Entierro_en_Ornans

Prompt: En Entierro_en_Ornans, ¿Cómo se discute la Antecedentes e influencias posteriores?

A los veinte años Courbet se trasladó a París, donde frecuentó el Museo del Louvre y copió a los maestros holandeses, Hals y Rembrandt, así como a Tiziano y Tintoretto. Igualmente recibió la influencia de la escuela española (Velázquez, Zurbarán, Ribera y Murillo) y de los maestros de Barbizon (Millet, Rousseau).[13] De esta manera aprendió a prestar atención a los detalles más ínfimos de la naturaleza. La obra de estos pintores le influyó bastante, lo cual se refleja en esta obra. Courbet demostró la validez de la escena vulgar en una época en que lo que se buscaba era «la belleza ideal», su pasión por la objetividad y por la necesidad de plasmar en su pintura el realismo puro, fue compartida después por la generación de los pintores impresionistas los cuales descubrieron la acción de la luz como la verdad óptica, con el desafío a lo que había sido la pintura hasta ese momento, como Courbet había sido el primero en oponerse a la tradición de su época.[14]Junto a Courbet el movimiento realista dentro de la pintura francesa, estaba representado por otros dos artistas Honoré Daumier y Jean-François Millet, que se distinguieron por sus obras realistas a favor de los trabajadores más humildes. Daumier en su obra El vagón de tercera clase, realizado con colores ocres oscuros, presenta a gente sencilla en una actitud cotidiana como en el Entierro en Ornans.[15]Millet de origen rurual igual que Courbet, presentó en su obra un carácter social principalmente con la temática del trabajador del campo, a los que representaba con un sentimiento resignado pero demostrando un tono de denuncia social con su trabajado duro y su gran pobreza. Recibió como Courbet críticas de ser un «pintor socialista»: El pintor alemán Wilhelm Leibl, conoció a Courbet el año 1869 en Múnich, impresionado por su pintura se trasladó a París donde realizó la obra Vieja parisiense (1870) y más tarde Tres mujeres en la iglesia (1878), con clara inspiración de la pintura de género de Gustave Courbet.[17]Se ha establecido por parte de la historiadora de Arte Linda Nochlin, una comparación entre la obra de Courbet y El entierro del Conde de Orgaz realizado por El Greco entre 1586 y 1588; en ambas obras se establece dos espacios, el superior como parte celestial y el inferior como parte terrenal donde se personifica la escena material de la pintura. Aunque en la obra de Courbet la parte superior sólo tiene el crucifijo, porque según explicó el pintor: «No puedo pintar un ángel porque nunca he visto ninguno».[18]

Composición geométrica en el ''Entierro en Ornans''.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1840

''Hamlet y Horacio en el cementerio'' de [[Delacroix

La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido.

Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.

Archivo: Un enterrement à Ornans (détail de la femme centrale).jpg

Archivo:Courbet, Un enterrement à Ornans schéma composition.jpg

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Archivo:Courbet, Un enterrement à Ornans schéma avec numéros.jpg

Archivo: Enterrement à Ornans (détail de deux femmes).jpg

Archivo:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 018.jpg

Archivo:Gustave Courbet - A Burial at Ornans - Google Art Project 2.jpg


Entierro_en_Ornans

Prompt: Concéntrate en Entierro_en_Ornans y explora la Cronología de la obra.

1849 - Fue pintada por Gustave Courbet con personajes reales.1850 - Exposición de la obra en Ornans, Besançon, Dijon y finalmente en el Salón de París.1877 - Su propietaria fue la hermana del autor, Juliette Courbet.1881 - Juliette Courbet la donó al estado francés, quien la atribuyó al Museo del Louvre.1882 - Hasta el año 1986 se conservó en el Museo del Louvre.1986 - A partir de este año se muestra en el Museo de Orsay en París.[19]

Composición geométrica en el ''Entierro en Ornans''.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1840

''Hamlet y Horacio en el cementerio'' de [[Delacroix

La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido.

Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.

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Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

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Entierro_en_Ornans

Prompt: Explora la Cronología de la obra de esta obra de arte, Entierro_en_Ornans.

1849 - Fue pintada por Gustave Courbet con personajes reales.1850 - Exposición de la obra en Ornans, Besançon, Dijon y finalmente en el Salón de París.1877 - Su propietaria fue la hermana del autor, Juliette Courbet.1881 - Juliette Courbet la donó al estado francés, quien la atribuyó al Museo del Louvre.1882 - Hasta el año 1986 se conservó en el Museo del Louvre.1986 - A partir de este año se muestra en el Museo de Orsay en París.[19]

Composición geométrica en el ''Entierro en Ornans''.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1840

''Hamlet y Horacio en el cementerio'' de [[Delacroix

La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido.

Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.

Archivo: Un enterrement à Ornans (détail de la femme centrale).jpg

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Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

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Entierro_en_Ornans

Prompt: ¿Cómo aclara Entierro_en_Ornans su Cronología de la obra?

1849 - Fue pintada por Gustave Courbet con personajes reales.1850 - Exposición de la obra en Ornans, Besançon, Dijon y finalmente en el Salón de París.1877 - Su propietaria fue la hermana del autor, Juliette Courbet.1881 - Juliette Courbet la donó al estado francés, quien la atribuyó al Museo del Louvre.1882 - Hasta el año 1986 se conservó en el Museo del Louvre.1986 - A partir de este año se muestra en el Museo de Orsay en París.[19]

Composición geométrica en el ''Entierro en Ornans''.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1840

''Hamlet y Horacio en el cementerio'' de [[Delacroix

La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido.

Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.

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Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

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Entierro_en_Ornans

Prompt: En Entierro_en_Ornans, ¿Cómo se discute la Cronología de la obra?

1849 - Fue pintada por Gustave Courbet con personajes reales.1850 - Exposición de la obra en Ornans, Besançon, Dijon y finalmente en el Salón de París.1877 - Su propietaria fue la hermana del autor, Juliette Courbet.1881 - Juliette Courbet la donó al estado francés, quien la atribuyó al Museo del Louvre.1882 - Hasta el año 1986 se conservó en el Museo del Louvre.1986 - A partir de este año se muestra en el Museo de Orsay en París.[19]

Composición geométrica en el ''Entierro en Ornans''.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1840

''Hamlet y Horacio en el cementerio'' de [[Delacroix

La mujer en la parte central de la pintura se cree que es la viuda del fallecido.

Detalle de dos mujeres, hermanas del pintor.

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Archivo:Courbet, Un enterrement à Ornans schéma avec numéros.jpg

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El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la abstract.

El mar de hielo (en alemán: Das Eismeer) (1823–1824) es una pintura al óleo que muestra un naufragio en el Ártico, hecha por el pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Esta pintura era conocida como El mar polar antes de 1826.[1]La obra fue expuesta por primera vez en la exhibición de la Academia de Praga en 1824, con el título Una escena idealizada de un Mar Ártico, con un Barco Naufragado sobre las Masas de Hielo Amontonadas. Considerada como una de las obras maestras de Friedrich, su composición y tema radicales eran inusuales para la época y la obra fue recibida con incomprensión. Para cuando Friedrich murió en 1840 la pintura aún no se había vendido.[2] Se encuentra en la actualidad en el Kunsthalle de Hamburgo, en Alemania.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

El mar de hielo (en alemán: Das Eismeer) (1823–1824) es una pintura al óleo que muestra un naufragio en el Ártico, hecha por el pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Esta pintura era conocida como El mar polar antes de 1826.[1]La obra fue expuesta por primera vez en la exhibición de la Academia de Praga en 1824, con el título Una escena idealizada de un Mar Ártico, con un Barco Naufragado sobre las Masas de Hielo Amontonadas. Considerada como una de las obras maestras de Friedrich, su composición y tema radicales eran inusuales para la época y la obra fue recibida con incomprensión. Para cuando Friedrich murió en 1840 la pintura aún no se había vendido.[2] Se encuentra en la actualidad en el Kunsthalle de Hamburgo, en Alemania.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su abstract?

El mar de hielo (en alemán: Das Eismeer) (1823–1824) es una pintura al óleo que muestra un naufragio en el Ártico, hecha por el pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Esta pintura era conocida como El mar polar antes de 1826.[1]La obra fue expuesta por primera vez en la exhibición de la Academia de Praga en 1824, con el título Una escena idealizada de un Mar Ártico, con un Barco Naufragado sobre las Masas de Hielo Amontonadas. Considerada como una de las obras maestras de Friedrich, su composición y tema radicales eran inusuales para la época y la obra fue recibida con incomprensión. Para cuando Friedrich murió en 1840 la pintura aún no se había vendido.[2] Se encuentra en la actualidad en el Kunsthalle de Hamburgo, en Alemania.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la abstract?

El mar de hielo (en alemán: Das Eismeer) (1823–1824) es una pintura al óleo que muestra un naufragio en el Ártico, hecha por el pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Esta pintura era conocida como El mar polar antes de 1826.[1]La obra fue expuesta por primera vez en la exhibición de la Academia de Praga en 1824, con el título Una escena idealizada de un Mar Ártico, con un Barco Naufragado sobre las Masas de Hielo Amontonadas. Considerada como una de las obras maestras de Friedrich, su composición y tema radicales eran inusuales para la época y la obra fue recibida con incomprensión. Para cuando Friedrich murió en 1840 la pintura aún no se había vendido.[2] Se encuentra en la actualidad en el Kunsthalle de Hamburgo, en Alemania.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Contexto de Friedrich.

Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, Alemania. Fue criado protestante.[3] Friedrich empezó a estudiar arte con un profesor de dibujo de la Universidad de Griefswald de nombre Johann Gottfried Quistorp. Luego pasó a estudiar en la Akademi for de Skønne Kunster en Copenhague, Dinamarca, entre 1794 y 1798. Posteriormente, Friedrich estudió en la Hochschule der Bildenen Künste en Dresde, Alemania.[4] Friedrich decidió pasar el resto de su vida en Dresde,ciudad en la que murió el 7 de mayo de 1840.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Contexto de Friedrich de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, Alemania. Fue criado protestante.[3] Friedrich empezó a estudiar arte con un profesor de dibujo de la Universidad de Griefswald de nombre Johann Gottfried Quistorp. Luego pasó a estudiar en la Akademi for de Skønne Kunster en Copenhague, Dinamarca, entre 1794 y 1798. Posteriormente, Friedrich estudió en la Hochschule der Bildenen Künste en Dresde, Alemania.[4] Friedrich decidió pasar el resto de su vida en Dresde,ciudad en la que murió el 7 de mayo de 1840.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Contexto de Friedrich?

Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, Alemania. Fue criado protestante.[3] Friedrich empezó a estudiar arte con un profesor de dibujo de la Universidad de Griefswald de nombre Johann Gottfried Quistorp. Luego pasó a estudiar en la Akademi for de Skønne Kunster en Copenhague, Dinamarca, entre 1794 y 1798. Posteriormente, Friedrich estudió en la Hochschule der Bildenen Künste en Dresde, Alemania.[4] Friedrich decidió pasar el resto de su vida en Dresde,ciudad en la que murió el 7 de mayo de 1840.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Contexto de Friedrich?

Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, Alemania. Fue criado protestante.[3] Friedrich empezó a estudiar arte con un profesor de dibujo de la Universidad de Griefswald de nombre Johann Gottfried Quistorp. Luego pasó a estudiar en la Akademi for de Skønne Kunster en Copenhague, Dinamarca, entre 1794 y 1798. Posteriormente, Friedrich estudió en la Hochschule der Bildenen Künste en Dresde, Alemania.[4] Friedrich decidió pasar el resto de su vida en Dresde,ciudad en la que murió el 7 de mayo de 1840.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En el contexto de El_mar_de_hielo, explora la Romanticismo y Contexto de Friedrich.

El movimiento romántico surgió a finales del siglo XVIII. El romanticismo era tanto un movimiento artístico como una perspectiva ante la vida. Rechazaba las ideas de la Ilustración sobre el racionalismo y el intelecto,a favor de la religión, la emoción y la cultura. Un tema fundamental en el romanticismo fue el enfoque en la naturaleza como tema.[5]En el siglo XIX, muchos alemanes mostraban gran interés en el Ártico, entre ellos Friedrich. En el romanticismo alemán, el norte era visto como algo positivo, mientras que el sur clásico era considerado negativo.[6]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Romanticismo sobre la Contexto de Friedrich de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

El movimiento romántico surgió a finales del siglo XVIII. El romanticismo era tanto un movimiento artístico como una perspectiva ante la vida. Rechazaba las ideas de la Ilustración sobre el racionalismo y el intelecto,a favor de la religión, la emoción y la cultura. Un tema fundamental en el romanticismo fue el enfoque en la naturaleza como tema.[5]En el siglo XIX, muchos alemanes mostraban gran interés en el Ártico, entre ellos Friedrich. En el romanticismo alemán, el norte era visto como algo positivo, mientras que el sur clásico era considerado negativo.[6]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se aclara la Romanticismo de la Contexto de Friedrich?

El movimiento romántico surgió a finales del siglo XVIII. El romanticismo era tanto un movimiento artístico como una perspectiva ante la vida. Rechazaba las ideas de la Ilustración sobre el racionalismo y el intelecto,a favor de la religión, la emoción y la cultura. Un tema fundamental en el romanticismo fue el enfoque en la naturaleza como tema.[5]En el siglo XIX, muchos alemanes mostraban gran interés en el Ártico, entre ellos Friedrich. En el romanticismo alemán, el norte era visto como algo positivo, mientras que el sur clásico era considerado negativo.[6]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Describe las características de la Romanticismo en la Contexto de Friedrich de El_mar_de_hielo.

El movimiento romántico surgió a finales del siglo XVIII. El romanticismo era tanto un movimiento artístico como una perspectiva ante la vida. Rechazaba las ideas de la Ilustración sobre el racionalismo y el intelecto,a favor de la religión, la emoción y la cultura. Un tema fundamental en el romanticismo fue el enfoque en la naturaleza como tema.[5]En el siglo XIX, muchos alemanes mostraban gran interés en el Ártico, entre ellos Friedrich. En el romanticismo alemán, el norte era visto como algo positivo, mientras que el sur clásico era considerado negativo.[6]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En el contexto de El_mar_de_hielo, explora la Friedrich y el Romanticismo y Contexto de Friedrich.

Como muchos otros pintores del siglo XIX, Friedrich decidió centrarse en paisajes como los motivos principales de sus pinturas.[7] Se considera que el estilo de Friedrich encaja en la categoría de romanticismo gracias a sus pinturas sobre la naturaleza. Su propósito era el de crear en el lienzo las imágenes que tenía en su mente.Por medio de sus pinturas, Friedrich intentaba mostrar el significado espiritual y religioso de la naturaleza. Friedrich es reconocido por haber puesto un significado espiritual en muchas de sus obras.[8]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Friedrich y el Romanticismo sobre la Contexto de Friedrich de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

Como muchos otros pintores del siglo XIX, Friedrich decidió centrarse en paisajes como los motivos principales de sus pinturas.[7] Se considera que el estilo de Friedrich encaja en la categoría de romanticismo gracias a sus pinturas sobre la naturaleza. Su propósito era el de crear en el lienzo las imágenes que tenía en su mente.Por medio de sus pinturas, Friedrich intentaba mostrar el significado espiritual y religioso de la naturaleza. Friedrich es reconocido por haber puesto un significado espiritual en muchas de sus obras.[8]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se aclara la Friedrich y el Romanticismo de la Contexto de Friedrich?

Como muchos otros pintores del siglo XIX, Friedrich decidió centrarse en paisajes como los motivos principales de sus pinturas.[7] Se considera que el estilo de Friedrich encaja en la categoría de romanticismo gracias a sus pinturas sobre la naturaleza. Su propósito era el de crear en el lienzo las imágenes que tenía en su mente.Por medio de sus pinturas, Friedrich intentaba mostrar el significado espiritual y religioso de la naturaleza. Friedrich es reconocido por haber puesto un significado espiritual en muchas de sus obras.[8]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Describe las características de la Friedrich y el Romanticismo en la Contexto de Friedrich de El_mar_de_hielo.

Como muchos otros pintores del siglo XIX, Friedrich decidió centrarse en paisajes como los motivos principales de sus pinturas.[7] Se considera que el estilo de Friedrich encaja en la categoría de romanticismo gracias a sus pinturas sobre la naturaleza. Su propósito era el de crear en el lienzo las imágenes que tenía en su mente.Por medio de sus pinturas, Friedrich intentaba mostrar el significado espiritual y religioso de la naturaleza. Friedrich es reconocido por haber puesto un significado espiritual en muchas de sus obras.[8]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Historia.

El coleccionista Johann Gottlob von Quandt comisionó dos cuadros que debían simbolizar el sur y el norte. Johann Martin von Rohden recibió el encargo de pintar la Naturaleza del Sur en su Esplendor Abundante y Majestuoso,[9] en tanto que el encargo de pintar la Naturaleza del Norte en toda su Belleza Aterradora[10] recayó en Friedrich. Sin embargo, como describió Schukowski en una carta de 1821:[Friedrich] mismo no sabe siquiera qué va a pintar; espera el momento de inspiración que (en sus propias palabras) le llega ocasionalmente en un sueño.[11]Ocasionalmente se publicaban durante esos años relatos de expediciones al Polo Norte, y se ha sugerido que fue probablemente así que Friedrich aprendió de la expedición de 1819-1820 de William Edward Parry con el objeto de hallar el Paso del Noroeste. En el invierno entre 1820 y 1821, Friedrich realizó extensos estudios al óleo de témpanos de hielo en el río Elba, cerca de Dresde. Es probable que estos se hayan incorporado a El Mar de Hielo .[cita requerida] La imagen causó una duradera impresión en el escultor francés David d'Angers durante su visita a Dresde en 1834, la que describió de la siguiente manera: Friedrich tiene un espíritu sombrío. Ha entendido completamente cómo representar en el paisaje los grandes conflictos de la naturaleza.[11]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

El coleccionista Johann Gottlob von Quandt comisionó dos cuadros que debían simbolizar el sur y el norte. Johann Martin von Rohden recibió el encargo de pintar la Naturaleza del Sur en su Esplendor Abundante y Majestuoso,[9] en tanto que el encargo de pintar la Naturaleza del Norte en toda su Belleza Aterradora[10] recayó en Friedrich. Sin embargo, como describió Schukowski en una carta de 1821:[Friedrich] mismo no sabe siquiera qué va a pintar; espera el momento de inspiración que (en sus propias palabras) le llega ocasionalmente en un sueño.[11]Ocasionalmente se publicaban durante esos años relatos de expediciones al Polo Norte, y se ha sugerido que fue probablemente así que Friedrich aprendió de la expedición de 1819-1820 de William Edward Parry con el objeto de hallar el Paso del Noroeste. En el invierno entre 1820 y 1821, Friedrich realizó extensos estudios al óleo de témpanos de hielo en el río Elba, cerca de Dresde. Es probable que estos se hayan incorporado a El Mar de Hielo .[cita requerida] La imagen causó una duradera impresión en el escultor francés David d'Angers durante su visita a Dresde en 1834, la que describió de la siguiente manera: Friedrich tiene un espíritu sombrío. Ha entendido completamente cómo representar en el paisaje los grandes conflictos de la naturaleza.[11]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Historia?

El coleccionista Johann Gottlob von Quandt comisionó dos cuadros que debían simbolizar el sur y el norte. Johann Martin von Rohden recibió el encargo de pintar la Naturaleza del Sur en su Esplendor Abundante y Majestuoso,[9] en tanto que el encargo de pintar la Naturaleza del Norte en toda su Belleza Aterradora[10] recayó en Friedrich. Sin embargo, como describió Schukowski en una carta de 1821:[Friedrich] mismo no sabe siquiera qué va a pintar; espera el momento de inspiración que (en sus propias palabras) le llega ocasionalmente en un sueño.[11]Ocasionalmente se publicaban durante esos años relatos de expediciones al Polo Norte, y se ha sugerido que fue probablemente así que Friedrich aprendió de la expedición de 1819-1820 de William Edward Parry con el objeto de hallar el Paso del Noroeste. En el invierno entre 1820 y 1821, Friedrich realizó extensos estudios al óleo de témpanos de hielo en el río Elba, cerca de Dresde. Es probable que estos se hayan incorporado a El Mar de Hielo .[cita requerida] La imagen causó una duradera impresión en el escultor francés David d'Angers durante su visita a Dresde en 1834, la que describió de la siguiente manera: Friedrich tiene un espíritu sombrío. Ha entendido completamente cómo representar en el paisaje los grandes conflictos de la naturaleza.[11]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Historia?

El coleccionista Johann Gottlob von Quandt comisionó dos cuadros que debían simbolizar el sur y el norte. Johann Martin von Rohden recibió el encargo de pintar la Naturaleza del Sur en su Esplendor Abundante y Majestuoso,[9] en tanto que el encargo de pintar la Naturaleza del Norte en toda su Belleza Aterradora[10] recayó en Friedrich. Sin embargo, como describió Schukowski en una carta de 1821:[Friedrich] mismo no sabe siquiera qué va a pintar; espera el momento de inspiración que (en sus propias palabras) le llega ocasionalmente en un sueño.[11]Ocasionalmente se publicaban durante esos años relatos de expediciones al Polo Norte, y se ha sugerido que fue probablemente así que Friedrich aprendió de la expedición de 1819-1820 de William Edward Parry con el objeto de hallar el Paso del Noroeste. En el invierno entre 1820 y 1821, Friedrich realizó extensos estudios al óleo de témpanos de hielo en el río Elba, cerca de Dresde. Es probable que estos se hayan incorporado a El Mar de Hielo .[cita requerida] La imagen causó una duradera impresión en el escultor francés David d'Angers durante su visita a Dresde en 1834, la que describió de la siguiente manera: Friedrich tiene un espíritu sombrío. Ha entendido completamente cómo representar en el paisaje los grandes conflictos de la naturaleza.[11]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Descripción.

El Mar de Hielo fue compuesto en uno de los estudios de Friedrich cerca de Dresde.[7] Esta pintura se basa claramente en el Ártico, si bien Friedrich nunca había lo visitado.[6] Se ha sugerido que Friedrich obtuvo sus conocimientos acerca del Ártico a partir de la expedición de William Edward Parry. Sin embargo, en tanto hubo múltiples informes y artículos sobre el Ártico en Alemania, nunca ha sido confirmado que Friedrich haya usado la expedición de Parry para pintar El mar de hielo. Friedrich también aprendió sobre icebergs estudiándolos en el Elba.[1]El Mar de Hielo representa lo que Friedrich creía que era el Ártico.[6] En el primer plano de la pintura aparecen pequeños icebergs superpuestos uno sobre el otro, lo que los hace parecer casi escalones. Sin embargo, en el fondo, los icebergs se aplastan para formar una torre de hielo.[7] Estos icebergs son muy grandes y sugieren que algo terrible ha pasado.[1] Justo al lado de esta gigantesca torre de hielo hay un detalle minúsculo que no es el tema de la pintura, un naufragio.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

El Mar de Hielo fue compuesto en uno de los estudios de Friedrich cerca de Dresde.[7] Esta pintura se basa claramente en el Ártico, si bien Friedrich nunca había lo visitado.[6] Se ha sugerido que Friedrich obtuvo sus conocimientos acerca del Ártico a partir de la expedición de William Edward Parry. Sin embargo, en tanto hubo múltiples informes y artículos sobre el Ártico en Alemania, nunca ha sido confirmado que Friedrich haya usado la expedición de Parry para pintar El mar de hielo. Friedrich también aprendió sobre icebergs estudiándolos en el Elba.[1]El Mar de Hielo representa lo que Friedrich creía que era el Ártico.[6] En el primer plano de la pintura aparecen pequeños icebergs superpuestos uno sobre el otro, lo que los hace parecer casi escalones. Sin embargo, en el fondo, los icebergs se aplastan para formar una torre de hielo.[7] Estos icebergs son muy grandes y sugieren que algo terrible ha pasado.[1] Justo al lado de esta gigantesca torre de hielo hay un detalle minúsculo que no es el tema de la pintura, un naufragio.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Descripción?

El Mar de Hielo fue compuesto en uno de los estudios de Friedrich cerca de Dresde.[7] Esta pintura se basa claramente en el Ártico, si bien Friedrich nunca había lo visitado.[6] Se ha sugerido que Friedrich obtuvo sus conocimientos acerca del Ártico a partir de la expedición de William Edward Parry. Sin embargo, en tanto hubo múltiples informes y artículos sobre el Ártico en Alemania, nunca ha sido confirmado que Friedrich haya usado la expedición de Parry para pintar El mar de hielo. Friedrich también aprendió sobre icebergs estudiándolos en el Elba.[1]El Mar de Hielo representa lo que Friedrich creía que era el Ártico.[6] En el primer plano de la pintura aparecen pequeños icebergs superpuestos uno sobre el otro, lo que los hace parecer casi escalones. Sin embargo, en el fondo, los icebergs se aplastan para formar una torre de hielo.[7] Estos icebergs son muy grandes y sugieren que algo terrible ha pasado.[1] Justo al lado de esta gigantesca torre de hielo hay un detalle minúsculo que no es el tema de la pintura, un naufragio.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Descripción?

El Mar de Hielo fue compuesto en uno de los estudios de Friedrich cerca de Dresde.[7] Esta pintura se basa claramente en el Ártico, si bien Friedrich nunca había lo visitado.[6] Se ha sugerido que Friedrich obtuvo sus conocimientos acerca del Ártico a partir de la expedición de William Edward Parry. Sin embargo, en tanto hubo múltiples informes y artículos sobre el Ártico en Alemania, nunca ha sido confirmado que Friedrich haya usado la expedición de Parry para pintar El mar de hielo. Friedrich también aprendió sobre icebergs estudiándolos en el Elba.[1]El Mar de Hielo representa lo que Friedrich creía que era el Ártico.[6] En el primer plano de la pintura aparecen pequeños icebergs superpuestos uno sobre el otro, lo que los hace parecer casi escalones. Sin embargo, en el fondo, los icebergs se aplastan para formar una torre de hielo.[7] Estos icebergs son muy grandes y sugieren que algo terrible ha pasado.[1] Justo al lado de esta gigantesca torre de hielo hay un detalle minúsculo que no es el tema de la pintura, un naufragio.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Análisis.

El naufragio en El mar de hielo sugiere la idea de que la naturaleza siempre será superior a los hombres. El hielo es un lugar de muerte y la naturaleza siempre derrotará a cualquiera que intente entrometerse en él.[7]De niño, Friedrich sufrió una experiencia traumática que involucraba a su hermano, Johann Christoffer, quien murió el 8 de diciembre de 1787 tras caer al agua gélida al caminar sobre el hielo. Se rumorea que Friedrich pudo haber obligado a su hermano a caminar sobre el hielo. Algunos académicos han especulado que la experiencia de Friedrich puede haber influido en esta pintura.[12]Existe una teoría respecto a que Friedrich pintó esta obra como un comentario sobre Alemania. Así como el barco está congelado en el hielo, Alemania es considerada un páramo políticamente congelado y sin esperanzas de mejora.[7]Es posible que esta obra se haya inspirado en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault (1818–19). La obra de Friedrich comparte con la de Géricault un marco compositivo similar[2] y una perspectiva metafórica sombría en relación con el mar implacable. La tragedia representada en La Medusa es una responsabilidad humana independientemente del entorno, mientras que El Mar de Hielo presenta un mensaje aún más pesimista, en el que la tragedia es resultado de la arrogancia de la humanidad en sus intentos de dominar la naturaleza.[13]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

El naufragio en El mar de hielo sugiere la idea de que la naturaleza siempre será superior a los hombres. El hielo es un lugar de muerte y la naturaleza siempre derrotará a cualquiera que intente entrometerse en él.[7]De niño, Friedrich sufrió una experiencia traumática que involucraba a su hermano, Johann Christoffer, quien murió el 8 de diciembre de 1787 tras caer al agua gélida al caminar sobre el hielo. Se rumorea que Friedrich pudo haber obligado a su hermano a caminar sobre el hielo. Algunos académicos han especulado que la experiencia de Friedrich puede haber influido en esta pintura.[12]Existe una teoría respecto a que Friedrich pintó esta obra como un comentario sobre Alemania. Así como el barco está congelado en el hielo, Alemania es considerada un páramo políticamente congelado y sin esperanzas de mejora.[7]Es posible que esta obra se haya inspirado en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault (1818–19). La obra de Friedrich comparte con la de Géricault un marco compositivo similar[2] y una perspectiva metafórica sombría en relación con el mar implacable. La tragedia representada en La Medusa es una responsabilidad humana independientemente del entorno, mientras que El Mar de Hielo presenta un mensaje aún más pesimista, en el que la tragedia es resultado de la arrogancia de la humanidad en sus intentos de dominar la naturaleza.[13]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Análisis?

El naufragio en El mar de hielo sugiere la idea de que la naturaleza siempre será superior a los hombres. El hielo es un lugar de muerte y la naturaleza siempre derrotará a cualquiera que intente entrometerse en él.[7]De niño, Friedrich sufrió una experiencia traumática que involucraba a su hermano, Johann Christoffer, quien murió el 8 de diciembre de 1787 tras caer al agua gélida al caminar sobre el hielo. Se rumorea que Friedrich pudo haber obligado a su hermano a caminar sobre el hielo. Algunos académicos han especulado que la experiencia de Friedrich puede haber influido en esta pintura.[12]Existe una teoría respecto a que Friedrich pintó esta obra como un comentario sobre Alemania. Así como el barco está congelado en el hielo, Alemania es considerada un páramo políticamente congelado y sin esperanzas de mejora.[7]Es posible que esta obra se haya inspirado en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault (1818–19). La obra de Friedrich comparte con la de Géricault un marco compositivo similar[2] y una perspectiva metafórica sombría en relación con el mar implacable. La tragedia representada en La Medusa es una responsabilidad humana independientemente del entorno, mientras que El Mar de Hielo presenta un mensaje aún más pesimista, en el que la tragedia es resultado de la arrogancia de la humanidad en sus intentos de dominar la naturaleza.[13]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Análisis?

El naufragio en El mar de hielo sugiere la idea de que la naturaleza siempre será superior a los hombres. El hielo es un lugar de muerte y la naturaleza siempre derrotará a cualquiera que intente entrometerse en él.[7]De niño, Friedrich sufrió una experiencia traumática que involucraba a su hermano, Johann Christoffer, quien murió el 8 de diciembre de 1787 tras caer al agua gélida al caminar sobre el hielo. Se rumorea que Friedrich pudo haber obligado a su hermano a caminar sobre el hielo. Algunos académicos han especulado que la experiencia de Friedrich puede haber influido en esta pintura.[12]Existe una teoría respecto a que Friedrich pintó esta obra como un comentario sobre Alemania. Así como el barco está congelado en el hielo, Alemania es considerada un páramo políticamente congelado y sin esperanzas de mejora.[7]Es posible que esta obra se haya inspirado en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault (1818–19). La obra de Friedrich comparte con la de Géricault un marco compositivo similar[2] y una perspectiva metafórica sombría en relación con el mar implacable. La tragedia representada en La Medusa es una responsabilidad humana independientemente del entorno, mientras que El Mar de Hielo presenta un mensaje aún más pesimista, en el que la tragedia es resultado de la arrogancia de la humanidad en sus intentos de dominar la naturaleza.[13]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Lo Sublime.

La teoría de lo sublime combina la emoción del terror y el placer.[6] Entre los principales teóricos de lo sublime se incluyen Edmund Burke, Immanuel Kant y Friedrich Schiller. La naturaleza siempre ha estado asociada con la idea de lo sublime. Hacia finales del siglo XVIII, las pinturas sobre el Ártico eran asociadas con lo sublime. Ha sido motivo de debate, sin embargo, si la pintura El mar de hielo pertenece o no a la categoría de lo sublime.Los fragmentos de hielo pueden transmitir peligro, pero también pueden verse como hermosos.[7] Una de las razones por las que ha habido debate respecto a si esta pintura se ajusta o no a lo sublime es que no es claro si el espectador puede de hecho ser parte de la pintura, lo que constituye un elemento importante de lo sublime.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Lo Sublime de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

La teoría de lo sublime combina la emoción del terror y el placer.[6] Entre los principales teóricos de lo sublime se incluyen Edmund Burke, Immanuel Kant y Friedrich Schiller. La naturaleza siempre ha estado asociada con la idea de lo sublime. Hacia finales del siglo XVIII, las pinturas sobre el Ártico eran asociadas con lo sublime. Ha sido motivo de debate, sin embargo, si la pintura El mar de hielo pertenece o no a la categoría de lo sublime.Los fragmentos de hielo pueden transmitir peligro, pero también pueden verse como hermosos.[7] Una de las razones por las que ha habido debate respecto a si esta pintura se ajusta o no a lo sublime es que no es claro si el espectador puede de hecho ser parte de la pintura, lo que constituye un elemento importante de lo sublime.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Lo Sublime?

La teoría de lo sublime combina la emoción del terror y el placer.[6] Entre los principales teóricos de lo sublime se incluyen Edmund Burke, Immanuel Kant y Friedrich Schiller. La naturaleza siempre ha estado asociada con la idea de lo sublime. Hacia finales del siglo XVIII, las pinturas sobre el Ártico eran asociadas con lo sublime. Ha sido motivo de debate, sin embargo, si la pintura El mar de hielo pertenece o no a la categoría de lo sublime.Los fragmentos de hielo pueden transmitir peligro, pero también pueden verse como hermosos.[7] Una de las razones por las que ha habido debate respecto a si esta pintura se ajusta o no a lo sublime es que no es claro si el espectador puede de hecho ser parte de la pintura, lo que constituye un elemento importante de lo sublime.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Lo Sublime?

La teoría de lo sublime combina la emoción del terror y el placer.[6] Entre los principales teóricos de lo sublime se incluyen Edmund Burke, Immanuel Kant y Friedrich Schiller. La naturaleza siempre ha estado asociada con la idea de lo sublime. Hacia finales del siglo XVIII, las pinturas sobre el Ártico eran asociadas con lo sublime. Ha sido motivo de debate, sin embargo, si la pintura El mar de hielo pertenece o no a la categoría de lo sublime.Los fragmentos de hielo pueden transmitir peligro, pero también pueden verse como hermosos.[7] Una de las razones por las que ha habido debate respecto a si esta pintura se ajusta o no a lo sublime es que no es claro si el espectador puede de hecho ser parte de la pintura, lo que constituye un elemento importante de lo sublime.

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Concéntrate en El_mar_de_hielo y explora la Influencia.

La obra ha sido aclamada por el crítico Russell Potter como un ejemplo fundamental del "Ártico Sublime," así como una influencia en las pinturas polares de finales del siglo XIX.[14]La pintura inspiró la obra Totes Meer (Mar Muerto) de Paul Nash (1941).[2][15] También fue influyente en los paisajes árticos de Lawren Harris.[16]El arquitecto Thom Mayne menciona al Mar de hielo como una influencia principal en su enfoque hacia la relación dinámica entre arquitectura, paisaje y naturaleza.[17] Es posible que haya servido de inspiración para la Ópera de Sídney.[18]La escultura flotante al aire libre "She Lies" de Monica Bonvicini es una interpretación tridimensional de la obra original de Friedrich y está instalada en el fiordo de Oslo junto a la Ópera de Oslo.[19] La escultura se inauguró en mayo de 2010 y se ha convertido en una de las atracciones turísticas del centro de Oslo.[20]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: Explora la Influencia de esta obra de arte, El_mar_de_hielo.

La obra ha sido aclamada por el crítico Russell Potter como un ejemplo fundamental del "Ártico Sublime," así como una influencia en las pinturas polares de finales del siglo XIX.[14]La pintura inspiró la obra Totes Meer (Mar Muerto) de Paul Nash (1941).[2][15] También fue influyente en los paisajes árticos de Lawren Harris.[16]El arquitecto Thom Mayne menciona al Mar de hielo como una influencia principal en su enfoque hacia la relación dinámica entre arquitectura, paisaje y naturaleza.[17] Es posible que haya servido de inspiración para la Ópera de Sídney.[18]La escultura flotante al aire libre "She Lies" de Monica Bonvicini es una interpretación tridimensional de la obra original de Friedrich y está instalada en el fiordo de Oslo junto a la Ópera de Oslo.[19] La escultura se inauguró en mayo de 2010 y se ha convertido en una de las atracciones turísticas del centro de Oslo.[20]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: ¿Cómo aclara El_mar_de_hielo su Influencia?

La obra ha sido aclamada por el crítico Russell Potter como un ejemplo fundamental del "Ártico Sublime," así como una influencia en las pinturas polares de finales del siglo XIX.[14]La pintura inspiró la obra Totes Meer (Mar Muerto) de Paul Nash (1941).[2][15] También fue influyente en los paisajes árticos de Lawren Harris.[16]El arquitecto Thom Mayne menciona al Mar de hielo como una influencia principal en su enfoque hacia la relación dinámica entre arquitectura, paisaje y naturaleza.[17] Es posible que haya servido de inspiración para la Ópera de Sídney.[18]La escultura flotante al aire libre "She Lies" de Monica Bonvicini es una interpretación tridimensional de la obra original de Friedrich y está instalada en el fiordo de Oslo junto a la Ópera de Oslo.[19] La escultura se inauguró en mayo de 2010 y se ha convertido en una de las atracciones turísticas del centro de Oslo.[20]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


El_mar_de_hielo

Prompt: En El_mar_de_hielo, ¿Cómo se discute la Influencia?

La obra ha sido aclamada por el crítico Russell Potter como un ejemplo fundamental del "Ártico Sublime," así como una influencia en las pinturas polares de finales del siglo XIX.[14]La pintura inspiró la obra Totes Meer (Mar Muerto) de Paul Nash (1941).[2][15] También fue influyente en los paisajes árticos de Lawren Harris.[16]El arquitecto Thom Mayne menciona al Mar de hielo como una influencia principal en su enfoque hacia la relación dinámica entre arquitectura, paisaje y naturaleza.[17] Es posible que haya servido de inspiración para la Ópera de Sídney.[18]La escultura flotante al aire libre "She Lies" de Monica Bonvicini es una interpretación tridimensional de la obra original de Friedrich y está instalada en el fiordo de Oslo junto a la Ópera de Oslo.[19] La escultura se inauguró en mayo de 2010 y se ha convertido en una de las atracciones turísticas del centro de Oslo.[20]

Detalle de la pintura El Mar de Hielo de Caspar David Friedrich.

Categoría:Cuadros de Caspar David Friedrich


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Concéntrate en Amor_sacro_y_amor_profano y explora la abstract.

Amor sacro y amor profano (del italiano: Amor sacro e amor profano), también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1515.La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Amor_sacro_y_amor_profano.

Amor sacro y amor profano (del italiano: Amor sacro e amor profano), también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1515.La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: ¿Cómo aclara Amor_sacro_y_amor_profano su abstract?

Amor sacro y amor profano (del italiano: Amor sacro e amor profano), también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1515.La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: En Amor_sacro_y_amor_profano, ¿Cómo se discute la abstract?

Amor sacro y amor profano (del italiano: Amor sacro e amor profano), también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano, pintado alrededor de 1515.La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

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Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Concéntrate en Amor_sacro_y_amor_profano y explora la Historia del cuadro.

El cuadro fue encargado por Nicolò Aurelio, secretario del Consejo de los Diez de República de Venecia, cuyo escudo de armas aparece en la fuente o sarcófago[1] del centro de la imagen. El encargo coincide con su matrimonio con la joven viuda Laura Bagarotto, por lo que pudo ser un regalo de bodas. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).[2] La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.El título, de carácter moralista, no fue dado por el propio Tiziano, sino que fue bautizado de esta manera al menos dos siglos después. En el catálogo Borghese ha tenido diferentes nombres: Belleza sin ornamento y belleza ornamentada (1613), Tres amores (1650), Mujer divina y profana (1700), y, finalmente, Amor sacro y amor profano (1792 y 1833). La primera mención de la obra con el nombre Amor profano y amor divino se produce en el inventario de 1693, aunque los críticos contemporáneos desacreditan la teoría de que se tratan de las personificaciones de los conceptos neoplatónicos de Amor sacro y Amor profano. La obra fue comprada en 1608 por el mecenas del arte Scipione Borghese, debido a lo cual actualmente se exhibe junto a otras piezas de la Colección Borghese en la Galería Borghese en Roma. En 1899, el magnate financiero Nathaniel Anselm von Rothschild realizó una oferta de compra del lienzo por 4 millones de liras, que fue rechazada;[3] la suma es formidable, si se tiene en cuenta que apenas tres años después toda la colección y su sede fueron vendidos al Estado italiano por 3,6 millones.En 1995 esta pintura fue restaurada, y durante este proceso se reveló que el manto blanco de la figura semidesnuda era originalmente de color rojo.[4]

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Explora la Historia del cuadro de esta obra de arte, Amor_sacro_y_amor_profano.

El cuadro fue encargado por Nicolò Aurelio, secretario del Consejo de los Diez de República de Venecia, cuyo escudo de armas aparece en la fuente o sarcófago[1] del centro de la imagen. El encargo coincide con su matrimonio con la joven viuda Laura Bagarotto, por lo que pudo ser un regalo de bodas. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).[2] La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.El título, de carácter moralista, no fue dado por el propio Tiziano, sino que fue bautizado de esta manera al menos dos siglos después. En el catálogo Borghese ha tenido diferentes nombres: Belleza sin ornamento y belleza ornamentada (1613), Tres amores (1650), Mujer divina y profana (1700), y, finalmente, Amor sacro y amor profano (1792 y 1833). La primera mención de la obra con el nombre Amor profano y amor divino se produce en el inventario de 1693, aunque los críticos contemporáneos desacreditan la teoría de que se tratan de las personificaciones de los conceptos neoplatónicos de Amor sacro y Amor profano. La obra fue comprada en 1608 por el mecenas del arte Scipione Borghese, debido a lo cual actualmente se exhibe junto a otras piezas de la Colección Borghese en la Galería Borghese en Roma. En 1899, el magnate financiero Nathaniel Anselm von Rothschild realizó una oferta de compra del lienzo por 4 millones de liras, que fue rechazada;[3] la suma es formidable, si se tiene en cuenta que apenas tres años después toda la colección y su sede fueron vendidos al Estado italiano por 3,6 millones.En 1995 esta pintura fue restaurada, y durante este proceso se reveló que el manto blanco de la figura semidesnuda era originalmente de color rojo.[4]

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

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Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

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Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: ¿Cómo aclara Amor_sacro_y_amor_profano su Historia del cuadro?

El cuadro fue encargado por Nicolò Aurelio, secretario del Consejo de los Diez de República de Venecia, cuyo escudo de armas aparece en la fuente o sarcófago[1] del centro de la imagen. El encargo coincide con su matrimonio con la joven viuda Laura Bagarotto, por lo que pudo ser un regalo de bodas. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).[2] La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.El título, de carácter moralista, no fue dado por el propio Tiziano, sino que fue bautizado de esta manera al menos dos siglos después. En el catálogo Borghese ha tenido diferentes nombres: Belleza sin ornamento y belleza ornamentada (1613), Tres amores (1650), Mujer divina y profana (1700), y, finalmente, Amor sacro y amor profano (1792 y 1833). La primera mención de la obra con el nombre Amor profano y amor divino se produce en el inventario de 1693, aunque los críticos contemporáneos desacreditan la teoría de que se tratan de las personificaciones de los conceptos neoplatónicos de Amor sacro y Amor profano. La obra fue comprada en 1608 por el mecenas del arte Scipione Borghese, debido a lo cual actualmente se exhibe junto a otras piezas de la Colección Borghese en la Galería Borghese en Roma. En 1899, el magnate financiero Nathaniel Anselm von Rothschild realizó una oferta de compra del lienzo por 4 millones de liras, que fue rechazada;[3] la suma es formidable, si se tiene en cuenta que apenas tres años después toda la colección y su sede fueron vendidos al Estado italiano por 3,6 millones.En 1995 esta pintura fue restaurada, y durante este proceso se reveló que el manto blanco de la figura semidesnuda era originalmente de color rojo.[4]

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Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

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Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: En Amor_sacro_y_amor_profano, ¿Cómo se discute la Historia del cuadro?

El cuadro fue encargado por Nicolò Aurelio, secretario del Consejo de los Diez de República de Venecia, cuyo escudo de armas aparece en la fuente o sarcófago[1] del centro de la imagen. El encargo coincide con su matrimonio con la joven viuda Laura Bagarotto, por lo que pudo ser un regalo de bodas. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).[2] La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.El título, de carácter moralista, no fue dado por el propio Tiziano, sino que fue bautizado de esta manera al menos dos siglos después. En el catálogo Borghese ha tenido diferentes nombres: Belleza sin ornamento y belleza ornamentada (1613), Tres amores (1650), Mujer divina y profana (1700), y, finalmente, Amor sacro y amor profano (1792 y 1833). La primera mención de la obra con el nombre Amor profano y amor divino se produce en el inventario de 1693, aunque los críticos contemporáneos desacreditan la teoría de que se tratan de las personificaciones de los conceptos neoplatónicos de Amor sacro y Amor profano. La obra fue comprada en 1608 por el mecenas del arte Scipione Borghese, debido a lo cual actualmente se exhibe junto a otras piezas de la Colección Borghese en la Galería Borghese en Roma. En 1899, el magnate financiero Nathaniel Anselm von Rothschild realizó una oferta de compra del lienzo por 4 millones de liras, que fue rechazada;[3] la suma es formidable, si se tiene en cuenta que apenas tres años después toda la colección y su sede fueron vendidos al Estado italiano por 3,6 millones.En 1995 esta pintura fue restaurada, y durante este proceso se reveló que el manto blanco de la figura semidesnuda era originalmente de color rojo.[4]

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

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Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Concéntrate en Amor_sacro_y_amor_profano y explora la Interpretación de la escena.

Sin duda, la interpretación tradicional de los historiadores, encabezada por Erwin Panofsky, hace referencia a una escena fundamentada en los conceptos del neoplatonismo renacentista de amor humano (Venus Vulgaris) en contraposición del amor divino (Venus Caelestis).[5] Este contraste entre lo terrenal y lo sublime ha sido enfatizado por la calidad moralista del paisaje de fondo. En el lado izquierdo de la obra pictórica yace una ciudad fortificada y dos liebres, muestra la influencia de Giorgione,[6] y en el lado derecho se incorpora al paisaje una iglesia, una liebre perseguida por un perro, y una pareja en el césped en estado de coquetería.[7] Sin embargo, existen otras teorías sobre el significado del lienzo. El historiador del arte alemán Walter Friedländer indicó las similitudes con la obra de Francesco Colonna titulada El Sueño de Polífilo y propone que las dos figuras femeninas representan a Polia y Venus, los dos personajes femeninos del conocido romance de 1499. Sugiere este estudioso que fue el erudito Pietro Bembo quien ideó esta escena alegórica. En 1895, el crítico Wickloff indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld, por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

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Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Explora la Interpretación de la escena de esta obra de arte, Amor_sacro_y_amor_profano.

Sin duda, la interpretación tradicional de los historiadores, encabezada por Erwin Panofsky, hace referencia a una escena fundamentada en los conceptos del neoplatonismo renacentista de amor humano (Venus Vulgaris) en contraposición del amor divino (Venus Caelestis).[5] Este contraste entre lo terrenal y lo sublime ha sido enfatizado por la calidad moralista del paisaje de fondo. En el lado izquierdo de la obra pictórica yace una ciudad fortificada y dos liebres, muestra la influencia de Giorgione,[6] y en el lado derecho se incorpora al paisaje una iglesia, una liebre perseguida por un perro, y una pareja en el césped en estado de coquetería.[7] Sin embargo, existen otras teorías sobre el significado del lienzo. El historiador del arte alemán Walter Friedländer indicó las similitudes con la obra de Francesco Colonna titulada El Sueño de Polífilo y propone que las dos figuras femeninas representan a Polia y Venus, los dos personajes femeninos del conocido romance de 1499. Sugiere este estudioso que fue el erudito Pietro Bembo quien ideó esta escena alegórica. En 1895, el crítico Wickloff indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld, por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: ¿Cómo aclara Amor_sacro_y_amor_profano su Interpretación de la escena?

Sin duda, la interpretación tradicional de los historiadores, encabezada por Erwin Panofsky, hace referencia a una escena fundamentada en los conceptos del neoplatonismo renacentista de amor humano (Venus Vulgaris) en contraposición del amor divino (Venus Caelestis).[5] Este contraste entre lo terrenal y lo sublime ha sido enfatizado por la calidad moralista del paisaje de fondo. En el lado izquierdo de la obra pictórica yace una ciudad fortificada y dos liebres, muestra la influencia de Giorgione,[6] y en el lado derecho se incorpora al paisaje una iglesia, una liebre perseguida por un perro, y una pareja en el césped en estado de coquetería.[7] Sin embargo, existen otras teorías sobre el significado del lienzo. El historiador del arte alemán Walter Friedländer indicó las similitudes con la obra de Francesco Colonna titulada El Sueño de Polífilo y propone que las dos figuras femeninas representan a Polia y Venus, los dos personajes femeninos del conocido romance de 1499. Sugiere este estudioso que fue el erudito Pietro Bembo quien ideó esta escena alegórica. En 1895, el crítico Wickloff indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld, por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: En Amor_sacro_y_amor_profano, ¿Cómo se discute la Interpretación de la escena?

Sin duda, la interpretación tradicional de los historiadores, encabezada por Erwin Panofsky, hace referencia a una escena fundamentada en los conceptos del neoplatonismo renacentista de amor humano (Venus Vulgaris) en contraposición del amor divino (Venus Caelestis).[5] Este contraste entre lo terrenal y lo sublime ha sido enfatizado por la calidad moralista del paisaje de fondo. En el lado izquierdo de la obra pictórica yace una ciudad fortificada y dos liebres, muestra la influencia de Giorgione,[6] y en el lado derecho se incorpora al paisaje una iglesia, una liebre perseguida por un perro, y una pareja en el césped en estado de coquetería.[7] Sin embargo, existen otras teorías sobre el significado del lienzo. El historiador del arte alemán Walter Friedländer indicó las similitudes con la obra de Francesco Colonna titulada El Sueño de Polífilo y propone que las dos figuras femeninas representan a Polia y Venus, los dos personajes femeninos del conocido romance de 1499. Sugiere este estudioso que fue el erudito Pietro Bembo quien ideó esta escena alegórica. En 1895, el crítico Wickloff indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld, por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Concéntrate en Amor_sacro_y_amor_profano y explora la Referencias bibliográficas.

CHECA, Fernando; 1997; Tiziano y la pintura veneciana del siglo XVI. Madrid. Alianza Edic.JAFFÉ, David. Titian. 2003; Londres: National Gallery CompanyMARÍAS FRANCO, Fernando; 1994, Tiziano. Madrid. Anaya, Grandes Obras.MORENO, Paolo. The Borghese Gallery. 2001; Milán: Touring Club ItalianoRodino di Miglione, Maria (2007). Galleria Borghese: 10 masterpieces. Roma:Gebart. PANOFSKY, Erwin. Tiziano estudios sobre iconografía. Madrid, Akal, 2003.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: Explora la Referencias bibliográficas de esta obra de arte, Amor_sacro_y_amor_profano.

CHECA, Fernando; 1997; Tiziano y la pintura veneciana del siglo XVI. Madrid. Alianza Edic.JAFFÉ, David. Titian. 2003; Londres: National Gallery CompanyMARÍAS FRANCO, Fernando; 1994, Tiziano. Madrid. Anaya, Grandes Obras.MORENO, Paolo. The Borghese Gallery. 2001; Milán: Touring Club ItalianoRodino di Miglione, Maria (2007). Galleria Borghese: 10 masterpieces. Roma:Gebart. PANOFSKY, Erwin. Tiziano estudios sobre iconografía. Madrid, Akal, 2003.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: ¿Cómo aclara Amor_sacro_y_amor_profano su Referencias bibliográficas?

CHECA, Fernando; 1997; Tiziano y la pintura veneciana del siglo XVI. Madrid. Alianza Edic.JAFFÉ, David. Titian. 2003; Londres: National Gallery CompanyMARÍAS FRANCO, Fernando; 1994, Tiziano. Madrid. Anaya, Grandes Obras.MORENO, Paolo. The Borghese Gallery. 2001; Milán: Touring Club ItalianoRodino di Miglione, Maria (2007). Galleria Borghese: 10 masterpieces. Roma:Gebart. PANOFSKY, Erwin. Tiziano estudios sobre iconografía. Madrid, Akal, 2003.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


Amor_sacro_y_amor_profano

Prompt: En Amor_sacro_y_amor_profano, ¿Cómo se discute la Referencias bibliográficas?

CHECA, Fernando; 1997; Tiziano y la pintura veneciana del siglo XVI. Madrid. Alianza Edic.JAFFÉ, David. Titian. 2003; Londres: National Gallery CompanyMARÍAS FRANCO, Fernando; 1994, Tiziano. Madrid. Anaya, Grandes Obras.MORENO, Paolo. The Borghese Gallery. 2001; Milán: Touring Club ItalianoRodino di Miglione, Maria (2007). Galleria Borghese: 10 masterpieces. Roma:Gebart. PANOFSKY, Erwin. Tiziano estudios sobre iconografía. Madrid, Akal, 2003.

Archivo:Cabeza de Venus de Amor sacro y amor profano de Tiziano.jpg

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Detalle de la cabeza de Venus en ''Amor sacro y amor profano'' de Tiziano.

Archivo:Tiziano - Amor Sacro y Amor Profano (Galería Borghese, Roma, 1514).jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


La_Última_Cena

Prompt: Concéntrate en La_Última_Cena y explora la abstract.


La_Última_Cena

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_Última_Cena.


La_Última_Cena

Prompt: ¿Cómo aclara La_Última_Cena su abstract?


La_Última_Cena

Prompt: En La_Última_Cena, ¿Cómo se discute la abstract?


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Concéntrate en Puesta_del_sol_en_Montmajour y explora la abstract.

Puesta del sol en Montmajour es un paisaje al óleo pintado por el artista holandés Vincent van Gogh el 27 de julio de 1888.,[1][2] mientras el artista estaba en Arlés, Francia, y representa el paisaje de la garriga, con las ruinas de la Abadía de Montmajour en el horizonte.[1][3] La pintura es de 73,3 cm x 93,3 cm (28,9 pulgadas x 36,7 pulgadas) y está ubicado en el Museo van Gogh de Ámsterdam, donde se exhibirá a partir del 24 de septiembre.[4][3]La obra pictórica fue pintada durante su estadía en Arlés, en la que también creó los cuadros como Los girasoles, La Casa Amarilla o El dormitorio en Arlés.[5]No se creía que la pintura fuese una obra auténtica de Van Gogh, hasta que fue autentificada en 2013.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Puesta_del_sol_en_Montmajour.

Puesta del sol en Montmajour es un paisaje al óleo pintado por el artista holandés Vincent van Gogh el 27 de julio de 1888.,[1][2] mientras el artista estaba en Arlés, Francia, y representa el paisaje de la garriga, con las ruinas de la Abadía de Montmajour en el horizonte.[1][3] La pintura es de 73,3 cm x 93,3 cm (28,9 pulgadas x 36,7 pulgadas) y está ubicado en el Museo van Gogh de Ámsterdam, donde se exhibirá a partir del 24 de septiembre.[4][3]La obra pictórica fue pintada durante su estadía en Arlés, en la que también creó los cuadros como Los girasoles, La Casa Amarilla o El dormitorio en Arlés.[5]No se creía que la pintura fuese una obra auténtica de Van Gogh, hasta que fue autentificada en 2013.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: ¿Cómo aclara Puesta_del_sol_en_Montmajour su abstract?

Puesta del sol en Montmajour es un paisaje al óleo pintado por el artista holandés Vincent van Gogh el 27 de julio de 1888.,[1][2] mientras el artista estaba en Arlés, Francia, y representa el paisaje de la garriga, con las ruinas de la Abadía de Montmajour en el horizonte.[1][3] La pintura es de 73,3 cm x 93,3 cm (28,9 pulgadas x 36,7 pulgadas) y está ubicado en el Museo van Gogh de Ámsterdam, donde se exhibirá a partir del 24 de septiembre.[4][3]La obra pictórica fue pintada durante su estadía en Arlés, en la que también creó los cuadros como Los girasoles, La Casa Amarilla o El dormitorio en Arlés.[5]No se creía que la pintura fuese una obra auténtica de Van Gogh, hasta que fue autentificada en 2013.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: En Puesta_del_sol_en_Montmajour, ¿Cómo se discute la abstract?

Puesta del sol en Montmajour es un paisaje al óleo pintado por el artista holandés Vincent van Gogh el 27 de julio de 1888.,[1][2] mientras el artista estaba en Arlés, Francia, y representa el paisaje de la garriga, con las ruinas de la Abadía de Montmajour en el horizonte.[1][3] La pintura es de 73,3 cm x 93,3 cm (28,9 pulgadas x 36,7 pulgadas) y está ubicado en el Museo van Gogh de Ámsterdam, donde se exhibirá a partir del 24 de septiembre.[4][3]La obra pictórica fue pintada durante su estadía en Arlés, en la que también creó los cuadros como Los girasoles, La Casa Amarilla o El dormitorio en Arlés.[5]No se creía que la pintura fuese una obra auténtica de Van Gogh, hasta que fue autentificada en 2013.

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Concéntrate en Puesta_del_sol_en_Montmajour y explora la Historia.

La pintura se inventarió en la colección de Theo van Gogh de las obras de su hermano en 1890[6][7] y fue vendida en 1901.[7]El empresario noruego Christian Nicolai Mustad compró el cuadro en 1908.[2]  Según su familia, el embajador de Francia en Suecia le informó de que probablemente no era una obra de Vincent van Gogh.[1] La pintura permaneció almacenada en un ático hasta la muerte de Mustad, cuando reapareció como parte de su patrimonio.[8] En la década de 1990, el cuadro fue mostrado al personal en el Museo van Gogh, pero fue descartado como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Puesta_del_sol_en_Montmajour.

La pintura se inventarió en la colección de Theo van Gogh de las obras de su hermano en 1890[6][7] y fue vendida en 1901.[7]El empresario noruego Christian Nicolai Mustad compró el cuadro en 1908.[2]  Según su familia, el embajador de Francia en Suecia le informó de que probablemente no era una obra de Vincent van Gogh.[1] La pintura permaneció almacenada en un ático hasta la muerte de Mustad, cuando reapareció como parte de su patrimonio.[8] En la década de 1990, el cuadro fue mostrado al personal en el Museo van Gogh, pero fue descartado como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: ¿Cómo aclara Puesta_del_sol_en_Montmajour su Historia?

La pintura se inventarió en la colección de Theo van Gogh de las obras de su hermano en 1890[6][7] y fue vendida en 1901.[7]El empresario noruego Christian Nicolai Mustad compró el cuadro en 1908.[2]  Según su familia, el embajador de Francia en Suecia le informó de que probablemente no era una obra de Vincent van Gogh.[1] La pintura permaneció almacenada en un ático hasta la muerte de Mustad, cuando reapareció como parte de su patrimonio.[8] En la década de 1990, el cuadro fue mostrado al personal en el Museo van Gogh, pero fue descartado como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: En Puesta_del_sol_en_Montmajour, ¿Cómo se discute la Historia?

La pintura se inventarió en la colección de Theo van Gogh de las obras de su hermano en 1890[6][7] y fue vendida en 1901.[7]El empresario noruego Christian Nicolai Mustad compró el cuadro en 1908.[2]  Según su familia, el embajador de Francia en Suecia le informó de que probablemente no era una obra de Vincent van Gogh.[1] La pintura permaneció almacenada en un ático hasta la muerte de Mustad, cuando reapareció como parte de su patrimonio.[8] En la década de 1990, el cuadro fue mostrado al personal en el Museo van Gogh, pero fue descartado como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: En el contexto de Puesta_del_sol_en_Montmajour, explora la Redescubrimiento e identificación y Historia.

Con el desarrollo de mejores técnicas de investigación, una investigación de dos años se puso en marcha por el Museo van Gogh para determinar la autenticidad de la pintura.[9] La pintura fue objeto de una investigación detallada de estilo y materiales. Se descubrió que se han pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.[1]Entre la evidencia que confirma la autenticidad de la pintura está una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio de 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior: El 9 de septiembre de 2013, el Museo van Gogh anunció en una presentación pública de la obra que se había confirmado que se trataba de una pintura de Van Gogh.[1] No se ha descubierto ningún otro cuadro de Van Gogh del mismo tamaño desde 1928.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Explora la Redescubrimiento e identificación sobre la Historia de esta obra de arte, Puesta_del_sol_en_Montmajour.

Con el desarrollo de mejores técnicas de investigación, una investigación de dos años se puso en marcha por el Museo van Gogh para determinar la autenticidad de la pintura.[9] La pintura fue objeto de una investigación detallada de estilo y materiales. Se descubrió que se han pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.[1]Entre la evidencia que confirma la autenticidad de la pintura está una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio de 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior: El 9 de septiembre de 2013, el Museo van Gogh anunció en una presentación pública de la obra que se había confirmado que se trataba de una pintura de Van Gogh.[1] No se ha descubierto ningún otro cuadro de Van Gogh del mismo tamaño desde 1928.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: En Puesta_del_sol_en_Montmajour, ¿Cómo se aclara la Redescubrimiento e identificación de la Historia?

Con el desarrollo de mejores técnicas de investigación, una investigación de dos años se puso en marcha por el Museo van Gogh para determinar la autenticidad de la pintura.[9] La pintura fue objeto de una investigación detallada de estilo y materiales. Se descubrió que se han pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.[1]Entre la evidencia que confirma la autenticidad de la pintura está una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio de 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior: El 9 de septiembre de 2013, el Museo van Gogh anunció en una presentación pública de la obra que se había confirmado que se trataba de una pintura de Van Gogh.[1] No se ha descubierto ningún otro cuadro de Van Gogh del mismo tamaño desde 1928.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Puesta_del_sol_en_Montmajour

Prompt: Describe las características de la Redescubrimiento e identificación en la Historia de Puesta_del_sol_en_Montmajour.

Con el desarrollo de mejores técnicas de investigación, una investigación de dos años se puso en marcha por el Museo van Gogh para determinar la autenticidad de la pintura.[9] La pintura fue objeto de una investigación detallada de estilo y materiales. Se descubrió que se han pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.[1]Entre la evidencia que confirma la autenticidad de la pintura está una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio de 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior: El 9 de septiembre de 2013, el Museo van Gogh anunció en una presentación pública de la obra que se había confirmado que se trataba de una pintura de Van Gogh.[1] No se ha descubierto ningún otro cuadro de Van Gogh del mismo tamaño desde 1928.[1]

Categoría:Colecciones del Museo van Gogh

Archivo: Sunset at Montmajour 1888 Van Gogh.jpg


Madona_Benois

Prompt: Concéntrate en Madona_Benois y explora la abstract.

Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm de alto y 31 cm de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Madona_Benois.

Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm de alto y 31 cm de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: ¿Cómo aclara Madona_Benois su abstract?

Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm de alto y 31 cm de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: En Madona_Benois, ¿Cómo se discute la abstract?

Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm de alto y 31 cm de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: Concéntrate en Madona_Benois y explora la Historia.

Puede ser una de las dos Vírgenes con Niño que Leonardo da Vinci comenzó en octubre de 1478, como él mismo señaló. La otra sería la Virgen del clavel que se encuentra en Múnich. Parece que la Madona Benois fue la primera obra pintada por Leonardo con independencia de su maestro, Verrocchio. Hay dos esbozos preliminares de Leonardo para esta obra en el Museo Británico. Recibió el nombre de Madona Benois por la familia que poseía esta obra. Bocchi, en 1591, mencionaba esta obra en la casa florentina de Matteo y Giovanni Botti: «tablilla pintada al óleo de mano de Leonardo da Vinci, de excesiva belleza, donde está pintada una Madona con suma habilidad y con extrema diligencia; la figura de Cristo, que es Niño, es bella y maravillosa: se ve en aquel un alzar de la mirada singular y trabajo impresionante en la dificultad de la actitud con feliz facilidad», descripción que podría referirse también a la Virgen del clavel, que por la originalidad compositiva y la búsqueda del relieve parece libre de cualquier influjo del taller de Verrocchio.Durante siglos, esta Virgen con el Niño y flores se consideró perdida. Sólo en 1909, el arquitecto Leon Benois sensacionalmente la exhibió en San Petersburgo como parte de las colecciones de su suegro. La pintura había sido aparentemente traída desde Italia a Rusia por el destacado aficionado Alexander Korsakov en los años 1790. A la muerte de Korsakov, fue vendida por su hijo al comerciante de Astracán Sapoznikov por 1400 rublos (1824), y de esta manera pasó en herencia a la familia Benois en 1880. Después de mucho debate sobre la atribución, Leon Benois vendió la pintura al Imperial Museo del Hermitage en 1914. Desde entonces, se ha exhibido en San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Madona_Benois.

Puede ser una de las dos Vírgenes con Niño que Leonardo da Vinci comenzó en octubre de 1478, como él mismo señaló. La otra sería la Virgen del clavel que se encuentra en Múnich. Parece que la Madona Benois fue la primera obra pintada por Leonardo con independencia de su maestro, Verrocchio. Hay dos esbozos preliminares de Leonardo para esta obra en el Museo Británico. Recibió el nombre de Madona Benois por la familia que poseía esta obra. Bocchi, en 1591, mencionaba esta obra en la casa florentina de Matteo y Giovanni Botti: «tablilla pintada al óleo de mano de Leonardo da Vinci, de excesiva belleza, donde está pintada una Madona con suma habilidad y con extrema diligencia; la figura de Cristo, que es Niño, es bella y maravillosa: se ve en aquel un alzar de la mirada singular y trabajo impresionante en la dificultad de la actitud con feliz facilidad», descripción que podría referirse también a la Virgen del clavel, que por la originalidad compositiva y la búsqueda del relieve parece libre de cualquier influjo del taller de Verrocchio.Durante siglos, esta Virgen con el Niño y flores se consideró perdida. Sólo en 1909, el arquitecto Leon Benois sensacionalmente la exhibió en San Petersburgo como parte de las colecciones de su suegro. La pintura había sido aparentemente traída desde Italia a Rusia por el destacado aficionado Alexander Korsakov en los años 1790. A la muerte de Korsakov, fue vendida por su hijo al comerciante de Astracán Sapoznikov por 1400 rublos (1824), y de esta manera pasó en herencia a la familia Benois en 1880. Después de mucho debate sobre la atribución, Leon Benois vendió la pintura al Imperial Museo del Hermitage en 1914. Desde entonces, se ha exhibido en San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: ¿Cómo aclara Madona_Benois su Historia?

Puede ser una de las dos Vírgenes con Niño que Leonardo da Vinci comenzó en octubre de 1478, como él mismo señaló. La otra sería la Virgen del clavel que se encuentra en Múnich. Parece que la Madona Benois fue la primera obra pintada por Leonardo con independencia de su maestro, Verrocchio. Hay dos esbozos preliminares de Leonardo para esta obra en el Museo Británico. Recibió el nombre de Madona Benois por la familia que poseía esta obra. Bocchi, en 1591, mencionaba esta obra en la casa florentina de Matteo y Giovanni Botti: «tablilla pintada al óleo de mano de Leonardo da Vinci, de excesiva belleza, donde está pintada una Madona con suma habilidad y con extrema diligencia; la figura de Cristo, que es Niño, es bella y maravillosa: se ve en aquel un alzar de la mirada singular y trabajo impresionante en la dificultad de la actitud con feliz facilidad», descripción que podría referirse también a la Virgen del clavel, que por la originalidad compositiva y la búsqueda del relieve parece libre de cualquier influjo del taller de Verrocchio.Durante siglos, esta Virgen con el Niño y flores se consideró perdida. Sólo en 1909, el arquitecto Leon Benois sensacionalmente la exhibió en San Petersburgo como parte de las colecciones de su suegro. La pintura había sido aparentemente traída desde Italia a Rusia por el destacado aficionado Alexander Korsakov en los años 1790. A la muerte de Korsakov, fue vendida por su hijo al comerciante de Astracán Sapoznikov por 1400 rublos (1824), y de esta manera pasó en herencia a la familia Benois en 1880. Después de mucho debate sobre la atribución, Leon Benois vendió la pintura al Imperial Museo del Hermitage en 1914. Desde entonces, se ha exhibido en San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: En Madona_Benois, ¿Cómo se discute la Historia?

Puede ser una de las dos Vírgenes con Niño que Leonardo da Vinci comenzó en octubre de 1478, como él mismo señaló. La otra sería la Virgen del clavel que se encuentra en Múnich. Parece que la Madona Benois fue la primera obra pintada por Leonardo con independencia de su maestro, Verrocchio. Hay dos esbozos preliminares de Leonardo para esta obra en el Museo Británico. Recibió el nombre de Madona Benois por la familia que poseía esta obra. Bocchi, en 1591, mencionaba esta obra en la casa florentina de Matteo y Giovanni Botti: «tablilla pintada al óleo de mano de Leonardo da Vinci, de excesiva belleza, donde está pintada una Madona con suma habilidad y con extrema diligencia; la figura de Cristo, que es Niño, es bella y maravillosa: se ve en aquel un alzar de la mirada singular y trabajo impresionante en la dificultad de la actitud con feliz facilidad», descripción que podría referirse también a la Virgen del clavel, que por la originalidad compositiva y la búsqueda del relieve parece libre de cualquier influjo del taller de Verrocchio.Durante siglos, esta Virgen con el Niño y flores se consideró perdida. Sólo en 1909, el arquitecto Leon Benois sensacionalmente la exhibió en San Petersburgo como parte de las colecciones de su suegro. La pintura había sido aparentemente traída desde Italia a Rusia por el destacado aficionado Alexander Korsakov en los años 1790. A la muerte de Korsakov, fue vendida por su hijo al comerciante de Astracán Sapoznikov por 1400 rublos (1824), y de esta manera pasó en herencia a la familia Benois en 1880. Después de mucho debate sobre la atribución, Leon Benois vendió la pintura al Imperial Museo del Hermitage en 1914. Desde entonces, se ha exhibido en San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

Prompt: Concéntrate en Madona_Benois y explora la Análisis.

La pintura representa a María y a su hijo en un juego de miradas que resulta muy natural y que no puede encontrarse en ninguna pintura italiana de la época. En particular resultaban novedosos, la expresión de la Virgen y su rostro en forma de triángulo invertido; posteriormente, Leonardo perfeccionará el modelo en La Virgen de las Rocas del Louvre. Es una madre con su hijo en momentos privados, reflejando una preciosa emoción entre ellos, a través de las miradas y los suaves ademanes de las manos. Esta era la intención del autor, que pareciesen naturales.Leonardo alcanzó esta calidad por medio de estudios de la naturaleza y produjo varias pinturas, esbozos y un número muy grande de dibujos sobre este tema. Las dos figuras, de la Madre y el Hijo, están dispuestas de forma oblicua y contrapuesta, pero unidas entre sí en el centro de la composición por una flor con la que los dos juegan. Según algunos, los cuatro pétalos serían una alegoría de la futura crucifixión. Una ventana rompe el fondo.Esta pintura demuestra el método recientemente desarrollado en la época y que fue llamado claroscuro, una técnica de iluminación que oscurece las figuras y que las hace parecer en tres dimensiones. Puede considerarse como obra de transición entre las obras de su primera estancia en Florencia y las que hizo en Milán. La complejidad y el detalle de estas pinturas fijaron patrones nuevos. La composición de la Virgen con el Niño y flores acabó siendo una de las más populares de Leonardo. Fue muy copiada por jóvenes artistas incluido Rafael, cuya versión del diseño de Leonardo (Virgen de las rosas) fue adquirida en 2004 por la National Gallery de Londres. Sin embargo, actualmente es una de las obras menos conocidas del pintor.La imagen de María, sin dientes, puede explicarse por el estado inacabado del trabajo, como muchas otras pinturas de Leonardo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Archivo:Leonardo da Vinci Benois Madonna.jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madona_Benois

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La pintura representa a María y a su hijo en un juego de miradas que resulta muy natural y que no puede encontrarse en ninguna pintura italiana de la época. En particular resultaban novedosos, la expresión de la Virgen y su rostro en forma de triángulo invertido; posteriormente, Leonardo perfeccionará el modelo en La Virgen de las Rocas del Louvre. Es una madre con su hijo en momentos privados, reflejando una preciosa emoción entre ellos, a través de las miradas y los suaves ademanes de las manos. Esta era la intención del autor, que pareciesen naturales.Leonardo alcanzó esta calidad por medio de estudios de la naturaleza y produjo varias pinturas, esbozos y un número muy grande de dibujos sobre este tema. Las dos figuras, de la Madre y el Hijo, están dispuestas de forma oblicua y contrapuesta, pero unidas entre sí en el centro de la composición por una flor con la que los dos juegan. Según algunos, los cuatro pétalos serían una alegoría de la futura crucifixión. Una ventana rompe el fondo.Esta pintura demuestra el método recientemente desarrollado en la época y que fue llamado claroscuro, una técnica de iluminación que oscurece las figuras y que las hace parecer en tres dimensiones. Puede considerarse como obra de transición entre las obras de su primera estancia en Florencia y las que hizo en Milán. La complejidad y el detalle de estas pinturas fijaron patrones nuevos. La composición de la Virgen con el Niño y flores acabó siendo una de las más populares de Leonardo. Fue muy copiada por jóvenes artistas incluido Rafael, cuya versión del diseño de Leonardo (Virgen de las rosas) fue adquirida en 2004 por la National Gallery de Londres. Sin embargo, actualmente es una de las obras menos conocidas del pintor.La imagen de María, sin dientes, puede explicarse por el estado inacabado del trabajo, como muchas otras pinturas de Leonardo.

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