Virgen_de_Vladímir

Prompt: Concéntrate en Virgen_de_Vladímir y explora la abstract.

La Virgen de Vladímir, o Vladimirskaya, o el Ícono de Vladimir, es una advocación mariana de la Iglesia ortodoxa, más venerada y querida del pueblo ruso, representada en un ícono de principios del siglo XII, de origen bizantino,[1]y uno de los más célebres y venerados de Rusia.[2] Representa la protección de Rusia, y es denominada también como la "Virgen de Kiev", o “La Madre de Rusia” y "Reina de Ucrania" (en ucraniano: Вишгородська ікона Божої Матері).los zares se hacían coronar delante de ésta imagen[3].  Se llama así porque estuvo ubicada en la ciudad de Vladimir fundada por San Vladimir (958-1015) en Rusia, y desde 1930 se conserva en la Galería Tretiakov [4] en Moscú. Actualmente los peregrinos para venerar a la Virgen de Vladimir llegan de todos los países del mundo y son muy numerosos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

La Virgen de Vladímir, o Vladimirskaya, o el Ícono de Vladimir, es una advocación mariana de la Iglesia ortodoxa, más venerada y querida del pueblo ruso, representada en un ícono de principios del siglo XII, de origen bizantino,[1]y uno de los más célebres y venerados de Rusia.[2] Representa la protección de Rusia, y es denominada también como la "Virgen de Kiev", o “La Madre de Rusia” y "Reina de Ucrania" (en ucraniano: Вишгородська ікона Божої Матері).los zares se hacían coronar delante de ésta imagen[3].  Se llama así porque estuvo ubicada en la ciudad de Vladimir fundada por San Vladimir (958-1015) en Rusia, y desde 1930 se conserva en la Galería Tretiakov [4] en Moscú. Actualmente los peregrinos para venerar a la Virgen de Vladimir llegan de todos los países del mundo y son muy numerosos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: ¿Cómo aclara Virgen_de_Vladímir su abstract?

La Virgen de Vladímir, o Vladimirskaya, o el Ícono de Vladimir, es una advocación mariana de la Iglesia ortodoxa, más venerada y querida del pueblo ruso, representada en un ícono de principios del siglo XII, de origen bizantino,[1]y uno de los más célebres y venerados de Rusia.[2] Representa la protección de Rusia, y es denominada también como la "Virgen de Kiev", o “La Madre de Rusia” y "Reina de Ucrania" (en ucraniano: Вишгородська ікона Божої Матері).los zares se hacían coronar delante de ésta imagen[3].  Se llama así porque estuvo ubicada en la ciudad de Vladimir fundada por San Vladimir (958-1015) en Rusia, y desde 1930 se conserva en la Galería Tretiakov [4] en Moscú. Actualmente los peregrinos para venerar a la Virgen de Vladimir llegan de todos los países del mundo y son muy numerosos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se discute la abstract?

La Virgen de Vladímir, o Vladimirskaya, o el Ícono de Vladimir, es una advocación mariana de la Iglesia ortodoxa, más venerada y querida del pueblo ruso, representada en un ícono de principios del siglo XII, de origen bizantino,[1]y uno de los más célebres y venerados de Rusia.[2] Representa la protección de Rusia, y es denominada también como la "Virgen de Kiev", o “La Madre de Rusia” y "Reina de Ucrania" (en ucraniano: Вишгородська ікона Божої Матері).los zares se hacían coronar delante de ésta imagen[3].  Se llama así porque estuvo ubicada en la ciudad de Vladimir fundada por San Vladimir (958-1015) en Rusia, y desde 1930 se conserva en la Galería Tretiakov [4] en Moscú. Actualmente los peregrinos para venerar a la Virgen de Vladimir llegan de todos los países del mundo y son muy numerosos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En el contexto de Virgen_de_Vladímir, explora la Trayectoria y La historia del ícono.

El ícono bizantino llegó a Kiev después que Rus de Kiev, l antigua federación de tribus eslavas se hiciera cristiana en su totalidad en el año 988. En 1037, Yaroslav el Sabio el Gran Príncipe de Kiev, dedicó Ucrania a la Virgen María y desde entonces es la Reina de Urania. En 1131, Lukas Chrysoberges, el patriarca de Constantinopla (Bizancio) trasladó el icono al príncipe de Kiev[5] Yuri Dolgoruky, donde reinaba Mstislav I de Kiev, hijo de Volodymyr de la Rus de Kiev quien lo colocó el ícono con las monjas del convento Bogoródichny[6] en la ciudad de Výshgorod, que había sido la residencia favorita de Olga de Kiev. En 1155, el hijo de Yuri, el príncipe y santo (El piadoso) Andréi Bogoliubski se lo llevó a Vladímir, capital del Principado de Vladímir-Súzdal, a lo que se debe su nombre, Después en esa ciudad entre 1158 y 1560, se construyó la Catedral de la Asunción para que albergara el icono.[7]En el año 1480, el ícono de la Virgen regresó a Moscú y los moscovitas lo colocaron en la Catedral de la Dormición en el Kremlin en la parte izquierda de las grandes puertas del iconostasio, donde se conservó durante mucho tiempo. Desde 1930, el ícono de la Virgen de Vladímir ha estado en la Galería Estatal Tretyakov y después en el templo-museo de la galería Tretiakov de Moscú dedicada a Santa Catalina en 1999, donde cuenta con condiciones especiales para su conservación. En ciertas ocasiones es trasladada a la Catedral de la Dormición de Kremlin para las principales fiestas solemnes y días festivos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la Trayectoria sobre la La historia del ícono de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

El ícono bizantino llegó a Kiev después que Rus de Kiev, l antigua federación de tribus eslavas se hiciera cristiana en su totalidad en el año 988. En 1037, Yaroslav el Sabio el Gran Príncipe de Kiev, dedicó Ucrania a la Virgen María y desde entonces es la Reina de Urania. En 1131, Lukas Chrysoberges, el patriarca de Constantinopla (Bizancio) trasladó el icono al príncipe de Kiev[5] Yuri Dolgoruky, donde reinaba Mstislav I de Kiev, hijo de Volodymyr de la Rus de Kiev quien lo colocó el ícono con las monjas del convento Bogoródichny[6] en la ciudad de Výshgorod, que había sido la residencia favorita de Olga de Kiev. En 1155, el hijo de Yuri, el príncipe y santo (El piadoso) Andréi Bogoliubski se lo llevó a Vladímir, capital del Principado de Vladímir-Súzdal, a lo que se debe su nombre, Después en esa ciudad entre 1158 y 1560, se construyó la Catedral de la Asunción para que albergara el icono.[7]En el año 1480, el ícono de la Virgen regresó a Moscú y los moscovitas lo colocaron en la Catedral de la Dormición en el Kremlin en la parte izquierda de las grandes puertas del iconostasio, donde se conservó durante mucho tiempo. Desde 1930, el ícono de la Virgen de Vladímir ha estado en la Galería Estatal Tretyakov y después en el templo-museo de la galería Tretiakov de Moscú dedicada a Santa Catalina en 1999, donde cuenta con condiciones especiales para su conservación. En ciertas ocasiones es trasladada a la Catedral de la Dormición de Kremlin para las principales fiestas solemnes y días festivos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se aclara la Trayectoria de la La historia del ícono?

El ícono bizantino llegó a Kiev después que Rus de Kiev, l antigua federación de tribus eslavas se hiciera cristiana en su totalidad en el año 988. En 1037, Yaroslav el Sabio el Gran Príncipe de Kiev, dedicó Ucrania a la Virgen María y desde entonces es la Reina de Urania. En 1131, Lukas Chrysoberges, el patriarca de Constantinopla (Bizancio) trasladó el icono al príncipe de Kiev[5] Yuri Dolgoruky, donde reinaba Mstislav I de Kiev, hijo de Volodymyr de la Rus de Kiev quien lo colocó el ícono con las monjas del convento Bogoródichny[6] en la ciudad de Výshgorod, que había sido la residencia favorita de Olga de Kiev. En 1155, el hijo de Yuri, el príncipe y santo (El piadoso) Andréi Bogoliubski se lo llevó a Vladímir, capital del Principado de Vladímir-Súzdal, a lo que se debe su nombre, Después en esa ciudad entre 1158 y 1560, se construyó la Catedral de la Asunción para que albergara el icono.[7]En el año 1480, el ícono de la Virgen regresó a Moscú y los moscovitas lo colocaron en la Catedral de la Dormición en el Kremlin en la parte izquierda de las grandes puertas del iconostasio, donde se conservó durante mucho tiempo. Desde 1930, el ícono de la Virgen de Vladímir ha estado en la Galería Estatal Tretyakov y después en el templo-museo de la galería Tretiakov de Moscú dedicada a Santa Catalina en 1999, donde cuenta con condiciones especiales para su conservación. En ciertas ocasiones es trasladada a la Catedral de la Dormición de Kremlin para las principales fiestas solemnes y días festivos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Describe las características de la Trayectoria en la La historia del ícono de Virgen_de_Vladímir.

El ícono bizantino llegó a Kiev después que Rus de Kiev, l antigua federación de tribus eslavas se hiciera cristiana en su totalidad en el año 988. En 1037, Yaroslav el Sabio el Gran Príncipe de Kiev, dedicó Ucrania a la Virgen María y desde entonces es la Reina de Urania. En 1131, Lukas Chrysoberges, el patriarca de Constantinopla (Bizancio) trasladó el icono al príncipe de Kiev[5] Yuri Dolgoruky, donde reinaba Mstislav I de Kiev, hijo de Volodymyr de la Rus de Kiev quien lo colocó el ícono con las monjas del convento Bogoródichny[6] en la ciudad de Výshgorod, que había sido la residencia favorita de Olga de Kiev. En 1155, el hijo de Yuri, el príncipe y santo (El piadoso) Andréi Bogoliubski se lo llevó a Vladímir, capital del Principado de Vladímir-Súzdal, a lo que se debe su nombre, Después en esa ciudad entre 1158 y 1560, se construyó la Catedral de la Asunción para que albergara el icono.[7]En el año 1480, el ícono de la Virgen regresó a Moscú y los moscovitas lo colocaron en la Catedral de la Dormición en el Kremlin en la parte izquierda de las grandes puertas del iconostasio, donde se conservó durante mucho tiempo. Desde 1930, el ícono de la Virgen de Vladímir ha estado en la Galería Estatal Tretyakov y después en el templo-museo de la galería Tretiakov de Moscú dedicada a Santa Catalina en 1999, donde cuenta con condiciones especiales para su conservación. En ciertas ocasiones es trasladada a la Catedral de la Dormición de Kremlin para las principales fiestas solemnes y días festivos.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En el contexto de Virgen_de_Vladímir, explora la Los milagros y La historia del ícono.

En 1164, el ícono se hizo presente en la guerra y victoria contra los búlgaros en el Río Volga, donde lideraba el príncipe y santo Andrés Bogolyubsky. San Andrés l proclamó la Santa Patrona del territorio de Vladimir. Éste se salvó milagrosamente durante un incendio que devastó la Catedral de Vladimir el 13 de abril de 1185. Tampoco sufrió daños durante la devastación de la ciudad de Batyem el 7 de febrero de 1238. En 1395, durante el reinado de Basilio I de Moscú, ante la amenaza de invasión por las tropas del conquistador mongol Tamerlán, el icono fue trasladado a la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Según la leyenda, la Virgen se le apareció al Khan en un sueño, por lo cual Tamerlán se retiró de Moscú sin luchar. Tamerlán decidió no atacar Moscovia gracias a la protección de la Virgen, destruyendo en su lugar la ciudad de Yeléts.En el lugar de encuentro, con el icono, se fundó el Monasterio Sretensky y el ícono permaneció ahí. Otras dos liberaciones de los enemigos invasores, fueron logradas por su supuesta intercesión ante los ruegos de la virgen. La primera en 1451 contra los tártaros y la segunda en 1480 contra Khan Ahmat. Como homenaje a estos milagros, la Iglesia católica Ortodoxa Rusa celebra a la Virgen de Vladímir tres veces al año: el 3 de junio, el 6 de julio y el 8 de septiembre, fechas en que la virgen es extraída de su capilla de la galería Tretiakov en Moscú.[8]

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la Los milagros sobre la La historia del ícono de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

En 1164, el ícono se hizo presente en la guerra y victoria contra los búlgaros en el Río Volga, donde lideraba el príncipe y santo Andrés Bogolyubsky. San Andrés l proclamó la Santa Patrona del territorio de Vladimir. Éste se salvó milagrosamente durante un incendio que devastó la Catedral de Vladimir el 13 de abril de 1185. Tampoco sufrió daños durante la devastación de la ciudad de Batyem el 7 de febrero de 1238. En 1395, durante el reinado de Basilio I de Moscú, ante la amenaza de invasión por las tropas del conquistador mongol Tamerlán, el icono fue trasladado a la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Según la leyenda, la Virgen se le apareció al Khan en un sueño, por lo cual Tamerlán se retiró de Moscú sin luchar. Tamerlán decidió no atacar Moscovia gracias a la protección de la Virgen, destruyendo en su lugar la ciudad de Yeléts.En el lugar de encuentro, con el icono, se fundó el Monasterio Sretensky y el ícono permaneció ahí. Otras dos liberaciones de los enemigos invasores, fueron logradas por su supuesta intercesión ante los ruegos de la virgen. La primera en 1451 contra los tártaros y la segunda en 1480 contra Khan Ahmat. Como homenaje a estos milagros, la Iglesia católica Ortodoxa Rusa celebra a la Virgen de Vladímir tres veces al año: el 3 de junio, el 6 de julio y el 8 de septiembre, fechas en que la virgen es extraída de su capilla de la galería Tretiakov en Moscú.[8]

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se aclara la Los milagros de la La historia del ícono?

En 1164, el ícono se hizo presente en la guerra y victoria contra los búlgaros en el Río Volga, donde lideraba el príncipe y santo Andrés Bogolyubsky. San Andrés l proclamó la Santa Patrona del territorio de Vladimir. Éste se salvó milagrosamente durante un incendio que devastó la Catedral de Vladimir el 13 de abril de 1185. Tampoco sufrió daños durante la devastación de la ciudad de Batyem el 7 de febrero de 1238. En 1395, durante el reinado de Basilio I de Moscú, ante la amenaza de invasión por las tropas del conquistador mongol Tamerlán, el icono fue trasladado a la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Según la leyenda, la Virgen se le apareció al Khan en un sueño, por lo cual Tamerlán se retiró de Moscú sin luchar. Tamerlán decidió no atacar Moscovia gracias a la protección de la Virgen, destruyendo en su lugar la ciudad de Yeléts.En el lugar de encuentro, con el icono, se fundó el Monasterio Sretensky y el ícono permaneció ahí. Otras dos liberaciones de los enemigos invasores, fueron logradas por su supuesta intercesión ante los ruegos de la virgen. La primera en 1451 contra los tártaros y la segunda en 1480 contra Khan Ahmat. Como homenaje a estos milagros, la Iglesia católica Ortodoxa Rusa celebra a la Virgen de Vladímir tres veces al año: el 3 de junio, el 6 de julio y el 8 de septiembre, fechas en que la virgen es extraída de su capilla de la galería Tretiakov en Moscú.[8]

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Describe las características de la Los milagros en la La historia del ícono de Virgen_de_Vladímir.

En 1164, el ícono se hizo presente en la guerra y victoria contra los búlgaros en el Río Volga, donde lideraba el príncipe y santo Andrés Bogolyubsky. San Andrés l proclamó la Santa Patrona del territorio de Vladimir. Éste se salvó milagrosamente durante un incendio que devastó la Catedral de Vladimir el 13 de abril de 1185. Tampoco sufrió daños durante la devastación de la ciudad de Batyem el 7 de febrero de 1238. En 1395, durante el reinado de Basilio I de Moscú, ante la amenaza de invasión por las tropas del conquistador mongol Tamerlán, el icono fue trasladado a la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Según la leyenda, la Virgen se le apareció al Khan en un sueño, por lo cual Tamerlán se retiró de Moscú sin luchar. Tamerlán decidió no atacar Moscovia gracias a la protección de la Virgen, destruyendo en su lugar la ciudad de Yeléts.En el lugar de encuentro, con el icono, se fundó el Monasterio Sretensky y el ícono permaneció ahí. Otras dos liberaciones de los enemigos invasores, fueron logradas por su supuesta intercesión ante los ruegos de la virgen. La primera en 1451 contra los tártaros y la segunda en 1480 contra Khan Ahmat. Como homenaje a estos milagros, la Iglesia católica Ortodoxa Rusa celebra a la Virgen de Vladímir tres veces al año: el 3 de junio, el 6 de julio y el 8 de septiembre, fechas en que la virgen es extraída de su capilla de la galería Tretiakov en Moscú.[8]

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Concéntrate en Virgen_de_Vladímir y explora la El ícono.

Dos versiones hay sobre el autor del icono, una dice que fue san Lucas evangelista y otra que se pintó hacia el año 1120. El icono está pintado en tablas con la técnica del temple, usando pintura mineral y vegetal muy consistente, disuelta en yema de huevo. El ícono de la Virgen de Vladímir tiene dos particularidades: estar pintado de ambas caras y que el Niño Jesús, tiene su pierna izquierda doblada, mostrando así la planta del pie. El marco es de madera de tilo. La pintura fue en madera de 3 centímetros de grosor y que originalmente era de 55 x 78 y después fue de 70 x 104 centímetros, después de 4 intervenciones para su embellecimiento. La primera a inicios del siglo XII, la segunda para el siglo XVI (1514) por Andréi Rublio quien la aumento a las últimas dimensiones, pintó el reverso con todos sus símbolos, la tercera en el siglo XVII, (1674) y la cuarta en el siglo XIX (1896). Siglos después la imagen fue cubierta con de oro macizo decorada con piedras preciosas que cubrían gran parte del ícono. Las capas más antiguas de pintura se conservaron principalmente en los rostros de la Virgen y del Niño. Casi todo lo demás es pintura posterior de los siglos XIII al XVI.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la El ícono de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

Dos versiones hay sobre el autor del icono, una dice que fue san Lucas evangelista y otra que se pintó hacia el año 1120. El icono está pintado en tablas con la técnica del temple, usando pintura mineral y vegetal muy consistente, disuelta en yema de huevo. El ícono de la Virgen de Vladímir tiene dos particularidades: estar pintado de ambas caras y que el Niño Jesús, tiene su pierna izquierda doblada, mostrando así la planta del pie. El marco es de madera de tilo. La pintura fue en madera de 3 centímetros de grosor y que originalmente era de 55 x 78 y después fue de 70 x 104 centímetros, después de 4 intervenciones para su embellecimiento. La primera a inicios del siglo XII, la segunda para el siglo XVI (1514) por Andréi Rublio quien la aumento a las últimas dimensiones, pintó el reverso con todos sus símbolos, la tercera en el siglo XVII, (1674) y la cuarta en el siglo XIX (1896). Siglos después la imagen fue cubierta con de oro macizo decorada con piedras preciosas que cubrían gran parte del ícono. Las capas más antiguas de pintura se conservaron principalmente en los rostros de la Virgen y del Niño. Casi todo lo demás es pintura posterior de los siglos XIII al XVI.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: ¿Cómo aclara Virgen_de_Vladímir su El ícono?

Dos versiones hay sobre el autor del icono, una dice que fue san Lucas evangelista y otra que se pintó hacia el año 1120. El icono está pintado en tablas con la técnica del temple, usando pintura mineral y vegetal muy consistente, disuelta en yema de huevo. El ícono de la Virgen de Vladímir tiene dos particularidades: estar pintado de ambas caras y que el Niño Jesús, tiene su pierna izquierda doblada, mostrando así la planta del pie. El marco es de madera de tilo. La pintura fue en madera de 3 centímetros de grosor y que originalmente era de 55 x 78 y después fue de 70 x 104 centímetros, después de 4 intervenciones para su embellecimiento. La primera a inicios del siglo XII, la segunda para el siglo XVI (1514) por Andréi Rublio quien la aumento a las últimas dimensiones, pintó el reverso con todos sus símbolos, la tercera en el siglo XVII, (1674) y la cuarta en el siglo XIX (1896). Siglos después la imagen fue cubierta con de oro macizo decorada con piedras preciosas que cubrían gran parte del ícono. Las capas más antiguas de pintura se conservaron principalmente en los rostros de la Virgen y del Niño. Casi todo lo demás es pintura posterior de los siglos XIII al XVI.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se discute la El ícono?

Dos versiones hay sobre el autor del icono, una dice que fue san Lucas evangelista y otra que se pintó hacia el año 1120. El icono está pintado en tablas con la técnica del temple, usando pintura mineral y vegetal muy consistente, disuelta en yema de huevo. El ícono de la Virgen de Vladímir tiene dos particularidades: estar pintado de ambas caras y que el Niño Jesús, tiene su pierna izquierda doblada, mostrando así la planta del pie. El marco es de madera de tilo. La pintura fue en madera de 3 centímetros de grosor y que originalmente era de 55 x 78 y después fue de 70 x 104 centímetros, después de 4 intervenciones para su embellecimiento. La primera a inicios del siglo XII, la segunda para el siglo XVI (1514) por Andréi Rublio quien la aumento a las últimas dimensiones, pintó el reverso con todos sus símbolos, la tercera en el siglo XVII, (1674) y la cuarta en el siglo XIX (1896). Siglos después la imagen fue cubierta con de oro macizo decorada con piedras preciosas que cubrían gran parte del ícono. Las capas más antiguas de pintura se conservaron principalmente en los rostros de la Virgen y del Niño. Casi todo lo demás es pintura posterior de los siglos XIII al XVI.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En el contexto de Virgen_de_Vladímir, explora la Anverso y El ícono.

Al frente, la pintura es del estilo bizantino. Las figuras de María y del Niño Jesús se hallan unidas por la suave línea del contorno. El rostro de la madre, cariñoso y severo al mismo tiempo, está pincelado con finura y delicadeza sorprendentes, los cambios de color son casi imperceptibles. Resaltan sus ojos grandes, llenos de profunda pena e inmensa angustia por el destino de su hijo.La virgen María, está con orgullo maternal, cubierta con un manto de color púrpura obscuro, con mangas adornadas por filamentos dorados que cubre su cabeza y muestra tres estrellas, (de las que sólo muestra dos) en referencia a la santísima trinidad y a los tres momentos de la virginidad perpetua de la virgen, antes, durante y después de parto; así mismo está sosteniendo al niño Dios en su brazos derecho, a la vez que su mano izquierda presenta al niño que la abraza por el cuello acercando sus caras inclinadas, hasta tocarse  una a la otra a la altura de las mejillas donde hacen contacto; la Madre abraza tierna pero fuertemente al niño. A esto en griego se denomina Eleousa, que significa ternura y misericordia.[7] La imagen de "La Virgen de Vladímir" fue muy popular en la Rusia Antigua. Los maestros rusos crearon numerosas obras tomando como modelo este icono donde el Niño se aprieta a la mejilla de su madre en muda caricia, en la iconografía rusa este modo de presentar a la Virgen lleva el nombre de "La Ternura", Eleusa. Se la considera «la Virgen de la compasión».[4]Al principio del siglo XX la cubierta de oro, fue confiscada por los bolcheviques. Por otro lado, las cubiertas sobrevivientes están separadas del icono en la Armería de Moscú. En 1919 el ícono volvió a ser intervenido para rescatar los elementos originales por restauradores rusos, quien al frente de AI. Anisimov,[9] documentó el proceso.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la Anverso sobre la El ícono de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

Al frente, la pintura es del estilo bizantino. Las figuras de María y del Niño Jesús se hallan unidas por la suave línea del contorno. El rostro de la madre, cariñoso y severo al mismo tiempo, está pincelado con finura y delicadeza sorprendentes, los cambios de color son casi imperceptibles. Resaltan sus ojos grandes, llenos de profunda pena e inmensa angustia por el destino de su hijo.La virgen María, está con orgullo maternal, cubierta con un manto de color púrpura obscuro, con mangas adornadas por filamentos dorados que cubre su cabeza y muestra tres estrellas, (de las que sólo muestra dos) en referencia a la santísima trinidad y a los tres momentos de la virginidad perpetua de la virgen, antes, durante y después de parto; así mismo está sosteniendo al niño Dios en su brazos derecho, a la vez que su mano izquierda presenta al niño que la abraza por el cuello acercando sus caras inclinadas, hasta tocarse  una a la otra a la altura de las mejillas donde hacen contacto; la Madre abraza tierna pero fuertemente al niño. A esto en griego se denomina Eleousa, que significa ternura y misericordia.[7] La imagen de "La Virgen de Vladímir" fue muy popular en la Rusia Antigua. Los maestros rusos crearon numerosas obras tomando como modelo este icono donde el Niño se aprieta a la mejilla de su madre en muda caricia, en la iconografía rusa este modo de presentar a la Virgen lleva el nombre de "La Ternura", Eleusa. Se la considera «la Virgen de la compasión».[4]Al principio del siglo XX la cubierta de oro, fue confiscada por los bolcheviques. Por otro lado, las cubiertas sobrevivientes están separadas del icono en la Armería de Moscú. En 1919 el ícono volvió a ser intervenido para rescatar los elementos originales por restauradores rusos, quien al frente de AI. Anisimov,[9] documentó el proceso.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se aclara la Anverso de la El ícono?

Al frente, la pintura es del estilo bizantino. Las figuras de María y del Niño Jesús se hallan unidas por la suave línea del contorno. El rostro de la madre, cariñoso y severo al mismo tiempo, está pincelado con finura y delicadeza sorprendentes, los cambios de color son casi imperceptibles. Resaltan sus ojos grandes, llenos de profunda pena e inmensa angustia por el destino de su hijo.La virgen María, está con orgullo maternal, cubierta con un manto de color púrpura obscuro, con mangas adornadas por filamentos dorados que cubre su cabeza y muestra tres estrellas, (de las que sólo muestra dos) en referencia a la santísima trinidad y a los tres momentos de la virginidad perpetua de la virgen, antes, durante y después de parto; así mismo está sosteniendo al niño Dios en su brazos derecho, a la vez que su mano izquierda presenta al niño que la abraza por el cuello acercando sus caras inclinadas, hasta tocarse  una a la otra a la altura de las mejillas donde hacen contacto; la Madre abraza tierna pero fuertemente al niño. A esto en griego se denomina Eleousa, que significa ternura y misericordia.[7] La imagen de "La Virgen de Vladímir" fue muy popular en la Rusia Antigua. Los maestros rusos crearon numerosas obras tomando como modelo este icono donde el Niño se aprieta a la mejilla de su madre en muda caricia, en la iconografía rusa este modo de presentar a la Virgen lleva el nombre de "La Ternura", Eleusa. Se la considera «la Virgen de la compasión».[4]Al principio del siglo XX la cubierta de oro, fue confiscada por los bolcheviques. Por otro lado, las cubiertas sobrevivientes están separadas del icono en la Armería de Moscú. En 1919 el ícono volvió a ser intervenido para rescatar los elementos originales por restauradores rusos, quien al frente de AI. Anisimov,[9] documentó el proceso.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Describe las características de la Anverso en la El ícono de Virgen_de_Vladímir.

Al frente, la pintura es del estilo bizantino. Las figuras de María y del Niño Jesús se hallan unidas por la suave línea del contorno. El rostro de la madre, cariñoso y severo al mismo tiempo, está pincelado con finura y delicadeza sorprendentes, los cambios de color son casi imperceptibles. Resaltan sus ojos grandes, llenos de profunda pena e inmensa angustia por el destino de su hijo.La virgen María, está con orgullo maternal, cubierta con un manto de color púrpura obscuro, con mangas adornadas por filamentos dorados que cubre su cabeza y muestra tres estrellas, (de las que sólo muestra dos) en referencia a la santísima trinidad y a los tres momentos de la virginidad perpetua de la virgen, antes, durante y después de parto; así mismo está sosteniendo al niño Dios en su brazos derecho, a la vez que su mano izquierda presenta al niño que la abraza por el cuello acercando sus caras inclinadas, hasta tocarse  una a la otra a la altura de las mejillas donde hacen contacto; la Madre abraza tierna pero fuertemente al niño. A esto en griego se denomina Eleousa, que significa ternura y misericordia.[7] La imagen de "La Virgen de Vladímir" fue muy popular en la Rusia Antigua. Los maestros rusos crearon numerosas obras tomando como modelo este icono donde el Niño se aprieta a la mejilla de su madre en muda caricia, en la iconografía rusa este modo de presentar a la Virgen lleva el nombre de "La Ternura", Eleusa. Se la considera «la Virgen de la compasión».[4]Al principio del siglo XX la cubierta de oro, fue confiscada por los bolcheviques. Por otro lado, las cubiertas sobrevivientes están separadas del icono en la Armería de Moscú. En 1919 el ícono volvió a ser intervenido para rescatar los elementos originales por restauradores rusos, quien al frente de AI. Anisimov,[9] documentó el proceso.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En el contexto de Virgen_de_Vladímir, explora la Reverso y El ícono.

La pintura del reverso, cuenta una cruz, se ven clavos, la corona de espinas y una paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, y una Biblia, sobre una mesa cubierta con tela roja, con los bordes oscuros en el cual que significa un trono que se le ha preparado para la Segunda Venida de Jesucristo, y juzgar a vivos y muertos. También se aprecia la lanza, la esponja, la caña utilizado para acercar la esponja a la boca de Jesús en su crucifixión, y que se le ofreció para saciar su sed, todo dentro de un marco pintado en color dorado.[8]La Virgen de Vladímir fue muy venerada en Rusia donde se le dio el sobrenombre de “Madre de Rusia” y ante ella, como protectora del país, era coronado el zar y consagrados los patriarcas.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Explora la Reverso sobre la El ícono de esta obra de arte, Virgen_de_Vladímir.

La pintura del reverso, cuenta una cruz, se ven clavos, la corona de espinas y una paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, y una Biblia, sobre una mesa cubierta con tela roja, con los bordes oscuros en el cual que significa un trono que se le ha preparado para la Segunda Venida de Jesucristo, y juzgar a vivos y muertos. También se aprecia la lanza, la esponja, la caña utilizado para acercar la esponja a la boca de Jesús en su crucifixión, y que se le ofreció para saciar su sed, todo dentro de un marco pintado en color dorado.[8]La Virgen de Vladímir fue muy venerada en Rusia donde se le dio el sobrenombre de “Madre de Rusia” y ante ella, como protectora del país, era coronado el zar y consagrados los patriarcas.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: En Virgen_de_Vladímir, ¿Cómo se aclara la Reverso de la El ícono?

La pintura del reverso, cuenta una cruz, se ven clavos, la corona de espinas y una paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, y una Biblia, sobre una mesa cubierta con tela roja, con los bordes oscuros en el cual que significa un trono que se le ha preparado para la Segunda Venida de Jesucristo, y juzgar a vivos y muertos. También se aprecia la lanza, la esponja, la caña utilizado para acercar la esponja a la boca de Jesús en su crucifixión, y que se le ofreció para saciar su sed, todo dentro de un marco pintado en color dorado.[8]La Virgen de Vladímir fue muy venerada en Rusia donde se le dio el sobrenombre de “Madre de Rusia” y ante ella, como protectora del país, era coronado el zar y consagrados los patriarcas.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Virgen_de_Vladímir

Prompt: Describe las características de la Reverso en la El ícono de Virgen_de_Vladímir.

La pintura del reverso, cuenta una cruz, se ven clavos, la corona de espinas y una paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, y una Biblia, sobre una mesa cubierta con tela roja, con los bordes oscuros en el cual que significa un trono que se le ha preparado para la Segunda Venida de Jesucristo, y juzgar a vivos y muertos. También se aprecia la lanza, la esponja, la caña utilizado para acercar la esponja a la boca de Jesús en su crucifixión, y que se le ofreció para saciar su sed, todo dentro de un marco pintado en color dorado.[8]La Virgen de Vladímir fue muy venerada en Rusia donde se le dio el sobrenombre de “Madre de Rusia” y ante ella, como protectora del país, era coronado el zar y consagrados los patriarcas.

Anexo:Imágenes ortodoxas de la Virgen María

Categoría:Iconos de la Galería Tretiakov

Archivo:Vladimir asv2019-01 img09 Assumption Cathedral.jpg


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I y explora la abstract.

El Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocida como La dama dorada o La dama de oro (en inglés: The woman in gold),[1] es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo.[2] La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I.

El Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocida como La dama dorada o La dama de oro (en inglés: The woman in gold),[1] es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo.[2] La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I su abstract?

El Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocida como La dama dorada o La dama de oro (en inglés: The woman in gold),[1] es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo.[2] La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: En Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I, ¿Cómo se discute la abstract?

El Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocida como La dama dorada o La dama de oro (en inglés: The woman in gold),[1] es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo.[2] La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I y explora la Historia.

A Gustav Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela, con una ornamentación elaborada y compleja, tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.[3]Como adinerado industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes,favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria.[4] En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la colección Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos/as, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.[5] Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.[6]La decisión fue aceptada en Austria con resignación. Después de que los cuadros fueran enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que durante años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi. Lauder trabajó con este objetivo mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la World Jewish Restitution Organization y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robos nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: «Esta es nuestra Mona Lisa...».[7] En el año 2015 se realizó una película de la BBC con Helen Mirren y Ryan Reynolds llamada Woman in Gold, dirigida por Simon Curtis, con guion de Alexi Kaye Campbell y música compuesta por Hans Zimmer y Martin Phipps, que relata precisamente la restitución de esta obra, en 1879 se creó otra obra no publicada que se llamaba soha  y lucia en honor a Matas ronald su primo

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I.

A Gustav Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela, con una ornamentación elaborada y compleja, tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.[3]Como adinerado industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes,favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria.[4] En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la colección Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos/as, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.[5] Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.[6]La decisión fue aceptada en Austria con resignación. Después de que los cuadros fueran enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que durante años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi. Lauder trabajó con este objetivo mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la World Jewish Restitution Organization y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robos nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: «Esta es nuestra Mona Lisa...».[7] En el año 2015 se realizó una película de la BBC con Helen Mirren y Ryan Reynolds llamada Woman in Gold, dirigida por Simon Curtis, con guion de Alexi Kaye Campbell y música compuesta por Hans Zimmer y Martin Phipps, que relata precisamente la restitución de esta obra, en 1879 se creó otra obra no publicada que se llamaba soha  y lucia en honor a Matas ronald su primo

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I su Historia?

A Gustav Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela, con una ornamentación elaborada y compleja, tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.[3]Como adinerado industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes,favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria.[4] En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la colección Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos/as, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.[5] Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.[6]La decisión fue aceptada en Austria con resignación. Después de que los cuadros fueran enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que durante años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi. Lauder trabajó con este objetivo mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la World Jewish Restitution Organization y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robos nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: «Esta es nuestra Mona Lisa...».[7] En el año 2015 se realizó una película de la BBC con Helen Mirren y Ryan Reynolds llamada Woman in Gold, dirigida por Simon Curtis, con guion de Alexi Kaye Campbell y música compuesta por Hans Zimmer y Martin Phipps, que relata precisamente la restitución de esta obra, en 1879 se creó otra obra no publicada que se llamaba soha  y lucia en honor a Matas ronald su primo

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I

Prompt: En Retrato_de_Adele_Bloch-Bauer_I, ¿Cómo se discute la Historia?

A Gustav Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela, con una ornamentación elaborada y compleja, tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.[3]Como adinerado industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes,favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria.[4] En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la colección Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos/as, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.[5] Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.[6]La decisión fue aceptada en Austria con resignación. Después de que los cuadros fueran enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que durante años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi. Lauder trabajó con este objetivo mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la World Jewish Restitution Organization y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robos nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: «Esta es nuestra Mona Lisa...».[7] En el año 2015 se realizó una película de la BBC con Helen Mirren y Ryan Reynolds llamada Woman in Gold, dirigida por Simon Curtis, con guion de Alexi Kaye Campbell y música compuesta por Hans Zimmer y Martin Phipps, que relata precisamente la restitución de esta obra, en 1879 se creó otra obra no publicada que se llamaba soha  y lucia en honor a Matas ronald su primo

Categoría:Pintura de Austria del siglo XX


Baco_y_Ariadna

Prompt: Concéntrate en Baco_y_Ariadna y explora la abstract.

Baco y Ariadna (del italiano: Bacco e Arianna) es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1520-23. Pertenece a un ciclo de pinturas de temas mitológicos producido para Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara, decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le pagó un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael, en el año 1520, solo se había completado un esbozo preliminar, y el encargo entonces el pepe Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas del ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.), Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado de Madrid).

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Baco_y_Ariadna.

Baco y Ariadna (del italiano: Bacco e Arianna) es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1520-23. Pertenece a un ciclo de pinturas de temas mitológicos producido para Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara, decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le pagó un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael, en el año 1520, solo se había completado un esbozo preliminar, y el encargo entonces el pepe Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas del ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.), Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado de Madrid).

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: ¿Cómo aclara Baco_y_Ariadna su abstract?

Baco y Ariadna (del italiano: Bacco e Arianna) es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1520-23. Pertenece a un ciclo de pinturas de temas mitológicos producido para Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara, decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le pagó un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael, en el año 1520, solo se había completado un esbozo preliminar, y el encargo entonces el pepe Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas del ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.), Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado de Madrid).

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: En Baco_y_Ariadna, ¿Cómo se discute la abstract?

Baco y Ariadna (del italiano: Bacco e Arianna) es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1520-23. Pertenece a un ciclo de pinturas de temas mitológicos producido para Alfonso I de Este, el duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro, una habitación privada en su palacio de Ferrara, decorada con pinturas basadas en textos clásicos. Se le pagó un adelanto a Rafael, quien originariamente recibió el encargo para el tema de un Triunfo de Baco. Cuando murió Rafael, en el año 1520, solo se había completado un esbozo preliminar, y el encargo entonces el pepe Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema deriva de los poetas romanos Catulo y Ovidio.La pintura, considerada una de las obras maestras de Tiziano, se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres. Las otras grandes pinturas del ciclo son El festín de los dioses (en gran medida obra de Giovanni Bellini, hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.), Bacanal de los Andrios y La ofrenda a Venus (ambas actualmente en el Museo del Prado de Madrid).

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Concéntrate en Baco_y_Ariadna y explora la Baco y Ariadna en la mitología.

El rey Teseo necesitaba saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Creta. Por lo tanto, utiliza a la princesa Ariadna, hija del rey de Creta Minos y de Pasífae, para obtener pistas de su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo, la abandona en la isla de Naxos, mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire, conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda, le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefesto-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y que, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Explora la Baco y Ariadna en la mitología de esta obra de arte, Baco_y_Ariadna.

El rey Teseo necesitaba saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Creta. Por lo tanto, utiliza a la princesa Ariadna, hija del rey de Creta Minos y de Pasífae, para obtener pistas de su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo, la abandona en la isla de Naxos, mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire, conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda, le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefesto-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y que, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: ¿Cómo aclara Baco_y_Ariadna su Baco y Ariadna en la mitología?

El rey Teseo necesitaba saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Creta. Por lo tanto, utiliza a la princesa Ariadna, hija del rey de Creta Minos y de Pasífae, para obtener pistas de su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo, la abandona en la isla de Naxos, mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire, conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda, le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefesto-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y que, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: En Baco_y_Ariadna, ¿Cómo se discute la Baco y Ariadna en la mitología?

El rey Teseo necesitaba saber cómo ganar la lucha contra el Minotauro en la isla de Creta. Por lo tanto, utiliza a la princesa Ariadna, hija del rey de Creta Minos y de Pasífae, para obtener pistas de su enemigo. Le promete su amor y su compañía eterna. No obstante, después de cumplir su objetivo, la abandona en la isla de Naxos, mientras su hermosa prometida está durmiendo. Ariadna no tiene ocasión de lamentar por mucho tiempo el abandono de su amado, porque muy pronto el dios Dioniso-Baco aparece por el aire, conduciendo un carro tirado por panteras y rodeado de su cortejo de sátiros, ménades y Sileno. El dios queda fascinado por la belleza de Ariadna y la toma por esposa, llevándosela al Olimpo con él. Como regalo de boda, le entrega una diadema de oro, obra del dios Hefesto-Vulcano, que más tarde fue convertida en constelación y que, hoy en día, conocemos como Corona Boreal.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Concéntrate en Baco_y_Ariadna y explora la Análisis de la obra.

La temática del cuadro es el encuentro de Baco con Ariadna, narrado según las fuentes de los poetas latinos Catulo[a] y Ovidio.[b]Ariadna, que acaba de ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos, se ha despertado hundida en el desconsuelo y la indignación, las cuales se tornan en sobresalto con la irrupción del dios y su séquito. Baco trata de reconfortarla diciéndole palabras de amor y bajándose del intimidatorio carro, puesto que éste es tirado por fieras. Consigue, finalmente, atraer entre sus brazos a Ariadna, con cuyo catasterismo, o el de su corona,[c] se significa el origen mitológico de la Corona Borealis.De las dos situaciones posibles, el descenso brusco del carro por el dios impetuoso y la subida de Ariadna a éste, Tiziano ha escogido la que resulta más dramática, a diferencia, por ejemplo, de Poussin, que escogerá la segunda para su Bacanal (Museo del Prado).La dicotomía que también encierra la propia situación de Ariadna (abandono de Teseo y asombroso encuentro con Baco) la resuelve Tiziano, no solo desviando la atención de su mirada, sino haciendo girar toda su figura, de izquierda a derecha y hacia atrás: desde la embarcación, que queda tras su hombro al fondo de la pintura, hacia el dios, pero reclinándose levemente, lo que la obliga a recogerse la vestidura cuasi entorchándose con ella. El repentino giro de su cuerpo condiciona, a su vez, la dirección de lectura del cuadro.Domina la composición un triángulo principal, formado por Ariadna, Baco y la bacante de los címbalos, cuya postura viene a remedar la de Ariadna.[1] Conforman el resto del séquito: un pequeño fauno arrastrando una cabeza de ternero y un fornido sátiro ceñido con serpientes, que quedan en primer plano; les siguen una bacante con pandereta en mirada cómplice con el sátiro que porta el tirso y alza un pernil; quedando por detrás, más al fondo, un sátiro soplando un cuerno junto al burro que monta el ebrio Sileno y un porteador de vino. Dan equilibrio a todo este grupo de figuras una urna con la firma del pintor y un perrito.Pese a que cada una de ellas transmite un estado de agitación, el conjunto mantiene un cierto aire contenido de innegable tono clásico, solo quebrantado, en parte, por la actitud de los dos protagonistas. El gesto de Ariadna, la posición del grupo de estrellas, justo por encima de su cabeza, y el ademán del brazo derecho de Baco, parecen aludir a que el dios, al descender súbitamente del carro, arrebata la corona de Ariadna para lanzarla al cielo.[d]El cuadro es admirado por su rico y armónico colorido. Tiziano trata de explotar al máximo el fulgor de pigmentos, que posean la mayor plenitud de color, evitando combinarles entre sí y reforzando su intensidad mezclándoles con blanco o utilizando veladuras; explota también los efectos de textura para dar variedad a las áreas de color puro, como en el ropaje amarillo bajo la urna, en el que casi todo el modelado de los pliegues se ha conseguido con pinceladas, en detrimento de los tradicionales toques de oscuro.[2]El azul de ultramar es el color predominante en la obra, ya sea puro (en el ropaje de la bacante con címbalos y las zonas de tono más oscuro del manto de Ariadna) ya mezclado, en distintas proporciones, con albayalde (en el cielo o en las zonas de tonos claros y medios de los ropajes) e incluso añadiendo a esta mezcla un poco de laca roja (para el apagado y delicado malva del ropaje de la bacante con la pandereta).Se acaban los azules con el azurita del mar; verdes malaquita y cardenillo para el paisaje y el follaje; rojo bermellón para el largo pañuelo de Ariadna y laca carmesí, mezclada con albayalde, para el manto de Baco o el ropaje del pequeño fauno. Amarillo de plomo y estaño para el ropaje bajo la urna; oropimente y rejalgar para, respectivamente, las masas de claros y oscuros del ropaje de la bacante con címbalos.[3]La reputación de Tiziano como colorista hizo pensar que trabajaba directamente la obra con el color, pero los reflectogramas de algunas de sus obras muestran, que comenzaba con el dibujo de un esbozo, a modo de tosca guía, de los elementos principales de la composición. En el caso del Baco y Ariadna están presentes, tanto la línea ancha y fluida de los contornos (por ejemplo, de los guepardos), como la línea más fina requerida para trabajos de mayor precisión como, por ejemplo, la complicada silueta de Baco.[4]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Explora la Análisis de la obra de esta obra de arte, Baco_y_Ariadna.

La temática del cuadro es el encuentro de Baco con Ariadna, narrado según las fuentes de los poetas latinos Catulo[a] y Ovidio.[b]Ariadna, que acaba de ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos, se ha despertado hundida en el desconsuelo y la indignación, las cuales se tornan en sobresalto con la irrupción del dios y su séquito. Baco trata de reconfortarla diciéndole palabras de amor y bajándose del intimidatorio carro, puesto que éste es tirado por fieras. Consigue, finalmente, atraer entre sus brazos a Ariadna, con cuyo catasterismo, o el de su corona,[c] se significa el origen mitológico de la Corona Borealis.De las dos situaciones posibles, el descenso brusco del carro por el dios impetuoso y la subida de Ariadna a éste, Tiziano ha escogido la que resulta más dramática, a diferencia, por ejemplo, de Poussin, que escogerá la segunda para su Bacanal (Museo del Prado).La dicotomía que también encierra la propia situación de Ariadna (abandono de Teseo y asombroso encuentro con Baco) la resuelve Tiziano, no solo desviando la atención de su mirada, sino haciendo girar toda su figura, de izquierda a derecha y hacia atrás: desde la embarcación, que queda tras su hombro al fondo de la pintura, hacia el dios, pero reclinándose levemente, lo que la obliga a recogerse la vestidura cuasi entorchándose con ella. El repentino giro de su cuerpo condiciona, a su vez, la dirección de lectura del cuadro.Domina la composición un triángulo principal, formado por Ariadna, Baco y la bacante de los címbalos, cuya postura viene a remedar la de Ariadna.[1] Conforman el resto del séquito: un pequeño fauno arrastrando una cabeza de ternero y un fornido sátiro ceñido con serpientes, que quedan en primer plano; les siguen una bacante con pandereta en mirada cómplice con el sátiro que porta el tirso y alza un pernil; quedando por detrás, más al fondo, un sátiro soplando un cuerno junto al burro que monta el ebrio Sileno y un porteador de vino. Dan equilibrio a todo este grupo de figuras una urna con la firma del pintor y un perrito.Pese a que cada una de ellas transmite un estado de agitación, el conjunto mantiene un cierto aire contenido de innegable tono clásico, solo quebrantado, en parte, por la actitud de los dos protagonistas. El gesto de Ariadna, la posición del grupo de estrellas, justo por encima de su cabeza, y el ademán del brazo derecho de Baco, parecen aludir a que el dios, al descender súbitamente del carro, arrebata la corona de Ariadna para lanzarla al cielo.[d]El cuadro es admirado por su rico y armónico colorido. Tiziano trata de explotar al máximo el fulgor de pigmentos, que posean la mayor plenitud de color, evitando combinarles entre sí y reforzando su intensidad mezclándoles con blanco o utilizando veladuras; explota también los efectos de textura para dar variedad a las áreas de color puro, como en el ropaje amarillo bajo la urna, en el que casi todo el modelado de los pliegues se ha conseguido con pinceladas, en detrimento de los tradicionales toques de oscuro.[2]El azul de ultramar es el color predominante en la obra, ya sea puro (en el ropaje de la bacante con címbalos y las zonas de tono más oscuro del manto de Ariadna) ya mezclado, en distintas proporciones, con albayalde (en el cielo o en las zonas de tonos claros y medios de los ropajes) e incluso añadiendo a esta mezcla un poco de laca roja (para el apagado y delicado malva del ropaje de la bacante con la pandereta).Se acaban los azules con el azurita del mar; verdes malaquita y cardenillo para el paisaje y el follaje; rojo bermellón para el largo pañuelo de Ariadna y laca carmesí, mezclada con albayalde, para el manto de Baco o el ropaje del pequeño fauno. Amarillo de plomo y estaño para el ropaje bajo la urna; oropimente y rejalgar para, respectivamente, las masas de claros y oscuros del ropaje de la bacante con címbalos.[3]La reputación de Tiziano como colorista hizo pensar que trabajaba directamente la obra con el color, pero los reflectogramas de algunas de sus obras muestran, que comenzaba con el dibujo de un esbozo, a modo de tosca guía, de los elementos principales de la composición. En el caso del Baco y Ariadna están presentes, tanto la línea ancha y fluida de los contornos (por ejemplo, de los guepardos), como la línea más fina requerida para trabajos de mayor precisión como, por ejemplo, la complicada silueta de Baco.[4]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: ¿Cómo aclara Baco_y_Ariadna su Análisis de la obra?

La temática del cuadro es el encuentro de Baco con Ariadna, narrado según las fuentes de los poetas latinos Catulo[a] y Ovidio.[b]Ariadna, que acaba de ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos, se ha despertado hundida en el desconsuelo y la indignación, las cuales se tornan en sobresalto con la irrupción del dios y su séquito. Baco trata de reconfortarla diciéndole palabras de amor y bajándose del intimidatorio carro, puesto que éste es tirado por fieras. Consigue, finalmente, atraer entre sus brazos a Ariadna, con cuyo catasterismo, o el de su corona,[c] se significa el origen mitológico de la Corona Borealis.De las dos situaciones posibles, el descenso brusco del carro por el dios impetuoso y la subida de Ariadna a éste, Tiziano ha escogido la que resulta más dramática, a diferencia, por ejemplo, de Poussin, que escogerá la segunda para su Bacanal (Museo del Prado).La dicotomía que también encierra la propia situación de Ariadna (abandono de Teseo y asombroso encuentro con Baco) la resuelve Tiziano, no solo desviando la atención de su mirada, sino haciendo girar toda su figura, de izquierda a derecha y hacia atrás: desde la embarcación, que queda tras su hombro al fondo de la pintura, hacia el dios, pero reclinándose levemente, lo que la obliga a recogerse la vestidura cuasi entorchándose con ella. El repentino giro de su cuerpo condiciona, a su vez, la dirección de lectura del cuadro.Domina la composición un triángulo principal, formado por Ariadna, Baco y la bacante de los címbalos, cuya postura viene a remedar la de Ariadna.[1] Conforman el resto del séquito: un pequeño fauno arrastrando una cabeza de ternero y un fornido sátiro ceñido con serpientes, que quedan en primer plano; les siguen una bacante con pandereta en mirada cómplice con el sátiro que porta el tirso y alza un pernil; quedando por detrás, más al fondo, un sátiro soplando un cuerno junto al burro que monta el ebrio Sileno y un porteador de vino. Dan equilibrio a todo este grupo de figuras una urna con la firma del pintor y un perrito.Pese a que cada una de ellas transmite un estado de agitación, el conjunto mantiene un cierto aire contenido de innegable tono clásico, solo quebrantado, en parte, por la actitud de los dos protagonistas. El gesto de Ariadna, la posición del grupo de estrellas, justo por encima de su cabeza, y el ademán del brazo derecho de Baco, parecen aludir a que el dios, al descender súbitamente del carro, arrebata la corona de Ariadna para lanzarla al cielo.[d]El cuadro es admirado por su rico y armónico colorido. Tiziano trata de explotar al máximo el fulgor de pigmentos, que posean la mayor plenitud de color, evitando combinarles entre sí y reforzando su intensidad mezclándoles con blanco o utilizando veladuras; explota también los efectos de textura para dar variedad a las áreas de color puro, como en el ropaje amarillo bajo la urna, en el que casi todo el modelado de los pliegues se ha conseguido con pinceladas, en detrimento de los tradicionales toques de oscuro.[2]El azul de ultramar es el color predominante en la obra, ya sea puro (en el ropaje de la bacante con címbalos y las zonas de tono más oscuro del manto de Ariadna) ya mezclado, en distintas proporciones, con albayalde (en el cielo o en las zonas de tonos claros y medios de los ropajes) e incluso añadiendo a esta mezcla un poco de laca roja (para el apagado y delicado malva del ropaje de la bacante con la pandereta).Se acaban los azules con el azurita del mar; verdes malaquita y cardenillo para el paisaje y el follaje; rojo bermellón para el largo pañuelo de Ariadna y laca carmesí, mezclada con albayalde, para el manto de Baco o el ropaje del pequeño fauno. Amarillo de plomo y estaño para el ropaje bajo la urna; oropimente y rejalgar para, respectivamente, las masas de claros y oscuros del ropaje de la bacante con címbalos.[3]La reputación de Tiziano como colorista hizo pensar que trabajaba directamente la obra con el color, pero los reflectogramas de algunas de sus obras muestran, que comenzaba con el dibujo de un esbozo, a modo de tosca guía, de los elementos principales de la composición. En el caso del Baco y Ariadna están presentes, tanto la línea ancha y fluida de los contornos (por ejemplo, de los guepardos), como la línea más fina requerida para trabajos de mayor precisión como, por ejemplo, la complicada silueta de Baco.[4]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: En Baco_y_Ariadna, ¿Cómo se discute la Análisis de la obra?

La temática del cuadro es el encuentro de Baco con Ariadna, narrado según las fuentes de los poetas latinos Catulo[a] y Ovidio.[b]Ariadna, que acaba de ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos, se ha despertado hundida en el desconsuelo y la indignación, las cuales se tornan en sobresalto con la irrupción del dios y su séquito. Baco trata de reconfortarla diciéndole palabras de amor y bajándose del intimidatorio carro, puesto que éste es tirado por fieras. Consigue, finalmente, atraer entre sus brazos a Ariadna, con cuyo catasterismo, o el de su corona,[c] se significa el origen mitológico de la Corona Borealis.De las dos situaciones posibles, el descenso brusco del carro por el dios impetuoso y la subida de Ariadna a éste, Tiziano ha escogido la que resulta más dramática, a diferencia, por ejemplo, de Poussin, que escogerá la segunda para su Bacanal (Museo del Prado).La dicotomía que también encierra la propia situación de Ariadna (abandono de Teseo y asombroso encuentro con Baco) la resuelve Tiziano, no solo desviando la atención de su mirada, sino haciendo girar toda su figura, de izquierda a derecha y hacia atrás: desde la embarcación, que queda tras su hombro al fondo de la pintura, hacia el dios, pero reclinándose levemente, lo que la obliga a recogerse la vestidura cuasi entorchándose con ella. El repentino giro de su cuerpo condiciona, a su vez, la dirección de lectura del cuadro.Domina la composición un triángulo principal, formado por Ariadna, Baco y la bacante de los címbalos, cuya postura viene a remedar la de Ariadna.[1] Conforman el resto del séquito: un pequeño fauno arrastrando una cabeza de ternero y un fornido sátiro ceñido con serpientes, que quedan en primer plano; les siguen una bacante con pandereta en mirada cómplice con el sátiro que porta el tirso y alza un pernil; quedando por detrás, más al fondo, un sátiro soplando un cuerno junto al burro que monta el ebrio Sileno y un porteador de vino. Dan equilibrio a todo este grupo de figuras una urna con la firma del pintor y un perrito.Pese a que cada una de ellas transmite un estado de agitación, el conjunto mantiene un cierto aire contenido de innegable tono clásico, solo quebrantado, en parte, por la actitud de los dos protagonistas. El gesto de Ariadna, la posición del grupo de estrellas, justo por encima de su cabeza, y el ademán del brazo derecho de Baco, parecen aludir a que el dios, al descender súbitamente del carro, arrebata la corona de Ariadna para lanzarla al cielo.[d]El cuadro es admirado por su rico y armónico colorido. Tiziano trata de explotar al máximo el fulgor de pigmentos, que posean la mayor plenitud de color, evitando combinarles entre sí y reforzando su intensidad mezclándoles con blanco o utilizando veladuras; explota también los efectos de textura para dar variedad a las áreas de color puro, como en el ropaje amarillo bajo la urna, en el que casi todo el modelado de los pliegues se ha conseguido con pinceladas, en detrimento de los tradicionales toques de oscuro.[2]El azul de ultramar es el color predominante en la obra, ya sea puro (en el ropaje de la bacante con címbalos y las zonas de tono más oscuro del manto de Ariadna) ya mezclado, en distintas proporciones, con albayalde (en el cielo o en las zonas de tonos claros y medios de los ropajes) e incluso añadiendo a esta mezcla un poco de laca roja (para el apagado y delicado malva del ropaje de la bacante con la pandereta).Se acaban los azules con el azurita del mar; verdes malaquita y cardenillo para el paisaje y el follaje; rojo bermellón para el largo pañuelo de Ariadna y laca carmesí, mezclada con albayalde, para el manto de Baco o el ropaje del pequeño fauno. Amarillo de plomo y estaño para el ropaje bajo la urna; oropimente y rejalgar para, respectivamente, las masas de claros y oscuros del ropaje de la bacante con címbalos.[3]La reputación de Tiziano como colorista hizo pensar que trabajaba directamente la obra con el color, pero los reflectogramas de algunas de sus obras muestran, que comenzaba con el dibujo de un esbozo, a modo de tosca guía, de los elementos principales de la composición. En el caso del Baco y Ariadna están presentes, tanto la línea ancha y fluida de los contornos (por ejemplo, de los guepardos), como la línea más fina requerida para trabajos de mayor precisión como, por ejemplo, la complicada silueta de Baco.[4]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Concéntrate en Baco_y_Ariadna y explora la Historial (biografía de la obra).

En 1598, después de que la familia Este perdiera el gobierno de Ferrara, tres cuadros de Tiziano y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, fueron requisados y transportados por el cardenal Pietro Aldobrandini al palacio de la familia en Roma. El cuadro de Baco y Ariadna se registra en los inventarios de Aldobrandini de la siguiente manera:En 1603, núm. 203, preparado por G. B. Agucchi. «Un quadro grande di Bacco sú un carro con satire e donne atorno, di Titiano».En 1626, núm. 100, registrado con la misma descripción.Antes del año 1665, núm. 203. «Un quadro in tela grande con un baccanale alto p.sette con cornice dorata di mano di Titiano, segnato n. 203».En 1682, núm. 314, registrado con la misma descripción. “di mano di Titiano come a dºInventario a fogli 213 nº203 et a quello del Sig. Cardinale a fogli 121».El cuadro de Baco y Ariadna se expuso en el palacio Aldobrandini en Monte Magnanapoli en 1620. Años después fue copiado al óleo por Nicolas Poussin (esta copia ha de ser la conservada en la biblioteca del castillo de Alnwick). Otra copia, pintada por Carlo Maratta, se expone desde 2022 en el Palacio Real de La Granja (Segovia) [1]. El original alcanzó mayor fama desde que el grabador Giovanni Andrea Podestà lo reprodujo al aguafuerte, contribuyendo a su difusión internacional. El palacio todavía existe, pero ahora es el Instituto Internazionale per l'unificazione del diritto privato. Hasta finales del año 1796, tanto Baco y Ariadna como El festín de los dioses de Bellini se mantuvieron en el palacio Aldobrandini de Roma. Durante la conmoción causada por la invasión napoleónica, la nobleza italiana se vio obligada a vender muchas de sus pinturas, y estas dos composiciones pasaron a ser propiedad de los hermanos Camuccini, que se aprovecharon de la situación política para amasar obras de arte. En el año 1806, el Sr. Irvine, un agente británico en Italia, adquirió el cuadro de Baco y Ariadna para William Buchanan, quien también era un comerciante, por el precio reportado de 9000 coronas, según una carta del 31 de mayo de 1806. El año siguiente, el señor Kinnaird adquirió la obra maestra, que fue comprada en 1813 por Delahante. Luego fue exhibida por otro titular, Thomas Aldea, en la Institución Británica en 1816 y, finalmente, fue comprada por la National Gallery en 1826.[5]La pintura ha llegado en un estado de conservación muy cuestionado. Ya en su primer siglo de existencia, la tela fue soltada de su bastidor y enrollada en dos ocasiones. Ello dañó gravemente la capa de pintura, provocando cuarteamientos y pérdidas que se intentó frenar con capas de barniz y repintes. En 1967-68 el cuadro fue sometido a una limpieza muy profunda, a fin de eliminarle los barnices oscurecidos; pero al parecer esta limpieza barrió partes del color original, que hubieron de reintegrarse.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: Explora la Historial (biografía de la obra) de esta obra de arte, Baco_y_Ariadna.

En 1598, después de que la familia Este perdiera el gobierno de Ferrara, tres cuadros de Tiziano y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, fueron requisados y transportados por el cardenal Pietro Aldobrandini al palacio de la familia en Roma. El cuadro de Baco y Ariadna se registra en los inventarios de Aldobrandini de la siguiente manera:En 1603, núm. 203, preparado por G. B. Agucchi. «Un quadro grande di Bacco sú un carro con satire e donne atorno, di Titiano».En 1626, núm. 100, registrado con la misma descripción.Antes del año 1665, núm. 203. «Un quadro in tela grande con un baccanale alto p.sette con cornice dorata di mano di Titiano, segnato n. 203».En 1682, núm. 314, registrado con la misma descripción. “di mano di Titiano come a dºInventario a fogli 213 nº203 et a quello del Sig. Cardinale a fogli 121».El cuadro de Baco y Ariadna se expuso en el palacio Aldobrandini en Monte Magnanapoli en 1620. Años después fue copiado al óleo por Nicolas Poussin (esta copia ha de ser la conservada en la biblioteca del castillo de Alnwick). Otra copia, pintada por Carlo Maratta, se expone desde 2022 en el Palacio Real de La Granja (Segovia) [1]. El original alcanzó mayor fama desde que el grabador Giovanni Andrea Podestà lo reprodujo al aguafuerte, contribuyendo a su difusión internacional. El palacio todavía existe, pero ahora es el Instituto Internazionale per l'unificazione del diritto privato. Hasta finales del año 1796, tanto Baco y Ariadna como El festín de los dioses de Bellini se mantuvieron en el palacio Aldobrandini de Roma. Durante la conmoción causada por la invasión napoleónica, la nobleza italiana se vio obligada a vender muchas de sus pinturas, y estas dos composiciones pasaron a ser propiedad de los hermanos Camuccini, que se aprovecharon de la situación política para amasar obras de arte. En el año 1806, el Sr. Irvine, un agente británico en Italia, adquirió el cuadro de Baco y Ariadna para William Buchanan, quien también era un comerciante, por el precio reportado de 9000 coronas, según una carta del 31 de mayo de 1806. El año siguiente, el señor Kinnaird adquirió la obra maestra, que fue comprada en 1813 por Delahante. Luego fue exhibida por otro titular, Thomas Aldea, en la Institución Británica en 1816 y, finalmente, fue comprada por la National Gallery en 1826.[5]La pintura ha llegado en un estado de conservación muy cuestionado. Ya en su primer siglo de existencia, la tela fue soltada de su bastidor y enrollada en dos ocasiones. Ello dañó gravemente la capa de pintura, provocando cuarteamientos y pérdidas que se intentó frenar con capas de barniz y repintes. En 1967-68 el cuadro fue sometido a una limpieza muy profunda, a fin de eliminarle los barnices oscurecidos; pero al parecer esta limpieza barrió partes del color original, que hubieron de reintegrarse.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: ¿Cómo aclara Baco_y_Ariadna su Historial (biografía de la obra)?

En 1598, después de que la familia Este perdiera el gobierno de Ferrara, tres cuadros de Tiziano y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, fueron requisados y transportados por el cardenal Pietro Aldobrandini al palacio de la familia en Roma. El cuadro de Baco y Ariadna se registra en los inventarios de Aldobrandini de la siguiente manera:En 1603, núm. 203, preparado por G. B. Agucchi. «Un quadro grande di Bacco sú un carro con satire e donne atorno, di Titiano».En 1626, núm. 100, registrado con la misma descripción.Antes del año 1665, núm. 203. «Un quadro in tela grande con un baccanale alto p.sette con cornice dorata di mano di Titiano, segnato n. 203».En 1682, núm. 314, registrado con la misma descripción. “di mano di Titiano come a dºInventario a fogli 213 nº203 et a quello del Sig. Cardinale a fogli 121».El cuadro de Baco y Ariadna se expuso en el palacio Aldobrandini en Monte Magnanapoli en 1620. Años después fue copiado al óleo por Nicolas Poussin (esta copia ha de ser la conservada en la biblioteca del castillo de Alnwick). Otra copia, pintada por Carlo Maratta, se expone desde 2022 en el Palacio Real de La Granja (Segovia) [1]. El original alcanzó mayor fama desde que el grabador Giovanni Andrea Podestà lo reprodujo al aguafuerte, contribuyendo a su difusión internacional. El palacio todavía existe, pero ahora es el Instituto Internazionale per l'unificazione del diritto privato. Hasta finales del año 1796, tanto Baco y Ariadna como El festín de los dioses de Bellini se mantuvieron en el palacio Aldobrandini de Roma. Durante la conmoción causada por la invasión napoleónica, la nobleza italiana se vio obligada a vender muchas de sus pinturas, y estas dos composiciones pasaron a ser propiedad de los hermanos Camuccini, que se aprovecharon de la situación política para amasar obras de arte. En el año 1806, el Sr. Irvine, un agente británico en Italia, adquirió el cuadro de Baco y Ariadna para William Buchanan, quien también era un comerciante, por el precio reportado de 9000 coronas, según una carta del 31 de mayo de 1806. El año siguiente, el señor Kinnaird adquirió la obra maestra, que fue comprada en 1813 por Delahante. Luego fue exhibida por otro titular, Thomas Aldea, en la Institución Británica en 1816 y, finalmente, fue comprada por la National Gallery en 1826.[5]La pintura ha llegado en un estado de conservación muy cuestionado. Ya en su primer siglo de existencia, la tela fue soltada de su bastidor y enrollada en dos ocasiones. Ello dañó gravemente la capa de pintura, provocando cuarteamientos y pérdidas que se intentó frenar con capas de barniz y repintes. En 1967-68 el cuadro fue sometido a una limpieza muy profunda, a fin de eliminarle los barnices oscurecidos; pero al parecer esta limpieza barrió partes del color original, que hubieron de reintegrarse.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Baco_y_Ariadna

Prompt: En Baco_y_Ariadna, ¿Cómo se discute la Historial (biografía de la obra)?

En 1598, después de que la familia Este perdiera el gobierno de Ferrara, tres cuadros de Tiziano y El festín de los dioses, de Giovanni Bellini, fueron requisados y transportados por el cardenal Pietro Aldobrandini al palacio de la familia en Roma. El cuadro de Baco y Ariadna se registra en los inventarios de Aldobrandini de la siguiente manera:En 1603, núm. 203, preparado por G. B. Agucchi. «Un quadro grande di Bacco sú un carro con satire e donne atorno, di Titiano».En 1626, núm. 100, registrado con la misma descripción.Antes del año 1665, núm. 203. «Un quadro in tela grande con un baccanale alto p.sette con cornice dorata di mano di Titiano, segnato n. 203».En 1682, núm. 314, registrado con la misma descripción. “di mano di Titiano come a dºInventario a fogli 213 nº203 et a quello del Sig. Cardinale a fogli 121».El cuadro de Baco y Ariadna se expuso en el palacio Aldobrandini en Monte Magnanapoli en 1620. Años después fue copiado al óleo por Nicolas Poussin (esta copia ha de ser la conservada en la biblioteca del castillo de Alnwick). Otra copia, pintada por Carlo Maratta, se expone desde 2022 en el Palacio Real de La Granja (Segovia) [1]. El original alcanzó mayor fama desde que el grabador Giovanni Andrea Podestà lo reprodujo al aguafuerte, contribuyendo a su difusión internacional. El palacio todavía existe, pero ahora es el Instituto Internazionale per l'unificazione del diritto privato. Hasta finales del año 1796, tanto Baco y Ariadna como El festín de los dioses de Bellini se mantuvieron en el palacio Aldobrandini de Roma. Durante la conmoción causada por la invasión napoleónica, la nobleza italiana se vio obligada a vender muchas de sus pinturas, y estas dos composiciones pasaron a ser propiedad de los hermanos Camuccini, que se aprovecharon de la situación política para amasar obras de arte. En el año 1806, el Sr. Irvine, un agente británico en Italia, adquirió el cuadro de Baco y Ariadna para William Buchanan, quien también era un comerciante, por el precio reportado de 9000 coronas, según una carta del 31 de mayo de 1806. El año siguiente, el señor Kinnaird adquirió la obra maestra, que fue comprada en 1813 por Delahante. Luego fue exhibida por otro titular, Thomas Aldea, en la Institución Británica en 1816 y, finalmente, fue comprada por la National Gallery en 1826.[5]La pintura ha llegado en un estado de conservación muy cuestionado. Ya en su primer siglo de existencia, la tela fue soltada de su bastidor y enrollada en dos ocasiones. Ello dañó gravemente la capa de pintura, provocando cuarteamientos y pérdidas que se intentó frenar con capas de barniz y repintes. En 1967-68 el cuadro fue sometido a una limpieza muy profunda, a fin de eliminarle los barnices oscurecidos; pero al parecer esta limpieza barrió partes del color original, que hubieron de reintegrarse.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

Categoría:Parejas famosas ficticias o reales en arte y literatura


Venus_de_Urbino

Prompt: Concéntrate en Venus_de_Urbino y explora la abstract.

Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi (Florencia).La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.[1]Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.[2]

Pintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo:Galería Uffizi, Florencia, Italia, 2022-09-18, DD 78.jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Venus_de_Urbino

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Venus_de_Urbino.

Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi (Florencia).La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.[1]Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.[2]

Pintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo:Galería Uffizi, Florencia, Italia, 2022-09-18, DD 78.jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Venus_de_Urbino

Prompt: ¿Cómo aclara Venus_de_Urbino su abstract?

Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi (Florencia).La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.[1]Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.[2]

Pintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo:Galería Uffizi, Florencia, Italia, 2022-09-18, DD 78.jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua