Inocencio_X

Prompt: Describe las características de la Otras actuaciones en la Papado de Inocencio_X.

La más importante de sus decisiones doctrinales fue la condena del jansenismo mediante la publicación, el 31 de marzo de 1653, de la bula Cum occasione.El 4 de mayo de 1649, mediante la bula Appropinquat dilectissima filii , proclamó el XIV Jubileo que provocó la llegada a Roma de unos 700.000 peregrinos y que supuso el embellecimiento de la ciudad con obras como el Éxtasis de Santa Teresa de Bernini o la estatua del propio papa, obra de Alessandro Algardi.Su cuñada, Olimpia Maidalchini, temida y odiada en Roma, se convirtió en su principal consejera. Se decía que cualquier trato con el papa había de pasar antes por ella y que eran más que cuñados, aunque este rumor no se apoyó en prueba alguna.[cita requerida] A su muerte Olimpia se apoderó de todo cuanto encontró en el apartamento del papa, y por la codicia de sus parientes el cadáver permaneció un día en una estancia del Vaticano sin recibir sepultura, siendo enterrado en la basílica patriarcal del Vaticano gracias a la generosidad del mayordomo Scotti y del canónigo Segni. Más tarde sus restos fueron trasladados a una sepultura hecha construir por su sobrino Camilo en la iglesia de Santa Inés en Agone.[cita requerida]Se conserva un famoso retrato de este papa debido al pincel de Velázquez. Cuentan que el papa exclamó al verlo terminado: «Troppo vero!» («¡Demasiado verdadero!»), ya que le mostraba tal cual era, sin embellecimiento alguno. Dicho retrato fue calificado por el pintor inglés Joshua Reynolds como el mejor existente en Roma. Se conserva aún en manos de sus descendientes, los Doria, en el Palazzo Doria-Pamphili.Así mismo, el grabador Pietro Testa ensalzó la elección de Inocencio X como papa en 1644, con un aguafuerte alegórico que relaciona este nombramiento con una nueva Edad de oro para Roma. Muestra al pontífice en un medallón, rodeado de figuras como el dios Tíber.Unos días antes de morir, el 24 de diciembre de 1654, permitió la conversión de Cristina de Suecia al catolicismo. Falleció el 7 de enero de 1655.Famosa es su intervención ante la polémica que protagonizaron opositores del Beato Juan de Palafox a mitad del siglo XVII en la Nueva España. Sobre el corto periodo de Palafox como Virrey el pontífice expresó: "Conozco a don Juan de Palafox y Mendoza desde que estuve de nuncio en España, y le tengo por hombre de tanto valor y virtud, que si él no pone en orden el gobierno de su Iglesia en América, no habrá obispo que lo haga."[2]Las profecías de San Malaquías se refieren a este papa como Jucunditas crucis (La exaltación de la cruz), cita que al parecer hace referencia a que fue elegido papa al día siguiente de la Exaltación de la Santa Cruz.

Categoría:Cardenales creados por Urbano VIII

Categoría:Cardenales de Italia del siglo XVII

Categoría:Patriarcas latinos de Antioquía

Estatua del papa, por [[Alessandro Algardi

Categoría:Alumnado de la Pontificia Universidad Gregoriana

Archivo:Innocent X Algardi Musei Capitolini MC1199.jpg


Inocencio_X

Prompt: En el contexto de Inocencio_X, explora la Ascendencia Borgia y Papado.

Era tataranieto de Juan Borgia a través de su hija Lucrecia, que casada con Ciriaco Mattei fue su bisabuela. Por lo que era directo descendiente del papa Alejandro VI.

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Categoría:Patriarcas latinos de Antioquía

Estatua del papa, por [[Alessandro Algardi

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Inocencio_X

Prompt: Explora la Ascendencia Borgia sobre la Papado de esta obra de arte, Inocencio_X.

Era tataranieto de Juan Borgia a través de su hija Lucrecia, que casada con Ciriaco Mattei fue su bisabuela. Por lo que era directo descendiente del papa Alejandro VI.

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Estatua del papa, por [[Alessandro Algardi

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Inocencio_X

Prompt: En Inocencio_X, ¿Cómo se aclara la Ascendencia Borgia de la Papado?

Era tataranieto de Juan Borgia a través de su hija Lucrecia, que casada con Ciriaco Mattei fue su bisabuela. Por lo que era directo descendiente del papa Alejandro VI.

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Estatua del papa, por [[Alessandro Algardi

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Inocencio_X

Prompt: Describe las características de la Ascendencia Borgia en la Papado de Inocencio_X.

Era tataranieto de Juan Borgia a través de su hija Lucrecia, que casada con Ciriaco Mattei fue su bisabuela. Por lo que era directo descendiente del papa Alejandro VI.

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La_maja_vestida

Prompt: Concéntrate en La_maja_vestida y explora la abstract.

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está realizada en óleo sobre lienzo, mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho, y fue pintada entre 1800 y 1808. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid, España, desde 1901,[1] después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_maja_vestida.

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está realizada en óleo sobre lienzo, mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho, y fue pintada entre 1800 y 1808. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid, España, desde 1901,[1] después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

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Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: ¿Cómo aclara La_maja_vestida su abstract?

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está realizada en óleo sobre lienzo, mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho, y fue pintada entre 1800 y 1808. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid, España, desde 1901,[1] después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

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Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: En La_maja_vestida, ¿Cómo se discute la abstract?

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está realizada en óleo sobre lienzo, mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho, y fue pintada entre 1800 y 1808. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid, España, desde 1901,[1] después de un largo periodo en la Real Academia de San Fernando.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: Concéntrate en La_maja_vestida y explora la Historia.

En origen, esta pintura y su «hermana», La maja desnuda, recibían el nombre de «gitanas» y no de «majas». Así aparecen en el inventario realizado en 1808 de los bienes de Manuel Godoy,[2] su primer propietario. En 1813 fue llevada al Depósito General de Secuestros de la calle Alcalá, donde se refiere por primera vez a «una mujer vestida de maja»,[1] para después ser reclamadas ambas obras por el Tribunal de la Inquisición por ser «pinturas obscenas».[1] Fue expuesta al público por primera vez en la Real Academia de San Fernando.En 2022, dos activistas del grupo contra la crisis climática Futuro Vegetal pegaron sus manos con pegamento a los marcos de este cuadro y de La maja desnuda, situada a su lado.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, La_maja_vestida.

En origen, esta pintura y su «hermana», La maja desnuda, recibían el nombre de «gitanas» y no de «majas». Así aparecen en el inventario realizado en 1808 de los bienes de Manuel Godoy,[2] su primer propietario. En 1813 fue llevada al Depósito General de Secuestros de la calle Alcalá, donde se refiere por primera vez a «una mujer vestida de maja»,[1] para después ser reclamadas ambas obras por el Tribunal de la Inquisición por ser «pinturas obscenas».[1] Fue expuesta al público por primera vez en la Real Academia de San Fernando.En 2022, dos activistas del grupo contra la crisis climática Futuro Vegetal pegaron sus manos con pegamento a los marcos de este cuadro y de La maja desnuda, situada a su lado.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: ¿Cómo aclara La_maja_vestida su Historia?

En origen, esta pintura y su «hermana», La maja desnuda, recibían el nombre de «gitanas» y no de «majas». Así aparecen en el inventario realizado en 1808 de los bienes de Manuel Godoy,[2] su primer propietario. En 1813 fue llevada al Depósito General de Secuestros de la calle Alcalá, donde se refiere por primera vez a «una mujer vestida de maja»,[1] para después ser reclamadas ambas obras por el Tribunal de la Inquisición por ser «pinturas obscenas».[1] Fue expuesta al público por primera vez en la Real Academia de San Fernando.En 2022, dos activistas del grupo contra la crisis climática Futuro Vegetal pegaron sus manos con pegamento a los marcos de este cuadro y de La maja desnuda, situada a su lado.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: En La_maja_vestida, ¿Cómo se discute la Historia?

En origen, esta pintura y su «hermana», La maja desnuda, recibían el nombre de «gitanas» y no de «majas». Así aparecen en el inventario realizado en 1808 de los bienes de Manuel Godoy,[2] su primer propietario. En 1813 fue llevada al Depósito General de Secuestros de la calle Alcalá, donde se refiere por primera vez a «una mujer vestida de maja»,[1] para después ser reclamadas ambas obras por el Tribunal de la Inquisición por ser «pinturas obscenas».[1] Fue expuesta al público por primera vez en la Real Academia de San Fernando.En 2022, dos activistas del grupo contra la crisis climática Futuro Vegetal pegaron sus manos con pegamento a los marcos de este cuadro y de La maja desnuda, situada a su lado.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: Concéntrate en La_maja_vestida y explora la Análisis del cuadro.

El vestido blanco de esta maja lleva en la cintura una lazada rosa. Otra nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de La maja desnuda, en la que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.Se retrata a la misma mujer recostada en un lecho y mirando directamente al observador. No se sabe a ciencia cierta quién es la retratada. Se apuntó la posibilidad de que se tratara de la decimotercera duquesa de Alba, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, amiga de Goya. No obstante, dado que el primer propietario fue Godoy, se ha considerado más probable que la modelo directamente retratada haya sido la entonces amante y luego esposa del propio Godoy, Pepita Tudó.[2]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Categoría:Cuadros de España de los años 1800

''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

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Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: Explora la Análisis del cuadro de esta obra de arte, La_maja_vestida.

El vestido blanco de esta maja lleva en la cintura una lazada rosa. Otra nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de La maja desnuda, en la que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.Se retrata a la misma mujer recostada en un lecho y mirando directamente al observador. No se sabe a ciencia cierta quién es la retratada. Se apuntó la posibilidad de que se tratara de la decimotercera duquesa de Alba, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, amiga de Goya. No obstante, dado que el primer propietario fue Godoy, se ha considerado más probable que la modelo directamente retratada haya sido la entonces amante y luego esposa del propio Godoy, Pepita Tudó.[2]

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María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

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''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

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La_maja_vestida

Prompt: ¿Cómo aclara La_maja_vestida su Análisis del cuadro?

El vestido blanco de esta maja lleva en la cintura una lazada rosa. Otra nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de La maja desnuda, en la que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.Se retrata a la misma mujer recostada en un lecho y mirando directamente al observador. No se sabe a ciencia cierta quién es la retratada. Se apuntó la posibilidad de que se tratara de la decimotercera duquesa de Alba, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, amiga de Goya. No obstante, dado que el primer propietario fue Godoy, se ha considerado más probable que la modelo directamente retratada haya sido la entonces amante y luego esposa del propio Godoy, Pepita Tudó.[2]

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María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

Categoría:Adquisiciones del Museo del Prado 1901


La_maja_vestida

Prompt: En La_maja_vestida, ¿Cómo se discute la Análisis del cuadro?

El vestido blanco de esta maja lleva en la cintura una lazada rosa. Otra nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.Goya la pintó con pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, a diferencia de La maja desnuda, en la que el pintor es más cuidadoso en el tratamiento de las carnaduras y sombreados. La figura de la maja está bañada con una luz que destaca las diferentes texturas.Se retrata a la misma mujer recostada en un lecho y mirando directamente al observador. No se sabe a ciencia cierta quién es la retratada. Se apuntó la posibilidad de que se tratara de la decimotercera duquesa de Alba, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, amiga de Goya. No obstante, dado que el primer propietario fue Godoy, se ha considerado más probable que la modelo directamente retratada haya sido la entonces amante y luego esposa del propio Godoy, Pepita Tudó.[2]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba

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''La maja vestida'' sobre un caballete y fotografiada al sol por [[J. Laurent

Archivo:La maja vestida, de Francisco de Goya, fotografiada al sol, por Juan Laurent hacia el año 1868 (circa 1868), VN-01098 P.jpg

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Concéntrate en Triple_retrato_de_Carlos_I y explora la abstract.

El Triple retrato de Carlos I, también llamado Carlos I en tres posiciones, es una obra de Anton van Dyck pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 84,5 x 99,7 cm. Datada en 1635, pertenece a la Colección Real británica y se conserva en el castillo de Windsor en Windsor (Berkshire).

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Triple_retrato_de_Carlos_I.

El Triple retrato de Carlos I, también llamado Carlos I en tres posiciones, es una obra de Anton van Dyck pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 84,5 x 99,7 cm. Datada en 1635, pertenece a la Colección Real británica y se conserva en el castillo de Windsor en Windsor (Berkshire).

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: ¿Cómo aclara Triple_retrato_de_Carlos_I su abstract?

El Triple retrato de Carlos I, también llamado Carlos I en tres posiciones, es una obra de Anton van Dyck pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 84,5 x 99,7 cm. Datada en 1635, pertenece a la Colección Real británica y se conserva en el castillo de Windsor en Windsor (Berkshire).

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: En Triple_retrato_de_Carlos_I, ¿Cómo se discute la abstract?

El Triple retrato de Carlos I, también llamado Carlos I en tres posiciones, es una obra de Anton van Dyck pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 84,5 x 99,7 cm. Datada en 1635, pertenece a la Colección Real británica y se conserva en el castillo de Windsor en Windsor (Berkshire).

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Concéntrate en Triple_retrato_de_Carlos_I y explora la Historia.

El cuadro fue un encargo del principal mecenas y protector de Anton van Dyck, el rey Carlos I de Inglaterra, a quien ya le había realizado varios retratos. Pero en este caso no se trataba de ensalzar la figura del monarca o plasmar su poder sobre un lienzo, en esta ocasión el trabajo iba a ser enviado a Roma para que el afamado escultor italiano Bernini pudiera realizar un busto en mármol del monarca inglés. El busto era un regalo del papa Urbano VIII al rey con la ferviente esperanza de que mejoraran las relaciones entre la Iglesia católica y la Iglesia de Inglaterra.[1]A pesar de que el busto se perdió en el incendio del palacio de Whitehall en 1698, se sabe que la pieza fue presentada en 1637 y alabada por su exquisita ejecución y gran parecido al rey.[Nota 1]Tanto agradó que Carlos I recompensó a Bernini con un valioso anillo de diamantes.El cuadro estuvo en manos de los descendientes de Bernini hasta 1802 que fue vendido a un marchante británico. La obra volvió a Inglaterra y fue exhibida en la British Institution. En 1822 fue adquirida para formar parte de la Colección Real[2] y actualmente se conserva en el castillo de Windsor.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Triple_retrato_de_Carlos_I.

El cuadro fue un encargo del principal mecenas y protector de Anton van Dyck, el rey Carlos I de Inglaterra, a quien ya le había realizado varios retratos. Pero en este caso no se trataba de ensalzar la figura del monarca o plasmar su poder sobre un lienzo, en esta ocasión el trabajo iba a ser enviado a Roma para que el afamado escultor italiano Bernini pudiera realizar un busto en mármol del monarca inglés. El busto era un regalo del papa Urbano VIII al rey con la ferviente esperanza de que mejoraran las relaciones entre la Iglesia católica y la Iglesia de Inglaterra.[1]A pesar de que el busto se perdió en el incendio del palacio de Whitehall en 1698, se sabe que la pieza fue presentada en 1637 y alabada por su exquisita ejecución y gran parecido al rey.[Nota 1]Tanto agradó que Carlos I recompensó a Bernini con un valioso anillo de diamantes.El cuadro estuvo en manos de los descendientes de Bernini hasta 1802 que fue vendido a un marchante británico. La obra volvió a Inglaterra y fue exhibida en la British Institution. En 1822 fue adquirida para formar parte de la Colección Real[2] y actualmente se conserva en el castillo de Windsor.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: ¿Cómo aclara Triple_retrato_de_Carlos_I su Historia?

El cuadro fue un encargo del principal mecenas y protector de Anton van Dyck, el rey Carlos I de Inglaterra, a quien ya le había realizado varios retratos. Pero en este caso no se trataba de ensalzar la figura del monarca o plasmar su poder sobre un lienzo, en esta ocasión el trabajo iba a ser enviado a Roma para que el afamado escultor italiano Bernini pudiera realizar un busto en mármol del monarca inglés. El busto era un regalo del papa Urbano VIII al rey con la ferviente esperanza de que mejoraran las relaciones entre la Iglesia católica y la Iglesia de Inglaterra.[1]A pesar de que el busto se perdió en el incendio del palacio de Whitehall en 1698, se sabe que la pieza fue presentada en 1637 y alabada por su exquisita ejecución y gran parecido al rey.[Nota 1]Tanto agradó que Carlos I recompensó a Bernini con un valioso anillo de diamantes.El cuadro estuvo en manos de los descendientes de Bernini hasta 1802 que fue vendido a un marchante británico. La obra volvió a Inglaterra y fue exhibida en la British Institution. En 1822 fue adquirida para formar parte de la Colección Real[2] y actualmente se conserva en el castillo de Windsor.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: En Triple_retrato_de_Carlos_I, ¿Cómo se discute la Historia?

El cuadro fue un encargo del principal mecenas y protector de Anton van Dyck, el rey Carlos I de Inglaterra, a quien ya le había realizado varios retratos. Pero en este caso no se trataba de ensalzar la figura del monarca o plasmar su poder sobre un lienzo, en esta ocasión el trabajo iba a ser enviado a Roma para que el afamado escultor italiano Bernini pudiera realizar un busto en mármol del monarca inglés. El busto era un regalo del papa Urbano VIII al rey con la ferviente esperanza de que mejoraran las relaciones entre la Iglesia católica y la Iglesia de Inglaterra.[1]A pesar de que el busto se perdió en el incendio del palacio de Whitehall en 1698, se sabe que la pieza fue presentada en 1637 y alabada por su exquisita ejecución y gran parecido al rey.[Nota 1]Tanto agradó que Carlos I recompensó a Bernini con un valioso anillo de diamantes.El cuadro estuvo en manos de los descendientes de Bernini hasta 1802 que fue vendido a un marchante británico. La obra volvió a Inglaterra y fue exhibida en la British Institution. En 1822 fue adquirida para formar parte de la Colección Real[2] y actualmente se conserva en el castillo de Windsor.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Concéntrate en Triple_retrato_de_Carlos_I y explora la Descripción.

En la obra se representa al rey Carlos I de medio cuerpo y en tres posiciones diferentes: Perfil derecho, de frente y tres cuartas partes del perfil izquierdo.El tipo de traje, sus colores y los cuellos de encaje son diferentes en cada retrato aunque en los tres porta la banda azul de la Orden de la Jarretera.[2]Se cree que Van Dyck pudo estar influenciado por la obra del pintor veneciano Lorenzo Lotto, Orfebre visto desde tres posiciones de 1530 y que en aquella época formaba parte de las Colecciones Reales. También, por otro lado, el retrato de Van Dyck posiblemente influyó en el Triple retrato del cardenal Richelieu de Philippe de Champaigne y pintado unos pocos años más tarde, en 1640.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Triple_retrato_de_Carlos_I.

En la obra se representa al rey Carlos I de medio cuerpo y en tres posiciones diferentes: Perfil derecho, de frente y tres cuartas partes del perfil izquierdo.El tipo de traje, sus colores y los cuellos de encaje son diferentes en cada retrato aunque en los tres porta la banda azul de la Orden de la Jarretera.[2]Se cree que Van Dyck pudo estar influenciado por la obra del pintor veneciano Lorenzo Lotto, Orfebre visto desde tres posiciones de 1530 y que en aquella época formaba parte de las Colecciones Reales. También, por otro lado, el retrato de Van Dyck posiblemente influyó en el Triple retrato del cardenal Richelieu de Philippe de Champaigne y pintado unos pocos años más tarde, en 1640.

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Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: ¿Cómo aclara Triple_retrato_de_Carlos_I su Descripción?

En la obra se representa al rey Carlos I de medio cuerpo y en tres posiciones diferentes: Perfil derecho, de frente y tres cuartas partes del perfil izquierdo.El tipo de traje, sus colores y los cuellos de encaje son diferentes en cada retrato aunque en los tres porta la banda azul de la Orden de la Jarretera.[2]Se cree que Van Dyck pudo estar influenciado por la obra del pintor veneciano Lorenzo Lotto, Orfebre visto desde tres posiciones de 1530 y que en aquella época formaba parte de las Colecciones Reales. También, por otro lado, el retrato de Van Dyck posiblemente influyó en el Triple retrato del cardenal Richelieu de Philippe de Champaigne y pintado unos pocos años más tarde, en 1640.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


Triple_retrato_de_Carlos_I

Prompt: En Triple_retrato_de_Carlos_I, ¿Cómo se discute la Descripción?

En la obra se representa al rey Carlos I de medio cuerpo y en tres posiciones diferentes: Perfil derecho, de frente y tres cuartas partes del perfil izquierdo.El tipo de traje, sus colores y los cuellos de encaje son diferentes en cada retrato aunque en los tres porta la banda azul de la Orden de la Jarretera.[2]Se cree que Van Dyck pudo estar influenciado por la obra del pintor veneciano Lorenzo Lotto, Orfebre visto desde tres posiciones de 1530 y que en aquella época formaba parte de las Colecciones Reales. También, por otro lado, el retrato de Van Dyck posiblemente influyó en el Triple retrato del cardenal Richelieu de Philippe de Champaigne y pintado unos pocos años más tarde, en 1640.

Categoría:Representaciones culturales de Carlos I de Inglaterra

Archivo:Sir Anthony Van Dyck - Charles I (1600-49) - Google Art Project.jpg


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: Concéntrate en El_alquimista_descubriendo_el_fósforo y explora la abstract.

El alquimista descubriendo el fósforo, también conocido en español como El alquimista en busca de la piedra filosofal, es una obra del pintor inglés Joseph Wright finalizada en 1771 y retocada en 1795.[1] Su nombre completo en inglés es “The Alchymist, in Search of the Philosopher’s Stone, Discovers Phosphorus, and prays for the successful Conclusion of his operation, as was the custom of the Ancient Chymical Astrologers” (en español El alquimista, en busca de la piedra filosofal, descubre el fósforo y ruega por el éxito y la conclusión de su obra como era la costumbre de los antiguos astrólogos alquimistas).

Archivo:Joseph Wright of Derby The Alchemist.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, El_alquimista_descubriendo_el_fósforo.

El alquimista descubriendo el fósforo, también conocido en español como El alquimista en busca de la piedra filosofal, es una obra del pintor inglés Joseph Wright finalizada en 1771 y retocada en 1795.[1] Su nombre completo en inglés es “The Alchymist, in Search of the Philosopher’s Stone, Discovers Phosphorus, and prays for the successful Conclusion of his operation, as was the custom of the Ancient Chymical Astrologers” (en español El alquimista, en busca de la piedra filosofal, descubre el fósforo y ruega por el éxito y la conclusión de su obra como era la costumbre de los antiguos astrólogos alquimistas).

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Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: ¿Cómo aclara El_alquimista_descubriendo_el_fósforo su abstract?

El alquimista descubriendo el fósforo, también conocido en español como El alquimista en busca de la piedra filosofal, es una obra del pintor inglés Joseph Wright finalizada en 1771 y retocada en 1795.[1] Su nombre completo en inglés es “The Alchymist, in Search of the Philosopher’s Stone, Discovers Phosphorus, and prays for the successful Conclusion of his operation, as was the custom of the Ancient Chymical Astrologers” (en español El alquimista, en busca de la piedra filosofal, descubre el fósforo y ruega por el éxito y la conclusión de su obra como era la costumbre de los antiguos astrólogos alquimistas).

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Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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El alquimista descubriendo el fósforo, también conocido en español como El alquimista en busca de la piedra filosofal, es una obra del pintor inglés Joseph Wright finalizada en 1771 y retocada en 1795.[1] Su nombre completo en inglés es “The Alchymist, in Search of the Philosopher’s Stone, Discovers Phosphorus, and prays for the successful Conclusion of his operation, as was the custom of the Ancient Chymical Astrologers” (en español El alquimista, en busca de la piedra filosofal, descubre el fósforo y ruega por el éxito y la conclusión de su obra como era la costumbre de los antiguos astrólogos alquimistas).

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Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: Concéntrate en El_alquimista_descubriendo_el_fósforo y explora la Historia.

Joseph Wright nacido en 1734, fue alumno del pintor Thomas Hudson, dedicándose inicialmente a pintar retratos para luego cambiar su estilo a fin de realizar cuadros con personajes, temas y paisajes pintados con un acentuado claroscuro y vistos bajo una luz artificial, fue precisamente este estilo el que lo llevaría destacar como uno de los mejores pintores de la Revolución Industrial.[2]Se cree que la escena de la obra pictórica está inspirada en el alquimista del siglo XVII Hennig Brand de Hamburgo,[3] quien precisamente, al tratar de conseguir la piedra filosofal, sometió grandes cantidades de orina a evaporación y luego los residuos a calcinación, obteniendo una sustancia blanca y luminosa, que posteriormente fue nombrada "fósforo" y clasificada como elemento químico.[4]

Archivo:Joseph Wright of Derby The Alchemist.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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Joseph Wright nacido en 1734, fue alumno del pintor Thomas Hudson, dedicándose inicialmente a pintar retratos para luego cambiar su estilo a fin de realizar cuadros con personajes, temas y paisajes pintados con un acentuado claroscuro y vistos bajo una luz artificial, fue precisamente este estilo el que lo llevaría destacar como uno de los mejores pintores de la Revolución Industrial.[2]Se cree que la escena de la obra pictórica está inspirada en el alquimista del siglo XVII Hennig Brand de Hamburgo,[3] quien precisamente, al tratar de conseguir la piedra filosofal, sometió grandes cantidades de orina a evaporación y luego los residuos a calcinación, obteniendo una sustancia blanca y luminosa, que posteriormente fue nombrada "fósforo" y clasificada como elemento químico.[4]

Archivo:Joseph Wright of Derby The Alchemist.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1770


El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: ¿Cómo aclara El_alquimista_descubriendo_el_fósforo su Historia?

Joseph Wright nacido en 1734, fue alumno del pintor Thomas Hudson, dedicándose inicialmente a pintar retratos para luego cambiar su estilo a fin de realizar cuadros con personajes, temas y paisajes pintados con un acentuado claroscuro y vistos bajo una luz artificial, fue precisamente este estilo el que lo llevaría destacar como uno de los mejores pintores de la Revolución Industrial.[2]Se cree que la escena de la obra pictórica está inspirada en el alquimista del siglo XVII Hennig Brand de Hamburgo,[3] quien precisamente, al tratar de conseguir la piedra filosofal, sometió grandes cantidades de orina a evaporación y luego los residuos a calcinación, obteniendo una sustancia blanca y luminosa, que posteriormente fue nombrada "fósforo" y clasificada como elemento químico.[4]

Archivo:Joseph Wright of Derby The Alchemist.jpg

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El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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Joseph Wright nacido en 1734, fue alumno del pintor Thomas Hudson, dedicándose inicialmente a pintar retratos para luego cambiar su estilo a fin de realizar cuadros con personajes, temas y paisajes pintados con un acentuado claroscuro y vistos bajo una luz artificial, fue precisamente este estilo el que lo llevaría destacar como uno de los mejores pintores de la Revolución Industrial.[2]Se cree que la escena de la obra pictórica está inspirada en el alquimista del siglo XVII Hennig Brand de Hamburgo,[3] quien precisamente, al tratar de conseguir la piedra filosofal, sometió grandes cantidades de orina a evaporación y luego los residuos a calcinación, obteniendo una sustancia blanca y luminosa, que posteriormente fue nombrada "fósforo" y clasificada como elemento químico.[4]

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El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

Prompt: Concéntrate en El_alquimista_descubriendo_el_fósforo y explora la Descripción.

La pintura muestra tratando de crear la piedra filosofal que tendría la facultad de transformar cualquier metal ordinario en oro, pero en lugar de ello, para su sorpresa, descubre el fósforo. Wright no pintó al alquimista en un ambiente del siglo XVII, sino en una habitación medieval, según la visión romántica, con arquerías góticas y altas ventanas puntiagudas como si estuviera en una iglesia.Wright también otorgó connotaciones religiosas al óleo. El alquimista se encuentra arrodillado frente a un recipiente brillante, extendiendo sus brazos en un gesto similar al usado por El Greco al pintar a "San Francisco recibiendo los estigmas" (1585) o "San Jerónimo penitente" (1612).[5] Se ha comparado dicha postura y las transfiguración del rostro por la luz, a la de un discípulo de Cristo presenciando la institución de la eucaristía.[6]

Archivo:Joseph Wright of Derby The Alchemist.jpg

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El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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La pintura muestra tratando de crear la piedra filosofal que tendría la facultad de transformar cualquier metal ordinario en oro, pero en lugar de ello, para su sorpresa, descubre el fósforo. Wright no pintó al alquimista en un ambiente del siglo XVII, sino en una habitación medieval, según la visión romántica, con arquerías góticas y altas ventanas puntiagudas como si estuviera en una iglesia.Wright también otorgó connotaciones religiosas al óleo. El alquimista se encuentra arrodillado frente a un recipiente brillante, extendiendo sus brazos en un gesto similar al usado por El Greco al pintar a "San Francisco recibiendo los estigmas" (1585) o "San Jerónimo penitente" (1612).[5] Se ha comparado dicha postura y las transfiguración del rostro por la luz, a la de un discípulo de Cristo presenciando la institución de la eucaristía.[6]

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El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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La pintura muestra tratando de crear la piedra filosofal que tendría la facultad de transformar cualquier metal ordinario en oro, pero en lugar de ello, para su sorpresa, descubre el fósforo. Wright no pintó al alquimista en un ambiente del siglo XVII, sino en una habitación medieval, según la visión romántica, con arquerías góticas y altas ventanas puntiagudas como si estuviera en una iglesia.Wright también otorgó connotaciones religiosas al óleo. El alquimista se encuentra arrodillado frente a un recipiente brillante, extendiendo sus brazos en un gesto similar al usado por El Greco al pintar a "San Francisco recibiendo los estigmas" (1585) o "San Jerónimo penitente" (1612).[5] Se ha comparado dicha postura y las transfiguración del rostro por la luz, a la de un discípulo de Cristo presenciando la institución de la eucaristía.[6]

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El_alquimista_descubriendo_el_fósforo

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La pintura muestra tratando de crear la piedra filosofal que tendría la facultad de transformar cualquier metal ordinario en oro, pero en lugar de ello, para su sorpresa, descubre el fósforo. Wright no pintó al alquimista en un ambiente del siglo XVII, sino en una habitación medieval, según la visión romántica, con arquerías góticas y altas ventanas puntiagudas como si estuviera en una iglesia.Wright también otorgó connotaciones religiosas al óleo. El alquimista se encuentra arrodillado frente a un recipiente brillante, extendiendo sus brazos en un gesto similar al usado por El Greco al pintar a "San Francisco recibiendo los estigmas" (1585) o "San Jerónimo penitente" (1612).[5] Se ha comparado dicha postura y las transfiguración del rostro por la luz, a la de un discípulo de Cristo presenciando la institución de la eucaristía.[6]

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Jardín_del_Tarot

Prompt: Concéntrate en Jardín_del_Tarot y explora la abstract.

El Jardín del Tarot es un parque artístico ubicado en Garavicchio, cerca de Pescia Fiorentina, aldea de Capalbio (GR) en Toscana, Italia. El parque fue ideado por la artista franco-estadounidense Niki de Saint Phalle, y está poblado de estatuas inspiradas en las figuras de los arcanos mayores del tarot. Según la voluntad de la artista, en el Jardín del Tarot no se realizan visitas guiadas para dejar libre a la interpretación de los visitantes.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

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El Jardín del Tarot es un parque artístico ubicado en Garavicchio, cerca de Pescia Fiorentina, aldea de Capalbio (GR) en Toscana, Italia. El parque fue ideado por la artista franco-estadounidense Niki de Saint Phalle, y está poblado de estatuas inspiradas en las figuras de los arcanos mayores del tarot. Según la voluntad de la artista, en el Jardín del Tarot no se realizan visitas guiadas para dejar libre a la interpretación de los visitantes.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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El Jardín del Tarot es un parque artístico ubicado en Garavicchio, cerca de Pescia Fiorentina, aldea de Capalbio (GR) en Toscana, Italia. El parque fue ideado por la artista franco-estadounidense Niki de Saint Phalle, y está poblado de estatuas inspiradas en las figuras de los arcanos mayores del tarot. Según la voluntad de la artista, en el Jardín del Tarot no se realizan visitas guiadas para dejar libre a la interpretación de los visitantes.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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Jardín_del_Tarot

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El Jardín del Tarot es un parque artístico ubicado en Garavicchio, cerca de Pescia Fiorentina, aldea de Capalbio (GR) en Toscana, Italia. El parque fue ideado por la artista franco-estadounidense Niki de Saint Phalle, y está poblado de estatuas inspiradas en las figuras de los arcanos mayores del tarot. Según la voluntad de la artista, en el Jardín del Tarot no se realizan visitas guiadas para dejar libre a la interpretación de los visitantes.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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Jardín_del_Tarot

Prompt: Concéntrate en Jardín_del_Tarot y explora la Historia.

Inspiràndose en el Park Guell de Antoni Gaudí en Barcelona y en el jardín de Bomarzo, Niki de Saint Phalle empieza la construcción del Jardín del Tarot en 1979.Identificando en el Jardín el ensueño mágico y espiritual de su vida, Niki de Saint Phalle se ha dedicado a la construcción de las veintidós imponentes figuras en acero y cemento recubiertas de vidrios, espejos y cerámicas pintadas, durante más de diecisiete años, apoyada, además por varios obreros especializados, por un equipo de personajes famosos del arte contemporáneo como Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie y Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella y sobre todo por su marido Jean Tinguely, desaparecido en 1991, que ha creado las estructuras metálicas de las enormes esculturas y ha añadido otras con sus mécaniques, ensamblajes móviles de elementos mecánicos en hierro.Para realizar la obra han colaborado también Ricardo Menon, amigo y asistente personal de Niki de Saint Phalle, y Venera Finocchiaro, ceramista romana; las esculturas más pequeñas del Jardín (la Templanza, los Enamorados, El Mundo, el Ermitaño, el Oráculo, la Muerte y el Colgado), realizadas en París con la ayuda de Marco Zitelli, posteriormente han sido producidas en poliéster por Robert, Gerard y Olivier Haligon. El arquitecto suizo Mario Botta, con el arquitecto toscano Roberto Aureli, ha dibujado el pabellón de entrada, una pared medianera con una gran abertura circular al centro, pensado como un divisoria entre el Jardín y la realidad cotidiana.Acabado recién en el verano de 1996, la realización del Jardín ha requerido, adicionalmente a un enorme trabajo de instalación, un costo de aproximadamente 5.16 millones de euros totalmente autofinanciado por la autora. En 1997 Niki de Saint Phalle creó a la Fundación El Jardín del Tarot, cuyo objetivo es preservar y mantener la obra realizada por la escultora. El 15 de  mayo de 1998 el Jardín del Tarot fue abierto a la audiencia. Al visitar el parque se nota que no se han terminado algunas intervenciones y que una estatua está inacabada debido a la enfermedad respiratoria que mató al artista en 2002 y cuyo deseo era no completar las partes que ella misma no había logrado terminar.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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Jardín_del_Tarot

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Inspiràndose en el Park Guell de Antoni Gaudí en Barcelona y en el jardín de Bomarzo, Niki de Saint Phalle empieza la construcción del Jardín del Tarot en 1979.Identificando en el Jardín el ensueño mágico y espiritual de su vida, Niki de Saint Phalle se ha dedicado a la construcción de las veintidós imponentes figuras en acero y cemento recubiertas de vidrios, espejos y cerámicas pintadas, durante más de diecisiete años, apoyada, además por varios obreros especializados, por un equipo de personajes famosos del arte contemporáneo como Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie y Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella y sobre todo por su marido Jean Tinguely, desaparecido en 1991, que ha creado las estructuras metálicas de las enormes esculturas y ha añadido otras con sus mécaniques, ensamblajes móviles de elementos mecánicos en hierro.Para realizar la obra han colaborado también Ricardo Menon, amigo y asistente personal de Niki de Saint Phalle, y Venera Finocchiaro, ceramista romana; las esculturas más pequeñas del Jardín (la Templanza, los Enamorados, El Mundo, el Ermitaño, el Oráculo, la Muerte y el Colgado), realizadas en París con la ayuda de Marco Zitelli, posteriormente han sido producidas en poliéster por Robert, Gerard y Olivier Haligon. El arquitecto suizo Mario Botta, con el arquitecto toscano Roberto Aureli, ha dibujado el pabellón de entrada, una pared medianera con una gran abertura circular al centro, pensado como un divisoria entre el Jardín y la realidad cotidiana.Acabado recién en el verano de 1996, la realización del Jardín ha requerido, adicionalmente a un enorme trabajo de instalación, un costo de aproximadamente 5.16 millones de euros totalmente autofinanciado por la autora. En 1997 Niki de Saint Phalle creó a la Fundación El Jardín del Tarot, cuyo objetivo es preservar y mantener la obra realizada por la escultora. El 15 de  mayo de 1998 el Jardín del Tarot fue abierto a la audiencia. Al visitar el parque se nota que no se han terminado algunas intervenciones y que una estatua está inacabada debido a la enfermedad respiratoria que mató al artista en 2002 y cuyo deseo era no completar las partes que ella misma no había logrado terminar.

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Jardín_del_Tarot

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Inspiràndose en el Park Guell de Antoni Gaudí en Barcelona y en el jardín de Bomarzo, Niki de Saint Phalle empieza la construcción del Jardín del Tarot en 1979.Identificando en el Jardín el ensueño mágico y espiritual de su vida, Niki de Saint Phalle se ha dedicado a la construcción de las veintidós imponentes figuras en acero y cemento recubiertas de vidrios, espejos y cerámicas pintadas, durante más de diecisiete años, apoyada, además por varios obreros especializados, por un equipo de personajes famosos del arte contemporáneo como Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie y Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella y sobre todo por su marido Jean Tinguely, desaparecido en 1991, que ha creado las estructuras metálicas de las enormes esculturas y ha añadido otras con sus mécaniques, ensamblajes móviles de elementos mecánicos en hierro.Para realizar la obra han colaborado también Ricardo Menon, amigo y asistente personal de Niki de Saint Phalle, y Venera Finocchiaro, ceramista romana; las esculturas más pequeñas del Jardín (la Templanza, los Enamorados, El Mundo, el Ermitaño, el Oráculo, la Muerte y el Colgado), realizadas en París con la ayuda de Marco Zitelli, posteriormente han sido producidas en poliéster por Robert, Gerard y Olivier Haligon. El arquitecto suizo Mario Botta, con el arquitecto toscano Roberto Aureli, ha dibujado el pabellón de entrada, una pared medianera con una gran abertura circular al centro, pensado como un divisoria entre el Jardín y la realidad cotidiana.Acabado recién en el verano de 1996, la realización del Jardín ha requerido, adicionalmente a un enorme trabajo de instalación, un costo de aproximadamente 5.16 millones de euros totalmente autofinanciado por la autora. En 1997 Niki de Saint Phalle creó a la Fundación El Jardín del Tarot, cuyo objetivo es preservar y mantener la obra realizada por la escultora. El 15 de  mayo de 1998 el Jardín del Tarot fue abierto a la audiencia. Al visitar el parque se nota que no se han terminado algunas intervenciones y que una estatua está inacabada debido a la enfermedad respiratoria que mató al artista en 2002 y cuyo deseo era no completar las partes que ella misma no había logrado terminar.

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Jardín_del_Tarot

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Inspiràndose en el Park Guell de Antoni Gaudí en Barcelona y en el jardín de Bomarzo, Niki de Saint Phalle empieza la construcción del Jardín del Tarot en 1979.Identificando en el Jardín el ensueño mágico y espiritual de su vida, Niki de Saint Phalle se ha dedicado a la construcción de las veintidós imponentes figuras en acero y cemento recubiertas de vidrios, espejos y cerámicas pintadas, durante más de diecisiete años, apoyada, además por varios obreros especializados, por un equipo de personajes famosos del arte contemporáneo como Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie y Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella y sobre todo por su marido Jean Tinguely, desaparecido en 1991, que ha creado las estructuras metálicas de las enormes esculturas y ha añadido otras con sus mécaniques, ensamblajes móviles de elementos mecánicos en hierro.Para realizar la obra han colaborado también Ricardo Menon, amigo y asistente personal de Niki de Saint Phalle, y Venera Finocchiaro, ceramista romana; las esculturas más pequeñas del Jardín (la Templanza, los Enamorados, El Mundo, el Ermitaño, el Oráculo, la Muerte y el Colgado), realizadas en París con la ayuda de Marco Zitelli, posteriormente han sido producidas en poliéster por Robert, Gerard y Olivier Haligon. El arquitecto suizo Mario Botta, con el arquitecto toscano Roberto Aureli, ha dibujado el pabellón de entrada, una pared medianera con una gran abertura circular al centro, pensado como un divisoria entre el Jardín y la realidad cotidiana.Acabado recién en el verano de 1996, la realización del Jardín ha requerido, adicionalmente a un enorme trabajo de instalación, un costo de aproximadamente 5.16 millones de euros totalmente autofinanciado por la autora. En 1997 Niki de Saint Phalle creó a la Fundación El Jardín del Tarot, cuyo objetivo es preservar y mantener la obra realizada por la escultora. El 15 de  mayo de 1998 el Jardín del Tarot fue abierto a la audiencia. Al visitar el parque se nota que no se han terminado algunas intervenciones y que una estatua está inacabada debido a la enfermedad respiratoria que mató al artista en 2002 y cuyo deseo era no completar las partes que ella misma no había logrado terminar.

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Jardín_del_Tarot

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Las esculturas inspiradas en los arcanos mayores del Tarot, por lo tanto llenas de significados simbólicos y esotéricos, son la última etapa de un recorrido artístico empezado por Niki de Saint Phalle a mediados de la década de 1960, después de haber abandonado el Nuevo Realismo y los conjuntos multimateriales para la creación de las llamadas "Nanas", enormes, sinuosas figuras femeninas transitables y habitables, la primera de las cuales - La Hon - [1] fue realizada en 1966 para el Museo de Estocolmo y la más famosa de las cuales, la Tête,[2] fue instalada en 1973 en el bosque de Milly-la-Forêt en Francia y declarada monumento nacional por el presidente Mitterrand.En los colores intensos y vivaces, en la "espasmódica dilatación de las formas y en la luminosidad inspirada en los maestros del cromatismo, de Matisse a Picasso, de Kandinskij a Klee",[3] las esculturas corpulentas y explosivas del Jardín del Tarot, recubiertas de un "vestido de luz que transforma las diferentes figuras personalizadas en una fabulosa sucesión de aderezos neobarrocos",[4] arroban "la atención y los sentidos del espectador", que, lejos de recorrer un parque de atracciones, realiza un tipo de recorrido de iniciación que recuerda a distinguidos personajes precedentes - Bomarzo, el Palacio Ideal de Ferdinand Cheval en la Drome, el Park Güell, las Watts Towers de Simon Rodia de Los Ángeles - pero que se caracteriza sobre todo por la presencia de un Femenino materno y potente, cargado de complejidad simbólica y de "no casuales conexiones (...) con los "calvarios" psíquicos y físicos" de la autora.[5]Celebrada como obra única en su género, al Jardín del Tarot se le dedicó en el verano de 1997 una exposición dentro de la "Polveriera Guzmán", sobre la laguna de Orbetello, preparada por Gianni Pettena, a cargo de Anna Mazzanti con intervenciones de Pierre Restany y Enrico Crispolti, y acompañada de una película biográfica de Peter Schamoni sobre la historia artística de la escultora. En el verano de 2006 la administración comunal de Capalbio organizó la primera muestra sobre el Jardín con exposición de aproximadamente 60 obras y documentos de obras de colecciones privadas, realizada en el Castillo Aldobrandeschi Collacchioni. El curador de la exposición fue Roberto Aureli, colaborador durante más de una década de Niki y Jean Tinguely para la definición del Jardín del Tarot.De la obra está unánimemente reconocido la unión entre arte y arquitectura, porque "de la primera utiliza los amplios repertorios figurativos y lingüísticos, pero de la segunda tiene la dimensión: humana, habitable, tangible"[6] y para la "voluntad de destino del acontecimiento plástico a configuración ambiental, por lo tanto transitable, habitable".[7] Además, con la decoración de su escultura-vivienda, la Emperatriz-Esfinge, Niki de Saint Phalle ha elaborado y realizado la otra estrecha relación entre arte, arquitectura y diseño,[8] mientras que, aún, presentes y evidentes son la integración arte-naturaleza, tradición-contemporaneidad, formas-color, materia-espíritu, de manera que el Jardín del Tarot  es una obra integral.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

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Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La crítica de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

Las esculturas inspiradas en los arcanos mayores del Tarot, por lo tanto llenas de significados simbólicos y esotéricos, son la última etapa de un recorrido artístico empezado por Niki de Saint Phalle a mediados de la década de 1960, después de haber abandonado el Nuevo Realismo y los conjuntos multimateriales para la creación de las llamadas "Nanas", enormes, sinuosas figuras femeninas transitables y habitables, la primera de las cuales - La Hon - [1] fue realizada en 1966 para el Museo de Estocolmo y la más famosa de las cuales, la Tête,[2] fue instalada en 1973 en el bosque de Milly-la-Forêt en Francia y declarada monumento nacional por el presidente Mitterrand.En los colores intensos y vivaces, en la "espasmódica dilatación de las formas y en la luminosidad inspirada en los maestros del cromatismo, de Matisse a Picasso, de Kandinskij a Klee",[3] las esculturas corpulentas y explosivas del Jardín del Tarot, recubiertas de un "vestido de luz que transforma las diferentes figuras personalizadas en una fabulosa sucesión de aderezos neobarrocos",[4] arroban "la atención y los sentidos del espectador", que, lejos de recorrer un parque de atracciones, realiza un tipo de recorrido de iniciación que recuerda a distinguidos personajes precedentes - Bomarzo, el Palacio Ideal de Ferdinand Cheval en la Drome, el Park Güell, las Watts Towers de Simon Rodia de Los Ángeles - pero que se caracteriza sobre todo por la presencia de un Femenino materno y potente, cargado de complejidad simbólica y de "no casuales conexiones (...) con los "calvarios" psíquicos y físicos" de la autora.[5]Celebrada como obra única en su género, al Jardín del Tarot se le dedicó en el verano de 1997 una exposición dentro de la "Polveriera Guzmán", sobre la laguna de Orbetello, preparada por Gianni Pettena, a cargo de Anna Mazzanti con intervenciones de Pierre Restany y Enrico Crispolti, y acompañada de una película biográfica de Peter Schamoni sobre la historia artística de la escultora. En el verano de 2006 la administración comunal de Capalbio organizó la primera muestra sobre el Jardín con exposición de aproximadamente 60 obras y documentos de obras de colecciones privadas, realizada en el Castillo Aldobrandeschi Collacchioni. El curador de la exposición fue Roberto Aureli, colaborador durante más de una década de Niki y Jean Tinguely para la definición del Jardín del Tarot.De la obra está unánimemente reconocido la unión entre arte y arquitectura, porque "de la primera utiliza los amplios repertorios figurativos y lingüísticos, pero de la segunda tiene la dimensión: humana, habitable, tangible"[6] y para la "voluntad de destino del acontecimiento plástico a configuración ambiental, por lo tanto transitable, habitable".[7] Además, con la decoración de su escultura-vivienda, la Emperatriz-Esfinge, Niki de Saint Phalle ha elaborado y realizado la otra estrecha relación entre arte, arquitectura y diseño,[8] mientras que, aún, presentes y evidentes son la integración arte-naturaleza, tradición-contemporaneidad, formas-color, materia-espíritu, de manera que el Jardín del Tarot  es una obra integral.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: ¿Cómo aclara Jardín_del_Tarot su La crítica?

Las esculturas inspiradas en los arcanos mayores del Tarot, por lo tanto llenas de significados simbólicos y esotéricos, son la última etapa de un recorrido artístico empezado por Niki de Saint Phalle a mediados de la década de 1960, después de haber abandonado el Nuevo Realismo y los conjuntos multimateriales para la creación de las llamadas "Nanas", enormes, sinuosas figuras femeninas transitables y habitables, la primera de las cuales - La Hon - [1] fue realizada en 1966 para el Museo de Estocolmo y la más famosa de las cuales, la Tête,[2] fue instalada en 1973 en el bosque de Milly-la-Forêt en Francia y declarada monumento nacional por el presidente Mitterrand.En los colores intensos y vivaces, en la "espasmódica dilatación de las formas y en la luminosidad inspirada en los maestros del cromatismo, de Matisse a Picasso, de Kandinskij a Klee",[3] las esculturas corpulentas y explosivas del Jardín del Tarot, recubiertas de un "vestido de luz que transforma las diferentes figuras personalizadas en una fabulosa sucesión de aderezos neobarrocos",[4] arroban "la atención y los sentidos del espectador", que, lejos de recorrer un parque de atracciones, realiza un tipo de recorrido de iniciación que recuerda a distinguidos personajes precedentes - Bomarzo, el Palacio Ideal de Ferdinand Cheval en la Drome, el Park Güell, las Watts Towers de Simon Rodia de Los Ángeles - pero que se caracteriza sobre todo por la presencia de un Femenino materno y potente, cargado de complejidad simbólica y de "no casuales conexiones (...) con los "calvarios" psíquicos y físicos" de la autora.[5]Celebrada como obra única en su género, al Jardín del Tarot se le dedicó en el verano de 1997 una exposición dentro de la "Polveriera Guzmán", sobre la laguna de Orbetello, preparada por Gianni Pettena, a cargo de Anna Mazzanti con intervenciones de Pierre Restany y Enrico Crispolti, y acompañada de una película biográfica de Peter Schamoni sobre la historia artística de la escultora. En el verano de 2006 la administración comunal de Capalbio organizó la primera muestra sobre el Jardín con exposición de aproximadamente 60 obras y documentos de obras de colecciones privadas, realizada en el Castillo Aldobrandeschi Collacchioni. El curador de la exposición fue Roberto Aureli, colaborador durante más de una década de Niki y Jean Tinguely para la definición del Jardín del Tarot.De la obra está unánimemente reconocido la unión entre arte y arquitectura, porque "de la primera utiliza los amplios repertorios figurativos y lingüísticos, pero de la segunda tiene la dimensión: humana, habitable, tangible"[6] y para la "voluntad de destino del acontecimiento plástico a configuración ambiental, por lo tanto transitable, habitable".[7] Además, con la decoración de su escultura-vivienda, la Emperatriz-Esfinge, Niki de Saint Phalle ha elaborado y realizado la otra estrecha relación entre arte, arquitectura y diseño,[8] mientras que, aún, presentes y evidentes son la integración arte-naturaleza, tradición-contemporaneidad, formas-color, materia-espíritu, de manera que el Jardín del Tarot  es una obra integral.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se discute la La crítica?

Las esculturas inspiradas en los arcanos mayores del Tarot, por lo tanto llenas de significados simbólicos y esotéricos, son la última etapa de un recorrido artístico empezado por Niki de Saint Phalle a mediados de la década de 1960, después de haber abandonado el Nuevo Realismo y los conjuntos multimateriales para la creación de las llamadas "Nanas", enormes, sinuosas figuras femeninas transitables y habitables, la primera de las cuales - La Hon - [1] fue realizada en 1966 para el Museo de Estocolmo y la más famosa de las cuales, la Tête,[2] fue instalada en 1973 en el bosque de Milly-la-Forêt en Francia y declarada monumento nacional por el presidente Mitterrand.En los colores intensos y vivaces, en la "espasmódica dilatación de las formas y en la luminosidad inspirada en los maestros del cromatismo, de Matisse a Picasso, de Kandinskij a Klee",[3] las esculturas corpulentas y explosivas del Jardín del Tarot, recubiertas de un "vestido de luz que transforma las diferentes figuras personalizadas en una fabulosa sucesión de aderezos neobarrocos",[4] arroban "la atención y los sentidos del espectador", que, lejos de recorrer un parque de atracciones, realiza un tipo de recorrido de iniciación que recuerda a distinguidos personajes precedentes - Bomarzo, el Palacio Ideal de Ferdinand Cheval en la Drome, el Park Güell, las Watts Towers de Simon Rodia de Los Ángeles - pero que se caracteriza sobre todo por la presencia de un Femenino materno y potente, cargado de complejidad simbólica y de "no casuales conexiones (...) con los "calvarios" psíquicos y físicos" de la autora.[5]Celebrada como obra única en su género, al Jardín del Tarot se le dedicó en el verano de 1997 una exposición dentro de la "Polveriera Guzmán", sobre la laguna de Orbetello, preparada por Gianni Pettena, a cargo de Anna Mazzanti con intervenciones de Pierre Restany y Enrico Crispolti, y acompañada de una película biográfica de Peter Schamoni sobre la historia artística de la escultora. En el verano de 2006 la administración comunal de Capalbio organizó la primera muestra sobre el Jardín con exposición de aproximadamente 60 obras y documentos de obras de colecciones privadas, realizada en el Castillo Aldobrandeschi Collacchioni. El curador de la exposición fue Roberto Aureli, colaborador durante más de una década de Niki y Jean Tinguely para la definición del Jardín del Tarot.De la obra está unánimemente reconocido la unión entre arte y arquitectura, porque "de la primera utiliza los amplios repertorios figurativos y lingüísticos, pero de la segunda tiene la dimensión: humana, habitable, tangible"[6] y para la "voluntad de destino del acontecimiento plástico a configuración ambiental, por lo tanto transitable, habitable".[7] Además, con la decoración de su escultura-vivienda, la Emperatriz-Esfinge, Niki de Saint Phalle ha elaborado y realizado la otra estrecha relación entre arte, arquitectura y diseño,[8] mientras que, aún, presentes y evidentes son la integración arte-naturaleza, tradición-contemporaneidad, formas-color, materia-espíritu, de manera que el Jardín del Tarot  es una obra integral.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la Ubicación y Descripción.

El Jardín se encuentra en la ladera meridional de la colina de Garavicchio, en la Maremma toscana. La obra, se desarrolla por aproximadamente 2 hectáreas de terreno, constituye una verdadera "ciudad" en la que las esculturas-casas marcan las etapas del recorrido resaltando muy pintadas ya de la calle en el salvaje paisaje natural. A los pies de la colina de Garavicchio, el acceso al Jardín está cerrado por una larga muralla del pabellón de entrada realizada por Mario Botta, formado por una doble pared medianera en toba con una sola gran abertura circular al centro, cerrada por una verja. El mismo Botta ha afirmado que en el dibujo de la entrada ha intentado interpretar el sentimiento de "separación" entre el Jardín y el mundo exterior que Niki de Saint Phalle pedía: la pared se entiende por lo tanto como un "umbral", a cruzar para entrar en una "pausa mágica" claramente dividida por la realidad de todos los días.[9] En el proyecto, el muro ha tomado cada vez más espesor para ser equipado, en el interior, con los servicios requeridos por una actividad de tránsito; las dos paredes paralelas están divididas por un espacio, pavimentado en pórfido, que acoge, a los lados de la abertura circular, las estructuras de metal y vidrio para la taquilla y la pequeña tienda.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

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La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la Ubicación sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

El Jardín se encuentra en la ladera meridional de la colina de Garavicchio, en la Maremma toscana. La obra, se desarrolla por aproximadamente 2 hectáreas de terreno, constituye una verdadera "ciudad" en la que las esculturas-casas marcan las etapas del recorrido resaltando muy pintadas ya de la calle en el salvaje paisaje natural. A los pies de la colina de Garavicchio, el acceso al Jardín está cerrado por una larga muralla del pabellón de entrada realizada por Mario Botta, formado por una doble pared medianera en toba con una sola gran abertura circular al centro, cerrada por una verja. El mismo Botta ha afirmado que en el dibujo de la entrada ha intentado interpretar el sentimiento de "separación" entre el Jardín y el mundo exterior que Niki de Saint Phalle pedía: la pared se entiende por lo tanto como un "umbral", a cruzar para entrar en una "pausa mágica" claramente dividida por la realidad de todos los días.[9] En el proyecto, el muro ha tomado cada vez más espesor para ser equipado, en el interior, con los servicios requeridos por una actividad de tránsito; las dos paredes paralelas están divididas por un espacio, pavimentado en pórfido, que acoge, a los lados de la abertura circular, las estructuras de metal y vidrio para la taquilla y la pequeña tienda.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

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Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la Ubicación de la Descripción?

El Jardín se encuentra en la ladera meridional de la colina de Garavicchio, en la Maremma toscana. La obra, se desarrolla por aproximadamente 2 hectáreas de terreno, constituye una verdadera "ciudad" en la que las esculturas-casas marcan las etapas del recorrido resaltando muy pintadas ya de la calle en el salvaje paisaje natural. A los pies de la colina de Garavicchio, el acceso al Jardín está cerrado por una larga muralla del pabellón de entrada realizada por Mario Botta, formado por una doble pared medianera en toba con una sola gran abertura circular al centro, cerrada por una verja. El mismo Botta ha afirmado que en el dibujo de la entrada ha intentado interpretar el sentimiento de "separación" entre el Jardín y el mundo exterior que Niki de Saint Phalle pedía: la pared se entiende por lo tanto como un "umbral", a cruzar para entrar en una "pausa mágica" claramente dividida por la realidad de todos los días.[9] En el proyecto, el muro ha tomado cada vez más espesor para ser equipado, en el interior, con los servicios requeridos por una actividad de tránsito; las dos paredes paralelas están divididas por un espacio, pavimentado en pórfido, que acoge, a los lados de la abertura circular, las estructuras de metal y vidrio para la taquilla y la pequeña tienda.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la Ubicación en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

El Jardín se encuentra en la ladera meridional de la colina de Garavicchio, en la Maremma toscana. La obra, se desarrolla por aproximadamente 2 hectáreas de terreno, constituye una verdadera "ciudad" en la que las esculturas-casas marcan las etapas del recorrido resaltando muy pintadas ya de la calle en el salvaje paisaje natural. A los pies de la colina de Garavicchio, el acceso al Jardín está cerrado por una larga muralla del pabellón de entrada realizada por Mario Botta, formado por una doble pared medianera en toba con una sola gran abertura circular al centro, cerrada por una verja. El mismo Botta ha afirmado que en el dibujo de la entrada ha intentado interpretar el sentimiento de "separación" entre el Jardín y el mundo exterior que Niki de Saint Phalle pedía: la pared se entiende por lo tanto como un "umbral", a cruzar para entrar en una "pausa mágica" claramente dividida por la realidad de todos los días.[9] En el proyecto, el muro ha tomado cada vez más espesor para ser equipado, en el interior, con los servicios requeridos por una actividad de tránsito; las dos paredes paralelas están divididas por un espacio, pavimentado en pórfido, que acoge, a los lados de la abertura circular, las estructuras de metal y vidrio para la taquilla y la pequeña tienda.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la La plaza central y Descripción.

Al cruzar el umbral, el camino de ripio sube hasta la gran plaza central ocupada por una piscina y dominada por las figuras unidas de la Papisa y el Mago, los primeros arcanos mayores del Tarot que marcan el inicio del recorrido. Rodeada por el verde y los sinuosos bancos de Pierre Marie Le Jeune, la plaza, tipo de gran anfiteatro dominado por las otras, pintadas esculturas, comunicará inmediatamente esa impresión de inquietud y hechizo, de fascinación, de juego, de espléndida visión que anima a todo el Jardín. La piscina circular en la que se recogen las aguas que salen de la cascada de la escalera que viene de la enorme boca abierta de la Papisa, clara reminiscencia del Ogro de Bomarzo e ideal vínculo con los juegos de agua de Villa d'Este[10] está marcada en el centro por la Rueda de la Fortuna, la escultura mecánica móvil realizada por Jean Tinguely. Las sendas que se bifurcan de la plaza recorren itinerarios diferentes que siguen las sinuosidades del terreno, subiendo o bajando a lo largo de la cresta. También los caminos juegan en la obra un papel fundamental: sobre el cemento que las reviste, en efecto, Niki de Saint Phalle ha grabado indeleblemente apuntes de pensamiento, memorias, números, citas, dibujos, mensajes de esperanza y de fe, desenvolviendo un camino que una vez más no es sólo físico sino sobre todo espiritual. Sobre la cresta derecha, la pequeña escalera que sube de la plaza pasa bajo la figura del Sol, encarnado en el gran pájaro del fuego, blanco, rojo y amarillo, colocado sobre un gran arco azul, en el que es evidente la llamada a la iconografía de los indios de América. Inmediatamente después del Sol, aquí está el Papa, obra favorita de Tinguely que consolidó su estructura "en solitario" y que adopta la técnica filiforme llamada skinny.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la La plaza central sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

Al cruzar el umbral, el camino de ripio sube hasta la gran plaza central ocupada por una piscina y dominada por las figuras unidas de la Papisa y el Mago, los primeros arcanos mayores del Tarot que marcan el inicio del recorrido. Rodeada por el verde y los sinuosos bancos de Pierre Marie Le Jeune, la plaza, tipo de gran anfiteatro dominado por las otras, pintadas esculturas, comunicará inmediatamente esa impresión de inquietud y hechizo, de fascinación, de juego, de espléndida visión que anima a todo el Jardín. La piscina circular en la que se recogen las aguas que salen de la cascada de la escalera que viene de la enorme boca abierta de la Papisa, clara reminiscencia del Ogro de Bomarzo e ideal vínculo con los juegos de agua de Villa d'Este[10] está marcada en el centro por la Rueda de la Fortuna, la escultura mecánica móvil realizada por Jean Tinguely. Las sendas que se bifurcan de la plaza recorren itinerarios diferentes que siguen las sinuosidades del terreno, subiendo o bajando a lo largo de la cresta. También los caminos juegan en la obra un papel fundamental: sobre el cemento que las reviste, en efecto, Niki de Saint Phalle ha grabado indeleblemente apuntes de pensamiento, memorias, números, citas, dibujos, mensajes de esperanza y de fe, desenvolviendo un camino que una vez más no es sólo físico sino sobre todo espiritual. Sobre la cresta derecha, la pequeña escalera que sube de la plaza pasa bajo la figura del Sol, encarnado en el gran pájaro del fuego, blanco, rojo y amarillo, colocado sobre un gran arco azul, en el que es evidente la llamada a la iconografía de los indios de América. Inmediatamente después del Sol, aquí está el Papa, obra favorita de Tinguely que consolidó su estructura "en solitario" y que adopta la técnica filiforme llamada skinny.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la La plaza central de la Descripción?

Al cruzar el umbral, el camino de ripio sube hasta la gran plaza central ocupada por una piscina y dominada por las figuras unidas de la Papisa y el Mago, los primeros arcanos mayores del Tarot que marcan el inicio del recorrido. Rodeada por el verde y los sinuosos bancos de Pierre Marie Le Jeune, la plaza, tipo de gran anfiteatro dominado por las otras, pintadas esculturas, comunicará inmediatamente esa impresión de inquietud y hechizo, de fascinación, de juego, de espléndida visión que anima a todo el Jardín. La piscina circular en la que se recogen las aguas que salen de la cascada de la escalera que viene de la enorme boca abierta de la Papisa, clara reminiscencia del Ogro de Bomarzo e ideal vínculo con los juegos de agua de Villa d'Este[10] está marcada en el centro por la Rueda de la Fortuna, la escultura mecánica móvil realizada por Jean Tinguely. Las sendas que se bifurcan de la plaza recorren itinerarios diferentes que siguen las sinuosidades del terreno, subiendo o bajando a lo largo de la cresta. También los caminos juegan en la obra un papel fundamental: sobre el cemento que las reviste, en efecto, Niki de Saint Phalle ha grabado indeleblemente apuntes de pensamiento, memorias, números, citas, dibujos, mensajes de esperanza y de fe, desenvolviendo un camino que una vez más no es sólo físico sino sobre todo espiritual. Sobre la cresta derecha, la pequeña escalera que sube de la plaza pasa bajo la figura del Sol, encarnado en el gran pájaro del fuego, blanco, rojo y amarillo, colocado sobre un gran arco azul, en el que es evidente la llamada a la iconografía de los indios de América. Inmediatamente después del Sol, aquí está el Papa, obra favorita de Tinguely que consolidó su estructura "en solitario" y que adopta la técnica filiforme llamada skinny.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Describe las características de la La plaza central en la Descripción de Jardín_del_Tarot.

Al cruzar el umbral, el camino de ripio sube hasta la gran plaza central ocupada por una piscina y dominada por las figuras unidas de la Papisa y el Mago, los primeros arcanos mayores del Tarot que marcan el inicio del recorrido. Rodeada por el verde y los sinuosos bancos de Pierre Marie Le Jeune, la plaza, tipo de gran anfiteatro dominado por las otras, pintadas esculturas, comunicará inmediatamente esa impresión de inquietud y hechizo, de fascinación, de juego, de espléndida visión que anima a todo el Jardín. La piscina circular en la que se recogen las aguas que salen de la cascada de la escalera que viene de la enorme boca abierta de la Papisa, clara reminiscencia del Ogro de Bomarzo e ideal vínculo con los juegos de agua de Villa d'Este[10] está marcada en el centro por la Rueda de la Fortuna, la escultura mecánica móvil realizada por Jean Tinguely. Las sendas que se bifurcan de la plaza recorren itinerarios diferentes que siguen las sinuosidades del terreno, subiendo o bajando a lo largo de la cresta. También los caminos juegan en la obra un papel fundamental: sobre el cemento que las reviste, en efecto, Niki de Saint Phalle ha grabado indeleblemente apuntes de pensamiento, memorias, números, citas, dibujos, mensajes de esperanza y de fe, desenvolviendo un camino que una vez más no es sólo físico sino sobre todo espiritual. Sobre la cresta derecha, la pequeña escalera que sube de la plaza pasa bajo la figura del Sol, encarnado en el gran pájaro del fuego, blanco, rojo y amarillo, colocado sobre un gran arco azul, en el que es evidente la llamada a la iconografía de los indios de América. Inmediatamente después del Sol, aquí está el Papa, obra favorita de Tinguely que consolidó su estructura "en solitario" y que adopta la técnica filiforme llamada skinny.

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En el contexto de Jardín_del_Tarot, explora la El Árbol de la Vida, la Justicia, los Enamorados y el Profeta y Descripción.

El árbol de la Vida está en contraste con el espacio cable encerrado en las columnas del Papa. Su sólido cuerpo coronado por cabezas de serpientes está recubierto, como un periódico mural, de inscripciones, grafismos y dibujos de Tinguely y de Niki de Saint Phalle, que cuenta en particular su experiencia autobiográfica en los bloques del panel "My Love". Delineado con hilos de color en el centro de un sector ovalado cubierto de espejos, el Árbol de la Vida muestra la figura del Ahorcado, que desde su punto de vista invertido sugiere otra manera de ver la realidad de las cosas. En frente sube hasta la cabeza del Mago la serpenteante escalera azul intenso bajo la cual se esconde el acceso escondido al interior de la cabeza-fuente de la Papisa, pintado de azul con estrellas plateadas. A la derecha está la figura de la Justicia, inquietante en su claro contraste de blanco y negro, con la balanza sobre sus grandes senos y el espacio interior, cerrado por una puerta con un enorme candado, ocupado por otra de las siniestras mecaniqués de Jean Tinguely que representa La Injusticia.A lo largo del sendero de cemento - mientras que un cartel señala una posible desviación en un bosquecillo, donde están colocadas las esculturas de los Enamorados, pintadas y felices figuras en poliéster que sentadas comen su pícnic y, más atrás, solitaria en medio a una pequeña radura, el Profeta, gran fantasma cable enteramente cubierto de espejos -  se encuentra el castillo del Emperador, pensado "como una ciudadela imperial con torres, un paseo de ronda, de un patio adornado con una fuente y 22 columnas (el número de los Arcanos Mayores) que sostienen un pórtico".

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: Explora la El Árbol de la Vida, la Justicia, los Enamorados y el Profeta sobre la Descripción de esta obra de arte, Jardín_del_Tarot.

El árbol de la Vida está en contraste con el espacio cable encerrado en las columnas del Papa. Su sólido cuerpo coronado por cabezas de serpientes está recubierto, como un periódico mural, de inscripciones, grafismos y dibujos de Tinguely y de Niki de Saint Phalle, que cuenta en particular su experiencia autobiográfica en los bloques del panel "My Love". Delineado con hilos de color en el centro de un sector ovalado cubierto de espejos, el Árbol de la Vida muestra la figura del Ahorcado, que desde su punto de vista invertido sugiere otra manera de ver la realidad de las cosas. En frente sube hasta la cabeza del Mago la serpenteante escalera azul intenso bajo la cual se esconde el acceso escondido al interior de la cabeza-fuente de la Papisa, pintado de azul con estrellas plateadas. A la derecha está la figura de la Justicia, inquietante en su claro contraste de blanco y negro, con la balanza sobre sus grandes senos y el espacio interior, cerrado por una puerta con un enorme candado, ocupado por otra de las siniestras mecaniqués de Jean Tinguely que representa La Injusticia.A lo largo del sendero de cemento - mientras que un cartel señala una posible desviación en un bosquecillo, donde están colocadas las esculturas de los Enamorados, pintadas y felices figuras en poliéster que sentadas comen su pícnic y, más atrás, solitaria en medio a una pequeña radura, el Profeta, gran fantasma cable enteramente cubierto de espejos -  se encuentra el castillo del Emperador, pensado "como una ciudadela imperial con torres, un paseo de ronda, de un patio adornado con una fuente y 22 columnas (el número de los Arcanos Mayores) que sostienen un pórtico".

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos


Jardín_del_Tarot

Prompt: En Jardín_del_Tarot, ¿Cómo se aclara la El Árbol de la Vida, la Justicia, los Enamorados y el Profeta de la Descripción?

El árbol de la Vida está en contraste con el espacio cable encerrado en las columnas del Papa. Su sólido cuerpo coronado por cabezas de serpientes está recubierto, como un periódico mural, de inscripciones, grafismos y dibujos de Tinguely y de Niki de Saint Phalle, que cuenta en particular su experiencia autobiográfica en los bloques del panel "My Love". Delineado con hilos de color en el centro de un sector ovalado cubierto de espejos, el Árbol de la Vida muestra la figura del Ahorcado, que desde su punto de vista invertido sugiere otra manera de ver la realidad de las cosas. En frente sube hasta la cabeza del Mago la serpenteante escalera azul intenso bajo la cual se esconde el acceso escondido al interior de la cabeza-fuente de la Papisa, pintado de azul con estrellas plateadas. A la derecha está la figura de la Justicia, inquietante en su claro contraste de blanco y negro, con la balanza sobre sus grandes senos y el espacio interior, cerrado por una puerta con un enorme candado, ocupado por otra de las siniestras mecaniqués de Jean Tinguely que representa La Injusticia.A lo largo del sendero de cemento - mientras que un cartel señala una posible desviación en un bosquecillo, donde están colocadas las esculturas de los Enamorados, pintadas y felices figuras en poliéster que sentadas comen su pícnic y, más atrás, solitaria en medio a una pequeña radura, el Profeta, gran fantasma cable enteramente cubierto de espejos -  se encuentra el castillo del Emperador, pensado "como una ciudadela imperial con torres, un paseo de ronda, de un patio adornado con una fuente y 22 columnas (el número de los Arcanos Mayores) que sostienen un pórtico".

Lema de la artista, en una baldosa del ''Colgado''

Archivo:Le Choix (Le Jardin des Tarots de Niki de Saint Phalle à Capalbio, Italie) - Flickr - dalbera.jpg

La historia del jardín en una lápida en la entrada

Isabelle Las Jeune, Alan Davie, Marina Karella

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XX

Archivo:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Mari

Interior del cohete del ''Emperador'' con mosaico de espejos