pintura histórica: Lucrecia de José Madrazo, La muerte de Lucrecia de Eduardo Rosales y El origen de la República romana de Casto Plasencia.William Shakespeare trató el tema en una de sus obras poéticas de juventud, La violación de Lucrecia, publicada en 1594.El compositor británico Benjamin Britten estrenó en 1946 la ópera La violación de Lucrecia.


Lucrecia

Prompt: How does Lucrecia explain its Artistic representations?Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

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Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

''[[Lucrecia Romana (Lucas Cranach el Viejo)

''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

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Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

La violación y suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Lucas Cranach el Viejo, Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. En contra de la mentalidad actual, el propósito de dichas obras no era denunciar el delito de violación sino satisfacer la demanda de imágenes eróticas, de desnudo, bajo un argumento histórico.[cita requerida]Durante el siglo XIX fue una historia elegida para representar tres importantes cuadros de pintura histórica: Lucrecia de José Madrazo, La muerte de Lucrecia de Eduardo Rosales y El origen de la República romana de Casto Plasencia.William Shakespeare trató el tema en una de sus obras poéticas de juventud, La violación de Lucrecia, publicada en 1594.El compositor británico Benjamin Britten estrenó en 1946 la ópera La violación de Lucrecia.


Lucrecia

Prompt: In Lucrecia, how is the Artistic representations discussed?Please output in Spanish.

Historia del idioma inglés #Inglés medio

''Origen de la República Romana'', cuadro de [[Casto Plasencia

Archivo:Lucas Cranach (I) - Lucretia (Museo Soumaya).jpg

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

Suicidio de Lucrecia según un óleo de Andrea Casali.

''[[Lucrecia Romana (Lucas Cranach el Viejo)

''La muerte de Lucrecia'' de [[Eduardo Rosales

Archivo:Eduardo Rosales Gallinas - La muerte de Lucrecia.jpg

Ab Urbe condita (libro) #Enlaces externos

Categoría:Mujeres de la Antigua Roma del siglo VI a. C.

La violación y suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Lucas Cranach el Viejo, Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. En contra de la mentalidad actual, el propósito de dichas obras no era denunciar el delito de violación sino satisfacer la demanda de imágenes eróticas, de desnudo, bajo un argumento histórico.[cita requerida]Durante el siglo XIX fue una historia elegida para representar tres importantes cuadros de pintura histórica: Lucrecia de José Madrazo, La muerte de Lucrecia de Eduardo Rosales y El origen de la República romana de Casto Plasencia.William Shakespeare trató el tema en una de sus obras poéticas de juventud, La violación de Lucrecia, publicada en 1594.El compositor británico Benjamin Britten estrenó en 1946 la ópera La violación de Lucrecia.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: Focus on Portrait of Juan Martínez Montañés and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

El retrato de Juan Martínez Montañés fue pintado por Velázquez en 1635-36 y se conserva en el Museo del Prado. Actualmente, algunos autores han identificado al retratado como Alonso Cano (1601/1667), aunque son más numerosos, sin embargo, los que piensan que se trata de Juan Martínez Montañés.El escultor español Juan Martínez Montañés (1568-1649) realizó un viaje a Madrid entre junio de 1635 y enero de 1636, acudiendo a una llamada del pintor de corte Velázquez. Montañés fue requerido para realizar en barro un busto del rey Felipe IV, que a su vez serviría como modelo al escultor florentino Pietro Tacca, que iba a realizar en bronce una estatua ecuestre de dicho rey. Es la estatua que se encuentra en la plaza de Oriente de Madrid, en España. La relación de Velázquez con Montañés venía de antiguo; se sabe que el suegro de Velázquez, Francisco Pacheco, policromó algunas de las mejores esculturas de Juan Martínez Montañés.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait of Juan Martínez Montañés.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

El retrato de Juan Martínez Montañés fue pintado por Velázquez en 1635-36 y se conserva en el Museo del Prado. Actualmente, algunos autores han identificado al retratado como Alonso Cano (1601/1667), aunque son más numerosos, sin embargo, los que piensan que se trata de Juan Martínez Montañés.El escultor español Juan Martínez Montañés (1568-1649) realizó un viaje a Madrid entre junio de 1635 y enero de 1636, acudiendo a una llamada del pintor de corte Velázquez. Montañés fue requerido para realizar en barro un busto del rey Felipe IV, que a su vez serviría como modelo al escultor florentino Pietro Tacca, que iba a realizar en bronce una estatua ecuestre de dicho rey. Es la estatua que se encuentra en la plaza de Oriente de Madrid, en España. La relación de Velázquez con Montañés venía de antiguo; se sabe que el suegro de Velázquez, Francisco Pacheco, policromó algunas de las mejores esculturas de Juan Martínez Montañés.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: How does Portrait of Juan Martínez Montañés explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

El retrato de Juan Martínez Montañés fue pintado por Velázquez en 1635-36 y se conserva en el Museo del Prado. Actualmente, algunos autores han identificado al retratado como Alonso Cano (1601/1667), aunque son más numerosos, sin embargo, los que piensan que se trata de Juan Martínez Montañés.El escultor español Juan Martínez Montañés (1568-1649) realizó un viaje a Madrid entre junio de 1635 y enero de 1636, acudiendo a una llamada del pintor de corte Velázquez. Montañés fue requerido para realizar en barro un busto del rey Felipe IV, que a su vez serviría como modelo al escultor florentino Pietro Tacca, que iba a realizar en bronce una estatua ecuestre de dicho rey. Es la estatua que se encuentra en la plaza de Oriente de Madrid, en España. La relación de Velázquez con Montañés venía de antiguo; se sabe que el suegro de Velázquez, Francisco Pacheco, policromó algunas de las mejores esculturas de Juan Martínez Montañés.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: In Portrait of Juan Martínez Montañés, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

El retrato de Juan Martínez Montañés fue pintado por Velázquez en 1635-36 y se conserva en el Museo del Prado. Actualmente, algunos autores han identificado al retratado como Alonso Cano (1601/1667), aunque son más numerosos, sin embargo, los que piensan que se trata de Juan Martínez Montañés.El escultor español Juan Martínez Montañés (1568-1649) realizó un viaje a Madrid entre junio de 1635 y enero de 1636, acudiendo a una llamada del pintor de corte Velázquez. Montañés fue requerido para realizar en barro un busto del rey Felipe IV, que a su vez serviría como modelo al escultor florentino Pietro Tacca, que iba a realizar en bronce una estatua ecuestre de dicho rey. Es la estatua que se encuentra en la plaza de Oriente de Madrid, en España. La relación de Velázquez con Montañés venía de antiguo; se sabe que el suegro de Velázquez, Francisco Pacheco, policromó algunas de las mejores esculturas de Juan Martínez Montañés.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: Focus on Portrait of Juan Martínez Montañés and explain the Description of the painting.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

Cuando Velázquez pintó este retrato tenía alrededor de 36 años, mientras que el escultor era ya un hombre maduro de 67 años. Velázquez eligió el momento en que el escultor está modelando con su palillo el busto del rey. Toda la luz y el interés de una primera apreciación recaen sobre el rostro y la mano que moldea, una mano con movimiento y con vida. Pero el resto de la pintura está realizada con sumo cuidado, con soltura y fluidez, tal y como Velázquez acostumbraba a hacer en todos sus retratos.Son dignos de resaltar los ropajes de color negro: la ropilla y la capa de seda, la golilla y los puños blancos y rizados. El cuadro está sin terminar. La cabeza del rey se muestra como un simple esbozo.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: Explain the Description of the painting of this artwork, Portrait of Juan Martínez Montañés.Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

Cuando Velázquez pintó este retrato tenía alrededor de 36 años, mientras que el escultor era ya un hombre maduro de 67 años. Velázquez eligió el momento en que el escultor está modelando con su palillo el busto del rey. Toda la luz y el interés de una primera apreciación recaen sobre el rostro y la mano que moldea, una mano con movimiento y con vida. Pero el resto de la pintura está realizada con sumo cuidado, con soltura y fluidez, tal y como Velázquez acostumbraba a hacer en todos sus retratos.Son dignos de resaltar los ropajes de color negro: la ropilla y la capa de seda, la golilla y los puños blancos y rizados. El cuadro está sin terminar. La cabeza del rey se muestra como un simple esbozo.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: How does Portrait of Juan Martínez Montañés explain its Description of the painting?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

Cuando Velázquez pintó este retrato tenía alrededor de 36 años, mientras que el escultor era ya un hombre maduro de 67 años. Velázquez eligió el momento en que el escultor está modelando con su palillo el busto del rey. Toda la luz y el interés de una primera apreciación recaen sobre el rostro y la mano que moldea, una mano con movimiento y con vida. Pero el resto de la pintura está realizada con sumo cuidado, con soltura y fluidez, tal y como Velázquez acostumbraba a hacer en todos sus retratos.Son dignos de resaltar los ropajes de color negro: la ropilla y la capa de seda, la golilla y los puños blancos y rizados. El cuadro está sin terminar. La cabeza del rey se muestra como un simple esbozo.


Portrait of Juan Martínez Montañés

Prompt: In Portrait of Juan Martínez Montañés, how is the Description of the painting discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - Juan Martínez Montañés (Museo del Prado, 1635-36).jpg

Cuando Velázquez pintó este retrato tenía alrededor de 36 años, mientras que el escultor era ya un hombre maduro de 67 años. Velázquez eligió el momento en que el escultor está modelando con su palillo el busto del rey. Toda la luz y el interés de una primera apreciación recaen sobre el rostro y la mano que moldea, una mano con movimiento y con vida. Pero el resto de la pintura está realizada con sumo cuidado, con soltura y fluidez, tal y como Velázquez acostumbraba a hacer en todos sus retratos.Son dignos de resaltar los ropajes de color negro: la ropilla y la capa de seda, la golilla y los puños blancos y rizados. El cuadro está sin terminar. La cabeza del rey se muestra como un simple esbozo.


Prompt: Focus on Portrait of Eleonora Gonzaga della Rovere and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo: Titian - Eleonora Gonzaga - WGA22983.jpg

El Retrato de Eleonora Gonzaga es un cuadro del pintor Tiziano, realizado en 1538,[1] que se encuentra en la  Galería Uffizi de Florencia, Italia.La obra forma parte de una pareja junto a la del esposo de Eleonora Gonzaga Della Rovere,  Francesco Maria della Rovere donde se resaltan las virtudes de belleza y prudencia, sobresalientes en la duquesa.[2]El modelo sería prototipo de obras posteriores como el de Isabel de Portugal.[3]


Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait of Eleonora Gonzaga della Rovere.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo: Titian - Eleonora Gonzaga - WGA22983.jpg

El Retrato de Eleonora Gonzaga es un cuadro del pintor Tiziano, realizado en 1538,[1] que se encuentra en la  Galería Uffizi de Florencia, Italia.La obra forma parte de una pareja junto a la del esposo de Eleonora Gonzaga Della Rovere,  Francesco Maria della Rovere donde se resaltan las virtudes de belleza y prudencia, sobresalientes en la duquesa.[2]El modelo sería prototipo de obras posteriores como el de Isabel de Portugal.[3]


Prompt: How does Portrait of Eleonora Gonzaga della Rovere explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo: Titian - Eleonora Gonzaga - WGA22983.jpg

El Retrato de Eleonora Gonzaga es un cuadro del pintor Tiziano, realizado en 1538,[1] que se encuentra en la  Galería Uffizi de Florencia, Italia.La obra forma parte de una pareja junto a la del esposo de Eleonora Gonzaga Della Rovere,  Francesco Maria della Rovere donde se resaltan las virtudes de belleza y prudencia, sobresalientes en la duquesa.[2]El modelo sería prototipo de obras posteriores como el de Isabel de Portugal.[3]


Prompt: In Portrait of Eleonora Gonzaga della Rovere, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo: Titian - Eleonora Gonzaga - WGA22983.jpg

El Retrato de Eleonora Gonzaga es un cuadro del pintor Tiziano, realizado en 1538,[1] que se encuentra en la  Galería Uffizi de Florencia, Italia.La obra forma parte de una pareja junto a la del esposo de Eleonora Gonzaga Della Rovere,  Francesco Maria della Rovere donde se resaltan las virtudes de belleza y prudencia, sobresalientes en la duquesa.[2]El modelo sería prototipo de obras posteriores como el de Isabel de Portugal.[3]


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Focus on Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp and explain the abstract.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El Retrato de joven con una lámpara (en italiano Ritratto di giovane con lucerna) es una pintura al óleo sobre tabla de Lorenzo Lotto, pintada hacia 1506, conservada al Kunsthistorisches Museum de Viena en Austria.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El Retrato de joven con una lámpara (en italiano Ritratto di giovane con lucerna) es una pintura al óleo sobre tabla de Lorenzo Lotto, pintada hacia 1506, conservada al Kunsthistorisches Museum de Viena en Austria.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: How does Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp explain its abstract?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El Retrato de joven con una lámpara (en italiano Ritratto di giovane con lucerna) es una pintura al óleo sobre tabla de Lorenzo Lotto, pintada hacia 1506, conservada al Kunsthistorisches Museum de Viena en Austria.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: In Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El Retrato de joven con una lámpara (en italiano Ritratto di giovane con lucerna) es una pintura al óleo sobre tabla de Lorenzo Lotto, pintada hacia 1506, conservada al Kunsthistorisches Museum de Viena en Austria.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Focus on Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp and explain the History.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

La obra es una pintura temprana de su periodo en Treviso. Se encuentra en Viena desde 1816.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

La obra es una pintura temprana de su periodo en Treviso. Se encuentra en Viena desde 1816.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: How does Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp explain its History?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

La obra es una pintura temprana de su periodo en Treviso. Se encuentra en Viena desde 1816.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: In Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp, how is the History discussed?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

La obra es una pintura temprana de su periodo en Treviso. Se encuentra en Viena desde 1816.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Focus on Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp and explain the Composition.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Se muestra el busto de un joven de tres cuartos orientado a la derecha, mirando al espectador. Se observa una extrema atención a los detalles, como las imperfecciones del cutis, la nariz alargada, o la suavidad del cabello rojizo. El rostro está enmarcado por la ropa y sombrero oscuros, ante una pieza de tela blanca brocada con motivos florales con un borde verde, desvelando más allá de sus pliegues, a la derecha, un muro y en lo alto, una lámpara encendida en la penumbra.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Explain the Composition of this artwork, Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Se muestra el busto de un joven de tres cuartos orientado a la derecha, mirando al espectador. Se observa una extrema atención a los detalles, como las imperfecciones del cutis, la nariz alargada, o la suavidad del cabello rojizo. El rostro está enmarcado por la ropa y sombrero oscuros, ante una pieza de tela blanca brocada con motivos florales con un borde verde, desvelando más allá de sus pliegues, a la derecha, un muro y en lo alto, una lámpara encendida en la penumbra.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: How does Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp explain its Composition?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Se muestra el busto de un joven de tres cuartos orientado a la derecha, mirando al espectador. Se observa una extrema atención a los detalles, como las imperfecciones del cutis, la nariz alargada, o la suavidad del cabello rojizo. El rostro está enmarcado por la ropa y sombrero oscuros, ante una pieza de tela blanca brocada con motivos florales con un borde verde, desvelando más allá de sus pliegues, a la derecha, un muro y en lo alto, una lámpara encendida en la penumbra.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: In Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp, how is the Composition discussed?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Se muestra el busto de un joven de tres cuartos orientado a la derecha, mirando al espectador. Se observa una extrema atención a los detalles, como las imperfecciones del cutis, la nariz alargada, o la suavidad del cabello rojizo. El rostro está enmarcado por la ropa y sombrero oscuros, ante una pieza de tela blanca brocada con motivos florales con un borde verde, desvelando más allá de sus pliegues, a la derecha, un muro y en lo alto, una lámpara encendida en la penumbra.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Focus on Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp and explain the Analysis.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El sujeto sería Broccardo Malchiostro, canciller del obispo Roberto de Rossi, protector del pintor, hipótesis incrementada por un juego de palabras con brocado (broccato) con decoraciones de cardos (cardi), que da «Broccato-cardo» o sea «Broccardo».La lámpara encendida figuraría simbólicamente la sensatez (Lux in tenebris de san Juan-1,5) y, con su apagavelas, la caducidad y la fragilidad de la vida humana.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: Explain the Analysis of this artwork, Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp.Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El sujeto sería Broccardo Malchiostro, canciller del obispo Roberto de Rossi, protector del pintor, hipótesis incrementada por un juego de palabras con brocado (broccato) con decoraciones de cardos (cardi), que da «Broccato-cardo» o sea «Broccardo».La lámpara encendida figuraría simbólicamente la sensatez (Lux in tenebris de san Juan-1,5) y, con su apagavelas, la caducidad y la fragilidad de la vida humana.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: How does Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp explain its Analysis?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El sujeto sería Broccardo Malchiostro, canciller del obispo Roberto de Rossi, protector del pintor, hipótesis incrementada por un juego de palabras con brocado (broccato) con decoraciones de cardos (cardi), que da «Broccato-cardo» o sea «Broccardo».La lámpara encendida figuraría simbólicamente la sensatez (Lux in tenebris de san Juan-1,5) y, con su apagavelas, la caducidad y la fragilidad de la vida humana.


Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp

Prompt: In Portrait_of_a_young_man_with_a_lamp, how is the Analysis discussed?Please output in Spanish.

Detalle, la lámpara de aceite y su apagavelas.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

El sujeto sería Broccardo Malchiostro, canciller del obispo Roberto de Rossi, protector del pintor, hipótesis incrementada por un juego de palabras con brocado (broccato) con decoraciones de cardos (cardi), que da «Broccato-cardo» o sea «Broccardo».La lámpara encendida figuraría simbólicamente la sensatez (Lux in tenebris de san Juan-1,5) y, con su apagavelas, la caducidad y la fragilidad de la vida humana.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Focus on Resurrection of Saint Francis at Prato and explain the abstract.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La Resurrección de San Francisco al Prato es un cuadro del pintor italiano del Renacimiento  Pietro Perugino, que data de alrededor de 1499. Se encuentra en la Pinacoteca Vaticana, Roma.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Resurrection of Saint Francis at Prato.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La Resurrección de San Francisco al Prato es un cuadro del pintor italiano del Renacimiento  Pietro Perugino, que data de alrededor de 1499. Se encuentra en la Pinacoteca Vaticana, Roma.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: How does Resurrection of Saint Francis at Prato explain its abstract?Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La Resurrección de San Francisco al Prato es un cuadro del pintor italiano del Renacimiento  Pietro Perugino, que data de alrededor de 1499. Se encuentra en la Pinacoteca Vaticana, Roma.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: In Resurrection of Saint Francis at Prato, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La Resurrección de San Francisco al Prato es un cuadro del pintor italiano del Renacimiento  Pietro Perugino, que data de alrededor de 1499. Se encuentra en la Pinacoteca Vaticana, Roma.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Focus on Resurrection of Saint Francis at Prato and explain the History.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Explain the History of this artwork, Resurrection of Saint Francis at Prato.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: How does Resurrection of Saint Francis at Prato explain its History?Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: In Resurrection of Saint Francis at Prato, how is the History discussed?Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Focus on Resurrection of Saint Francis at Prato and explain the Description.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: Explain the Description of this artwork, Resurrection of Saint Francis at Prato.Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.


Resurrection of Saint Francis at Prato

Prompt: How does Resurrection of Saint Francis at Prato explain its Description?Please output in Spanish.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.


Resurrection of Saint Francis at Prato

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La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.


Virgen of the pavilion

Prompt: Focus on Virgen of the pavilion and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.


Virgen of the pavilion

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Virgen of the pavilion.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.


Virgen of the pavilion

Prompt: How does Virgen of the pavilion explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.


Virgen of the pavilion

Prompt: In Virgen of the pavilion, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.


Madonna in Glory with Cherubs

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.


Vitruvian Man

Prompt: Explain the Study of the ideal proportions of the human body of this artwork, Vitruvian Man.Please output in Spanish.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.