Vitruvian Man

Prompt: Explain the Other representations of this artwork, Vitruvian Man.Please output in Spanish.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.


Vitruvian Man

Prompt: How does Vitruvian Man explain its Other representations?Please output in Spanish.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.


Vitruvian Man

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Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: Focus on The_bourgeois_of_Calais and explain the abstract.Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

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Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

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Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: Explain the History of the Burghers of Calais of this artwork, The_bourgeois_of_Calais.Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

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En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

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En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: Explain the Sculptural set of this artwork, The_bourgeois_of_Calais.Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: How does The_bourgeois_of_Calais explain its Sculptural set?Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

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En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]


The_bourgeois_of_Calais

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''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

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En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: Focus on The_bourgeois_of_Calais and explain the The dramatic work of Georg Kaiser.Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: Explain the The dramatic work of Georg Kaiser of this artwork, The_bourgeois_of_Calais.Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

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Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: How does The_bourgeois_of_Calais explain its The dramatic work of Georg Kaiser?Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.


The_bourgeois_of_Calais

Prompt: In The_bourgeois_of_Calais, how is the The dramatic work of Georg Kaiser discussed?Please output in Spanish.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.


Black_square

Prompt: Focus on Black_square and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.


Black_square

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Black_square.Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.


Black_square

Prompt: How does Black_square explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.


Black_square

Prompt: In Black_square, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.


The_parable_of_the_blind

Prompt: Focus on The_parable_of_the_blind and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Archivo:Притча о слепых.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

[[Categoría:Cuadros  del Arte flamenco del siglo XVI  ]]La parábola de los ciegos (en neerlandés, De parabel der blinden) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1568. Mide 86 cm de alto y 154 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo di Capodimonte de Nápoles, Italia. También puede encontrarse con otros títulos, como El ciego guiando a otros ciegos o Ceguera o incluso Ciegos de Nápoles[1]Hay seis ciegos que caminan uno delante de los demás en Dilbeek. Un guía, también ciego, los precede y cae en un agujero. El siguiente ciego se tambalea por encima del primero. El tercero, conectado con el segundo, sigue a sus predecesores. El quinto y el sexto aún no saben lo que está pasando, pero al final acabarán cayendo también en el agujero. Al fondo puede observarse la Iglesia de Santa Alena, patrona de personas con problemas de visión.La pintura se basa en un dicho de Jesucristo que aparece en los Evangelios. En Mateo 15, versículo 14, dice «Dejadlos: son ciegos que guían a ciegos. Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán en el hoyo».[2]


The_parable_of_the_blind

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The_parable_of_the_blind.Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Archivo:Притча о слепых.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

[[Categoría:Cuadros  del Arte flamenco del siglo XVI  ]]La parábola de los ciegos (en neerlandés, De parabel der blinden) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1568. Mide 86 cm de alto y 154 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo di Capodimonte de Nápoles, Italia. También puede encontrarse con otros títulos, como El ciego guiando a otros ciegos o Ceguera o incluso Ciegos de Nápoles[1]Hay seis ciegos que caminan uno delante de los demás en Dilbeek. Un guía, también ciego, los precede y cae en un agujero. El siguiente ciego se tambalea por encima del primero. El tercero, conectado con el segundo, sigue a sus predecesores. El quinto y el sexto aún no saben lo que está pasando, pero al final acabarán cayendo también en el agujero. Al fondo puede observarse la Iglesia de Santa Alena, patrona de personas con problemas de visión.La pintura se basa en un dicho de Jesucristo que aparece en los Evangelios. En Mateo 15, versículo 14, dice «Dejadlos: son ciegos que guían a ciegos. Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán en el hoyo».[2]


The_parable_of_the_blind

Prompt: How does The_parable_of_the_blind explain its abstract?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Archivo:Притча о слепых.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

[[Categoría:Cuadros  del Arte flamenco del siglo XVI  ]]La parábola de los ciegos (en neerlandés, De parabel der blinden) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1568. Mide 86 cm de alto y 154 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo di Capodimonte de Nápoles, Italia. También puede encontrarse con otros títulos, como El ciego guiando a otros ciegos o Ceguera o incluso Ciegos de Nápoles[1]Hay seis ciegos que caminan uno delante de los demás en Dilbeek. Un guía, también ciego, los precede y cae en un agujero. El siguiente ciego se tambalea por encima del primero. El tercero, conectado con el segundo, sigue a sus predecesores. El quinto y el sexto aún no saben lo que está pasando, pero al final acabarán cayendo también en el agujero. Al fondo puede observarse la Iglesia de Santa Alena, patrona de personas con problemas de visión.La pintura se basa en un dicho de Jesucristo que aparece en los Evangelios. En Mateo 15, versículo 14, dice «Dejadlos: son ciegos que guían a ciegos. Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán en el hoyo».[2]


The_parable_of_the_blind

Prompt: In The_parable_of_the_blind, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Archivo:Притча о слепых.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte

[[Categoría:Cuadros  del Arte flamenco del siglo XVI  ]]La parábola de los ciegos (en neerlandés, De parabel der blinden) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1568. Mide 86 cm de alto y 154 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo di Capodimonte de Nápoles, Italia. También puede encontrarse con otros títulos, como El ciego guiando a otros ciegos o Ceguera o incluso Ciegos de Nápoles[1]Hay seis ciegos que caminan uno delante de los demás en Dilbeek. Un guía, también ciego, los precede y cae en un agujero. El siguiente ciego se tambalea por encima del primero. El tercero, conectado con el segundo, sigue a sus predecesores. El quinto y el sexto aún no saben lo que está pasando, pero al final acabarán cayendo también en el agujero. Al fondo puede observarse la Iglesia de Santa Alena, patrona de personas con problemas de visión.La pintura se basa en un dicho de Jesucristo que aparece en los Evangelios. En Mateo 15, versículo 14, dice «Dejadlos: son ciegos que guían a ciegos. Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán en el hoyo».[2]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Focus on The_dream_of_the_fisherman's_wife and explain the abstract.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女, Tako to ama?, lit. Los pulpos y la buceadora) es una xilografía erótica perteneciente al género ukiyo-e realizada en 1814 por el artista japonés Katsushika Hokusai. Hokusai desarrolló una iconografía durante el siglo XVIII alrededor de la leyenda de Taishokan. Está incluido en Kinoe no Komatsu, un libro de tres volúmenes de shunga publicado por primera vez en 1814, y se ha convertido en el diseño shunga más famoso de Hokusai. Siguiendo el ejemplo de artistas como Katsukawa Shunshô, Katsukawa Shunchō o Kitao Shigemasa, la obra de Hokusai muestra a una joven buceadora ama entrelazada sexualmente junto a un par de pulpos.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Explain the abstract of this artwork, The_dream_of_the_fisherman's_wife.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女, Tako to ama?, lit. Los pulpos y la buceadora) es una xilografía erótica perteneciente al género ukiyo-e realizada en 1814 por el artista japonés Katsushika Hokusai. Hokusai desarrolló una iconografía durante el siglo XVIII alrededor de la leyenda de Taishokan. Está incluido en Kinoe no Komatsu, un libro de tres volúmenes de shunga publicado por primera vez en 1814, y se ha convertido en el diseño shunga más famoso de Hokusai. Siguiendo el ejemplo de artistas como Katsukawa Shunshô, Katsukawa Shunchō o Kitao Shigemasa, la obra de Hokusai muestra a una joven buceadora ama entrelazada sexualmente junto a un par de pulpos.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: How does The_dream_of_the_fisherman's_wife explain its abstract?Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女, Tako to ama?, lit. Los pulpos y la buceadora) es una xilografía erótica perteneciente al género ukiyo-e realizada en 1814 por el artista japonés Katsushika Hokusai. Hokusai desarrolló una iconografía durante el siglo XVIII alrededor de la leyenda de Taishokan. Está incluido en Kinoe no Komatsu, un libro de tres volúmenes de shunga publicado por primera vez en 1814, y se ha convertido en el diseño shunga más famoso de Hokusai. Siguiendo el ejemplo de artistas como Katsukawa Shunshô, Katsukawa Shunchō o Kitao Shigemasa, la obra de Hokusai muestra a una joven buceadora ama entrelazada sexualmente junto a un par de pulpos.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: In The_dream_of_the_fisherman's_wife, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女, Tako to ama?, lit. Los pulpos y la buceadora) es una xilografía erótica perteneciente al género ukiyo-e realizada en 1814 por el artista japonés Katsushika Hokusai. Hokusai desarrolló una iconografía durante el siglo XVIII alrededor de la leyenda de Taishokan. Está incluido en Kinoe no Komatsu, un libro de tres volúmenes de shunga publicado por primera vez en 1814, y se ha convertido en el diseño shunga más famoso de Hokusai. Siguiendo el ejemplo de artistas como Katsukawa Shunshô, Katsukawa Shunchō o Kitao Shigemasa, la obra de Hokusai muestra a una joven buceadora ama entrelazada sexualmente junto a un par de pulpos.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Focus on The_dream_of_the_fisherman's_wife and explain the History and creation.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

Hokusai creó El sueño de la esposa del pescador durante el período Edo, cuando resurgía el sintoísmo; esto tuvo influencias sobre el animismo y sobre la actitud pícara ante la sexualidad en la obra. Es un célebre ejemplo de shunga y ha sido recompuesto por numerosos artistas japoneses y temas similares de humanos teniendo relaciones sexuales con animales marinos, que se han manifestado desde el siglo XVII en los netsuke japoneses, pequeñas estatuas esculpidas de unos pocos centímetros de alto y a menudo muy elaboradas.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Explain the History and creation of this artwork, The_dream_of_the_fisherman's_wife.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

Hokusai creó El sueño de la esposa del pescador durante el período Edo, cuando resurgía el sintoísmo; esto tuvo influencias sobre el animismo y sobre la actitud pícara ante la sexualidad en la obra. Es un célebre ejemplo de shunga y ha sido recompuesto por numerosos artistas japoneses y temas similares de humanos teniendo relaciones sexuales con animales marinos, que se han manifestado desde el siglo XVII en los netsuke japoneses, pequeñas estatuas esculpidas de unos pocos centímetros de alto y a menudo muy elaboradas.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

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''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

Hokusai creó El sueño de la esposa del pescador durante el período Edo, cuando resurgía el sintoísmo; esto tuvo influencias sobre el animismo y sobre la actitud pícara ante la sexualidad en la obra. Es un célebre ejemplo de shunga y ha sido recompuesto por numerosos artistas japoneses y temas similares de humanos teniendo relaciones sexuales con animales marinos, que se han manifestado desde el siglo XVII en los netsuke japoneses, pequeñas estatuas esculpidas de unos pocos centímetros de alto y a menudo muy elaboradas.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: In The_dream_of_the_fisherman's_wife, how is the History and creation discussed?Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

Hokusai creó El sueño de la esposa del pescador durante el período Edo, cuando resurgía el sintoísmo; esto tuvo influencias sobre el animismo y sobre la actitud pícara ante la sexualidad en la obra. Es un célebre ejemplo de shunga y ha sido recompuesto por numerosos artistas japoneses y temas similares de humanos teniendo relaciones sexuales con animales marinos, que se han manifestado desde el siglo XVII en los netsuke japoneses, pequeñas estatuas esculpidas de unos pocos centímetros de alto y a menudo muy elaboradas.


The_dream_of_the_fisherman's_wife

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''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador es la imagen más famosa de Kinoe no Komatsu, publicada en tres volúmenes a partir de 1814. El libro es una obra de shunga (arte erótico) dentro del género ukiyo-e. [1] La imagen representa a una mujer, evidentemente una ama, envuelta en las tentáculos de dos pulpos. El más pequeño de ellos envuelve con uno de sus tentáculos el pezón de la muchacha y la besa, mientras que el más grande practica un cunnilingus. El pulpo grande se llama Oyakata (Jefe) y es maestro del pulpo pequeño. En el texto sobre la imagen, la mujer y los animales expresan su mutuo placer sexual tras el encuentro. [2]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

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''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador es la imagen más famosa de Kinoe no Komatsu, publicada en tres volúmenes a partir de 1814. El libro es una obra de shunga (arte erótico) dentro del género ukiyo-e. [1] La imagen representa a una mujer, evidentemente una ama, envuelta en las tentáculos de dos pulpos. El más pequeño de ellos envuelve con uno de sus tentáculos el pezón de la muchacha y la besa, mientras que el más grande practica un cunnilingus. El pulpo grande se llama Oyakata (Jefe) y es maestro del pulpo pequeño. En el texto sobre la imagen, la mujer y los animales expresan su mutuo placer sexual tras el encuentro. [2]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: How does The_dream_of_the_fisherman's_wife explain its Description?Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador es la imagen más famosa de Kinoe no Komatsu, publicada en tres volúmenes a partir de 1814. El libro es una obra de shunga (arte erótico) dentro del género ukiyo-e. [1] La imagen representa a una mujer, evidentemente una ama, envuelta en las tentáculos de dos pulpos. El más pequeño de ellos envuelve con uno de sus tentáculos el pezón de la muchacha y la besa, mientras que el más grande practica un cunnilingus. El pulpo grande se llama Oyakata (Jefe) y es maestro del pulpo pequeño. En el texto sobre la imagen, la mujer y los animales expresan su mutuo placer sexual tras el encuentro. [2]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: In The_dream_of_the_fisherman's_wife, how is the Description discussed?Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

El sueño de la esposa del pescador es la imagen más famosa de Kinoe no Komatsu, publicada en tres volúmenes a partir de 1814. El libro es una obra de shunga (arte erótico) dentro del género ukiyo-e. [1] La imagen representa a una mujer, evidentemente una ama, envuelta en las tentáculos de dos pulpos. El más pequeño de ellos envuelve con uno de sus tentáculos el pezón de la muchacha y la besa, mientras que el más grande practica un cunnilingus. El pulpo grande se llama Oyakata (Jefe) y es maestro del pulpo pequeño. En el texto sobre la imagen, la mujer y los animales expresan su mutuo placer sexual tras el encuentro. [2]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Focus on The_dream_of_the_fisherman's_wife and explain the Influence.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

La imagen se cita a menudo como precursora de la violación por tentáculos, un motivo que ha sido popular en la animación y manga japoneses modernos desde finales del siglo XX, popularizado por el autor Toshio Maeda. La erótica moderna con tentáculos representa de manera similar el sexo entre mujeres y animales con tentáculos; el sexo en las representaciones modernas suele ser forzado, a diferencia de la interacción mutuamente placentera de Hokusai. [3] El psicólogo y crítico Jerry S. Piven se muestra escéptico de que la imagen lúdica de Hokusai pueda explicar las representaciones violentas en los medios modernos, argumentando que éstas son más bien producto de la agitación experimentada en toda la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial, que a su vez fue un reflejo de la existencia, corrientes subyacentes de trauma cultural. [4] El académico Holger Briel sostiene que «sólo en una sociedad que ya tiene predilección por los monstruos y está acostumbrada a interactuar con octópodos podrían surgir tales imágenes», citando la impresión de Hokusai como un ejemplo temprano de tal tradición. [3]Igualmente, a partir de finales del siglo XIX, gracias al desarrollo del japonismo, artistas europeos como Auguste Rodin y Pablo Picasso realizaron nuevas versiones eróticas de esta obra de Hokusai. [5] Picasso dibujó su propia versión privada en 1903, que se exhibió en una exposición del Museo Picasso de Barcelona de 2009 titulada Imágenes secretas, junto con otros 26 dibujos y grabados del artista, exhibidos junto al original de Hokusai y otros 16 grabados japoneses, que retratan la influencia del arte japonés del siglo XIX. sobre la obra de Picasso. [6] Más tarde, Picasso también pintó íntegramente obras que estaban directamente influenciadas por el grabado en madera, como Desnudo reclinado de 1932, donde la mujer en el placer es también el pulpo, capaz de darse placer a sí mismo. [7] [8] En 2003, una obra derivada del pintor australiano David Laity, titulada El sueño de la esposa del pescador, provocó una pequeña controversia sobre obscenidad cuando se exhibió en una galería de Melbourne; Después de recibir denuncias, la policía investigó y decidió que no violaba las leyes antipornografía de la ciudad. [9] [10] El grabado de Hokusai ha tenido una amplia influencia en el artista japonés-estadounidense moderno Masami Teraoka, quien ha creado imágenes de mujeres, incluido un personaje recurrente de "buzo de perlas", complacidas por cefalópodos como símbolo del poder sexual femenino. [11]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

Prompt: Explain the Influence of this artwork, The_dream_of_the_fisherman's_wife.Please output in Spanish.

''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

La imagen se cita a menudo como precursora de la violación por tentáculos, un motivo que ha sido popular en la animación y manga japoneses modernos desde finales del siglo XX, popularizado por el autor Toshio Maeda. La erótica moderna con tentáculos representa de manera similar el sexo entre mujeres y animales con tentáculos; el sexo en las representaciones modernas suele ser forzado, a diferencia de la interacción mutuamente placentera de Hokusai. [3] El psicólogo y crítico Jerry S. Piven se muestra escéptico de que la imagen lúdica de Hokusai pueda explicar las representaciones violentas en los medios modernos, argumentando que éstas son más bien producto de la agitación experimentada en toda la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial, que a su vez fue un reflejo de la existencia, corrientes subyacentes de trauma cultural. [4] El académico Holger Briel sostiene que «sólo en una sociedad que ya tiene predilección por los monstruos y está acostumbrada a interactuar con octópodos podrían surgir tales imágenes», citando la impresión de Hokusai como un ejemplo temprano de tal tradición. [3]Igualmente, a partir de finales del siglo XIX, gracias al desarrollo del japonismo, artistas europeos como Auguste Rodin y Pablo Picasso realizaron nuevas versiones eróticas de esta obra de Hokusai. [5] Picasso dibujó su propia versión privada en 1903, que se exhibió en una exposición del Museo Picasso de Barcelona de 2009 titulada Imágenes secretas, junto con otros 26 dibujos y grabados del artista, exhibidos junto al original de Hokusai y otros 16 grabados japoneses, que retratan la influencia del arte japonés del siglo XIX. sobre la obra de Picasso. [6] Más tarde, Picasso también pintó íntegramente obras que estaban directamente influenciadas por el grabado en madera, como Desnudo reclinado de 1932, donde la mujer en el placer es también el pulpo, capaz de darse placer a sí mismo. [7] [8] En 2003, una obra derivada del pintor australiano David Laity, titulada El sueño de la esposa del pescador, provocó una pequeña controversia sobre obscenidad cuando se exhibió en una galería de Melbourne; Después de recibir denuncias, la policía investigó y decidió que no violaba las leyes antipornografía de la ciudad. [9] [10] El grabado de Hokusai ha tenido una amplia influencia en el artista japonés-estadounidense moderno Masami Teraoka, quien ha creado imágenes de mujeres, incluido un personaje recurrente de "buzo de perlas", complacidas por cefalópodos como símbolo del poder sexual femenino. [11]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

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''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

La imagen se cita a menudo como precursora de la violación por tentáculos, un motivo que ha sido popular en la animación y manga japoneses modernos desde finales del siglo XX, popularizado por el autor Toshio Maeda. La erótica moderna con tentáculos representa de manera similar el sexo entre mujeres y animales con tentáculos; el sexo en las representaciones modernas suele ser forzado, a diferencia de la interacción mutuamente placentera de Hokusai. [3] El psicólogo y crítico Jerry S. Piven se muestra escéptico de que la imagen lúdica de Hokusai pueda explicar las representaciones violentas en los medios modernos, argumentando que éstas son más bien producto de la agitación experimentada en toda la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial, que a su vez fue un reflejo de la existencia, corrientes subyacentes de trauma cultural. [4] El académico Holger Briel sostiene que «sólo en una sociedad que ya tiene predilección por los monstruos y está acostumbrada a interactuar con octópodos podrían surgir tales imágenes», citando la impresión de Hokusai como un ejemplo temprano de tal tradición. [3]Igualmente, a partir de finales del siglo XIX, gracias al desarrollo del japonismo, artistas europeos como Auguste Rodin y Pablo Picasso realizaron nuevas versiones eróticas de esta obra de Hokusai. [5] Picasso dibujó su propia versión privada en 1903, que se exhibió en una exposición del Museo Picasso de Barcelona de 2009 titulada Imágenes secretas, junto con otros 26 dibujos y grabados del artista, exhibidos junto al original de Hokusai y otros 16 grabados japoneses, que retratan la influencia del arte japonés del siglo XIX. sobre la obra de Picasso. [6] Más tarde, Picasso también pintó íntegramente obras que estaban directamente influenciadas por el grabado en madera, como Desnudo reclinado de 1932, donde la mujer en el placer es también el pulpo, capaz de darse placer a sí mismo. [7] [8] En 2003, una obra derivada del pintor australiano David Laity, titulada El sueño de la esposa del pescador, provocó una pequeña controversia sobre obscenidad cuando se exhibió en una galería de Melbourne; Después de recibir denuncias, la policía investigó y decidió que no violaba las leyes antipornografía de la ciudad. [9] [10] El grabado de Hokusai ha tenido una amplia influencia en el artista japonés-estadounidense moderno Masami Teraoka, quien ha creado imágenes de mujeres, incluido un personaje recurrente de "buzo de perlas", complacidas por cefalópodos como símbolo del poder sexual femenino. [11]


The_dream_of_the_fisherman's_wife

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''Relectura del sueño de la esposa del pescador'' (1988). [[Fotografía erótica

Archivo:Re-reading of The Dream of the Fisherman's Wife 1988.jpg

La imagen se cita a menudo como precursora de la violación por tentáculos, un motivo que ha sido popular en la animación y manga japoneses modernos desde finales del siglo XX, popularizado por el autor Toshio Maeda. La erótica moderna con tentáculos representa de manera similar el sexo entre mujeres y animales con tentáculos; el sexo en las representaciones modernas suele ser forzado, a diferencia de la interacción mutuamente placentera de Hokusai. [3] El psicólogo y crítico Jerry S. Piven se muestra escéptico de que la imagen lúdica de Hokusai pueda explicar las representaciones violentas en los medios modernos, argumentando que éstas son más bien producto de la agitación experimentada en toda la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial, que a su vez fue un reflejo de la existencia, corrientes subyacentes de trauma cultural. [4] El académico Holger Briel sostiene que «sólo en una sociedad que ya tiene predilección por los monstruos y está acostumbrada a interactuar con octópodos podrían surgir tales imágenes», citando la impresión de Hokusai como un ejemplo temprano de tal tradición. [3]Igualmente, a partir de finales del siglo XIX, gracias al desarrollo del japonismo, artistas europeos como Auguste Rodin y Pablo Picasso realizaron nuevas versiones eróticas de esta obra de Hokusai. [5] Picasso dibujó su propia versión privada en 1903, que se exhibió en una exposición del Museo Picasso de Barcelona de 2009 titulada Imágenes secretas, junto con otros 26 dibujos y grabados del artista, exhibidos junto al original de Hokusai y otros 16 grabados japoneses, que retratan la influencia del arte japonés del siglo XIX. sobre la obra de Picasso. [6] Más tarde, Picasso también pintó íntegramente obras que estaban directamente influenciadas por el grabado en madera, como Desnudo reclinado de 1932, donde la mujer en el placer es también el pulpo, capaz de darse placer a sí mismo. [7] [8] En 2003, una obra derivada del pintor australiano David Laity, titulada El sueño de la esposa del pescador, provocó una pequeña controversia sobre obscenidad cuando se exhibió en una galería de Melbourne; Después de recibir denuncias, la policía investigó y decidió que no violaba las leyes antipornografía de la ciudad. [9] [10] El grabado de Hokusai ha tenido una amplia influencia en el artista japonés-estadounidense moderno Masami Teraoka, quien ha creado imágenes de mujeres, incluido un personaje recurrente de "buzo de perlas", complacidas por cefalópodos como símbolo del poder sexual femenino. [11]


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Focus on Unique_Forms_of_Continuity_in_Space and explain the abstract.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Formas únicas de continuidad en el espacio (en italiano: Forme uniche della continuità nello spazio) es una famosa escultura futurista realizada en 1913 por el escultor italiano Umberto Boccioni.[1] La versión original se encuentra en yeso, y algunas fundiciones en bronce póstumas, repartidas por algunos museos del mundo. Mide 111,4 cm de altura por 88,5 cm de largo y 40 cm de ancho. El original y una fundición en bronce se encuentran en São Paulo, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. El resto de las otras fundiciones en bronce se encuentran dispersas en museos de Nueva York, Londres, Los Ángeles, Milán y Cosenza.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Unique_Forms_of_Continuity_in_Space.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Formas únicas de continuidad en el espacio (en italiano: Forme uniche della continuità nello spazio) es una famosa escultura futurista realizada en 1913 por el escultor italiano Umberto Boccioni.[1] La versión original se encuentra en yeso, y algunas fundiciones en bronce póstumas, repartidas por algunos museos del mundo. Mide 111,4 cm de altura por 88,5 cm de largo y 40 cm de ancho. El original y una fundición en bronce se encuentran en São Paulo, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. El resto de las otras fundiciones en bronce se encuentran dispersas en museos de Nueva York, Londres, Los Ángeles, Milán y Cosenza.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

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Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Formas únicas de continuidad en el espacio (en italiano: Forme uniche della continuità nello spazio) es una famosa escultura futurista realizada en 1913 por el escultor italiano Umberto Boccioni.[1] La versión original se encuentra en yeso, y algunas fundiciones en bronce póstumas, repartidas por algunos museos del mundo. Mide 111,4 cm de altura por 88,5 cm de largo y 40 cm de ancho. El original y una fundición en bronce se encuentran en São Paulo, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. El resto de las otras fundiciones en bronce se encuentran dispersas en museos de Nueva York, Londres, Los Ángeles, Milán y Cosenza.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: In Unique_Forms_of_Continuity_in_Space, how is the abstract discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Formas únicas de continuidad en el espacio (en italiano: Forme uniche della continuità nello spazio) es una famosa escultura futurista realizada en 1913 por el escultor italiano Umberto Boccioni.[1] La versión original se encuentra en yeso, y algunas fundiciones en bronce póstumas, repartidas por algunos museos del mundo. Mide 111,4 cm de altura por 88,5 cm de largo y 40 cm de ancho. El original y una fundición en bronce se encuentran en São Paulo, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. El resto de las otras fundiciones en bronce se encuentran dispersas en museos de Nueva York, Londres, Los Ángeles, Milán y Cosenza.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Focus on Unique_Forms_of_Continuity_in_Space and explain the History.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en 1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el MoMA (1931) y otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942),[2] ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por el MAC, a petición de la Tate Gallery,[3] y negociaron a cambio una escultura de Henry Moore, encontrándose en Londres desde 1972. Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original, sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Museo del Novecento en Milán y otra en la Galería nacional de Cosenza en Calabria. Esta escultura se encuentra reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Explain the History of this artwork, Unique_Forms_of_Continuity_in_Space.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en 1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el MoMA (1931) y otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942),[2] ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por el MAC, a petición de la Tate Gallery,[3] y negociaron a cambio una escultura de Henry Moore, encontrándose en Londres desde 1972. Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original, sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Museo del Novecento en Milán y otra en la Galería nacional de Cosenza en Calabria. Esta escultura se encuentra reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

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Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en 1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el MoMA (1931) y otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942),[2] ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por el MAC, a petición de la Tate Gallery,[3] y negociaron a cambio una escultura de Henry Moore, encontrándose en Londres desde 1972. Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original, sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Museo del Novecento en Milán y otra en la Galería nacional de Cosenza en Calabria. Esta escultura se encuentra reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

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Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

El yeso original ejecutado en 1913 fue adquirido por Ciccillo Matarazzo en 1952, junto con el yeso original de otra célebre escultura de Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio. Ambas fueron donadas por Ciccillo al Museo de São Paulo (MAC-USP), en 1963. Cuatro ejemplares fueron fundidos en bronce del yeso original después de la muerte del artista. Uno de ellos está en el MoMA (1931) y otro en el Museo Metropolitano de Arte (1942),[2] ambos en Nueva York. El tercero fue fundido en 1960, y también pertenece a las colecciones del MAC-USP. El cuarto fue fundido por el MAC, a petición de la Tate Gallery,[3] y negociaron a cambio una escultura de Henry Moore, encontrándose en Londres desde 1972. Otras versiones se fundieron en 1972, pero no del yeso original, sino de la versión del año 1942 del Metropolitan. Una se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Museo del Novecento en Milán y otra en la Galería nacional de Cosenza en Calabria. Esta escultura se encuentra reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.La pieza en yeso se convierte en una de las pocas piezas originales del artista que se salvaron de la destrucción que ocurrió en una exposición póstuma, celebrada en Italia. Las circunstancias de la destrucción de las otras piezas permanecen oscuras.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Focus on Unique_Forms_of_Continuity_in_Space and explain the Analysis.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: Explain the Analysis of this artwork, Unique_Forms_of_Continuity_in_Space.Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: How does Unique_Forms_of_Continuity_in_Space explain its Analysis?Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo.


Unique_Forms_of_Continuity_in_Space

Prompt: In Unique_Forms_of_Continuity_in_Space, how is the Analysis discussed?Please output in Spanish.

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Categoría:Esculturas del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo

Con esta escultura Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano, y se asemeja a una bandera ondeando en el viento. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado (físico) es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo.


Allegory_of_the_victory_of_Venus

Prompt: Focus on Allegory_of_the_victory_of_Venus and explain the abstract.Please output in Spanish.

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Detalle de la personificación de los Celos o la Sífilis en la obra pictórica.

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Alegoría del triunfo de Venus (en italiano, Allegoria del trionfo di Venere), también conocida como Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin.[1] Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.[2]En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.[3]


Allegory_of_the_victory_of_Venus

Prompt: Explain the abstract of this artwork, Allegory_of_the_victory_of_Venus.Please output in Spanish.

Archivo:Angelo Bronzino - Venus, Cupid, Folly and Time - National Gallery, London.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Detalle de la personificación de los Celos o la Sífilis en la obra pictórica.

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Alegoría del triunfo de Venus (en italiano, Allegoria del trionfo di Venere), también conocida como Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin.[1] Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.[2]En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.[3]


Allegory_of_the_victory_of_Venus

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Detalle de la personificación de los Celos o la Sífilis en la obra pictórica.

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Alegoría del triunfo de Venus (en italiano, Allegoria del trionfo di Venere), también conocida como Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin.[1] Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.[2]En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.[3]


Allegory_of_the_victory_of_Venus

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Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Detalle de la personificación de los Celos o la Sífilis en la obra pictórica.

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Alegoría del triunfo de Venus (en italiano, Allegoria del trionfo di Venere), también conocida como Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin.[1] Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.[2]En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.[3]