La_carreta_de_heno

Prompt: Concéntrate en La_carreta_de_heno y explora la Recepción.

La carreta de heno es reverenciada en la actualidad como una de las mejores pinturas británicas, pero cuando se mostró originalmente en la Royal Academy en 1821, con el título de Landscape: Noon (Paisaje: Mediodía), no consiguió encontrar comprador. Esta obra, sin embargo, causó sensación entre los pintores románticos franceses, especialmente en Géricault y Delacroix, por su frescura cromática y por la libertad de su factura.[6]Théodore Géricault la vio en su visita a Londres y muy pronto comenzó a alabar a Constable en París, donde un marchante, John Arrowsmith, compró cuatro pinturas, incluida La carreta de heno, que se exhibió en el Salón de París de 1824. En esa exposición, La carreta de heno fue distinguida con una medalla de oro que le dio el rey Carlos X de Francia, y un molde de escayola del mismo se incorporó al marco del cuadro. Las obras de Constable en la exposición inspiraron a una nueva generación de pintores franceses, incluyendo a Eugène Delacroix.Sobre el colorido de Constable, Delacroix escribió en su diario: «Lo que él dice aquí sobre el verde de sus prados puede aplicarse a cada uno de sus tonos».[7] Delacroix decidió cambiar el tono de La matanza de Quíos (1824) después de ver los Constable en la Galería Arrowsmith, que dijo que le había hecho mucho bien.[8]El cuadro fue votado como la segunda mejor pintura en el Reino Unido en una consulta de 2005 organizada por el programa Today de la BBC Radio 4, tras el cuadro El «Temerario» remolcado a su último atraque para el desguace  de J. M. W. Turner.[9]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Boceto ejecutado por Constable como referencia para su pintura ''La carreta de heno''.

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820


La_carreta_de_heno

Prompt: Explora la Recepción de esta obra de arte, La_carreta_de_heno.

La carreta de heno es reverenciada en la actualidad como una de las mejores pinturas británicas, pero cuando se mostró originalmente en la Royal Academy en 1821, con el título de Landscape: Noon (Paisaje: Mediodía), no consiguió encontrar comprador. Esta obra, sin embargo, causó sensación entre los pintores románticos franceses, especialmente en Géricault y Delacroix, por su frescura cromática y por la libertad de su factura.[6]Théodore Géricault la vio en su visita a Londres y muy pronto comenzó a alabar a Constable en París, donde un marchante, John Arrowsmith, compró cuatro pinturas, incluida La carreta de heno, que se exhibió en el Salón de París de 1824. En esa exposición, La carreta de heno fue distinguida con una medalla de oro que le dio el rey Carlos X de Francia, y un molde de escayola del mismo se incorporó al marco del cuadro. Las obras de Constable en la exposición inspiraron a una nueva generación de pintores franceses, incluyendo a Eugène Delacroix.Sobre el colorido de Constable, Delacroix escribió en su diario: «Lo que él dice aquí sobre el verde de sus prados puede aplicarse a cada uno de sus tonos».[7] Delacroix decidió cambiar el tono de La matanza de Quíos (1824) después de ver los Constable en la Galería Arrowsmith, que dijo que le había hecho mucho bien.[8]El cuadro fue votado como la segunda mejor pintura en el Reino Unido en una consulta de 2005 organizada por el programa Today de la BBC Radio 4, tras el cuadro El «Temerario» remolcado a su último atraque para el desguace  de J. M. W. Turner.[9]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Boceto ejecutado por Constable como referencia para su pintura ''La carreta de heno''.

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820


La_carreta_de_heno

Prompt: ¿Cómo aclara La_carreta_de_heno su Recepción?

La carreta de heno es reverenciada en la actualidad como una de las mejores pinturas británicas, pero cuando se mostró originalmente en la Royal Academy en 1821, con el título de Landscape: Noon (Paisaje: Mediodía), no consiguió encontrar comprador. Esta obra, sin embargo, causó sensación entre los pintores románticos franceses, especialmente en Géricault y Delacroix, por su frescura cromática y por la libertad de su factura.[6]Théodore Géricault la vio en su visita a Londres y muy pronto comenzó a alabar a Constable en París, donde un marchante, John Arrowsmith, compró cuatro pinturas, incluida La carreta de heno, que se exhibió en el Salón de París de 1824. En esa exposición, La carreta de heno fue distinguida con una medalla de oro que le dio el rey Carlos X de Francia, y un molde de escayola del mismo se incorporó al marco del cuadro. Las obras de Constable en la exposición inspiraron a una nueva generación de pintores franceses, incluyendo a Eugène Delacroix.Sobre el colorido de Constable, Delacroix escribió en su diario: «Lo que él dice aquí sobre el verde de sus prados puede aplicarse a cada uno de sus tonos».[7] Delacroix decidió cambiar el tono de La matanza de Quíos (1824) después de ver los Constable en la Galería Arrowsmith, que dijo que le había hecho mucho bien.[8]El cuadro fue votado como la segunda mejor pintura en el Reino Unido en una consulta de 2005 organizada por el programa Today de la BBC Radio 4, tras el cuadro El «Temerario» remolcado a su último atraque para el desguace  de J. M. W. Turner.[9]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Boceto ejecutado por Constable como referencia para su pintura ''La carreta de heno''.

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820


La_carreta_de_heno

Prompt: En La_carreta_de_heno, ¿Cómo se discute la Recepción?

La carreta de heno es reverenciada en la actualidad como una de las mejores pinturas británicas, pero cuando se mostró originalmente en la Royal Academy en 1821, con el título de Landscape: Noon (Paisaje: Mediodía), no consiguió encontrar comprador. Esta obra, sin embargo, causó sensación entre los pintores románticos franceses, especialmente en Géricault y Delacroix, por su frescura cromática y por la libertad de su factura.[6]Théodore Géricault la vio en su visita a Londres y muy pronto comenzó a alabar a Constable en París, donde un marchante, John Arrowsmith, compró cuatro pinturas, incluida La carreta de heno, que se exhibió en el Salón de París de 1824. En esa exposición, La carreta de heno fue distinguida con una medalla de oro que le dio el rey Carlos X de Francia, y un molde de escayola del mismo se incorporó al marco del cuadro. Las obras de Constable en la exposición inspiraron a una nueva generación de pintores franceses, incluyendo a Eugène Delacroix.Sobre el colorido de Constable, Delacroix escribió en su diario: «Lo que él dice aquí sobre el verde de sus prados puede aplicarse a cada uno de sus tonos».[7] Delacroix decidió cambiar el tono de La matanza de Quíos (1824) después de ver los Constable en la Galería Arrowsmith, que dijo que le había hecho mucho bien.[8]El cuadro fue votado como la segunda mejor pintura en el Reino Unido en una consulta de 2005 organizada por el programa Today de la BBC Radio 4, tras el cuadro El «Temerario» remolcado a su último atraque para el desguace  de J. M. W. Turner.[9]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Boceto ejecutado por Constable como referencia para su pintura ''La carreta de heno''.

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820


Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro

Prompt: Concéntrate en Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro y explora la abstract.

Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.[1] Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.[2] Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.[3] Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.[4]El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: «asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter»,[5] lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice «Ningún arado se detiene porque un hombre muera».[6] La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

Categoría:Mitología griega en la pintura

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Archivo:Pieter Bruegel de Oude - De val van Icarus.jpg

Museos reales de Bellas Artes de Bélgica


Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro.

Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.[1] Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.[2] Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.[3] Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.[4]El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: «asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter»,[5] lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice «Ningún arado se detiene porque un hombre muera».[6] La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

Categoría:Mitología griega en la pintura

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Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro

Prompt: ¿Cómo aclara Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro su abstract?

Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.[1] Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.[2] Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.[3] Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.[4]El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: «asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter»,[5] lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice «Ningún arado se detiene porque un hombre muera».[6] La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

Categoría:Mitología griega en la pintura

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Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro

Prompt: En Paisaje_con_la_caída_de_Ícaro, ¿Cómo se discute la abstract?

Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.[1] Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.[2] Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.[3] Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.[4]El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: «asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter»,[5] lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice «Ningún arado se detiene porque un hombre muera».[6] La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

Categoría:Mitología griega en la pintura

Categoría:Colecciones de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

Archivo:Pieter Bruegel de Oude - De val van Icarus.jpg

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La_Fornarina

Prompt: Concéntrate en La_Fornarina y explora la abstract.

El Ritratto di giovane donna (en español, Retrato de una joven), generalmente conocido como La Fornarina, es una de las obras más representativas del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520).Para su realización, posó la modelo romana y amante del artista Margherita Luti (c. 1493-1522),[1] hija del panadero (en italiano, fornaio) Francesco Luti di Siena, quien ya aparece en otras composiciones del autor, especialmente entre 1510 y 1517. Está pintado al óleo sobre tabla y sus dimensiones son de 85 x 60 cm.Tras el fallecimiento del artista el 6 de abril de 1520 –el mismo día que cumplía 37 años–, la obra debió de pasar a la colección particular de la condesa de Santaflora, de donde ingresaría en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde se conserva en la actualidad (n.º de inventario: 2333).Al parecer, posteriores repintes de algunas zonas del cuadro ocultarían, entre otros elementos, un anillo de boda (descubierto mediante rayos X), colocado en el dedo medio de la mano izquierda de la joven y cuya presencia –supuestamente– habría podido enturbiar la memoria de su difunto autor.[2] Huelga decir que no existen datos documentales acerca del supuesto artífice de los retoques ni, sobre todo, de cuáles fueron sus verdaderas intenciones al realizarlos.Para algunos investigadores, la obra no estaría terminada, observando al respecto que mientras en la mama derecha no se aprecian las pinceladas, el pecho izquierdo presenta mayor contraste cromático y los trazos del pincel son más sueltos.En otro orden de cosas, varios autores han considerado la curiosa coincidencia entre el supuesto nombre de la modelo y la perla que pende de su turbante («Margarita»: del griego Μαργαρίτης; literalmente, «perla»).[2]Se conoce una copia de la obra, tradicionalmente atribuida a Giulio Romano y conservada en la actualidad en la Galería Borghese de Roma (n.º de inventario: 355).

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo


La_Fornarina

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_Fornarina.

El Ritratto di giovane donna (en español, Retrato de una joven), generalmente conocido como La Fornarina, es una de las obras más representativas del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520).Para su realización, posó la modelo romana y amante del artista Margherita Luti (c. 1493-1522),[1] hija del panadero (en italiano, fornaio) Francesco Luti di Siena, quien ya aparece en otras composiciones del autor, especialmente entre 1510 y 1517. Está pintado al óleo sobre tabla y sus dimensiones son de 85 x 60 cm.Tras el fallecimiento del artista el 6 de abril de 1520 –el mismo día que cumplía 37 años–, la obra debió de pasar a la colección particular de la condesa de Santaflora, de donde ingresaría en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde se conserva en la actualidad (n.º de inventario: 2333).Al parecer, posteriores repintes de algunas zonas del cuadro ocultarían, entre otros elementos, un anillo de boda (descubierto mediante rayos X), colocado en el dedo medio de la mano izquierda de la joven y cuya presencia –supuestamente– habría podido enturbiar la memoria de su difunto autor.[2] Huelga decir que no existen datos documentales acerca del supuesto artífice de los retoques ni, sobre todo, de cuáles fueron sus verdaderas intenciones al realizarlos.Para algunos investigadores, la obra no estaría terminada, observando al respecto que mientras en la mama derecha no se aprecian las pinceladas, el pecho izquierdo presenta mayor contraste cromático y los trazos del pincel son más sueltos.En otro orden de cosas, varios autores han considerado la curiosa coincidencia entre el supuesto nombre de la modelo y la perla que pende de su turbante («Margarita»: del griego Μαργαρίτης; literalmente, «perla»).[2]Se conoce una copia de la obra, tradicionalmente atribuida a Giulio Romano y conservada en la actualidad en la Galería Borghese de Roma (n.º de inventario: 355).

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La_Fornarina

Prompt: ¿Cómo aclara La_Fornarina su abstract?

El Ritratto di giovane donna (en español, Retrato de una joven), generalmente conocido como La Fornarina, es una de las obras más representativas del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520).Para su realización, posó la modelo romana y amante del artista Margherita Luti (c. 1493-1522),[1] hija del panadero (en italiano, fornaio) Francesco Luti di Siena, quien ya aparece en otras composiciones del autor, especialmente entre 1510 y 1517. Está pintado al óleo sobre tabla y sus dimensiones son de 85 x 60 cm.Tras el fallecimiento del artista el 6 de abril de 1520 –el mismo día que cumplía 37 años–, la obra debió de pasar a la colección particular de la condesa de Santaflora, de donde ingresaría en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde se conserva en la actualidad (n.º de inventario: 2333).Al parecer, posteriores repintes de algunas zonas del cuadro ocultarían, entre otros elementos, un anillo de boda (descubierto mediante rayos X), colocado en el dedo medio de la mano izquierda de la joven y cuya presencia –supuestamente– habría podido enturbiar la memoria de su difunto autor.[2] Huelga decir que no existen datos documentales acerca del supuesto artífice de los retoques ni, sobre todo, de cuáles fueron sus verdaderas intenciones al realizarlos.Para algunos investigadores, la obra no estaría terminada, observando al respecto que mientras en la mama derecha no se aprecian las pinceladas, el pecho izquierdo presenta mayor contraste cromático y los trazos del pincel son más sueltos.En otro orden de cosas, varios autores han considerado la curiosa coincidencia entre el supuesto nombre de la modelo y la perla que pende de su turbante («Margarita»: del griego Μαργαρίτης; literalmente, «perla»).[2]Se conoce una copia de la obra, tradicionalmente atribuida a Giulio Romano y conservada en la actualidad en la Galería Borghese de Roma (n.º de inventario: 355).

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo


La_Fornarina

Prompt: En La_Fornarina, ¿Cómo se discute la abstract?

El Ritratto di giovane donna (en español, Retrato de una joven), generalmente conocido como La Fornarina, es una de las obras más representativas del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520).Para su realización, posó la modelo romana y amante del artista Margherita Luti (c. 1493-1522),[1] hija del panadero (en italiano, fornaio) Francesco Luti di Siena, quien ya aparece en otras composiciones del autor, especialmente entre 1510 y 1517. Está pintado al óleo sobre tabla y sus dimensiones son de 85 x 60 cm.Tras el fallecimiento del artista el 6 de abril de 1520 –el mismo día que cumplía 37 años–, la obra debió de pasar a la colección particular de la condesa de Santaflora, de donde ingresaría en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde se conserva en la actualidad (n.º de inventario: 2333).Al parecer, posteriores repintes de algunas zonas del cuadro ocultarían, entre otros elementos, un anillo de boda (descubierto mediante rayos X), colocado en el dedo medio de la mano izquierda de la joven y cuya presencia –supuestamente– habría podido enturbiar la memoria de su difunto autor.[2] Huelga decir que no existen datos documentales acerca del supuesto artífice de los retoques ni, sobre todo, de cuáles fueron sus verdaderas intenciones al realizarlos.Para algunos investigadores, la obra no estaría terminada, observando al respecto que mientras en la mama derecha no se aprecian las pinceladas, el pecho izquierdo presenta mayor contraste cromático y los trazos del pincel son más sueltos.En otro orden de cosas, varios autores han considerado la curiosa coincidencia entre el supuesto nombre de la modelo y la perla que pende de su turbante («Margarita»: del griego Μαργαρίτης; literalmente, «perla»).[2]Se conoce una copia de la obra, tradicionalmente atribuida a Giulio Romano y conservada en la actualidad en la Galería Borghese de Roma (n.º de inventario: 355).

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo


La_Fornarina

Prompt: Concéntrate en La_Fornarina y explora la Descripción de la obra.

La joven, que mira ligeramente a la derecha del espectador, aparece semidesnuda en posición sedente en el momento en que se toca el pecho izquierdo con la mano contraria. Sujeta con la misma un velo trasparente que se enrolla en uno de los brazos mientras que en el otro se observa un brazalete con la inscripción RAPHAEL VRBINAS. La parte inferior del cuerpo queda tapada por una especie de amplia falda de colores rojizos y aspecto aterciopelado. La mano izquierda descansa sobre la zona púbica. Los bellos tonos rosáceos de las carnaciones contrastan con los verdes y azules del fondo, lo que acentúa la sensualidad del conjunto.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo

Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma


La_Fornarina

Prompt: Explora la Descripción de la obra de esta obra de arte, La_Fornarina.

La joven, que mira ligeramente a la derecha del espectador, aparece semidesnuda en posición sedente en el momento en que se toca el pecho izquierdo con la mano contraria. Sujeta con la misma un velo trasparente que se enrolla en uno de los brazos mientras que en el otro se observa un brazalete con la inscripción RAPHAEL VRBINAS. La parte inferior del cuerpo queda tapada por una especie de amplia falda de colores rojizos y aspecto aterciopelado. La mano izquierda descansa sobre la zona púbica. Los bellos tonos rosáceos de las carnaciones contrastan con los verdes y azules del fondo, lo que acentúa la sensualidad del conjunto.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo

Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma


La_Fornarina

Prompt: ¿Cómo aclara La_Fornarina su Descripción de la obra?

La joven, que mira ligeramente a la derecha del espectador, aparece semidesnuda en posición sedente en el momento en que se toca el pecho izquierdo con la mano contraria. Sujeta con la misma un velo trasparente que se enrolla en uno de los brazos mientras que en el otro se observa un brazalete con la inscripción RAPHAEL VRBINAS. La parte inferior del cuerpo queda tapada por una especie de amplia falda de colores rojizos y aspecto aterciopelado. La mano izquierda descansa sobre la zona púbica. Los bellos tonos rosáceos de las carnaciones contrastan con los verdes y azules del fondo, lo que acentúa la sensualidad del conjunto.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo

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La_Fornarina

Prompt: En La_Fornarina, ¿Cómo se discute la Descripción de la obra?

La joven, que mira ligeramente a la derecha del espectador, aparece semidesnuda en posición sedente en el momento en que se toca el pecho izquierdo con la mano contraria. Sujeta con la misma un velo trasparente que se enrolla en uno de los brazos mientras que en el otro se observa un brazalete con la inscripción RAPHAEL VRBINAS. La parte inferior del cuerpo queda tapada por una especie de amplia falda de colores rojizos y aspecto aterciopelado. La mano izquierda descansa sobre la zona púbica. Los bellos tonos rosáceos de las carnaciones contrastan con los verdes y azules del fondo, lo que acentúa la sensualidad del conjunto.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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La_Fornarina

Prompt: En el contexto de La_Fornarina, explora la Fondo y Descripción de la obra.

Tanto las radiografías realizadas en 1978 como las de 1983 y 2000 revelaron la existencia de un paisaje con un río, en cuyo centro –por encima de la cabeza de la modelo– se encuentra un árbol, presumiblemente un mirto, muy similar al del Retrato de Ginebra de Benci de Leonardo da Vinci, generalmente asociado a las tradicionales representaciones pictóricas de Venus.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo

Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma


La_Fornarina

Prompt: Explora la Fondo sobre la Descripción de la obra de esta obra de arte, La_Fornarina.

Tanto las radiografías realizadas en 1978 como las de 1983 y 2000 revelaron la existencia de un paisaje con un río, en cuyo centro –por encima de la cabeza de la modelo– se encuentra un árbol, presumiblemente un mirto, muy similar al del Retrato de Ginebra de Benci de Leonardo da Vinci, generalmente asociado a las tradicionales representaciones pictóricas de Venus.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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La_Fornarina

Prompt: En La_Fornarina, ¿Cómo se aclara la Fondo de la Descripción de la obra?

Tanto las radiografías realizadas en 1978 como las de 1983 y 2000 revelaron la existencia de un paisaje con un río, en cuyo centro –por encima de la cabeza de la modelo– se encuentra un árbol, presumiblemente un mirto, muy similar al del Retrato de Ginebra de Benci de Leonardo da Vinci, generalmente asociado a las tradicionales representaciones pictóricas de Venus.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma


La_Fornarina

Prompt: Describe las características de la Fondo en la Descripción de la obra de La_Fornarina.

Tanto las radiografías realizadas en 1978 como las de 1983 y 2000 revelaron la existencia de un paisaje con un río, en cuyo centro –por encima de la cabeza de la modelo– se encuentra un árbol, presumiblemente un mirto, muy similar al del Retrato de Ginebra de Benci de Leonardo da Vinci, generalmente asociado a las tradicionales representaciones pictóricas de Venus.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Galería Nacional de Arte Antiguo

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Prompt: Concéntrate en Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas y explora la abstract.

Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas (en francés: Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs) es un pintura al óleo de un artista desconocido, realizada en 1594.

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas.

Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas (en francés: Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs) es un pintura al óleo de un artista desconocido, realizada en 1594.

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas su abstract?

Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas (en francés: Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs) es un pintura al óleo de un artista desconocido, realizada en 1594.

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: En Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas, ¿Cómo se discute la abstract?

Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas (en francés: Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs) es un pintura al óleo de un artista desconocido, realizada en 1594.

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Concéntrate en Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas y explora la Descripción.

La pintura es un grabado con unas dimensiones de 42 x 78 centímetros. Está en la colección del Museo del Louvre, en Paris.[1]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas.

La pintura es un grabado con unas dimensiones de 42 x 78 centímetros. Está en la colección del Museo del Louvre, en Paris.[1]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas su Descripción?

La pintura es un grabado con unas dimensiones de 42 x 78 centímetros. Está en la colección del Museo del Louvre, en Paris.[1]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: En Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas, ¿Cómo se discute la Descripción?

La pintura es un grabado con unas dimensiones de 42 x 78 centímetros. Está en la colección del Museo del Louvre, en Paris.[1]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Concéntrate en Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas y explora la Análisis.

Esta pintura muestra dos mujeres, Gabrielle d'Estrées (1571-1599), amante del rey Enrique IV (1553-1610), y probablemente, una de sus hermanas.[2]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas.

Esta pintura muestra dos mujeres, Gabrielle d'Estrées (1571-1599), amante del rey Enrique IV (1553-1610), y probablemente, una de sus hermanas.[2]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas su Análisis?

Esta pintura muestra dos mujeres, Gabrielle d'Estrées (1571-1599), amante del rey Enrique IV (1553-1610), y probablemente, una de sus hermanas.[2]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: En Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas, ¿Cómo se discute la Análisis?

Esta pintura muestra dos mujeres, Gabrielle d'Estrées (1571-1599), amante del rey Enrique IV (1553-1610), y probablemente, una de sus hermanas.[2]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

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Prompt: Concéntrate en Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas y explora la Europeana 280.

En abril de 2016, la pintura Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[3]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: Explora la Europeana 280 de esta obra de arte, Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas.

En abril de 2016, la pintura Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[3]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas su Europeana 280?

En abril de 2016, la pintura Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[3]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Prompt: En Gabrielle_d'Estrées_y_una_de_sus_hermanas, ¿Cómo se discute la Europeana 280?

En abril de 2016, la pintura Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[3]

Categoría:Pintura de Francia del siglo XVI

File:Scuola di fontainebleau, presunti ritratti di gabrielle d'estrées sua sorella la duchessa di villars, 1594 ca. 06.jpg


Retrato_de_Ginebra_de_Benci

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Ginebra_de_Benci y explora la abstract.

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci, es un cuadro atribuido a Leonardo da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de  Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.Se cree que es un retrato de Ginebra de Benci (Ginevra de' Benci), lo que explicaría la representación del enebro a sus espaldas, en alusión a su nombre.[1] De hecho, también se conoce como Retrato de mujer joven ante un enebro,[2] aunque actualmente es más común el otro nombre. Aunque se la recuerda hoy en día solo por ser el tema de una de las 17 pinturas atribuidas a Leonardo da Vinci, Ginebra Benci fue una dama de la clase aristocrática del siglo XV de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos. Era hija de Amerigo Benci, un rico banquero amigo del padre de Leonardo, Piero da Vinci. Su familia estuvo vinculada mucho tiempo a la actividad de Leonardo en Florencia: la Adoración de los Magos, que quedó inacaba a la partida del pintor a Milán, se conservó en la casa Benci. La obra fue vista por Vasari, que escribió en Las vidas (1568): "[Leonardo] retrató la Ginebra de Amerigo Benci, una cosa muy hermosa".La obra, en el palacio Benci, entró en las colecciones de los príncipes de Liechtenstein en Viena en 1733, y luego fue trasladada a Vaduz,[3] como demuestra la presencia de un sello de cera roja en el reverso con las armas de Liechtenstein y la fecha.Probablemente fuera más grande originalmente, con unas proporciones muy similares a La Gioconda, habiendo sido el panel recortado más tarde por la parte inferior al menos en un tercio, perdiéndose las manos, siempre muy trabajadas por el artista. Podrían parecerse a las de un boceto conservado en la biblioteca real del castillo de Windsor.Se la considera obra del mismo autor de La dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica.[cita requerida] Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. La mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. El pintor extendió la pintura, en algunos lugares, con los dedos, dejando así marcadas sus huellas dactilares. El paisaje del fondo muestra todos los elementos queridos del pintor: cuerpos de agua, campanarios y torres, montañas, todo tratado en tonalidades azules según la perspectiva aérea.En el reverso está representada una guirnalda, con una rama de laurel y otra de palma, atada por una cartela en la que pone  "VIRTUTEM FORMA DECORAT" (la belleza adorna la virtud). La pintura del reverso podría aludir a la castidad del sentimiento amoroso que Ginebra inspiró.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Archivo:Leonardo da Vinci - Ginevra de' Benci - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Rückfläche Ginevra de' Benci.JPG

Archivo:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Retrato_de_Ginebra_de_Benci

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retrato_de_Ginebra_de_Benci.

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci, es un cuadro atribuido a Leonardo da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de  Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.Se cree que es un retrato de Ginebra de Benci (Ginevra de' Benci), lo que explicaría la representación del enebro a sus espaldas, en alusión a su nombre.[1] De hecho, también se conoce como Retrato de mujer joven ante un enebro,[2] aunque actualmente es más común el otro nombre. Aunque se la recuerda hoy en día solo por ser el tema de una de las 17 pinturas atribuidas a Leonardo da Vinci, Ginebra Benci fue una dama de la clase aristocrática del siglo XV de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos. Era hija de Amerigo Benci, un rico banquero amigo del padre de Leonardo, Piero da Vinci. Su familia estuvo vinculada mucho tiempo a la actividad de Leonardo en Florencia: la Adoración de los Magos, que quedó inacaba a la partida del pintor a Milán, se conservó en la casa Benci. La obra fue vista por Vasari, que escribió en Las vidas (1568): "[Leonardo] retrató la Ginebra de Amerigo Benci, una cosa muy hermosa".La obra, en el palacio Benci, entró en las colecciones de los príncipes de Liechtenstein en Viena en 1733, y luego fue trasladada a Vaduz,[3] como demuestra la presencia de un sello de cera roja en el reverso con las armas de Liechtenstein y la fecha.Probablemente fuera más grande originalmente, con unas proporciones muy similares a La Gioconda, habiendo sido el panel recortado más tarde por la parte inferior al menos en un tercio, perdiéndose las manos, siempre muy trabajadas por el artista. Podrían parecerse a las de un boceto conservado en la biblioteca real del castillo de Windsor.Se la considera obra del mismo autor de La dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica.[cita requerida] Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. La mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. El pintor extendió la pintura, en algunos lugares, con los dedos, dejando así marcadas sus huellas dactilares. El paisaje del fondo muestra todos los elementos queridos del pintor: cuerpos de agua, campanarios y torres, montañas, todo tratado en tonalidades azules según la perspectiva aérea.En el reverso está representada una guirnalda, con una rama de laurel y otra de palma, atada por una cartela en la que pone  "VIRTUTEM FORMA DECORAT" (la belleza adorna la virtud). La pintura del reverso podría aludir a la castidad del sentimiento amoroso que Ginebra inspiró.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Archivo:Leonardo da Vinci - Ginevra de' Benci - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Rückfläche Ginevra de' Benci.JPG

Archivo:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Retrato_de_Ginebra_de_Benci

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Ginebra_de_Benci su abstract?

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci, es un cuadro atribuido a Leonardo da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de  Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.Se cree que es un retrato de Ginebra de Benci (Ginevra de' Benci), lo que explicaría la representación del enebro a sus espaldas, en alusión a su nombre.[1] De hecho, también se conoce como Retrato de mujer joven ante un enebro,[2] aunque actualmente es más común el otro nombre. Aunque se la recuerda hoy en día solo por ser el tema de una de las 17 pinturas atribuidas a Leonardo da Vinci, Ginebra Benci fue una dama de la clase aristocrática del siglo XV de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos. Era hija de Amerigo Benci, un rico banquero amigo del padre de Leonardo, Piero da Vinci. Su familia estuvo vinculada mucho tiempo a la actividad de Leonardo en Florencia: la Adoración de los Magos, que quedó inacaba a la partida del pintor a Milán, se conservó en la casa Benci. La obra fue vista por Vasari, que escribió en Las vidas (1568): "[Leonardo] retrató la Ginebra de Amerigo Benci, una cosa muy hermosa".La obra, en el palacio Benci, entró en las colecciones de los príncipes de Liechtenstein en Viena en 1733, y luego fue trasladada a Vaduz,[3] como demuestra la presencia de un sello de cera roja en el reverso con las armas de Liechtenstein y la fecha.Probablemente fuera más grande originalmente, con unas proporciones muy similares a La Gioconda, habiendo sido el panel recortado más tarde por la parte inferior al menos en un tercio, perdiéndose las manos, siempre muy trabajadas por el artista. Podrían parecerse a las de un boceto conservado en la biblioteca real del castillo de Windsor.Se la considera obra del mismo autor de La dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica.[cita requerida] Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. La mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. El pintor extendió la pintura, en algunos lugares, con los dedos, dejando así marcadas sus huellas dactilares. El paisaje del fondo muestra todos los elementos queridos del pintor: cuerpos de agua, campanarios y torres, montañas, todo tratado en tonalidades azules según la perspectiva aérea.En el reverso está representada una guirnalda, con una rama de laurel y otra de palma, atada por una cartela en la que pone  "VIRTUTEM FORMA DECORAT" (la belleza adorna la virtud). La pintura del reverso podría aludir a la castidad del sentimiento amoroso que Ginebra inspiró.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

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Archivo:Rückfläche Ginevra de' Benci.JPG

Archivo:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg


Retrato_de_Ginebra_de_Benci

Prompt: En Retrato_de_Ginebra_de_Benci, ¿Cómo se discute la abstract?

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci, es un cuadro atribuido a Leonardo da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de  Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo.Se cree que es un retrato de Ginebra de Benci (Ginevra de' Benci), lo que explicaría la representación del enebro a sus espaldas, en alusión a su nombre.[1] De hecho, también se conoce como Retrato de mujer joven ante un enebro,[2] aunque actualmente es más común el otro nombre. Aunque se la recuerda hoy en día solo por ser el tema de una de las 17 pinturas atribuidas a Leonardo da Vinci, Ginebra Benci fue una dama de la clase aristocrática del siglo XV de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos. Era hija de Amerigo Benci, un rico banquero amigo del padre de Leonardo, Piero da Vinci. Su familia estuvo vinculada mucho tiempo a la actividad de Leonardo en Florencia: la Adoración de los Magos, que quedó inacaba a la partida del pintor a Milán, se conservó en la casa Benci. La obra fue vista por Vasari, que escribió en Las vidas (1568): "[Leonardo] retrató la Ginebra de Amerigo Benci, una cosa muy hermosa".La obra, en el palacio Benci, entró en las colecciones de los príncipes de Liechtenstein en Viena en 1733, y luego fue trasladada a Vaduz,[3] como demuestra la presencia de un sello de cera roja en el reverso con las armas de Liechtenstein y la fecha.Probablemente fuera más grande originalmente, con unas proporciones muy similares a La Gioconda, habiendo sido el panel recortado más tarde por la parte inferior al menos en un tercio, perdiéndose las manos, siempre muy trabajadas por el artista. Podrían parecerse a las de un boceto conservado en la biblioteca real del castillo de Windsor.Se la considera obra del mismo autor de La dama del armiño del Museo Czartoryski, y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica.[cita requerida] Podría haber sido hecho con motivo del matrimonio de Ginebra, en 1474 o, dado que ella aparenta más de 18 años, pudo ser un encargo de años posteriores del embajador veneciano Bernardo Bembo, que tenía con la dama una amistad platónica. Pijoán considera que está datada hacia 1504, cuando Ginebra tendría treinta años.Destaca por su extraña luminosidad, y la atención prestada al detalle. Hay toques de luz en el cabello, al modo de la pintura flamenca. La mirada de la modelo muestra seriedad y a su vez una belleza excepcional, modelo clásico renacentista. El pintor extendió la pintura, en algunos lugares, con los dedos, dejando así marcadas sus huellas dactilares. El paisaje del fondo muestra todos los elementos queridos del pintor: cuerpos de agua, campanarios y torres, montañas, todo tratado en tonalidades azules según la perspectiva aérea.En el reverso está representada una guirnalda, con una rama de laurel y otra de palma, atada por una cartela en la que pone  "VIRTUTEM FORMA DECORAT" (la belleza adorna la virtud). La pintura del reverso podría aludir a la castidad del sentimiento amoroso que Ginebra inspiró.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos

Archivo:Leonardo da Vinci - Ginevra de' Benci - Google Art Project.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Rückfläche Ginevra de' Benci.JPG

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Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Père_Tanguy y explora la abstract.

Retrato de Père Tanguy, pintado por Vincent van Gogh en 1887, es una de sus tres pinturas retratando a Julien Tanguy. Los tres trabajos muestran la progresión en el estilo artístico de Van Gogh después de su llegada a París. El primero es sombrío, y tiene una composición sencilla. El segundo introduce las impresiones japonesas propiedad de Van Gogh. El último y más adelantado en estilo, integra el elemento japonés, entonces una fuerte influencia en la comunidad artística parisina de vanguardia, con habilidad y color impresionista. Esta pintura transmite el sentimiento de serenidad que Van Gogh busca para él. Esta última pintura de Tanguy se encuentra en el Museo Rodin, París.

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retrato_de_Père_Tanguy.

Retrato de Père Tanguy, pintado por Vincent van Gogh en 1887, es una de sus tres pinturas retratando a Julien Tanguy. Los tres trabajos muestran la progresión en el estilo artístico de Van Gogh después de su llegada a París. El primero es sombrío, y tiene una composición sencilla. El segundo introduce las impresiones japonesas propiedad de Van Gogh. El último y más adelantado en estilo, integra el elemento japonés, entonces una fuerte influencia en la comunidad artística parisina de vanguardia, con habilidad y color impresionista. Esta pintura transmite el sentimiento de serenidad que Van Gogh busca para él. Esta última pintura de Tanguy se encuentra en el Museo Rodin, París.

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Père_Tanguy su abstract?

Retrato de Père Tanguy, pintado por Vincent van Gogh en 1887, es una de sus tres pinturas retratando a Julien Tanguy. Los tres trabajos muestran la progresión en el estilo artístico de Van Gogh después de su llegada a París. El primero es sombrío, y tiene una composición sencilla. El segundo introduce las impresiones japonesas propiedad de Van Gogh. El último y más adelantado en estilo, integra el elemento japonés, entonces una fuerte influencia en la comunidad artística parisina de vanguardia, con habilidad y color impresionista. Esta pintura transmite el sentimiento de serenidad que Van Gogh busca para él. Esta última pintura de Tanguy se encuentra en el Museo Rodin, París.

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: En Retrato_de_Père_Tanguy, ¿Cómo se discute la abstract?

Retrato de Père Tanguy, pintado por Vincent van Gogh en 1887, es una de sus tres pinturas retratando a Julien Tanguy. Los tres trabajos muestran la progresión en el estilo artístico de Van Gogh después de su llegada a París. El primero es sombrío, y tiene una composición sencilla. El segundo introduce las impresiones japonesas propiedad de Van Gogh. El último y más adelantado en estilo, integra el elemento japonés, entonces una fuerte influencia en la comunidad artística parisina de vanguardia, con habilidad y color impresionista. Esta pintura transmite el sentimiento de serenidad que Van Gogh busca para él. Esta última pintura de Tanguy se encuentra en el Museo Rodin, París.

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Père_Tanguy y explora la Van Gogh en París.

En 1886, Van Gogh dejó los Países Bajos para nunca regresar. Se traslada a París para vivir con su hermano Theo, que era marchante de arte. Vincent se introdujo en París como un hombre tímido y sombrío. Si bien su personalidad nunca cambiaría, entonces emergió artísticamente en lo que un crítico describió como un "pájaro cantando".[1] A pesar de que Van Gogh había sido influido por los grandes maestros en los Países Bajos, ir a París significaba quedar expuesto a los impresionistas, simbolistas, puntillistas, y el arte japonés. Su círculo de amigos incluiría a Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Émile Bernard, Paul Signac, y otros. Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influenciaron en gran medida a Van Gogh, tanto por el tema como el estilo de patrones planos de colores sin sombra. En los dos años de 1886 a 1888 que trabajó en París, Van Gogh exploró variados géneros, creando su estilo propio único.[1]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Explora la Van Gogh en París de esta obra de arte, Retrato_de_Père_Tanguy.

En 1886, Van Gogh dejó los Países Bajos para nunca regresar. Se traslada a París para vivir con su hermano Theo, que era marchante de arte. Vincent se introdujo en París como un hombre tímido y sombrío. Si bien su personalidad nunca cambiaría, entonces emergió artísticamente en lo que un crítico describió como un "pájaro cantando".[1] A pesar de que Van Gogh había sido influido por los grandes maestros en los Países Bajos, ir a París significaba quedar expuesto a los impresionistas, simbolistas, puntillistas, y el arte japonés. Su círculo de amigos incluiría a Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Émile Bernard, Paul Signac, y otros. Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influenciaron en gran medida a Van Gogh, tanto por el tema como el estilo de patrones planos de colores sin sombra. En los dos años de 1886 a 1888 que trabajó en París, Van Gogh exploró variados géneros, creando su estilo propio único.[1]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Père_Tanguy su Van Gogh en París?

En 1886, Van Gogh dejó los Países Bajos para nunca regresar. Se traslada a París para vivir con su hermano Theo, que era marchante de arte. Vincent se introdujo en París como un hombre tímido y sombrío. Si bien su personalidad nunca cambiaría, entonces emergió artísticamente en lo que un crítico describió como un "pájaro cantando".[1] A pesar de que Van Gogh había sido influido por los grandes maestros en los Países Bajos, ir a París significaba quedar expuesto a los impresionistas, simbolistas, puntillistas, y el arte japonés. Su círculo de amigos incluiría a Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Émile Bernard, Paul Signac, y otros. Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influenciaron en gran medida a Van Gogh, tanto por el tema como el estilo de patrones planos de colores sin sombra. En los dos años de 1886 a 1888 que trabajó en París, Van Gogh exploró variados géneros, creando su estilo propio único.[1]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: En Retrato_de_Père_Tanguy, ¿Cómo se discute la Van Gogh en París?

En 1886, Van Gogh dejó los Países Bajos para nunca regresar. Se traslada a París para vivir con su hermano Theo, que era marchante de arte. Vincent se introdujo en París como un hombre tímido y sombrío. Si bien su personalidad nunca cambiaría, entonces emergió artísticamente en lo que un crítico describió como un "pájaro cantando".[1] A pesar de que Van Gogh había sido influido por los grandes maestros en los Países Bajos, ir a París significaba quedar expuesto a los impresionistas, simbolistas, puntillistas, y el arte japonés. Su círculo de amigos incluiría a Camille Pissarro, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Émile Bernard, Paul Signac, y otros. Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influenciaron en gran medida a Van Gogh, tanto por el tema como el estilo de patrones planos de colores sin sombra. En los dos años de 1886 a 1888 que trabajó en París, Van Gogh exploró variados géneros, creando su estilo propio único.[1]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Père_Tanguy y explora la La pintura.

La pintura de colores brillantes y el tema seguro representan un cambio en la actitud de Vincent.[2][3] Van Gogh llamó a su uso de colores brillantes "gimnasia" que a través de la experimentación creó gran profundidad, la armonía y el equilibrio en su trabajo.[3][4]  La pintura contiene un fondo de las impresiones japonesas de Van Gogh que eran vendidas en la tienda Tanguy.[3] En la parte superior tras el sombrero de Tanguy esta el Monte Fuji; actores de Kabuki comparten la pared con los cerezos en flor.[3][4][4]Las pinturas japonesas representan la búsqueda de Van Gogh de la serenidad, lo cual describe en una carta a su hermana durante este periodo, "Teniendo gran parte de esta serenidad posible, a pesar de que se sabe poco - nada - por cierto, es tal vez un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia."[2][3] En un esfuerzo por capturar la serenidad en su pintura, Van Gogh pinta a Tanguy con una calma, naturalmente contemplativa. La historiadora del Simbolismo Naomi Maurer lo describe como teniendo la "tranquilidad icónica de Buda."[3]Van Gogh murió en 1890, y Tanguy cuatro años después. Seguidamente a la muerte de Tanguy, su hija vendió el Retrato de Père Tanguy al escultor Auguste Rodin.[5] El Retrato de Père Tanguy, anteriormente en la colección personal de Rodin, esta en la colección permanente en Museo Rodin de París.[6]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Explora la La pintura de esta obra de arte, Retrato_de_Père_Tanguy.

La pintura de colores brillantes y el tema seguro representan un cambio en la actitud de Vincent.[2][3] Van Gogh llamó a su uso de colores brillantes "gimnasia" que a través de la experimentación creó gran profundidad, la armonía y el equilibrio en su trabajo.[3][4]  La pintura contiene un fondo de las impresiones japonesas de Van Gogh que eran vendidas en la tienda Tanguy.[3] En la parte superior tras el sombrero de Tanguy esta el Monte Fuji; actores de Kabuki comparten la pared con los cerezos en flor.[3][4][4]Las pinturas japonesas representan la búsqueda de Van Gogh de la serenidad, lo cual describe en una carta a su hermana durante este periodo, "Teniendo gran parte de esta serenidad posible, a pesar de que se sabe poco - nada - por cierto, es tal vez un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia."[2][3] En un esfuerzo por capturar la serenidad en su pintura, Van Gogh pinta a Tanguy con una calma, naturalmente contemplativa. La historiadora del Simbolismo Naomi Maurer lo describe como teniendo la "tranquilidad icónica de Buda."[3]Van Gogh murió en 1890, y Tanguy cuatro años después. Seguidamente a la muerte de Tanguy, su hija vendió el Retrato de Père Tanguy al escultor Auguste Rodin.[5] El Retrato de Père Tanguy, anteriormente en la colección personal de Rodin, esta en la colección permanente en Museo Rodin de París.[6]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Père_Tanguy su La pintura?

La pintura de colores brillantes y el tema seguro representan un cambio en la actitud de Vincent.[2][3] Van Gogh llamó a su uso de colores brillantes "gimnasia" que a través de la experimentación creó gran profundidad, la armonía y el equilibrio en su trabajo.[3][4]  La pintura contiene un fondo de las impresiones japonesas de Van Gogh que eran vendidas en la tienda Tanguy.[3] En la parte superior tras el sombrero de Tanguy esta el Monte Fuji; actores de Kabuki comparten la pared con los cerezos en flor.[3][4][4]Las pinturas japonesas representan la búsqueda de Van Gogh de la serenidad, lo cual describe en una carta a su hermana durante este periodo, "Teniendo gran parte de esta serenidad posible, a pesar de que se sabe poco - nada - por cierto, es tal vez un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia."[2][3] En un esfuerzo por capturar la serenidad en su pintura, Van Gogh pinta a Tanguy con una calma, naturalmente contemplativa. La historiadora del Simbolismo Naomi Maurer lo describe como teniendo la "tranquilidad icónica de Buda."[3]Van Gogh murió en 1890, y Tanguy cuatro años después. Seguidamente a la muerte de Tanguy, su hija vendió el Retrato de Père Tanguy al escultor Auguste Rodin.[5] El Retrato de Père Tanguy, anteriormente en la colección personal de Rodin, esta en la colección permanente en Museo Rodin de París.[6]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: En Retrato_de_Père_Tanguy, ¿Cómo se discute la La pintura?

La pintura de colores brillantes y el tema seguro representan un cambio en la actitud de Vincent.[2][3] Van Gogh llamó a su uso de colores brillantes "gimnasia" que a través de la experimentación creó gran profundidad, la armonía y el equilibrio en su trabajo.[3][4]  La pintura contiene un fondo de las impresiones japonesas de Van Gogh que eran vendidas en la tienda Tanguy.[3] En la parte superior tras el sombrero de Tanguy esta el Monte Fuji; actores de Kabuki comparten la pared con los cerezos en flor.[3][4][4]Las pinturas japonesas representan la búsqueda de Van Gogh de la serenidad, lo cual describe en una carta a su hermana durante este periodo, "Teniendo gran parte de esta serenidad posible, a pesar de que se sabe poco - nada - por cierto, es tal vez un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia."[2][3] En un esfuerzo por capturar la serenidad en su pintura, Van Gogh pinta a Tanguy con una calma, naturalmente contemplativa. La historiadora del Simbolismo Naomi Maurer lo describe como teniendo la "tranquilidad icónica de Buda."[3]Van Gogh murió en 1890, y Tanguy cuatro años después. Seguidamente a la muerte de Tanguy, su hija vendió el Retrato de Père Tanguy al escultor Auguste Rodin.[5] El Retrato de Père Tanguy, anteriormente en la colección personal de Rodin, esta en la colección permanente en Museo Rodin de París.[6]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Père_Tanguy y explora la Julien Tanguy.

Julien François Tanguy (1825, Plédran - 1894, París) era un vendedor de pinturas, suministros de arte y marchante de arte, y uno de los primeros en ofrecer las pinturas de Van Gogh a la venta.[7][8] Su actitud jovial y entusiasmo por el arte y los artistas hicieron de su tienda una de las más favorecidas en París, y fue apodado Père ("Padre") Tanguy.[7] Maurer decía que Tanguy era un padre que compartió su alimento y dinero con los artistas jóvenes y mostraba sus pinturas con orgullo.[3]Tanguy tomó pinturas como pago de otras, lo cual, según dijo Émile Bernard fue introduciéndolas en su tienda en Montmartre, llenándola de pinturas impresionistas, como "visitar un museo".[3][7][4] En comparación con su marido, la mujer de Tanguy era menos cooperativa y más preocupada con la clientela que en pagar cargos excepcionales.[4] Cuándo Tanguy murió, sus amigos realizaron una subasta en beneficio de su viuda.[7]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Explora la Julien Tanguy de esta obra de arte, Retrato_de_Père_Tanguy.

Julien François Tanguy (1825, Plédran - 1894, París) era un vendedor de pinturas, suministros de arte y marchante de arte, y uno de los primeros en ofrecer las pinturas de Van Gogh a la venta.[7][8] Su actitud jovial y entusiasmo por el arte y los artistas hicieron de su tienda una de las más favorecidas en París, y fue apodado Père ("Padre") Tanguy.[7] Maurer decía que Tanguy era un padre que compartió su alimento y dinero con los artistas jóvenes y mostraba sus pinturas con orgullo.[3]Tanguy tomó pinturas como pago de otras, lo cual, según dijo Émile Bernard fue introduciéndolas en su tienda en Montmartre, llenándola de pinturas impresionistas, como "visitar un museo".[3][7][4] En comparación con su marido, la mujer de Tanguy era menos cooperativa y más preocupada con la clientela que en pagar cargos excepcionales.[4] Cuándo Tanguy murió, sus amigos realizaron una subasta en beneficio de su viuda.[7]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Père_Tanguy su Julien Tanguy?

Julien François Tanguy (1825, Plédran - 1894, París) era un vendedor de pinturas, suministros de arte y marchante de arte, y uno de los primeros en ofrecer las pinturas de Van Gogh a la venta.[7][8] Su actitud jovial y entusiasmo por el arte y los artistas hicieron de su tienda una de las más favorecidas en París, y fue apodado Père ("Padre") Tanguy.[7] Maurer decía que Tanguy era un padre que compartió su alimento y dinero con los artistas jóvenes y mostraba sus pinturas con orgullo.[3]Tanguy tomó pinturas como pago de otras, lo cual, según dijo Émile Bernard fue introduciéndolas en su tienda en Montmartre, llenándola de pinturas impresionistas, como "visitar un museo".[3][7][4] En comparación con su marido, la mujer de Tanguy era menos cooperativa y más preocupada con la clientela que en pagar cargos excepcionales.[4] Cuándo Tanguy murió, sus amigos realizaron una subasta en beneficio de su viuda.[7]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: En Retrato_de_Père_Tanguy, ¿Cómo se discute la Julien Tanguy?

Julien François Tanguy (1825, Plédran - 1894, París) era un vendedor de pinturas, suministros de arte y marchante de arte, y uno de los primeros en ofrecer las pinturas de Van Gogh a la venta.[7][8] Su actitud jovial y entusiasmo por el arte y los artistas hicieron de su tienda una de las más favorecidas en París, y fue apodado Père ("Padre") Tanguy.[7] Maurer decía que Tanguy era un padre que compartió su alimento y dinero con los artistas jóvenes y mostraba sus pinturas con orgullo.[3]Tanguy tomó pinturas como pago de otras, lo cual, según dijo Émile Bernard fue introduciéndolas en su tienda en Montmartre, llenándola de pinturas impresionistas, como "visitar un museo".[3][7][4] En comparación con su marido, la mujer de Tanguy era menos cooperativa y más preocupada con la clientela que en pagar cargos excepcionales.[4] Cuándo Tanguy murió, sus amigos realizaron una subasta en beneficio de su viuda.[7]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Père_Tanguy y explora la Tres retratos de Julien Tanguy.

Van Gogh pintó tres retratos de Julien (Père) Tanguy.En el invierno de 1886 a 1887, van Gogh pintó su primer retrato de Tanguy.[9] Es en su mayoría en un tono café, con un toque de rojo en sus labios y verde en su delantal. La escritora Victoria Finlay lo describe como si se viera más como un trabajador que como un comerciante de arte.[4]En 1887, van Gogh empezó a experimentar con colores más  claros, como el rojo combinado con el verde, y el naranja con el azul.[4] Las otras dos pinturas lo muestran sentado frente a una pared coloreada con impresiones japonesas.[4] La segunda pintura, a la derecha, fue pintada por van Gogh en un sesión de treinta minutos,[2] y Tanguy conservó la obra.[2][4] El actor Edward G. Robinson y su esposa Gladys Lloyd Robinson, una pintora, fueron dueños de la pintura después,[10] la cual vendieron al magnate naviero griego, Stavros Niarchos.[11]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: Explora la Tres retratos de Julien Tanguy de esta obra de arte, Retrato_de_Père_Tanguy.

Van Gogh pintó tres retratos de Julien (Père) Tanguy.En el invierno de 1886 a 1887, van Gogh pintó su primer retrato de Tanguy.[9] Es en su mayoría en un tono café, con un toque de rojo en sus labios y verde en su delantal. La escritora Victoria Finlay lo describe como si se viera más como un trabajador que como un comerciante de arte.[4]En 1887, van Gogh empezó a experimentar con colores más  claros, como el rojo combinado con el verde, y el naranja con el azul.[4] Las otras dos pinturas lo muestran sentado frente a una pared coloreada con impresiones japonesas.[4] La segunda pintura, a la derecha, fue pintada por van Gogh en un sesión de treinta minutos,[2] y Tanguy conservó la obra.[2][4] El actor Edward G. Robinson y su esposa Gladys Lloyd Robinson, una pintora, fueron dueños de la pintura después,[10] la cual vendieron al magnate naviero griego, Stavros Niarchos.[11]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Père_Tanguy su Tres retratos de Julien Tanguy?

Van Gogh pintó tres retratos de Julien (Père) Tanguy.En el invierno de 1886 a 1887, van Gogh pintó su primer retrato de Tanguy.[9] Es en su mayoría en un tono café, con un toque de rojo en sus labios y verde en su delantal. La escritora Victoria Finlay lo describe como si se viera más como un trabajador que como un comerciante de arte.[4]En 1887, van Gogh empezó a experimentar con colores más  claros, como el rojo combinado con el verde, y el naranja con el azul.[4] Las otras dos pinturas lo muestran sentado frente a una pared coloreada con impresiones japonesas.[4] La segunda pintura, a la derecha, fue pintada por van Gogh en un sesión de treinta minutos,[2] y Tanguy conservó la obra.[2][4] El actor Edward G. Robinson y su esposa Gladys Lloyd Robinson, una pintora, fueron dueños de la pintura después,[10] la cual vendieron al magnate naviero griego, Stavros Niarchos.[11]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Retrato_de_Père_Tanguy

Prompt: En Retrato_de_Père_Tanguy, ¿Cómo se discute la Tres retratos de Julien Tanguy?

Van Gogh pintó tres retratos de Julien (Père) Tanguy.En el invierno de 1886 a 1887, van Gogh pintó su primer retrato de Tanguy.[9] Es en su mayoría en un tono café, con un toque de rojo en sus labios y verde en su delantal. La escritora Victoria Finlay lo describe como si se viera más como un trabajador que como un comerciante de arte.[4]En 1887, van Gogh empezó a experimentar con colores más  claros, como el rojo combinado con el verde, y el naranja con el azul.[4] Las otras dos pinturas lo muestran sentado frente a una pared coloreada con impresiones japonesas.[4] La segunda pintura, a la derecha, fue pintada por van Gogh en un sesión de treinta minutos,[2] y Tanguy conservó la obra.[2][4] El actor Edward G. Robinson y su esposa Gladys Lloyd Robinson, una pintora, fueron dueños de la pintura después,[10] la cual vendieron al magnate naviero griego, Stavros Niarchos.[11]

Archivo:Van Gogh - Portrait of Pere Tanguy 1887-8.JPG


Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Concéntrate en Cien_famosas_vistas_de_Edo y explora la abstract.

Cien famosas vistas de Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei?) consiste en una serie de grabados realizados por el pintor japonés Utagawa Hiroshige entre 1856 y 1858. A pesar del título de la obra, que indica una cantidad de 100 trabajos, en total se cuentan 119 grabados, confeccionados todos ellos mediante la técnica de la xilografía (grabado en madera). La colección pertenece al estilo ukiyo-e, un género de grabados sobre temas populares destinados a la clase media urbana japonesa que se desarrolló en el Período Edo (1603-1868). Algunas de las estampas fueron finalizadas por su discípulo, Utagawa Hiroshige II, que durante un tiempo usó dicho seudónimo para firmar algunas de sus obras y que además era también hijo adoptivo del maestro.Hiroshige fue un gran paisajista, uno de los mejores de su tiempo, plasmando en imágenes de forma lírica y emotiva los lugares más bellos y renombrados de Japón, especialmente de su capital, Edo —actual Tokio—. En esta serie de obras presentó a los lugares más emblemáticos de la ciudad, recientemente reconstruida tras un devastador terremoto acaecido en 1855. Sin embargo, Hiroshige no mostró los efectos de la destrucción, sino que mostró la urbe de forma idealizada y optimista, pretendiendo infundir a la población un estado de ánimo vitalista y jovial. Al mismo tiempo, la serie ofrecía al público un aspecto de actualidad, de gaceta donde vislumbrar las novedades en la reconstrucción de la ciudad. Las estampas presentan también escenas sociales, ritos y costumbres de la población local, aunando el paisaje con la descripción pormenorizada de personas y ambientes locales de gran diversidad.[1]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Archivo:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Archivo:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg


Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Cien_famosas_vistas_de_Edo.

Cien famosas vistas de Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei?) consiste en una serie de grabados realizados por el pintor japonés Utagawa Hiroshige entre 1856 y 1858. A pesar del título de la obra, que indica una cantidad de 100 trabajos, en total se cuentan 119 grabados, confeccionados todos ellos mediante la técnica de la xilografía (grabado en madera). La colección pertenece al estilo ukiyo-e, un género de grabados sobre temas populares destinados a la clase media urbana japonesa que se desarrolló en el Período Edo (1603-1868). Algunas de las estampas fueron finalizadas por su discípulo, Utagawa Hiroshige II, que durante un tiempo usó dicho seudónimo para firmar algunas de sus obras y que además era también hijo adoptivo del maestro.Hiroshige fue un gran paisajista, uno de los mejores de su tiempo, plasmando en imágenes de forma lírica y emotiva los lugares más bellos y renombrados de Japón, especialmente de su capital, Edo —actual Tokio—. En esta serie de obras presentó a los lugares más emblemáticos de la ciudad, recientemente reconstruida tras un devastador terremoto acaecido en 1855. Sin embargo, Hiroshige no mostró los efectos de la destrucción, sino que mostró la urbe de forma idealizada y optimista, pretendiendo infundir a la población un estado de ánimo vitalista y jovial. Al mismo tiempo, la serie ofrecía al público un aspecto de actualidad, de gaceta donde vislumbrar las novedades en la reconstrucción de la ciudad. Las estampas presentan también escenas sociales, ritos y costumbres de la población local, aunando el paisaje con la descripción pormenorizada de personas y ambientes locales de gran diversidad.[1]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: ¿Cómo aclara Cien_famosas_vistas_de_Edo su abstract?

Cien famosas vistas de Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei?) consiste en una serie de grabados realizados por el pintor japonés Utagawa Hiroshige entre 1856 y 1858. A pesar del título de la obra, que indica una cantidad de 100 trabajos, en total se cuentan 119 grabados, confeccionados todos ellos mediante la técnica de la xilografía (grabado en madera). La colección pertenece al estilo ukiyo-e, un género de grabados sobre temas populares destinados a la clase media urbana japonesa que se desarrolló en el Período Edo (1603-1868). Algunas de las estampas fueron finalizadas por su discípulo, Utagawa Hiroshige II, que durante un tiempo usó dicho seudónimo para firmar algunas de sus obras y que además era también hijo adoptivo del maestro.Hiroshige fue un gran paisajista, uno de los mejores de su tiempo, plasmando en imágenes de forma lírica y emotiva los lugares más bellos y renombrados de Japón, especialmente de su capital, Edo —actual Tokio—. En esta serie de obras presentó a los lugares más emblemáticos de la ciudad, recientemente reconstruida tras un devastador terremoto acaecido en 1855. Sin embargo, Hiroshige no mostró los efectos de la destrucción, sino que mostró la urbe de forma idealizada y optimista, pretendiendo infundir a la población un estado de ánimo vitalista y jovial. Al mismo tiempo, la serie ofrecía al público un aspecto de actualidad, de gaceta donde vislumbrar las novedades en la reconstrucción de la ciudad. Las estampas presentan también escenas sociales, ritos y costumbres de la población local, aunando el paisaje con la descripción pormenorizada de personas y ambientes locales de gran diversidad.[1]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

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Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

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Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: En Cien_famosas_vistas_de_Edo, ¿Cómo se discute la abstract?

Cien famosas vistas de Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei?) consiste en una serie de grabados realizados por el pintor japonés Utagawa Hiroshige entre 1856 y 1858. A pesar del título de la obra, que indica una cantidad de 100 trabajos, en total se cuentan 119 grabados, confeccionados todos ellos mediante la técnica de la xilografía (grabado en madera). La colección pertenece al estilo ukiyo-e, un género de grabados sobre temas populares destinados a la clase media urbana japonesa que se desarrolló en el Período Edo (1603-1868). Algunas de las estampas fueron finalizadas por su discípulo, Utagawa Hiroshige II, que durante un tiempo usó dicho seudónimo para firmar algunas de sus obras y que además era también hijo adoptivo del maestro.Hiroshige fue un gran paisajista, uno de los mejores de su tiempo, plasmando en imágenes de forma lírica y emotiva los lugares más bellos y renombrados de Japón, especialmente de su capital, Edo —actual Tokio—. En esta serie de obras presentó a los lugares más emblemáticos de la ciudad, recientemente reconstruida tras un devastador terremoto acaecido en 1855. Sin embargo, Hiroshige no mostró los efectos de la destrucción, sino que mostró la urbe de forma idealizada y optimista, pretendiendo infundir a la población un estado de ánimo vitalista y jovial. Al mismo tiempo, la serie ofrecía al público un aspecto de actualidad, de gaceta donde vislumbrar las novedades en la reconstrucción de la ciudad. Las estampas presentan también escenas sociales, ritos y costumbres de la población local, aunando el paisaje con la descripción pormenorizada de personas y ambientes locales de gran diversidad.[1]

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Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Concéntrate en Cien_famosas_vistas_de_Edo y explora la Historia.

Durante el período Edo, Japón estuvo gobernado por el Shogunato Tokugawa, que cerró el país a todo contacto exterior a través del sakoku: los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos, expulsados. Este período supuso una etapa de paz y prosperidad tras las guerras civiles acaecidas en él durante los siglos XV y XVI: entre 1573 y 1603 (Período Azuchi-Momoyama), quedando unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, que eliminaron a los daimyō (señores de la guerra de origen feudal) y crearon un estado centralizado. La capital se estableció en Edo (江戸, estuario?) —el anterior nombre que recibía la ciudad de Tokio—, que creció con gran rapidez, especialmente tras su reconstrucción en 1657 debido a un gran incendio que la destruyó casi por completo. En 1725 era la ciudad más populosa del mundo, con más de un millón de habitantes. En el momento de la publicación de la serie de Hiroshige,  contaba con una población de casi dos millones de censados, así como con una superficie de unos 80 km² de extensión.[3]Edo se convirtió en el núcleo de una próspera clase media: pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y la artesanía, dando lugar a la aparición de una clase burguesa que fue creciendo en poder e influencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados, cerámica, lacas y productos textiles. Así, cobró un gran auge el grabado en madera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas. Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgió la impresión en color (nishiki-e).[4]

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Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

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''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Cien_famosas_vistas_de_Edo.

Durante el período Edo, Japón estuvo gobernado por el Shogunato Tokugawa, que cerró el país a todo contacto exterior a través del sakoku: los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos, expulsados. Este período supuso una etapa de paz y prosperidad tras las guerras civiles acaecidas en él durante los siglos XV y XVI: entre 1573 y 1603 (Período Azuchi-Momoyama), quedando unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, que eliminaron a los daimyō (señores de la guerra de origen feudal) y crearon un estado centralizado. La capital se estableció en Edo (江戸, estuario?) —el anterior nombre que recibía la ciudad de Tokio—, que creció con gran rapidez, especialmente tras su reconstrucción en 1657 debido a un gran incendio que la destruyó casi por completo. En 1725 era la ciudad más populosa del mundo, con más de un millón de habitantes. En el momento de la publicación de la serie de Hiroshige,  contaba con una población de casi dos millones de censados, así como con una superficie de unos 80 km² de extensión.[3]Edo se convirtió en el núcleo de una próspera clase media: pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y la artesanía, dando lugar a la aparición de una clase burguesa que fue creciendo en poder e influencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados, cerámica, lacas y productos textiles. Así, cobró un gran auge el grabado en madera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas. Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgió la impresión en color (nishiki-e).[4]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Archivo:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Archivo:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg


Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: ¿Cómo aclara Cien_famosas_vistas_de_Edo su Historia?

Durante el período Edo, Japón estuvo gobernado por el Shogunato Tokugawa, que cerró el país a todo contacto exterior a través del sakoku: los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos, expulsados. Este período supuso una etapa de paz y prosperidad tras las guerras civiles acaecidas en él durante los siglos XV y XVI: entre 1573 y 1603 (Período Azuchi-Momoyama), quedando unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, que eliminaron a los daimyō (señores de la guerra de origen feudal) y crearon un estado centralizado. La capital se estableció en Edo (江戸, estuario?) —el anterior nombre que recibía la ciudad de Tokio—, que creció con gran rapidez, especialmente tras su reconstrucción en 1657 debido a un gran incendio que la destruyó casi por completo. En 1725 era la ciudad más populosa del mundo, con más de un millón de habitantes. En el momento de la publicación de la serie de Hiroshige,  contaba con una población de casi dos millones de censados, así como con una superficie de unos 80 km² de extensión.[3]Edo se convirtió en el núcleo de una próspera clase media: pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y la artesanía, dando lugar a la aparición de una clase burguesa que fue creciendo en poder e influencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados, cerámica, lacas y productos textiles. Así, cobró un gran auge el grabado en madera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas. Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgió la impresión en color (nishiki-e).[4]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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