Los_tres_filósofos

Prompt: Describe las características de la Interpretaciones en la Historia de Los_tres_filósofos.

A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones;[5] sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta. La primera descripción del cuadro fue realizada en 1525 por Marcantonio Michiel, un noble veneciano interesado en la historia del arte, y el cual en una visita a la residencia de Taddeo Contarini escribió lo siguiente:   Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.[5]

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Concéntrate en La_música_en_las_Tullerías y explora la abstract.

La música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_música_en_las_Tullerías.

La música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: ¿Cómo aclara La_música_en_las_Tullerías su abstract?

La música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: En La_música_en_las_Tullerías, ¿Cómo se discute la abstract?

La música en las Tullerías es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1862. Mide 76 cm de altura y 116 de largo. Se considera generalmente esta tela como el primer ejemplo de obra impresionista en la historia del arte. Fue adquirido por la National Gallery de Londres en 1917 y allí se exhibe con el título de Music in the Tuileries Gardens.Se trata de uno de los primeros cuadros de Manet, ejecutado durante el Segundo Imperio.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

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Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Concéntrate en La_música_en_las_Tullerías y explora la Descripción.

El universo de alto copete y refinado en el cual evolucionaba Manet, propio del París del siglo XIX está extraordinariamente reflejado en este cuadro, que pinta un concierto dado en el jardín de las Tullerías. Por entonces, el palacio de las Tullerías aún existía, y albergaba a la corte de Napoleón III. Tres días a la semana se abrían los jardines al público y se oía música.[1]El pintor se complace en hacer figurar un determinado número de las personas que le son cercanas. Algunas de las figuras son verdaderos retratos. En él aparece su modelo favorita: Victorine Meurent, que también está en obras como La cantante de las cerezas o Desayuno sobre la hierba, de la misma época. Puede identificarse también al propio autor, Manet, con sombrero de copa, barbudo, en el borde izquierdo de la composición. Ligeramente inclinado hacia la izquierda está su hermano, Eugène Manet, charlando con otra mujer.Baudelaire es una simple silueta esbozada, justo detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda. Esta última, instalada junto a la Sra. Offenbach, no es otra que la Sra. Lejosne, gracias a la cual Manet conoció a Baudelaire.Otros amigos del artista están cerca del tronco: el músico Offenbach, el pintor Henri Fantin-Latour y escritores como Jules Husson Champfleury o Théophile Gautier.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, La_música_en_las_Tullerías.

El universo de alto copete y refinado en el cual evolucionaba Manet, propio del París del siglo XIX está extraordinariamente reflejado en este cuadro, que pinta un concierto dado en el jardín de las Tullerías. Por entonces, el palacio de las Tullerías aún existía, y albergaba a la corte de Napoleón III. Tres días a la semana se abrían los jardines al público y se oía música.[1]El pintor se complace en hacer figurar un determinado número de las personas que le son cercanas. Algunas de las figuras son verdaderos retratos. En él aparece su modelo favorita: Victorine Meurent, que también está en obras como La cantante de las cerezas o Desayuno sobre la hierba, de la misma época. Puede identificarse también al propio autor, Manet, con sombrero de copa, barbudo, en el borde izquierdo de la composición. Ligeramente inclinado hacia la izquierda está su hermano, Eugène Manet, charlando con otra mujer.Baudelaire es una simple silueta esbozada, justo detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda. Esta última, instalada junto a la Sra. Offenbach, no es otra que la Sra. Lejosne, gracias a la cual Manet conoció a Baudelaire.Otros amigos del artista están cerca del tronco: el músico Offenbach, el pintor Henri Fantin-Latour y escritores como Jules Husson Champfleury o Théophile Gautier.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


La_música_en_las_Tullerías

Prompt: ¿Cómo aclara La_música_en_las_Tullerías su Descripción?

El universo de alto copete y refinado en el cual evolucionaba Manet, propio del París del siglo XIX está extraordinariamente reflejado en este cuadro, que pinta un concierto dado en el jardín de las Tullerías. Por entonces, el palacio de las Tullerías aún existía, y albergaba a la corte de Napoleón III. Tres días a la semana se abrían los jardines al público y se oía música.[1]El pintor se complace en hacer figurar un determinado número de las personas que le son cercanas. Algunas de las figuras son verdaderos retratos. En él aparece su modelo favorita: Victorine Meurent, que también está en obras como La cantante de las cerezas o Desayuno sobre la hierba, de la misma época. Puede identificarse también al propio autor, Manet, con sombrero de copa, barbudo, en el borde izquierdo de la composición. Ligeramente inclinado hacia la izquierda está su hermano, Eugène Manet, charlando con otra mujer.Baudelaire es una simple silueta esbozada, justo detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda. Esta última, instalada junto a la Sra. Offenbach, no es otra que la Sra. Lejosne, gracias a la cual Manet conoció a Baudelaire.Otros amigos del artista están cerca del tronco: el músico Offenbach, el pintor Henri Fantin-Latour y escritores como Jules Husson Champfleury o Théophile Gautier.

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La_música_en_las_Tullerías

Prompt: En La_música_en_las_Tullerías, ¿Cómo se discute la Descripción?

El universo de alto copete y refinado en el cual evolucionaba Manet, propio del París del siglo XIX está extraordinariamente reflejado en este cuadro, que pinta un concierto dado en el jardín de las Tullerías. Por entonces, el palacio de las Tullerías aún existía, y albergaba a la corte de Napoleón III. Tres días a la semana se abrían los jardines al público y se oía música.[1]El pintor se complace en hacer figurar un determinado número de las personas que le son cercanas. Algunas de las figuras son verdaderos retratos. En él aparece su modelo favorita: Victorine Meurent, que también está en obras como La cantante de las cerezas o Desayuno sobre la hierba, de la misma época. Puede identificarse también al propio autor, Manet, con sombrero de copa, barbudo, en el borde izquierdo de la composición. Ligeramente inclinado hacia la izquierda está su hermano, Eugène Manet, charlando con otra mujer.Baudelaire es una simple silueta esbozada, justo detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda. Esta última, instalada junto a la Sra. Offenbach, no es otra que la Sra. Lejosne, gracias a la cual Manet conoció a Baudelaire.Otros amigos del artista están cerca del tronco: el músico Offenbach, el pintor Henri Fantin-Latour y escritores como Jules Husson Champfleury o Théophile Gautier.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

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La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Concéntrate en La_música_en_las_Tullerías y explora la Estilo.

Manet pinta a este abigarrado grupo con manchas de color. El uso de esta técnica escandalizó a los contemporáneos. En efecto, esta tela supone la clara ruptura del pintor con su período realista, también escandalizó cuando se expuso en 1863 en la galería Louis-Martinet, ya que mostraba a la sociedad de su tiempo y no un pasado más o menos mítico. Se representa con precisión las vestimentas y los tocados de la época. Las sillas de hierro forjado que se ven acababan de sustituir a las de madera empleadas en el evento hasta 1862. Destacan los vestidos con grandes lazos que llevan las niñas que juegan en primer plano.[1] Las críticas también acusaron a Manet de trabajar sólo esbozos borrosos y de «arañar los ojos como la música de las ferias hace sangrar la oreja». Está Música de las Tullerías, mejor aún que Desayuno sobre la hierba, parece ser el primer manifiesto verdadero del movimiento impresionista y uno de los primeros signos del interés de la pintura para la vida urbana moderna, seguido en esto por Daumier y Degas en particular.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

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La_música_en_las_Tullerías

Prompt: Explora la Estilo de esta obra de arte, La_música_en_las_Tullerías.

Manet pinta a este abigarrado grupo con manchas de color. El uso de esta técnica escandalizó a los contemporáneos. En efecto, esta tela supone la clara ruptura del pintor con su período realista, también escandalizó cuando se expuso en 1863 en la galería Louis-Martinet, ya que mostraba a la sociedad de su tiempo y no un pasado más o menos mítico. Se representa con precisión las vestimentas y los tocados de la época. Las sillas de hierro forjado que se ven acababan de sustituir a las de madera empleadas en el evento hasta 1862. Destacan los vestidos con grandes lazos que llevan las niñas que juegan en primer plano.[1] Las críticas también acusaron a Manet de trabajar sólo esbozos borrosos y de «arañar los ojos como la música de las ferias hace sangrar la oreja». Está Música de las Tullerías, mejor aún que Desayuno sobre la hierba, parece ser el primer manifiesto verdadero del movimiento impresionista y uno de los primeros signos del interés de la pintura para la vida urbana moderna, seguido en esto por Daumier y Degas en particular.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

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La_música_en_las_Tullerías

Prompt: ¿Cómo aclara La_música_en_las_Tullerías su Estilo?

Manet pinta a este abigarrado grupo con manchas de color. El uso de esta técnica escandalizó a los contemporáneos. En efecto, esta tela supone la clara ruptura del pintor con su período realista, también escandalizó cuando se expuso en 1863 en la galería Louis-Martinet, ya que mostraba a la sociedad de su tiempo y no un pasado más o menos mítico. Se representa con precisión las vestimentas y los tocados de la época. Las sillas de hierro forjado que se ven acababan de sustituir a las de madera empleadas en el evento hasta 1862. Destacan los vestidos con grandes lazos que llevan las niñas que juegan en primer plano.[1] Las críticas también acusaron a Manet de trabajar sólo esbozos borrosos y de «arañar los ojos como la música de las ferias hace sangrar la oreja». Está Música de las Tullerías, mejor aún que Desayuno sobre la hierba, parece ser el primer manifiesto verdadero del movimiento impresionista y uno de los primeros signos del interés de la pintura para la vida urbana moderna, seguido en esto por Daumier y Degas en particular.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

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La_música_en_las_Tullerías

Prompt: En La_música_en_las_Tullerías, ¿Cómo se discute la Estilo?

Manet pinta a este abigarrado grupo con manchas de color. El uso de esta técnica escandalizó a los contemporáneos. En efecto, esta tela supone la clara ruptura del pintor con su período realista, también escandalizó cuando se expuso en 1863 en la galería Louis-Martinet, ya que mostraba a la sociedad de su tiempo y no un pasado más o menos mítico. Se representa con precisión las vestimentas y los tocados de la época. Las sillas de hierro forjado que se ven acababan de sustituir a las de madera empleadas en el evento hasta 1862. Destacan los vestidos con grandes lazos que llevan las niñas que juegan en primer plano.[1] Las críticas también acusaron a Manet de trabajar sólo esbozos borrosos y de «arañar los ojos como la música de las ferias hace sangrar la oreja». Está Música de las Tullerías, mejor aún que Desayuno sobre la hierba, parece ser el primer manifiesto verdadero del movimiento impresionista y uno de los primeros signos del interés de la pintura para la vida urbana moderna, seguido en esto por Daumier y Degas en particular.

Imagen:MANET - Música en las Tullerías (National Gallery, Londres, 1862).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Representaciones culturales de Charles Baudelaire


Natividad_mística

Prompt: Concéntrate en Natividad_mística y explora la abstract.

Natividad mística (en italiano, Natività mistica) es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 108,5 cm de alto y 75 cm de largo. Fue realizado en 1501 y se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Es la única obra firmada y fechada por Botticelli. Se ha sugerido que fue pintada para su propia devoción privada, o para alguien cercano a él. Ciertamente es poco convencional, y no representa simplemente los acontecimientos tradicionales del nacimiento de Jesucristo y la adoración de los pastores y los reyes magos. Más bien es una visión de estos acontecimientos inspirados por las profecías del Apocalipsis. Aunque es difícilmente interpretable, dado que huye de toda la iconografía clásica de la Navidad, el tema hace probablemente referencia a la situación florentina de inicios del siglo XVI, la caída de Carlos VIII, la expulsión de Pedro de Médicis de la señoría de la ciudad y la toma del poder por el partido de Girolamo Savonarola. Quizá Botticelli pintara este cuadro como ilustración de los sermones de Savonarola contra la decadencia moral de la Florencia de los Médicis. Aunque no hay documentos que acrediten que Botticelli fuera uno de los discípulos de Savonarola, ciertos temas de sus obras tardías, como esta Natividad mística, ciertamente derivan de sus sermones y de la renovatio que propugnaban, lo que significa que el artista estaba definitivamente atraído por esa personalidad tan central para los acontecimientos políticos y culturales de Florencia durante los últimos años del siglo XV.El pathos que se respira en el cuadro, el sentimiento de los penitentes en torno a la Natividad, son bastante elocuentes para recordar el canto del partido de Savonarola: Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Es una obra representativa de sus composiciones tardías, en las que introduce el dolor lleno de pathos, de modo que exige una mayor participación del espectador. En esta obra abandona la perspectiva y el realismo, cayendo en una consciente regresión hacia un gusto arcaizante, lo que se adaptaba adecuadamente a la complicada simbología que requerían los temas sagrados. La falta de realismo viene subrayada por las convenciones estéticas del arte medieval y por la introducción de textos griegos y latinos dentro de la propia pintura.Rasgos propios de la pintura medieval son la presentación de las figuras en actitudes forzadas y poco naturales y las dimensiones de los personajes no son las naturales, sino las que corresponden según su importancia devocional. La Virgen María, adorando a un gigantesco Niño Jesús, es tan grande que si ella se pusiera en pie no cabría bajo el techo de paja del establo. Ellos dos son, por supuesto, las figuras más santas e importantes de la obra. No renuncia, sin embargo, a su forma de entender el arte. La sombra del espíritu humanístico aún se evidencia en detalles como la inscripción en griego con el año de su elaboración y un versículo del Apocalipsis: el idioma griego había cobrado auge en la corte de Cosme el Viejo y en la neoplatónica de su sobrino Lorenzo el Magnífico. Esta sorprendente inscripción en lo alto del cuadro se ha traducido como:  Faltan las palabras después de "veremos", que pueden ser "precipitado" o "enterrándose a sí mismo". Las "turbulencias de Italia" puede ser la situación de Florencia después de la muerte de Lorenzo el Magnífico, o la invasión francesa. El "tiempo medio después del tiempo" se ha entendido generalmente como un año y medio antes, esto es, en 1498, cuando los franceses invadieron Italia, pero puede significar medio milenio (500 años) después de un milenio (1000 años): 1500, la fecha de la pintura. Esto puede relacionarse con el milenarismo que se extendió a finales del siglo XV. Como el final del milenio en el año 1000, el final del medio milenio en 1500 también parecía a mucha gente el anuncio de la Segunda Llegada de Jesucristo, profetizada por la Revelación.Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. En los rollos que hay alrededor de las ramas del primer plano, combinados con algunos de los que sostienen los ángeles que bailan en el cielo, se lee: 'Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz, buena voluntad hacia los hombres' (Lucas 2:14). Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Los rollos sostenidos por los ángeles apuntando a la cuna decían: `Contemplad al Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo' las palabras de Juan el Bautista presentando a Cristo (Juan 1:29). Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso. La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. Recuerda las máquinas de Filippo Brunelleschi para las representaciones sagradas puestas en escena en las iglesias florentinas a finales del siglo precedente. Coronas doradas cuelgan de las ramas de olivo de los ángeles danzantes. La mayor parte de sus rollos celebran a María: 'Madre de Dios', 'Esposa de Dios', 'Única reina del Mundo'. En este detalle, la pintura exige un cierto esfuerzo del espectador, para creer en la verosimilitud de esa danza aérea. Estos ángeles danzantes no tienen ya la serena belleza de los que aparecen en la Pala de San Marcos en torno a la "Coronación de la Virgen".En una época en que los pintores florentinos estaban recreando la naturaleza con sus pinceles, Botticelli libremente asumió la artificialidad del arte. En su pagana Venus y Marte volvió la espalda al naturalismo para expresar la belleza ideal. En la Natividad mística fue más allá, de lo anticuado a lo arcaico, para expresar verdades espirituales -casi como los victorianos que lo redescubrirían en el siglo XIX, y que asociaron el estilo gótico con una 'Era de Fe'.

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


Natividad_mística

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Natividad_mística.

Natividad mística (en italiano, Natività mistica) es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 108,5 cm de alto y 75 cm de largo. Fue realizado en 1501 y se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Es la única obra firmada y fechada por Botticelli. Se ha sugerido que fue pintada para su propia devoción privada, o para alguien cercano a él. Ciertamente es poco convencional, y no representa simplemente los acontecimientos tradicionales del nacimiento de Jesucristo y la adoración de los pastores y los reyes magos. Más bien es una visión de estos acontecimientos inspirados por las profecías del Apocalipsis. Aunque es difícilmente interpretable, dado que huye de toda la iconografía clásica de la Navidad, el tema hace probablemente referencia a la situación florentina de inicios del siglo XVI, la caída de Carlos VIII, la expulsión de Pedro de Médicis de la señoría de la ciudad y la toma del poder por el partido de Girolamo Savonarola. Quizá Botticelli pintara este cuadro como ilustración de los sermones de Savonarola contra la decadencia moral de la Florencia de los Médicis. Aunque no hay documentos que acrediten que Botticelli fuera uno de los discípulos de Savonarola, ciertos temas de sus obras tardías, como esta Natividad mística, ciertamente derivan de sus sermones y de la renovatio que propugnaban, lo que significa que el artista estaba definitivamente atraído por esa personalidad tan central para los acontecimientos políticos y culturales de Florencia durante los últimos años del siglo XV.El pathos que se respira en el cuadro, el sentimiento de los penitentes en torno a la Natividad, son bastante elocuentes para recordar el canto del partido de Savonarola: Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Es una obra representativa de sus composiciones tardías, en las que introduce el dolor lleno de pathos, de modo que exige una mayor participación del espectador. En esta obra abandona la perspectiva y el realismo, cayendo en una consciente regresión hacia un gusto arcaizante, lo que se adaptaba adecuadamente a la complicada simbología que requerían los temas sagrados. La falta de realismo viene subrayada por las convenciones estéticas del arte medieval y por la introducción de textos griegos y latinos dentro de la propia pintura.Rasgos propios de la pintura medieval son la presentación de las figuras en actitudes forzadas y poco naturales y las dimensiones de los personajes no son las naturales, sino las que corresponden según su importancia devocional. La Virgen María, adorando a un gigantesco Niño Jesús, es tan grande que si ella se pusiera en pie no cabría bajo el techo de paja del establo. Ellos dos son, por supuesto, las figuras más santas e importantes de la obra. No renuncia, sin embargo, a su forma de entender el arte. La sombra del espíritu humanístico aún se evidencia en detalles como la inscripción en griego con el año de su elaboración y un versículo del Apocalipsis: el idioma griego había cobrado auge en la corte de Cosme el Viejo y en la neoplatónica de su sobrino Lorenzo el Magnífico. Esta sorprendente inscripción en lo alto del cuadro se ha traducido como:  Faltan las palabras después de "veremos", que pueden ser "precipitado" o "enterrándose a sí mismo". Las "turbulencias de Italia" puede ser la situación de Florencia después de la muerte de Lorenzo el Magnífico, o la invasión francesa. El "tiempo medio después del tiempo" se ha entendido generalmente como un año y medio antes, esto es, en 1498, cuando los franceses invadieron Italia, pero puede significar medio milenio (500 años) después de un milenio (1000 años): 1500, la fecha de la pintura. Esto puede relacionarse con el milenarismo que se extendió a finales del siglo XV. Como el final del milenio en el año 1000, el final del medio milenio en 1500 también parecía a mucha gente el anuncio de la Segunda Llegada de Jesucristo, profetizada por la Revelación.Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. En los rollos que hay alrededor de las ramas del primer plano, combinados con algunos de los que sostienen los ángeles que bailan en el cielo, se lee: 'Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz, buena voluntad hacia los hombres' (Lucas 2:14). Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Los rollos sostenidos por los ángeles apuntando a la cuna decían: `Contemplad al Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo' las palabras de Juan el Bautista presentando a Cristo (Juan 1:29). Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso. La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. Recuerda las máquinas de Filippo Brunelleschi para las representaciones sagradas puestas en escena en las iglesias florentinas a finales del siglo precedente. Coronas doradas cuelgan de las ramas de olivo de los ángeles danzantes. La mayor parte de sus rollos celebran a María: 'Madre de Dios', 'Esposa de Dios', 'Única reina del Mundo'. En este detalle, la pintura exige un cierto esfuerzo del espectador, para creer en la verosimilitud de esa danza aérea. Estos ángeles danzantes no tienen ya la serena belleza de los que aparecen en la Pala de San Marcos en torno a la "Coronación de la Virgen".En una época en que los pintores florentinos estaban recreando la naturaleza con sus pinceles, Botticelli libremente asumió la artificialidad del arte. En su pagana Venus y Marte volvió la espalda al naturalismo para expresar la belleza ideal. En la Natividad mística fue más allá, de lo anticuado a lo arcaico, para expresar verdades espirituales -casi como los victorianos que lo redescubrirían en el siglo XIX, y que asociaron el estilo gótico con una 'Era de Fe'.

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


Natividad_mística

Prompt: ¿Cómo aclara Natividad_mística su abstract?

Natividad mística (en italiano, Natività mistica) es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 108,5 cm de alto y 75 cm de largo. Fue realizado en 1501 y se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Es la única obra firmada y fechada por Botticelli. Se ha sugerido que fue pintada para su propia devoción privada, o para alguien cercano a él. Ciertamente es poco convencional, y no representa simplemente los acontecimientos tradicionales del nacimiento de Jesucristo y la adoración de los pastores y los reyes magos. Más bien es una visión de estos acontecimientos inspirados por las profecías del Apocalipsis. Aunque es difícilmente interpretable, dado que huye de toda la iconografía clásica de la Navidad, el tema hace probablemente referencia a la situación florentina de inicios del siglo XVI, la caída de Carlos VIII, la expulsión de Pedro de Médicis de la señoría de la ciudad y la toma del poder por el partido de Girolamo Savonarola. Quizá Botticelli pintara este cuadro como ilustración de los sermones de Savonarola contra la decadencia moral de la Florencia de los Médicis. Aunque no hay documentos que acrediten que Botticelli fuera uno de los discípulos de Savonarola, ciertos temas de sus obras tardías, como esta Natividad mística, ciertamente derivan de sus sermones y de la renovatio que propugnaban, lo que significa que el artista estaba definitivamente atraído por esa personalidad tan central para los acontecimientos políticos y culturales de Florencia durante los últimos años del siglo XV.El pathos que se respira en el cuadro, el sentimiento de los penitentes en torno a la Natividad, son bastante elocuentes para recordar el canto del partido de Savonarola: Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Es una obra representativa de sus composiciones tardías, en las que introduce el dolor lleno de pathos, de modo que exige una mayor participación del espectador. En esta obra abandona la perspectiva y el realismo, cayendo en una consciente regresión hacia un gusto arcaizante, lo que se adaptaba adecuadamente a la complicada simbología que requerían los temas sagrados. La falta de realismo viene subrayada por las convenciones estéticas del arte medieval y por la introducción de textos griegos y latinos dentro de la propia pintura.Rasgos propios de la pintura medieval son la presentación de las figuras en actitudes forzadas y poco naturales y las dimensiones de los personajes no son las naturales, sino las que corresponden según su importancia devocional. La Virgen María, adorando a un gigantesco Niño Jesús, es tan grande que si ella se pusiera en pie no cabría bajo el techo de paja del establo. Ellos dos son, por supuesto, las figuras más santas e importantes de la obra. No renuncia, sin embargo, a su forma de entender el arte. La sombra del espíritu humanístico aún se evidencia en detalles como la inscripción en griego con el año de su elaboración y un versículo del Apocalipsis: el idioma griego había cobrado auge en la corte de Cosme el Viejo y en la neoplatónica de su sobrino Lorenzo el Magnífico. Esta sorprendente inscripción en lo alto del cuadro se ha traducido como:  Faltan las palabras después de "veremos", que pueden ser "precipitado" o "enterrándose a sí mismo". Las "turbulencias de Italia" puede ser la situación de Florencia después de la muerte de Lorenzo el Magnífico, o la invasión francesa. El "tiempo medio después del tiempo" se ha entendido generalmente como un año y medio antes, esto es, en 1498, cuando los franceses invadieron Italia, pero puede significar medio milenio (500 años) después de un milenio (1000 años): 1500, la fecha de la pintura. Esto puede relacionarse con el milenarismo que se extendió a finales del siglo XV. Como el final del milenio en el año 1000, el final del medio milenio en 1500 también parecía a mucha gente el anuncio de la Segunda Llegada de Jesucristo, profetizada por la Revelación.Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. En los rollos que hay alrededor de las ramas del primer plano, combinados con algunos de los que sostienen los ángeles que bailan en el cielo, se lee: 'Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz, buena voluntad hacia los hombres' (Lucas 2:14). Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Los rollos sostenidos por los ángeles apuntando a la cuna decían: `Contemplad al Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo' las palabras de Juan el Bautista presentando a Cristo (Juan 1:29). Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso. La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. Recuerda las máquinas de Filippo Brunelleschi para las representaciones sagradas puestas en escena en las iglesias florentinas a finales del siglo precedente. Coronas doradas cuelgan de las ramas de olivo de los ángeles danzantes. La mayor parte de sus rollos celebran a María: 'Madre de Dios', 'Esposa de Dios', 'Única reina del Mundo'. En este detalle, la pintura exige un cierto esfuerzo del espectador, para creer en la verosimilitud de esa danza aérea. Estos ángeles danzantes no tienen ya la serena belleza de los que aparecen en la Pala de San Marcos en torno a la "Coronación de la Virgen".En una época en que los pintores florentinos estaban recreando la naturaleza con sus pinceles, Botticelli libremente asumió la artificialidad del arte. En su pagana Venus y Marte volvió la espalda al naturalismo para expresar la belleza ideal. En la Natividad mística fue más allá, de lo anticuado a lo arcaico, para expresar verdades espirituales -casi como los victorianos que lo redescubrirían en el siglo XIX, y que asociaron el estilo gótico con una 'Era de Fe'.

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


Natividad_mística

Prompt: En Natividad_mística, ¿Cómo se discute la abstract?

Natividad mística (en italiano, Natività mistica) es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Mide 108,5 cm de alto y 75 cm de largo. Fue realizado en 1501 y se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Es la única obra firmada y fechada por Botticelli. Se ha sugerido que fue pintada para su propia devoción privada, o para alguien cercano a él. Ciertamente es poco convencional, y no representa simplemente los acontecimientos tradicionales del nacimiento de Jesucristo y la adoración de los pastores y los reyes magos. Más bien es una visión de estos acontecimientos inspirados por las profecías del Apocalipsis. Aunque es difícilmente interpretable, dado que huye de toda la iconografía clásica de la Navidad, el tema hace probablemente referencia a la situación florentina de inicios del siglo XVI, la caída de Carlos VIII, la expulsión de Pedro de Médicis de la señoría de la ciudad y la toma del poder por el partido de Girolamo Savonarola. Quizá Botticelli pintara este cuadro como ilustración de los sermones de Savonarola contra la decadencia moral de la Florencia de los Médicis. Aunque no hay documentos que acrediten que Botticelli fuera uno de los discípulos de Savonarola, ciertos temas de sus obras tardías, como esta Natividad mística, ciertamente derivan de sus sermones y de la renovatio que propugnaban, lo que significa que el artista estaba definitivamente atraído por esa personalidad tan central para los acontecimientos políticos y culturales de Florencia durante los últimos años del siglo XV.El pathos que se respira en el cuadro, el sentimiento de los penitentes en torno a la Natividad, son bastante elocuentes para recordar el canto del partido de Savonarola: Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Es una obra representativa de sus composiciones tardías, en las que introduce el dolor lleno de pathos, de modo que exige una mayor participación del espectador. En esta obra abandona la perspectiva y el realismo, cayendo en una consciente regresión hacia un gusto arcaizante, lo que se adaptaba adecuadamente a la complicada simbología que requerían los temas sagrados. La falta de realismo viene subrayada por las convenciones estéticas del arte medieval y por la introducción de textos griegos y latinos dentro de la propia pintura.Rasgos propios de la pintura medieval son la presentación de las figuras en actitudes forzadas y poco naturales y las dimensiones de los personajes no son las naturales, sino las que corresponden según su importancia devocional. La Virgen María, adorando a un gigantesco Niño Jesús, es tan grande que si ella se pusiera en pie no cabría bajo el techo de paja del establo. Ellos dos son, por supuesto, las figuras más santas e importantes de la obra. No renuncia, sin embargo, a su forma de entender el arte. La sombra del espíritu humanístico aún se evidencia en detalles como la inscripción en griego con el año de su elaboración y un versículo del Apocalipsis: el idioma griego había cobrado auge en la corte de Cosme el Viejo y en la neoplatónica de su sobrino Lorenzo el Magnífico. Esta sorprendente inscripción en lo alto del cuadro se ha traducido como:  Faltan las palabras después de "veremos", que pueden ser "precipitado" o "enterrándose a sí mismo". Las "turbulencias de Italia" puede ser la situación de Florencia después de la muerte de Lorenzo el Magnífico, o la invasión francesa. El "tiempo medio después del tiempo" se ha entendido generalmente como un año y medio antes, esto es, en 1498, cuando los franceses invadieron Italia, pero puede significar medio milenio (500 años) después de un milenio (1000 años): 1500, la fecha de la pintura. Esto puede relacionarse con el milenarismo que se extendió a finales del siglo XV. Como el final del milenio en el año 1000, el final del medio milenio en 1500 también parecía a mucha gente el anuncio de la Segunda Llegada de Jesucristo, profetizada por la Revelación.Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. En los rollos que hay alrededor de las ramas del primer plano, combinados con algunos de los que sostienen los ángeles que bailan en el cielo, se lee: 'Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz, buena voluntad hacia los hombres' (Lucas 2:14). Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Los rollos sostenidos por los ángeles apuntando a la cuna decían: `Contemplad al Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo' las palabras de Juan el Bautista presentando a Cristo (Juan 1:29). Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso. La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. Recuerda las máquinas de Filippo Brunelleschi para las representaciones sagradas puestas en escena en las iglesias florentinas a finales del siglo precedente. Coronas doradas cuelgan de las ramas de olivo de los ángeles danzantes. La mayor parte de sus rollos celebran a María: 'Madre de Dios', 'Esposa de Dios', 'Única reina del Mundo'. En este detalle, la pintura exige un cierto esfuerzo del espectador, para creer en la verosimilitud de esa danza aérea. Estos ángeles danzantes no tienen ya la serena belleza de los que aparecen en la Pala de San Marcos en torno a la "Coronación de la Virgen".En una época en que los pintores florentinos estaban recreando la naturaleza con sus pinceles, Botticelli libremente asumió la artificialidad del arte. En su pagana Venus y Marte volvió la espalda al naturalismo para expresar la belleza ideal. En la Natividad mística fue más allá, de lo anticuado a lo arcaico, para expresar verdades espirituales -casi como los victorianos que lo redescubrirían en el siglo XIX, y que asociaron el estilo gótico con una 'Era de Fe'.

Categoría:Pinturas representando a San José

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


La_Mousmé

Prompt: Concéntrate en La_Mousmé y explora la abstract.

La Mousmé, también denominada Sentada en una silla de caña, o Media figura (con una rama de adelfa), fue pintada por Vincent van Gogh en 1888 mientras vivía en Arlés, la cual van Gogh bautizó "el Japón del sur". Al retirarse de París, esperaba que su tiempo en Arlés evocara en su trabajo la expresión sencilla pero dramática del arte japonés.[1][2]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_Mousmé.

La Mousmé, también denominada Sentada en una silla de caña, o Media figura (con una rama de adelfa), fue pintada por Vincent van Gogh en 1888 mientras vivía en Arlés, la cual van Gogh bautizó "el Japón del sur". Al retirarse de París, esperaba que su tiempo en Arlés evocara en su trabajo la expresión sencilla pero dramática del arte japonés.[1][2]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: ¿Cómo aclara La_Mousmé su abstract?

La Mousmé, también denominada Sentada en una silla de caña, o Media figura (con una rama de adelfa), fue pintada por Vincent van Gogh en 1888 mientras vivía en Arlés, la cual van Gogh bautizó "el Japón del sur". Al retirarse de París, esperaba que su tiempo en Arlés evocara en su trabajo la expresión sencilla pero dramática del arte japonés.[1][2]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: En La_Mousmé, ¿Cómo se discute la abstract?

La Mousmé, también denominada Sentada en una silla de caña, o Media figura (con una rama de adelfa), fue pintada por Vincent van Gogh en 1888 mientras vivía en Arlés, la cual van Gogh bautizó "el Japón del sur". Al retirarse de París, esperaba que su tiempo en Arlés evocara en su trabajo la expresión sencilla pero dramática del arte japonés.[1][2]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Concéntrate en La_Mousmé y explora la Altura de la carrera de Van Gogh.

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Explora la Altura de la carrera de Van Gogh de esta obra de arte, La_Mousmé.

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: ¿Cómo aclara La_Mousmé su Altura de la carrera de Van Gogh?

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: En La_Mousmé, ¿Cómo se discute la Altura de la carrera de Van Gogh?

Por entonces van Gogh tenía 35 años. Viviendo en Arlés, produjo algunos de los mejores trabajos de su carrera. Sus pinturas presentan diferentes aspectos de la vida cotidiana, como Cosecha en La Crau y esta pintura, La Mousmé. Las pinturas de girasoles, las obras más conocidas del artista, fueron creadas por entonces. Trabajó continuamente para mantenerse al día con sus ideas para las pinturas. Este fue probablemente uno de los periodos más felices de su vida. Estaba seguro, lúcido  y aparentemente contento.[3]En una carta a su hermano, Theo, escribió, «Pintar como es ahora, promete volverse más sutil —más como música y menos como escultura— y sobre todo, promete color.» van Gogh explica que ser como la música significa ser reconfortante.[3]Un tiempo prolífico, en menos de 444 días van Gogh hizo aproximadamente 100 dibujos y más de 200 pinturas y aún tuvo tiempo y energía para escribir más de 200 cartas. Mientras pintaba deprisa, consciente del ritmo que los campesinos necesitaban para trabajar bajo el sol abrasador, pasaba largos ratos pensando sobre sus pinturas antes de poner el pincel sobre la tela.[4]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Concéntrate en La_Mousmé y explora la La pintura.

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Explora la La pintura de esta obra de arte, La_Mousmé.

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: ¿Cómo aclara La_Mousmé su La pintura?

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: En La_Mousmé, ¿Cómo se discute la La pintura?

Inspirándose en la novela de Pierre Loti Madame Chrysanthème y en las obras de arte japonesas, van Gogh pintó La Mousmé, una chica japonesa bien vestida. Escribió en una carta a su hermano: «me llevó una semana entera... Pero tuve que reservar mi energía mental para hacer la mousmé bien. Una mousmé es una chica japonesa —provenzal en este caso—  de doce a catorce años.»[1][2]El uso de Van Gogh del color pretende ser simbólico. Tonos complementarios azules y naranjas destacan contra un fondo primaveral verdoso, como aprendió en París. El atuendo de La Mousmé es una mezcla de moderno y tradicional. La ropa es ciertamente moderna. Los colores brillantes de la falda y chaqueta son de la región del sur de Arlés. Su atención se centra en la cara de la chica, dándole la coloración de una muchacha de Arlés, pero con una influencia japonesa. La postura de la joven imita la de la rama de adelfa, que sostiene en la mano apoyada en su regazo. La adelfa, un arbusto asociado por Vincent con el amor, con la región del Mediodía francés, florece como esta chica que está en la etapa inicial de su juventud.[1][2]Van Gogh dijo sobre los retratos, como La Mousmé, «lo único en la pintura que me entusiasma hasta el fondo del alma, y me hace sentir el infinito más que cualquier otra cosa.»[1]La pintura es parte de la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington D. C.[1]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Concéntrate en La_Mousmé y explora la Procedencia.

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Explora la Procedencia de esta obra de arte, La_Mousmé.

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: ¿Cómo aclara La_Mousmé su Procedencia?

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: En La_Mousmé, ¿Cómo se discute la Procedencia?

Johanna van Gogh-Bonger, la cuñada del artista, de Ámsterdam tuvo la pintura hasta mayo de 1909. Cinco pinturas que vendió Johanna pasaron a formar parte de la Galería Nacional de Arte.En mayo de 1909 la pintura fue vendida a J.H. de Bois, un comerciante de arte y director de la sucursal en La Haya de la galería C.M. Van Gogh.  C.M. van Gogh era tío de Vincent.Después de mayo de 1909 la pintura fue vendida a Carl Sternheim (1878–1942), dramaturgo alemán y coleccionista de arte de Múnich.  En 1912 él y su mujer se mudaron a La Hulpe, Bélgica. En 1933 el trabajo de Sternheim fue prohibido por los nazis.En 1917 el coleccionista de arte y comerciante Alphonse Kahn (1870–1948) de París, tenía la pintura.J.B. Stang de Oslo tuvo la pintura hasta 1928.El 3 de enero de 1928 La Mousmé fue vendida a través del doctor Alfred Gold, un comerciante de arte de Berlín especializado en pinturas francesas, a los copropietarios Alex Reid y la galería Lefèvre de Glasgow y Londres y M. Knoedler & Co. de Nueva York, comerciante de arte y uno de los hombres más ricos de Estados Unidos.La pintura fue vendida el 21 de  mayo de 1929 a través de la Galerie Étienne Bignou, de París a Chester Dale (1883–1962) de Nueva York.En 1963 la pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte y colocada en la colección Chester Dale. Chester Dale, tan apasionado y exitoso en su colección de arte como en Wall Street, legó en 1962 una de las colecciones más importantes de Estados Unidos de pintura francesa de finales del siglo XIX y principios del siglo XX a la Galería Nacional de Arte.[5]

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La_Mousmé

Prompt: Concéntrate en La_Mousmé y explora la Dibujos de La Mousmé.

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: Explora la Dibujos de La Mousmé de esta obra de arte, La_Mousmé.

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: ¿Cómo aclara La_Mousmé su Dibujos de La Mousmé?

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


La_Mousmé

Prompt: En La_Mousmé, ¿Cómo se discute la Dibujos de La Mousmé?

Un boceto del retrato, La Mousmé sentada, está en el Louvre, París, Francia.[6]La Mousmé, media figura en la colección de Thomas Gibson Fine Art, Londres, Reino Unido.[7]La Mousmé, sentada en el Museo Pushkin, Moscú, Rusia.[8]

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)


Tríptico_Portinari

Prompt: Concéntrate en Tríptico_Portinari y explora la abstract.

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Tríptico_Portinari.

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_Portinari su abstract?

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: En Tríptico_Portinari, ¿Cómo se discute la abstract?

Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari) es la denominación historiográfica de un gran tríptico del pintor flamenco Hugo van der Goes, cuya tabla central es la Adoración de los Pastores. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, el panel central mide 253 cm de alto por 304 cm de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141 cm. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.No debe confundirse con un cuadro del mismo autor, datado en 1480 -La Adoración de los pastores-.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: Concéntrate en Tríptico_Portinari y explora la Historia.

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Tríptico_Portinari.

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_Portinari su Historia?

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: En Tríptico_Portinari, ¿Cómo se discute la Historia?

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco. Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros. Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de Santa Maria Nuova. Estuvo allí expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los pastores y el paisaje. Domenico Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: Concéntrate en Tríptico_Portinari y explora la Análisis del cuadro.

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: Explora la Análisis del cuadro de esta obra de arte, Tríptico_Portinari.

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_Portinari su Análisis del cuadro?

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.

Categoría:Adoración de los Pastores en el arte

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Tríptico_Portinari

Prompt: En Tríptico_Portinari, ¿Cómo se discute la Análisis del cuadro?

Es una obra de grandes dimensiones, que resultan insólitas para la pintura de la época. Este tamaño le permitió dar rienda suelta a su inquietud por el espacio, la perspectiva y las relaciones entre personajes.La tabla central del Tríptico se dedica a la Adoración de los pastores. La figura central es la de la Virgen María, con rostro de suave expresión, vestida de azul oscuro, que adora a Jesús que acaba de nacer. El niño está desnudo, en el suelo. La escena se refleja según el relato de las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia, con las adoraciones simultáneas de la Virgen, los pastores y los magos.En primer plano, un bodegón de fuerte simbolismo: un jarro de cerámica azul y blanca de reflejo metálico, sin duda de Manises, contiene lirios blancos, azules y rojos, en alusión respectivamente a la pureza de la Virgen, su dolor y la Pasión de su hijo mientras otro de cristal, porta campánulas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de los recipientes, el haz de trigo alude al propio lugar, pues Belén significa "Casa del Pan". La gran columna central prefigura la Flagelación. Junto a José, una sandalia indica la sacralidad del recinto. Él y María aparecen serenos, conscientes de haber cumplido lo anunciado. La presencia protocolaria de los ángeles aporta solemnidad al momento, vestidos con prendas litúrgicas y a menor escala que las demás figuras. Al fondo a la derecha, llegan los pastores representados como campesinos de manera realista, con rostros curtidos, ademanes naturales de gozo y sorpresa y ropas y útiles rústicos. Igualmente, se presenta un paisaje típicamente invernal con pequeñas escenas complementarias: el Anuncio a los pastores y las parteras Zelomi y Salomé caminando junto a la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.En cuanto a las alas laterales, se representa a los comitentes de la obra acompañados de sus santos patronos, a menor escala que las figuras santas siguiendo la jerarquía medieval. En el ala izquierda del retablo están representados arrodillados en oración Portinari y sus hijos Antonio y Pigello, con los santos Antonio, patrono del hospital al que estaba destinado el retablo, con su bastón en tau y campanilla y Tomás, patrón del comitente, también con su atributo: la lanza, aludiendo al conocido episodio de su incredulidad; el paisaje del fondo representa la llegada a Belén de José y María. El ala de la derecha muestra igualmente arrodilladas a la esposa, María Portinari, con la primogénita Margarita, mostrando la misma inocencia infantil que sus hermanitos, y las santas elegantemente ataviadas Margarita, con libro, crucifijo y el dragón a sus pies, y María Magdalena también sosteniendo su atributo tradicional, el tarro de ungüentos; en el paisaje del fondo se distinguen las figuras de los Reyes Magos aproximándose al portal ante la sorpresa de los campesinos.En el exterior de las puertas está representada una Anunciación pintada en grisalla.

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Adoración de los pastores (Hugo van der Goes)


Laocoonte

Prompt: Concéntrate en Laocoonte y explora la abstract.

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega


Laocoonte

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Laocoonte.

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.

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Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Laocoonte

Prompt: ¿Cómo aclara Laocoonte su abstract?

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.

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Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Laocoonte

Prompt: En Laocoonte, ¿Cómo se discute la abstract?

Laocoonte (en griego Λαοκόων Laokóōn) es un personaje de la mitología griega y el ciclo épico, en donde era sacerdote de Apolo Timbreo en Troya. Era hijo de Acetes,[1] que se corrige por Capis.[2] Otros dicen que Laocoonte era sacerdote de Poseidón e hijo de Antenor.[3] La historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida, de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos.

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Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

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Laocoonte

Prompt: Concéntrate en Laocoonte y explora la Mitología.

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

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Laocoonte

Prompt: Explora la Mitología de esta obra de arte, Laocoonte.

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.

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Laocoonte

Prompt: ¿Cómo aclara Laocoonte su Mitología?

Laocoonte, hijo de Capis y hermano de Anquises, era sacerdote de Apolo, pero en contra de la voluntad de Apolo se hubo casado y tuvo hijos. Por las circunstancias estaba oficiando un sacrificio a Poseidón en la costa. Cuando se presentó la oportunidad Apolo envió dos serpientes desde Ténedos sobre las olas del mar para matar a sus dos hijos Antifantes y Timbreo. Cuando Laocoonte intentó ofrecerles ayuda, las serpientes le mataron también a él en su abrazo.[1] Estaba casado con Antíopa.[cita requerida]  Tzetzes dice que Porceo[3] o Porcis[4] y Caribea son los nombres de las serpientes que navegaron desde las islas Calidnas hasta Troya para destruir a los hijos de Laocoonte en el templo de Apolo Timbreo y que este acontecimiento fue interpretado como una señal que predeciría la caída de Ilio.[3] La versión más célebre de los acontecimientos aparece en la Eneida de Virgilio, donde Laocoonte era sacerdote de Poseidón (Neptuno), y donde se explica que el castigo de las serpientes se produjo después de Laocoonte intentase exponer el engaño del caballo de Troya golpeándolo con una lanza.[5] Quinto de Esmirna da otra versión. Atenea, enfadada con Laocoonte y con los troyanos, hizo temblar la tierra alrededor de los pies de Laocoonte y le cegó dolorosamente. Los troyanos, al ver esto, supusieron que Laocoonte había sido castigado por los troyanos por mutilar y dudar de Sinón, el soldado griego encubierto enviado para convencer a los troyanos de que le dejaran a él y al caballo entrar en las murallas de su ciudad. Así, los troyanos introdujeron el gran caballo de madera. Laocoonte no cejó en su empeño de convencer a los troyanos de que quemaran el caballo. La misma fuente dice que Atenea, más irritada aún, envió a las serpientes marinas, gigantes en tamaño.[6] De acuerdo a Euforión, Laocoonte fue castigado por haber procreado en un recinto sagrado de Poseidón. La mala suerte hizo que los troyanos malinterpretaran su muerte como un castigo por golpear al caballo con una lanza, que introdujeron en la ciudad con consecuencias desastrosas.[7] En la versión de Sófocles, sin embargo, era un sacerdote de Apolo que debería haber sido célibe, pero se había casado. Las serpientes mataron sólo a los dos hijos, dejando con vida al propio Laocoonte para que sufriera.[8] Otros dicen que fue asesinado por haber cometido una impiedad al hacer el amor con su esposa en presencia de una imagen de culto en un santuario[9] o simplemente por haber oficiado un sacrificio en el templo con su esposa presente.[10] Laocoonte pronuncia la famosa frase Timeo Danaos et dona ferentes «(Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos»),[11] alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes mandadas por Atenea, Caribea y Porce, emergen de las aguas y devoran a sus hijos. Angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.De la tradición de Virgilio se desprende que el castigo de Laocoonte se debe a la profanación que supone tratar de destruir un regalo a la deidad, razón por la cual nadie le creyó. Otra tradición distinta dice que Laocoonte había roto la prohibición de Apolo al casarse y tener hijos. Otra fuente añade que Laocoonte habría profanado la imagen de Febo, cuando se unió en himeneo delante de la imagen.

Grupo escultórico ''El [[Laocoonte y sus hijos

Dragones en la mitología griega#Dragones troyanos

Dictionary of Greek and Roman Biography and Mythology

Archivo:El Greco (Domenikos Theotokopoulos) - Laocoön - Google Art Project.jpg

Categoría:Videntes de la mitología griega