Madonna_Litta

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_Litta su abstract?

Madonna Litta es una pintura atribuida por muchos investigadores al pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Se ejecutó al temple sobre tabla, habiéndose transferido a tela. Mide 42 cm de alto y 33 cm de ancho. Pertenece a los años 1490-1491. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Leonardo da Vinci attributed - Madonna Litta.jpg


Madonna_Litta

Prompt: En Madonna_Litta, ¿Cómo se discute la abstract?

Madonna Litta es una pintura atribuida por muchos investigadores al pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Se ejecutó al temple sobre tabla, habiéndose transferido a tela. Mide 42 cm de alto y 33 cm de ancho. Pertenece a los años 1490-1491. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia.

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Archivo:Leonardo da Vinci attributed - Madonna Litta.jpg


Madonna_Litta

Prompt: Concéntrate en Madonna_Litta y explora la Historia.

Se trata de la Virgen con el Niño Jesús.[1] Leonardo debió pintar esta Virgen en los años 1480, estando en Milán para los Visconti.Hay numerosas réplicas de la obra realizadas por otros pintores renacentistas. Se conserva un esbozo preliminar de la cabeza de la Virgen, realizado por Leonardo, en el Louvre. La extraña postura del Niño, sin embargo, ha llevado a algunos autores a atribuir partes de la pintura Boltraffio, alumno de Leonardo.  Otras claves que contribuyen al hecho de que Leonardo hizo que alguno de sus alumnos completase la obra incluyen los marcados perfiles de la Virgen y el Niño, así como el paisaje, un tanto sumario.En años recientes, sobre la base de una comparación estilística, algunos críticos, entre los que se encuentran Carlo Pedretti, David A. Brown, Maria T. Fiorio y P. C. Marani consideran que esta obra es producto del pincel de Giovanni Antonio Boltraffio.A finales del siglo XVI perteneció a Pirro Visconti Borromeo, que la conservó en el Ninfeo de Lainate. Después pasó a los Litta por vía hereditaria. En 1865, Alejandro II de Rusia la adquirió del Conde Litta, entonces ministro en San Petersburgo, y depositó la pintura en el Museo del Hermitage, donde se ha expuesto hasta el día de hoy. La pintura aparece brevemente en la película de 2006 El código Da Vinci.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Leonardo da Vinci attributed - Madonna Litta.jpg


Madonna_Litta

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Madonna_Litta.

Se trata de la Virgen con el Niño Jesús.[1] Leonardo debió pintar esta Virgen en los años 1480, estando en Milán para los Visconti.Hay numerosas réplicas de la obra realizadas por otros pintores renacentistas. Se conserva un esbozo preliminar de la cabeza de la Virgen, realizado por Leonardo, en el Louvre. La extraña postura del Niño, sin embargo, ha llevado a algunos autores a atribuir partes de la pintura Boltraffio, alumno de Leonardo.  Otras claves que contribuyen al hecho de que Leonardo hizo que alguno de sus alumnos completase la obra incluyen los marcados perfiles de la Virgen y el Niño, así como el paisaje, un tanto sumario.En años recientes, sobre la base de una comparación estilística, algunos críticos, entre los que se encuentran Carlo Pedretti, David A. Brown, Maria T. Fiorio y P. C. Marani consideran que esta obra es producto del pincel de Giovanni Antonio Boltraffio.A finales del siglo XVI perteneció a Pirro Visconti Borromeo, que la conservó en el Ninfeo de Lainate. Después pasó a los Litta por vía hereditaria. En 1865, Alejandro II de Rusia la adquirió del Conde Litta, entonces ministro en San Petersburgo, y depositó la pintura en el Museo del Hermitage, donde se ha expuesto hasta el día de hoy. La pintura aparece brevemente en la película de 2006 El código Da Vinci.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Madonna_Litta

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_Litta su Historia?

Se trata de la Virgen con el Niño Jesús.[1] Leonardo debió pintar esta Virgen en los años 1480, estando en Milán para los Visconti.Hay numerosas réplicas de la obra realizadas por otros pintores renacentistas. Se conserva un esbozo preliminar de la cabeza de la Virgen, realizado por Leonardo, en el Louvre. La extraña postura del Niño, sin embargo, ha llevado a algunos autores a atribuir partes de la pintura Boltraffio, alumno de Leonardo.  Otras claves que contribuyen al hecho de que Leonardo hizo que alguno de sus alumnos completase la obra incluyen los marcados perfiles de la Virgen y el Niño, así como el paisaje, un tanto sumario.En años recientes, sobre la base de una comparación estilística, algunos críticos, entre los que se encuentran Carlo Pedretti, David A. Brown, Maria T. Fiorio y P. C. Marani consideran que esta obra es producto del pincel de Giovanni Antonio Boltraffio.A finales del siglo XVI perteneció a Pirro Visconti Borromeo, que la conservó en el Ninfeo de Lainate. Después pasó a los Litta por vía hereditaria. En 1865, Alejandro II de Rusia la adquirió del Conde Litta, entonces ministro en San Petersburgo, y depositó la pintura en el Museo del Hermitage, donde se ha expuesto hasta el día de hoy. La pintura aparece brevemente en la película de 2006 El código Da Vinci.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

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Madonna_Litta

Prompt: En Madonna_Litta, ¿Cómo se discute la Historia?

Se trata de la Virgen con el Niño Jesús.[1] Leonardo debió pintar esta Virgen en los años 1480, estando en Milán para los Visconti.Hay numerosas réplicas de la obra realizadas por otros pintores renacentistas. Se conserva un esbozo preliminar de la cabeza de la Virgen, realizado por Leonardo, en el Louvre. La extraña postura del Niño, sin embargo, ha llevado a algunos autores a atribuir partes de la pintura Boltraffio, alumno de Leonardo.  Otras claves que contribuyen al hecho de que Leonardo hizo que alguno de sus alumnos completase la obra incluyen los marcados perfiles de la Virgen y el Niño, así como el paisaje, un tanto sumario.En años recientes, sobre la base de una comparación estilística, algunos críticos, entre los que se encuentran Carlo Pedretti, David A. Brown, Maria T. Fiorio y P. C. Marani consideran que esta obra es producto del pincel de Giovanni Antonio Boltraffio.A finales del siglo XVI perteneció a Pirro Visconti Borromeo, que la conservó en el Ninfeo de Lainate. Después pasó a los Litta por vía hereditaria. En 1865, Alejandro II de Rusia la adquirió del Conde Litta, entonces ministro en San Petersburgo, y depositó la pintura en el Museo del Hermitage, donde se ha expuesto hasta el día de hoy. La pintura aparece brevemente en la película de 2006 El código Da Vinci.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Madonna_Litta

Prompt: Concéntrate en Madonna_Litta y explora la Análisis.

Se trata de una Virgen de la Leche, en la que aparece María dando el pecho a su Hijo. Ella se encuentra de perfil, con el pelo recogido en un velo de gasa y pedrería. Viste un manto azul en armonía con el color del cielo que se ve a través de las ventanas simétricas del fondo. Esta utilización del color azul pone en evidencia una función simbólica: la Virgen como mediadora entre el cielo y la tierra.[1]El Niño sostiene en su mano izquierda un pequeño pájaro. Con la otra cubre el pecho de su madre, lo que contribuye a que la escena respete el decoro.[1]

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones del Museo del Hermitage

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:Leonardo da Vinci attributed - Madonna Litta.jpg


Madonna_Litta

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, Madonna_Litta.

Se trata de una Virgen de la Leche, en la que aparece María dando el pecho a su Hijo. Ella se encuentra de perfil, con el pelo recogido en un velo de gasa y pedrería. Viste un manto azul en armonía con el color del cielo que se ve a través de las ventanas simétricas del fondo. Esta utilización del color azul pone en evidencia una función simbólica: la Virgen como mediadora entre el cielo y la tierra.[1]El Niño sostiene en su mano izquierda un pequeño pájaro. Con la otra cubre el pecho de su madre, lo que contribuye a que la escena respete el decoro.[1]

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Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

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Madonna_Litta

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_Litta su Análisis?

Se trata de una Virgen de la Leche, en la que aparece María dando el pecho a su Hijo. Ella se encuentra de perfil, con el pelo recogido en un velo de gasa y pedrería. Viste un manto azul en armonía con el color del cielo que se ve a través de las ventanas simétricas del fondo. Esta utilización del color azul pone en evidencia una función simbólica: la Virgen como mediadora entre el cielo y la tierra.[1]El Niño sostiene en su mano izquierda un pequeño pájaro. Con la otra cubre el pecho de su madre, lo que contribuye a que la escena respete el decoro.[1]

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Madonna_Litta

Prompt: En Madonna_Litta, ¿Cómo se discute la Análisis?

Se trata de una Virgen de la Leche, en la que aparece María dando el pecho a su Hijo. Ella se encuentra de perfil, con el pelo recogido en un velo de gasa y pedrería. Viste un manto azul en armonía con el color del cielo que se ve a través de las ventanas simétricas del fondo. Esta utilización del color azul pone en evidencia una función simbólica: la Virgen como mediadora entre el cielo y la tierra.[1]El Niño sostiene en su mano izquierda un pequeño pájaro. Con la otra cubre el pecho de su madre, lo que contribuye a que la escena respete el decoro.[1]

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La_boda_campesina

Prompt: Concéntrate en La_boda_campesina y explora la abstract.

La boda campesina (en neerlandés, De Boerenbruiloft) es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 164 de ancho. Fue ejecutada en 1568.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_boda_campesina.

La boda campesina (en neerlandés, De Boerenbruiloft) es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 164 de ancho. Fue ejecutada en 1568.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: ¿Cómo aclara La_boda_campesina su abstract?

La boda campesina (en neerlandés, De Boerenbruiloft) es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 164 de ancho. Fue ejecutada en 1568.

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Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

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La boda campesina (en neerlandés, De Boerenbruiloft) es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 164 de ancho. Fue ejecutada en 1568.

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La_boda_campesina

Prompt: Concéntrate en La_boda_campesina y explora la Descripción.

Se trata de una de las obras de Brueghel que representan la vida campesina. La novia está debajo de un dosel y el novio no se sabe exactamente quién es, pero podría ser el hombre vestido de negro, a la izquierda de la figura más grande, echándose hacia atrás, con una jarra en la mano. Dos gaiteros tocan el pijpzak y un niño pequeño en el primer plano lame un plato.La fiesta se celebra en un granero en la primavera; dos espigas de cereal con un rastrillo recuerdan el trabajo que implica la cosecha y la vida tan dura que llevan los campesinos. Los platos los llevan sobre una puerta que han quitado de sus bisagras. Los principales alimentos son pan, gachas y sopa.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, La_boda_campesina.

Se trata de una de las obras de Brueghel que representan la vida campesina. La novia está debajo de un dosel y el novio no se sabe exactamente quién es, pero podría ser el hombre vestido de negro, a la izquierda de la figura más grande, echándose hacia atrás, con una jarra en la mano. Dos gaiteros tocan el pijpzak y un niño pequeño en el primer plano lame un plato.La fiesta se celebra en un granero en la primavera; dos espigas de cereal con un rastrillo recuerdan el trabajo que implica la cosecha y la vida tan dura que llevan los campesinos. Los platos los llevan sobre una puerta que han quitado de sus bisagras. Los principales alimentos son pan, gachas y sopa.

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: ¿Cómo aclara La_boda_campesina su Descripción?

Se trata de una de las obras de Brueghel que representan la vida campesina. La novia está debajo de un dosel y el novio no se sabe exactamente quién es, pero podría ser el hombre vestido de negro, a la izquierda de la figura más grande, echándose hacia atrás, con una jarra en la mano. Dos gaiteros tocan el pijpzak y un niño pequeño en el primer plano lame un plato.La fiesta se celebra en un granero en la primavera; dos espigas de cereal con un rastrillo recuerdan el trabajo que implica la cosecha y la vida tan dura que llevan los campesinos. Los platos los llevan sobre una puerta que han quitado de sus bisagras. Los principales alimentos son pan, gachas y sopa.

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Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: En La_boda_campesina, ¿Cómo se discute la Descripción?

Se trata de una de las obras de Brueghel que representan la vida campesina. La novia está debajo de un dosel y el novio no se sabe exactamente quién es, pero podría ser el hombre vestido de negro, a la izquierda de la figura más grande, echándose hacia atrás, con una jarra en la mano. Dos gaiteros tocan el pijpzak y un niño pequeño en el primer plano lame un plato.La fiesta se celebra en un granero en la primavera; dos espigas de cereal con un rastrillo recuerdan el trabajo que implica la cosecha y la vida tan dura que llevan los campesinos. Los platos los llevan sobre una puerta que han quitado de sus bisagras. Los principales alimentos son pan, gachas y sopa.

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La_boda_campesina

Prompt: Concéntrate en La_boda_campesina y explora la Parodias.

La pintura fue parodiada en Astérix en Bélgica.[1] También se hace referencia a ella en la obra de David Keplinger The Clearing, en el poema «Tres visiones del peligro del arte». La segunda sección de este poema se llama «Brueghel's 'Peasant Wedding'» y trata en parte sobre el novio desaparecido. Una parodia más se encuentra en Coping with Pets, de Peter Corey, ilustrada por Martin Brown.[2] La publicación cómica estadounidense The Onion también parodió la pintura.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

Categoría:Instrumentos musicales en el arte


La_boda_campesina

Prompt: Explora la Parodias de esta obra de arte, La_boda_campesina.

La pintura fue parodiada en Astérix en Bélgica.[1] También se hace referencia a ella en la obra de David Keplinger The Clearing, en el poema «Tres visiones del peligro del arte». La segunda sección de este poema se llama «Brueghel's 'Peasant Wedding'» y trata en parte sobre el novio desaparecido. Una parodia más se encuentra en Coping with Pets, de Peter Corey, ilustrada por Martin Brown.[2] La publicación cómica estadounidense The Onion también parodió la pintura.[3]

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La_boda_campesina

Prompt: ¿Cómo aclara La_boda_campesina su Parodias?

La pintura fue parodiada en Astérix en Bélgica.[1] También se hace referencia a ella en la obra de David Keplinger The Clearing, en el poema «Tres visiones del peligro del arte». La segunda sección de este poema se llama «Brueghel's 'Peasant Wedding'» y trata en parte sobre el novio desaparecido. Una parodia más se encuentra en Coping with Pets, de Peter Corey, ilustrada por Martin Brown.[2] La publicación cómica estadounidense The Onion también parodió la pintura.[3]

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La_boda_campesina

Prompt: En La_boda_campesina, ¿Cómo se discute la Parodias?

La pintura fue parodiada en Astérix en Bélgica.[1] También se hace referencia a ella en la obra de David Keplinger The Clearing, en el poema «Tres visiones del peligro del arte». La segunda sección de este poema se llama «Brueghel's 'Peasant Wedding'» y trata en parte sobre el novio desaparecido. Una parodia más se encuentra en Coping with Pets, de Peter Corey, ilustrada por Martin Brown.[2] La publicación cómica estadounidense The Onion también parodió la pintura.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Historia del Arte de Viena

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Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Concéntrate en Jesús_entre_los_doctores y explora la abstract.

Jesús entre los doctores o Niño Jesús entre los doctores, también conocido como Jesús perdido y encontrado en el templo,[1] es el nombre dado a un pasaje exclusivo del Evangelio de Lucas (Lucas 2:41-50), donde se relata la presencia de Jesús entre los teólogos o doctores de la Ley mosaica.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

Archivo:William Holman Hunt - The Finding of the Saviour in the Temple - Google Art Project.jpg

s:A Practical Commentary on Holy Scripture/X. Jesus at the Age of Twelve Years goes to the Temple

Archivo:Giotto - Scrovegni - -22- - Christ among the Doctors.jpg

'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Jesús_entre_los_doctores.

Jesús entre los doctores o Niño Jesús entre los doctores, también conocido como Jesús perdido y encontrado en el templo,[1] es el nombre dado a un pasaje exclusivo del Evangelio de Lucas (Lucas 2:41-50), donde se relata la presencia de Jesús entre los teólogos o doctores de la Ley mosaica.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

Archivo:William Holman Hunt - The Finding of the Saviour in the Temple - Google Art Project.jpg

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

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Jesús entre los doctores o Niño Jesús entre los doctores, también conocido como Jesús perdido y encontrado en el templo,[1] es el nombre dado a un pasaje exclusivo del Evangelio de Lucas (Lucas 2:41-50), donde se relata la presencia de Jesús entre los teólogos o doctores de la Ley mosaica.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

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Jesús entre los doctores o Niño Jesús entre los doctores, también conocido como Jesús perdido y encontrado en el templo,[1] es el nombre dado a un pasaje exclusivo del Evangelio de Lucas (Lucas 2:41-50), donde se relata la presencia de Jesús entre los teólogos o doctores de la Ley mosaica.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Concéntrate en Jesús_entre_los_doctores y explora la Texto bíblico.

Según  San Lucas (2; 41-50)  La escena, relativamente frecuente como tema del arte cristiano, también es conocida como "Cristo entre los doctores" o "Cristo en el Templo" (a pesar de la ambigüedad, ya que hay otros episodios en que Jesús se presenta en el Templo de Jerusalén -expulsión de los mercaderes del Templo-). La escena es algunas veces llamada la "Disputa" de Jesús en el Templo. Pero en hebreo se la denomina y conoce como "Jesús entre los maestros",[3] debido a que así eran llamados los doctores y teólogos del judaísmo en tiempos de Jesús, y también porque algunos hebreos consideran que Jesús es un maestro.[4] El episodio también puede encontrarse en el Evangelio árabe de la infancia, uno de los apócrifos.[5] La denominación convencional de la escena como quinto misterio del Rosario es el Niño perdido y hallado en el Templo.[6]Los padres de Jesús, María y José, acudían todos los años a Jerusalén por la Fiesta de Pascua Judía. A la edad de doce años y con ocasión de la visita a la ciudad, Jesús desapareció de la vista de María y José para dirigirse al Templo. Allí transcurrió un tiempo escuchando y preguntando a los doctores del Templo, quienes quedaron asombrados por sus conocimientos teológicos. Tardaron tres días en encontrarlo y, al hacerlo, María le expresó la preocupación que le había causado a ella y a José, a lo que Jesús respondió, "¿Por qué me buscabais? ¿No sabíais que debía estar en las cosas de mi Padre?"Sus padres iban todos los años a Jerusalén a la fiesta de la Pascua. Cuando tuvo doce años, subieron ellos como de costumbre a la fiesta y, al volverse, pasados los días, el niño Jesús se quedó en Jerusalén, sin saberlo sus padres. Pero creyendo que estaría en la caravana, hicieron un día de camino, y le buscaban entre los parientes y conocidos; pero al no encontrarle, se volvieron a Jerusalén en su busca.Y sucedió que, al cabo de tres días, le encontraron en el Templo sentado en medio de los maestros, escuchándoles y preguntándoles; todos los que le oían, estaban estupefactos por su inteligencia y sus respuestas. Cuando le vieron, quedaron sorprendidos, y su madre le dijo: «Hijo, ¿por qué nos has hecho esto? Mira, tu padre y yo, angustiados, te andábamos buscando.» Él les dijo: «Y ¿por qué me buscabais? ¿No sabíais que yo debía estar en las cosas de mi Padre?» Pero ellos no comprendieron la respuesta que les dio.Bajó con ellos y vino a Nazaret, y vivía sujeto a ellos. Su madre conservaba cuidadosamente todas las cosas en su corazón. Jesús progresaba en sabiduría, en estatura y en gracia ante Dios y ante los hombres (Lucas 2:41-52).En los evangelios constituye el último de los relatos de la infancia de Jesús. Hasta ese momento, Jesús se había mostrado obediente con sus padres y ejemplar (Lucas 2:51). En la interpretación católica, los tres días de separación de sus padres, en especial de María, se muestran como un signo de lo que será la Redención con el sacrificio del Dios Hijo al Dios Padre y la muerte en la cruz.Es la primera ocasión en la que Jesús muestra lo que será su actividad de predicación: el diálogo con los demás, en vez de la mera transmisión de las normas.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Explora la Texto bíblico de esta obra de arte, Jesús_entre_los_doctores.

Según  San Lucas (2; 41-50)  La escena, relativamente frecuente como tema del arte cristiano, también es conocida como "Cristo entre los doctores" o "Cristo en el Templo" (a pesar de la ambigüedad, ya que hay otros episodios en que Jesús se presenta en el Templo de Jerusalén -expulsión de los mercaderes del Templo-). La escena es algunas veces llamada la "Disputa" de Jesús en el Templo. Pero en hebreo se la denomina y conoce como "Jesús entre los maestros",[3] debido a que así eran llamados los doctores y teólogos del judaísmo en tiempos de Jesús, y también porque algunos hebreos consideran que Jesús es un maestro.[4] El episodio también puede encontrarse en el Evangelio árabe de la infancia, uno de los apócrifos.[5] La denominación convencional de la escena como quinto misterio del Rosario es el Niño perdido y hallado en el Templo.[6]Los padres de Jesús, María y José, acudían todos los años a Jerusalén por la Fiesta de Pascua Judía. A la edad de doce años y con ocasión de la visita a la ciudad, Jesús desapareció de la vista de María y José para dirigirse al Templo. Allí transcurrió un tiempo escuchando y preguntando a los doctores del Templo, quienes quedaron asombrados por sus conocimientos teológicos. Tardaron tres días en encontrarlo y, al hacerlo, María le expresó la preocupación que le había causado a ella y a José, a lo que Jesús respondió, "¿Por qué me buscabais? ¿No sabíais que debía estar en las cosas de mi Padre?"Sus padres iban todos los años a Jerusalén a la fiesta de la Pascua. Cuando tuvo doce años, subieron ellos como de costumbre a la fiesta y, al volverse, pasados los días, el niño Jesús se quedó en Jerusalén, sin saberlo sus padres. Pero creyendo que estaría en la caravana, hicieron un día de camino, y le buscaban entre los parientes y conocidos; pero al no encontrarle, se volvieron a Jerusalén en su busca.Y sucedió que, al cabo de tres días, le encontraron en el Templo sentado en medio de los maestros, escuchándoles y preguntándoles; todos los que le oían, estaban estupefactos por su inteligencia y sus respuestas. Cuando le vieron, quedaron sorprendidos, y su madre le dijo: «Hijo, ¿por qué nos has hecho esto? Mira, tu padre y yo, angustiados, te andábamos buscando.» Él les dijo: «Y ¿por qué me buscabais? ¿No sabíais que yo debía estar en las cosas de mi Padre?» Pero ellos no comprendieron la respuesta que les dio.Bajó con ellos y vino a Nazaret, y vivía sujeto a ellos. Su madre conservaba cuidadosamente todas las cosas en su corazón. Jesús progresaba en sabiduría, en estatura y en gracia ante Dios y ante los hombres (Lucas 2:41-52).En los evangelios constituye el último de los relatos de la infancia de Jesús. Hasta ese momento, Jesús se había mostrado obediente con sus padres y ejemplar (Lucas 2:51). En la interpretación católica, los tres días de separación de sus padres, en especial de María, se muestran como un signo de lo que será la Redención con el sacrificio del Dios Hijo al Dios Padre y la muerte en la cruz.Es la primera ocasión en la que Jesús muestra lo que será su actividad de predicación: el diálogo con los demás, en vez de la mera transmisión de las normas.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: ¿Cómo aclara Jesús_entre_los_doctores su Texto bíblico?

Según  San Lucas (2; 41-50)  La escena, relativamente frecuente como tema del arte cristiano, también es conocida como "Cristo entre los doctores" o "Cristo en el Templo" (a pesar de la ambigüedad, ya que hay otros episodios en que Jesús se presenta en el Templo de Jerusalén -expulsión de los mercaderes del Templo-). La escena es algunas veces llamada la "Disputa" de Jesús en el Templo. Pero en hebreo se la denomina y conoce como "Jesús entre los maestros",[3] debido a que así eran llamados los doctores y teólogos del judaísmo en tiempos de Jesús, y también porque algunos hebreos consideran que Jesús es un maestro.[4] El episodio también puede encontrarse en el Evangelio árabe de la infancia, uno de los apócrifos.[5] La denominación convencional de la escena como quinto misterio del Rosario es el Niño perdido y hallado en el Templo.[6]Los padres de Jesús, María y José, acudían todos los años a Jerusalén por la Fiesta de Pascua Judía. A la edad de doce años y con ocasión de la visita a la ciudad, Jesús desapareció de la vista de María y José para dirigirse al Templo. Allí transcurrió un tiempo escuchando y preguntando a los doctores del Templo, quienes quedaron asombrados por sus conocimientos teológicos. Tardaron tres días en encontrarlo y, al hacerlo, María le expresó la preocupación que le había causado a ella y a José, a lo que Jesús respondió, "¿Por qué me buscabais? ¿No sabíais que debía estar en las cosas de mi Padre?"Sus padres iban todos los años a Jerusalén a la fiesta de la Pascua. Cuando tuvo doce años, subieron ellos como de costumbre a la fiesta y, al volverse, pasados los días, el niño Jesús se quedó en Jerusalén, sin saberlo sus padres. Pero creyendo que estaría en la caravana, hicieron un día de camino, y le buscaban entre los parientes y conocidos; pero al no encontrarle, se volvieron a Jerusalén en su busca.Y sucedió que, al cabo de tres días, le encontraron en el Templo sentado en medio de los maestros, escuchándoles y preguntándoles; todos los que le oían, estaban estupefactos por su inteligencia y sus respuestas. Cuando le vieron, quedaron sorprendidos, y su madre le dijo: «Hijo, ¿por qué nos has hecho esto? Mira, tu padre y yo, angustiados, te andábamos buscando.» Él les dijo: «Y ¿por qué me buscabais? ¿No sabíais que yo debía estar en las cosas de mi Padre?» Pero ellos no comprendieron la respuesta que les dio.Bajó con ellos y vino a Nazaret, y vivía sujeto a ellos. Su madre conservaba cuidadosamente todas las cosas en su corazón. Jesús progresaba en sabiduría, en estatura y en gracia ante Dios y ante los hombres (Lucas 2:41-52).En los evangelios constituye el último de los relatos de la infancia de Jesús. Hasta ese momento, Jesús se había mostrado obediente con sus padres y ejemplar (Lucas 2:51). En la interpretación católica, los tres días de separación de sus padres, en especial de María, se muestran como un signo de lo que será la Redención con el sacrificio del Dios Hijo al Dios Padre y la muerte en la cruz.Es la primera ocasión en la que Jesús muestra lo que será su actividad de predicación: el diálogo con los demás, en vez de la mera transmisión de las normas.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

Archivo:William Holman Hunt - The Finding of the Saviour in the Temple - Google Art Project.jpg

s:A Practical Commentary on Holy Scripture/X. Jesus at the Age of Twelve Years goes to the Temple

Archivo:Giotto - Scrovegni - -22- - Christ among the Doctors.jpg

'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: En Jesús_entre_los_doctores, ¿Cómo se discute la Texto bíblico?

Según  San Lucas (2; 41-50)  La escena, relativamente frecuente como tema del arte cristiano, también es conocida como "Cristo entre los doctores" o "Cristo en el Templo" (a pesar de la ambigüedad, ya que hay otros episodios en que Jesús se presenta en el Templo de Jerusalén -expulsión de los mercaderes del Templo-). La escena es algunas veces llamada la "Disputa" de Jesús en el Templo. Pero en hebreo se la denomina y conoce como "Jesús entre los maestros",[3] debido a que así eran llamados los doctores y teólogos del judaísmo en tiempos de Jesús, y también porque algunos hebreos consideran que Jesús es un maestro.[4] El episodio también puede encontrarse en el Evangelio árabe de la infancia, uno de los apócrifos.[5] La denominación convencional de la escena como quinto misterio del Rosario es el Niño perdido y hallado en el Templo.[6]Los padres de Jesús, María y José, acudían todos los años a Jerusalén por la Fiesta de Pascua Judía. A la edad de doce años y con ocasión de la visita a la ciudad, Jesús desapareció de la vista de María y José para dirigirse al Templo. Allí transcurrió un tiempo escuchando y preguntando a los doctores del Templo, quienes quedaron asombrados por sus conocimientos teológicos. Tardaron tres días en encontrarlo y, al hacerlo, María le expresó la preocupación que le había causado a ella y a José, a lo que Jesús respondió, "¿Por qué me buscabais? ¿No sabíais que debía estar en las cosas de mi Padre?"Sus padres iban todos los años a Jerusalén a la fiesta de la Pascua. Cuando tuvo doce años, subieron ellos como de costumbre a la fiesta y, al volverse, pasados los días, el niño Jesús se quedó en Jerusalén, sin saberlo sus padres. Pero creyendo que estaría en la caravana, hicieron un día de camino, y le buscaban entre los parientes y conocidos; pero al no encontrarle, se volvieron a Jerusalén en su busca.Y sucedió que, al cabo de tres días, le encontraron en el Templo sentado en medio de los maestros, escuchándoles y preguntándoles; todos los que le oían, estaban estupefactos por su inteligencia y sus respuestas. Cuando le vieron, quedaron sorprendidos, y su madre le dijo: «Hijo, ¿por qué nos has hecho esto? Mira, tu padre y yo, angustiados, te andábamos buscando.» Él les dijo: «Y ¿por qué me buscabais? ¿No sabíais que yo debía estar en las cosas de mi Padre?» Pero ellos no comprendieron la respuesta que les dio.Bajó con ellos y vino a Nazaret, y vivía sujeto a ellos. Su madre conservaba cuidadosamente todas las cosas en su corazón. Jesús progresaba en sabiduría, en estatura y en gracia ante Dios y ante los hombres (Lucas 2:41-52).En los evangelios constituye el último de los relatos de la infancia de Jesús. Hasta ese momento, Jesús se había mostrado obediente con sus padres y ejemplar (Lucas 2:51). En la interpretación católica, los tres días de separación de sus padres, en especial de María, se muestran como un signo de lo que será la Redención con el sacrificio del Dios Hijo al Dios Padre y la muerte en la cruz.Es la primera ocasión en la que Jesús muestra lo que será su actividad de predicación: el diálogo con los demás, en vez de la mera transmisión de las normas.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Concéntrate en Jesús_entre_los_doctores y explora la Interpretación de la Iglesia católica.

El episodio del hallazgo de Jesús en el Templo, a la edad de doce años, rompe el silencio de los Evangelios sobre los primeros años de la vida de Jesús. En este evento, Jesús demuestra su profunda comprensión y conexión con la enseñanza divina mientras habla con los maestros en el Templo. Este suceso marca un punto crucial en la revelación de su identidad y misión divina, ya que es el propio Jesús quien, a través de sus palabras y acciones, afirma su filiación divina y su dedicación total a la misión que deriva de ella. Este momento es único en la narrativa evangélica, ya que contrasta con la tendencia de los Evangelios de la infancia de centrarse en las acciones y palabras de otros personajes para revelar la identidad de Jesús. En el relato, se menciona que los Ácimos y la Pascua eran festividades en las que los varones de Israel debían peregrinar al Templo de Jerusalén, según lo establecido.[8] Aunque la obligación no se aplicaba a mujeres y niños, las familias piadosas solían llevar a estos últimos desde temprana edad. La pérdida de Jesús durante este viaje es comprensible, ya que Jerusalén experimentaba un aumento significativo de población durante las festividades de peregrinación.Se describe que las familias solían viajar en caravanas divididas en dos grupos, uno de hombres y otro de mujeres, y los niños podían ir en cualquiera de ellos. La narrativa sugiere que, al hacer un alto en el camino, las familias podrían haber descubierto que Jesús se había quedado en Jerusalén. El evangelista presenta estos detalles con sobriedad, centrándose especialmente en el diálogo entre Jesús y su Madre.Cuando sus padres encuentran a Jesús en el Templo, el relato destaca que estaba escuchando y preguntando a los doctores, quienes se sorprenden por su sabiduría y respuestas. Este enfoque sirve como preparación para lo que se revelará más adelante: Jesús no es simplemente un niño sabio, sino el Hijo de Dios. El diálogo aparentemente desapegado de Jesús con su Madre sorprende, pero se sugiere que esta aparente frialdad debe entenderse a través de la mentalidad semita, que aprecia los contrastes y las antítesis. San Ambrosio no les reprende porque le busquen como hijo, sino que les hace levantar los ojos de su espíritu para que vean lo que se debe a Aquel de quien es Hijo Eterno. [9][10]

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

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'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Jesús_entre_los_doctores

Prompt: Explora la Interpretación de la Iglesia católica de esta obra de arte, Jesús_entre_los_doctores.

El episodio del hallazgo de Jesús en el Templo, a la edad de doce años, rompe el silencio de los Evangelios sobre los primeros años de la vida de Jesús. En este evento, Jesús demuestra su profunda comprensión y conexión con la enseñanza divina mientras habla con los maestros en el Templo. Este suceso marca un punto crucial en la revelación de su identidad y misión divina, ya que es el propio Jesús quien, a través de sus palabras y acciones, afirma su filiación divina y su dedicación total a la misión que deriva de ella. Este momento es único en la narrativa evangélica, ya que contrasta con la tendencia de los Evangelios de la infancia de centrarse en las acciones y palabras de otros personajes para revelar la identidad de Jesús. En el relato, se menciona que los Ácimos y la Pascua eran festividades en las que los varones de Israel debían peregrinar al Templo de Jerusalén, según lo establecido.[8] Aunque la obligación no se aplicaba a mujeres y niños, las familias piadosas solían llevar a estos últimos desde temprana edad. La pérdida de Jesús durante este viaje es comprensible, ya que Jerusalén experimentaba un aumento significativo de población durante las festividades de peregrinación.Se describe que las familias solían viajar en caravanas divididas en dos grupos, uno de hombres y otro de mujeres, y los niños podían ir en cualquiera de ellos. La narrativa sugiere que, al hacer un alto en el camino, las familias podrían haber descubierto que Jesús se había quedado en Jerusalén. El evangelista presenta estos detalles con sobriedad, centrándose especialmente en el diálogo entre Jesús y su Madre.Cuando sus padres encuentran a Jesús en el Templo, el relato destaca que estaba escuchando y preguntando a los doctores, quienes se sorprenden por su sabiduría y respuestas. Este enfoque sirve como preparación para lo que se revelará más adelante: Jesús no es simplemente un niño sabio, sino el Hijo de Dios. El diálogo aparentemente desapegado de Jesús con su Madre sorprende, pero se sugiere que esta aparente frialdad debe entenderse a través de la mentalidad semita, que aprecia los contrastes y las antítesis. San Ambrosio no les reprende porque le busquen como hijo, sino que les hace levantar los ojos de su espíritu para que vean lo que se debe a Aquel de quien es Hijo Eterno. [9][10]

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Prompt: ¿Cómo aclara Jesús_entre_los_doctores su Interpretación de la Iglesia católica?

El episodio del hallazgo de Jesús en el Templo, a la edad de doce años, rompe el silencio de los Evangelios sobre los primeros años de la vida de Jesús. En este evento, Jesús demuestra su profunda comprensión y conexión con la enseñanza divina mientras habla con los maestros en el Templo. Este suceso marca un punto crucial en la revelación de su identidad y misión divina, ya que es el propio Jesús quien, a través de sus palabras y acciones, afirma su filiación divina y su dedicación total a la misión que deriva de ella. Este momento es único en la narrativa evangélica, ya que contrasta con la tendencia de los Evangelios de la infancia de centrarse en las acciones y palabras de otros personajes para revelar la identidad de Jesús. En el relato, se menciona que los Ácimos y la Pascua eran festividades en las que los varones de Israel debían peregrinar al Templo de Jerusalén, según lo establecido.[8] Aunque la obligación no se aplicaba a mujeres y niños, las familias piadosas solían llevar a estos últimos desde temprana edad. La pérdida de Jesús durante este viaje es comprensible, ya que Jerusalén experimentaba un aumento significativo de población durante las festividades de peregrinación.Se describe que las familias solían viajar en caravanas divididas en dos grupos, uno de hombres y otro de mujeres, y los niños podían ir en cualquiera de ellos. La narrativa sugiere que, al hacer un alto en el camino, las familias podrían haber descubierto que Jesús se había quedado en Jerusalén. El evangelista presenta estos detalles con sobriedad, centrándose especialmente en el diálogo entre Jesús y su Madre.Cuando sus padres encuentran a Jesús en el Templo, el relato destaca que estaba escuchando y preguntando a los doctores, quienes se sorprenden por su sabiduría y respuestas. Este enfoque sirve como preparación para lo que se revelará más adelante: Jesús no es simplemente un niño sabio, sino el Hijo de Dios. El diálogo aparentemente desapegado de Jesús con su Madre sorprende, pero se sugiere que esta aparente frialdad debe entenderse a través de la mentalidad semita, que aprecia los contrastes y las antítesis. San Ambrosio no les reprende porque le busquen como hijo, sino que les hace levantar los ojos de su espíritu para que vean lo que se debe a Aquel de quien es Hijo Eterno. [9][10]

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

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Prompt: En Jesús_entre_los_doctores, ¿Cómo se discute la Interpretación de la Iglesia católica?

El episodio del hallazgo de Jesús en el Templo, a la edad de doce años, rompe el silencio de los Evangelios sobre los primeros años de la vida de Jesús. En este evento, Jesús demuestra su profunda comprensión y conexión con la enseñanza divina mientras habla con los maestros en el Templo. Este suceso marca un punto crucial en la revelación de su identidad y misión divina, ya que es el propio Jesús quien, a través de sus palabras y acciones, afirma su filiación divina y su dedicación total a la misión que deriva de ella. Este momento es único en la narrativa evangélica, ya que contrasta con la tendencia de los Evangelios de la infancia de centrarse en las acciones y palabras de otros personajes para revelar la identidad de Jesús. En el relato, se menciona que los Ácimos y la Pascua eran festividades en las que los varones de Israel debían peregrinar al Templo de Jerusalén, según lo establecido.[8] Aunque la obligación no se aplicaba a mujeres y niños, las familias piadosas solían llevar a estos últimos desde temprana edad. La pérdida de Jesús durante este viaje es comprensible, ya que Jerusalén experimentaba un aumento significativo de población durante las festividades de peregrinación.Se describe que las familias solían viajar en caravanas divididas en dos grupos, uno de hombres y otro de mujeres, y los niños podían ir en cualquiera de ellos. La narrativa sugiere que, al hacer un alto en el camino, las familias podrían haber descubierto que Jesús se había quedado en Jerusalén. El evangelista presenta estos detalles con sobriedad, centrándose especialmente en el diálogo entre Jesús y su Madre.Cuando sus padres encuentran a Jesús en el Templo, el relato destaca que estaba escuchando y preguntando a los doctores, quienes se sorprenden por su sabiduría y respuestas. Este enfoque sirve como preparación para lo que se revelará más adelante: Jesús no es simplemente un niño sabio, sino el Hijo de Dios. El diálogo aparentemente desapegado de Jesús con su Madre sorprende, pero se sugiere que esta aparente frialdad debe entenderse a través de la mentalidad semita, que aprecia los contrastes y las antítesis. San Ambrosio no les reprende porque le busquen como hijo, sino que les hace levantar los ojos de su espíritu para que vean lo que se debe a Aquel de quien es Hijo Eterno. [9][10]

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Prompt: Concéntrate en Jesús_entre_los_doctores y explora la En la historia del arte.

La escena ha sido ampliamente representada en el arte eclesiástico. Puede contemplarse en íconos, vitrales, manuscritos, frescos, tablas y numerosos lienzos. También en la escultura, donde suele darse en forma de relieves y retablos que forman parte de la iconografía de la vida de Jesús.Como escena reaparece en las procesiones de Semana Santa, especialmente en tallas realizadas por Francisco Salzillo.Jesús entre los doctores en el Templo de Jerusalén. Significativos de los siguientes ejemplos son por supuesto la posición de Jesús en cada una de las composiciones ilustradas así como también las diferentes reacciones de los teólogos judíos, que además de estar sorprendidos, suelen dialogar, debatir e incluso cuestionar todo aquello que escuchan.[11] Ellos se oponen, pero a veces también se acercan a Jesús. Entre los teólogos pueden observarse algunos que prestan atención, otros que son cautos, e incluso hasta algún decepcionado o apático. Los doctores en teología no solo debaten con Jesús, sino que siguiendo la tradición hebraica, también lo hacen entre ellos mismos. Algunos simplemente comentan o intercambian ideas entre ellos. En ciertas obras los teólogos llevan consigo los textos de la Ley mosaica e incluso la consultan.[12]En las representaciones bajomedievales, los Doctores, que a menudo portan o consultan grandes volúmenes, pueden tener rasgos o vestimentas específicamente judíos, y a veces son caricaturas abiertamente antisemitas, como algunas de las figuras de la versión de Alberto Durero del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. A partir del Alto Renacimiento, muchos pintores mostraron un "primer plano" de la escena, con Jesús rodeado de cerca por eruditos que gesticulan, como enla versión de Durero del tema.Rembrandt, que disfrutaba representando a ancianos judíos en el Templo en diversos temas, hizo tres aguafuertes del tema (Bartsch 64-66), así como una de la escena mucho más inusual de "Cristo volviendo del Templo con sus padres".[13] El pintor prerrafaelita William Holman Hunt pintó una versión llamada El Hallazgo del Salvador en el Templo, actualmente en Birmingham, como uno de varios temas de la vida de Jesús, para los que viajó a Tierra Santa para estudiar los detalles locales.El tema ha atraído a pocos artistas desde el siglo XIX, y una de las últimas representaciones notables puede ser la que pintó, como falsificación de un Vermeer, Han van Meegeren delante de la policía holandesa, para demostrar que los cuadros que había vendido a Hermann Göring también eran falsos.Consideraciones. De los no menos de 40 ejemplos aquí presentados, dos suelen ser apodados "la disputa" (en italiano). En ambos casos, no obstante, el debate se presenta como un intercambio de ideas controlado e incluso hasta sereno. Para expresar su desacuerdo con los representantes de la ortodoxia judía intransigente, algunos cristianos -tales como el Monogramista S.P., Mazolino, y Durero- los ridiculizaron en sus obras mediante rasgos y expresiones que delatan su extremismo e inhumanidad. Ejemplo notable de ello son algunas pinturas de Durero que suelen incluir algún que otro personaje influenciado por el extraño carácter grotesco de otros delineados por Leonardo da Vinci hacia 1490.[17] Con todo, Durero castiga en particular a los judíos intolerantes. Sin embargo, no todos los judíos que pinta son horribles: en su Jesús entre los doctores (1506), uno de los ancianos que figura en la composición (abajo y sobre la izquierda de la obra) parece escuchar a Cristo con interés. A diferencia de otros personajes en la obra, ese anciano es el único que nada necesita verificar en su ejemplar de la Ley mosaica (nótese que está cerrado mientras que las manos del anciano permanecen apoyadas sobre él). A través de los rasgos y expresión facial de ese anciano, Durero lo ha representado como un hombre noble y sabio.

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Prompt: Explora la En la historia del arte de esta obra de arte, Jesús_entre_los_doctores.

La escena ha sido ampliamente representada en el arte eclesiástico. Puede contemplarse en íconos, vitrales, manuscritos, frescos, tablas y numerosos lienzos. También en la escultura, donde suele darse en forma de relieves y retablos que forman parte de la iconografía de la vida de Jesús.Como escena reaparece en las procesiones de Semana Santa, especialmente en tallas realizadas por Francisco Salzillo.Jesús entre los doctores en el Templo de Jerusalén. Significativos de los siguientes ejemplos son por supuesto la posición de Jesús en cada una de las composiciones ilustradas así como también las diferentes reacciones de los teólogos judíos, que además de estar sorprendidos, suelen dialogar, debatir e incluso cuestionar todo aquello que escuchan.[11] Ellos se oponen, pero a veces también se acercan a Jesús. Entre los teólogos pueden observarse algunos que prestan atención, otros que son cautos, e incluso hasta algún decepcionado o apático. Los doctores en teología no solo debaten con Jesús, sino que siguiendo la tradición hebraica, también lo hacen entre ellos mismos. Algunos simplemente comentan o intercambian ideas entre ellos. En ciertas obras los teólogos llevan consigo los textos de la Ley mosaica e incluso la consultan.[12]En las representaciones bajomedievales, los Doctores, que a menudo portan o consultan grandes volúmenes, pueden tener rasgos o vestimentas específicamente judíos, y a veces son caricaturas abiertamente antisemitas, como algunas de las figuras de la versión de Alberto Durero del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. A partir del Alto Renacimiento, muchos pintores mostraron un "primer plano" de la escena, con Jesús rodeado de cerca por eruditos que gesticulan, como enla versión de Durero del tema.Rembrandt, que disfrutaba representando a ancianos judíos en el Templo en diversos temas, hizo tres aguafuertes del tema (Bartsch 64-66), así como una de la escena mucho más inusual de "Cristo volviendo del Templo con sus padres".[13] El pintor prerrafaelita William Holman Hunt pintó una versión llamada El Hallazgo del Salvador en el Templo, actualmente en Birmingham, como uno de varios temas de la vida de Jesús, para los que viajó a Tierra Santa para estudiar los detalles locales.El tema ha atraído a pocos artistas desde el siglo XIX, y una de las últimas representaciones notables puede ser la que pintó, como falsificación de un Vermeer, Han van Meegeren delante de la policía holandesa, para demostrar que los cuadros que había vendido a Hermann Göring también eran falsos.Consideraciones. De los no menos de 40 ejemplos aquí presentados, dos suelen ser apodados "la disputa" (en italiano). En ambos casos, no obstante, el debate se presenta como un intercambio de ideas controlado e incluso hasta sereno. Para expresar su desacuerdo con los representantes de la ortodoxia judía intransigente, algunos cristianos -tales como el Monogramista S.P., Mazolino, y Durero- los ridiculizaron en sus obras mediante rasgos y expresiones que delatan su extremismo e inhumanidad. Ejemplo notable de ello son algunas pinturas de Durero que suelen incluir algún que otro personaje influenciado por el extraño carácter grotesco de otros delineados por Leonardo da Vinci hacia 1490.[17] Con todo, Durero castiga en particular a los judíos intolerantes. Sin embargo, no todos los judíos que pinta son horribles: en su Jesús entre los doctores (1506), uno de los ancianos que figura en la composición (abajo y sobre la izquierda de la obra) parece escuchar a Cristo con interés. A diferencia de otros personajes en la obra, ese anciano es el único que nada necesita verificar en su ejemplar de la Ley mosaica (nótese que está cerrado mientras que las manos del anciano permanecen apoyadas sobre él). A través de los rasgos y expresión facial de ese anciano, Durero lo ha representado como un hombre noble y sabio.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

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Prompt: ¿Cómo aclara Jesús_entre_los_doctores su En la historia del arte?

La escena ha sido ampliamente representada en el arte eclesiástico. Puede contemplarse en íconos, vitrales, manuscritos, frescos, tablas y numerosos lienzos. También en la escultura, donde suele darse en forma de relieves y retablos que forman parte de la iconografía de la vida de Jesús.Como escena reaparece en las procesiones de Semana Santa, especialmente en tallas realizadas por Francisco Salzillo.Jesús entre los doctores en el Templo de Jerusalén. Significativos de los siguientes ejemplos son por supuesto la posición de Jesús en cada una de las composiciones ilustradas así como también las diferentes reacciones de los teólogos judíos, que además de estar sorprendidos, suelen dialogar, debatir e incluso cuestionar todo aquello que escuchan.[11] Ellos se oponen, pero a veces también se acercan a Jesús. Entre los teólogos pueden observarse algunos que prestan atención, otros que son cautos, e incluso hasta algún decepcionado o apático. Los doctores en teología no solo debaten con Jesús, sino que siguiendo la tradición hebraica, también lo hacen entre ellos mismos. Algunos simplemente comentan o intercambian ideas entre ellos. En ciertas obras los teólogos llevan consigo los textos de la Ley mosaica e incluso la consultan.[12]En las representaciones bajomedievales, los Doctores, que a menudo portan o consultan grandes volúmenes, pueden tener rasgos o vestimentas específicamente judíos, y a veces son caricaturas abiertamente antisemitas, como algunas de las figuras de la versión de Alberto Durero del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. A partir del Alto Renacimiento, muchos pintores mostraron un "primer plano" de la escena, con Jesús rodeado de cerca por eruditos que gesticulan, como enla versión de Durero del tema.Rembrandt, que disfrutaba representando a ancianos judíos en el Templo en diversos temas, hizo tres aguafuertes del tema (Bartsch 64-66), así como una de la escena mucho más inusual de "Cristo volviendo del Templo con sus padres".[13] El pintor prerrafaelita William Holman Hunt pintó una versión llamada El Hallazgo del Salvador en el Templo, actualmente en Birmingham, como uno de varios temas de la vida de Jesús, para los que viajó a Tierra Santa para estudiar los detalles locales.El tema ha atraído a pocos artistas desde el siglo XIX, y una de las últimas representaciones notables puede ser la que pintó, como falsificación de un Vermeer, Han van Meegeren delante de la policía holandesa, para demostrar que los cuadros que había vendido a Hermann Göring también eran falsos.Consideraciones. De los no menos de 40 ejemplos aquí presentados, dos suelen ser apodados "la disputa" (en italiano). En ambos casos, no obstante, el debate se presenta como un intercambio de ideas controlado e incluso hasta sereno. Para expresar su desacuerdo con los representantes de la ortodoxia judía intransigente, algunos cristianos -tales como el Monogramista S.P., Mazolino, y Durero- los ridiculizaron en sus obras mediante rasgos y expresiones que delatan su extremismo e inhumanidad. Ejemplo notable de ello son algunas pinturas de Durero que suelen incluir algún que otro personaje influenciado por el extraño carácter grotesco de otros delineados por Leonardo da Vinci hacia 1490.[17] Con todo, Durero castiga en particular a los judíos intolerantes. Sin embargo, no todos los judíos que pinta son horribles: en su Jesús entre los doctores (1506), uno de los ancianos que figura en la composición (abajo y sobre la izquierda de la obra) parece escuchar a Cristo con interés. A diferencia de otros personajes en la obra, ese anciano es el único que nada necesita verificar en su ejemplar de la Ley mosaica (nótese que está cerrado mientras que las manos del anciano permanecen apoyadas sobre él). A través de los rasgos y expresión facial de ese anciano, Durero lo ha representado como un hombre noble y sabio.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

Archivo:William Holman Hunt - The Finding of the Saviour in the Temple - Google Art Project.jpg

s:A Practical Commentary on Holy Scripture/X. Jesus at the Age of Twelve Years goes to the Temple

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Jesús_entre_los_doctores

Prompt: En Jesús_entre_los_doctores, ¿Cómo se discute la En la historia del arte?

La escena ha sido ampliamente representada en el arte eclesiástico. Puede contemplarse en íconos, vitrales, manuscritos, frescos, tablas y numerosos lienzos. También en la escultura, donde suele darse en forma de relieves y retablos que forman parte de la iconografía de la vida de Jesús.Como escena reaparece en las procesiones de Semana Santa, especialmente en tallas realizadas por Francisco Salzillo.Jesús entre los doctores en el Templo de Jerusalén. Significativos de los siguientes ejemplos son por supuesto la posición de Jesús en cada una de las composiciones ilustradas así como también las diferentes reacciones de los teólogos judíos, que además de estar sorprendidos, suelen dialogar, debatir e incluso cuestionar todo aquello que escuchan.[11] Ellos se oponen, pero a veces también se acercan a Jesús. Entre los teólogos pueden observarse algunos que prestan atención, otros que son cautos, e incluso hasta algún decepcionado o apático. Los doctores en teología no solo debaten con Jesús, sino que siguiendo la tradición hebraica, también lo hacen entre ellos mismos. Algunos simplemente comentan o intercambian ideas entre ellos. En ciertas obras los teólogos llevan consigo los textos de la Ley mosaica e incluso la consultan.[12]En las representaciones bajomedievales, los Doctores, que a menudo portan o consultan grandes volúmenes, pueden tener rasgos o vestimentas específicamente judíos, y a veces son caricaturas abiertamente antisemitas, como algunas de las figuras de la versión de Alberto Durero del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. A partir del Alto Renacimiento, muchos pintores mostraron un "primer plano" de la escena, con Jesús rodeado de cerca por eruditos que gesticulan, como enla versión de Durero del tema.Rembrandt, que disfrutaba representando a ancianos judíos en el Templo en diversos temas, hizo tres aguafuertes del tema (Bartsch 64-66), así como una de la escena mucho más inusual de "Cristo volviendo del Templo con sus padres".[13] El pintor prerrafaelita William Holman Hunt pintó una versión llamada El Hallazgo del Salvador en el Templo, actualmente en Birmingham, como uno de varios temas de la vida de Jesús, para los que viajó a Tierra Santa para estudiar los detalles locales.El tema ha atraído a pocos artistas desde el siglo XIX, y una de las últimas representaciones notables puede ser la que pintó, como falsificación de un Vermeer, Han van Meegeren delante de la policía holandesa, para demostrar que los cuadros que había vendido a Hermann Göring también eran falsos.Consideraciones. De los no menos de 40 ejemplos aquí presentados, dos suelen ser apodados "la disputa" (en italiano). En ambos casos, no obstante, el debate se presenta como un intercambio de ideas controlado e incluso hasta sereno. Para expresar su desacuerdo con los representantes de la ortodoxia judía intransigente, algunos cristianos -tales como el Monogramista S.P., Mazolino, y Durero- los ridiculizaron en sus obras mediante rasgos y expresiones que delatan su extremismo e inhumanidad. Ejemplo notable de ello son algunas pinturas de Durero que suelen incluir algún que otro personaje influenciado por el extraño carácter grotesco de otros delineados por Leonardo da Vinci hacia 1490.[17] Con todo, Durero castiga en particular a los judíos intolerantes. Sin embargo, no todos los judíos que pinta son horribles: en su Jesús entre los doctores (1506), uno de los ancianos que figura en la composición (abajo y sobre la izquierda de la obra) parece escuchar a Cristo con interés. A diferencia de otros personajes en la obra, ese anciano es el único que nada necesita verificar en su ejemplar de la Ley mosaica (nótese que está cerrado mientras que las manos del anciano permanecen apoyadas sobre él). A través de los rasgos y expresión facial de ese anciano, Durero lo ha representado como un hombre noble y sabio.

Cristo entre los doctores (Cima da Conegliano)

Retorno de la familia de Jesús a Nazaret

Archivo:William Holman Hunt - The Finding of the Saviour in the Temple - Google Art Project.jpg

s:A Practical Commentary on Holy Scripture/X. Jesus at the Age of Twelve Years goes to the Temple

Archivo:Giotto - Scrovegni - -22- - Christ among the Doctors.jpg

'''Jesús entre los doctores''', fresco de [[Giotto


Palas_y_el_Centauro

Prompt: Concéntrate en Palas_y_el_Centauro y explora la abstract.

Palas y el Centauro, conocida en italiano como Pallade che doma il centauro, es un cuadro realizado al temple sobre tela de 207 centímetros de alto y 148 cm de ancho, realizado entre el año 1482 y 1483 por el pintor italiano Sandro Botticelli por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. Puesto que el nombre latino de Palas Atenea es Minerva, el cuadro es conocido también como Minerva y el centauro.Forma parte de las obras profanas que Botticelli pintó en los años 1480, después de su estancia en Roma para pintar los muros de la Capilla Sixtina. Inmediatamente después de esta experiencia romana, realiza algunas de sus obras mitológicas y poéticas más bellas, muy vinculadas de una manera u otra al mecenazgo de los Médicis: los cuatro paneles pintados al temple representando la novela de Boccaccio Nastagio degli Onesti, la célebre Primavera, El nacimiento de Venus y también esta Palas y el Centauro.El término «profano», dado que no ilustra escenas religiosas sino mitológicas, marca un giro en la carrera del artista. El artista se vincula sobre todo a una pintura rica en símbolos en los que se mezcla la antigüedad con el cristianismo, mientras que el Renacimiento ponía entonces al día la perspectiva.La tela fue pintada para las bodas de Lorenzo il Popolano (con Semiramide Appiani) o quizá de su hermano Giovanni, y pudo portar un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad masculina. Un inventario que data de 1499, que no se descubrió hasta 1975, contiene una lista de las propiedades de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y confirma que en el siglo XV esta pintura de "Palas y el Centauro" (aunque el título es convencional) colgaba sobre la puerta de la misma habitación que la Primavera, en el palacio familiar de Via Larga (Florencia). Que se trata de un encargo de los Médici se muestra en el vestido claro que viste, pues en él se representan anillos entrelazados con diamantes engastados, un emblema de dicha familia. Giorgio Vasari menciona la existencia de esta pintura, pero hasta 1895 no se localizó, en el desván del Palacio Pitti de Florencia, lo que evidencia el escaso aprecio que existió durante siglos por la obra de Botticelli.El desnudo paisaje de esta pintura hace que la mirada se centre en las dos figuras. Un centauro ha sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Lleva carcaj y arco. Este ser lujurioso, mitad caballo y mitad hombre, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. La mujer ha sido identificada como la diosa Palas Atenea (equivalente a Minerva, la diosa latina de los artesanos). También se ha visto en ella a la amazona Camila, casta heroína de la Eneida de Virgilio. Palas lleva en los brazos, el torso y la cabeza ramas de olivo.Lo que no se discute es el contenido moral de la pintura, en la que la virtud y la castidad vencen a la sensualidad, a la brutalidad del instinto, según los preceptos de Ficino. Las dos partes del alma humana, luchando entre ellas, están representadas por la naturaleza dual del centauro. Este último quizá fue inspirado por algún relieve clásico, aunque la expresión patética, entre irritada y triste, es enteramente de Botticelli.Otra interpretación del cuadro hace referencia a la labor política de Lorenzo de Médicis como pacificador. Así, Palas sería la señoría florentina de Lorenzo el Magnífico que en aquel periodo estaba en Nápoles para evitar la guerra, simbolizada por el Centauro, entre el Papa y el Rey de Nápoles, en su célebre función de "fiel de la balanza" de los potentados italianos de finales del siglo XV. Esta interpretación justificaría la corona y la decoración de la ropa con ramos de olivo, lo que es notorio que simboliza la paz.Esta pintura marca el final del periodo mediceo de Botticelli, pues de aquí en adelante la temática de sus pinturas cambia y se convierte crecientemente en religiosa.RESUMENFue pintada en 1482. La diosa de la sabiduría, Minerva se presenta vestida con un vestido semitransparente adornado con tres anillos entrelazados que forman el escudo de los Médici. A su lado, un centauro la miraba con gesto de dolor y es controlado por la diosa, ya que ella, lo agarra del pelo mientras que sujeta un arma. La perspectiva está perfectamente captada, uniendo referencias arquitectónicas y paisaje..

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Palas_y_el_Centauro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Palas_y_el_Centauro.

Palas y el Centauro, conocida en italiano como Pallade che doma il centauro, es un cuadro realizado al temple sobre tela de 207 centímetros de alto y 148 cm de ancho, realizado entre el año 1482 y 1483 por el pintor italiano Sandro Botticelli por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. Puesto que el nombre latino de Palas Atenea es Minerva, el cuadro es conocido también como Minerva y el centauro.Forma parte de las obras profanas que Botticelli pintó en los años 1480, después de su estancia en Roma para pintar los muros de la Capilla Sixtina. Inmediatamente después de esta experiencia romana, realiza algunas de sus obras mitológicas y poéticas más bellas, muy vinculadas de una manera u otra al mecenazgo de los Médicis: los cuatro paneles pintados al temple representando la novela de Boccaccio Nastagio degli Onesti, la célebre Primavera, El nacimiento de Venus y también esta Palas y el Centauro.El término «profano», dado que no ilustra escenas religiosas sino mitológicas, marca un giro en la carrera del artista. El artista se vincula sobre todo a una pintura rica en símbolos en los que se mezcla la antigüedad con el cristianismo, mientras que el Renacimiento ponía entonces al día la perspectiva.La tela fue pintada para las bodas de Lorenzo il Popolano (con Semiramide Appiani) o quizá de su hermano Giovanni, y pudo portar un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad masculina. Un inventario que data de 1499, que no se descubrió hasta 1975, contiene una lista de las propiedades de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y confirma que en el siglo XV esta pintura de "Palas y el Centauro" (aunque el título es convencional) colgaba sobre la puerta de la misma habitación que la Primavera, en el palacio familiar de Via Larga (Florencia). Que se trata de un encargo de los Médici se muestra en el vestido claro que viste, pues en él se representan anillos entrelazados con diamantes engastados, un emblema de dicha familia. Giorgio Vasari menciona la existencia de esta pintura, pero hasta 1895 no se localizó, en el desván del Palacio Pitti de Florencia, lo que evidencia el escaso aprecio que existió durante siglos por la obra de Botticelli.El desnudo paisaje de esta pintura hace que la mirada se centre en las dos figuras. Un centauro ha sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Lleva carcaj y arco. Este ser lujurioso, mitad caballo y mitad hombre, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. La mujer ha sido identificada como la diosa Palas Atenea (equivalente a Minerva, la diosa latina de los artesanos). También se ha visto en ella a la amazona Camila, casta heroína de la Eneida de Virgilio. Palas lleva en los brazos, el torso y la cabeza ramas de olivo.Lo que no se discute es el contenido moral de la pintura, en la que la virtud y la castidad vencen a la sensualidad, a la brutalidad del instinto, según los preceptos de Ficino. Las dos partes del alma humana, luchando entre ellas, están representadas por la naturaleza dual del centauro. Este último quizá fue inspirado por algún relieve clásico, aunque la expresión patética, entre irritada y triste, es enteramente de Botticelli.Otra interpretación del cuadro hace referencia a la labor política de Lorenzo de Médicis como pacificador. Así, Palas sería la señoría florentina de Lorenzo el Magnífico que en aquel periodo estaba en Nápoles para evitar la guerra, simbolizada por el Centauro, entre el Papa y el Rey de Nápoles, en su célebre función de "fiel de la balanza" de los potentados italianos de finales del siglo XV. Esta interpretación justificaría la corona y la decoración de la ropa con ramos de olivo, lo que es notorio que simboliza la paz.Esta pintura marca el final del periodo mediceo de Botticelli, pues de aquí en adelante la temática de sus pinturas cambia y se convierte crecientemente en religiosa.RESUMENFue pintada en 1482. La diosa de la sabiduría, Minerva se presenta vestida con un vestido semitransparente adornado con tres anillos entrelazados que forman el escudo de los Médici. A su lado, un centauro la miraba con gesto de dolor y es controlado por la diosa, ya que ella, lo agarra del pelo mientras que sujeta un arma. La perspectiva está perfectamente captada, uniendo referencias arquitectónicas y paisaje..

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Palas_y_el_Centauro

Prompt: ¿Cómo aclara Palas_y_el_Centauro su abstract?

Palas y el Centauro, conocida en italiano como Pallade che doma il centauro, es un cuadro realizado al temple sobre tela de 207 centímetros de alto y 148 cm de ancho, realizado entre el año 1482 y 1483 por el pintor italiano Sandro Botticelli por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. Puesto que el nombre latino de Palas Atenea es Minerva, el cuadro es conocido también como Minerva y el centauro.Forma parte de las obras profanas que Botticelli pintó en los años 1480, después de su estancia en Roma para pintar los muros de la Capilla Sixtina. Inmediatamente después de esta experiencia romana, realiza algunas de sus obras mitológicas y poéticas más bellas, muy vinculadas de una manera u otra al mecenazgo de los Médicis: los cuatro paneles pintados al temple representando la novela de Boccaccio Nastagio degli Onesti, la célebre Primavera, El nacimiento de Venus y también esta Palas y el Centauro.El término «profano», dado que no ilustra escenas religiosas sino mitológicas, marca un giro en la carrera del artista. El artista se vincula sobre todo a una pintura rica en símbolos en los que se mezcla la antigüedad con el cristianismo, mientras que el Renacimiento ponía entonces al día la perspectiva.La tela fue pintada para las bodas de Lorenzo il Popolano (con Semiramide Appiani) o quizá de su hermano Giovanni, y pudo portar un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad masculina. Un inventario que data de 1499, que no se descubrió hasta 1975, contiene una lista de las propiedades de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y confirma que en el siglo XV esta pintura de "Palas y el Centauro" (aunque el título es convencional) colgaba sobre la puerta de la misma habitación que la Primavera, en el palacio familiar de Via Larga (Florencia). Que se trata de un encargo de los Médici se muestra en el vestido claro que viste, pues en él se representan anillos entrelazados con diamantes engastados, un emblema de dicha familia. Giorgio Vasari menciona la existencia de esta pintura, pero hasta 1895 no se localizó, en el desván del Palacio Pitti de Florencia, lo que evidencia el escaso aprecio que existió durante siglos por la obra de Botticelli.El desnudo paisaje de esta pintura hace que la mirada se centre en las dos figuras. Un centauro ha sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Lleva carcaj y arco. Este ser lujurioso, mitad caballo y mitad hombre, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. La mujer ha sido identificada como la diosa Palas Atenea (equivalente a Minerva, la diosa latina de los artesanos). También se ha visto en ella a la amazona Camila, casta heroína de la Eneida de Virgilio. Palas lleva en los brazos, el torso y la cabeza ramas de olivo.Lo que no se discute es el contenido moral de la pintura, en la que la virtud y la castidad vencen a la sensualidad, a la brutalidad del instinto, según los preceptos de Ficino. Las dos partes del alma humana, luchando entre ellas, están representadas por la naturaleza dual del centauro. Este último quizá fue inspirado por algún relieve clásico, aunque la expresión patética, entre irritada y triste, es enteramente de Botticelli.Otra interpretación del cuadro hace referencia a la labor política de Lorenzo de Médicis como pacificador. Así, Palas sería la señoría florentina de Lorenzo el Magnífico que en aquel periodo estaba en Nápoles para evitar la guerra, simbolizada por el Centauro, entre el Papa y el Rey de Nápoles, en su célebre función de "fiel de la balanza" de los potentados italianos de finales del siglo XV. Esta interpretación justificaría la corona y la decoración de la ropa con ramos de olivo, lo que es notorio que simboliza la paz.Esta pintura marca el final del periodo mediceo de Botticelli, pues de aquí en adelante la temática de sus pinturas cambia y se convierte crecientemente en religiosa.RESUMENFue pintada en 1482. La diosa de la sabiduría, Minerva se presenta vestida con un vestido semitransparente adornado con tres anillos entrelazados que forman el escudo de los Médici. A su lado, un centauro la miraba con gesto de dolor y es controlado por la diosa, ya que ella, lo agarra del pelo mientras que sujeta un arma. La perspectiva está perfectamente captada, uniendo referencias arquitectónicas y paisaje..

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Palas_y_el_Centauro

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Palas y el Centauro, conocida en italiano como Pallade che doma il centauro, es un cuadro realizado al temple sobre tela de 207 centímetros de alto y 148 cm de ancho, realizado entre el año 1482 y 1483 por el pintor italiano Sandro Botticelli por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. Puesto que el nombre latino de Palas Atenea es Minerva, el cuadro es conocido también como Minerva y el centauro.Forma parte de las obras profanas que Botticelli pintó en los años 1480, después de su estancia en Roma para pintar los muros de la Capilla Sixtina. Inmediatamente después de esta experiencia romana, realiza algunas de sus obras mitológicas y poéticas más bellas, muy vinculadas de una manera u otra al mecenazgo de los Médicis: los cuatro paneles pintados al temple representando la novela de Boccaccio Nastagio degli Onesti, la célebre Primavera, El nacimiento de Venus y también esta Palas y el Centauro.El término «profano», dado que no ilustra escenas religiosas sino mitológicas, marca un giro en la carrera del artista. El artista se vincula sobre todo a una pintura rica en símbolos en los que se mezcla la antigüedad con el cristianismo, mientras que el Renacimiento ponía entonces al día la perspectiva.La tela fue pintada para las bodas de Lorenzo il Popolano (con Semiramide Appiani) o quizá de su hermano Giovanni, y pudo portar un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad masculina. Un inventario que data de 1499, que no se descubrió hasta 1975, contiene una lista de las propiedades de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y confirma que en el siglo XV esta pintura de "Palas y el Centauro" (aunque el título es convencional) colgaba sobre la puerta de la misma habitación que la Primavera, en el palacio familiar de Via Larga (Florencia). Que se trata de un encargo de los Médici se muestra en el vestido claro que viste, pues en él se representan anillos entrelazados con diamantes engastados, un emblema de dicha familia. Giorgio Vasari menciona la existencia de esta pintura, pero hasta 1895 no se localizó, en el desván del Palacio Pitti de Florencia, lo que evidencia el escaso aprecio que existió durante siglos por la obra de Botticelli.El desnudo paisaje de esta pintura hace que la mirada se centre en las dos figuras. Un centauro ha sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Lleva carcaj y arco. Este ser lujurioso, mitad caballo y mitad hombre, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. La mujer ha sido identificada como la diosa Palas Atenea (equivalente a Minerva, la diosa latina de los artesanos). También se ha visto en ella a la amazona Camila, casta heroína de la Eneida de Virgilio. Palas lleva en los brazos, el torso y la cabeza ramas de olivo.Lo que no se discute es el contenido moral de la pintura, en la que la virtud y la castidad vencen a la sensualidad, a la brutalidad del instinto, según los preceptos de Ficino. Las dos partes del alma humana, luchando entre ellas, están representadas por la naturaleza dual del centauro. Este último quizá fue inspirado por algún relieve clásico, aunque la expresión patética, entre irritada y triste, es enteramente de Botticelli.Otra interpretación del cuadro hace referencia a la labor política de Lorenzo de Médicis como pacificador. Así, Palas sería la señoría florentina de Lorenzo el Magnífico que en aquel periodo estaba en Nápoles para evitar la guerra, simbolizada por el Centauro, entre el Papa y el Rey de Nápoles, en su célebre función de "fiel de la balanza" de los potentados italianos de finales del siglo XV. Esta interpretación justificaría la corona y la decoración de la ropa con ramos de olivo, lo que es notorio que simboliza la paz.Esta pintura marca el final del periodo mediceo de Botticelli, pues de aquí en adelante la temática de sus pinturas cambia y se convierte crecientemente en religiosa.RESUMENFue pintada en 1482. La diosa de la sabiduría, Minerva se presenta vestida con un vestido semitransparente adornado con tres anillos entrelazados que forman el escudo de los Médici. A su lado, un centauro la miraba con gesto de dolor y es controlado por la diosa, ya que ella, lo agarra del pelo mientras que sujeta un arma. La perspectiva está perfectamente captada, uniendo referencias arquitectónicas y paisaje..

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Proserpina

Prompt: Concéntrate en Proserpina y explora la abstract.

Proserpina o Prosérpina es la grafía latina de la diosa griega Perséfone (en latín, Proserpina; en griego: Προσερπίνα) es una diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección y la esposa de Plutón.

Categoría:Diosas de vida, muerte y resurrección

Proserpina, un drama mitológico en dos actos

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida


Proserpina

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Proserpina.

Proserpina o Prosérpina es la grafía latina de la diosa griega Perséfone (en latín, Proserpina; en griego: Προσερπίνα) es una diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección y la esposa de Plutón.

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

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Proserpina

Prompt: ¿Cómo aclara Proserpina su abstract?

Proserpina o Prosérpina es la grafía latina de la diosa griega Perséfone (en latín, Proserpina; en griego: Προσερπίνα) es una diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección y la esposa de Plutón.

Categoría:Diosas de vida, muerte y resurrección

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

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Proserpina

Prompt: En Proserpina, ¿Cómo se discute la abstract?

Proserpina o Prosérpina es la grafía latina de la diosa griega Perséfone (en latín, Proserpina; en griego: Προσερπίνα) es una diosa cuya historia es la base de un mito de la primavera. Es la equivalente en la mitología romana a la diosa griega Perséfone. Proserpina fue subsumida por el culto de Libera, una antigua diosa de la fertilidad, esposa de Liber. Es una deidad de vida, muerte y resurrección y la esposa de Plutón.

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

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Proserpina

Prompt: Concéntrate en Proserpina y explora la Mito.

Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]

Categoría:Diosas de vida, muerte y resurrección

Proserpina, un drama mitológico en dos actos

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Proserpina

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Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]

Categoría:Diosas de vida, muerte y resurrección

Proserpina, un drama mitológico en dos actos

Categoría:Víctimas de violaciones mitológicas

''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

Archivo:Peter Paul Rubens - The Rape of Proserpina, 1636-1638.jpg

[[Proserpina (cuadro de Dante Gabriel Rossetti)

''El rapto de Proserpina''. [[Ulpiano Checa

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida


Proserpina

Prompt: ¿Cómo aclara Proserpina su Mito?

Proserpina era hija de Ceres y Júpiter, y se la describía como una joven sumamente encantadora.Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Cupido (también conocido como Eros) para que lanzase a Plutón una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa (cerca de Enna), bañándose y jugando con algunas ninfas. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades (o Haidou), el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo . Después fue al interior del inframundo.Su madre Ceres, diosa de  la Tierra, la naturaleza y  la agricultura, inició una búsqueda infructuosa por todos los rincones del mundo, pero solo encontró un  cinturón que flotaba en un pequeño lago formado por las lágrimas de las ninfas. En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras, se arrancó la ropa y se arañó la cara, lanzando una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiendo en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Este obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto del tiempo con su madre. Y esta es la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad, al enamorarse de Plutón durante su estancia en el inframundo. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que esta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra es estéril.El mito del rapto de Proserpina es descrito extensamente por el romano Claudiano (siglo IV). Por otra parte, en las Geórgicas de Virgilio, su figura está estrechamente relacionada con el mito de Orfeo y Eurídice: cuando Orfeo entró en el inframundo para tratar de volver a la vida a su esposa Eurídice, muerta por una mordedura de una serpiente acuática, es Proserpina quien impuso la orden de que mientras permanecía en sus dominios, Eurídice debía ir detrás de Orfeo mientras este aplacaba a Cerbero con su canto. Sin embargo, cuando estaba a punto de abandonar el inframundo, Orfeo se detuvo y miró hacia Eurídice, tras lo cual esta fue arrastrada de nuevo hacia el Hades y Orfeo perdió para siempre a su amada.[1]

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''Rapto de Proserpina'' por [[Luca Giordano

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