Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la El cinturón rojo sobre la Simbolismo de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El cinturón pintado de intenso color rojo no tiene, a diferencia de otras Vírgenes de Holbein, una función material, no ajusta el vestido, sino que cuelga flojamente. Obviamente se está representando aquí la leyenda de la donación del cinturón. Después de la asunción de María, el apóstol Tomás había dudado. La madre de Dios se le apareció y presentó su cinturón como prueba de su Ascensión física. El énfasis en el cinturón sería una confirmación de la assumptio Mariae, la admisión de María en el cielo.[2]El inusual y destacado color se refiere a la sangre y la Pasión de Cristo, así como a la muerte, y en el contexto de la reforma posiblemente también a sangrientas disputas sobre la fe. La forma abstracta del cinturón recuerda también una cruz en forma de Y, a la que apunta el Niño Jesús con el pie, aludiendo a su futura Pasión. El nudo del cinturón forma el centro óptico de la composición. La Pasión y el día de la Ascensión se convertirían así en la afirmación central de la pintura.[2]Además, esta forma Y puede entenderse como una alusión al dilema de Hércules o Hércules en la encrucijada, un tópico humanista que tenía un significado especial y en tiempos de reforma fue usado varias veces.[2]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

Archivo:Detail (Knaben) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

Archivo:Detail (Muschelnische) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Archivo:Leonardo da Vinci Virgin of the Rocks (National Gallery London).jpg

Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg

Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En Virgen_del_burgomaestre_Meyer, ¿Cómo se aclara la El cinturón rojo de la Simbolismo?

El cinturón pintado de intenso color rojo no tiene, a diferencia de otras Vírgenes de Holbein, una función material, no ajusta el vestido, sino que cuelga flojamente. Obviamente se está representando aquí la leyenda de la donación del cinturón. Después de la asunción de María, el apóstol Tomás había dudado. La madre de Dios se le apareció y presentó su cinturón como prueba de su Ascensión física. El énfasis en el cinturón sería una confirmación de la assumptio Mariae, la admisión de María en el cielo.[2]El inusual y destacado color se refiere a la sangre y la Pasión de Cristo, así como a la muerte, y en el contexto de la reforma posiblemente también a sangrientas disputas sobre la fe. La forma abstracta del cinturón recuerda también una cruz en forma de Y, a la que apunta el Niño Jesús con el pie, aludiendo a su futura Pasión. El nudo del cinturón forma el centro óptico de la composición. La Pasión y el día de la Ascensión se convertirían así en la afirmación central de la pintura.[2]Además, esta forma Y puede entenderse como una alusión al dilema de Hércules o Hércules en la encrucijada, un tópico humanista que tenía un significado especial y en tiempos de reforma fue usado varias veces.[2]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

Archivo:Detail (Knaben) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

Archivo:Detail (Muschelnische) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Archivo:Leonardo da Vinci Virgin of the Rocks (National Gallery London).jpg

Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg

Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Describe las características de la El cinturón rojo en la Simbolismo de Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El cinturón pintado de intenso color rojo no tiene, a diferencia de otras Vírgenes de Holbein, una función material, no ajusta el vestido, sino que cuelga flojamente. Obviamente se está representando aquí la leyenda de la donación del cinturón. Después de la asunción de María, el apóstol Tomás había dudado. La madre de Dios se le apareció y presentó su cinturón como prueba de su Ascensión física. El énfasis en el cinturón sería una confirmación de la assumptio Mariae, la admisión de María en el cielo.[2]El inusual y destacado color se refiere a la sangre y la Pasión de Cristo, así como a la muerte, y en el contexto de la reforma posiblemente también a sangrientas disputas sobre la fe. La forma abstracta del cinturón recuerda también una cruz en forma de Y, a la que apunta el Niño Jesús con el pie, aludiendo a su futura Pasión. El nudo del cinturón forma el centro óptico de la composición. La Pasión y el día de la Ascensión se convertirían así en la afirmación central de la pintura.[2]Además, esta forma Y puede entenderse como una alusión al dilema de Hércules o Hércules en la encrucijada, un tópico humanista que tenía un significado especial y en tiempos de reforma fue usado varias veces.[2]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

Archivo:Detail (Knaben) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Archivo:Leonardo da Vinci Virgin of the Rocks (National Gallery London).jpg

Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg

Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En el contexto de Virgen_del_burgomaestre_Meyer, explora la El muchacho y el niño y Simbolismo.

El muchacho resulta «fisionómicamente como un hermano menor de la madre de Dios»,[3] cuya actitud parece imitar. Jochen Sander considera que el chico recuerda a la figura del ángel en la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, una pintura que considera que Holbein probablemente conocía y a la que recuerdan también las cabezas de María y del Niño Jesús.El muchacho, vestido a la moda, lleva una llamativa bolsa colgada en el cinturón de color verde, atributo tradicional del santo peregrino Santiago. De ahí que pueda entenderse que sea una alusión al nombre del comitente. Esta interpretación del chico como un santo o un ángel es también apoyada por la historiadora del traje Jutta Zander-Seidel debido a sus ropas, complejas y a la moda. El chico contrasta con la familia del donante también por los adornos de sus ropas, reservadas en aquella época a la aristocracia. Más aún, cabe destacar que ni se arrodilla ni junta las manos en gesto de oración.[3][5]Tradicionalmente, el muchacho con el traje marrón y el bebé desnudo eran interpretados como hijos de Meyer, premuertos. Pero no hay referencias de que Meyer tuviera otra descendencia que su hija Anna. Hoy el niño desnudo es interpretado como san Juanito, esto es, una representación de san Juan Bautista de niño. Si se asume que la pintura fue concebida como un retablo, entonces el gesto de san Juanito se referiría a los dones de la Eucaristía sobre el altar. El niño está idealizado como la Virgen y el Niño Jesús.[3] También es plausible una ulterior referencia a la Virgen de las Rocas de Leonardo, en la que ambos (san Juan y Jesucristo) aparecen como niños. Sería así la primera representación al norte de los Alpes de la Virgen con el Niño Jesús y san Juanito, un motivo por lo demás muy extendido en Italia.[6]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la El muchacho y el niño sobre la Simbolismo de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El muchacho resulta «fisionómicamente como un hermano menor de la madre de Dios»,[3] cuya actitud parece imitar. Jochen Sander considera que el chico recuerda a la figura del ángel en la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, una pintura que considera que Holbein probablemente conocía y a la que recuerdan también las cabezas de María y del Niño Jesús.El muchacho, vestido a la moda, lleva una llamativa bolsa colgada en el cinturón de color verde, atributo tradicional del santo peregrino Santiago. De ahí que pueda entenderse que sea una alusión al nombre del comitente. Esta interpretación del chico como un santo o un ángel es también apoyada por la historiadora del traje Jutta Zander-Seidel debido a sus ropas, complejas y a la moda. El chico contrasta con la familia del donante también por los adornos de sus ropas, reservadas en aquella época a la aristocracia. Más aún, cabe destacar que ni se arrodilla ni junta las manos en gesto de oración.[3][5]Tradicionalmente, el muchacho con el traje marrón y el bebé desnudo eran interpretados como hijos de Meyer, premuertos. Pero no hay referencias de que Meyer tuviera otra descendencia que su hija Anna. Hoy el niño desnudo es interpretado como san Juanito, esto es, una representación de san Juan Bautista de niño. Si se asume que la pintura fue concebida como un retablo, entonces el gesto de san Juanito se referiría a los dones de la Eucaristía sobre el altar. El niño está idealizado como la Virgen y el Niño Jesús.[3] También es plausible una ulterior referencia a la Virgen de las Rocas de Leonardo, en la que ambos (san Juan y Jesucristo) aparecen como niños. Sería así la primera representación al norte de los Alpes de la Virgen con el Niño Jesús y san Juanito, un motivo por lo demás muy extendido en Italia.[6]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

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Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En Virgen_del_burgomaestre_Meyer, ¿Cómo se aclara la El muchacho y el niño de la Simbolismo?

El muchacho resulta «fisionómicamente como un hermano menor de la madre de Dios»,[3] cuya actitud parece imitar. Jochen Sander considera que el chico recuerda a la figura del ángel en la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, una pintura que considera que Holbein probablemente conocía y a la que recuerdan también las cabezas de María y del Niño Jesús.El muchacho, vestido a la moda, lleva una llamativa bolsa colgada en el cinturón de color verde, atributo tradicional del santo peregrino Santiago. De ahí que pueda entenderse que sea una alusión al nombre del comitente. Esta interpretación del chico como un santo o un ángel es también apoyada por la historiadora del traje Jutta Zander-Seidel debido a sus ropas, complejas y a la moda. El chico contrasta con la familia del donante también por los adornos de sus ropas, reservadas en aquella época a la aristocracia. Más aún, cabe destacar que ni se arrodilla ni junta las manos en gesto de oración.[3][5]Tradicionalmente, el muchacho con el traje marrón y el bebé desnudo eran interpretados como hijos de Meyer, premuertos. Pero no hay referencias de que Meyer tuviera otra descendencia que su hija Anna. Hoy el niño desnudo es interpretado como san Juanito, esto es, una representación de san Juan Bautista de niño. Si se asume que la pintura fue concebida como un retablo, entonces el gesto de san Juanito se referiría a los dones de la Eucaristía sobre el altar. El niño está idealizado como la Virgen y el Niño Jesús.[3] También es plausible una ulterior referencia a la Virgen de las Rocas de Leonardo, en la que ambos (san Juan y Jesucristo) aparecen como niños. Sería así la primera representación al norte de los Alpes de la Virgen con el Niño Jesús y san Juanito, un motivo por lo demás muy extendido en Italia.[6]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Describe las características de la El muchacho y el niño en la Simbolismo de Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El muchacho resulta «fisionómicamente como un hermano menor de la madre de Dios»,[3] cuya actitud parece imitar. Jochen Sander considera que el chico recuerda a la figura del ángel en la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, una pintura que considera que Holbein probablemente conocía y a la que recuerdan también las cabezas de María y del Niño Jesús.El muchacho, vestido a la moda, lleva una llamativa bolsa colgada en el cinturón de color verde, atributo tradicional del santo peregrino Santiago. De ahí que pueda entenderse que sea una alusión al nombre del comitente. Esta interpretación del chico como un santo o un ángel es también apoyada por la historiadora del traje Jutta Zander-Seidel debido a sus ropas, complejas y a la moda. El chico contrasta con la familia del donante también por los adornos de sus ropas, reservadas en aquella época a la aristocracia. Más aún, cabe destacar que ni se arrodilla ni junta las manos en gesto de oración.[3][5]Tradicionalmente, el muchacho con el traje marrón y el bebé desnudo eran interpretados como hijos de Meyer, premuertos. Pero no hay referencias de que Meyer tuviera otra descendencia que su hija Anna. Hoy el niño desnudo es interpretado como san Juanito, esto es, una representación de san Juan Bautista de niño. Si se asume que la pintura fue concebida como un retablo, entonces el gesto de san Juanito se referiría a los dones de la Eucaristía sobre el altar. El niño está idealizado como la Virgen y el Niño Jesús.[3] También es plausible una ulterior referencia a la Virgen de las Rocas de Leonardo, en la que ambos (san Juan y Jesucristo) aparecen como niños. Sería así la primera representación al norte de los Alpes de la Virgen con el Niño Jesús y san Juanito, un motivo por lo demás muy extendido en Italia.[6]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

Archivo:Detail (Muschelnische) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Archivo:Leonardo da Vinci Virgin of the Rocks (National Gallery London).jpg

Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg

Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En el contexto de Virgen_del_burgomaestre_Meyer, explora la La arruga en la alfombra y Simbolismo.

La valiosa alfombra oriental subraya la nobleza de la Virgen. El hecho de que se extienda por toda la anchura de la tabla implica que incluye a los miembros de la familia Meyer en el ámbito de intimidad de la Virgen. La arruga que hábilmente pintó Holbein atrae la mirada del espectador al centro de la obra y al cinturón rojo. Además, es un elemento que dinamiza la imagen, como si la familia acabara de arrodillarse o si la Virgen se hubiera levantado del trono y hubiera movido la alfombra.[15][4]Christl Auge interpreta este elemento en clave abstracta, como la personificación del mal, a lo que se referiría el niño desnudo, que interpreta como la personificación del alma. La alfombra indicaría la amenaza de los turcos.[2] Una alfombra doblada es un motivo que se reitera en obras posteriores de Holbein, como en la igualmente simbólica Los Embajadores (1533).Las alfombras orientales se apreciaron en Europa ya durante la Edad Media, como muestran las pinturas italianas del siglo XIV y las nórdicas del XV. Normalmente procedían de Anatolia. El modelo del cuadro fue analizado en 1877 por Julius Lessing y comparada con otras originales. Aunque no pudo encontrar una alfombra original idéntica, le sirvió para acreditar, por las diferencias estilísticas en la representación, que la versión de Dresde era la más moderna, y la de Darmstadt, con su modelo de alfombra estrictamente geométrica, la más antigua y por lo tanto la original. Debido a las comparaciones de Lessing se creó la expresión Alfombra-Holbein para este tipo de alfombras orientales.[15]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la La arruga en la alfombra sobre la Simbolismo de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

La valiosa alfombra oriental subraya la nobleza de la Virgen. El hecho de que se extienda por toda la anchura de la tabla implica que incluye a los miembros de la familia Meyer en el ámbito de intimidad de la Virgen. La arruga que hábilmente pintó Holbein atrae la mirada del espectador al centro de la obra y al cinturón rojo. Además, es un elemento que dinamiza la imagen, como si la familia acabara de arrodillarse o si la Virgen se hubiera levantado del trono y hubiera movido la alfombra.[15][4]Christl Auge interpreta este elemento en clave abstracta, como la personificación del mal, a lo que se referiría el niño desnudo, que interpreta como la personificación del alma. La alfombra indicaría la amenaza de los turcos.[2] Una alfombra doblada es un motivo que se reitera en obras posteriores de Holbein, como en la igualmente simbólica Los Embajadores (1533).Las alfombras orientales se apreciaron en Europa ya durante la Edad Media, como muestran las pinturas italianas del siglo XIV y las nórdicas del XV. Normalmente procedían de Anatolia. El modelo del cuadro fue analizado en 1877 por Julius Lessing y comparada con otras originales. Aunque no pudo encontrar una alfombra original idéntica, le sirvió para acreditar, por las diferencias estilísticas en la representación, que la versión de Dresde era la más moderna, y la de Darmstadt, con su modelo de alfombra estrictamente geométrica, la más antigua y por lo tanto la original. Debido a las comparaciones de Lessing se creó la expresión Alfombra-Holbein para este tipo de alfombras orientales.[15]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

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En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En Virgen_del_burgomaestre_Meyer, ¿Cómo se aclara la La arruga en la alfombra de la Simbolismo?

La valiosa alfombra oriental subraya la nobleza de la Virgen. El hecho de que se extienda por toda la anchura de la tabla implica que incluye a los miembros de la familia Meyer en el ámbito de intimidad de la Virgen. La arruga que hábilmente pintó Holbein atrae la mirada del espectador al centro de la obra y al cinturón rojo. Además, es un elemento que dinamiza la imagen, como si la familia acabara de arrodillarse o si la Virgen se hubiera levantado del trono y hubiera movido la alfombra.[15][4]Christl Auge interpreta este elemento en clave abstracta, como la personificación del mal, a lo que se referiría el niño desnudo, que interpreta como la personificación del alma. La alfombra indicaría la amenaza de los turcos.[2] Una alfombra doblada es un motivo que se reitera en obras posteriores de Holbein, como en la igualmente simbólica Los Embajadores (1533).Las alfombras orientales se apreciaron en Europa ya durante la Edad Media, como muestran las pinturas italianas del siglo XIV y las nórdicas del XV. Normalmente procedían de Anatolia. El modelo del cuadro fue analizado en 1877 por Julius Lessing y comparada con otras originales. Aunque no pudo encontrar una alfombra original idéntica, le sirvió para acreditar, por las diferencias estilísticas en la representación, que la versión de Dresde era la más moderna, y la de Darmstadt, con su modelo de alfombra estrictamente geométrica, la más antigua y por lo tanto la original. Debido a las comparaciones de Lessing se creó la expresión Alfombra-Holbein para este tipo de alfombras orientales.[15]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

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En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Describe las características de la La arruga en la alfombra en la Simbolismo de Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

La valiosa alfombra oriental subraya la nobleza de la Virgen. El hecho de que se extienda por toda la anchura de la tabla implica que incluye a los miembros de la familia Meyer en el ámbito de intimidad de la Virgen. La arruga que hábilmente pintó Holbein atrae la mirada del espectador al centro de la obra y al cinturón rojo. Además, es un elemento que dinamiza la imagen, como si la familia acabara de arrodillarse o si la Virgen se hubiera levantado del trono y hubiera movido la alfombra.[15][4]Christl Auge interpreta este elemento en clave abstracta, como la personificación del mal, a lo que se referiría el niño desnudo, que interpreta como la personificación del alma. La alfombra indicaría la amenaza de los turcos.[2] Una alfombra doblada es un motivo que se reitera en obras posteriores de Holbein, como en la igualmente simbólica Los Embajadores (1533).Las alfombras orientales se apreciaron en Europa ya durante la Edad Media, como muestran las pinturas italianas del siglo XIV y las nórdicas del XV. Normalmente procedían de Anatolia. El modelo del cuadro fue analizado en 1877 por Julius Lessing y comparada con otras originales. Aunque no pudo encontrar una alfombra original idéntica, le sirvió para acreditar, por las diferencias estilísticas en la representación, que la versión de Dresde era la más moderna, y la de Darmstadt, con su modelo de alfombra estrictamente geométrica, la más antigua y por lo tanto la original. Debido a las comparaciones de Lessing se creó la expresión Alfombra-Holbein para este tipo de alfombras orientales.[15]

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

Archivo:Detail (Knaben) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

Archivo:Detail (Muschelnische) der Darmstädter Madonna - Hans Holbein d. J..jpg

Archivo:Leonardo da Vinci Virgin of the Rocks (National Gallery London).jpg

Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg

Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En el contexto de Virgen_del_burgomaestre_Meyer, explora la El rosario y Simbolismo.

El rosario está íntimamente relacionado con la profesión de fe, con la que comienza cada rezo. El color rojo del rosario que sostiene Anna Meyer en las manos, se corresponde con el color del cinturón y por lo tanto conecta la oración y la Pasión, que constituye el llamado «rosario doloroso», que está probablemente representado en la pintura. Según la leyenda, la Virgen María enseñó el rezo del rosario a santo Domingo. Lutero atacó duramente el rosario.[2][16] Posiblemente este rosario esté hecho con corales, lo que se consideraba una protección contra los malos espíritus y las enfermedades.[6]También la madre de Anna, Dorothea Kannengießer, sostiene uno, aunque de un color más oscuro. No se ve claro si Magdalena Bär cuenta igualmente con uno, aunque a ello apunta la posición de su mano. Como medio de la fe, el rosario conecta la profesión de fe personal directamente con la veneración de la virgen de las mujeres representadas con el contenido simbólico de la pintura.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la El rosario sobre la Simbolismo de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El rosario está íntimamente relacionado con la profesión de fe, con la que comienza cada rezo. El color rojo del rosario que sostiene Anna Meyer en las manos, se corresponde con el color del cinturón y por lo tanto conecta la oración y la Pasión, que constituye el llamado «rosario doloroso», que está probablemente representado en la pintura. Según la leyenda, la Virgen María enseñó el rezo del rosario a santo Domingo. Lutero atacó duramente el rosario.[2][16] Posiblemente este rosario esté hecho con corales, lo que se consideraba una protección contra los malos espíritus y las enfermedades.[6]También la madre de Anna, Dorothea Kannengießer, sostiene uno, aunque de un color más oscuro. No se ve claro si Magdalena Bär cuenta igualmente con uno, aunque a ello apunta la posición de su mano. Como medio de la fe, el rosario conecta la profesión de fe personal directamente con la veneración de la virgen de las mujeres representadas con el contenido simbólico de la pintura.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

Archivo:The Body of the Dead Christ in the Tomb by Hans Holbein d. J.-Kunstmuseum Basel.jpg

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En Virgen_del_burgomaestre_Meyer, ¿Cómo se aclara la El rosario de la Simbolismo?

El rosario está íntimamente relacionado con la profesión de fe, con la que comienza cada rezo. El color rojo del rosario que sostiene Anna Meyer en las manos, se corresponde con el color del cinturón y por lo tanto conecta la oración y la Pasión, que constituye el llamado «rosario doloroso», que está probablemente representado en la pintura. Según la leyenda, la Virgen María enseñó el rezo del rosario a santo Domingo. Lutero atacó duramente el rosario.[2][16] Posiblemente este rosario esté hecho con corales, lo que se consideraba una protección contra los malos espíritus y las enfermedades.[6]También la madre de Anna, Dorothea Kannengießer, sostiene uno, aunque de un color más oscuro. No se ve claro si Magdalena Bär cuenta igualmente con uno, aunque a ello apunta la posición de su mano. Como medio de la fe, el rosario conecta la profesión de fe personal directamente con la veneración de la virgen de las mujeres representadas con el contenido simbólico de la pintura.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

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Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Describe las características de la El rosario en la Simbolismo de Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

El rosario está íntimamente relacionado con la profesión de fe, con la que comienza cada rezo. El color rojo del rosario que sostiene Anna Meyer en las manos, se corresponde con el color del cinturón y por lo tanto conecta la oración y la Pasión, que constituye el llamado «rosario doloroso», que está probablemente representado en la pintura. Según la leyenda, la Virgen María enseñó el rezo del rosario a santo Domingo. Lutero atacó duramente el rosario.[2][16] Posiblemente este rosario esté hecho con corales, lo que se consideraba una protección contra los malos espíritus y las enfermedades.[6]También la madre de Anna, Dorothea Kannengießer, sostiene uno, aunque de un color más oscuro. No se ve claro si Magdalena Bär cuenta igualmente con uno, aunque a ello apunta la posición de su mano. Como medio de la fe, el rosario conecta la profesión de fe personal directamente con la veneración de la virgen de las mujeres representadas con el contenido simbólico de la pintura.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Concéntrate en Virgen_del_burgomaestre_Meyer y explora la Literatura.

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Ausstellungskatalog, Petersberg 2004, ISBN 3-937251-24-3. – Este catálogo de exposición contiene contribuciones originales así como cinco contribuciones aparecidas con anterioridad en revistas. Numerosas ilustraciones de gran tamaño.Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Fráncfort del Meno 1998. – Pequeña introducción a la historia e interpretación de la pintura.Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. Lang, Fráncfort del Meno 1993. – Tesis, análisis detallado de la pintura.Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959.Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872.Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. – Documentación contemporánea sobre la controversia de Dresde.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

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Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la Literatura de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Ausstellungskatalog, Petersberg 2004, ISBN 3-937251-24-3. – Este catálogo de exposición contiene contribuciones originales así como cinco contribuciones aparecidas con anterioridad en revistas. Numerosas ilustraciones de gran tamaño.Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Fráncfort del Meno 1998. – Pequeña introducción a la historia e interpretación de la pintura.Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. Lang, Fráncfort del Meno 1993. – Tesis, análisis detallado de la pintura.Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959.Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872.Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. – Documentación contemporánea sobre la controversia de Dresde.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: ¿Cómo aclara Virgen_del_burgomaestre_Meyer su Literatura?

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Ausstellungskatalog, Petersberg 2004, ISBN 3-937251-24-3. – Este catálogo de exposición contiene contribuciones originales así como cinco contribuciones aparecidas con anterioridad en revistas. Numerosas ilustraciones de gran tamaño.Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Fráncfort del Meno 1998. – Pequeña introducción a la historia e interpretación de la pintura.Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. Lang, Fráncfort del Meno 1993. – Tesis, análisis detallado de la pintura.Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959.Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872.Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. – Documentación contemporánea sobre la controversia de Dresde.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

Plan de composición con diagonales y forma de un círculo

En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Moderno rosario católico con cuentas de madera

''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

Categoría:Pintura de Alemania del siglo XVI

Copia de Dresde, por Bartholomäus Sarburgh

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Una rejilla sobre la pintura cuyas líneas compartimentan el espacio en cuadros relacionados con la [[proporción áurea


Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: En Virgen_del_burgomaestre_Meyer, ¿Cómo se discute la Literatura?

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Ausstellungskatalog, Petersberg 2004, ISBN 3-937251-24-3. – Este catálogo de exposición contiene contribuciones originales así como cinco contribuciones aparecidas con anterioridad en revistas. Numerosas ilustraciones de gran tamaño.Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Fráncfort del Meno 1998. – Pequeña introducción a la historia e interpretación de la pintura.Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. Lang, Fráncfort del Meno 1993. – Tesis, análisis detallado de la pintura.Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959.Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872.Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. – Documentación contemporánea sobre la controversia de Dresde.

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Retratos de Hans Holbein el Joven

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

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En la Schatzkammer vienesa, la corona imperial.

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Concéntrate en Virgen_del_burgomaestre_Meyer y explora la Enlaces.

Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Virgen del burgomaestre Meyer.El secreto de la Virgen de Darmstädt, historia e historias (en alemán)La obra, en la web de la Colección Würth

Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Hans Holbein el Joven: ''Madona Solothurn''<small>, 1522, madera de tilo, 143,5 x 104,9 cm, Museo de Arte de Solothurn</small>

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Grabado, cabeza de la Virgen y el Niño Jesús

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Virgen_del_burgomaestre_Meyer

Prompt: Explora la Enlaces de esta obra de arte, Virgen_del_burgomaestre_Meyer.

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Hans Holbein el Joven: ''El Cristo sepultado (Der Leichnam Christi im Grabe)''<small>, 1521/22, 30,5 x 200 cm, Museo de Arte de Basilea</small>

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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''Venus y Amor'' de Hans Holbein el Joven, alrededor de 1524/25

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Ninfas_y_sátiro

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Ninfas y sátiro (en francés: Nymphes et Satires) es un óleo creado por el pintor William-Adolphe Bouguereau en 1873. Se expuso ese mismo año en París, un año antes de que los impresionistas montaran su primera exposición en un estilo radicalmente distinto al de Bouguereau, uno de las artistas más importantes del realismo burgués y del academicismo del Salón parisino.Junto a un estanque umbrío y recoleto, un grupo de ninfas ha capturado a un sátiro que, supuestamente, las espiaba. Tres de ellas están tirando de él para darle un chapuzón, mientras que la cuarta invita por señas a otras bañistas para unirse a la diversión.Considerado el artista arquetipo de la lascivia del siglo XIX, aunque desde el punto de vista erótico no es el más interesante de los pintores del Salón parisino. Lo que vemos en él es una continuación del barroco sin la franqueza o el deseo de un Rubens. Ninfas y un sátiro es una muestra de su estilo, en el cual el manejo de las formas quita energía a lo que se está mostrando. En Bouguereau, como en Greuze hay una perturbadora combinación de malicia e inocencia.[1]Sterling Clark descubrió el cuadro a finales del siglo XIX en el bar del Hotel Hoffman House, en Nueva York, y lo recuperó cuando ya estaba almacenado en el local en los años 1930; finalmente lo compró en 1943. Actualmente se exhibe en el Instituto de Arte Clark, Williamstown, Massachusetts.

Categoría:Mitología griega en la pintura

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Nymphs and Satyr (1873).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Ninfas_y_sátiro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Ninfas_y_sátiro.

Ninfas y sátiro (en francés: Nymphes et Satires) es un óleo creado por el pintor William-Adolphe Bouguereau en 1873. Se expuso ese mismo año en París, un año antes de que los impresionistas montaran su primera exposición en un estilo radicalmente distinto al de Bouguereau, uno de las artistas más importantes del realismo burgués y del academicismo del Salón parisino.Junto a un estanque umbrío y recoleto, un grupo de ninfas ha capturado a un sátiro que, supuestamente, las espiaba. Tres de ellas están tirando de él para darle un chapuzón, mientras que la cuarta invita por señas a otras bañistas para unirse a la diversión.Considerado el artista arquetipo de la lascivia del siglo XIX, aunque desde el punto de vista erótico no es el más interesante de los pintores del Salón parisino. Lo que vemos en él es una continuación del barroco sin la franqueza o el deseo de un Rubens. Ninfas y un sátiro es una muestra de su estilo, en el cual el manejo de las formas quita energía a lo que se está mostrando. En Bouguereau, como en Greuze hay una perturbadora combinación de malicia e inocencia.[1]Sterling Clark descubrió el cuadro a finales del siglo XIX en el bar del Hotel Hoffman House, en Nueva York, y lo recuperó cuando ya estaba almacenado en el local en los años 1930; finalmente lo compró en 1943. Actualmente se exhibe en el Instituto de Arte Clark, Williamstown, Massachusetts.

Categoría:Mitología griega en la pintura

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Nymphs and Satyr (1873).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Ninfas_y_sátiro

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Ninfas y sátiro (en francés: Nymphes et Satires) es un óleo creado por el pintor William-Adolphe Bouguereau en 1873. Se expuso ese mismo año en París, un año antes de que los impresionistas montaran su primera exposición en un estilo radicalmente distinto al de Bouguereau, uno de las artistas más importantes del realismo burgués y del academicismo del Salón parisino.Junto a un estanque umbrío y recoleto, un grupo de ninfas ha capturado a un sátiro que, supuestamente, las espiaba. Tres de ellas están tirando de él para darle un chapuzón, mientras que la cuarta invita por señas a otras bañistas para unirse a la diversión.Considerado el artista arquetipo de la lascivia del siglo XIX, aunque desde el punto de vista erótico no es el más interesante de los pintores del Salón parisino. Lo que vemos en él es una continuación del barroco sin la franqueza o el deseo de un Rubens. Ninfas y un sátiro es una muestra de su estilo, en el cual el manejo de las formas quita energía a lo que se está mostrando. En Bouguereau, como en Greuze hay una perturbadora combinación de malicia e inocencia.[1]Sterling Clark descubrió el cuadro a finales del siglo XIX en el bar del Hotel Hoffman House, en Nueva York, y lo recuperó cuando ya estaba almacenado en el local en los años 1930; finalmente lo compró en 1943. Actualmente se exhibe en el Instituto de Arte Clark, Williamstown, Massachusetts.

Categoría:Mitología griega en la pintura

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Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Ninfas_y_sátiro

Prompt: En Ninfas_y_sátiro, ¿Cómo se discute la abstract?

Ninfas y sátiro (en francés: Nymphes et Satires) es un óleo creado por el pintor William-Adolphe Bouguereau en 1873. Se expuso ese mismo año en París, un año antes de que los impresionistas montaran su primera exposición en un estilo radicalmente distinto al de Bouguereau, uno de las artistas más importantes del realismo burgués y del academicismo del Salón parisino.Junto a un estanque umbrío y recoleto, un grupo de ninfas ha capturado a un sátiro que, supuestamente, las espiaba. Tres de ellas están tirando de él para darle un chapuzón, mientras que la cuarta invita por señas a otras bañistas para unirse a la diversión.Considerado el artista arquetipo de la lascivia del siglo XIX, aunque desde el punto de vista erótico no es el más interesante de los pintores del Salón parisino. Lo que vemos en él es una continuación del barroco sin la franqueza o el deseo de un Rubens. Ninfas y un sátiro es una muestra de su estilo, en el cual el manejo de las formas quita energía a lo que se está mostrando. En Bouguereau, como en Greuze hay una perturbadora combinación de malicia e inocencia.[1]Sterling Clark descubrió el cuadro a finales del siglo XIX en el bar del Hotel Hoffman House, en Nueva York, y lo recuperó cuando ya estaba almacenado en el local en los años 1930; finalmente lo compró en 1943. Actualmente se exhibe en el Instituto de Arte Clark, Williamstown, Massachusetts.

Categoría:Mitología griega en la pintura

Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Nymphs and Satyr (1873).jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: Concéntrate en Júpiter,_Neptuno_y_Plutón y explora la abstract.

Júpiter, Neptuno y Plutón es una pintura mural realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1597. Es la única pintura mural realizada por el artista pero, a diferencia de la técnica tradicional de la época para ese tipo de obras, se trata de óleo sobre yeso. Fue encargada por su amigo y mecenas Francesco Del Monte, que era un amante de la alquimia e incluso tenía un laboratorio en su Palacio Madama. El cardenal Del Monte vendió su palacio a los Ludovisi, quienes la renombraron a Villa Ludovisi. Pero en 1599 le fue devuelto y allí entretenía el cardenal a sus invitados con música.[1] Entre otras cosas, el mural fue realizado con estuco, como lo hizo Leonardo Da Vinci en La última cena. A pesar de que este se deterioró rápidamente, el de Caravaggio permaneció en buen estado pero desconocido, pues los Ludovisi añadieron a su villa frescos de Guercino. El mural muestra a los tres dioses con sus elementos característicos y sus correspondientes animales, a la vez que todos confluyen en la química, llamada entonces alquimia.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Júpiter,_Neptuno_y_Plutón.

Júpiter, Neptuno y Plutón es una pintura mural realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1597. Es la única pintura mural realizada por el artista pero, a diferencia de la técnica tradicional de la época para ese tipo de obras, se trata de óleo sobre yeso. Fue encargada por su amigo y mecenas Francesco Del Monte, que era un amante de la alquimia e incluso tenía un laboratorio en su Palacio Madama. El cardenal Del Monte vendió su palacio a los Ludovisi, quienes la renombraron a Villa Ludovisi. Pero en 1599 le fue devuelto y allí entretenía el cardenal a sus invitados con música.[1] Entre otras cosas, el mural fue realizado con estuco, como lo hizo Leonardo Da Vinci en La última cena. A pesar de que este se deterioró rápidamente, el de Caravaggio permaneció en buen estado pero desconocido, pues los Ludovisi añadieron a su villa frescos de Guercino. El mural muestra a los tres dioses con sus elementos característicos y sus correspondientes animales, a la vez que todos confluyen en la química, llamada entonces alquimia.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: ¿Cómo aclara Júpiter,_Neptuno_y_Plutón su abstract?

Júpiter, Neptuno y Plutón es una pintura mural realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1597. Es la única pintura mural realizada por el artista pero, a diferencia de la técnica tradicional de la época para ese tipo de obras, se trata de óleo sobre yeso. Fue encargada por su amigo y mecenas Francesco Del Monte, que era un amante de la alquimia e incluso tenía un laboratorio en su Palacio Madama. El cardenal Del Monte vendió su palacio a los Ludovisi, quienes la renombraron a Villa Ludovisi. Pero en 1599 le fue devuelto y allí entretenía el cardenal a sus invitados con música.[1] Entre otras cosas, el mural fue realizado con estuco, como lo hizo Leonardo Da Vinci en La última cena. A pesar de que este se deterioró rápidamente, el de Caravaggio permaneció en buen estado pero desconocido, pues los Ludovisi añadieron a su villa frescos de Guercino. El mural muestra a los tres dioses con sus elementos característicos y sus correspondientes animales, a la vez que todos confluyen en la química, llamada entonces alquimia.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: En Júpiter,_Neptuno_y_Plutón, ¿Cómo se discute la abstract?

Júpiter, Neptuno y Plutón es una pintura mural realizada por Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1597. Es la única pintura mural realizada por el artista pero, a diferencia de la técnica tradicional de la época para ese tipo de obras, se trata de óleo sobre yeso. Fue encargada por su amigo y mecenas Francesco Del Monte, que era un amante de la alquimia e incluso tenía un laboratorio en su Palacio Madama. El cardenal Del Monte vendió su palacio a los Ludovisi, quienes la renombraron a Villa Ludovisi. Pero en 1599 le fue devuelto y allí entretenía el cardenal a sus invitados con música.[1] Entre otras cosas, el mural fue realizado con estuco, como lo hizo Leonardo Da Vinci en La última cena. A pesar de que este se deterioró rápidamente, el de Caravaggio permaneció en buen estado pero desconocido, pues los Ludovisi añadieron a su villa frescos de Guercino. El mural muestra a los tres dioses con sus elementos característicos y sus correspondientes animales, a la vez que todos confluyen en la química, llamada entonces alquimia.

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: Concéntrate en Júpiter,_Neptuno_y_Plutón y explora la Bibliografía utilizada.

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: Explora la Bibliografía utilizada de esta obra de arte, Júpiter,_Neptuno_y_Plutón.

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: ¿Cómo aclara Júpiter,_Neptuno_y_Plutón su Bibliografía utilizada?

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Júpiter,_Neptuno_y_Plutón

Prompt: En Júpiter,_Neptuno_y_Plutón, ¿Cómo se discute la Bibliografía utilizada?

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Caravaggio Jupiter Neptune Pluto.jpg


Prompt: Concéntrate en El_Jardín_del_Edén_con_la_caída_del_hombre y explora la abstract.

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva


Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, El_Jardín_del_Edén_con_la_caída_del_hombre.

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva


Prompt: ¿Cómo aclara El_Jardín_del_Edén_con_la_caída_del_hombre su abstract?

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva


Prompt: En El_Jardín_del_Edén_con_la_caída_del_hombre, ¿Cómo se discute la abstract?

El Jardín de Eden con la Caída del hombre o El Paraíso Terrenal con la Caída de Adán y Eva es una pintura de 1617 realizada por Peter Paul Rubens (figuras) y Jan Brueghel el Viejo (flora y fauna). Está albergado en el Mauritshuis, Países Bajos. La pintura describe el momento justo antes del consumo de la fruta prohibida y la caída de hombre.Adán y Eva se representan debajo del árbol del conocimiento del bien y del mal, donde crecen varias frutas. En el lado opuesto está el árbol de la vida, también cargado con fruta. La escena es una referencia al Génesis 2:8–14. Un mono, que muerde una manzana a la izquierda, simboliza el pecado.[1] En la analogía, el mono próximo a Adán es el impetuoso que no puede resistir la tentación, mientras que el gato cercano al pie de Eva representa la astucia cruel.[1] En el simbolismo cristiano, varios racimos de uva en el follaje detrás de Adán y Eva representan la muerte de Cristo en la cruz, así como el vino representa su sangre.[1]

Categoría:Cuadros de Jan Brueghel el Viejo

Categoría:Pinturas representando a Adán y Eva


Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro

Prompt: Concéntrate en Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro y explora la abstract.

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg


Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro.

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

Archivo:Vénus, Satyre et Cupidon - Le Corrège - Musée du Louvre Peintures INV 42 ; MR 163.jpg


Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro

Prompt: ¿Cómo aclara Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro su abstract?

Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

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Venus_y_Amor_descubiertos_por_un_sátiro

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Venus y Amor descubiertos por un sátiro (en italiano: Venere e Amore spiati da un satiro) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1524-1525, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Vénus et l'Amour découverts par un satyre. Tradicionalmente fue conocido con el de Júpiter y Antíope (en italiano, Giove e Antiope) porque en el siglo XVIII se pensaba que este cuadro retrataba a Júpiter y Antíope, y aún hoy puede ser mencionado con este título.Es un cuadro de tema mitológico. Es una alegoría del amor terrenal. A este cuadro se le relaciona con La educación del Amor, conservado en la National Gallery de Londres,[1] y que representaría el amor sacro. Ambas pinturas datan en torno a 1524-1527. Se ha señalado como posible comitente al conde Nicola Maffei, pariente cercano de Federico II Gonzaga, en cuya casa se encontrarían estas pinturas desde 1536, fecha de la muerte de Maffei.Antíope de Tebas era hija del rey Nicteo de Tebas (o, según otros, del dios fluvial Asopos), cuya belleza llamó la atención de Zeus. Este la sedujo adoptando la forma de un sátiro. Tradicionalmente se ha considerado que en el cuadro está representada Antíope dormida, con Cupido a su lado, también dormido. La acecha Zeus en forma de sátiro. Actualmente, la figura femenina desnuda se relaciona con Venus, la diosa del amor y de la belleza, siendo un simple sátiro quien la observa a ella y a su hijo Cupido.[1] Hay una antorcha entre la figura femenina y Cupido, símbolo tradicional de la diosa y no de Antíope.Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal.[1] Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo.[1] La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez.[2] Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.[1]La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.[1]La impresión general es de sensualidad,[1] gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.

Categoría:Cuadros de Antonio Allegri da Correggio

''La educación del Amor'', o ''Venus, Mercurio y Amor'', h. 1525, lienzo, 155 × 92 cm, [[National Gallery de Londres

Categoría:Afrodita y Venus en el arte posterior a la Edad Antigua

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Madonna_Rucellai

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La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_Rucellai

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La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_Rucellai

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La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

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Madonna_Rucellai

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La Madonna Rucellai es una pintura sobre tabla del pintor italiano medieval tardío Duccio di Buoninsegna de Siena. Originalmente pintado para la Societa di Santa Maria Virginis de la iglesia de Iglesia de Santa María Novella, la pintura ahora reside en la Galería Uffizi de Florencia. La pintura describe el Virgen y Niño entronizados, rodeados por ángeles sobre un fondo de oro.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_Rucellai

Prompt: Concéntrate en Madonna_Rucellai y explora la Historia.

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

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Madonna_Rucellai

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Madonna_Rucellai.

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]

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La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

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Madonna_Rucellai

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_Rucellai su Historia?

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]

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Madonna_Rucellai

Prompt: En Madonna_Rucellai, ¿Cómo se discute la Historia?

El retablo fue encargado por la Compagnia dei Laudesi para la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. La Madonna Rucellai es el trabajo más temprano de Duccio del que hay documentación. Estuvo diseñado para el altar principal de la iglesia, pero el nombre actual refleja su uso más tardío en la capilla Rucellai de la familia dentro de la iglesia. En un contrato datado en 15 de abril de 1285, Duccio fue encargado de pintar un tablero para el cual debía cobrar 150 liras. Los requisitos únicos del contrato eran que la Virgen y el Niño y "otras figuras" tendrían que estar presentes, pero no se dieron otras instrucciones en cuanto a sus contenidos o estilo. El documento declaraba que si el trabajo final no gustaba, el artista retendría la posesión de la pintura y no se haría ningún pago.[1]En el siglo XVI, el historiador de arte Giorgio Vasari atribuyó erróneamente la Madonna Rucellai a  Cimabue, un contemporáneo de Duccio, en sus Vidas de los Pintores más Eminentes, Escultores, y Arquitectos. Esta equivocación permaneció durante siglos; en el siglo XIX Frederic Leighton mostró la Madonna Rucellai, desfilando a través de las calles, como la primera pintura importante de Cimabue  (1853-5).[2][3]  En 1889, sin embargo, el historiador Franz Wickhoff comparó estilos entre la Madonna Rucellai y la Maestà de Duccio, y pronto otros críticos estuvieron de acuerdo en que Duccio, de hecho había pintado la Madonna.[4]

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Madonna_Rucellai

Prompt: Concéntrate en Madonna_Rucellai y explora la Descripción.

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.

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