Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la El Árbol de la Vida, la Justicia, los Enamorados y el Profeta en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

El árbol de la Vida está en contraste con el espacio cable encerrado en las columnas del Papa. Su sólido cuerpo coronado por cabezas de serpientes está recubierto, como un periódico mural, de inscripciones, grafismos y dibujos de Tinguely y de Niki de Saint Phalle, que cuenta en particular su experiencia autobiográfica en los bloques del panel "My Love". Delineado con hilos de color en el centro de un sector ovalado cubierto de espejos, el Árbol de la Vida muestra la figura del Ahorcado, que desde su punto de vista invertido sugiere otra manera de ver la realidad de las cosas. En frente sube hasta la cabeza del Mago la serpenteante escalera azul intenso bajo la cual se esconde el acceso escondido al interior de la cabeza-fuente de la Papisa, pintado de azul con estrellas plateadas. A la derecha está la figura de la Justicia, inquietante en su claro contraste de blanco y negro, con la balanza sobre sus grandes senos y el espacio interior, cerrado por una puerta con un enorme candado, ocupado por otra de las siniestras mecaniqués de Jean Tinguely que representa La Injusticia.A lo largo del sendero de cemento - mientras que un cartel señala una posible desviación en un bosquecillo, donde están colocadas las esculturas de los Enamorados, pintadas y felices figuras en poliéster que sentadas comen su pícnic y, más atrás, solitaria en medio a una pequeña radura, el Profeta, gran fantasma cable enteramente cubierto de espejos -  se encuentra el castillo del Emperador, pensado "como una ciudadela imperial con torres, un paseo de ronda, de un patio adornado con una fuente y 22 columnas (el número de los Arcanos Mayores) que sostienen un pórtico".

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la El Emperador y la Torre y Descripción.

El Emperador es la figura con mayor plenitud arquitectónica, que Niki de Saint Phalle ha estudiado mucho y ha modificado donde parece recogida la herencia de Gaudí. Representa el papel del masculino, físico y psíquico (simbolizado por las estructuras verticales y del cohete rojo dirigido hacia el cielo puesto en fregio al camino superior), de la ambición, del poder consolidado "un recuerdo onírico del arte encontrado de los años Sesenta"- que comprende "vidrios de Murano y murrine, espejos de Francia, cecoslovacos y de Boemia, relieves decorativos (...) y piezas de un rompecabezas", recordando "objetos y elementos de los más varios o son los calques  de los rostros de todos aquellos que han colaborado a la creación del Jardín del Tarot, cuyos nombres están reproducidos también en murrine todo entorno a una de las columnas del pórtico".En el centro del patio, rodeado por este ondulado pórtico, está una piscina circular en la que cuatro felices, pintadas nanas se bañan, chorreando de los pechos chorros de agua. En la parte posterior del Castillo, desconectada pero incumbente, se eleva la Torre, símbolo de las construcciones mentales no fundadas sobre bases sólidas, enteramente cubierta con espejos y decapitada por la violencia del rayo-máquina-chatarra pensada por Jean Tinguely.Desde las ventanas rectangulares recortadas a lo largo de las paredes de la Torre se puede ver el interior del edificio, cuyas estrechas habitaciones habían sido destinadas a oficina, hoy no accesible.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la El Emperador y la Torre sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

El Emperador es la figura con mayor plenitud arquitectónica, que Niki de Saint Phalle ha estudiado mucho y ha modificado donde parece recogida la herencia de Gaudí. Representa el papel del masculino, físico y psíquico (simbolizado por las estructuras verticales y del cohete rojo dirigido hacia el cielo puesto en fregio al camino superior), de la ambición, del poder consolidado "un recuerdo onírico del arte encontrado de los años Sesenta"- que comprende "vidrios de Murano y murrine, espejos de Francia, cecoslovacos y de Boemia, relieves decorativos (...) y piezas de un rompecabezas", recordando "objetos y elementos de los más varios o son los calques  de los rostros de todos aquellos que han colaborado a la creación del Jardín del Tarot, cuyos nombres están reproducidos también en murrine todo entorno a una de las columnas del pórtico".En el centro del patio, rodeado por este ondulado pórtico, está una piscina circular en la que cuatro felices, pintadas nanas se bañan, chorreando de los pechos chorros de agua. En la parte posterior del Castillo, desconectada pero incumbente, se eleva la Torre, símbolo de las construcciones mentales no fundadas sobre bases sólidas, enteramente cubierta con espejos y decapitada por la violencia del rayo-máquina-chatarra pensada por Jean Tinguely.Desde las ventanas rectangulares recortadas a lo largo de las paredes de la Torre se puede ver el interior del edificio, cuyas estrechas habitaciones habían sido destinadas a oficina, hoy no accesible.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la El Emperador y la Torre de la Descripción?

El Emperador es la figura con mayor plenitud arquitectónica, que Niki de Saint Phalle ha estudiado mucho y ha modificado donde parece recogida la herencia de Gaudí. Representa el papel del masculino, físico y psíquico (simbolizado por las estructuras verticales y del cohete rojo dirigido hacia el cielo puesto en fregio al camino superior), de la ambición, del poder consolidado "un recuerdo onírico del arte encontrado de los años Sesenta"- que comprende "vidrios de Murano y murrine, espejos de Francia, cecoslovacos y de Boemia, relieves decorativos (...) y piezas de un rompecabezas", recordando "objetos y elementos de los más varios o son los calques  de los rostros de todos aquellos que han colaborado a la creación del Jardín del Tarot, cuyos nombres están reproducidos también en murrine todo entorno a una de las columnas del pórtico".En el centro del patio, rodeado por este ondulado pórtico, está una piscina circular en la que cuatro felices, pintadas nanas se bañan, chorreando de los pechos chorros de agua. En la parte posterior del Castillo, desconectada pero incumbente, se eleva la Torre, símbolo de las construcciones mentales no fundadas sobre bases sólidas, enteramente cubierta con espejos y decapitada por la violencia del rayo-máquina-chatarra pensada por Jean Tinguely.Desde las ventanas rectangulares recortadas a lo largo de las paredes de la Torre se puede ver el interior del edificio, cuyas estrechas habitaciones habían sido destinadas a oficina, hoy no accesible.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la El Emperador y la Torre en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

El Emperador es la figura con mayor plenitud arquitectónica, que Niki de Saint Phalle ha estudiado mucho y ha modificado donde parece recogida la herencia de Gaudí. Representa el papel del masculino, físico y psíquico (simbolizado por las estructuras verticales y del cohete rojo dirigido hacia el cielo puesto en fregio al camino superior), de la ambición, del poder consolidado "un recuerdo onírico del arte encontrado de los años Sesenta"- que comprende "vidrios de Murano y murrine, espejos de Francia, cecoslovacos y de Boemia, relieves decorativos (...) y piezas de un rompecabezas", recordando "objetos y elementos de los más varios o son los calques  de los rostros de todos aquellos que han colaborado a la creación del Jardín del Tarot, cuyos nombres están reproducidos también en murrine todo entorno a una de las columnas del pórtico".En el centro del patio, rodeado por este ondulado pórtico, está una piscina circular en la que cuatro felices, pintadas nanas se bañan, chorreando de los pechos chorros de agua. En la parte posterior del Castillo, desconectada pero incumbente, se eleva la Torre, símbolo de las construcciones mentales no fundadas sobre bases sólidas, enteramente cubierta con espejos y decapitada por la violencia del rayo-máquina-chatarra pensada por Jean Tinguely.Desde las ventanas rectangulares recortadas a lo largo de las paredes de la Torre se puede ver el interior del edificio, cuyas estrechas habitaciones habían sido destinadas a oficina, hoy no accesible.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la La Emperatriz-Esfinge y Descripción.

Anteriormente cerrada al público es también la escultura más representativa e importante del complejo, la Emperatriz-Esfinge en la que Niki de Saint Phalle vivió durante largos períodos de tiempo durante los trabajos. Situada al lado del Castillo, la Emperatriz se asoma a la plaza de abajo y se encuentra en posición dominante sobre todo el Jardín. Enorme y opulenta, el cuerpo excesivamente formoso cubierto con una fantasmagoría de cerámicas moladas, la Emperatriz encarna quizás mejor que cualquier otra escultura la cifra estilística de la "curva" adoptada por Niki de Saint-Phalle desde los años sesenta en sus "Nanas". Dentro de la "gran madre" - "espacio todo redondo sin ángulo" según las palabras de la autora, destinado a vivienda con el dormitorio en un seno, la cocina en el otro y el espacio central amoblado como salón de estudio - fueron colocadas el 17 de agosto de 1996 - actualmente visibles - las figuras del Juicio, de las Estrellas y del Carro, reflejadas por los miles de fragmentos de espejos venecianos que recubren las paredes. En el dorso de la Emperatriz, los hilos de la melena cubierta de espejos azul eléctrico que enmarca el rostro negro de la figura, delimitan una terraza-mirador toda recovecos y concavidad, accesible desde una escalera modelada en el lado externo, desde donde se disfruta del gran panorama del campo circundante y la visión plateada de la Luna, escultura "skinny" sostenida por el cangrejo rojo situado en el centro de un claro más abajo.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La Emperatriz-Esfinge sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

Anteriormente cerrada al público es también la escultura más representativa e importante del complejo, la Emperatriz-Esfinge en la que Niki de Saint Phalle vivió durante largos períodos de tiempo durante los trabajos. Situada al lado del Castillo, la Emperatriz se asoma a la plaza de abajo y se encuentra en posición dominante sobre todo el Jardín. Enorme y opulenta, el cuerpo excesivamente formoso cubierto con una fantasmagoría de cerámicas moladas, la Emperatriz encarna quizás mejor que cualquier otra escultura la cifra estilística de la "curva" adoptada por Niki de Saint-Phalle desde los años sesenta en sus "Nanas". Dentro de la "gran madre" - "espacio todo redondo sin ángulo" según las palabras de la autora, destinado a vivienda con el dormitorio en un seno, la cocina en el otro y el espacio central amoblado como salón de estudio - fueron colocadas el 17 de agosto de 1996 - actualmente visibles - las figuras del Juicio, de las Estrellas y del Carro, reflejadas por los miles de fragmentos de espejos venecianos que recubren las paredes. En el dorso de la Emperatriz, los hilos de la melena cubierta de espejos azul eléctrico que enmarca el rostro negro de la figura, delimitan una terraza-mirador toda recovecos y concavidad, accesible desde una escalera modelada en el lado externo, desde donde se disfruta del gran panorama del campo circundante y la visión plateada de la Luna, escultura "skinny" sostenida por el cangrejo rojo situado en el centro de un claro más abajo.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la La Emperatriz-Esfinge de la Descripción?

Anteriormente cerrada al público es también la escultura más representativa e importante del complejo, la Emperatriz-Esfinge en la que Niki de Saint Phalle vivió durante largos períodos de tiempo durante los trabajos. Situada al lado del Castillo, la Emperatriz se asoma a la plaza de abajo y se encuentra en posición dominante sobre todo el Jardín. Enorme y opulenta, el cuerpo excesivamente formoso cubierto con una fantasmagoría de cerámicas moladas, la Emperatriz encarna quizás mejor que cualquier otra escultura la cifra estilística de la "curva" adoptada por Niki de Saint-Phalle desde los años sesenta en sus "Nanas". Dentro de la "gran madre" - "espacio todo redondo sin ángulo" según las palabras de la autora, destinado a vivienda con el dormitorio en un seno, la cocina en el otro y el espacio central amoblado como salón de estudio - fueron colocadas el 17 de agosto de 1996 - actualmente visibles - las figuras del Juicio, de las Estrellas y del Carro, reflejadas por los miles de fragmentos de espejos venecianos que recubren las paredes. En el dorso de la Emperatriz, los hilos de la melena cubierta de espejos azul eléctrico que enmarca el rostro negro de la figura, delimitan una terraza-mirador toda recovecos y concavidad, accesible desde una escalera modelada en el lado externo, desde donde se disfruta del gran panorama del campo circundante y la visión plateada de la Luna, escultura "skinny" sostenida por el cangrejo rojo situado en el centro de un claro más abajo.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la La Emperatriz-Esfinge en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

Anteriormente cerrada al público es también la escultura más representativa e importante del complejo, la Emperatriz-Esfinge en la que Niki de Saint Phalle vivió durante largos períodos de tiempo durante los trabajos. Situada al lado del Castillo, la Emperatriz se asoma a la plaza de abajo y se encuentra en posición dominante sobre todo el Jardín. Enorme y opulenta, el cuerpo excesivamente formoso cubierto con una fantasmagoría de cerámicas moladas, la Emperatriz encarna quizás mejor que cualquier otra escultura la cifra estilística de la "curva" adoptada por Niki de Saint-Phalle desde los años sesenta en sus "Nanas". Dentro de la "gran madre" - "espacio todo redondo sin ángulo" según las palabras de la autora, destinado a vivienda con el dormitorio en un seno, la cocina en el otro y el espacio central amoblado como salón de estudio - fueron colocadas el 17 de agosto de 1996 - actualmente visibles - las figuras del Juicio, de las Estrellas y del Carro, reflejadas por los miles de fragmentos de espejos venecianos que recubren las paredes. En el dorso de la Emperatriz, los hilos de la melena cubierta de espejos azul eléctrico que enmarca el rostro negro de la figura, delimitan una terraza-mirador toda recovecos y concavidad, accesible desde una escalera modelada en el lado externo, desde donde se disfruta del gran panorama del campo circundante y la visión plateada de la Luna, escultura "skinny" sostenida por el cangrejo rojo situado en el centro de un claro más abajo.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la La Templanza y Descripción.

Siguiendo el camino, a la izquierda surge la cúpula-capilla de espejos y cemento dominada por la figura de la Templanza, dedicada a la memoria de Jean Tinguely y de Ricardo Menon; el iglú está cubierto en el interior de espejos y formas cerámicas en forma de flores, y se centra alrededor de un pequeño altar con el bajorrelieve pintado de una Virgen negra, que vela sobre las fotografías de los amigos desaparecidos. Entrar en la capilla significa entrar en una dimensión en la que se pierden los parámetros espaciales conocidos: más que en otros lugares del Jardín (y aún más fuerte debe ser la sensación dentro de la Emperatriz), el efecto es de un envolvente, caleidoscopio de colores y formas curvas continuamente reflejadas y rotas, un espacio mágico y escurridizo en el que parece traducirse el concepto mismo de infinito. Cerca de la capilla, en medio del verde, se encuentran esculturas-asientos en forma de animales, utilizables como momentos de parada, de contemplación y de meditación, mientras que otras esculturas, de sujeto mítico (la Diosa de las serpientes o el Oráculo) o animal (el gato Ricardo) se dispersan en el bosque.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La Templanza sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

Siguiendo el camino, a la izquierda surge la cúpula-capilla de espejos y cemento dominada por la figura de la Templanza, dedicada a la memoria de Jean Tinguely y de Ricardo Menon; el iglú está cubierto en el interior de espejos y formas cerámicas en forma de flores, y se centra alrededor de un pequeño altar con el bajorrelieve pintado de una Virgen negra, que vela sobre las fotografías de los amigos desaparecidos. Entrar en la capilla significa entrar en una dimensión en la que se pierden los parámetros espaciales conocidos: más que en otros lugares del Jardín (y aún más fuerte debe ser la sensación dentro de la Emperatriz), el efecto es de un envolvente, caleidoscopio de colores y formas curvas continuamente reflejadas y rotas, un espacio mágico y escurridizo en el que parece traducirse el concepto mismo de infinito. Cerca de la capilla, en medio del verde, se encuentran esculturas-asientos en forma de animales, utilizables como momentos de parada, de contemplación y de meditación, mientras que otras esculturas, de sujeto mítico (la Diosa de las serpientes o el Oráculo) o animal (el gato Ricardo) se dispersan en el bosque.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la La Templanza de la Descripción?

Siguiendo el camino, a la izquierda surge la cúpula-capilla de espejos y cemento dominada por la figura de la Templanza, dedicada a la memoria de Jean Tinguely y de Ricardo Menon; el iglú está cubierto en el interior de espejos y formas cerámicas en forma de flores, y se centra alrededor de un pequeño altar con el bajorrelieve pintado de una Virgen negra, que vela sobre las fotografías de los amigos desaparecidos. Entrar en la capilla significa entrar en una dimensión en la que se pierden los parámetros espaciales conocidos: más que en otros lugares del Jardín (y aún más fuerte debe ser la sensación dentro de la Emperatriz), el efecto es de un envolvente, caleidoscopio de colores y formas curvas continuamente reflejadas y rotas, un espacio mágico y escurridizo en el que parece traducirse el concepto mismo de infinito. Cerca de la capilla, en medio del verde, se encuentran esculturas-asientos en forma de animales, utilizables como momentos de parada, de contemplación y de meditación, mientras que otras esculturas, de sujeto mítico (la Diosa de las serpientes o el Oráculo) o animal (el gato Ricardo) se dispersan en el bosque.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la La Templanza en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

Siguiendo el camino, a la izquierda surge la cúpula-capilla de espejos y cemento dominada por la figura de la Templanza, dedicada a la memoria de Jean Tinguely y de Ricardo Menon; el iglú está cubierto en el interior de espejos y formas cerámicas en forma de flores, y se centra alrededor de un pequeño altar con el bajorrelieve pintado de una Virgen negra, que vela sobre las fotografías de los amigos desaparecidos. Entrar en la capilla significa entrar en una dimensión en la que se pierden los parámetros espaciales conocidos: más que en otros lugares del Jardín (y aún más fuerte debe ser la sensación dentro de la Emperatriz), el efecto es de un envolvente, caleidoscopio de colores y formas curvas continuamente reflejadas y rotas, un espacio mágico y escurridizo en el que parece traducirse el concepto mismo de infinito. Cerca de la capilla, en medio del verde, se encuentran esculturas-asientos en forma de animales, utilizables como momentos de parada, de contemplación y de meditación, mientras que otras esculturas, de sujeto mítico (la Diosa de las serpientes o el Oráculo) o animal (el gato Ricardo) se dispersan en el bosque.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


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Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la La Muerte, el Diablo, el Loco, el Mundo y Descripción.

Volviendo hacia atrás hasta la escultura del Sol, otro pequeño camino de tierra llega hasta el último, salvaje sector del Jardín, un solitario itinerario de tres pequeños claros cercanos a las esculturas de la Muerte, puesta sobre una base de espejos y simbolizada por una sonriente figura dorada montada sobre un caballo azul que corta a hombres y animales a sus pies; del Diablo, que está al acehco en el fondo de un nicho vegetal, con las alas de murciélago desplegadas, el cuerpo pintado, el sexo incierto, las dos figuras humanas - femenina y masculina - a los lados; del Loco, filiforme escultura "skinny" en la que el joven vagabundo, en el cual el artista se identifica, es el símbolo del caos, del espíritu y del entusiasmo y, finalmente, del Mundo, realizada junto con Tinguely que creó la máquina ferrosa en la base que hace girar a intervalos regulares, alumbrando mágicamente con minúsculas partículas de luz el verde circundante, la esfera de espejos que se encuentra entre las espiras de una serpiente y dominada por una figura de mujer con los brazos abiertos.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La Muerte, el Diablo, el Loco, el Mundo sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

Volviendo hacia atrás hasta la escultura del Sol, otro pequeño camino de tierra llega hasta el último, salvaje sector del Jardín, un solitario itinerario de tres pequeños claros cercanos a las esculturas de la Muerte, puesta sobre una base de espejos y simbolizada por una sonriente figura dorada montada sobre un caballo azul que corta a hombres y animales a sus pies; del Diablo, que está al acehco en el fondo de un nicho vegetal, con las alas de murciélago desplegadas, el cuerpo pintado, el sexo incierto, las dos figuras humanas - femenina y masculina - a los lados; del Loco, filiforme escultura "skinny" en la que el joven vagabundo, en el cual el artista se identifica, es el símbolo del caos, del espíritu y del entusiasmo y, finalmente, del Mundo, realizada junto con Tinguely que creó la máquina ferrosa en la base que hace girar a intervalos regulares, alumbrando mágicamente con minúsculas partículas de luz el verde circundante, la esfera de espejos que se encuentra entre las espiras de una serpiente y dominada por una figura de mujer con los brazos abiertos.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


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Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la La Muerte, el Diablo, el Loco, el Mundo de la Descripción?

Volviendo hacia atrás hasta la escultura del Sol, otro pequeño camino de tierra llega hasta el último, salvaje sector del Jardín, un solitario itinerario de tres pequeños claros cercanos a las esculturas de la Muerte, puesta sobre una base de espejos y simbolizada por una sonriente figura dorada montada sobre un caballo azul que corta a hombres y animales a sus pies; del Diablo, que está al acehco en el fondo de un nicho vegetal, con las alas de murciélago desplegadas, el cuerpo pintado, el sexo incierto, las dos figuras humanas - femenina y masculina - a los lados; del Loco, filiforme escultura "skinny" en la que el joven vagabundo, en el cual el artista se identifica, es el símbolo del caos, del espíritu y del entusiasmo y, finalmente, del Mundo, realizada junto con Tinguely que creó la máquina ferrosa en la base que hace girar a intervalos regulares, alumbrando mágicamente con minúsculas partículas de luz el verde circundante, la esfera de espejos que se encuentra entre las espiras de una serpiente y dominada por una figura de mujer con los brazos abiertos.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


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Prompt: Describe las características de la La Muerte, el Diablo, el Loco, el Mundo en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

Volviendo hacia atrás hasta la escultura del Sol, otro pequeño camino de tierra llega hasta el último, salvaje sector del Jardín, un solitario itinerario de tres pequeños claros cercanos a las esculturas de la Muerte, puesta sobre una base de espejos y simbolizada por una sonriente figura dorada montada sobre un caballo azul que corta a hombres y animales a sus pies; del Diablo, que está al acehco en el fondo de un nicho vegetal, con las alas de murciélago desplegadas, el cuerpo pintado, el sexo incierto, las dos figuras humanas - femenina y masculina - a los lados; del Loco, filiforme escultura "skinny" en la que el joven vagabundo, en el cual el artista se identifica, es el símbolo del caos, del espíritu y del entusiasmo y, finalmente, del Mundo, realizada junto con Tinguely que creó la máquina ferrosa en la base que hace girar a intervalos regulares, alumbrando mágicamente con minúsculas partículas de luz el verde circundante, la esfera de espejos que se encuentra entre las espiras de una serpiente y dominada por una figura de mujer con los brazos abiertos.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la La Fuerza y Descripción.

La escultura de la Fuerza representa el undécimo Arcano del Tarot y muestra una mujer que refrena a un dragón, liado a ella de un hilo invisible.Es una original interpretación de este Arcano, que, del Mazzi Visconti Sforza del 1450, representa a una mujer que abre las fauces a un león. La introducción de la figura del dragón muestra también las deudas iconográficas que la artista tiene hacia las esculturas del Bosco Sacro di Bomanzo, donde está un dragón que acuerda mucho lo de Niki de Saint Phalle.[11]

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La Fuerza sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

La escultura de la Fuerza representa el undécimo Arcano del Tarot y muestra una mujer que refrena a un dragón, liado a ella de un hilo invisible.Es una original interpretación de este Arcano, que, del Mazzi Visconti Sforza del 1450, representa a una mujer que abre las fauces a un león. La introducción de la figura del dragón muestra también las deudas iconográficas que la artista tiene hacia las esculturas del Bosco Sacro di Bomanzo, donde está un dragón que acuerda mucho lo de Niki de Saint Phalle.[11]

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la La Fuerza de la Descripción?

La escultura de la Fuerza representa el undécimo Arcano del Tarot y muestra una mujer que refrena a un dragón, liado a ella de un hilo invisible.Es una original interpretación de este Arcano, que, del Mazzi Visconti Sforza del 1450, representa a una mujer que abre las fauces a un león. La introducción de la figura del dragón muestra también las deudas iconográficas que la artista tiene hacia las esculturas del Bosco Sacro di Bomanzo, donde está un dragón que acuerda mucho lo de Niki de Saint Phalle.[11]

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la La Fuerza en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

La escultura de la Fuerza representa el undécimo Arcano del Tarot y muestra una mujer que refrena a un dragón, liado a ella de un hilo invisible.Es una original interpretación de este Arcano, que, del Mazzi Visconti Sforza del 1450, representa a una mujer que abre las fauces a un león. La introducción de la figura del dragón muestra también las deudas iconográficas que la artista tiene hacia las esculturas del Bosco Sacro di Bomanzo, donde está un dragón que acuerda mucho lo de Niki de Saint Phalle.[11]

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


La_bañista_de_Valpinçon

Prompt: Concéntrate en La_bañista_de_Valpinçon y explora la abstract.

La bañista de Valpinçon o La gran bañista es un cuadro del pintor francés Dominique Ingres. Data del año 1808 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia. En francés se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinçon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse.Ingres cultivó el orientalismo sobre todo a través de sus numerosos desnudos femeninos, de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres están dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII. Estas bañistas presentan una belleza perfecta, con curvas sinuosas y sensualidad discreta.[1]Esta bañista es la primera de una serie que realizará a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el período 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. Allí se entusiasmó con las antigüedades clásicas y los frescos de Rafael. Esta Gran bañista, lo mismo que François-Marius Granet (1807) y Madame Devauçay (1807), fueron aplaudidas por la crítica parisina.[2]La Gran bañista recuerda a los lienzos de Jacques-Louis David durante la Revolución.[3]La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda.[4]El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.[4]El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual.[5]Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.[4]En cuanto al cromatismo, predominan los tonos cálidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sábana y el verde oscuro de la cortina.[4]

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1800

Archivo:Jean-Auguste-Dominique Ingres - La Baigneuse Valpinçon.jpg


La_bañista_de_Valpinçon

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_bañista_de_Valpinçon.

La bañista de Valpinçon o La gran bañista es un cuadro del pintor francés Dominique Ingres. Data del año 1808 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia. En francés se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinçon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse.Ingres cultivó el orientalismo sobre todo a través de sus numerosos desnudos femeninos, de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres están dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII. Estas bañistas presentan una belleza perfecta, con curvas sinuosas y sensualidad discreta.[1]Esta bañista es la primera de una serie que realizará a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el período 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. Allí se entusiasmó con las antigüedades clásicas y los frescos de Rafael. Esta Gran bañista, lo mismo que François-Marius Granet (1807) y Madame Devauçay (1807), fueron aplaudidas por la crítica parisina.[2]La Gran bañista recuerda a los lienzos de Jacques-Louis David durante la Revolución.[3]La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda.[4]El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.[4]El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual.[5]Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.[4]En cuanto al cromatismo, predominan los tonos cálidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sábana y el verde oscuro de la cortina.[4]

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1800

Archivo:Jean-Auguste-Dominique Ingres - La Baigneuse Valpinçon.jpg


La_bañista_de_Valpinçon

Prompt: ¿Cómo aclara La_bañista_de_Valpinçon su abstract?

La bañista de Valpinçon o La gran bañista es un cuadro del pintor francés Dominique Ingres. Data del año 1808 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia. En francés se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinçon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse.Ingres cultivó el orientalismo sobre todo a través de sus numerosos desnudos femeninos, de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres están dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII. Estas bañistas presentan una belleza perfecta, con curvas sinuosas y sensualidad discreta.[1]Esta bañista es la primera de una serie que realizará a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el período 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. Allí se entusiasmó con las antigüedades clásicas y los frescos de Rafael. Esta Gran bañista, lo mismo que François-Marius Granet (1807) y Madame Devauçay (1807), fueron aplaudidas por la crítica parisina.[2]La Gran bañista recuerda a los lienzos de Jacques-Louis David durante la Revolución.[3]La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda.[4]El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.[4]El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual.[5]Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.[4]En cuanto al cromatismo, predominan los tonos cálidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sábana y el verde oscuro de la cortina.[4]

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1800

Archivo:Jean-Auguste-Dominique Ingres - La Baigneuse Valpinçon.jpg


La_bañista_de_Valpinçon

Prompt: En La_bañista_de_Valpinçon, ¿Cómo se discute la abstract?

La bañista de Valpinçon o La gran bañista es un cuadro del pintor francés Dominique Ingres. Data del año 1808 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia. En francés se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinçon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse.Ingres cultivó el orientalismo sobre todo a través de sus numerosos desnudos femeninos, de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres están dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII. Estas bañistas presentan una belleza perfecta, con curvas sinuosas y sensualidad discreta.[1]Esta bañista es la primera de una serie que realizará a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el período 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. Allí se entusiasmó con las antigüedades clásicas y los frescos de Rafael. Esta Gran bañista, lo mismo que François-Marius Granet (1807) y Madame Devauçay (1807), fueron aplaudidas por la crítica parisina.[2]La Gran bañista recuerda a los lienzos de Jacques-Louis David durante la Revolución.[3]La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda.[4]El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.[4]El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual.[5]Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.[4]En cuanto al cromatismo, predominan los tonos cálidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sábana y el verde oscuro de la cortina.[4]

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1800

Archivo:Jean-Auguste-Dominique Ingres - La Baigneuse Valpinçon.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: Concéntrate en El_taller_del_herrero y explora la abstract.

El taller del herrero es un tema recurrente de cinco pinturas del artista Joseph Wright de Derby. La versión que se encuentra en el Museo de Derby fue terminada en 1771.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, El_taller_del_herrero.

El taller del herrero es un tema recurrente de cinco pinturas del artista Joseph Wright de Derby. La versión que se encuentra en el Museo de Derby fue terminada en 1771.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: ¿Cómo aclara El_taller_del_herrero su abstract?

El taller del herrero es un tema recurrente de cinco pinturas del artista Joseph Wright de Derby. La versión que se encuentra en el Museo de Derby fue terminada en 1771.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: En El_taller_del_herrero, ¿Cómo se discute la abstract?

El taller del herrero es un tema recurrente de cinco pinturas del artista Joseph Wright de Derby. La versión que se encuentra en el Museo de Derby fue terminada en 1771.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: Concéntrate en El_taller_del_herrero y explora la Descripción.

Las cinco pinturas de Joseph Wright que tienen como tema un taller de herrero fueron creadas entre 1771 y 1773. La versión de Derby ilustra a tres hombres trabajando en la manufactura o elaboración de una pieza de hierro o acero. La presencia de visitantes y el trabajo nocturno se explican porque Wright ha imaginado que un viajero ha sufrido un accidente, y el herrero debe trabajar a la luz de una vela.[1] Este dispositivo permite a Wright mostrar su habilidad e interés en el juego de luz y sombra.[2]

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, El_taller_del_herrero.

Las cinco pinturas de Joseph Wright que tienen como tema un taller de herrero fueron creadas entre 1771 y 1773. La versión de Derby ilustra a tres hombres trabajando en la manufactura o elaboración de una pieza de hierro o acero. La presencia de visitantes y el trabajo nocturno se explican porque Wright ha imaginado que un viajero ha sufrido un accidente, y el herrero debe trabajar a la luz de una vela.[1] Este dispositivo permite a Wright mostrar su habilidad e interés en el juego de luz y sombra.[2]

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: ¿Cómo aclara El_taller_del_herrero su Descripción?

Las cinco pinturas de Joseph Wright que tienen como tema un taller de herrero fueron creadas entre 1771 y 1773. La versión de Derby ilustra a tres hombres trabajando en la manufactura o elaboración de una pieza de hierro o acero. La presencia de visitantes y el trabajo nocturno se explican porque Wright ha imaginado que un viajero ha sufrido un accidente, y el herrero debe trabajar a la luz de una vela.[1] Este dispositivo permite a Wright mostrar su habilidad e interés en el juego de luz y sombra.[2]

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: En El_taller_del_herrero, ¿Cómo se discute la Descripción?

Las cinco pinturas de Joseph Wright que tienen como tema un taller de herrero fueron creadas entre 1771 y 1773. La versión de Derby ilustra a tres hombres trabajando en la manufactura o elaboración de una pieza de hierro o acero. La presencia de visitantes y el trabajo nocturno se explican porque Wright ha imaginado que un viajero ha sufrido un accidente, y el herrero debe trabajar a la luz de una vela.[1] Este dispositivo permite a Wright mostrar su habilidad e interés en el juego de luz y sombra.[2]

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

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El_taller_del_herrero

Prompt: Concéntrate en El_taller_del_herrero y explora la Otras versiones.

Las versiones posteriores que dan una visión más tradicional de un taller de forja están ahora en el Museo del Hermitage de San Petersburgo y en la Tate de Londres. En ellas, la figura principal está trabajando en la fragua mientras es observado por su familia. La novedad de las obras nocturnas de Wright reside en el tema. Sus cuadros se consideran frecuentemente como símbolos de la Revolución industrial y la Ilustración. Wright era una figura importante de la Sociedad Lunar y de la Sociedad filosófica de Derby, cuyos miembros estaban configurando el desarrollo de la ciencia y la ingeniería en Inglaterra.[3]En 1772, Wright creó una variación de 44 por 52 pulgadas de este tema, llamada La forja de acero, que fue vendida a Lord Palmerston por 200 libras. Esta versión está todavía en la familia Parmerstone. Otra versión de 41 por 55 pulgadas, titulada Una forja de acero vista desde fuera fue vendida a la emperatriz Catalina II de Rusia.[4]Otra versión de 1771 fue titulada La tienda del herrero, y fue vendida al primer Lord Melbourne. Permaneció en su familia hasta que fue entregada a Down House, donde se unió a la colección en memoria de Charles Darwin. Esta versión está ahora en la colección Mellon.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

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El_taller_del_herrero

Prompt: Explora la Otras versiones de esta obra de arte, El_taller_del_herrero.

Las versiones posteriores que dan una visión más tradicional de un taller de forja están ahora en el Museo del Hermitage de San Petersburgo y en la Tate de Londres. En ellas, la figura principal está trabajando en la fragua mientras es observado por su familia. La novedad de las obras nocturnas de Wright reside en el tema. Sus cuadros se consideran frecuentemente como símbolos de la Revolución industrial y la Ilustración. Wright era una figura importante de la Sociedad Lunar y de la Sociedad filosófica de Derby, cuyos miembros estaban configurando el desarrollo de la ciencia y la ingeniería en Inglaterra.[3]En 1772, Wright creó una variación de 44 por 52 pulgadas de este tema, llamada La forja de acero, que fue vendida a Lord Palmerston por 200 libras. Esta versión está todavía en la familia Parmerstone. Otra versión de 41 por 55 pulgadas, titulada Una forja de acero vista desde fuera fue vendida a la emperatriz Catalina II de Rusia.[4]Otra versión de 1771 fue titulada La tienda del herrero, y fue vendida al primer Lord Melbourne. Permaneció en su familia hasta que fue entregada a Down House, donde se unió a la colección en memoria de Charles Darwin. Esta versión está ahora en la colección Mellon.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: ¿Cómo aclara El_taller_del_herrero su Otras versiones?

Las versiones posteriores que dan una visión más tradicional de un taller de forja están ahora en el Museo del Hermitage de San Petersburgo y en la Tate de Londres. En ellas, la figura principal está trabajando en la fragua mientras es observado por su familia. La novedad de las obras nocturnas de Wright reside en el tema. Sus cuadros se consideran frecuentemente como símbolos de la Revolución industrial y la Ilustración. Wright era una figura importante de la Sociedad Lunar y de la Sociedad filosófica de Derby, cuyos miembros estaban configurando el desarrollo de la ciencia y la ingeniería en Inglaterra.[3]En 1772, Wright creó una variación de 44 por 52 pulgadas de este tema, llamada La forja de acero, que fue vendida a Lord Palmerston por 200 libras. Esta versión está todavía en la familia Parmerstone. Otra versión de 41 por 55 pulgadas, titulada Una forja de acero vista desde fuera fue vendida a la emperatriz Catalina II de Rusia.[4]Otra versión de 1771 fue titulada La tienda del herrero, y fue vendida al primer Lord Melbourne. Permaneció en su familia hasta que fue entregada a Down House, donde se unió a la colección en memoria de Charles Darwin. Esta versión está ahora en la colección Mellon.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

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La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

Archivo:Joseph Wright - An Iron Forge - Google Art Project.jpg


El_taller_del_herrero

Prompt: En El_taller_del_herrero, ¿Cómo se discute la Otras versiones?

Las versiones posteriores que dan una visión más tradicional de un taller de forja están ahora en el Museo del Hermitage de San Petersburgo y en la Tate de Londres. En ellas, la figura principal está trabajando en la fragua mientras es observado por su familia. La novedad de las obras nocturnas de Wright reside en el tema. Sus cuadros se consideran frecuentemente como símbolos de la Revolución industrial y la Ilustración. Wright era una figura importante de la Sociedad Lunar y de la Sociedad filosófica de Derby, cuyos miembros estaban configurando el desarrollo de la ciencia y la ingeniería en Inglaterra.[3]En 1772, Wright creó una variación de 44 por 52 pulgadas de este tema, llamada La forja de acero, que fue vendida a Lord Palmerston por 200 libras. Esta versión está todavía en la familia Parmerstone. Otra versión de 41 por 55 pulgadas, titulada Una forja de acero vista desde fuera fue vendida a la emperatriz Catalina II de Rusia.[4]Otra versión de 1771 fue titulada La tienda del herrero, y fue vendida al primer Lord Melbourne. Permaneció en su familia hasta que fue entregada a Down House, donde se unió a la colección en memoria de Charles Darwin. Esta versión está ahora en la colección Mellon.

El taller del herrero<br />[[Derby Museum and Art Gallery

Archivo:The Iron Forge Viewed from Without.jpg

La forja de acero<br />[[Museo del Hermitage

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770

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Muchachas_al_piano

Prompt: Concéntrate en Muchachas_al_piano y explora la abstract.

Muchachas al piano (en francés: Jeunes filles au piano) es un cuadro en óleo sobre tela de 116 × 81 cm de Pierre-Auguste Renoir, el cual fue pintado alrededor de 1892.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Muchachas_al_piano.

Muchachas al piano (en francés: Jeunes filles au piano) es un cuadro en óleo sobre tela de 116 × 81 cm de Pierre-Auguste Renoir, el cual fue pintado alrededor de 1892.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: ¿Cómo aclara Muchachas_al_piano su abstract?

Muchachas al piano (en francés: Jeunes filles au piano) es un cuadro en óleo sobre tela de 116 × 81 cm de Pierre-Auguste Renoir, el cual fue pintado alrededor de 1892.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: En Muchachas_al_piano, ¿Cómo se discute la abstract?

Muchachas al piano (en francés: Jeunes filles au piano) es un cuadro en óleo sobre tela de 116 × 81 cm de Pierre-Auguste Renoir, el cual fue pintado alrededor de 1892.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: Concéntrate en Muchachas_al_piano y explora la Historia.

El tema de las dos muchachas al piano aparece a menudo en la obra de Renoir. Esta pintura al óleo es fruto de un pedido oficial del Estado. Además de esta versión (que es una de las primeras), hay un pastel y cuatro óleos más con este tema, entre las cuales es encuentra la que adquirió el Museo de Luxemburgo el año de 1892 y se conserva hoy en día en el Museo de Orsay.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Muchachas_al_piano.

El tema de las dos muchachas al piano aparece a menudo en la obra de Renoir. Esta pintura al óleo es fruto de un pedido oficial del Estado. Además de esta versión (que es una de las primeras), hay un pastel y cuatro óleos más con este tema, entre las cuales es encuentra la que adquirió el Museo de Luxemburgo el año de 1892 y se conserva hoy en día en el Museo de Orsay.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: ¿Cómo aclara Muchachas_al_piano su Historia?

El tema de las dos muchachas al piano aparece a menudo en la obra de Renoir. Esta pintura al óleo es fruto de un pedido oficial del Estado. Además de esta versión (que es una de las primeras), hay un pastel y cuatro óleos más con este tema, entre las cuales es encuentra la que adquirió el Museo de Luxemburgo el año de 1892 y se conserva hoy en día en el Museo de Orsay.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: En Muchachas_al_piano, ¿Cómo se discute la Historia?

El tema de las dos muchachas al piano aparece a menudo en la obra de Renoir. Esta pintura al óleo es fruto de un pedido oficial del Estado. Además de esta versión (que es una de las primeras), hay un pastel y cuatro óleos más con este tema, entre las cuales es encuentra la que adquirió el Museo de Luxemburgo el año de 1892 y se conserva hoy en día en el Museo de Orsay.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: Concéntrate en Muchachas_al_piano y explora la Descripción.

En el boceto de la colección Walter-Guillaume, el fondo tan sólo es sugerido sumariamente, pero el estudio de los personajes, de su expresión concentrada, ya está muy avanzada, cercana a la obra definitiva. Aparte del grado de finalización y de la gama de colores, solamente encontramos diferencias menores entre les diferentes versiones. Esta se distingue por su viveza y frescura.[1]Sabemos, por el testimonio de Arsène Alexandre en 1920, que Renoir trabajó hasta el último momento en la ejecución de esta petición:[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Muchachas_al_piano.

En el boceto de la colección Walter-Guillaume, el fondo tan sólo es sugerido sumariamente, pero el estudio de los personajes, de su expresión concentrada, ya está muy avanzada, cercana a la obra definitiva. Aparte del grado de finalización y de la gama de colores, solamente encontramos diferencias menores entre les diferentes versiones. Esta se distingue por su viveza y frescura.[1]Sabemos, por el testimonio de Arsène Alexandre en 1920, que Renoir trabajó hasta el último momento en la ejecución de esta petición:[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Categoría:Cuadros de Pierre-Auguste Renoir


Muchachas_al_piano

Prompt: ¿Cómo aclara Muchachas_al_piano su Descripción?

En el boceto de la colección Walter-Guillaume, el fondo tan sólo es sugerido sumariamente, pero el estudio de los personajes, de su expresión concentrada, ya está muy avanzada, cercana a la obra definitiva. Aparte del grado de finalización y de la gama de colores, solamente encontramos diferencias menores entre les diferentes versiones. Esta se distingue por su viveza y frescura.[1]Sabemos, por el testimonio de Arsène Alexandre en 1920, que Renoir trabajó hasta el último momento en la ejecución de esta petición:[1]

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Muchachas_al_piano

Prompt: En Muchachas_al_piano, ¿Cómo se discute la Descripción?

En el boceto de la colección Walter-Guillaume, el fondo tan sólo es sugerido sumariamente, pero el estudio de los personajes, de su expresión concentrada, ya está muy avanzada, cercana a la obra definitiva. Aparte del grado de finalización y de la gama de colores, solamente encontramos diferencias menores entre les diferentes versiones. Esta se distingue por su viveza y frescura.[1]Sabemos, por el testimonio de Arsène Alexandre en 1920, que Renoir trabajó hasta el último momento en la ejecución de esta petición:[1]

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Capilla_Nicolina

Prompt: Concéntrate en Capilla_Nicolina y explora la abstract.

La Capilla Nicolina[1] (en italiano: Cappella Niccolina)[2] es una capilla en el Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es especialmente notable por sus pinturas al fresco de Fra Angelico (1447-1451) y sus asistentes, que pudieron haber ejecutado la mayor parte del trabajo real. El nombre se deriva de su mecenas, el papa Nicolás V, quien la había construido para su uso como su capilla privada.La capilla está ubicada en la Torre de Inocencio III, en la parte más antigua del Palacio Apostólico. Las paredes fueron decoradas por Fra Angelico con imágenes de dos de los primeros mártires cristianos, San Esteban y San Lorenzo.

Categoría:Iglesias dedicadas a San Nicolás

Categoría:Arquitectura de Ciudad del Vaticano del siglo XV

Categoría:Capillas de Ciudad del Vaticano


Capilla_Nicolina

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La Capilla Nicolina[1] (en italiano: Cappella Niccolina)[2] es una capilla en el Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es especialmente notable por sus pinturas al fresco de Fra Angelico (1447-1451) y sus asistentes, que pudieron haber ejecutado la mayor parte del trabajo real. El nombre se deriva de su mecenas, el papa Nicolás V, quien la había construido para su uso como su capilla privada.La capilla está ubicada en la Torre de Inocencio III, en la parte más antigua del Palacio Apostólico. Las paredes fueron decoradas por Fra Angelico con imágenes de dos de los primeros mártires cristianos, San Esteban y San Lorenzo.

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Capilla_Nicolina

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La Capilla Nicolina[1] (en italiano: Cappella Niccolina)[2] es una capilla en el Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es especialmente notable por sus pinturas al fresco de Fra Angelico (1447-1451) y sus asistentes, que pudieron haber ejecutado la mayor parte del trabajo real. El nombre se deriva de su mecenas, el papa Nicolás V, quien la había construido para su uso como su capilla privada.La capilla está ubicada en la Torre de Inocencio III, en la parte más antigua del Palacio Apostólico. Las paredes fueron decoradas por Fra Angelico con imágenes de dos de los primeros mártires cristianos, San Esteban y San Lorenzo.

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Capilla_Nicolina

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La Capilla Nicolina[1] (en italiano: Cappella Niccolina)[2] es una capilla en el Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es especialmente notable por sus pinturas al fresco de Fra Angelico (1447-1451) y sus asistentes, que pudieron haber ejecutado la mayor parte del trabajo real. El nombre se deriva de su mecenas, el papa Nicolás V, quien la había construido para su uso como su capilla privada.La capilla está ubicada en la Torre de Inocencio III, en la parte más antigua del Palacio Apostólico. Las paredes fueron decoradas por Fra Angelico con imágenes de dos de los primeros mártires cristianos, San Esteban y San Lorenzo.

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Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Bonaparte en el puente de Arcole es una pintura de Antoine-Jean Gros, que representa un episodio de la batalla del puente de Arcole. El joven general Napoleón Bonaparte dirige sus tropas para atacar el puente. La famosa pintura introduce al general en jefe del ejército francés directamente en la leyenda iconográfica de la campaña italiana.

Categoría:Colecciones del palacio de Versalles

Categoría:Representaciones culturales de Napoleón Bonaparte

''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Bonaparte en el puente de Arcole es una pintura de Antoine-Jean Gros, que representa un episodio de la batalla del puente de Arcole. El joven general Napoleón Bonaparte dirige sus tropas para atacar el puente. La famosa pintura introduce al general en jefe del ejército francés directamente en la leyenda iconográfica de la campaña italiana.

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Bonaparte en el puente de Arcole es una pintura de Antoine-Jean Gros, que representa un episodio de la batalla del puente de Arcole. El joven general Napoleón Bonaparte dirige sus tropas para atacar el puente. La famosa pintura introduce al general en jefe del ejército francés directamente en la leyenda iconográfica de la campaña italiana.

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Bonaparte en el puente de Arcole es una pintura de Antoine-Jean Gros, que representa un episodio de la batalla del puente de Arcole. El joven general Napoleón Bonaparte dirige sus tropas para atacar el puente. La famosa pintura introduce al general en jefe del ejército francés directamente en la leyenda iconográfica de la campaña italiana.

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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La pintura muestra a Bonaparte en un encuadre cercano sosteniendo el asta de la bandera del ejército italiano en su mano izquierda. Viste el uniforme azul oscuro de los generales de la República con bordados dorados y cuello forrado de rojo, sus pantalones son del mismo color. Lleva un pañuelo negro que apenas deja al descubierto el cuello blanco de la camisa. Está ceñido con una faja bicolor con flecos dorados y un cinturón con gran hebilla cuadrada que sujeta la funda del sable desenvainado que sostiene en su mano derecha protegida por un guantelete, en la hoja del arma está inscrito «Bonaparte, ejército de Italia». El fondo, que sugiere un ambiente exterior, muestra un cielo lleno de nubes de humo a la izquierda, donde también se ven algunas casas. El suelo que bordea el río está pintado en tonos oscuros, y se puede distinguir una bala de cañón aún humeante. [1]

Categoría:Colecciones del palacio de Versalles

Categoría:Representaciones culturales de Napoleón Bonaparte

''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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La pintura muestra a Bonaparte en un encuadre cercano sosteniendo el asta de la bandera del ejército italiano en su mano izquierda. Viste el uniforme azul oscuro de los generales de la República con bordados dorados y cuello forrado de rojo, sus pantalones son del mismo color. Lleva un pañuelo negro que apenas deja al descubierto el cuello blanco de la camisa. Está ceñido con una faja bicolor con flecos dorados y un cinturón con gran hebilla cuadrada que sujeta la funda del sable desenvainado que sostiene en su mano derecha protegida por un guantelete, en la hoja del arma está inscrito «Bonaparte, ejército de Italia». El fondo, que sugiere un ambiente exterior, muestra un cielo lleno de nubes de humo a la izquierda, donde también se ven algunas casas. El suelo que bordea el río está pintado en tonos oscuros, y se puede distinguir una bala de cañón aún humeante. [1]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

Prompt: ¿Cómo aclara Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole su Descripción?

La pintura muestra a Bonaparte en un encuadre cercano sosteniendo el asta de la bandera del ejército italiano en su mano izquierda. Viste el uniforme azul oscuro de los generales de la República con bordados dorados y cuello forrado de rojo, sus pantalones son del mismo color. Lleva un pañuelo negro que apenas deja al descubierto el cuello blanco de la camisa. Está ceñido con una faja bicolor con flecos dorados y un cinturón con gran hebilla cuadrada que sujeta la funda del sable desenvainado que sostiene en su mano derecha protegida por un guantelete, en la hoja del arma está inscrito «Bonaparte, ejército de Italia». El fondo, que sugiere un ambiente exterior, muestra un cielo lleno de nubes de humo a la izquierda, donde también se ven algunas casas. El suelo que bordea el río está pintado en tonos oscuros, y se puede distinguir una bala de cañón aún humeante. [1]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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La pintura muestra a Bonaparte en un encuadre cercano sosteniendo el asta de la bandera del ejército italiano en su mano izquierda. Viste el uniforme azul oscuro de los generales de la República con bordados dorados y cuello forrado de rojo, sus pantalones son del mismo color. Lleva un pañuelo negro que apenas deja al descubierto el cuello blanco de la camisa. Está ceñido con una faja bicolor con flecos dorados y un cinturón con gran hebilla cuadrada que sujeta la funda del sable desenvainado que sostiene en su mano derecha protegida por un guantelete, en la hoja del arma está inscrito «Bonaparte, ejército de Italia». El fondo, que sugiere un ambiente exterior, muestra un cielo lleno de nubes de humo a la izquierda, donde también se ven algunas casas. El suelo que bordea el río está pintado en tonos oscuros, y se puede distinguir una bala de cañón aún humeante. [1]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

Prompt: Concéntrate en Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole y explora la Historia.

Pintado en Nápoles en 1796.En la colección de Napoleón Bonaparte.Presentado en el Salón de 1801. [2]En la colección de Napoleón III.Secuestrado en 1870.Regresó a la emperatriz Eugenia en 1871.Regalo de la emperatriz Eugenia en 1879 al  Museo del Louvre (número de inventario RF271).En el Palacio de Compiègne en 1901.Ingresó al Palacio de Versalles en 1938 (número de inventario MV 6314).El cuadro de Gros representa el llamado cruce del puente de Arcole por los generales Augereau y Bonaparte aunque nunca lo cruzaron. El 15 de noviembre de 1796, Augereau fue detenido por un violento fuego frente al puente de Arcole. Este fracaso empuja a Bonaparte a arrebatar la bandera a un abanderado de un batallón de la 99 semibrigada y avanzar a pie hasta el centro del puente, donde planta el asta en la plataforma de madera. Pero cuando se da la vuelta, ve que la mayoría de los granaderos no lo han seguido, de ahí la mirada de reproche y preocupación que pinta Gros. En retirada, Bonaparte y los pocos soldados que le habían seguido huyen. El general es derribado y cae al pantano, de donde los soldados lo sacan del barro con dificultad. [3] Gros recibe algunas sesiones de posado de Bonaparte. Según una carta del pintor a su madre, Napoleón no era capaz de quedarse quieto mucho tiempo así que la esposa del futuro emperador Josefina de Beauharnais, lo resolvió sentando a su marido en sus rodillas y abrazándole para que le dedicara el mayor tiempo posible. «Esbozada rápidamente, la escena subraya el voluntarismo del general cuya postura (cabeza vuelta hacia atrás para dar la imagen de un héroe solitario frente a sus tropas, busto hacia adelante) recuerda las antiguas representaciones de Clío, la musa de la Historia. La obra, cuya versión final sólo se presentará en el Salón de 1801, fue grabada inmediatamente para su distribución a los ejércitos y a París. Estos grabados formaban parte de una operación de propaganda destinada a atraer a una importante clientela militar y civil, alabando el genio militar y las agudas opiniones políticas de Bonaparte, su sencillez republicana y su excepcional coraje». De hecho, la campaña italiana fue «una campaña publicitaria que Francia viviría durante más de un año» [4] .Posteriormente, este episodio dará lugar a múltiples imágenes e historias contrapuestas que delatan el grado de bonapartismo de los diferentes autores según la naturaleza y el alcance de sus omisiones. [5]

Categoría:Colecciones del palacio de Versalles

Categoría:Representaciones culturales de Napoleón Bonaparte

''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Pintado en Nápoles en 1796.En la colección de Napoleón Bonaparte.Presentado en el Salón de 1801. [2]En la colección de Napoleón III.Secuestrado en 1870.Regresó a la emperatriz Eugenia en 1871.Regalo de la emperatriz Eugenia en 1879 al  Museo del Louvre (número de inventario RF271).En el Palacio de Compiègne en 1901.Ingresó al Palacio de Versalles en 1938 (número de inventario MV 6314).El cuadro de Gros representa el llamado cruce del puente de Arcole por los generales Augereau y Bonaparte aunque nunca lo cruzaron. El 15 de noviembre de 1796, Augereau fue detenido por un violento fuego frente al puente de Arcole. Este fracaso empuja a Bonaparte a arrebatar la bandera a un abanderado de un batallón de la 99 semibrigada y avanzar a pie hasta el centro del puente, donde planta el asta en la plataforma de madera. Pero cuando se da la vuelta, ve que la mayoría de los granaderos no lo han seguido, de ahí la mirada de reproche y preocupación que pinta Gros. En retirada, Bonaparte y los pocos soldados que le habían seguido huyen. El general es derribado y cae al pantano, de donde los soldados lo sacan del barro con dificultad. [3] Gros recibe algunas sesiones de posado de Bonaparte. Según una carta del pintor a su madre, Napoleón no era capaz de quedarse quieto mucho tiempo así que la esposa del futuro emperador Josefina de Beauharnais, lo resolvió sentando a su marido en sus rodillas y abrazándole para que le dedicara el mayor tiempo posible. «Esbozada rápidamente, la escena subraya el voluntarismo del general cuya postura (cabeza vuelta hacia atrás para dar la imagen de un héroe solitario frente a sus tropas, busto hacia adelante) recuerda las antiguas representaciones de Clío, la musa de la Historia. La obra, cuya versión final sólo se presentará en el Salón de 1801, fue grabada inmediatamente para su distribución a los ejércitos y a París. Estos grabados formaban parte de una operación de propaganda destinada a atraer a una importante clientela militar y civil, alabando el genio militar y las agudas opiniones políticas de Bonaparte, su sencillez republicana y su excepcional coraje». De hecho, la campaña italiana fue «una campaña publicitaria que Francia viviría durante más de un año» [4] .Posteriormente, este episodio dará lugar a múltiples imágenes e historias contrapuestas que delatan el grado de bonapartismo de los diferentes autores según la naturaleza y el alcance de sus omisiones. [5]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

Prompt: ¿Cómo aclara Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole su Historia?

Pintado en Nápoles en 1796.En la colección de Napoleón Bonaparte.Presentado en el Salón de 1801. [2]En la colección de Napoleón III.Secuestrado en 1870.Regresó a la emperatriz Eugenia en 1871.Regalo de la emperatriz Eugenia en 1879 al  Museo del Louvre (número de inventario RF271).En el Palacio de Compiègne en 1901.Ingresó al Palacio de Versalles en 1938 (número de inventario MV 6314).El cuadro de Gros representa el llamado cruce del puente de Arcole por los generales Augereau y Bonaparte aunque nunca lo cruzaron. El 15 de noviembre de 1796, Augereau fue detenido por un violento fuego frente al puente de Arcole. Este fracaso empuja a Bonaparte a arrebatar la bandera a un abanderado de un batallón de la 99 semibrigada y avanzar a pie hasta el centro del puente, donde planta el asta en la plataforma de madera. Pero cuando se da la vuelta, ve que la mayoría de los granaderos no lo han seguido, de ahí la mirada de reproche y preocupación que pinta Gros. En retirada, Bonaparte y los pocos soldados que le habían seguido huyen. El general es derribado y cae al pantano, de donde los soldados lo sacan del barro con dificultad. [3] Gros recibe algunas sesiones de posado de Bonaparte. Según una carta del pintor a su madre, Napoleón no era capaz de quedarse quieto mucho tiempo así que la esposa del futuro emperador Josefina de Beauharnais, lo resolvió sentando a su marido en sus rodillas y abrazándole para que le dedicara el mayor tiempo posible. «Esbozada rápidamente, la escena subraya el voluntarismo del general cuya postura (cabeza vuelta hacia atrás para dar la imagen de un héroe solitario frente a sus tropas, busto hacia adelante) recuerda las antiguas representaciones de Clío, la musa de la Historia. La obra, cuya versión final sólo se presentará en el Salón de 1801, fue grabada inmediatamente para su distribución a los ejércitos y a París. Estos grabados formaban parte de una operación de propaganda destinada a atraer a una importante clientela militar y civil, alabando el genio militar y las agudas opiniones políticas de Bonaparte, su sencillez republicana y su excepcional coraje». De hecho, la campaña italiana fue «una campaña publicitaria que Francia viviría durante más de un año» [4] .Posteriormente, este episodio dará lugar a múltiples imágenes e historias contrapuestas que delatan el grado de bonapartismo de los diferentes autores según la naturaleza y el alcance de sus omisiones. [5]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Pintado en Nápoles en 1796.En la colección de Napoleón Bonaparte.Presentado en el Salón de 1801. [2]En la colección de Napoleón III.Secuestrado en 1870.Regresó a la emperatriz Eugenia en 1871.Regalo de la emperatriz Eugenia en 1879 al  Museo del Louvre (número de inventario RF271).En el Palacio de Compiègne en 1901.Ingresó al Palacio de Versalles en 1938 (número de inventario MV 6314).El cuadro de Gros representa el llamado cruce del puente de Arcole por los generales Augereau y Bonaparte aunque nunca lo cruzaron. El 15 de noviembre de 1796, Augereau fue detenido por un violento fuego frente al puente de Arcole. Este fracaso empuja a Bonaparte a arrebatar la bandera a un abanderado de un batallón de la 99 semibrigada y avanzar a pie hasta el centro del puente, donde planta el asta en la plataforma de madera. Pero cuando se da la vuelta, ve que la mayoría de los granaderos no lo han seguido, de ahí la mirada de reproche y preocupación que pinta Gros. En retirada, Bonaparte y los pocos soldados que le habían seguido huyen. El general es derribado y cae al pantano, de donde los soldados lo sacan del barro con dificultad. [3] Gros recibe algunas sesiones de posado de Bonaparte. Según una carta del pintor a su madre, Napoleón no era capaz de quedarse quieto mucho tiempo así que la esposa del futuro emperador Josefina de Beauharnais, lo resolvió sentando a su marido en sus rodillas y abrazándole para que le dedicara el mayor tiempo posible. «Esbozada rápidamente, la escena subraya el voluntarismo del general cuya postura (cabeza vuelta hacia atrás para dar la imagen de un héroe solitario frente a sus tropas, busto hacia adelante) recuerda las antiguas representaciones de Clío, la musa de la Historia. La obra, cuya versión final sólo se presentará en el Salón de 1801, fue grabada inmediatamente para su distribución a los ejércitos y a París. Estos grabados formaban parte de una operación de propaganda destinada a atraer a una importante clientela militar y civil, alabando el genio militar y las agudas opiniones políticas de Bonaparte, su sencillez republicana y su excepcional coraje». De hecho, la campaña italiana fue «una campaña publicitaria que Francia viviría durante más de un año» [4] .Posteriormente, este episodio dará lugar a múltiples imágenes e historias contrapuestas que delatan el grado de bonapartismo de los diferentes autores según la naturaleza y el alcance de sus omisiones. [5]

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

Prompt: Concéntrate en Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole y explora la Obras relacionadas.

Esbozado en París en el Museo del Louvre, fue aprobado por Bonaparte para la ejecución del cuadro definitivo.Otras versiones en:Arenenberg, (Suiza, cantón de Turgovia), Museo Napoleón.San Petersburgo, Museo del Hermitage.

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Esbozado en París en el Museo del Louvre, fue aprobado por Bonaparte para la ejecución del cuadro definitivo.Otras versiones en:Arenenberg, (Suiza, cantón de Turgovia), Museo Napoleón.San Petersburgo, Museo del Hermitage.

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''Augereau en el 'puente de Arcole'' (pintura de Charles Thévenin, 1798). Las pinturas y grabados que representan a Augereau cruzando el puente quedan eclipsados por la fuerza simbólica de los que representan a Bonaparte.


Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Esbozado en París en el Museo del Louvre, fue aprobado por Bonaparte para la ejecución del cuadro definitivo.Otras versiones en:Arenenberg, (Suiza, cantón de Turgovia), Museo Napoleón.San Petersburgo, Museo del Hermitage.

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Bonaparte_en_el_Puente_de_Arcole

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Esbozado en París en el Museo del Louvre, fue aprobado por Bonaparte para la ejecución del cuadro definitivo.Otras versiones en:Arenenberg, (Suiza, cantón de Turgovia), Museo Napoleón.San Petersburgo, Museo del Hermitage.

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Maestà_di_Ognissanti

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Maestà di Ognissanti es el título de una pintura sobre tabla, representando el tema de la Maestà, del pintor italiano Giotto. Tiene unas dimensiones monumentales de 204 cm x 325 cm. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, escenográficamente a poca distancia de tablas análogas: la Maestà di Santa Trinita de Cimabue y La Madonna Rucellai de Duccio.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

iglesia de Santa Maria dei Servi (Siena)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XIV


Maestà_di_Ognissanti

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Maestà di Ognissanti es el título de una pintura sobre tabla, representando el tema de la Maestà, del pintor italiano Giotto. Tiene unas dimensiones monumentales de 204 cm x 325 cm. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, escenográficamente a poca distancia de tablas análogas: la Maestà di Santa Trinita de Cimabue y La Madonna Rucellai de Duccio.

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Maestà_di_Ognissanti

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Maestà di Ognissanti es el título de una pintura sobre tabla, representando el tema de la Maestà, del pintor italiano Giotto. Tiene unas dimensiones monumentales de 204 cm x 325 cm. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, escenográficamente a poca distancia de tablas análogas: la Maestà di Santa Trinita de Cimabue y La Madonna Rucellai de Duccio.

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Maestà_di_Ognissanti

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Maestà di Ognissanti es el título de una pintura sobre tabla, representando el tema de la Maestà, del pintor italiano Giotto. Tiene unas dimensiones monumentales de 204 cm x 325 cm. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, escenográficamente a poca distancia de tablas análogas: la Maestà di Santa Trinita de Cimabue y La Madonna Rucellai de Duccio.

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Maestà_di_Ognissanti

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Este retablo fue pintado por Giotto a su regreso de Asís, al menos según la gran mayoría de la crítica italiana que asigna a Giotto las Historias de San Francisco de Asís: entre 1300 y 1303. Otros críticos la colocan en una época más tardía, bien hacia el año 1310 o tras varios viajes, hacia el 1314-1315, por lo tanto en la época de los frescos de la capilla de los Scrovegni de Padua, cuando era tan conocido que Dante lo mencionó en la Divina Comedia (Purgatorio, XI, 94-96), en el que alude, a propósito de la transitoriedad de la fama, a que Giotto había eclipsado ya al maestro Cimabue.Se encontraba inicialmente en la iglesia de Ognissanti en Florencia, de ahí su nombre. La primera mención de la tabla como obra de Giotto se remonta a Lorenzo Ghiberti como tavola grandissima di Nostra Donna a sedere in una sedia con molti angeli intorno («tabla grandísima de Nuestra Señora sentada en una silla con muchos ángeles alrededor»). En la iglesia se encontraba en el lado derecho, probablemente sobre un muro intermedio, la separación que antes del Concilio de Trento dividía en las iglesias la zona de los sacerdotes, el presbiterio de la de los fieles, o de algún tipo de altar de ese lado. El Niño que bendice está girado tres cuartos y mira hacia la izquierda.

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Maestà_di_Ognissanti

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Maestà_di_Ognissanti.

Este retablo fue pintado por Giotto a su regreso de Asís, al menos según la gran mayoría de la crítica italiana que asigna a Giotto las Historias de San Francisco de Asís: entre 1300 y 1303. Otros críticos la colocan en una época más tardía, bien hacia el año 1310 o tras varios viajes, hacia el 1314-1315, por lo tanto en la época de los frescos de la capilla de los Scrovegni de Padua, cuando era tan conocido que Dante lo mencionó en la Divina Comedia (Purgatorio, XI, 94-96), en el que alude, a propósito de la transitoriedad de la fama, a que Giotto había eclipsado ya al maestro Cimabue.Se encontraba inicialmente en la iglesia de Ognissanti en Florencia, de ahí su nombre. La primera mención de la tabla como obra de Giotto se remonta a Lorenzo Ghiberti como tavola grandissima di Nostra Donna a sedere in una sedia con molti angeli intorno («tabla grandísima de Nuestra Señora sentada en una silla con muchos ángeles alrededor»). En la iglesia se encontraba en el lado derecho, probablemente sobre un muro intermedio, la separación que antes del Concilio de Trento dividía en las iglesias la zona de los sacerdotes, el presbiterio de la de los fieles, o de algún tipo de altar de ese lado. El Niño que bendice está girado tres cuartos y mira hacia la izquierda.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

iglesia de Santa Maria dei Servi (Siena)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XIV


Maestà_di_Ognissanti

Prompt: ¿Cómo aclara Maestà_di_Ognissanti su Historia?

Este retablo fue pintado por Giotto a su regreso de Asís, al menos según la gran mayoría de la crítica italiana que asigna a Giotto las Historias de San Francisco de Asís: entre 1300 y 1303. Otros críticos la colocan en una época más tardía, bien hacia el año 1310 o tras varios viajes, hacia el 1314-1315, por lo tanto en la época de los frescos de la capilla de los Scrovegni de Padua, cuando era tan conocido que Dante lo mencionó en la Divina Comedia (Purgatorio, XI, 94-96), en el que alude, a propósito de la transitoriedad de la fama, a que Giotto había eclipsado ya al maestro Cimabue.Se encontraba inicialmente en la iglesia de Ognissanti en Florencia, de ahí su nombre. La primera mención de la tabla como obra de Giotto se remonta a Lorenzo Ghiberti como tavola grandissima di Nostra Donna a sedere in una sedia con molti angeli intorno («tabla grandísima de Nuestra Señora sentada en una silla con muchos ángeles alrededor»). En la iglesia se encontraba en el lado derecho, probablemente sobre un muro intermedio, la separación que antes del Concilio de Trento dividía en las iglesias la zona de los sacerdotes, el presbiterio de la de los fieles, o de algún tipo de altar de ese lado. El Niño que bendice está girado tres cuartos y mira hacia la izquierda.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

iglesia de Santa Maria dei Servi (Siena)

Categoría:Pintura de Italia del siglo XIV