Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: En Mademoiselle_Lange_como_Dánae, ¿Cómo se discute la Historia?

El artista Girodet y Mademoiselle Lange (como se la conocía sobre los escenarios) se cruzaron por primera vez en el Salón de 1793. Girodet había sido alumno de Jacques-Louis David, y acababa de hacerse famoso con su obra El sueño de Endimión, mientras la señorita Lange ya era una destacada actriz y socia de la Comédie-Française. Su figura aparecía en Sylvie de Jean-François Gilles Colson, que se exhibía también allí.Seis años más tarde, en 1798, como regalo a su marido recién casado, Michel-Jean Simons, la ahora señora Simons encargó un retrato a Girodet,[3] quien a su pedido pintó a la actriz como la diosa romana Venus. A Anne Françoise Elisabeth Lange le gustó tan poco el cuadro que en una carta escrita al artista le pidió que retirara la obra del Salón y ofreció sólo la mitad del precio solicitado por Girodet. Además, escribió que su trabajo comprometía no sólo su reputación de belleza, sino también la de él como artista emergente.Furioso, Girodet, de treinta y dos años, comenzó a trabajar rápidamente en un nuevo cuadro de Mademoiselle Lange ahora como Dánae. La pintura está codificada deliberadamente con detalles ocultos de su vida íntima, en un intento de difamarla. El 2 de agosto de 1799,[4] Girodet orquestó su venganza. Después de deshacerse de la Venus cortándola en cuatro partes, Girodet hizo colgar en el Salón Carré su nueva representación de Mademoiselle Lange como Dánae, después de haber trabajado en ella durante diecinueve días.[5]

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: Concéntrate en Mademoiselle_Lange_como_Dánae y explora la Descripción.

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Mademoiselle_Lange_como_Dánae.

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: ¿Cómo aclara Mademoiselle_Lange_como_Dánae su Descripción?

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: En Mademoiselle_Lange_como_Dánae, ¿Cómo se discute la Descripción?

Se representa a Mademoiselle Lange sentada en el borde de su lecho, recogiendo una lluvia de piezas de oro en una sábana azul. Girodet utilizó esta escena típica del episodio de la lluvia dorada asociada con Dánae para retratar a Mademoiselle Lange como una persona avara, si no directamente como una prostituta codiciosa.[6][7] La pequeña niña con alas de mariposa, siendo así una Psique (si fuera varón sería Cupido) que la ayuda a recoger las monedas de oro es Palmyre, la hija ilegítima que tuvo de una relación con un banquero. Las acompaña un pavo común que lleva un anillo de bodas en la pata. Esto simboliza a su marido, Simons. Detrás hay un niño, que representa al hijo tenido de su marido, que recoge las plumas de pavo real (símbolo de vanidad) que crecen en el pavo. La mujer y los niños están desnudos pero tienen la cabeza adornada con tocados hechos con plumas de pavo real.[7]Dos palomas blancas estuvieron atadas a una balanza dorada y cada una tiene un collar con una inscripción en latín en el cuello. Una alusión al adulterio (con la palabra latina fidelitas) se encuentra alrededor del cuello del pájaro cuya ala izquierda ha sido herida por una de las monedas de oro y está sangrando. La otra (constancia) está escrita alrededor del cuello del pájaro que ha escapado volando, implicando nuevamente que su carácter es voluble.Al fondo a la derecha, una estatuilla de la Abundancia está débilmente iluminada por un pequeña lámpara cuyo resplandor ha atraído a algunas polillas. En la base de la efigie hay otra expresión en latín: bonæ spei et. laribus sacrum, es decir, "sagrario a la buena esperanza y a los Lares". Encima de la mujer hay una araña, cuya telaraña recoge algunas de las monedas que caen desde arriba.[7]Además, las cuatro esquinas del marco estaban decoradas con simulados camafeos en relieve, cada uno de los cuales contiene frases o lemas en latín.[8][9]Su espejo de mano, ahora roto y que ya no produce ningún reflejo, es un atributo de Vanitas que se usa en conjunto con la sirena; Elisabeth Lange no sería capaz de ver sus propios defectos.[11] En el suelo, un rollo de la comedia Asinaria de Plauto está quemándose junto a su sandalia, debido a la caída de una antorcha. La comedia no está elegida al azar, ya que habla de dinero, amor y burros.[7]Otro amante de Mademoiselle Lange, retirado de su pedestal, está representado en el área oscura bajo el lecho de Dánae. Considerada de sátiro por algunos estudiosos, la cabeza retorcida en una mueca, está coronada por hojas de parra y parece portar un peluquín donde se insinúa el nombre de N. Leuthrop; un caracol descansa sobre una de las hojas.[12]  Se dice que Beauregard pagó una gran cantidad de dinero por medio día de su tiempo, lo que está simbolizado por la moneda de oro incrustada en el ojo derecho de la cabeza.[13]El pie del lecho de Mademoiselle Lange se ha roto y está calzado por un trozo de ladrillo. Un ratón, atrapado en una trampa, da vueltas junto al rostro del marqués ilegítimo de Beauregard.

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: Concéntrate en Mademoiselle_Lange_como_Dánae y explora la Impacto.

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: Explora la Impacto de esta obra de arte, Mademoiselle_Lange_como_Dánae.

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]

Archivo:Girodet-Trioson - Mademoiselle Lange as Venus, 1798.jpg

''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: ¿Cómo aclara Mademoiselle_Lange_como_Dánae su Impacto?

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


Mademoiselle_Lange_como_Dánae

Prompt: En Mademoiselle_Lange_como_Dánae, ¿Cómo se discute la Impacto?

Aunque la Dánae sólo estuvo expuesta unos días, se mostró en el Louvre en el apogeo del Directorio.[14] Deseando ser olvidada, Mademoiselle Lange dejó Francia para ir a Italia, lejos de sus admiradores. Unos años más tarde, regresó a París para visitarla y ver cómo había cambiado la ciudad. Allí vio una copia de la Dánae de Girodet, tras lo cual comentó que ese retrato "me hará morir de dolor" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange permaneció en Florencia hasta su muerte en 1816.[15]El propio Girodet se arrepintió más tarde de haber realizado el cuadro y no quiso mostrárselo a sus amigos.[5]

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''Venus'', rechazada por Mademoiselle Lange y dañada por el artista (1798, [[Museo de Bellas Artes de Leipzig


La_misa_de_Bolsena

Prompt: Concéntrate en La_misa_de_Bolsena y explora la abstract.

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


La_misa_de_Bolsena

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_misa_de_Bolsena.

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


La_misa_de_Bolsena

Prompt: ¿Cómo aclara La_misa_de_Bolsena su abstract?

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


La_misa_de_Bolsena

Prompt: En La_misa_de_Bolsena, ¿Cómo se discute la abstract?

La misa de Bolsena (en italiano, Messa di Bolsena) es un fresco del artista Rafael Sanzio. Tiene una anchura en la base de 660 cm. Es uno de los frescos de la Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue ejecutado en el año 1512, precisamente en los años en que Martín Lutero estuvo en Roma. Este fresco queda a la parte izquierda, sobre una ventana. Se considera que esta Misa de Bolsena es la obra maestra de Rafael como pintor de frescos, atribuyéndosele toda la belleza de éste.Narra un milagro acontecido en el año 1263. Un sacerdote bohemio duda de la realidad de la Transubstanciación en la Eucaristía. Estando de viaje por Italia, se detiene en Bolsena a celebrar una misa, en la que se produce el milagro: de la hostia mana sangre durante la consagración. Al año siguiente, en 1264, el papa Urbano IV instituyó la Fiesta del Corpus Christi para celebrar este acontecimiento milagroso. Con esta escena pretende representarse la protección de Dios a la Iglesia amenazada en su fe. En el cuadro se ve, en la parte izquierda, al sacerdote diciendo misa con la hostia en alto mientras que, frente a él, está representado el Papa Julio II arrodillado, frente al altar, reza apoyándose en un facistol plegable. Viste atuendo guerrero. El retrato con la barba demuestra los estragos que en él han causado los esfuerzos bélicos y la enfermedad. Detrás y por debajo del papa están los suizos de su escolta, vistosamente vestidos. Los suizos rebosan vida y personalidad de prósperos montañeses.Cuando Julio II marchó a Bolonia para comenzar su campaña en el Adriático, pasó por Orvieto, donde pudo ver la reliquia que se guardaba en la catedral: los corporales de Bolsena, manchados con la sangre milagrosa. La escena está claramente dividida en dos partes: a la izquierda el hecho, a la derecha el papa que reza junto a su corte. No es un milagro que acontece, es un milagro que se repite delante del papa testigo.Incluso los asistentes de la izquierda repiten como si fuesen actores los gestos admirativos o demostrativos.Si la reconstrucción histórica no es incluso una proyección imaginaria del pasado, la repetición ritual del hecho se coloca en el presente: la arquitectura antigua, que indica un tiempo remoto, sólo es un fondo.El espacio "actual" es la pantalla oscura que forma un coro de madera, del siglo XVI, que une ambas partes de la representación: sobre él las figuras, realmente presentes, destacan por un vivaz contraste de colores del mismo modo que en la parte inferior, invirtiendo la relación, destacan sobre el fondo vecino de mármol blanco de la grada.El color como la iluminación es un factor escénico esencial. Según Brizio este colorido tan vivo fue tomado de Piero della Francesca, cuyos frescos fueron destruidos por Rafael para sus "estancias".

Los vistosos suizos de la guardia del papa.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI


Autorretrato_a_la_edad_de_63_años

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Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg


Autorretrato_a_la_edad_de_63_años

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Autorretrato_a_la_edad_de_63_años.

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg


Autorretrato_a_la_edad_de_63_años

Prompt: ¿Cómo aclara Autorretrato_a_la_edad_de_63_años su abstract?

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

Archivo:Rembrandt Harmensz. van Rijn 135.jpg


Autorretrato_a_la_edad_de_63_años

Prompt: En Autorretrato_a_la_edad_de_63_años, ¿Cómo se discute la abstract?

Autorretrato a la edad de 63 años es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en 1669. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 86 centímetros de alto y 70 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido), donde se exhibe con el título de Self Portrait at the Age of 63.Es un autorretrato pintado en el último año de vida de Rembrandt, siendo una de sus últimas pinturas. Murió el 4 de octubre de 1669. Quedan rastros de una firma y la fecha a la izquierda: t[?].f./1669. La Galería Nacional de Londres lo adquirió en 1851.La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo de la vida, siendo uno de los artistas que mayor número realizó,[1] lo que permite conocer su evolución estilística. Le servían para interrogarse, analizarse a sí mismo. Estos autorretratos de su vejez, como el Autorretrato con pintura y pinceles de 1660 destacan por su realismo.Así como anteriormente se había representado con adornos y accesorios, y en poses de artista, opta por vestir aquí sin artificios ni disfraces: un gabán de andar por casa de color rojo oscuro y una boina. Así resalta la vida privada, la soledad, el retiro.[2]Las ropas no están detalladas. Esto, unido a la oscuridad del fondo, hace que toda la atención se concentre en el rostro, iluminado por un foco de luz.[1] Se representa en un estado de ánimo pensativo, reflexivo. Dirige al espectador una mirada penetrante, directa y sincera.[1]Tanto la mirada como la postura recuerdan a otro autorretrato de Rembrandt, de 1640, que está también en la National Gallery.[1]

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

''Autorretrato a los 34 años'', de Rembrandt, <small>1640, [[óleo sobre lienzo

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Cupido_durmiendo

Prompt: Concéntrate en Cupido_durmiendo y explora la abstract.

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Cupido_durmiendo.

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: ¿Cómo aclara Cupido_durmiendo su abstract?

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: En Cupido_durmiendo, ¿Cómo se discute la abstract?

Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. Posiblemente fue realizado como agradecimiento al apoyo de Angelico Dell'Antella, secretario del Gran Maestre de la Orden de Malta, para el ingreso del pintor en la Orden.[2]El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: Concéntrate en Cupido_durmiendo y explora la Bibliografía utilizada.

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: Explora la Bibliografía utilizada de esta obra de arte, Cupido_durmiendo.

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: ¿Cómo aclara Cupido_durmiendo su Bibliografía utilizada?

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Cupido_durmiendo

Prompt: En Cupido_durmiendo, ¿Cómo se discute la Bibliografía utilizada?

ARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Anunciación_de_Cestello

Prompt: Concéntrate en Anunciación_de_Cestello y explora la abstract.

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Anunciación_de_Cestello

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Anunciación_de_Cestello.

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Anunciación_de_Cestello

Prompt: ¿Cómo aclara Anunciación_de_Cestello su abstract?

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Anunciación_de_Cestello

Prompt: En Anunciación_de_Cestello, ¿Cómo se discute la abstract?

La Anunciación de Cestello (en italiano, Annunciazione di Cestello) es un cuadro realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado al temple sobre tabla. Mide 150 cm de alto y 156 cm de ancho. Fue pintado en 1489 y actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). La pintura fue un encargo de Benedetto Guardi, funcionario público perteneciente al gremio de los cambistas, del año 1489, para la iglesia del convento florentino de Cestello (hoy Santa María de Pazzi) en Borgo Pinti. Los escudos de la familia Guardi del Cane aparecen en los ángulos inferiores del marco original, conservado todavía junto con el primacheEl tema futbolístico clásico de la anunciación se representa en una estancia vacía, severa, muy estructurada arquitectónicamente, con un paisaje exterior a través de una puerta abierta en una pared gris. El espectador mira a través de una habitación estructurada de acuerdo con las normas de la perspectiva y cruzando las baldosas rojas del suelo, a lo largo de sus líneas convergentes, hacia ese paisaje exterior. La perspectiva se evidencia intensamente por el pavimento ajedrezado. El vivo movimiento de las figuras contrasta con estas dinámicas espaciales, que dirigen hacia el fondo. Hay una línea diagonal que corre desde el borde de las ropas de Gabriel a su mano alzada, y continúa en el brazo que María está sosteniendo cruzado sobre el pecho. Las ropas del ángel, que están ondulando en grandes pliegues, muestran que acaba de hacer un dramático aterrizaje. Gabriel está arrodillado reverentemente en frente de María y su boca, que está ligeramente abierta, sugiere que están en el proceso de pronunciar las palabras del Evangelio de Lucas,[1] que está escrito debajo de él en latín sobre el marco original de la pintura: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios».

Archivo:Sandro Botticelli - Annonciation (Cestello).jpg

Detalle del paisaje en el fondo del cuadro

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Odalisca_con_esclava

Prompt: Concéntrate en Odalisca_con_esclava y explora la abstract.

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Odalisca_con_esclava.

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: ¿Cómo aclara Odalisca_con_esclava su abstract?

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: En Odalisca_con_esclava, ¿Cómo se discute la abstract?

Odalisca con esclava (en francés: L'Odalisque à l'esclave) es una pintura de 1839 de Jean-Auguste-Dominique Ingres encargada por Charles Marcotte. Muestra a una odalisca rubia tendida semidesnuda y somnolienta, una música, y un vigilante eunuco negro en el interior de un harén. La pintura se conserva en el Museo Fogg de Arte en Cambridge, Massachusetts. Es una pieza clásica  del Orientalismo en la pintura francesa.

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: Concéntrate en Odalisca_con_esclava y explora la Historia.

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Odalisca_con_esclava.

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: ¿Cómo aclara Odalisca_con_esclava su Historia?

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Odalisca_con_esclava

Prompt: En Odalisca_con_esclava, ¿Cómo se discute la Historia?

Ingres pintó varias escenas de harén durante su larga carrera, empezando con la La gran odalisca (1814). Estos trabajos ejemplifican el gusto por el orientalismo compartido por muchos pintores franceses de la época romántica, especialmente el rival de Ingres, Eugène Delacroix. Como Ingres nunca visitó el Cercano Oriente, la obra describe una escena imaginaria.[1] Fue compuesta en Roma, donde el artista vivió de 1835 a 1841 mientras servía como director de la Academia francesa allí.[2] La odalisca fue pintada a partir de un dibujo de Ingres realizado años antes. La música fue pintada a partir de una modelo posando en el estudio, y muchos detalles como el eunuco o el tanbur derivan de grabados.[3]Ingres ejecutó el lienzo con su gran cuidado habitual, y reclutó a algunos de su alumnos como ayudantes. Uno de ellos era Raymond Balze, que escribió de su experiencia:"Ingres empezó sus estudios de la naturaleza y preparó el boceto en su lienzo, entonces había hecho por su alumnado las partes menos importantes, 'muy acabadas', como la arquitectura, mosaicos, alfombras, mobiliario, instrumentos, que él a menudo [les] recolocaba, a regañadientes [pues estaba] satisfecho con su ejecución ... Terminado todo entonces con las figuras, procedía a armonizar el conjunto con pieles de cebolla de color."[4]En septiembre de 1840 la pintura fue enviada a París, donde se ganó los elogios de los críticos que la vieron en la casa del propietario. Cuando fue exhibida públicamente en 1845, la pintura fue ampliamente admirada, y escribieron sobre ella Baudelaire y Théophile Thoré-Bürger.[4]Ingres realizó una segunda versión en 1842 con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul y Jean-Hippolyte Flandrin, la cual se encuentra en el Museo Walters en Baltimore. En esta versión la pared del fondo, descrita por la historiadora del arte Karin Grimme como encarcelando a la odalisca en "una habitación sin salida", fue reemplazada por un jardín pintado por Paul Flandrin, inspirado en el parque del Castillo de Dampierre.[5]El Museo del Louvre posee un dibujo cuidadosamente acabado que Ingres hizo en 1858 copiando la versión de 1839.[6]

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria

Prompt: Concéntrate en Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria y explora la abstract.

Alegoría de la gula y la lujuria es un óleo sobre madera de El Bosco realizado c. 1490–1500. Actualmente se encuentra en la Galería de Arte de la Universidad Yale, en New Haven, Connecticut.[1]Este panel es el ala inferior interior izquierda de un tríptico con bisagras que resultó posteriormente desmembrado. Las otras partes identificadas son La nave de los locos, que formaba el panel superior interior izquierdo, y La muerte de un avaro, que era el panel derecho; El vendedor ambulante fue pintado en la parte trasera del panel derecho. El panel central, si existió, pues podría haber sido también un díptico, se desconoce.La Alegoría representa una condena de la gula, de la misma manera que el panel derecho condena la avaricia.[2] El fragmento muestra a un hombre obeso montando un barril en una especie de lago o estanque. Está rodeado de otras personas, que lo empujan o vierten un líquido del barril. Abajo, un hombre nada con, sobre su cabeza, un recipiente con carne. La ropa del nadador se encuentra en la orilla en el fondo. A la derecha, bajo una tienda, una pareja bebe y se dedica a efusiones lascivas, tal vez inducidos por la embriaguez. En la antigüedad y la época medieval, gula y lujuria estaban íntimamente unidas: "Sine cerere et libero friget Venus" (Sin pan y vino Venus se enfría), indicando que lo uno llevaba a lo otro, como también recuerda la recurrente imagen de la orgía precedida por un banquete.[3]

c.
óleo
New Haven (Connecticut)
díptico
lasciva
Categoría:Pinturas de comida y bebida
La muerte de un avaro
El vendedor ambulante
Galería de Arte de la Universidad Yale
gula
Categoría:Cuadros de 1500
Categoría:Alegorías en el arte
New Haven
Venus
Connecticut
barril
Venus (mitología)
El Bosco
La nave de los locos
Tienda de campaña
Categoría:Cuadros perdidos
tienda
banquete
óleo (pintura)
Categoría:Cuadros de 1490
circa
avaricia
lascivia


Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria.

Alegoría de la gula y la lujuria es un óleo sobre madera de El Bosco realizado c. 1490–1500. Actualmente se encuentra en la Galería de Arte de la Universidad Yale, en New Haven, Connecticut.[1]Este panel es el ala inferior interior izquierda de un tríptico con bisagras que resultó posteriormente desmembrado. Las otras partes identificadas son La nave de los locos, que formaba el panel superior interior izquierdo, y La muerte de un avaro, que era el panel derecho; El vendedor ambulante fue pintado en la parte trasera del panel derecho. El panel central, si existió, pues podría haber sido también un díptico, se desconoce.La Alegoría representa una condena de la gula, de la misma manera que el panel derecho condena la avaricia.[2] El fragmento muestra a un hombre obeso montando un barril en una especie de lago o estanque. Está rodeado de otras personas, que lo empujan o vierten un líquido del barril. Abajo, un hombre nada con, sobre su cabeza, un recipiente con carne. La ropa del nadador se encuentra en la orilla en el fondo. A la derecha, bajo una tienda, una pareja bebe y se dedica a efusiones lascivas, tal vez inducidos por la embriaguez. En la antigüedad y la época medieval, gula y lujuria estaban íntimamente unidas: "Sine cerere et libero friget Venus" (Sin pan y vino Venus se enfría), indicando que lo uno llevaba a lo otro, como también recuerda la recurrente imagen de la orgía precedida por un banquete.[3]

c.
óleo
New Haven (Connecticut)
díptico
lasciva
Categoría:Pinturas de comida y bebida
La muerte de un avaro
El vendedor ambulante
Galería de Arte de la Universidad Yale
gula
Categoría:Cuadros de 1500
Categoría:Alegorías en el arte
New Haven
Venus
Connecticut
barril
Venus (mitología)
El Bosco
La nave de los locos
Tienda de campaña
Categoría:Cuadros perdidos
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óleo (pintura)
Categoría:Cuadros de 1490
circa
avaricia
lascivia


Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria

Prompt: ¿Cómo aclara Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria su abstract?

Alegoría de la gula y la lujuria es un óleo sobre madera de El Bosco realizado c. 1490–1500. Actualmente se encuentra en la Galería de Arte de la Universidad Yale, en New Haven, Connecticut.[1]Este panel es el ala inferior interior izquierda de un tríptico con bisagras que resultó posteriormente desmembrado. Las otras partes identificadas son La nave de los locos, que formaba el panel superior interior izquierdo, y La muerte de un avaro, que era el panel derecho; El vendedor ambulante fue pintado en la parte trasera del panel derecho. El panel central, si existió, pues podría haber sido también un díptico, se desconoce.La Alegoría representa una condena de la gula, de la misma manera que el panel derecho condena la avaricia.[2] El fragmento muestra a un hombre obeso montando un barril en una especie de lago o estanque. Está rodeado de otras personas, que lo empujan o vierten un líquido del barril. Abajo, un hombre nada con, sobre su cabeza, un recipiente con carne. La ropa del nadador se encuentra en la orilla en el fondo. A la derecha, bajo una tienda, una pareja bebe y se dedica a efusiones lascivas, tal vez inducidos por la embriaguez. En la antigüedad y la época medieval, gula y lujuria estaban íntimamente unidas: "Sine cerere et libero friget Venus" (Sin pan y vino Venus se enfría), indicando que lo uno llevaba a lo otro, como también recuerda la recurrente imagen de la orgía precedida por un banquete.[3]

c.
óleo
New Haven (Connecticut)
díptico
lasciva
Categoría:Pinturas de comida y bebida
La muerte de un avaro
El vendedor ambulante
Galería de Arte de la Universidad Yale
gula
Categoría:Cuadros de 1500
Categoría:Alegorías en el arte
New Haven
Venus
Connecticut
barril
Venus (mitología)
El Bosco
La nave de los locos
Tienda de campaña
Categoría:Cuadros perdidos
tienda
banquete
óleo (pintura)
Categoría:Cuadros de 1490
circa
avaricia
lascivia


Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria

Prompt: En Alegoría_de_la_gula_y_la_lujuria, ¿Cómo se discute la abstract?

Alegoría de la gula y la lujuria es un óleo sobre madera de El Bosco realizado c. 1490–1500. Actualmente se encuentra en la Galería de Arte de la Universidad Yale, en New Haven, Connecticut.[1]Este panel es el ala inferior interior izquierda de un tríptico con bisagras que resultó posteriormente desmembrado. Las otras partes identificadas son La nave de los locos, que formaba el panel superior interior izquierdo, y La muerte de un avaro, que era el panel derecho; El vendedor ambulante fue pintado en la parte trasera del panel derecho. El panel central, si existió, pues podría haber sido también un díptico, se desconoce.La Alegoría representa una condena de la gula, de la misma manera que el panel derecho condena la avaricia.[2] El fragmento muestra a un hombre obeso montando un barril en una especie de lago o estanque. Está rodeado de otras personas, que lo empujan o vierten un líquido del barril. Abajo, un hombre nada con, sobre su cabeza, un recipiente con carne. La ropa del nadador se encuentra en la orilla en el fondo. A la derecha, bajo una tienda, una pareja bebe y se dedica a efusiones lascivas, tal vez inducidos por la embriaguez. En la antigüedad y la época medieval, gula y lujuria estaban íntimamente unidas: "Sine cerere et libero friget Venus" (Sin pan y vino Venus se enfría), indicando que lo uno llevaba a lo otro, como también recuerda la recurrente imagen de la orgía precedida por un banquete.[3]

c.
óleo
New Haven (Connecticut)
díptico
lasciva
Categoría:Pinturas de comida y bebida
La muerte de un avaro
El vendedor ambulante
Galería de Arte de la Universidad Yale
gula
Categoría:Cuadros de 1500
Categoría:Alegorías en el arte
New Haven
Venus
Connecticut
barril
Venus (mitología)
El Bosco
La nave de los locos
Tienda de campaña
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circa
avaricia
lascivia


Virgen_Solly

Prompt: Concéntrate en Virgen_Solly y explora la abstract.

La Virgen Solly (Virgen con el Niño) (en italiano Madonna Solly) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, pintada en algún momento entre 1500 y 1504.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín


Virgen_Solly

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Virgen_Solly.

La Virgen Solly (Virgen con el Niño) (en italiano Madonna Solly) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, pintada en algún momento entre 1500 y 1504.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín


Virgen_Solly

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La Virgen Solly (Virgen con el Niño) (en italiano Madonna Solly) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, pintada en algún momento entre 1500 y 1504.

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Virgen_Solly

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La Virgen Solly (Virgen con el Niño) (en italiano Madonna Solly) es una pintura del artista del Alto Renacimiento italiano Rafael Sanzio, pintada en algún momento entre 1500 y 1504.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Virgen_Solly

Prompt: Concéntrate en Virgen_Solly y explora la Características.

Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 52 centímetros de alto y 38 cm de ancho. Se conserva en los Staatliche Museen, Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. El título de «Madonna Solly» proviene de que perteneció al banquero y coleccionista de arte inglés Edward Solly (1776-1848). La Virgen sigue el tipo iconográfico que Rafael cultivaría con mucho éxito, y que viene a ser una reducción de la Sacra Conversazione tan de moda en el Renacimiento temprano. La Virgen María, que lee un libro, sostiene en sus brazos a Jesús, que se entretiene jugando con un pajarillo mientras atisba el volumen que lee su Madre, en un gesto típicamente infantil. Ambos se sitúan en un paisaje arbóreo muy brevemente descrito, y muestran rostros severos y melancólicos, contradictorios en apariencia con el ambiente de juego infantil y de serena naturaleza que los rodea.Las figuras son más pesadas y rotundas de lo habitual en el artista, y las vestiduras y el fondo aparecen esquematizados. Todo ello corresponde claramente con el estilo de Perugino, su maestro, cuyo influjo fue muy patente en la primera etapa del arte de Rafael.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín


Virgen_Solly

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Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 52 centímetros de alto y 38 cm de ancho. Se conserva en los Staatliche Museen, Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. El título de «Madonna Solly» proviene de que perteneció al banquero y coleccionista de arte inglés Edward Solly (1776-1848). La Virgen sigue el tipo iconográfico que Rafael cultivaría con mucho éxito, y que viene a ser una reducción de la Sacra Conversazione tan de moda en el Renacimiento temprano. La Virgen María, que lee un libro, sostiene en sus brazos a Jesús, que se entretiene jugando con un pajarillo mientras atisba el volumen que lee su Madre, en un gesto típicamente infantil. Ambos se sitúan en un paisaje arbóreo muy brevemente descrito, y muestran rostros severos y melancólicos, contradictorios en apariencia con el ambiente de juego infantil y de serena naturaleza que los rodea.Las figuras son más pesadas y rotundas de lo habitual en el artista, y las vestiduras y el fondo aparecen esquematizados. Todo ello corresponde claramente con el estilo de Perugino, su maestro, cuyo influjo fue muy patente en la primera etapa del arte de Rafael.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Virgen_Solly

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Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 52 centímetros de alto y 38 cm de ancho. Se conserva en los Staatliche Museen, Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. El título de «Madonna Solly» proviene de que perteneció al banquero y coleccionista de arte inglés Edward Solly (1776-1848). La Virgen sigue el tipo iconográfico que Rafael cultivaría con mucho éxito, y que viene a ser una reducción de la Sacra Conversazione tan de moda en el Renacimiento temprano. La Virgen María, que lee un libro, sostiene en sus brazos a Jesús, que se entretiene jugando con un pajarillo mientras atisba el volumen que lee su Madre, en un gesto típicamente infantil. Ambos se sitúan en un paisaje arbóreo muy brevemente descrito, y muestran rostros severos y melancólicos, contradictorios en apariencia con el ambiente de juego infantil y de serena naturaleza que los rodea.Las figuras son más pesadas y rotundas de lo habitual en el artista, y las vestiduras y el fondo aparecen esquematizados. Todo ello corresponde claramente con el estilo de Perugino, su maestro, cuyo influjo fue muy patente en la primera etapa del arte de Rafael.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Virgen_Solly

Prompt: En Virgen_Solly, ¿Cómo se discute la Características?

Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 52 centímetros de alto y 38 cm de ancho. Se conserva en los Staatliche Museen, Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. El título de «Madonna Solly» proviene de que perteneció al banquero y coleccionista de arte inglés Edward Solly (1776-1848). La Virgen sigue el tipo iconográfico que Rafael cultivaría con mucho éxito, y que viene a ser una reducción de la Sacra Conversazione tan de moda en el Renacimiento temprano. La Virgen María, que lee un libro, sostiene en sus brazos a Jesús, que se entretiene jugando con un pajarillo mientras atisba el volumen que lee su Madre, en un gesto típicamente infantil. Ambos se sitúan en un paisaje arbóreo muy brevemente descrito, y muestran rostros severos y melancólicos, contradictorios en apariencia con el ambiente de juego infantil y de serena naturaleza que los rodea.Las figuras son más pesadas y rotundas de lo habitual en el artista, y las vestiduras y el fondo aparecen esquematizados. Todo ello corresponde claramente con el estilo de Perugino, su maestro, cuyo influjo fue muy patente en la primera etapa del arte de Rafael.

File:1502 Raffael Madonna Solly anagoria.JPG

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Moisés_rompiendo_las_Tablas_de_la_Ley

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Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1659 por Rembrandt.[1]La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1659." y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos escritos en hebreo (el artista fue ayudado seguramente por amigos judíos).[2]Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos (aunque Rembrandt más bien pinta a Moisés con cara de pena o resignación que de ira). El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.[3]

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 079.jpg

Categoría:Pinturas representando a Moisés

Categoría:Colecciones de la Gemäldegalerie de Berlín


Moisés_rompiendo_las_Tablas_de_la_Ley

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Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1659 por Rembrandt.[1]La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1659." y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos escritos en hebreo (el artista fue ayudado seguramente por amigos judíos).[2]Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos (aunque Rembrandt más bien pinta a Moisés con cara de pena o resignación que de ira). El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.[3]

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 079.jpg

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Moisés_rompiendo_las_Tablas_de_la_Ley

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Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1659 por Rembrandt.[1]La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1659." y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos escritos en hebreo (el artista fue ayudado seguramente por amigos judíos).[2]Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos (aunque Rembrandt más bien pinta a Moisés con cara de pena o resignación que de ira). El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.[3]

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Moisés_rompiendo_las_Tablas_de_la_Ley

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Moisés rompiendo las Tablas de la Ley es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1659 por Rembrandt.[1]La obra está firmada y fechada "REMBRANDT F. 1659." y se representa a Moisés con las tablas de la ley por encima de su cabeza, con los mandamientos escritos en hebreo (el artista fue ayudado seguramente por amigos judíos).[2]Después de recibir los Diez Mandamientos, Moisés bajó del Monte Sinaí y se encontró al pueblo de Israel adorando un becerro de oro, por lo que el profeta arrojó las tablas enojado con ellos (aunque Rembrandt más bien pinta a Moisés con cara de pena o resignación que de ira). El relato se describe en el pasaje bíblico de Éxodo.[3]

Archivo: Rembrandt Harmensz. van Rijn 079.jpg

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Retrato_de_una_dama_(La_Muda)

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El Retrato de una dama o Retrato de una joven mujer, también conocido como La Muda, es un retrato del artista del Renacimiento italiano Rafael, c. 1507-1508, albergado en la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino.El cuadro retrata a una noble desconocida sobre fondo negro, mostrando como otros retratos femeninos suyos de esos años influencias leonardescas. A pesar de que fue atribuido tardíamente, se lo considera uno de los mejores retratos del maestro.La nitidez de las áreas de color emergen del fondo oscuro, y el tratamiento analítico de los detalles de la ropa es característica de Rafael, tomada de los maestros flamencos. El dispersivo efecto de esta atención al detalle es plenamente compensado por los tonos de color - utilizados aquí en una gama bastante limitada - que unifican la composición globalmente. El amplio escote rectangular indica su cronología cercana a los retratos de Maddalena Doni y la Dama del unicornio.Nicoletta Baldini describe las manos en este retrato como "vibrantes," una distinción de Miguel Ángel o Da Vinci.[1]Modernos análisis mediante radiografías han descubierto la presencia de un dibujo anterior bajo la pintura, de un rostro femenino más joven y suave, que posteriormente modificó al actual. Ello indica tal vez modificaciones en el estado civil de la retratada y una posible identificación. Se trataría de una dama de la corte de Urbino, Giovanna Feltria della Rovere, una de las primeras protectoras de Rafael, que enviudó en 1501.[2] El maestro retomó la obra años después, madurando los rasgos y añadiendo el colgante con crucifijo.

italiano
''Retrato de una joven'', Rafael, 1507.
maestros flamencos
crucifijo
Categoría:Retratos de Rafael Sanzio
thumb
Galería Nacional de las Marcas
Categoría:Cuadros de los años 1500
Retrato de Maddalena Doni
Rafael Sanzio
Archivo: Raffaello, la muta.jpg
Rafael
leonardescas
Urbino
derecha
250px
Italia
Primitivos flamencos
Categoría:Cuadros de Rafael Sanzio
Maddalena Doni
Leonardo da Vinci
Dama del unicornio
Renacimiento


Retrato_de_una_dama_(La_Muda)

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El Retrato de una dama o Retrato de una joven mujer, también conocido como La Muda, es un retrato del artista del Renacimiento italiano Rafael, c. 1507-1508, albergado en la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino.El cuadro retrata a una noble desconocida sobre fondo negro, mostrando como otros retratos femeninos suyos de esos años influencias leonardescas. A pesar de que fue atribuido tardíamente, se lo considera uno de los mejores retratos del maestro.La nitidez de las áreas de color emergen del fondo oscuro, y el tratamiento analítico de los detalles de la ropa es característica de Rafael, tomada de los maestros flamencos. El dispersivo efecto de esta atención al detalle es plenamente compensado por los tonos de color - utilizados aquí en una gama bastante limitada - que unifican la composición globalmente. El amplio escote rectangular indica su cronología cercana a los retratos de Maddalena Doni y la Dama del unicornio.Nicoletta Baldini describe las manos en este retrato como "vibrantes," una distinción de Miguel Ángel o Da Vinci.[1]Modernos análisis mediante radiografías han descubierto la presencia de un dibujo anterior bajo la pintura, de un rostro femenino más joven y suave, que posteriormente modificó al actual. Ello indica tal vez modificaciones en el estado civil de la retratada y una posible identificación. Se trataría de una dama de la corte de Urbino, Giovanna Feltria della Rovere, una de las primeras protectoras de Rafael, que enviudó en 1501.[2] El maestro retomó la obra años después, madurando los rasgos y añadiendo el colgante con crucifijo.

italiano
''Retrato de una joven'', Rafael, 1507.
maestros flamencos
crucifijo
Categoría:Retratos de Rafael Sanzio
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Galería Nacional de las Marcas
Categoría:Cuadros de los años 1500
Retrato de Maddalena Doni
Rafael Sanzio
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Rafael
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Maddalena Doni
Leonardo da Vinci
Dama del unicornio
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Retrato_de_una_dama_(La_Muda)

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El Retrato de una dama o Retrato de una joven mujer, también conocido como La Muda, es un retrato del artista del Renacimiento italiano Rafael, c. 1507-1508, albergado en la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino.El cuadro retrata a una noble desconocida sobre fondo negro, mostrando como otros retratos femeninos suyos de esos años influencias leonardescas. A pesar de que fue atribuido tardíamente, se lo considera uno de los mejores retratos del maestro.La nitidez de las áreas de color emergen del fondo oscuro, y el tratamiento analítico de los detalles de la ropa es característica de Rafael, tomada de los maestros flamencos. El dispersivo efecto de esta atención al detalle es plenamente compensado por los tonos de color - utilizados aquí en una gama bastante limitada - que unifican la composición globalmente. El amplio escote rectangular indica su cronología cercana a los retratos de Maddalena Doni y la Dama del unicornio.Nicoletta Baldini describe las manos en este retrato como "vibrantes," una distinción de Miguel Ángel o Da Vinci.[1]Modernos análisis mediante radiografías han descubierto la presencia de un dibujo anterior bajo la pintura, de un rostro femenino más joven y suave, que posteriormente modificó al actual. Ello indica tal vez modificaciones en el estado civil de la retratada y una posible identificación. Se trataría de una dama de la corte de Urbino, Giovanna Feltria della Rovere, una de las primeras protectoras de Rafael, que enviudó en 1501.[2] El maestro retomó la obra años después, madurando los rasgos y añadiendo el colgante con crucifijo.

italiano
''Retrato de una joven'', Rafael, 1507.
maestros flamencos
crucifijo
Categoría:Retratos de Rafael Sanzio
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Galería Nacional de las Marcas
Categoría:Cuadros de los años 1500
Retrato de Maddalena Doni
Rafael Sanzio
Archivo: Raffaello, la muta.jpg
Rafael
leonardescas
Urbino
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Italia
Primitivos flamencos
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Maddalena Doni
Leonardo da Vinci
Dama del unicornio
Renacimiento


Retrato_de_una_dama_(La_Muda)

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El Retrato de una dama o Retrato de una joven mujer, también conocido como La Muda, es un retrato del artista del Renacimiento italiano Rafael, c. 1507-1508, albergado en la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino.El cuadro retrata a una noble desconocida sobre fondo negro, mostrando como otros retratos femeninos suyos de esos años influencias leonardescas. A pesar de que fue atribuido tardíamente, se lo considera uno de los mejores retratos del maestro.La nitidez de las áreas de color emergen del fondo oscuro, y el tratamiento analítico de los detalles de la ropa es característica de Rafael, tomada de los maestros flamencos. El dispersivo efecto de esta atención al detalle es plenamente compensado por los tonos de color - utilizados aquí en una gama bastante limitada - que unifican la composición globalmente. El amplio escote rectangular indica su cronología cercana a los retratos de Maddalena Doni y la Dama del unicornio.Nicoletta Baldini describe las manos en este retrato como "vibrantes," una distinción de Miguel Ángel o Da Vinci.[1]Modernos análisis mediante radiografías han descubierto la presencia de un dibujo anterior bajo la pintura, de un rostro femenino más joven y suave, que posteriormente modificó al actual. Ello indica tal vez modificaciones en el estado civil de la retratada y una posible identificación. Se trataría de una dama de la corte de Urbino, Giovanna Feltria della Rovere, una de las primeras protectoras de Rafael, que enviudó en 1501.[2] El maestro retomó la obra años después, madurando los rasgos y añadiendo el colgante con crucifijo.

italiano
''Retrato de una joven'', Rafael, 1507.
maestros flamencos
crucifijo
Categoría:Retratos de Rafael Sanzio
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Categoría:Cuadros de los años 1500
Retrato de Maddalena Doni
Rafael Sanzio
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Primitivos flamencos
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Maddalena Doni
Leonardo da Vinci
Dama del unicornio
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Madona_Connestabile

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La Madonna Connestabile es una pequeña (y probablemente inacabada) pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1503. Fue ejecutada al óleo[1] sobre tabla, y transferida después a lienzo, con unas dimensiones de 17,5 centímetros de alto y 18 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia. Es conocida también como La Virgen y el Niño.[1]Es muy probable que sea la última obra pintada por Rafael en Umbría antes de trasladarse a Florencia, comprobándose en ella la influencia de Perugino.[1] La tabla sobre la que se pintó era cuadrangular, y en las esquinas había unos motivos decorativos.[1]Su nombre viene de la familia Connestabile de Perugia, de quien la adquirió el zar Alejandro II de Rusia en 1871. El zar la regaló a su consorte, María Aleksándrovna. Desde entonces, la pintura se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. En 1881[2] el soporte fue transferido a lienzo, por el mal estado de la obra.[1]La pintura representa a la Virgen María cuidando del Niño Jesús mientras lee un libro; el Niño juega con el lomo del libro.[1] El manto de la Virgen es azul, su color tradicional; debajo lleva un vestido de color carmín con una lazada bordada como adorno del corpiño. Rafael dibuja a la Virgen con un rostro sereno y al mismo tiempo meditativo, con los ojos bajos. Cuando se pasó de tabla a lienzo, se descubrió que en la versión original la Virgen contemplaba una granada (símbolo de la Pasión) en lugar del libro.En el fondo se representa un extraño paisaje con montes cubiertos de nieve. El paisaje intermedio, en cambio, es primaveral, sin detalles, lo que transmite la idea de inocencia.[1]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage


Madona_Connestabile

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La Madonna Connestabile es una pequeña (y probablemente inacabada) pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1503. Fue ejecutada al óleo[1] sobre tabla, y transferida después a lienzo, con unas dimensiones de 17,5 centímetros de alto y 18 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia. Es conocida también como La Virgen y el Niño.[1]Es muy probable que sea la última obra pintada por Rafael en Umbría antes de trasladarse a Florencia, comprobándose en ella la influencia de Perugino.[1] La tabla sobre la que se pintó era cuadrangular, y en las esquinas había unos motivos decorativos.[1]Su nombre viene de la familia Connestabile de Perugia, de quien la adquirió el zar Alejandro II de Rusia en 1871. El zar la regaló a su consorte, María Aleksándrovna. Desde entonces, la pintura se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. En 1881[2] el soporte fue transferido a lienzo, por el mal estado de la obra.[1]La pintura representa a la Virgen María cuidando del Niño Jesús mientras lee un libro; el Niño juega con el lomo del libro.[1] El manto de la Virgen es azul, su color tradicional; debajo lleva un vestido de color carmín con una lazada bordada como adorno del corpiño. Rafael dibuja a la Virgen con un rostro sereno y al mismo tiempo meditativo, con los ojos bajos. Cuando se pasó de tabla a lienzo, se descubrió que en la versión original la Virgen contemplaba una granada (símbolo de la Pasión) en lugar del libro.En el fondo se representa un extraño paisaje con montes cubiertos de nieve. El paisaje intermedio, en cambio, es primaveral, sin detalles, lo que transmite la idea de inocencia.[1]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage


Madona_Connestabile

Prompt: ¿Cómo aclara Madona_Connestabile su abstract?

La Madonna Connestabile es una pequeña (y probablemente inacabada) pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1503. Fue ejecutada al óleo[1] sobre tabla, y transferida después a lienzo, con unas dimensiones de 17,5 centímetros de alto y 18 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia. Es conocida también como La Virgen y el Niño.[1]Es muy probable que sea la última obra pintada por Rafael en Umbría antes de trasladarse a Florencia, comprobándose en ella la influencia de Perugino.[1] La tabla sobre la que se pintó era cuadrangular, y en las esquinas había unos motivos decorativos.[1]Su nombre viene de la familia Connestabile de Perugia, de quien la adquirió el zar Alejandro II de Rusia en 1871. El zar la regaló a su consorte, María Aleksándrovna. Desde entonces, la pintura se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. En 1881[2] el soporte fue transferido a lienzo, por el mal estado de la obra.[1]La pintura representa a la Virgen María cuidando del Niño Jesús mientras lee un libro; el Niño juega con el lomo del libro.[1] El manto de la Virgen es azul, su color tradicional; debajo lleva un vestido de color carmín con una lazada bordada como adorno del corpiño. Rafael dibuja a la Virgen con un rostro sereno y al mismo tiempo meditativo, con los ojos bajos. Cuando se pasó de tabla a lienzo, se descubrió que en la versión original la Virgen contemplaba una granada (símbolo de la Pasión) en lugar del libro.En el fondo se representa un extraño paisaje con montes cubiertos de nieve. El paisaje intermedio, en cambio, es primaveral, sin detalles, lo que transmite la idea de inocencia.[1]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage


Madona_Connestabile

Prompt: En Madona_Connestabile, ¿Cómo se discute la abstract?

La Madonna Connestabile es una pequeña (y probablemente inacabada) pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1502-1503. Fue ejecutada al óleo[1] sobre tabla, y transferida después a lienzo, con unas dimensiones de 17,5 centímetros de alto y 18 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia. Es conocida también como La Virgen y el Niño.[1]Es muy probable que sea la última obra pintada por Rafael en Umbría antes de trasladarse a Florencia, comprobándose en ella la influencia de Perugino.[1] La tabla sobre la que se pintó era cuadrangular, y en las esquinas había unos motivos decorativos.[1]Su nombre viene de la familia Connestabile de Perugia, de quien la adquirió el zar Alejandro II de Rusia en 1871. El zar la regaló a su consorte, María Aleksándrovna. Desde entonces, la pintura se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. En 1881[2] el soporte fue transferido a lienzo, por el mal estado de la obra.[1]La pintura representa a la Virgen María cuidando del Niño Jesús mientras lee un libro; el Niño juega con el lomo del libro.[1] El manto de la Virgen es azul, su color tradicional; debajo lleva un vestido de color carmín con una lazada bordada como adorno del corpiño. Rafael dibuja a la Virgen con un rostro sereno y al mismo tiempo meditativo, con los ojos bajos. Cuando se pasó de tabla a lienzo, se descubrió que en la versión original la Virgen contemplaba una granada (símbolo de la Pasión) en lugar del libro.En el fondo se representa un extraño paisaje con montes cubiertos de nieve. El paisaje intermedio, en cambio, es primaveral, sin detalles, lo que transmite la idea de inocencia.[1]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage


La_escuela_del_amor

Prompt: Concéntrate en La_escuela_del_amor y explora la abstract.

Venus con Mercurio y Cupido, La escuela del amor o La educación de Cupido es un cuadro de alrededor de 1525 del pintor italiano Correggio, ahora en la National Gallery.[1]

Carlos Miguel Fitz-James Stuart y de Silva-Fernández de Híjar

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, séptimo duque de Berwick y Liria

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres