Venus_de_Urbino

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Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería Uffizi (Florencia).La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.[1]Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.[2]

Pintura expuesta en la galería Uffizi, Florencia.

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Archivo:Galería Uffizi, Florencia, Italia, 2022-09-18, DD 78.jpg

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua


La_rendición_de_Breda

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La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - de Breda o Las Lanzas (Museo del Prado, 1634-35).jpg

Categoría:Serie de las Batallas del Salón de Reinos


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La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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Prompt: Concéntrate en La_rendición_de_Breda y explora la Contexto histórico.

Para entender desde un punto de vista histórico esta obra de Velázquez hay que remontarse a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII.Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años, en la que luchaban por independizarse de España. En 1590, con Mauricio de Nassau-Orange (cuarto hijo de Guillermo) como estatúder de las Provincias Unidas de los Países Bajos, los neerlandeses tomaron la ciudad de Breda. La tregua de los doce años mantuvo el país en calma entre 1609 y 1621. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua expiró y la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante, desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.Velázquez también se inspiró en determinados pasajes de la comedia El sitio de Breda, de Calderón de la Barca.[2]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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Categoría:Serie de las Batallas del Salón de Reinos


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Para entender desde un punto de vista histórico esta obra de Velázquez hay que remontarse a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII.Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años, en la que luchaban por independizarse de España. En 1590, con Mauricio de Nassau-Orange (cuarto hijo de Guillermo) como estatúder de las Provincias Unidas de los Países Bajos, los neerlandeses tomaron la ciudad de Breda. La tregua de los doce años mantuvo el país en calma entre 1609 y 1621. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua expiró y la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante, desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.Velázquez también se inspiró en determinados pasajes de la comedia El sitio de Breda, de Calderón de la Barca.[2]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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Para entender desde un punto de vista histórico esta obra de Velázquez hay que remontarse a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII.Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años, en la que luchaban por independizarse de España. En 1590, con Mauricio de Nassau-Orange (cuarto hijo de Guillermo) como estatúder de las Provincias Unidas de los Países Bajos, los neerlandeses tomaron la ciudad de Breda. La tregua de los doce años mantuvo el país en calma entre 1609 y 1621. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua expiró y la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante, desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.Velázquez también se inspiró en determinados pasajes de la comedia El sitio de Breda, de Calderón de la Barca.[2]

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Prompt: En La_rendición_de_Breda, ¿Cómo se discute la Contexto histórico?

Para entender desde un punto de vista histórico esta obra de Velázquez hay que remontarse a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII.Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años, en la que luchaban por independizarse de España. En 1590, con Mauricio de Nassau-Orange (cuarto hijo de Guillermo) como estatúder de las Provincias Unidas de los Países Bajos, los neerlandeses tomaron la ciudad de Breda. La tregua de los doce años mantuvo el país en calma entre 1609 y 1621. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua expiró y la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante, desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.Velázquez también se inspiró en determinados pasajes de la comedia El sitio de Breda, de Calderón de la Barca.[2]

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Prompt: Concéntrate en La_rendición_de_Breda y explora la Sitio de Breda.

Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, el aristócrata genovés Ambrosio de Spinola. Este se puso al mando de 40 000 hombres, entre los que había numerosos generales españoles, como el marqués de Leganés y Carlos Coloma, militares muy famosos.La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias, como anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. Fue una capitulación que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía de los asediados. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas describen también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general neerlandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía y el enemigo fue tratado con caballerosidad y sin humillación; es el momento histórico elegido por Velázquez para su cuadro.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, el aristócrata genovés Ambrosio de Spinola. Este se puso al mando de 40 000 hombres, entre los que había numerosos generales españoles, como el marqués de Leganés y Carlos Coloma, militares muy famosos.La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias, como anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. Fue una capitulación que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía de los asediados. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas describen también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general neerlandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía y el enemigo fue tratado con caballerosidad y sin humillación; es el momento histórico elegido por Velázquez para su cuadro.

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Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, el aristócrata genovés Ambrosio de Spinola. Este se puso al mando de 40 000 hombres, entre los que había numerosos generales españoles, como el marqués de Leganés y Carlos Coloma, militares muy famosos.La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias, como anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. Fue una capitulación que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía de los asediados. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas describen también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general neerlandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía y el enemigo fue tratado con caballerosidad y sin humillación; es el momento histórico elegido por Velázquez para su cuadro.

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Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, el aristócrata genovés Ambrosio de Spinola. Este se puso al mando de 40 000 hombres, entre los que había numerosos generales españoles, como el marqués de Leganés y Carlos Coloma, militares muy famosos.La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias, como anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. Fue una capitulación que el ejército español reconoció como tal, admirando en su enemigo la valentía de los asediados. Por estas razones permitió que la guarnición saliera formada en orden militar con sus banderas al frente. Los generales españoles dieron la orden de que los vencidos fueran rigurosamente respetados y tratados con dignidad. Las crónicas describen también el momento en que el general español Spinola esperaba fuera de las fortificaciones al general neerlandés Nassau. La entrevista fue un acto de cortesía y el enemigo fue tratado con caballerosidad y sin humillación; es el momento histórico elegido por Velázquez para su cuadro.

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Prompt: Concéntrate en La_rendición_de_Breda y explora la Descripción del cuadro.

El cuadro se pintó, junto con otros once, para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, una especie de villa suburbana erigida por orden de Felipe IV al estilo de las existentes en Roma. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo del Prado. El actual Parque del Retiro es una parte de aquellos terrenos.El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y a las demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, el conde-duque de Olivares decidió decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España, si bien casi todos estos hechos eran relativamente antiguos. Olivares ideó esta estratagema para ocultar que España, realmente, empezaba a menguar como potencia mundial. Junto con los cuadros relativos a batallas se colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los Trabajos de Hércules, personaje mítico que los reyes españoles consideraban antepasado suyo.Para la serie de doce batallas,[3] se convocó a Velázquez y a otros artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos. Excepto un cuadro que resultó destruido (uno de los dos que pintó Eugenio Cajés), la serie se conserva en el Museo del Prado, si bien no se exhibe junta.Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un detalle muy interesante es la cantidad de lanzas de un lado y de otro. Un realismo semejante y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.Detalles como la gran cantidad de lanzas españolas en comparación con las de los Países Bajos y la acogida de los vencidos por parte de España se introdujeron a petición de Olivares para demostrar la fuerza y la nobleza propias (Olivares era conocido por su inteligencia, su arrogancia y su ego).

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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El cuadro se pintó, junto con otros once, para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, una especie de villa suburbana erigida por orden de Felipe IV al estilo de las existentes en Roma. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo del Prado. El actual Parque del Retiro es una parte de aquellos terrenos.El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y a las demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, el conde-duque de Olivares decidió decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España, si bien casi todos estos hechos eran relativamente antiguos. Olivares ideó esta estratagema para ocultar que España, realmente, empezaba a menguar como potencia mundial. Junto con los cuadros relativos a batallas se colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los Trabajos de Hércules, personaje mítico que los reyes españoles consideraban antepasado suyo.Para la serie de doce batallas,[3] se convocó a Velázquez y a otros artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos. Excepto un cuadro que resultó destruido (uno de los dos que pintó Eugenio Cajés), la serie se conserva en el Museo del Prado, si bien no se exhibe junta.Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un detalle muy interesante es la cantidad de lanzas de un lado y de otro. Un realismo semejante y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.Detalles como la gran cantidad de lanzas españolas en comparación con las de los Países Bajos y la acogida de los vencidos por parte de España se introdujeron a petición de Olivares para demostrar la fuerza y la nobleza propias (Olivares era conocido por su inteligencia, su arrogancia y su ego).

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El cuadro se pintó, junto con otros once, para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, una especie de villa suburbana erigida por orden de Felipe IV al estilo de las existentes en Roma. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo del Prado. El actual Parque del Retiro es una parte de aquellos terrenos.El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y a las demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, el conde-duque de Olivares decidió decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España, si bien casi todos estos hechos eran relativamente antiguos. Olivares ideó esta estratagema para ocultar que España, realmente, empezaba a menguar como potencia mundial. Junto con los cuadros relativos a batallas se colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los Trabajos de Hércules, personaje mítico que los reyes españoles consideraban antepasado suyo.Para la serie de doce batallas,[3] se convocó a Velázquez y a otros artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos. Excepto un cuadro que resultó destruido (uno de los dos que pintó Eugenio Cajés), la serie se conserva en el Museo del Prado, si bien no se exhibe junta.Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un detalle muy interesante es la cantidad de lanzas de un lado y de otro. Un realismo semejante y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.Detalles como la gran cantidad de lanzas españolas en comparación con las de los Países Bajos y la acogida de los vencidos por parte de España se introdujeron a petición de Olivares para demostrar la fuerza y la nobleza propias (Olivares era conocido por su inteligencia, su arrogancia y su ego).

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El cuadro se pintó, junto con otros once, para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, una especie de villa suburbana erigida por orden de Felipe IV al estilo de las existentes en Roma. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo del Prado. El actual Parque del Retiro es una parte de aquellos terrenos.El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y a las demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, el conde-duque de Olivares decidió decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España, si bien casi todos estos hechos eran relativamente antiguos. Olivares ideó esta estratagema para ocultar que España, realmente, empezaba a menguar como potencia mundial. Junto con los cuadros relativos a batallas se colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los Trabajos de Hércules, personaje mítico que los reyes españoles consideraban antepasado suyo.Para la serie de doce batallas,[3] se convocó a Velázquez y a otros artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos. Excepto un cuadro que resultó destruido (uno de los dos que pintó Eugenio Cajés), la serie se conserva en el Museo del Prado, si bien no se exhibe junta.Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un detalle muy interesante es la cantidad de lanzas de un lado y de otro. Un realismo semejante y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.Detalles como la gran cantidad de lanzas españolas en comparación con las de los Países Bajos y la acogida de los vencidos por parte de España se introdujeron a petición de Olivares para demostrar la fuerza y la nobleza propias (Olivares era conocido por su inteligencia, su arrogancia y su ego).

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Prompt: Concéntrate en La_rendición_de_Breda y explora la Ropajes.

Nassau se muestra con coleto, casaca o chaleco hecho en piel y calzón de color pardo con adornos de oro, paloma de encaje (cuello grande y vuelto sobre la espalda) y sombrero chambergo negro en su mano izquierda. Spinola lleva armadura pavonada con adornos de oro, Valona[4] de encaje, botas de piel y una banda de color carmín. En la mano izquierda, enguantada, lleva el sombrero, también negro, y la bengala o bastón de mando, símbolo de autoridad.Este cuadro se destinó al Salón de Reinos del recinto del Buen Retiro de Madrid, que estaba destinado a narrar las batallas del monarca. Cuando se colocó allí, Velázquez todavía no lo había firmado, aunque había dejado preparado un pequeño rincón abajo a la derecha del cuadro con una hoja en blanco, sin duda para poner allí la fecha y su firma. Nunca lo hizo, como ocurrió con otras tantas obras suyas.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

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La_rendición_de_Breda

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Nassau se muestra con coleto, casaca o chaleco hecho en piel y calzón de color pardo con adornos de oro, paloma de encaje (cuello grande y vuelto sobre la espalda) y sombrero chambergo negro en su mano izquierda. Spinola lleva armadura pavonada con adornos de oro, Valona[4] de encaje, botas de piel y una banda de color carmín. En la mano izquierda, enguantada, lleva el sombrero, también negro, y la bengala o bastón de mando, símbolo de autoridad.Este cuadro se destinó al Salón de Reinos del recinto del Buen Retiro de Madrid, que estaba destinado a narrar las batallas del monarca. Cuando se colocó allí, Velázquez todavía no lo había firmado, aunque había dejado preparado un pequeño rincón abajo a la derecha del cuadro con una hoja en blanco, sin duda para poner allí la fecha y su firma. Nunca lo hizo, como ocurrió con otras tantas obras suyas.

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Nassau se muestra con coleto, casaca o chaleco hecho en piel y calzón de color pardo con adornos de oro, paloma de encaje (cuello grande y vuelto sobre la espalda) y sombrero chambergo negro en su mano izquierda. Spinola lleva armadura pavonada con adornos de oro, Valona[4] de encaje, botas de piel y una banda de color carmín. En la mano izquierda, enguantada, lleva el sombrero, también negro, y la bengala o bastón de mando, símbolo de autoridad.Este cuadro se destinó al Salón de Reinos del recinto del Buen Retiro de Madrid, que estaba destinado a narrar las batallas del monarca. Cuando se colocó allí, Velázquez todavía no lo había firmado, aunque había dejado preparado un pequeño rincón abajo a la derecha del cuadro con una hoja en blanco, sin duda para poner allí la fecha y su firma. Nunca lo hizo, como ocurrió con otras tantas obras suyas.

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La_rendición_de_Breda

Prompt: En La_rendición_de_Breda, ¿Cómo se discute la Ropajes?

Nassau se muestra con coleto, casaca o chaleco hecho en piel y calzón de color pardo con adornos de oro, paloma de encaje (cuello grande y vuelto sobre la espalda) y sombrero chambergo negro en su mano izquierda. Spinola lleva armadura pavonada con adornos de oro, Valona[4] de encaje, botas de piel y una banda de color carmín. En la mano izquierda, enguantada, lleva el sombrero, también negro, y la bengala o bastón de mando, símbolo de autoridad.Este cuadro se destinó al Salón de Reinos del recinto del Buen Retiro de Madrid, que estaba destinado a narrar las batallas del monarca. Cuando se colocó allí, Velázquez todavía no lo había firmado, aunque había dejado preparado un pequeño rincón abajo a la derecha del cuadro con una hoja en blanco, sin duda para poner allí la fecha y su firma. Nunca lo hizo, como ocurrió con otras tantas obras suyas.

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

Archivo:Velázquez - de Breda o Las Lanzas (Museo del Prado, 1634-35).jpg

Categoría:Serie de las Batallas del Salón de Reinos


Terraza_de_café_por_la_noche

Prompt: Concéntrate en Terraza_de_café_por_la_noche y explora la abstract.

Terraza de café por la noche (también conocida como Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche) es una pintura del neerlandés Vincent van Gogh realizada en Arlés en septiembre de 1888 representando el ambiente de una terraza.En esta pintura Van Gogh expresó sus nuevas impresiones de Francia meridional. La obra representa un café en la ciudad de Arlés, que en aquel entonces llamaba "Café Terrace" y que más tarde se renombró como "Café Van Gogh".El estilo de esta pintura es único para Van Gogh con colores cálidos y la profundidad de la perspectiva. Ésta es la primera pintura en la cual Vincent utilizó fondos estrellados. Posteriormente vendrían la Noche estrellada sobre el Ródano y La noche estrellada en 1889. Esta obra entra dentro la categoría de pinturas de este autor que buscan destacar la noche iluminada dándole un tinte de alegría y color al paisaje nocturno.[1]

Archivo:Vincent Willem van Gogh - Cafe Terrace at Night (Yorck).jpg


Terraza_de_café_por_la_noche

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Terraza_de_café_por_la_noche.

Terraza de café por la noche (también conocida como Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche) es una pintura del neerlandés Vincent van Gogh realizada en Arlés en septiembre de 1888 representando el ambiente de una terraza.En esta pintura Van Gogh expresó sus nuevas impresiones de Francia meridional. La obra representa un café en la ciudad de Arlés, que en aquel entonces llamaba "Café Terrace" y que más tarde se renombró como "Café Van Gogh".El estilo de esta pintura es único para Van Gogh con colores cálidos y la profundidad de la perspectiva. Ésta es la primera pintura en la cual Vincent utilizó fondos estrellados. Posteriormente vendrían la Noche estrellada sobre el Ródano y La noche estrellada en 1889. Esta obra entra dentro la categoría de pinturas de este autor que buscan destacar la noche iluminada dándole un tinte de alegría y color al paisaje nocturno.[1]

Archivo:Vincent Willem van Gogh - Cafe Terrace at Night (Yorck).jpg


Terraza_de_café_por_la_noche

Prompt: ¿Cómo aclara Terraza_de_café_por_la_noche su abstract?

Terraza de café por la noche (también conocida como Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche) es una pintura del neerlandés Vincent van Gogh realizada en Arlés en septiembre de 1888 representando el ambiente de una terraza.En esta pintura Van Gogh expresó sus nuevas impresiones de Francia meridional. La obra representa un café en la ciudad de Arlés, que en aquel entonces llamaba "Café Terrace" y que más tarde se renombró como "Café Van Gogh".El estilo de esta pintura es único para Van Gogh con colores cálidos y la profundidad de la perspectiva. Ésta es la primera pintura en la cual Vincent utilizó fondos estrellados. Posteriormente vendrían la Noche estrellada sobre el Ródano y La noche estrellada en 1889. Esta obra entra dentro la categoría de pinturas de este autor que buscan destacar la noche iluminada dándole un tinte de alegría y color al paisaje nocturno.[1]

Archivo:Vincent Willem van Gogh - Cafe Terrace at Night (Yorck).jpg


Terraza_de_café_por_la_noche

Prompt: En Terraza_de_café_por_la_noche, ¿Cómo se discute la abstract?

Terraza de café por la noche (también conocida como Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche) es una pintura del neerlandés Vincent van Gogh realizada en Arlés en septiembre de 1888 representando el ambiente de una terraza.En esta pintura Van Gogh expresó sus nuevas impresiones de Francia meridional. La obra representa un café en la ciudad de Arlés, que en aquel entonces llamaba "Café Terrace" y que más tarde se renombró como "Café Van Gogh".El estilo de esta pintura es único para Van Gogh con colores cálidos y la profundidad de la perspectiva. Ésta es la primera pintura en la cual Vincent utilizó fondos estrellados. Posteriormente vendrían la Noche estrellada sobre el Ródano y La noche estrellada en 1889. Esta obra entra dentro la categoría de pinturas de este autor que buscan destacar la noche iluminada dándole un tinte de alegría y color al paisaje nocturno.[1]

Archivo:Vincent Willem van Gogh - Cafe Terrace at Night (Yorck).jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Concéntrate en Betsabé_con_la_carta_de_David y explora la abstract.

Betsabé con la carta de David (o Betsabé en su baño) es una pintura de Rembrandt realizada en 1654 y que se encuentra en el Museo del Louvre en París.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Betsabé_con_la_carta_de_David.

Betsabé con la carta de David (o Betsabé en su baño) es una pintura de Rembrandt realizada en 1654 y que se encuentra en el Museo del Louvre en París.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: ¿Cómo aclara Betsabé_con_la_carta_de_David su abstract?

Betsabé con la carta de David (o Betsabé en su baño) es una pintura de Rembrandt realizada en 1654 y que se encuentra en el Museo del Louvre en París.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

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Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: En Betsabé_con_la_carta_de_David, ¿Cómo se discute la abstract?

Betsabé con la carta de David (o Betsabé en su baño) es una pintura de Rembrandt realizada en 1654 y que se encuentra en el Museo del Louvre en París.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

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Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Concéntrate en Betsabé_con_la_carta_de_David y explora la Tema.

La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1654” y en ella se representa a Betsabé recibiendo la carta en la que el rey David la invita a su palacio. Es una escena extraída del relato bíblico de Segundo libro de Samuel.[1][2]Un díscípulo de Rembrandt, Willem Drost, realizó una obra de la misma temática.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Explora la Tema de esta obra de arte, Betsabé_con_la_carta_de_David.

La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1654” y en ella se representa a Betsabé recibiendo la carta en la que el rey David la invita a su palacio. Es una escena extraída del relato bíblico de Segundo libro de Samuel.[1][2]Un díscípulo de Rembrandt, Willem Drost, realizó una obra de la misma temática.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: ¿Cómo aclara Betsabé_con_la_carta_de_David su Tema?

La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1654” y en ella se representa a Betsabé recibiendo la carta en la que el rey David la invita a su palacio. Es una escena extraída del relato bíblico de Segundo libro de Samuel.[1][2]Un díscípulo de Rembrandt, Willem Drost, realizó una obra de la misma temática.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

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Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: En Betsabé_con_la_carta_de_David, ¿Cómo se discute la Tema?

La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1654” y en ella se representa a Betsabé recibiendo la carta en la que el rey David la invita a su palacio. Es una escena extraída del relato bíblico de Segundo libro de Samuel.[1][2]Un díscípulo de Rembrandt, Willem Drost, realizó una obra de la misma temática.

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Concéntrate en Betsabé_con_la_carta_de_David y explora la Descripción de la obra.

En la pintura, en la que Rembrandt usa como modelo a Hendrickje Stoffels,[3] se percibe claramente la huella de maestros como Tiziano y Tintoretto.[4]Se refleja en la expresión la angustia en la mujer por los problemas ante la Ley de Moisés, al tener que tomar una decisión, ya sea para permanecer fiel a su marido Urías, que se hallaba en la guerra, o para obedecer al rey.El pintor refleja en la obra algunos síntomas del cáncer de mama como las tumoraciones en la axila o una invaginación en la piel.[5]

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: Explora la Descripción de la obra de esta obra de arte, Betsabé_con_la_carta_de_David.

En la pintura, en la que Rembrandt usa como modelo a Hendrickje Stoffels,[3] se percibe claramente la huella de maestros como Tiziano y Tintoretto.[4]Se refleja en la expresión la angustia en la mujer por los problemas ante la Ley de Moisés, al tener que tomar una decisión, ya sea para permanecer fiel a su marido Urías, que se hallaba en la guerra, o para obedecer al rey.El pintor refleja en la obra algunos síntomas del cáncer de mama como las tumoraciones en la axila o una invaginación en la piel.[5]

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: ¿Cómo aclara Betsabé_con_la_carta_de_David su Descripción de la obra?

En la pintura, en la que Rembrandt usa como modelo a Hendrickje Stoffels,[3] se percibe claramente la huella de maestros como Tiziano y Tintoretto.[4]Se refleja en la expresión la angustia en la mujer por los problemas ante la Ley de Moisés, al tener que tomar una decisión, ya sea para permanecer fiel a su marido Urías, que se hallaba en la guerra, o para obedecer al rey.El pintor refleja en la obra algunos síntomas del cáncer de mama como las tumoraciones en la axila o una invaginación en la piel.[5]

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Betsabé_con_la_carta_de_David

Prompt: En Betsabé_con_la_carta_de_David, ¿Cómo se discute la Descripción de la obra?

En la pintura, en la que Rembrandt usa como modelo a Hendrickje Stoffels,[3] se percibe claramente la huella de maestros como Tiziano y Tintoretto.[4]Se refleja en la expresión la angustia en la mujer por los problemas ante la Ley de Moisés, al tener que tomar una decisión, ya sea para permanecer fiel a su marido Urías, que se hallaba en la guerra, o para obedecer al rey.El pintor refleja en la obra algunos síntomas del cáncer de mama como las tumoraciones en la axila o una invaginación en la piel.[5]

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 016.jpg

Archivo:Bathsheba by Taras Shevchenko.jpg


Almiares

Prompt: Concéntrate en Almiares y explora la abstract.

Almiares es el título de una serie de cuadros impresionistas de Claude Monet que representa las pilas de paja o almiares formados en los campos después de la cosecha. El título se refiere a una serie de veinticinco lienzos que Monet comenzó a finales del verano de 1890 y continuó hasta la primavera siguiente, aunque Monet también realizó cinco cuadros anteriores con el mismo tema de los montones. La serie es famosa por la forma en que Monet repite el mismo tema para mostrar las diferencias de luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a lo largo de las estaciones y con muchos tipos de clima.La serie es una de las obras más notables de Monet. Aunque las colecciones más grandes de Monet están en París en el Museo de Orsay y el Musée Marmottan Monet, otras colecciones notables de Monet están en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Nueva York en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y en Tokio en el Museo Nacional de Arte Occidental,[1] seis de los cuadros sobre almiares están en el Instituto de Arte de Chicago.[2][3][4][5] Además, el Museo de Bellas Artes de Boston tiene dos,[6][7] y el Musée d'Orsay en París, Francia tiene uno. Otros museos que tienen partes de esta serie en su colección incluyen: el Centro Getty en Los Ángeles,[8] el Hill-Stead Museum en Farmington, Connecticut (que también tiene uno de cinco cuadros de una cosecha anterior 1888-89),[9] la National Gallery de Escocia en Edimburgo, Escocia, Reino Unido,[10] el Instituto de Arte de Minneapolis, Minnesota,[11] el Kunsthaus Zürich en Zürich, Suiza, y el Museo Shelburne, en Vermont.[12] Las colecciones privadas conservan el resto de los cuadros de la serie. Activistas contra el cambio climático arrojaron puré de papas a la versión expuesta en Potsdam en octubre de 2022, pero no sufrió daños y fue limpiada y puesta nuevamente en exhibición.[13]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Colecciones del Instituto de Arte de Chicago


Almiares

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Almiares.

Almiares es el título de una serie de cuadros impresionistas de Claude Monet que representa las pilas de paja o almiares formados en los campos después de la cosecha. El título se refiere a una serie de veinticinco lienzos que Monet comenzó a finales del verano de 1890 y continuó hasta la primavera siguiente, aunque Monet también realizó cinco cuadros anteriores con el mismo tema de los montones. La serie es famosa por la forma en que Monet repite el mismo tema para mostrar las diferencias de luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a lo largo de las estaciones y con muchos tipos de clima.La serie es una de las obras más notables de Monet. Aunque las colecciones más grandes de Monet están en París en el Museo de Orsay y el Musée Marmottan Monet, otras colecciones notables de Monet están en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Nueva York en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y en Tokio en el Museo Nacional de Arte Occidental,[1] seis de los cuadros sobre almiares están en el Instituto de Arte de Chicago.[2][3][4][5] Además, el Museo de Bellas Artes de Boston tiene dos,[6][7] y el Musée d'Orsay en París, Francia tiene uno. Otros museos que tienen partes de esta serie en su colección incluyen: el Centro Getty en Los Ángeles,[8] el Hill-Stead Museum en Farmington, Connecticut (que también tiene uno de cinco cuadros de una cosecha anterior 1888-89),[9] la National Gallery de Escocia en Edimburgo, Escocia, Reino Unido,[10] el Instituto de Arte de Minneapolis, Minnesota,[11] el Kunsthaus Zürich en Zürich, Suiza, y el Museo Shelburne, en Vermont.[12] Las colecciones privadas conservan el resto de los cuadros de la serie. Activistas contra el cambio climático arrojaron puré de papas a la versión expuesta en Potsdam en octubre de 2022, pero no sufrió daños y fue limpiada y puesta nuevamente en exhibición.[13]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Colecciones del Instituto de Arte de Chicago


Almiares

Prompt: ¿Cómo aclara Almiares su abstract?

Almiares es el título de una serie de cuadros impresionistas de Claude Monet que representa las pilas de paja o almiares formados en los campos después de la cosecha. El título se refiere a una serie de veinticinco lienzos que Monet comenzó a finales del verano de 1890 y continuó hasta la primavera siguiente, aunque Monet también realizó cinco cuadros anteriores con el mismo tema de los montones. La serie es famosa por la forma en que Monet repite el mismo tema para mostrar las diferencias de luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a lo largo de las estaciones y con muchos tipos de clima.La serie es una de las obras más notables de Monet. Aunque las colecciones más grandes de Monet están en París en el Museo de Orsay y el Musée Marmottan Monet, otras colecciones notables de Monet están en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Nueva York en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y en Tokio en el Museo Nacional de Arte Occidental,[1] seis de los cuadros sobre almiares están en el Instituto de Arte de Chicago.[2][3][4][5] Además, el Museo de Bellas Artes de Boston tiene dos,[6][7] y el Musée d'Orsay en París, Francia tiene uno. Otros museos que tienen partes de esta serie en su colección incluyen: el Centro Getty en Los Ángeles,[8] el Hill-Stead Museum en Farmington, Connecticut (que también tiene uno de cinco cuadros de una cosecha anterior 1888-89),[9] la National Gallery de Escocia en Edimburgo, Escocia, Reino Unido,[10] el Instituto de Arte de Minneapolis, Minnesota,[11] el Kunsthaus Zürich en Zürich, Suiza, y el Museo Shelburne, en Vermont.[12] Las colecciones privadas conservan el resto de los cuadros de la serie. Activistas contra el cambio climático arrojaron puré de papas a la versión expuesta en Potsdam en octubre de 2022, pero no sufrió daños y fue limpiada y puesta nuevamente en exhibición.[13]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Colecciones del Instituto de Arte de Chicago


Almiares

Prompt: En Almiares, ¿Cómo se discute la abstract?

Almiares es el título de una serie de cuadros impresionistas de Claude Monet que representa las pilas de paja o almiares formados en los campos después de la cosecha. El título se refiere a una serie de veinticinco lienzos que Monet comenzó a finales del verano de 1890 y continuó hasta la primavera siguiente, aunque Monet también realizó cinco cuadros anteriores con el mismo tema de los montones. La serie es famosa por la forma en que Monet repite el mismo tema para mostrar las diferencias de luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a lo largo de las estaciones y con muchos tipos de clima.La serie es una de las obras más notables de Monet. Aunque las colecciones más grandes de Monet están en París en el Museo de Orsay y el Musée Marmottan Monet, otras colecciones notables de Monet están en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Nueva York en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y en Tokio en el Museo Nacional de Arte Occidental,[1] seis de los cuadros sobre almiares están en el Instituto de Arte de Chicago.[2][3][4][5] Además, el Museo de Bellas Artes de Boston tiene dos,[6][7] y el Musée d'Orsay en París, Francia tiene uno. Otros museos que tienen partes de esta serie en su colección incluyen: el Centro Getty en Los Ángeles,[8] el Hill-Stead Museum en Farmington, Connecticut (que también tiene uno de cinco cuadros de una cosecha anterior 1888-89),[9] la National Gallery de Escocia en Edimburgo, Escocia, Reino Unido,[10] el Instituto de Arte de Minneapolis, Minnesota,[11] el Kunsthaus Zürich en Zürich, Suiza, y el Museo Shelburne, en Vermont.[12] Las colecciones privadas conservan el resto de los cuadros de la serie. Activistas contra el cambio climático arrojaron puré de papas a la versión expuesta en Potsdam en octubre de 2022, pero no sufrió daños y fue limpiada y puesta nuevamente en exhibición.[13]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1890

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Escocia

Categoría:Colecciones del Instituto de Arte de Chicago


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: Concéntrate en Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera y explora la abstract.

Jardín rectoral en Nuenen en primavera, o Jardín de primavera, es la primera pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en 1884 mientras vivía con sus padres en Nuenen. Van Gogh hizo varios dibujos y pinturas al óleo de los jardines circundantes y la fachada del jardín rectoral o parroquial de Nuenen. El lienzo se conservaba en el Groninger Museum de Groninga desde 1962 hasta 2020. La pintura fue robada el 30 de marzo de 2020 en el museo Singer Laren mientras el edificio estaba cerrado al público debido a la Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020.[1] En septiembre de 2023, el detective Arthur Brand, conocido como “El Indiana Jones del Arte”, lo recobró, quedando en manos del Museo Groninger.[2]

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera.

Jardín rectoral en Nuenen en primavera, o Jardín de primavera, es la primera pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en 1884 mientras vivía con sus padres en Nuenen. Van Gogh hizo varios dibujos y pinturas al óleo de los jardines circundantes y la fachada del jardín rectoral o parroquial de Nuenen. El lienzo se conservaba en el Groninger Museum de Groninga desde 1962 hasta 2020. La pintura fue robada el 30 de marzo de 2020 en el museo Singer Laren mientras el edificio estaba cerrado al público debido a la Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020.[1] En septiembre de 2023, el detective Arthur Brand, conocido como “El Indiana Jones del Arte”, lo recobró, quedando en manos del Museo Groninger.[2]

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: ¿Cómo aclara Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera su abstract?

Jardín rectoral en Nuenen en primavera, o Jardín de primavera, es la primera pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en 1884 mientras vivía con sus padres en Nuenen. Van Gogh hizo varios dibujos y pinturas al óleo de los jardines circundantes y la fachada del jardín rectoral o parroquial de Nuenen. El lienzo se conservaba en el Groninger Museum de Groninga desde 1962 hasta 2020. La pintura fue robada el 30 de marzo de 2020 en el museo Singer Laren mientras el edificio estaba cerrado al público debido a la Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020.[1] En septiembre de 2023, el detective Arthur Brand, conocido como “El Indiana Jones del Arte”, lo recobró, quedando en manos del Museo Groninger.[2]

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: En Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera, ¿Cómo se discute la abstract?

Jardín rectoral en Nuenen en primavera, o Jardín de primavera, es la primera pintura al óleo del pintor holandés Vincent van Gogh, realizada en 1884 mientras vivía con sus padres en Nuenen. Van Gogh hizo varios dibujos y pinturas al óleo de los jardines circundantes y la fachada del jardín rectoral o parroquial de Nuenen. El lienzo se conservaba en el Groninger Museum de Groninga desde 1962 hasta 2020. La pintura fue robada el 30 de marzo de 2020 en el museo Singer Laren mientras el edificio estaba cerrado al público debido a la Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020.[1] En septiembre de 2023, el detective Arthur Brand, conocido como “El Indiana Jones del Arte”, lo recobró, quedando en manos del Museo Groninger.[2]

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: Concéntrate en Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera y explora la El tema.

Precedido por una serie de dibujos invernales, esta pintura probablemente se hizo en mayo de 1884. Representa una vista del jardín con una figura vestida de oscuro en primer plano, y en la distancia están las ruinas de la antigua iglesia, también en obras.

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg

Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: Explora la El tema de esta obra de arte, Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera.

Precedido por una serie de dibujos invernales, esta pintura probablemente se hizo en mayo de 1884. Representa una vista del jardín con una figura vestida de oscuro en primer plano, y en la distancia están las ruinas de la antigua iglesia, también en obras.

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg

Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: ¿Cómo aclara Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera su El tema?

Precedido por una serie de dibujos invernales, esta pintura probablemente se hizo en mayo de 1884. Representa una vista del jardín con una figura vestida de oscuro en primer plano, y en la distancia están las ruinas de la antigua iglesia, también en obras.

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg

Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020


Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera

Prompt: En Jardín_rectoral_en_Nuenen_en_primavera, ¿Cómo se discute la El tema?

Precedido por una serie de dibujos invernales, esta pintura probablemente se hizo en mayo de 1884. Representa una vista del jardín con una figura vestida de oscuro en primer plano, y en la distancia están las ruinas de la antigua iglesia, también en obras.

Archivo: Van Gogh - The Parsonage Garden at Nuenen.jpg

Pandemia de enfermedad por coronavirus de 2019-2020


La_lechera

Prompt: Concéntrate en La_lechera y explora la abstract.

La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada, en este caso se supone pintado entre 1658 y 1660,[1] . Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam desde su adquisición en 1908.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_lechera.

La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada, en este caso se supone pintado entre 1658 y 1660,[1] . Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam desde su adquisición en 1908.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: ¿Cómo aclara La_lechera su abstract?

La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada, en este caso se supone pintado entre 1658 y 1660,[1] . Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam desde su adquisición en 1908.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: En La_lechera, ¿Cómo se discute la abstract?

La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada, en este caso se supone pintado entre 1658 y 1660,[1] . Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam desde su adquisición en 1908.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Concéntrate en La_lechera y explora la Descripción de la obra.

En la esquina de una habitación iluminada por una ventana se ve una mujer, probablemente una criada, haciendo su trabajo con la leche de cabra que estaba en una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una mesa. En esta, y en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada.El resto de la habitación es bastante austera; casi desnuda, vacía y sola. Apenas alberga más decoración que un sencillo cesto colgado de una de las paredes. Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Explora la Descripción de la obra de esta obra de arte, La_lechera.

En la esquina de una habitación iluminada por una ventana se ve una mujer, probablemente una criada, haciendo su trabajo con la leche de cabra que estaba en una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una mesa. En esta, y en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada.El resto de la habitación es bastante austera; casi desnuda, vacía y sola. Apenas alberga más decoración que un sencillo cesto colgado de una de las paredes. Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: ¿Cómo aclara La_lechera su Descripción de la obra?

En la esquina de una habitación iluminada por una ventana se ve una mujer, probablemente una criada, haciendo su trabajo con la leche de cabra que estaba en una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una mesa. En esta, y en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada.El resto de la habitación es bastante austera; casi desnuda, vacía y sola. Apenas alberga más decoración que un sencillo cesto colgado de una de las paredes. Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: En La_lechera, ¿Cómo se discute la Descripción de la obra?

En la esquina de una habitación iluminada por una ventana se ve una mujer, probablemente una criada, haciendo su trabajo con la leche de cabra que estaba en una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una mesa. En esta, y en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada.El resto de la habitación es bastante austera; casi desnuda, vacía y sola. Apenas alberga más decoración que un sencillo cesto colgado de una de las paredes. Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Concéntrate en La_lechera y explora la Análisis.

Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad y un gran sosiego; parece mostrar lo grande de las cosas pequeñas.[2] La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua; está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul (realizado con un pigmento, el azul de ultramar, derivado del lapislázuli),[3] y el amarillo, en sorprendente armonía.Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer, una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y limpios.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, La_lechera.

Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad y un gran sosiego; parece mostrar lo grande de las cosas pequeñas.[2] La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua; está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul (realizado con un pigmento, el azul de ultramar, derivado del lapislázuli),[3] y el amarillo, en sorprendente armonía.Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer, una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y limpios.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: ¿Cómo aclara La_lechera su Análisis?

Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad y un gran sosiego; parece mostrar lo grande de las cosas pequeñas.[2] La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua; está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul (realizado con un pigmento, el azul de ultramar, derivado del lapislázuli),[3] y el amarillo, en sorprendente armonía.Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer, una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y limpios.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: En La_lechera, ¿Cómo se discute la Análisis?

Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad y un gran sosiego; parece mostrar lo grande de las cosas pequeñas.[2] La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua; está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul (realizado con un pigmento, el azul de ultramar, derivado del lapislázuli),[3] y el amarillo, en sorprendente armonía.Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer, una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y limpios.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Concéntrate en La_lechera y explora la Características estilísticas.

Es una escena de la vida cotidiana, donde se presenta a una mujer trabajadora. En este caso Vermeer quería poner a la mujer como un ser fuerte y que da ejemplo. Este cuadro tiene realismo, teatralidad y dinamismo y está hecho con un contraste de luces y sombras. Es un óleo sobre lienzo y los trazos son finos.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: Explora la Características estilísticas de esta obra de arte, La_lechera.

Es una escena de la vida cotidiana, donde se presenta a una mujer trabajadora. En este caso Vermeer quería poner a la mujer como un ser fuerte y que da ejemplo. Este cuadro tiene realismo, teatralidad y dinamismo y está hecho con un contraste de luces y sombras. Es un óleo sobre lienzo y los trazos son finos.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: ¿Cómo aclara La_lechera su Características estilísticas?

Es una escena de la vida cotidiana, donde se presenta a una mujer trabajadora. En este caso Vermeer quería poner a la mujer como un ser fuerte y que da ejemplo. Este cuadro tiene realismo, teatralidad y dinamismo y está hecho con un contraste de luces y sombras. Es un óleo sobre lienzo y los trazos son finos.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


La_lechera

Prompt: En La_lechera, ¿Cómo se discute la Características estilísticas?

Es una escena de la vida cotidiana, donde se presenta a una mujer trabajadora. En este caso Vermeer quería poner a la mujer como un ser fuerte y que da ejemplo. Este cuadro tiene realismo, teatralidad y dinamismo y está hecho con un contraste de luces y sombras. Es un óleo sobre lienzo y los trazos son finos.

Archivo:Johannes Vermeer - Het melkmeisje - Google Art Project.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Concéntrate en Reloj_astronómico_de_Praga y explora la abstract.

El Reloj Astronómico de Praga (en checo: Staroměstský orloj) es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en 50°5′13.23″N 14°25′15.30″E. El reloj se encuentra en la pared sur del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja de Praga, siendo una popular atracción turística.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 16.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Reloj_astronómico_de_Praga.

El Reloj Astronómico de Praga (en checo: Staroměstský orloj) es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en 50°5′13.23″N 14°25′15.30″E. El reloj se encuentra en la pared sur del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja de Praga, siendo una popular atracción turística.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: ¿Cómo aclara Reloj_astronómico_de_Praga su abstract?

El Reloj Astronómico de Praga (en checo: Staroměstský orloj) es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en 50°5′13.23″N 14°25′15.30″E. El reloj se encuentra en la pared sur del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja de Praga, siendo una popular atracción turística.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En Reloj_astronómico_de_Praga, ¿Cómo se discute la abstract?

El Reloj Astronómico de Praga (en checo: Staroměstský orloj) es un reloj astronómico medieval localizado en Praga, la capital de la República Checa, situado en 50°5′13.23″N 14°25′15.30″E. El reloj se encuentra en la pared sur del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja de Praga, siendo una popular atracción turística.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Concéntrate en Reloj_astronómico_de_Praga y explora la Descripción.

Los tres principales componentes del reloj son:El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.Las figuras animadas, que incluyen "El paseo de los Apóstoles", un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce apóstoles.El calendario circular con medallones que representan los meses del año.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Reloj_astronómico_de_Praga.

Los tres principales componentes del reloj son:El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.Las figuras animadas, que incluyen "El paseo de los Apóstoles", un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce apóstoles.El calendario circular con medallones que representan los meses del año.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: ¿Cómo aclara Reloj_astronómico_de_Praga su Descripción?

Los tres principales componentes del reloj son:El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.Las figuras animadas, que incluyen "El paseo de los Apóstoles", un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce apóstoles.El calendario circular con medallones que representan los meses del año.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En Reloj_astronómico_de_Praga, ¿Cómo se discute la Descripción?

Los tres principales componentes del reloj son:El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.Las figuras animadas, que incluyen "El paseo de los Apóstoles", un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce apóstoles.El calendario circular con medallones que representan los meses del año.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Concéntrate en Reloj_astronómico_de_Praga y explora la Cuadrante astronómico.

El cuadrante astronómico tiene forma de astrolabio, instrumento usado en la astronomía medieval y en la navegación hasta la invención del sextante. Tiene pintado sobre ella representaciones de la Tierra y el cielo, así como de los elementos que lo rodean, especialmente por cuatro componentes principales: el anillo zodiacal, el anillo de rotación, el icono que representa al sol y el icono que representa a la luna.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Explora la Cuadrante astronómico de esta obra de arte, Reloj_astronómico_de_Praga.

El cuadrante astronómico tiene forma de astrolabio, instrumento usado en la astronomía medieval y en la navegación hasta la invención del sextante. Tiene pintado sobre ella representaciones de la Tierra y el cielo, así como de los elementos que lo rodean, especialmente por cuatro componentes principales: el anillo zodiacal, el anillo de rotación, el icono que representa al sol y el icono que representa a la luna.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: ¿Cómo aclara Reloj_astronómico_de_Praga su Cuadrante astronómico?

El cuadrante astronómico tiene forma de astrolabio, instrumento usado en la astronomía medieval y en la navegación hasta la invención del sextante. Tiene pintado sobre ella representaciones de la Tierra y el cielo, así como de los elementos que lo rodean, especialmente por cuatro componentes principales: el anillo zodiacal, el anillo de rotación, el icono que representa al sol y el icono que representa a la luna.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En Reloj_astronómico_de_Praga, ¿Cómo se discute la Cuadrante astronómico?

El cuadrante astronómico tiene forma de astrolabio, instrumento usado en la astronomía medieval y en la navegación hasta la invención del sextante. Tiene pintado sobre ella representaciones de la Tierra y el cielo, así como de los elementos que lo rodean, especialmente por cuatro componentes principales: el anillo zodiacal, el anillo de rotación, el icono que representa al sol y el icono que representa a la luna.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En el contexto de Reloj_astronómico_de_Praga, explora la Fondo y Cuadrante astronómico.

El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. Las áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj (el este), encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día (el formato estándar), marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Explora la Fondo sobre la Cuadrante astronómico de esta obra de arte, Reloj_astronómico_de_Praga.

El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. Las áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj (el este), encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día (el formato estándar), marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En Reloj_astronómico_de_Praga, ¿Cómo se aclara la Fondo de la Cuadrante astronómico?

El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. Las áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj (el este), encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día (el formato estándar), marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Describe las características de la Fondo en la Cuadrante astronómico de Reloj_astronómico_de_Praga.

El fondo representa a la Tierra y la visión local del cielo. El círculo azul del centro representa nuestro planeta y el azul más oscuro la visión del cielo desde el horizonte. Las áreas rojas y negras indican las partes del cielo que se encuentran sobre el horizonte. Durante el día el sol se sitúa en la zona azul del fondo, durante el amanecer y el atardecer sobre la zona roja, mientras que por la noche pasa a situarse en la zona oscura. A la izquierda del reloj (el este), encontramos la aurora y el amanecer; mientras en el oeste encontramos el ocaso y el crepúsculo.Los números dorados del círculo azul representan las 24 horas del día (el formato estándar), marcando la hora civil de Praga. Pero encontramos también la división de 12 horas, que se definen por el tiempo entre el amanecer y el anochecer y que varía según la duración del día dependiendo de la estación del año.

Archivo:Prazsky orloj sochy filozof a andel.jpg

Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

Archivo:Prazsky orloj sochy apostolove.jpg

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

Archivo:Prazsky orloj sochy astronom a kronikar.jpg

Archivo:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

Categoría:Torres del reloj de la República Checa

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 16.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 15.jpg


Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En el contexto de Reloj_astronómico_de_Praga, explora la Anillo zodiacal y Cuadrante astronómico.

En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. La disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. La pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

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Archivo:Reloj Astronómico, Praga, República Checa, 2022-07-02, DD 13.jpg

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Explora la Anillo zodiacal sobre la Cuadrante astronómico de esta obra de arte, Reloj_astronómico_de_Praga.

En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. La disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. La pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

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Categoría:Torres del reloj de la República Checa

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Anexo:Patrimonio de la Humanidad en Europa

Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En Reloj_astronómico_de_Praga, ¿Cómo se aclara la Anillo zodiacal de la Cuadrante astronómico?

En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. La disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. La pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.

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Categoría:Arquitectura de la República Checa del siglo XV

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Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: Describe las características de la Anillo zodiacal en la Cuadrante astronómico de Reloj_astronómico_de_Praga.

En el interior del círculo negro se encuentra otro círculo con los signos del zodiaco, indicando la localización del sol en la eclíptica. Los signos son mostrados en orden inverso al sentido del reloj. En la fotografía que acompaña a este artículo, el Sol se encuentra en la constelación de Cáncer y moviéndose hacia la de Leo. La disposición del círculo zodiacal corresponde al uso de la proyección estereográfica del plano eclíptico que usa el Polo Norte como base de la proyección. Esta disposición es común en cualquier reloj astrológico de este periodo. La pequeña estrella dorada muestra la posición del equinoccio vernal; de esta forma los números romanos también podrían servir para medir el tiempo sideral.

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Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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Reloj_astronómico_de_Praga

Prompt: En el contexto de Reloj_astronómico_de_Praga, explora la Escala de tiempo de la antigua Bohemia y Cuadrante astronómico.

En el borde exterior del reloj, el número Schwabacher dorado se encuentra sobre el fondo negro. Estos números indican las horas en la antigua Bohemia, que empieza con el 1 del anochecer. Los anillos se van moviendo durante el año y coinciden con el tiempo solar.

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Reloj y Calendario del Ayuntamiento de Praga.

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