bóveda_de_la_Capilla_Sixtina

Prompt: ¿Cómo aclara bóveda_de_la_Capilla_Sixtina su Análisis?

Vasari escribió sobre la bóveda de la capilla Sixtina: Delacroix dijo: El crítico Julio E. Payró: La profesora Teresa Camps de la Universidad Autónoma de Barcelona, expone en la redacción de La tensión creativa de un transgresor que, la figura humana es la protagonista indiscutible de la obra de Miguel Ángel, es su propio lenguaje visual preferentemente en el terreno de la escultura, cuando su obra es pictórica excluye el lugar donde se sitúa, se aprecia en las pinturas murales donde la figura es la protagonista, casi nunca se encuentra en un paisaje natural, siempre es el vacío o en un marco arquitectónico. Consiguió en sus representaciones un modelo humano enérgico, vital y expresivo, con sentimientos y pasiones, manteniendo la energía y aspecto viril para el cuerpo femenino, así se encuentra en el rostro de la mujer un reflejo del pensamiento y la tensión de su vida interior, más que la belleza ideal. Humanizó la divinidad y dio rostro a los personajes míticos o bíblicos incluyendo a Dios, pues a Miguel Ángel es debida la imagen iconográfica del Dios creador.[34]

Archivo:Sistine Chapel Daniel beforandafter.jpg

Archivo:'Ignudo' by Michelangelo JBU33.jpg

Triángulos con las imágenes de [[Ezequías

Pecado original y expulsión del Paraíso terrenal

Archivo:Michelangelo, Creation of Eve 00.jpg

Archivo:Michelangelo Buonarroti 027 detalle.jpg

Archivo:Creation of the Sun and Moon face detail.jpg

Archivo:Lightmatter Sistine Chapel ceiling.jpg

Archivo:Michelangelo, Creation of the Sun, Moon, and Plants 01.jpg

Detalle de ''Destrucción de la imagen de [[Baal

El profeta Daniel antes y después de la restauración

''Pecado original y expulsión del Paraíso''


bóveda_de_la_Capilla_Sixtina

Prompt: En bóveda_de_la_Capilla_Sixtina, ¿Cómo se discute la Análisis?

Vasari escribió sobre la bóveda de la capilla Sixtina: Delacroix dijo: El crítico Julio E. Payró: La profesora Teresa Camps de la Universidad Autónoma de Barcelona, expone en la redacción de La tensión creativa de un transgresor que, la figura humana es la protagonista indiscutible de la obra de Miguel Ángel, es su propio lenguaje visual preferentemente en el terreno de la escultura, cuando su obra es pictórica excluye el lugar donde se sitúa, se aprecia en las pinturas murales donde la figura es la protagonista, casi nunca se encuentra en un paisaje natural, siempre es el vacío o en un marco arquitectónico. Consiguió en sus representaciones un modelo humano enérgico, vital y expresivo, con sentimientos y pasiones, manteniendo la energía y aspecto viril para el cuerpo femenino, así se encuentra en el rostro de la mujer un reflejo del pensamiento y la tensión de su vida interior, más que la belleza ideal. Humanizó la divinidad y dio rostro a los personajes míticos o bíblicos incluyendo a Dios, pues a Miguel Ángel es debida la imagen iconográfica del Dios creador.[34]

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Prompt: Concéntrate en bóveda_de_la_Capilla_Sixtina y explora la Influencia.

Las pinturas realizadas por Miguel Ángel en la capilla Sixtina fueron el símbolo de la pintura renacentista, el principio del manierismo; el pintor florentino Jacopo Carrucci, conocido como Pontormo, estuvo claramente influido por las pinturas de Miguel Ángel: las posturas, los gestos, la belleza de sus desnudos y el refinamiento cromático sobre todo en El descendimiento de la Cruz (1526-1528) de la capilla de Capponi en Florencia, se aprecia el aire miguelangelesco, las figuras de jóvenes, vestidos con telas de lívido colorido y por encima de todo, la belleza de los rostros, recuerdan a los ignudi de la bóveda de la capilla Sixtina.[35]Rosso Fiorentino, compañero de Pontormo y alumno de Andrea del Sarto, fue otro pintor seguidor de Miguel Ángel que siguió las líneas y colores de las pinturas de la bóveda de la Sixtina. Donde se aprecia mejor esta influencia es en sus obras del Descendimiento de la Cruz y Moisés y las hijas de Jetro.[36]Entre otros artistas en los que se puede observar la influencia directa de Miguel Ángel en su trabajo son Andrea del Sarto, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese y el Greco.Vasari afirmaba que se llegaba al arte por la imitación a la «manera» (manierismo) de los maestros; este autor vio en Miguel Ángel a un mensajero de Dios que había venido a la Tierra para realizar la perfección absoluta. Gracias a Pietro Aretino, al final, admitió conceptos artísticos diferentes de los de Miguel Ángel y el fracaso de los que quisieron contentarse con imitar el estilo.[37] Además, no abundan los pintores «ni tan solo entre los más originales (...) en los que la invención no sea más o menos una forma de recuerdo».[38]Gabriele Bartz y Eberhard König dijeron de los ignudi que «no hay ninguna imagen que haya tenido un efecto más duradero en las generaciones siguientes que la de los ignudi. A partir de aquí se pueden ver en innumerables obras decorativas, ya sean pintados, realizados en estuco o incluso esculpidos».[39]

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Prompt: Explora la Influencia de esta obra de arte, bóveda_de_la_Capilla_Sixtina.

Las pinturas realizadas por Miguel Ángel en la capilla Sixtina fueron el símbolo de la pintura renacentista, el principio del manierismo; el pintor florentino Jacopo Carrucci, conocido como Pontormo, estuvo claramente influido por las pinturas de Miguel Ángel: las posturas, los gestos, la belleza de sus desnudos y el refinamiento cromático sobre todo en El descendimiento de la Cruz (1526-1528) de la capilla de Capponi en Florencia, se aprecia el aire miguelangelesco, las figuras de jóvenes, vestidos con telas de lívido colorido y por encima de todo, la belleza de los rostros, recuerdan a los ignudi de la bóveda de la capilla Sixtina.[35]Rosso Fiorentino, compañero de Pontormo y alumno de Andrea del Sarto, fue otro pintor seguidor de Miguel Ángel que siguió las líneas y colores de las pinturas de la bóveda de la Sixtina. Donde se aprecia mejor esta influencia es en sus obras del Descendimiento de la Cruz y Moisés y las hijas de Jetro.[36]Entre otros artistas en los que se puede observar la influencia directa de Miguel Ángel en su trabajo son Andrea del Sarto, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese y el Greco.Vasari afirmaba que se llegaba al arte por la imitación a la «manera» (manierismo) de los maestros; este autor vio en Miguel Ángel a un mensajero de Dios que había venido a la Tierra para realizar la perfección absoluta. Gracias a Pietro Aretino, al final, admitió conceptos artísticos diferentes de los de Miguel Ángel y el fracaso de los que quisieron contentarse con imitar el estilo.[37] Además, no abundan los pintores «ni tan solo entre los más originales (...) en los que la invención no sea más o menos una forma de recuerdo».[38]Gabriele Bartz y Eberhard König dijeron de los ignudi que «no hay ninguna imagen que haya tenido un efecto más duradero en las generaciones siguientes que la de los ignudi. A partir de aquí se pueden ver en innumerables obras decorativas, ya sean pintados, realizados en estuco o incluso esculpidos».[39]

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Prompt: ¿Cómo aclara bóveda_de_la_Capilla_Sixtina su Influencia?

Las pinturas realizadas por Miguel Ángel en la capilla Sixtina fueron el símbolo de la pintura renacentista, el principio del manierismo; el pintor florentino Jacopo Carrucci, conocido como Pontormo, estuvo claramente influido por las pinturas de Miguel Ángel: las posturas, los gestos, la belleza de sus desnudos y el refinamiento cromático sobre todo en El descendimiento de la Cruz (1526-1528) de la capilla de Capponi en Florencia, se aprecia el aire miguelangelesco, las figuras de jóvenes, vestidos con telas de lívido colorido y por encima de todo, la belleza de los rostros, recuerdan a los ignudi de la bóveda de la capilla Sixtina.[35]Rosso Fiorentino, compañero de Pontormo y alumno de Andrea del Sarto, fue otro pintor seguidor de Miguel Ángel que siguió las líneas y colores de las pinturas de la bóveda de la Sixtina. Donde se aprecia mejor esta influencia es en sus obras del Descendimiento de la Cruz y Moisés y las hijas de Jetro.[36]Entre otros artistas en los que se puede observar la influencia directa de Miguel Ángel en su trabajo son Andrea del Sarto, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese y el Greco.Vasari afirmaba que se llegaba al arte por la imitación a la «manera» (manierismo) de los maestros; este autor vio en Miguel Ángel a un mensajero de Dios que había venido a la Tierra para realizar la perfección absoluta. Gracias a Pietro Aretino, al final, admitió conceptos artísticos diferentes de los de Miguel Ángel y el fracaso de los que quisieron contentarse con imitar el estilo.[37] Además, no abundan los pintores «ni tan solo entre los más originales (...) en los que la invención no sea más o menos una forma de recuerdo».[38]Gabriele Bartz y Eberhard König dijeron de los ignudi que «no hay ninguna imagen que haya tenido un efecto más duradero en las generaciones siguientes que la de los ignudi. A partir de aquí se pueden ver en innumerables obras decorativas, ya sean pintados, realizados en estuco o incluso esculpidos».[39]

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Prompt: En bóveda_de_la_Capilla_Sixtina, ¿Cómo se discute la Influencia?

Las pinturas realizadas por Miguel Ángel en la capilla Sixtina fueron el símbolo de la pintura renacentista, el principio del manierismo; el pintor florentino Jacopo Carrucci, conocido como Pontormo, estuvo claramente influido por las pinturas de Miguel Ángel: las posturas, los gestos, la belleza de sus desnudos y el refinamiento cromático sobre todo en El descendimiento de la Cruz (1526-1528) de la capilla de Capponi en Florencia, se aprecia el aire miguelangelesco, las figuras de jóvenes, vestidos con telas de lívido colorido y por encima de todo, la belleza de los rostros, recuerdan a los ignudi de la bóveda de la capilla Sixtina.[35]Rosso Fiorentino, compañero de Pontormo y alumno de Andrea del Sarto, fue otro pintor seguidor de Miguel Ángel que siguió las líneas y colores de las pinturas de la bóveda de la Sixtina. Donde se aprecia mejor esta influencia es en sus obras del Descendimiento de la Cruz y Moisés y las hijas de Jetro.[36]Entre otros artistas en los que se puede observar la influencia directa de Miguel Ángel en su trabajo son Andrea del Sarto, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese y el Greco.Vasari afirmaba que se llegaba al arte por la imitación a la «manera» (manierismo) de los maestros; este autor vio en Miguel Ángel a un mensajero de Dios que había venido a la Tierra para realizar la perfección absoluta. Gracias a Pietro Aretino, al final, admitió conceptos artísticos diferentes de los de Miguel Ángel y el fracaso de los que quisieron contentarse con imitar el estilo.[37] Además, no abundan los pintores «ni tan solo entre los más originales (...) en los que la invención no sea más o menos una forma de recuerdo».[38]Gabriele Bartz y Eberhard König dijeron de los ignudi que «no hay ninguna imagen que haya tenido un efecto más duradero en las generaciones siguientes que la de los ignudi. A partir de aquí se pueden ver en innumerables obras decorativas, ya sean pintados, realizados en estuco o incluso esculpidos».[39]

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bóveda_de_la_Capilla_Sixtina

Prompt: Concéntrate en bóveda_de_la_Capilla_Sixtina y explora la Restauración.

Entre los años 1980 y 1989, se llevaron a cabo trabajos de limpieza y restauración de la bóveda, ennegrecida por el paso de los años. Esta restauración tuvo muchas objeciones por parte de historiadores de arte, por la gran magnitud que representaba, y se llegó a hacer una petición al papa Juan Pablo II para detener esta restauración, firmada por diversos artistas de los Estados Unidos, entre ellos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, Christo, George Segal y Andy Warhol.[40]Esta operación de restauración descubrió una gama de colores claros y ácidos, que demuestra que Miguel Ángel fue un precursor de los manieristas y opuesto a las características de la pintura de la época influida por el esfumado de Leonardo da Vinci.[41]El papa Juan Pablo II en la homilía del 9 de abril de 1994, durante la inauguración de las obras de restauración de la capilla Sixtina dijo:

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Prompt: Explora la Restauración de esta obra de arte, bóveda_de_la_Capilla_Sixtina.

Entre los años 1980 y 1989, se llevaron a cabo trabajos de limpieza y restauración de la bóveda, ennegrecida por el paso de los años. Esta restauración tuvo muchas objeciones por parte de historiadores de arte, por la gran magnitud que representaba, y se llegó a hacer una petición al papa Juan Pablo II para detener esta restauración, firmada por diversos artistas de los Estados Unidos, entre ellos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, Christo, George Segal y Andy Warhol.[40]Esta operación de restauración descubrió una gama de colores claros y ácidos, que demuestra que Miguel Ángel fue un precursor de los manieristas y opuesto a las características de la pintura de la época influida por el esfumado de Leonardo da Vinci.[41]El papa Juan Pablo II en la homilía del 9 de abril de 1994, durante la inauguración de las obras de restauración de la capilla Sixtina dijo:

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Prompt: ¿Cómo aclara bóveda_de_la_Capilla_Sixtina su Restauración?

Entre los años 1980 y 1989, se llevaron a cabo trabajos de limpieza y restauración de la bóveda, ennegrecida por el paso de los años. Esta restauración tuvo muchas objeciones por parte de historiadores de arte, por la gran magnitud que representaba, y se llegó a hacer una petición al papa Juan Pablo II para detener esta restauración, firmada por diversos artistas de los Estados Unidos, entre ellos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, Christo, George Segal y Andy Warhol.[40]Esta operación de restauración descubrió una gama de colores claros y ácidos, que demuestra que Miguel Ángel fue un precursor de los manieristas y opuesto a las características de la pintura de la época influida por el esfumado de Leonardo da Vinci.[41]El papa Juan Pablo II en la homilía del 9 de abril de 1994, durante la inauguración de las obras de restauración de la capilla Sixtina dijo:

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Prompt: En bóveda_de_la_Capilla_Sixtina, ¿Cómo se discute la Restauración?

Entre los años 1980 y 1989, se llevaron a cabo trabajos de limpieza y restauración de la bóveda, ennegrecida por el paso de los años. Esta restauración tuvo muchas objeciones por parte de historiadores de arte, por la gran magnitud que representaba, y se llegó a hacer una petición al papa Juan Pablo II para detener esta restauración, firmada por diversos artistas de los Estados Unidos, entre ellos Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, Christo, George Segal y Andy Warhol.[40]Esta operación de restauración descubrió una gama de colores claros y ácidos, que demuestra que Miguel Ángel fue un precursor de los manieristas y opuesto a las características de la pintura de la época influida por el esfumado de Leonardo da Vinci.[41]El papa Juan Pablo II en la homilía del 9 de abril de 1994, durante la inauguración de las obras de restauración de la capilla Sixtina dijo:

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Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Concéntrate en Las_señoritas_de_Avignon y explora la abstract.

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó,[1] es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente y creador del movimiento artístico. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.  Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.[cita requerida]Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que, a principios de los años 20, fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Museo del Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el MoMA, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Las_señoritas_de_Avignon.

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó,[1] es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente y creador del movimiento artístico. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.  Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.[cita requerida]Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que, a principios de los años 20, fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Museo del Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el MoMA, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

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Las_señoritas_de_Avignon

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Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó,[1] es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente y creador del movimiento artístico. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.  Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.[cita requerida]Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que, a principios de los años 20, fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Museo del Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el MoMA, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

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Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó,[1] es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente y creador del movimiento artístico. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.  Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.[cita requerida]Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que, a principios de los años 20, fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Museo del Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el MoMA, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

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Las_señoritas_de_Avignon

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Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo, cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título. No hay datos fidedignos y escritos sobre esta cuestión pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico y después André Salmon lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre de la ciudad francesa de Aviñón.[2] Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual.Todos aquellos amigos (un grupo muy reducido) a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916 (nueve años más tarde) fue expuesto. Trascurridos otros ocho años, Picasso lo vendió por un precio no muy elevado.Más tarde se escribió una obra de teatro también llamada así.

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Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Explora la El título de esta obra de arte, Las_señoritas_de_Avignon.

Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo, cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título. No hay datos fidedignos y escritos sobre esta cuestión pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico y después André Salmon lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre de la ciudad francesa de Aviñón.[2] Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual.Todos aquellos amigos (un grupo muy reducido) a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916 (nueve años más tarde) fue expuesto. Trascurridos otros ocho años, Picasso lo vendió por un precio no muy elevado.Más tarde se escribió una obra de teatro también llamada así.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: ¿Cómo aclara Las_señoritas_de_Avignon su El título?

Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo, cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título. No hay datos fidedignos y escritos sobre esta cuestión pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico y después André Salmon lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre de la ciudad francesa de Aviñón.[2] Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual.Todos aquellos amigos (un grupo muy reducido) a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916 (nueve años más tarde) fue expuesto. Trascurridos otros ocho años, Picasso lo vendió por un precio no muy elevado.Más tarde se escribió una obra de teatro también llamada así.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: En Las_señoritas_de_Avignon, ¿Cómo se discute la El título?

Picasso no ponía casi nunca título a sus cuadros hasta bien pasado el tiempo, a veces hasta dos años después de ser pintado. En el caso de esta obra ocurrió lo mismo, cuando Picasso presentó la obra a sus amigos era una obra sin título. No hay datos fidedignos y escritos sobre esta cuestión pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico y después André Salmon lo llamó Les demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre de la ciudad francesa de Aviñón.[2] Cuando por fin el cuadro se presentó con título fue con el de Les demoiselles d’Avignon y así ha llegado hasta el tiempo actual.Todos aquellos amigos (un grupo muy reducido) a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916 (nueve años más tarde) fue expuesto. Trascurridos otros ocho años, Picasso lo vendió por un precio no muy elevado.Más tarde se escribió una obra de teatro también llamada así.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Concéntrate en Las_señoritas_de_Avignon y explora la Los bocetos.

Siguiendo su costumbre, Picasso trabajó en unos cuantos bocetos bien dibujados antes de dedicarse de lleno a la obra final del cuadro. Esta obra preliminar de estudio consta de un óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo de exposición.Un primer boceto a lápiz negro y pastel sobre papel, en formato horizontal da a conocer la primera idea que tuvo Picasso para la realización de este cuadro. Las medidas del lienzo iban a ser más pequeñas, con siete protagonistas, cinco mujeres y dos hombres. Los hombres serían un estudiante (se supone que de medicina) entrando en escena por el lado izquierdo y llevando en la mano un libro (en otros dibujos es una calavera), y un marinero sentado en medio de la habitación, delante de una mesa redonda donde hay pintado un bodegón con tres rajas de sandía, un porrón de vino y una jarra con flores, todo ello con su simbología correspondiente. La distribución de las mujeres iba a ser: una a la derecha, entrando y corriendo la cortina, una de espaldas y sentada, otra sentada junto al marinero y dos detrás y de pie. Los críticos e historiadores han visto en este boceto una clara escena de burdel.El segundo boceto es una acuarela sobre papel, muy próxima al cuadro final. En él desaparecen las figuras masculinas y quedan las cinco femeninas. Mantiene el formato horizontal pero con unas medidas más pequeñas. La mujer sentada sigue casi igual, solo que ahora vuelve ligeramente la cabeza hacia el espectador. La mujer de la derecha sigue en posición de correr la cortina. El estudiante de la izquierda es sustituido por una mujer muy parecida a la pintura definitiva. El bodegón del centro queda adelantado a primer término y la jarra con flores desaparece. En este segundo boceto se muestra ya un ensayo de los colores de la obra terminada. La escena de burdel ya no está tan clara como en el boceto anterior y cada figura femenina toma protagonismo por sí misma.Para llegar a la creación de estos bocetos Picasso hizo una serie de dibujos individuales de cada personaje, de sus cabezas, del cuerpo, de las piernas, de frente y de perfil. Casi todas estas pequeñas obras se conservan.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Explora la Los bocetos de esta obra de arte, Las_señoritas_de_Avignon.

Siguiendo su costumbre, Picasso trabajó en unos cuantos bocetos bien dibujados antes de dedicarse de lleno a la obra final del cuadro. Esta obra preliminar de estudio consta de un óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo de exposición.Un primer boceto a lápiz negro y pastel sobre papel, en formato horizontal da a conocer la primera idea que tuvo Picasso para la realización de este cuadro. Las medidas del lienzo iban a ser más pequeñas, con siete protagonistas, cinco mujeres y dos hombres. Los hombres serían un estudiante (se supone que de medicina) entrando en escena por el lado izquierdo y llevando en la mano un libro (en otros dibujos es una calavera), y un marinero sentado en medio de la habitación, delante de una mesa redonda donde hay pintado un bodegón con tres rajas de sandía, un porrón de vino y una jarra con flores, todo ello con su simbología correspondiente. La distribución de las mujeres iba a ser: una a la derecha, entrando y corriendo la cortina, una de espaldas y sentada, otra sentada junto al marinero y dos detrás y de pie. Los críticos e historiadores han visto en este boceto una clara escena de burdel.El segundo boceto es una acuarela sobre papel, muy próxima al cuadro final. En él desaparecen las figuras masculinas y quedan las cinco femeninas. Mantiene el formato horizontal pero con unas medidas más pequeñas. La mujer sentada sigue casi igual, solo que ahora vuelve ligeramente la cabeza hacia el espectador. La mujer de la derecha sigue en posición de correr la cortina. El estudiante de la izquierda es sustituido por una mujer muy parecida a la pintura definitiva. El bodegón del centro queda adelantado a primer término y la jarra con flores desaparece. En este segundo boceto se muestra ya un ensayo de los colores de la obra terminada. La escena de burdel ya no está tan clara como en el boceto anterior y cada figura femenina toma protagonismo por sí misma.Para llegar a la creación de estos bocetos Picasso hizo una serie de dibujos individuales de cada personaje, de sus cabezas, del cuerpo, de las piernas, de frente y de perfil. Casi todas estas pequeñas obras se conservan.

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: ¿Cómo aclara Las_señoritas_de_Avignon su Los bocetos?

Siguiendo su costumbre, Picasso trabajó en unos cuantos bocetos bien dibujados antes de dedicarse de lleno a la obra final del cuadro. Esta obra preliminar de estudio consta de un óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo de exposición.Un primer boceto a lápiz negro y pastel sobre papel, en formato horizontal da a conocer la primera idea que tuvo Picasso para la realización de este cuadro. Las medidas del lienzo iban a ser más pequeñas, con siete protagonistas, cinco mujeres y dos hombres. Los hombres serían un estudiante (se supone que de medicina) entrando en escena por el lado izquierdo y llevando en la mano un libro (en otros dibujos es una calavera), y un marinero sentado en medio de la habitación, delante de una mesa redonda donde hay pintado un bodegón con tres rajas de sandía, un porrón de vino y una jarra con flores, todo ello con su simbología correspondiente. La distribución de las mujeres iba a ser: una a la derecha, entrando y corriendo la cortina, una de espaldas y sentada, otra sentada junto al marinero y dos detrás y de pie. Los críticos e historiadores han visto en este boceto una clara escena de burdel.El segundo boceto es una acuarela sobre papel, muy próxima al cuadro final. En él desaparecen las figuras masculinas y quedan las cinco femeninas. Mantiene el formato horizontal pero con unas medidas más pequeñas. La mujer sentada sigue casi igual, solo que ahora vuelve ligeramente la cabeza hacia el espectador. La mujer de la derecha sigue en posición de correr la cortina. El estudiante de la izquierda es sustituido por una mujer muy parecida a la pintura definitiva. El bodegón del centro queda adelantado a primer término y la jarra con flores desaparece. En este segundo boceto se muestra ya un ensayo de los colores de la obra terminada. La escena de burdel ya no está tan clara como en el boceto anterior y cada figura femenina toma protagonismo por sí misma.Para llegar a la creación de estos bocetos Picasso hizo una serie de dibujos individuales de cada personaje, de sus cabezas, del cuerpo, de las piernas, de frente y de perfil. Casi todas estas pequeñas obras se conservan.

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: En Las_señoritas_de_Avignon, ¿Cómo se discute la Los bocetos?

Siguiendo su costumbre, Picasso trabajó en unos cuantos bocetos bien dibujados antes de dedicarse de lleno a la obra final del cuadro. Esta obra preliminar de estudio consta de un óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo de exposición.Un primer boceto a lápiz negro y pastel sobre papel, en formato horizontal da a conocer la primera idea que tuvo Picasso para la realización de este cuadro. Las medidas del lienzo iban a ser más pequeñas, con siete protagonistas, cinco mujeres y dos hombres. Los hombres serían un estudiante (se supone que de medicina) entrando en escena por el lado izquierdo y llevando en la mano un libro (en otros dibujos es una calavera), y un marinero sentado en medio de la habitación, delante de una mesa redonda donde hay pintado un bodegón con tres rajas de sandía, un porrón de vino y una jarra con flores, todo ello con su simbología correspondiente. La distribución de las mujeres iba a ser: una a la derecha, entrando y corriendo la cortina, una de espaldas y sentada, otra sentada junto al marinero y dos detrás y de pie. Los críticos e historiadores han visto en este boceto una clara escena de burdel.El segundo boceto es una acuarela sobre papel, muy próxima al cuadro final. En él desaparecen las figuras masculinas y quedan las cinco femeninas. Mantiene el formato horizontal pero con unas medidas más pequeñas. La mujer sentada sigue casi igual, solo que ahora vuelve ligeramente la cabeza hacia el espectador. La mujer de la derecha sigue en posición de correr la cortina. El estudiante de la izquierda es sustituido por una mujer muy parecida a la pintura definitiva. El bodegón del centro queda adelantado a primer término y la jarra con flores desaparece. En este segundo boceto se muestra ya un ensayo de los colores de la obra terminada. La escena de burdel ya no está tan clara como en el boceto anterior y cada figura femenina toma protagonismo por sí misma.Para llegar a la creación de estos bocetos Picasso hizo una serie de dibujos individuales de cada personaje, de sus cabezas, del cuerpo, de las piernas, de frente y de perfil. Casi todas estas pequeñas obras se conservan.

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Concéntrate en Las_señoritas_de_Avignon y explora la Descripción.

El cuadro está dividido en tres secciones delimitadas por una cortina. Las figuras están localizadas en un marco irreal donde no hay sombras ni luces, sin embargo, en contraste con la luz, es destacable la gran variedad de colores que abundan en la obra, desde ocres y blancos, hasta rojos y azules.[3]Las dos figuras del centro están situadas de tal forma que parece que nos ven desde arriba, simulando además que están de pie, pero están tumbadas, acción que refleja la postura de los brazos tras la cabeza. Es destacable además en esta franja unos tonos de colores menos fuertes que los de sus lados como son los blancos y el celeste.No obstante, lo más relevante de la obra no está situado en el centro, puesto que, las líneas quebradas de la cortina que se encuentran a los lados del lienzo provocan que la mirada del espectador se vaya hacia fuera del cuadro. Estas líneas fragmentadas se evidencian sobre todo en las figuras de la derecha entre las que existe además una descompensación en el cuerpo, observable en el tamaño de la cabeza y tronco, algo muy característico del cubismo. Y hay que destacar que los rostros de las figuras que estamos mencionando tienen cierta semejanza con las máscaras africanas. La figura agachada está colocada de tal forma que el espectador puede observarla desde dos puntos de vista, tanto de espalda como de frente.En el lado izquierdo, solo se aprecia una figura de perfil, cuyo rostro está caracterizado al estilo del arte ibérico, además, se puede ver en esta figura como los pechos se reducen de forma geométrica, en este caso triangular.[4]En la parte inferior se muestra un bodegón, el cual está compuesto por una serie de frutas entre las que destacan uvas, sandía, una manzana y una pera.[5] Aunque parezca que esta parte de la obra no tenga mucha relevancia, en realidad sí la tienen, puesto que aporta una simbología al cuadro y a su composición, gracias a las líneas oblicuas que conforman las frutas.En cuanto a su función y su significado, Picasso con esta obra romperá la norma de que una imagen es exclusivamente representable desde un único punto de vista, además en la obra es apreciable la influencia que tomó el autor de Paul Cézanne.

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Las_señoritas_de_Avignon.

El cuadro está dividido en tres secciones delimitadas por una cortina. Las figuras están localizadas en un marco irreal donde no hay sombras ni luces, sin embargo, en contraste con la luz, es destacable la gran variedad de colores que abundan en la obra, desde ocres y blancos, hasta rojos y azules.[3]Las dos figuras del centro están situadas de tal forma que parece que nos ven desde arriba, simulando además que están de pie, pero están tumbadas, acción que refleja la postura de los brazos tras la cabeza. Es destacable además en esta franja unos tonos de colores menos fuertes que los de sus lados como son los blancos y el celeste.No obstante, lo más relevante de la obra no está situado en el centro, puesto que, las líneas quebradas de la cortina que se encuentran a los lados del lienzo provocan que la mirada del espectador se vaya hacia fuera del cuadro. Estas líneas fragmentadas se evidencian sobre todo en las figuras de la derecha entre las que existe además una descompensación en el cuerpo, observable en el tamaño de la cabeza y tronco, algo muy característico del cubismo. Y hay que destacar que los rostros de las figuras que estamos mencionando tienen cierta semejanza con las máscaras africanas. La figura agachada está colocada de tal forma que el espectador puede observarla desde dos puntos de vista, tanto de espalda como de frente.En el lado izquierdo, solo se aprecia una figura de perfil, cuyo rostro está caracterizado al estilo del arte ibérico, además, se puede ver en esta figura como los pechos se reducen de forma geométrica, en este caso triangular.[4]En la parte inferior se muestra un bodegón, el cual está compuesto por una serie de frutas entre las que destacan uvas, sandía, una manzana y una pera.[5] Aunque parezca que esta parte de la obra no tenga mucha relevancia, en realidad sí la tienen, puesto que aporta una simbología al cuadro y a su composición, gracias a las líneas oblicuas que conforman las frutas.En cuanto a su función y su significado, Picasso con esta obra romperá la norma de que una imagen es exclusivamente representable desde un único punto de vista, además en la obra es apreciable la influencia que tomó el autor de Paul Cézanne.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: ¿Cómo aclara Las_señoritas_de_Avignon su Descripción?

El cuadro está dividido en tres secciones delimitadas por una cortina. Las figuras están localizadas en un marco irreal donde no hay sombras ni luces, sin embargo, en contraste con la luz, es destacable la gran variedad de colores que abundan en la obra, desde ocres y blancos, hasta rojos y azules.[3]Las dos figuras del centro están situadas de tal forma que parece que nos ven desde arriba, simulando además que están de pie, pero están tumbadas, acción que refleja la postura de los brazos tras la cabeza. Es destacable además en esta franja unos tonos de colores menos fuertes que los de sus lados como son los blancos y el celeste.No obstante, lo más relevante de la obra no está situado en el centro, puesto que, las líneas quebradas de la cortina que se encuentran a los lados del lienzo provocan que la mirada del espectador se vaya hacia fuera del cuadro. Estas líneas fragmentadas se evidencian sobre todo en las figuras de la derecha entre las que existe además una descompensación en el cuerpo, observable en el tamaño de la cabeza y tronco, algo muy característico del cubismo. Y hay que destacar que los rostros de las figuras que estamos mencionando tienen cierta semejanza con las máscaras africanas. La figura agachada está colocada de tal forma que el espectador puede observarla desde dos puntos de vista, tanto de espalda como de frente.En el lado izquierdo, solo se aprecia una figura de perfil, cuyo rostro está caracterizado al estilo del arte ibérico, además, se puede ver en esta figura como los pechos se reducen de forma geométrica, en este caso triangular.[4]En la parte inferior se muestra un bodegón, el cual está compuesto por una serie de frutas entre las que destacan uvas, sandía, una manzana y una pera.[5] Aunque parezca que esta parte de la obra no tenga mucha relevancia, en realidad sí la tienen, puesto que aporta una simbología al cuadro y a su composición, gracias a las líneas oblicuas que conforman las frutas.En cuanto a su función y su significado, Picasso con esta obra romperá la norma de que una imagen es exclusivamente representable desde un único punto de vista, además en la obra es apreciable la influencia que tomó el autor de Paul Cézanne.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: En Las_señoritas_de_Avignon, ¿Cómo se discute la Descripción?

El cuadro está dividido en tres secciones delimitadas por una cortina. Las figuras están localizadas en un marco irreal donde no hay sombras ni luces, sin embargo, en contraste con la luz, es destacable la gran variedad de colores que abundan en la obra, desde ocres y blancos, hasta rojos y azules.[3]Las dos figuras del centro están situadas de tal forma que parece que nos ven desde arriba, simulando además que están de pie, pero están tumbadas, acción que refleja la postura de los brazos tras la cabeza. Es destacable además en esta franja unos tonos de colores menos fuertes que los de sus lados como son los blancos y el celeste.No obstante, lo más relevante de la obra no está situado en el centro, puesto que, las líneas quebradas de la cortina que se encuentran a los lados del lienzo provocan que la mirada del espectador se vaya hacia fuera del cuadro. Estas líneas fragmentadas se evidencian sobre todo en las figuras de la derecha entre las que existe además una descompensación en el cuerpo, observable en el tamaño de la cabeza y tronco, algo muy característico del cubismo. Y hay que destacar que los rostros de las figuras que estamos mencionando tienen cierta semejanza con las máscaras africanas. La figura agachada está colocada de tal forma que el espectador puede observarla desde dos puntos de vista, tanto de espalda como de frente.En el lado izquierdo, solo se aprecia una figura de perfil, cuyo rostro está caracterizado al estilo del arte ibérico, además, se puede ver en esta figura como los pechos se reducen de forma geométrica, en este caso triangular.[4]En la parte inferior se muestra un bodegón, el cual está compuesto por una serie de frutas entre las que destacan uvas, sandía, una manzana y una pera.[5] Aunque parezca que esta parte de la obra no tenga mucha relevancia, en realidad sí la tienen, puesto que aporta una simbología al cuadro y a su composición, gracias a las líneas oblicuas que conforman las frutas.En cuanto a su función y su significado, Picasso con esta obra romperá la norma de que una imagen es exclusivamente representable desde un único punto de vista, además en la obra es apreciable la influencia que tomó el autor de Paul Cézanne.

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Concéntrate en Las_señoritas_de_Avignon y explora la Datos.

Fue pintado entre junio de 1906 y julio de 1907.En 1916 fue expuesto por primera vez, en el Salon d’Antin.El crítico y escritor francés André Salmon describe por primera vez el cuadro en 1912.En 1920, André Salmon publica por primera vez el título del cuadro.A principios de los años 20 la obra fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais.En 1937 lo compró en París Germain Seligmann, por 150,000 francos. Después estuvo expuesto en la galería estadounidense Jacques Seligmann, en una exposición titulada 20 Years in the Evolution of Picasso 1903-1923.Más tarde (1939) lo compró el Museo de Arte Moderno de Nueva York por 28 000 dólares, gracias a las donaciones de Lillie P. Bliss (18 000 dólares), Germain Seligmann y Cesar de Hanke (10 000 dólares).

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: Explora la Datos de esta obra de arte, Las_señoritas_de_Avignon.

Fue pintado entre junio de 1906 y julio de 1907.En 1916 fue expuesto por primera vez, en el Salon d’Antin.El crítico y escritor francés André Salmon describe por primera vez el cuadro en 1912.En 1920, André Salmon publica por primera vez el título del cuadro.A principios de los años 20 la obra fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais.En 1937 lo compró en París Germain Seligmann, por 150,000 francos. Después estuvo expuesto en la galería estadounidense Jacques Seligmann, en una exposición titulada 20 Years in the Evolution of Picasso 1903-1923.Más tarde (1939) lo compró el Museo de Arte Moderno de Nueva York por 28 000 dólares, gracias a las donaciones de Lillie P. Bliss (18 000 dólares), Germain Seligmann y Cesar de Hanke (10 000 dólares).

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: ¿Cómo aclara Las_señoritas_de_Avignon su Datos?

Fue pintado entre junio de 1906 y julio de 1907.En 1916 fue expuesto por primera vez, en el Salon d’Antin.El crítico y escritor francés André Salmon describe por primera vez el cuadro en 1912.En 1920, André Salmon publica por primera vez el título del cuadro.A principios de los años 20 la obra fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais.En 1937 lo compró en París Germain Seligmann, por 150,000 francos. Después estuvo expuesto en la galería estadounidense Jacques Seligmann, en una exposición titulada 20 Years in the Evolution of Picasso 1903-1923.Más tarde (1939) lo compró el Museo de Arte Moderno de Nueva York por 28 000 dólares, gracias a las donaciones de Lillie P. Bliss (18 000 dólares), Germain Seligmann y Cesar de Hanke (10 000 dólares).

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Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Las_señoritas_de_Avignon

Prompt: En Las_señoritas_de_Avignon, ¿Cómo se discute la Datos?

Fue pintado entre junio de 1906 y julio de 1907.En 1916 fue expuesto por primera vez, en el Salon d’Antin.El crítico y escritor francés André Salmon describe por primera vez el cuadro en 1912.En 1920, André Salmon publica por primera vez el título del cuadro.A principios de los años 20 la obra fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais.En 1937 lo compró en París Germain Seligmann, por 150,000 francos. Después estuvo expuesto en la galería estadounidense Jacques Seligmann, en una exposición titulada 20 Years in the Evolution of Picasso 1903-1923.Más tarde (1939) lo compró el Museo de Arte Moderno de Nueva York por 28 000 dólares, gracias a las donaciones de Lillie P. Bliss (18 000 dólares), Germain Seligmann y Cesar de Hanke (10 000 dólares).

Archivo:Iberian female head Cerro Santos (M.A.N. 7674) 01.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York


Cloud_Gate

Prompt: Concéntrate en Cloud_Gate y explora la abstract.

Cloud Gate (Puerta de nube, en español) es una escultura pública del artista indo-británico Anish Kapoor, que es la pieza central de la Plaza AT&T en el Parque del Milenio en Chicago, Illinois, Estados Unidos. La escultura y AT&T Plaza están ubicados en la parte superior de Park Grill, entre Chase Promenade y McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí, en su exterior está pulido  por lo que no tiene aparentemente costuras visibles. Se trata de una escultura de 10×20×13 m, y pesa 98 toneladas.Coloquialmente se le apoda The Bean (la judía o el frijol) debido a su forma, siendo el sobrenombre que el propio Kapoor utiliza para referirse a su obra.[1][2]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Cloud_Gate.

Cloud Gate (Puerta de nube, en español) es una escultura pública del artista indo-británico Anish Kapoor, que es la pieza central de la Plaza AT&T en el Parque del Milenio en Chicago, Illinois, Estados Unidos. La escultura y AT&T Plaza están ubicados en la parte superior de Park Grill, entre Chase Promenade y McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí, en su exterior está pulido  por lo que no tiene aparentemente costuras visibles. Se trata de una escultura de 10×20×13 m, y pesa 98 toneladas.Coloquialmente se le apoda The Bean (la judía o el frijol) debido a su forma, siendo el sobrenombre que el propio Kapoor utiliza para referirse a su obra.[1][2]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: ¿Cómo aclara Cloud_Gate su abstract?

Cloud Gate (Puerta de nube, en español) es una escultura pública del artista indo-británico Anish Kapoor, que es la pieza central de la Plaza AT&T en el Parque del Milenio en Chicago, Illinois, Estados Unidos. La escultura y AT&T Plaza están ubicados en la parte superior de Park Grill, entre Chase Promenade y McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí, en su exterior está pulido  por lo que no tiene aparentemente costuras visibles. Se trata de una escultura de 10×20×13 m, y pesa 98 toneladas.Coloquialmente se le apoda The Bean (la judía o el frijol) debido a su forma, siendo el sobrenombre que el propio Kapoor utiliza para referirse a su obra.[1][2]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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Cloud_Gate

Prompt: En Cloud_Gate, ¿Cómo se discute la abstract?

Cloud Gate (Puerta de nube, en español) es una escultura pública del artista indo-británico Anish Kapoor, que es la pieza central de la Plaza AT&T en el Parque del Milenio en Chicago, Illinois, Estados Unidos. La escultura y AT&T Plaza están ubicados en la parte superior de Park Grill, entre Chase Promenade y McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí, en su exterior está pulido  por lo que no tiene aparentemente costuras visibles. Se trata de una escultura de 10×20×13 m, y pesa 98 toneladas.Coloquialmente se le apoda The Bean (la judía o el frijol) debido a su forma, siendo el sobrenombre que el propio Kapoor utiliza para referirse a su obra.[1][2]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: Concéntrate en Cloud_Gate y explora la Historia.

En 1999, la propuesta de Kapoor fue seleccionada entre las obras de 30 artistas por funcionarios del Parque Milenio y un grupo de coleccionistas de arte, curadores y arquitectos. La propuesta presentaba una superficie de  acero inoxidable sin costuras inspirada en el mercurio líquido.[3] Esta superficie, similar a un espejo, reflejaría el horizonte de Chicago, pero su forma elíptica distorsionaría y torcería la imagen reflejada.[4]En la parte inferior de la escultura se encuentra el ónfalo, una hendidura, que fue descrita por la prensa como un "vientre en forma de cuchara", cuya superficie espejada proporciona múltiples reflejos de cualquier sujeto situado debajo de ella.[5][6][7]  El vértice del ónfalos mide 8,2 metros por encima del suelo. La parte inferior cóncava permite a los visitantes caminar por debajo para ver el ónfalo y a través de su arco hacia el otro lado para ver toda la estructura.[8] [7]  La obra fue nombrada oficialmente por Kapoor como Cloud Gate.[9] Alrededor de la estructura, su superficie actúa como un espejo curvo al distorsionar sus reflejos, reflejando tres cuartas partes de la superficie el cielo.[10][11] Es la primera obra pública al aire libre de Kapoor en los Estados Unidos.[12]La construcción del Cloud Gate finalizó el 28 de agosto de 2005, presentándose oficialmente el 15 de mayo de 2006.[13][14] El coste de la pieza se estimó inicialmente en 6 millones de dólares, aunque la cifra final alcanzó los 23 millones de dólares en el 2006.[15]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Cloud_Gate.

En 1999, la propuesta de Kapoor fue seleccionada entre las obras de 30 artistas por funcionarios del Parque Milenio y un grupo de coleccionistas de arte, curadores y arquitectos. La propuesta presentaba una superficie de  acero inoxidable sin costuras inspirada en el mercurio líquido.[3] Esta superficie, similar a un espejo, reflejaría el horizonte de Chicago, pero su forma elíptica distorsionaría y torcería la imagen reflejada.[4]En la parte inferior de la escultura se encuentra el ónfalo, una hendidura, que fue descrita por la prensa como un "vientre en forma de cuchara", cuya superficie espejada proporciona múltiples reflejos de cualquier sujeto situado debajo de ella.[5][6][7]  El vértice del ónfalos mide 8,2 metros por encima del suelo. La parte inferior cóncava permite a los visitantes caminar por debajo para ver el ónfalo y a través de su arco hacia el otro lado para ver toda la estructura.[8] [7]  La obra fue nombrada oficialmente por Kapoor como Cloud Gate.[9] Alrededor de la estructura, su superficie actúa como un espejo curvo al distorsionar sus reflejos, reflejando tres cuartas partes de la superficie el cielo.[10][11] Es la primera obra pública al aire libre de Kapoor en los Estados Unidos.[12]La construcción del Cloud Gate finalizó el 28 de agosto de 2005, presentándose oficialmente el 15 de mayo de 2006.[13][14] El coste de la pieza se estimó inicialmente en 6 millones de dólares, aunque la cifra final alcanzó los 23 millones de dólares en el 2006.[15]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: ¿Cómo aclara Cloud_Gate su Historia?

En 1999, la propuesta de Kapoor fue seleccionada entre las obras de 30 artistas por funcionarios del Parque Milenio y un grupo de coleccionistas de arte, curadores y arquitectos. La propuesta presentaba una superficie de  acero inoxidable sin costuras inspirada en el mercurio líquido.[3] Esta superficie, similar a un espejo, reflejaría el horizonte de Chicago, pero su forma elíptica distorsionaría y torcería la imagen reflejada.[4]En la parte inferior de la escultura se encuentra el ónfalo, una hendidura, que fue descrita por la prensa como un "vientre en forma de cuchara", cuya superficie espejada proporciona múltiples reflejos de cualquier sujeto situado debajo de ella.[5][6][7]  El vértice del ónfalos mide 8,2 metros por encima del suelo. La parte inferior cóncava permite a los visitantes caminar por debajo para ver el ónfalo y a través de su arco hacia el otro lado para ver toda la estructura.[8] [7]  La obra fue nombrada oficialmente por Kapoor como Cloud Gate.[9] Alrededor de la estructura, su superficie actúa como un espejo curvo al distorsionar sus reflejos, reflejando tres cuartas partes de la superficie el cielo.[10][11] Es la primera obra pública al aire libre de Kapoor en los Estados Unidos.[12]La construcción del Cloud Gate finalizó el 28 de agosto de 2005, presentándose oficialmente el 15 de mayo de 2006.[13][14] El coste de la pieza se estimó inicialmente en 6 millones de dólares, aunque la cifra final alcanzó los 23 millones de dólares en el 2006.[15]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: En Cloud_Gate, ¿Cómo se discute la Historia?

En 1999, la propuesta de Kapoor fue seleccionada entre las obras de 30 artistas por funcionarios del Parque Milenio y un grupo de coleccionistas de arte, curadores y arquitectos. La propuesta presentaba una superficie de  acero inoxidable sin costuras inspirada en el mercurio líquido.[3] Esta superficie, similar a un espejo, reflejaría el horizonte de Chicago, pero su forma elíptica distorsionaría y torcería la imagen reflejada.[4]En la parte inferior de la escultura se encuentra el ónfalo, una hendidura, que fue descrita por la prensa como un "vientre en forma de cuchara", cuya superficie espejada proporciona múltiples reflejos de cualquier sujeto situado debajo de ella.[5][6][7]  El vértice del ónfalos mide 8,2 metros por encima del suelo. La parte inferior cóncava permite a los visitantes caminar por debajo para ver el ónfalo y a través de su arco hacia el otro lado para ver toda la estructura.[8] [7]  La obra fue nombrada oficialmente por Kapoor como Cloud Gate.[9] Alrededor de la estructura, su superficie actúa como un espejo curvo al distorsionar sus reflejos, reflejando tres cuartas partes de la superficie el cielo.[10][11] Es la primera obra pública al aire libre de Kapoor en los Estados Unidos.[12]La construcción del Cloud Gate finalizó el 28 de agosto de 2005, presentándose oficialmente el 15 de mayo de 2006.[13][14] El coste de la pieza se estimó inicialmente en 6 millones de dólares, aunque la cifra final alcanzó los 23 millones de dólares en el 2006.[15]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: Concéntrate en Cloud_Gate y explora la En la cultura popular.

La escultura ha aparecido en películas como The Break-Up, The Vow, Dhoom 3, la escena final de Código fuente o en transformers: la era de la extinción, la cuarta entrega de la serie Transformers.[16][17][18][19][20][21] Además, se mostró en el videoclip de la canción Kanye West con Chris Martin de la banda Coldplay, Homecoming.[22]  Una reproducción modificada del Cloud Gate también se incluyó en el videojuego Watch Dogs.[23] A diferencia de la escultura real, la réplica del juego es un toroide blanco curvo.[24] Cloud Gate también juega un papel destacado en Battle Ground, una de las novelas de fantasía urbana del escrito estadounidense Jim Butcher.[25]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: Explora la En la cultura popular de esta obra de arte, Cloud_Gate.

La escultura ha aparecido en películas como The Break-Up, The Vow, Dhoom 3, la escena final de Código fuente o en transformers: la era de la extinción, la cuarta entrega de la serie Transformers.[16][17][18][19][20][21] Además, se mostró en el videoclip de la canción Kanye West con Chris Martin de la banda Coldplay, Homecoming.[22]  Una reproducción modificada del Cloud Gate también se incluyó en el videojuego Watch Dogs.[23] A diferencia de la escultura real, la réplica del juego es un toroide blanco curvo.[24] Cloud Gate también juega un papel destacado en Battle Ground, una de las novelas de fantasía urbana del escrito estadounidense Jim Butcher.[25]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

Categoría:Esculturas al aire libre de Chicago

Categoría:Esculturas de Estados Unidos del siglo XXI

Categoría:Atracciones turísticas de Chicago

Categoría:Edificios y estructuras terminadas en 2006


Cloud_Gate

Prompt: ¿Cómo aclara Cloud_Gate su En la cultura popular?

La escultura ha aparecido en películas como The Break-Up, The Vow, Dhoom 3, la escena final de Código fuente o en transformers: la era de la extinción, la cuarta entrega de la serie Transformers.[16][17][18][19][20][21] Además, se mostró en el videoclip de la canción Kanye West con Chris Martin de la banda Coldplay, Homecoming.[22]  Una reproducción modificada del Cloud Gate también se incluyó en el videojuego Watch Dogs.[23] A diferencia de la escultura real, la réplica del juego es un toroide blanco curvo.[24] Cloud Gate también juega un papel destacado en Battle Ground, una de las novelas de fantasía urbana del escrito estadounidense Jim Butcher.[25]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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Cloud_Gate

Prompt: En Cloud_Gate, ¿Cómo se discute la En la cultura popular?

La escultura ha aparecido en películas como The Break-Up, The Vow, Dhoom 3, la escena final de Código fuente o en transformers: la era de la extinción, la cuarta entrega de la serie Transformers.[16][17][18][19][20][21] Además, se mostró en el videoclip de la canción Kanye West con Chris Martin de la banda Coldplay, Homecoming.[22]  Una reproducción modificada del Cloud Gate también se incluyó en el videojuego Watch Dogs.[23] A diferencia de la escultura real, la réplica del juego es un toroide blanco curvo.[24] Cloud Gate también juega un papel destacado en Battle Ground, una de las novelas de fantasía urbana del escrito estadounidense Jim Butcher.[25]

Ubicación del ''Cloud Gate'' dentro del Parque del Milenio de Chicago

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La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: Concéntrate en La_balsa_de_la_Medusa y explora la abstract.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La obra, que el autor culminó antes de haber cumplido los treinta, se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)[1] que representa una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio de 1816. Al menos 150 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente y restaurada monarquía francesa de Luis XVIII.[2]Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción que no le había sido encargada de un acontecimiento reciente—, Géricault escogió deliberadamente un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y, al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera.[3] El evento en sí fascinó al artista, quien, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y realizó muchos bocetos preparativos. Para construir un modelo detallado a escala de la balsa, entrevistó a dos de los supervivientes, Alexandre Correard, un ingeniero de los Arts et Métiers y el cirujano Jean-Baptiste Savigny. Su empeño lo llevó a ir a depósitos de cadáveres y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de los agonizantes y los muertos. Como el artista había anticipado, la pintura resultó ser altamente polémica en su primera exhibición, en el Salón de París de 1819, y se ganó tanto elogios apasionados como condenas. No obstante, el evento consolidó su reputación internacional, y el cuadro es, aún hoy, ampliamente considerado una obra seminal[4] en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa. Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de las tradiciones de la pintura histórica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces predominante. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres. Fue adquirida por el Louvre poco tiempo después de la muerte prematura del artista, a los 32 años de edad. La influencia de la pintura puede ser vista en los trabajos de Eugène Delacroix, J. M. W. Turner, Gustave Courbet y Édouard Manet.

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810


La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_balsa_de_la_Medusa.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La obra, que el autor culminó antes de haber cumplido los treinta, se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)[1] que representa una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio de 1816. Al menos 150 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente y restaurada monarquía francesa de Luis XVIII.[2]Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción que no le había sido encargada de un acontecimiento reciente—, Géricault escogió deliberadamente un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y, al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera.[3] El evento en sí fascinó al artista, quien, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y realizó muchos bocetos preparativos. Para construir un modelo detallado a escala de la balsa, entrevistó a dos de los supervivientes, Alexandre Correard, un ingeniero de los Arts et Métiers y el cirujano Jean-Baptiste Savigny. Su empeño lo llevó a ir a depósitos de cadáveres y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de los agonizantes y los muertos. Como el artista había anticipado, la pintura resultó ser altamente polémica en su primera exhibición, en el Salón de París de 1819, y se ganó tanto elogios apasionados como condenas. No obstante, el evento consolidó su reputación internacional, y el cuadro es, aún hoy, ampliamente considerado una obra seminal[4] en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa. Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de las tradiciones de la pintura histórica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces predominante. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres. Fue adquirida por el Louvre poco tiempo después de la muerte prematura del artista, a los 32 años de edad. La influencia de la pintura puede ser vista en los trabajos de Eugène Delacroix, J. M. W. Turner, Gustave Courbet y Édouard Manet.

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

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La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: ¿Cómo aclara La_balsa_de_la_Medusa su abstract?

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La obra, que el autor culminó antes de haber cumplido los treinta, se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)[1] que representa una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio de 1816. Al menos 150 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente y restaurada monarquía francesa de Luis XVIII.[2]Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción que no le había sido encargada de un acontecimiento reciente—, Géricault escogió deliberadamente un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y, al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera.[3] El evento en sí fascinó al artista, quien, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y realizó muchos bocetos preparativos. Para construir un modelo detallado a escala de la balsa, entrevistó a dos de los supervivientes, Alexandre Correard, un ingeniero de los Arts et Métiers y el cirujano Jean-Baptiste Savigny. Su empeño lo llevó a ir a depósitos de cadáveres y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de los agonizantes y los muertos. Como el artista había anticipado, la pintura resultó ser altamente polémica en su primera exhibición, en el Salón de París de 1819, y se ganó tanto elogios apasionados como condenas. No obstante, el evento consolidó su reputación internacional, y el cuadro es, aún hoy, ampliamente considerado una obra seminal[4] en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa. Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de las tradiciones de la pintura histórica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces predominante. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres. Fue adquirida por el Louvre poco tiempo después de la muerte prematura del artista, a los 32 años de edad. La influencia de la pintura puede ser vista en los trabajos de Eugène Delacroix, J. M. W. Turner, Gustave Courbet y Édouard Manet.

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

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La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: En La_balsa_de_la_Medusa, ¿Cómo se discute la abstract?

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La obra, que el autor culminó antes de haber cumplido los treinta, se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)[1] que representa una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio de 1816. Al menos 150 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente y restaurada monarquía francesa de Luis XVIII.[2]Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción que no le había sido encargada de un acontecimiento reciente—, Géricault escogió deliberadamente un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y, al mismo tiempo, ayudarlo a impulsar su carrera.[3] El evento en sí fascinó al artista, quien, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y realizó muchos bocetos preparativos. Para construir un modelo detallado a escala de la balsa, entrevistó a dos de los supervivientes, Alexandre Correard, un ingeniero de los Arts et Métiers y el cirujano Jean-Baptiste Savigny. Su empeño lo llevó a ir a depósitos de cadáveres y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de los agonizantes y los muertos. Como el artista había anticipado, la pintura resultó ser altamente polémica en su primera exhibición, en el Salón de París de 1819, y se ganó tanto elogios apasionados como condenas. No obstante, el evento consolidó su reputación internacional, y el cuadro es, aún hoy, ampliamente considerado una obra seminal[4] en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa. Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de las tradiciones de la pintura histórica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces predominante. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres. Fue adquirida por el Louvre poco tiempo después de la muerte prematura del artista, a los 32 años de edad. La influencia de la pintura puede ser vista en los trabajos de Eugène Delacroix, J. M. W. Turner, Gustave Courbet y Édouard Manet.

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

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La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: Concéntrate en La_balsa_de_la_Medusa y explora la Contexto.

En junio de 1816, la fragata francesa Méduse partió de Rochefort con rumbo al puerto senegalés de Saint-Louis. Dirigía un convoy compuesto por otras tres embarcaciones: el buque-bodega Loire, el bergantín Argus y la corbeta Écho. El vizconde Hugues Duroy de Chaumereys había sido nombrado capitán de la fragata pese a haber navegado muy poco en 20 años.[6][7] La misión de la fragata era la de aceptar la devolución británica de la entonces colonia de Senegal bajo los términos franceses de la Paz de París. El gobernador francés designado para Senegal, el coronel Julien-Désiré Schmaltz y su esposa, Reine Schmaltz, estaban entre los pasajeros.En un esfuerzo por lograr una travesía rápida, la Méduse se adelantó a las otras naves, pero, debido precisamente a su velocidad, fue al garete y se desvió de su curso 100 kilómetros (62 mi). El 2 de julio encalló en un banco de arena en la bahía de Arguin, en la costa de África Occidental, cerca de la actual Mauritania. La colisión se debió en gran medida a la incompetencia de De Chaumereys, un francés emigrado que carecía de experiencia y habilidad, pero que habría conseguido esa misión como resultado de un acto de favoritismo político.[8][9][10] Los esfuerzos por liberar el barco fueron infructuosos, así que el 5 de julio los aterrados pasajeros y la tripulación intentaron salvar los 60 kilómetros (37 mi) que los separaban de la costa africana en los seis botes de la fragata. Aunque la Médusa llevaba 400 personas, incluida una tripulación de 160 marineros, en esos botes solo había espacio para 250. El resto de la dotación del buque —al menos 146 hombres y una mujer— se apiñaron en una balsa de 20 metros de largo por 7 de ancho, construida deprisa y corriendo, que se sumergió parcialmente al recibir la carga. Diecisiete miembros de la tripulación decidieron quedarse a bordo de la Médusa. El capitán y la tripulación a bordo de los otros botes intentaron arrastrar la balsa, pero después de solo unos pocos kilómetros las amarras de la balsa se soltaron por sí solas o alguien las soltó. El capitán dejó a los pasajeros de la balsa entregados a su suerte. La situación empeoró rápidamente: en la primera noche 20 hombres se suicidaron o habrían sido asesinados, ya que para el sustento de la tripulación de la balsa solo se les entregó una bolsa de galletas del buque (consumida en el primer día), dos contenedores de agua (perdidos por la borda durante las peleas) y unos barriles de vino.[11] Según el crítico Jonathan Miles, la balsa arrastró a los supervivientes "hacia las fronteras de la experiencia humana. Desquiciados, sedientos y hambrientos, asesinaron a los amotinados, comieron de sus compañeros muertos y mataron a los más débiles".[5][12] Después de 13 días, el 17 de julio de 1816, la balsa fue rescatada por la nave Argus, que la encontró por accidente, ya que no hubo ningún intento de búsqueda de la balsa por parte de los franceses.[13] En el momento del rescate solo había 15 hombres supervivientes; los demás habrían sido asesinados o arrojados por la borda por sus propios camaradas, muertos por inanición, o se habrían arrojado ellos mismos al mar en su desesperación.[14] Este incidente se convirtió en una enorme vergüenza pública para la monarquía francesa, recientemente restaurada en el poder después de la derrota definitiva de Napoleón.[15][16]

reciente y restaurada monarquía francesa

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810


La_balsa_de_la_Medusa

Prompt: Explora la Contexto de esta obra de arte, La_balsa_de_la_Medusa.

En junio de 1816, la fragata francesa Méduse partió de Rochefort con rumbo al puerto senegalés de Saint-Louis. Dirigía un convoy compuesto por otras tres embarcaciones: el buque-bodega Loire, el bergantín Argus y la corbeta Écho. El vizconde Hugues Duroy de Chaumereys había sido nombrado capitán de la fragata pese a haber navegado muy poco en 20 años.[6][7] La misión de la fragata era la de aceptar la devolución británica de la entonces colonia de Senegal bajo los términos franceses de la Paz de París. El gobernador francés designado para Senegal, el coronel Julien-Désiré Schmaltz y su esposa, Reine Schmaltz, estaban entre los pasajeros.En un esfuerzo por lograr una travesía rápida, la Méduse se adelantó a las otras naves, pero, debido precisamente a su velocidad, fue al garete y se desvió de su curso 100 kilómetros (62 mi). El 2 de julio encalló en un banco de arena en la bahía de Arguin, en la costa de África Occidental, cerca de la actual Mauritania. La colisión se debió en gran medida a la incompetencia de De Chaumereys, un francés emigrado que carecía de experiencia y habilidad, pero que habría conseguido esa misión como resultado de un acto de favoritismo político.[8][9][10] Los esfuerzos por liberar el barco fueron infructuosos, así que el 5 de julio los aterrados pasajeros y la tripulación intentaron salvar los 60 kilómetros (37 mi) que los separaban de la costa africana en los seis botes de la fragata. Aunque la Médusa llevaba 400 personas, incluida una tripulación de 160 marineros, en esos botes solo había espacio para 250. El resto de la dotación del buque —al menos 146 hombres y una mujer— se apiñaron en una balsa de 20 metros de largo por 7 de ancho, construida deprisa y corriendo, que se sumergió parcialmente al recibir la carga. Diecisiete miembros de la tripulación decidieron quedarse a bordo de la Médusa. El capitán y la tripulación a bordo de los otros botes intentaron arrastrar la balsa, pero después de solo unos pocos kilómetros las amarras de la balsa se soltaron por sí solas o alguien las soltó. El capitán dejó a los pasajeros de la balsa entregados a su suerte. La situación empeoró rápidamente: en la primera noche 20 hombres se suicidaron o habrían sido asesinados, ya que para el sustento de la tripulación de la balsa solo se les entregó una bolsa de galletas del buque (consumida en el primer día), dos contenedores de agua (perdidos por la borda durante las peleas) y unos barriles de vino.[11] Según el crítico Jonathan Miles, la balsa arrastró a los supervivientes "hacia las fronteras de la experiencia humana. Desquiciados, sedientos y hambrientos, asesinaron a los amotinados, comieron de sus compañeros muertos y mataron a los más débiles".[5][12] Después de 13 días, el 17 de julio de 1816, la balsa fue rescatada por la nave Argus, que la encontró por accidente, ya que no hubo ningún intento de búsqueda de la balsa por parte de los franceses.[13] En el momento del rescate solo había 15 hombres supervivientes; los demás habrían sido asesinados o arrojados por la borda por sus propios camaradas, muertos por inanición, o se habrían arrojado ellos mismos al mar en su desesperación.[14] Este incidente se convirtió en una enorme vergüenza pública para la monarquía francesa, recientemente restaurada en el poder después de la derrota definitiva de Napoleón.[15][16]

reciente y restaurada monarquía francesa

Archivo:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Categoría:Pintura de historia de Francia

Archivo:Raft of Méduse-Alexandre Corréard-IMG 4788-cropped.JPG

Plano de ''La Balsa de la Medusa'' en el momento del rescate de la tripulación<ref name="Darcy">Grigsby, Darcy Grimaldo. ''Extremities: Painting Empire in Post-Revolutionary France''. [[Yale University Press

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1810