Siete_obras_de_misericordia

Prompt: ¿Cómo aclara Siete_obras_de_misericordia su abstract?

Las siete obras de misericordia es un cuadro de 1607 del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana.[1]

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
Nápoles
Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
Martín de Tours
Archivo:Michelangelo Caravaggio 029.jpg
Sansón
Wikimedia Commons
Italia
Santiago el Mayor
Madonna del Rosario (Caravaggio)
Familia Colonna
Caravaggio
Pintura al óleo
300px
Giulio Carlo Argan
Malta


Siete_obras_de_misericordia

Prompt: En Siete_obras_de_misericordia, ¿Cómo se discute la abstract?

Las siete obras de misericordia es un cuadro de 1607 del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana.[1]

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
Nápoles
Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
Martín de Tours
Archivo:Michelangelo Caravaggio 029.jpg
Sansón
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Santiago el Mayor
Madonna del Rosario (Caravaggio)
Familia Colonna
Caravaggio
Pintura al óleo
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Giulio Carlo Argan
Malta


Siete_obras_de_misericordia

Prompt: Concéntrate en Siete_obras_de_misericordia y explora la Historia.

La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Es en esta ciudad que comienza también la madurez pictórica de Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó las Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta.

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
Nápoles
Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
Martín de Tours
Archivo:Michelangelo Caravaggio 029.jpg
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Santiago el Mayor
Madonna del Rosario (Caravaggio)
Familia Colonna
Caravaggio
Pintura al óleo
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Giulio Carlo Argan
Malta


Siete_obras_de_misericordia

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Siete_obras_de_misericordia.

La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Es en esta ciudad que comienza también la madurez pictórica de Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó las Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta.

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Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
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Categoría:Cuadros de 1607
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La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Es en esta ciudad que comienza también la madurez pictórica de Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó las Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta.

Seicento
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La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Es en esta ciudad que comienza también la madurez pictórica de Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó las Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta.

Seicento
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La imagen es el retablo del altar mayor de la iglesia que se encuentra en la "Pio Monte della Misericordia" en Nápoles. La composición vertical muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana.

Seicento
Barroco italiano
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Colonna
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La imagen es el retablo del altar mayor de la iglesia que se encuentra en la "Pio Monte della Misericordia" en Nápoles. La composición vertical muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana.

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La imagen es el retablo del altar mayor de la iglesia que se encuentra en la "Pio Monte della Misericordia" en Nápoles. La composición vertical muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana.

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La imagen es el retablo del altar mayor de la iglesia que se encuentra en la "Pio Monte della Misericordia" en Nápoles. La composición vertical muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana.

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Prompt: Concéntrate en Siete_obras_de_misericordia y explora la Interpretación.

Giulio Carlo Argan, quien no sustentó posturas de carácter confesional, consideró que esta obra es «el cuadro más importante del Seicento».[2]En cuanto a los agudos contrastes del claroscuro de la pintura de Caravaggio, el historiador de arte alemán Ralf van Bühren explica la brillante luz como una metáfora de la misericordia, que «ayuda al público a explorar la misericordia en sus propias vidas».[3]

Seicento
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ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
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Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
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Madonna del Rosario (Caravaggio)
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Giulio Carlo Argan, quien no sustentó posturas de carácter confesional, consideró que esta obra es «el cuadro más importante del Seicento».[2]En cuanto a los agudos contrastes del claroscuro de la pintura de Caravaggio, el historiador de arte alemán Ralf van Bühren explica la brillante luz como una metáfora de la misericordia, que «ayuda al público a explorar la misericordia en sus propias vidas».[3]

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Giulio Carlo Argan, quien no sustentó posturas de carácter confesional, consideró que esta obra es «el cuadro más importante del Seicento».[2]En cuanto a los agudos contrastes del claroscuro de la pintura de Caravaggio, el historiador de arte alemán Ralf van Bühren explica la brillante luz como una metáfora de la misericordia, que «ayuda al público a explorar la misericordia en sus propias vidas».[3]

Seicento
Barroco italiano
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Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
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Siete_obras_de_misericordia

Prompt: En Siete_obras_de_misericordia, ¿Cómo se discute la Interpretación?

Giulio Carlo Argan, quien no sustentó posturas de carácter confesional, consideró que esta obra es «el cuadro más importante del Seicento».[2]En cuanto a los agudos contrastes del claroscuro de la pintura de Caravaggio, el historiador de arte alemán Ralf van Bühren explica la brillante luz como una metáfora de la misericordia, que «ayuda al público a explorar la misericordia en sus propias vidas».[3]

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
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Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
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Santiago el Mayor
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Malta


Virgen_del_Magnificat

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La Virgen del Magnificat (en italiano, Madonna del Magnificat, o también Madonna con il Bambino e cinque angeli) es un cuadro destacado del maestro renacentista Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi, de Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado en 1481, desconociéndose la ubicación originaria de este cuadro.Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi. Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta. En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección. El tamaño desproporcionado de las figuras se explica por la tradición iconográfica que hacía que aquellas de mayor importancia devocional, como la Virgen y el Niño, se pintaran de mayor tamaño; es algo que volverá a aparecer en su último cuadro, la Natividad mística. Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, cuyo marco de piedra comprime a las figuras que están en el primer plano, que secundan el movimiento circular de la tabla, de esta manera las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey". La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra Alegoría de la Primavera de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos.La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.En esta obra busca, según André Chastel conjugar el naturalismo clásico con el espiritualismo cristiano. Es una de las obras más conocidas de Botticelli, por su gran eficacia y la calidad de una pintura excelente, si bien ha podido influir en la percepción vulgar del artista como pintor amanerado y un poco insulso. Ya en su época se hicieron numerosas réplicas.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_Magnificat

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La Virgen del Magnificat (en italiano, Madonna del Magnificat, o también Madonna con il Bambino e cinque angeli) es un cuadro destacado del maestro renacentista Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi, de Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado en 1481, desconociéndose la ubicación originaria de este cuadro.Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi. Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta. En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección. El tamaño desproporcionado de las figuras se explica por la tradición iconográfica que hacía que aquellas de mayor importancia devocional, como la Virgen y el Niño, se pintaran de mayor tamaño; es algo que volverá a aparecer en su último cuadro, la Natividad mística. Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, cuyo marco de piedra comprime a las figuras que están en el primer plano, que secundan el movimiento circular de la tabla, de esta manera las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey". La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra Alegoría de la Primavera de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos.La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.En esta obra busca, según André Chastel conjugar el naturalismo clásico con el espiritualismo cristiano. Es una de las obras más conocidas de Botticelli, por su gran eficacia y la calidad de una pintura excelente, si bien ha podido influir en la percepción vulgar del artista como pintor amanerado y un poco insulso. Ya en su época se hicieron numerosas réplicas.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_Magnificat

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La Virgen del Magnificat (en italiano, Madonna del Magnificat, o también Madonna con il Bambino e cinque angeli) es un cuadro destacado del maestro renacentista Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi, de Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado en 1481, desconociéndose la ubicación originaria de este cuadro.Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi. Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta. En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección. El tamaño desproporcionado de las figuras se explica por la tradición iconográfica que hacía que aquellas de mayor importancia devocional, como la Virgen y el Niño, se pintaran de mayor tamaño; es algo que volverá a aparecer en su último cuadro, la Natividad mística. Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, cuyo marco de piedra comprime a las figuras que están en el primer plano, que secundan el movimiento circular de la tabla, de esta manera las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey". La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra Alegoría de la Primavera de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos.La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.En esta obra busca, según André Chastel conjugar el naturalismo clásico con el espiritualismo cristiano. Es una de las obras más conocidas de Botticelli, por su gran eficacia y la calidad de una pintura excelente, si bien ha podido influir en la percepción vulgar del artista como pintor amanerado y un poco insulso. Ya en su época se hicieron numerosas réplicas.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_Magnificat

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La Virgen del Magnificat (en italiano, Madonna del Magnificat, o también Madonna con il Bambino e cinque angeli) es un cuadro destacado del maestro renacentista Italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería de los Uffizi, de Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado en 1481, desconociéndose la ubicación originaria de este cuadro.Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. Este formato da lugar a experimentaciones compositivas. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río). No obstante, sí aparece un poco forzada la introducción del ángel de la extrema izquierda, que corona a la Virgen.La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi. Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta. En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección. El tamaño desproporcionado de las figuras se explica por la tradición iconográfica que hacía que aquellas de mayor importancia devocional, como la Virgen y el Niño, se pintaran de mayor tamaño; es algo que volverá a aparecer en su último cuadro, la Natividad mística. Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. En el fondo hay una vista campestre a través de una ventana de forma circular, cuyo marco de piedra comprime a las figuras que están en el primer plano, que secundan el movimiento circular de la tabla, de esta manera las figuras parecen emerger de la superficie del cuadro, como si la imagen estuviese reflejada en un espejo convexo u "ojo de buey". La composición aparece así deformada, como si estuviese comprimida dentro de un espejo convexo, que, a pesar de los datos realistas, aumenta la sensación que produce de visión mental. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo.Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica. Continúa la tendencia, ya vista en su obra Alegoría de la Primavera de contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad. La gran atención que presta a los detalles remite a una labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos.La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia desde 1464. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María, mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la parte trasera: Blanca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrecia de Médici.En esta obra busca, según André Chastel conjugar el naturalismo clásico con el espiritualismo cristiano. Es una de las obras más conocidas de Botticelli, por su gran eficacia y la calidad de una pintura excelente, si bien ha podido influir en la percepción vulgar del artista como pintor amanerado y un poco insulso. Ya en su época se hicieron numerosas réplicas.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_de_la_Casa_de_Alba

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La Virgen de la Casa de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que en el siglo XIX fue transferido a lienzo, de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos.Esta Virgen fue un encargo de Paolo Giovio quien pensaba enviarla a la iglesia de los Olivetanos en Nocera dei Pagani. En 1686 fue adquirida por Gaspar de Haro y Fernández de Córdoba, VII marqués del Carpio, siendo virrey de Nápoles. Por herencia, en el siglo XVIII la pintura perteneció a la española Casa de Alba, cuyo nombre lleva. Tras el fallecimiento en 1802 de María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba, el cuadro fue vendido al embajador danés Edmund Bourke y pasó por colecciones de Reino Unido y Francia. En 1836 fue adquirido por Nicolás I de Rusia, quien hizo de él uno de los platos fuertes del Museo Imperial del Hermitage en San Petersburgo. Un siglo después, el gobierno soviético la vendió clandestinamente a Andrew W. Mellon por la cifra récord de 1 166 400 dólares, quien la donó junto con el resto de su colección a la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., donde puede verse hoy en día.Representa a la Virgen, el Niño Jesús y Juan el Bautista, en un paisaje campestre típicamente italiano. San Juan Bautista sostiene una cruz hacia Jesús, que el niño está agarrando. Las tres figuras miran fijamente a la cruz. Las tres están agrupadas en la parte izquierda del diseño circular, pero el brazo estirado de la Virgen y el material flotante de su capa equilibran la imagen. Reminiscencias del Tondo Doni de Miguel Ángel pueden verse en la concepción hercúlea de la figura de la Virgen, y en cierta dureza en el tratamiento de los paños. Sin embargo, los rostros y, sobre todo, las figuras infantiles, muestran la dulzura típica del arte de Rafael.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista


Virgen_de_la_Casa_de_Alba

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La Virgen de la Casa de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que en el siglo XIX fue transferido a lienzo, de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos.Esta Virgen fue un encargo de Paolo Giovio quien pensaba enviarla a la iglesia de los Olivetanos en Nocera dei Pagani. En 1686 fue adquirida por Gaspar de Haro y Fernández de Córdoba, VII marqués del Carpio, siendo virrey de Nápoles. Por herencia, en el siglo XVIII la pintura perteneció a la española Casa de Alba, cuyo nombre lleva. Tras el fallecimiento en 1802 de María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba, el cuadro fue vendido al embajador danés Edmund Bourke y pasó por colecciones de Reino Unido y Francia. En 1836 fue adquirido por Nicolás I de Rusia, quien hizo de él uno de los platos fuertes del Museo Imperial del Hermitage en San Petersburgo. Un siglo después, el gobierno soviético la vendió clandestinamente a Andrew W. Mellon por la cifra récord de 1 166 400 dólares, quien la donó junto con el resto de su colección a la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., donde puede verse hoy en día.Representa a la Virgen, el Niño Jesús y Juan el Bautista, en un paisaje campestre típicamente italiano. San Juan Bautista sostiene una cruz hacia Jesús, que el niño está agarrando. Las tres figuras miran fijamente a la cruz. Las tres están agrupadas en la parte izquierda del diseño circular, pero el brazo estirado de la Virgen y el material flotante de su capa equilibran la imagen. Reminiscencias del Tondo Doni de Miguel Ángel pueden verse en la concepción hercúlea de la figura de la Virgen, y en cierta dureza en el tratamiento de los paños. Sin embargo, los rostros y, sobre todo, las figuras infantiles, muestran la dulzura típica del arte de Rafael.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista


Virgen_de_la_Casa_de_Alba

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La Virgen de la Casa de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que en el siglo XIX fue transferido a lienzo, de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos.Esta Virgen fue un encargo de Paolo Giovio quien pensaba enviarla a la iglesia de los Olivetanos en Nocera dei Pagani. En 1686 fue adquirida por Gaspar de Haro y Fernández de Córdoba, VII marqués del Carpio, siendo virrey de Nápoles. Por herencia, en el siglo XVIII la pintura perteneció a la española Casa de Alba, cuyo nombre lleva. Tras el fallecimiento en 1802 de María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba, el cuadro fue vendido al embajador danés Edmund Bourke y pasó por colecciones de Reino Unido y Francia. En 1836 fue adquirido por Nicolás I de Rusia, quien hizo de él uno de los platos fuertes del Museo Imperial del Hermitage en San Petersburgo. Un siglo después, el gobierno soviético la vendió clandestinamente a Andrew W. Mellon por la cifra récord de 1 166 400 dólares, quien la donó junto con el resto de su colección a la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., donde puede verse hoy en día.Representa a la Virgen, el Niño Jesús y Juan el Bautista, en un paisaje campestre típicamente italiano. San Juan Bautista sostiene una cruz hacia Jesús, que el niño está agarrando. Las tres figuras miran fijamente a la cruz. Las tres están agrupadas en la parte izquierda del diseño circular, pero el brazo estirado de la Virgen y el material flotante de su capa equilibran la imagen. Reminiscencias del Tondo Doni de Miguel Ángel pueden verse en la concepción hercúlea de la figura de la Virgen, y en cierta dureza en el tratamiento de los paños. Sin embargo, los rostros y, sobre todo, las figuras infantiles, muestran la dulzura típica del arte de Rafael.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista


Virgen_de_la_Casa_de_Alba

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La Virgen de la Casa de Alba es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1511. Es una pintura al óleo sobre tabla, que en el siglo XIX fue transferido a lienzo, de forma redonda con un diámetro de 98 centímetros. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos.Esta Virgen fue un encargo de Paolo Giovio quien pensaba enviarla a la iglesia de los Olivetanos en Nocera dei Pagani. En 1686 fue adquirida por Gaspar de Haro y Fernández de Córdoba, VII marqués del Carpio, siendo virrey de Nápoles. Por herencia, en el siglo XVIII la pintura perteneció a la española Casa de Alba, cuyo nombre lleva. Tras el fallecimiento en 1802 de María Teresa de Silva, XIII duquesa de Alba, el cuadro fue vendido al embajador danés Edmund Bourke y pasó por colecciones de Reino Unido y Francia. En 1836 fue adquirido por Nicolás I de Rusia, quien hizo de él uno de los platos fuertes del Museo Imperial del Hermitage en San Petersburgo. Un siglo después, el gobierno soviético la vendió clandestinamente a Andrew W. Mellon por la cifra récord de 1 166 400 dólares, quien la donó junto con el resto de su colección a la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., donde puede verse hoy en día.Representa a la Virgen, el Niño Jesús y Juan el Bautista, en un paisaje campestre típicamente italiano. San Juan Bautista sostiene una cruz hacia Jesús, que el niño está agarrando. Las tres figuras miran fijamente a la cruz. Las tres están agrupadas en la parte izquierda del diseño circular, pero el brazo estirado de la Virgen y el material flotante de su capa equilibran la imagen. Reminiscencias del Tondo Doni de Miguel Ángel pueden verse en la concepción hercúlea de la figura de la Virgen, y en cierta dureza en el tratamiento de los paños. Sin embargo, los rostros y, sobre todo, las figuras infantiles, muestran la dulzura típica del arte de Rafael.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Colecciones de la Galería Nacional de Arte (Washington)

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista


El_pífano

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El pífano es una pintura del pintor francés Édouard Manet realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en el Museo de Orsay, en París.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Archivo:Pablo de Valladolid, by Diego Velázquez.jpg

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Archivo:Manet, Edouard - Young Flautist, or The Fifer, 1866 (2).jpg


El_pífano

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El pífano es una pintura del pintor francés Édouard Manet realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en el Museo de Orsay, en París.

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

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El_pífano

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El pífano es una pintura del pintor francés Édouard Manet realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en el Museo de Orsay, en París.

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El_pífano

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El pífano es una pintura del pintor francés Édouard Manet realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en el Museo de Orsay, en París.

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El_pífano

Prompt: Concéntrate en El_pífano y explora la Historia de la obra.

Manet pintó El pífano a su regreso de un viaje a España que realizó en 1865, donde descubrió la obra de Diego Velázquez. El cuadro, donde Manet reflejó la influencia de la pintura española, fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1866. La pintura fue expuesta en 1867 en una de las muestras que Manet hacía de su producción en su propio taller. Asimismo, en 1884 estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de su obra que se organizó como homenaje, tras su muerte en 1883. El rechazo por parte del jurado del Salón de este cuadro impulsó al escritor Émile Zola a publicar una serie de artículos en defensa de Manet en el diario L'événement y —tras ser despedido de este— la Revue du XIXe siècle.[1]Se sabe que entre 1872 y 1873 el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyaba a los jóvenes pintores que formarían el grupo impresionista. Entre 1873 y 1893 el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet. En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta 1911, fecha en que fue entregado al estado francés como donación. El cuadro fue destinado al Museo del Louvre, donde no se expondrá al público hasta 1914. En 1947 fue trasladado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta 1986, momento en que, al crearse el Museo de Orsay, fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre. En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.[2]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

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El_pífano

Prompt: Explora la Historia de la obra de esta obra de arte, El_pífano.

Manet pintó El pífano a su regreso de un viaje a España que realizó en 1865, donde descubrió la obra de Diego Velázquez. El cuadro, donde Manet reflejó la influencia de la pintura española, fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1866. La pintura fue expuesta en 1867 en una de las muestras que Manet hacía de su producción en su propio taller. Asimismo, en 1884 estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de su obra que se organizó como homenaje, tras su muerte en 1883. El rechazo por parte del jurado del Salón de este cuadro impulsó al escritor Émile Zola a publicar una serie de artículos en defensa de Manet en el diario L'événement y —tras ser despedido de este— la Revue du XIXe siècle.[1]Se sabe que entre 1872 y 1873 el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyaba a los jóvenes pintores que formarían el grupo impresionista. Entre 1873 y 1893 el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet. En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta 1911, fecha en que fue entregado al estado francés como donación. El cuadro fue destinado al Museo del Louvre, donde no se expondrá al público hasta 1914. En 1947 fue trasladado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta 1986, momento en que, al crearse el Museo de Orsay, fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre. En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.[2]

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El_pífano

Prompt: ¿Cómo aclara El_pífano su Historia de la obra?

Manet pintó El pífano a su regreso de un viaje a España que realizó en 1865, donde descubrió la obra de Diego Velázquez. El cuadro, donde Manet reflejó la influencia de la pintura española, fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1866. La pintura fue expuesta en 1867 en una de las muestras que Manet hacía de su producción en su propio taller. Asimismo, en 1884 estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de su obra que se organizó como homenaje, tras su muerte en 1883. El rechazo por parte del jurado del Salón de este cuadro impulsó al escritor Émile Zola a publicar una serie de artículos en defensa de Manet en el diario L'événement y —tras ser despedido de este— la Revue du XIXe siècle.[1]Se sabe que entre 1872 y 1873 el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyaba a los jóvenes pintores que formarían el grupo impresionista. Entre 1873 y 1893 el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet. En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta 1911, fecha en que fue entregado al estado francés como donación. El cuadro fue destinado al Museo del Louvre, donde no se expondrá al público hasta 1914. En 1947 fue trasladado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta 1986, momento en que, al crearse el Museo de Orsay, fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre. En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.[2]

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El_pífano

Prompt: En El_pífano, ¿Cómo se discute la Historia de la obra?

Manet pintó El pífano a su regreso de un viaje a España que realizó en 1865, donde descubrió la obra de Diego Velázquez. El cuadro, donde Manet reflejó la influencia de la pintura española, fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1866. La pintura fue expuesta en 1867 en una de las muestras que Manet hacía de su producción en su propio taller. Asimismo, en 1884 estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de su obra que se organizó como homenaje, tras su muerte en 1883. El rechazo por parte del jurado del Salón de este cuadro impulsó al escritor Émile Zola a publicar una serie de artículos en defensa de Manet en el diario L'événement y —tras ser despedido de este— la Revue du XIXe siècle.[1]Se sabe que entre 1872 y 1873 el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyaba a los jóvenes pintores que formarían el grupo impresionista. Entre 1873 y 1893 el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet. En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta 1911, fecha en que fue entregado al estado francés como donación. El cuadro fue destinado al Museo del Louvre, donde no se expondrá al público hasta 1914. En 1947 fue trasladado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta 1986, momento en que, al crearse el Museo de Orsay, fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre. En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.[2]

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El_pífano

Prompt: Concéntrate en El_pífano y explora la Análisis del cuadro.

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.[3] Manet escribió a su amigo, el pintor Henri Fantin-Latour: Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles.[3] En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo».[4] Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».[1][3] Además Manet retrata a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne,[5] «tratado como un Grande de España».[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

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El_pífano

Prompt: Explora la Análisis del cuadro de esta obra de arte, El_pífano.

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.[3] Manet escribió a su amigo, el pintor Henri Fantin-Latour: Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles.[3] En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo».[4] Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».[1][3] Además Manet retrata a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne,[5] «tratado como un Grande de España».[3]

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Archivo:Manet, Edouard - Young Flautist, or The Fifer, 1866 (2).jpg


El_pífano

Prompt: ¿Cómo aclara El_pífano su Análisis del cuadro?

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.[3] Manet escribió a su amigo, el pintor Henri Fantin-Latour: Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles.[3] En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo».[4] Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».[1][3] Además Manet retrata a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne,[5] «tratado como un Grande de España».[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

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Categoría:Instrumentos musicales en el arte

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El_pífano

Prompt: En El_pífano, ¿Cómo se discute la Análisis del cuadro?

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.[3] Manet escribió a su amigo, el pintor Henri Fantin-Latour: Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles.[3] En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo».[4] Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».[1][3] Además Manet retrata a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne,[5] «tratado como un Grande de España».[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1860

Archivo:Pablo de Valladolid, by Diego Velázquez.jpg

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Tributo_de_la_moneda

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El tributo de la moneda es una pintura de óleo sobre tabla de Tiziano, que data de 1516 y se encuentra en la Gemäldegalerie de Dresde. Como muchas de sus obras está firmado "F. Ticianus."Este es el primer trabajo que Tiziano realizó para el duque de Ferrara Alfonso I de Este, quien proporcionaría más trabajo al autor.[1]Tiziano representa el momento descrito en los evangelios en el que Simón Pedro responde contra las acusaciones a Jesús de no pagar impuestos. Jesús explica a Pedro porqué está exento de hacerlo, pero por no causar disturbio envía al apóstol a conseguir una moneda de forma milagrosa para cumplir con el tributo.[2]

Archivo: The Tribute Money (1516) - Tizian (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden).jpg

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Colecciones del Gemäldegalerie Alte Meister


Tributo_de_la_moneda

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El tributo de la moneda es una pintura de óleo sobre tabla de Tiziano, que data de 1516 y se encuentra en la Gemäldegalerie de Dresde. Como muchas de sus obras está firmado "F. Ticianus."Este es el primer trabajo que Tiziano realizó para el duque de Ferrara Alfonso I de Este, quien proporcionaría más trabajo al autor.[1]Tiziano representa el momento descrito en los evangelios en el que Simón Pedro responde contra las acusaciones a Jesús de no pagar impuestos. Jesús explica a Pedro porqué está exento de hacerlo, pero por no causar disturbio envía al apóstol a conseguir una moneda de forma milagrosa para cumplir con el tributo.[2]

Archivo: The Tribute Money (1516) - Tizian (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden).jpg

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Colecciones del Gemäldegalerie Alte Meister


Tributo_de_la_moneda

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El tributo de la moneda es una pintura de óleo sobre tabla de Tiziano, que data de 1516 y se encuentra en la Gemäldegalerie de Dresde. Como muchas de sus obras está firmado "F. Ticianus."Este es el primer trabajo que Tiziano realizó para el duque de Ferrara Alfonso I de Este, quien proporcionaría más trabajo al autor.[1]Tiziano representa el momento descrito en los evangelios en el que Simón Pedro responde contra las acusaciones a Jesús de no pagar impuestos. Jesús explica a Pedro porqué está exento de hacerlo, pero por no causar disturbio envía al apóstol a conseguir una moneda de forma milagrosa para cumplir con el tributo.[2]

Archivo: The Tribute Money (1516) - Tizian (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden).jpg

Categoría:Pinturas representando a Jesús

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Tributo_de_la_moneda

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El tributo de la moneda es una pintura de óleo sobre tabla de Tiziano, que data de 1516 y se encuentra en la Gemäldegalerie de Dresde. Como muchas de sus obras está firmado "F. Ticianus."Este es el primer trabajo que Tiziano realizó para el duque de Ferrara Alfonso I de Este, quien proporcionaría más trabajo al autor.[1]Tiziano representa el momento descrito en los evangelios en el que Simón Pedro responde contra las acusaciones a Jesús de no pagar impuestos. Jesús explica a Pedro porqué está exento de hacerlo, pero por no causar disturbio envía al apóstol a conseguir una moneda de forma milagrosa para cumplir con el tributo.[2]

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Pala_Pesaro

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Esta Conversación sagrada con el donante Pesaro (en italiano, Sacra conversazione con i donatori Pesaro), llamada normalmente Pala Pesaro, es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior izquierda), quien encargó el cuadro, y frente a él algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural. También hay otros personajes menos importantes. La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría.El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo.El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas (entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la perspectiva isométrica.Cuando Tiziano pintó este retablo, rompió con una tradición de siglos de colocar las figuras devocionales (la Virgen y el Niño) en el centro de la pintura y el espacio pintado. Al hacer esto, permitió un mayor sentido del movimiento a través de la pintura, anticipando con ello las técnicas compositivas más complicadas propias del arte barroco.

Archivo:Frari (Venice) nave left - Altar of Madona di Ca'Pesaro.jpg

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Francisco de Asís


Pala_Pesaro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Pala_Pesaro.

Esta Conversación sagrada con el donante Pesaro (en italiano, Sacra conversazione con i donatori Pesaro), llamada normalmente Pala Pesaro, es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior izquierda), quien encargó el cuadro, y frente a él algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural. También hay otros personajes menos importantes. La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría.El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo.El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas (entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la perspectiva isométrica.Cuando Tiziano pintó este retablo, rompió con una tradición de siglos de colocar las figuras devocionales (la Virgen y el Niño) en el centro de la pintura y el espacio pintado. Al hacer esto, permitió un mayor sentido del movimiento a través de la pintura, anticipando con ello las técnicas compositivas más complicadas propias del arte barroco.

Archivo:Frari (Venice) nave left - Altar of Madona di Ca'Pesaro.jpg

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Francisco de Asís


Pala_Pesaro

Prompt: ¿Cómo aclara Pala_Pesaro su abstract?

Esta Conversación sagrada con el donante Pesaro (en italiano, Sacra conversazione con i donatori Pesaro), llamada normalmente Pala Pesaro, es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior izquierda), quien encargó el cuadro, y frente a él algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural. También hay otros personajes menos importantes. La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría.El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo.El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas (entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la perspectiva isométrica.Cuando Tiziano pintó este retablo, rompió con una tradición de siglos de colocar las figuras devocionales (la Virgen y el Niño) en el centro de la pintura y el espacio pintado. Al hacer esto, permitió un mayor sentido del movimiento a través de la pintura, anticipando con ello las técnicas compositivas más complicadas propias del arte barroco.

Archivo:Frari (Venice) nave left - Altar of Madona di Ca'Pesaro.jpg

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Francisco de Asís


Pala_Pesaro

Prompt: En Pala_Pesaro, ¿Cómo se discute la abstract?

Esta Conversación sagrada con el donante Pesaro (en italiano, Sacra conversazione con i donatori Pesaro), llamada normalmente Pala Pesaro, es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior izquierda), quien encargó el cuadro, y frente a él algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural. También hay otros personajes menos importantes. La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría.El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las columnas, así como la brillantez de algunas telas y del estandarte. En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un gran realismo.El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas (entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la perspectiva isométrica.Cuando Tiziano pintó este retablo, rompió con una tradición de siglos de colocar las figuras devocionales (la Virgen y el Niño) en el centro de la pintura y el espacio pintado. Al hacer esto, permitió un mayor sentido del movimiento a través de la pintura, anticipando con ello las técnicas compositivas más complicadas propias del arte barroco.

Archivo:Frari (Venice) nave left - Altar of Madona di Ca'Pesaro.jpg

Categoría:Pinturas representando a San Pedro

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pinturas representando a Francisco de Asís


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concéntrate en Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas y explora la abstract.

Berthe Morisot con un ramo de violetas (en francés: Berthe Morisot au bouquet de violettes) es un pintura al óleo sobre tela de Édouard Manet, realizada en 1872.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas.

Berthe Morisot con un ramo de violetas (en francés: Berthe Morisot au bouquet de violettes) es un pintura al óleo sobre tela de Édouard Manet, realizada en 1872.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: ¿Cómo aclara Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas su abstract?

Berthe Morisot con un ramo de violetas (en francés: Berthe Morisot au bouquet de violettes) es un pintura al óleo sobre tela de Édouard Manet, realizada en 1872.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: En Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas, ¿Cómo se discute la abstract?

Berthe Morisot con un ramo de violetas (en francés: Berthe Morisot au bouquet de violettes) es un pintura al óleo sobre tela de Édouard Manet, realizada en 1872.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concéntrate en Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas y explora la Descripción.

La pintura es al óleo sobre tela con unas dimensiones de 55,5 x 40,5 centímetros. Es en la colección de la Museo de Orsay, en París.[2]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas.

La pintura es al óleo sobre tela con unas dimensiones de 55,5 x 40,5 centímetros. Es en la colección de la Museo de Orsay, en París.[2]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: ¿Cómo aclara Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas su Descripción?

La pintura es al óleo sobre tela con unas dimensiones de 55,5 x 40,5 centímetros. Es en la colección de la Museo de Orsay, en París.[2]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: En Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas, ¿Cómo se discute la Descripción?

La pintura es al óleo sobre tela con unas dimensiones de 55,5 x 40,5 centímetros. Es en la colección de la Museo de Orsay, en París.[2]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concéntrate en Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas y explora la Análisis.

Esta pintura muestra a Berthe Morisot de luto con un ramo de violetas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas.

Esta pintura muestra a Berthe Morisot de luto con un ramo de violetas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: ¿Cómo aclara Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas su Análisis?

Esta pintura muestra a Berthe Morisot de luto con un ramo de violetas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: En Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas, ¿Cómo se discute la Análisis?

Esta pintura muestra a Berthe Morisot de luto con un ramo de violetas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concéntrate en Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas y explora la Europeana 280.

En abril de 2016, la pintura Berthe Morisot con un ramo de violetas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[4]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Explora la Europeana 280 de esta obra de arte, Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas.

En abril de 2016, la pintura Berthe Morisot con un ramo de violetas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[4]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: ¿Cómo aclara Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas su Europeana 280?

En abril de 2016, la pintura Berthe Morisot con un ramo de violetas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[4]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: En Berthe_Morisot_con_un_ramo_de_violetas, ¿Cómo se discute la Europeana 280?

En abril de 2016, la pintura Berthe Morisot con un ramo de violetas fue seleccionada como una de las diez más grandes obras artísticas de Francia por el proyecto Europeana.[4]

Categoría:Colecciones del Museo de Orsay

File:Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1870


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: Concéntrate en La_lección_de_música_interrumpida y explora la abstract.

La lección de música interrumpida es una pintura al óleo sobre lienzo de 39,3 cm  x 44,4 cm pintado en 1660 por el pintor neerlandés Johannes Vermeer.  Subastado por primera vez en Ámsterdam en 1810, ahora forma parte de la Colección Frick en Nueva York.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_lección_de_música_interrumpida.

La lección de música interrumpida es una pintura al óleo sobre lienzo de 39,3 cm  x 44,4 cm pintado en 1660 por el pintor neerlandés Johannes Vermeer.  Subastado por primera vez en Ámsterdam en 1810, ahora forma parte de la Colección Frick en Nueva York.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: ¿Cómo aclara La_lección_de_música_interrumpida su abstract?

La lección de música interrumpida es una pintura al óleo sobre lienzo de 39,3 cm  x 44,4 cm pintado en 1660 por el pintor neerlandés Johannes Vermeer.  Subastado por primera vez en Ámsterdam en 1810, ahora forma parte de la Colección Frick en Nueva York.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: En La_lección_de_música_interrumpida, ¿Cómo se discute la abstract?

La lección de música interrumpida es una pintura al óleo sobre lienzo de 39,3 cm  x 44,4 cm pintado en 1660 por el pintor neerlandés Johannes Vermeer.  Subastado por primera vez en Ámsterdam en 1810, ahora forma parte de la Colección Frick en Nueva York.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: Concéntrate en La_lección_de_música_interrumpida y explora la Descripción.

La pintura está en mal estado, lo que sin duda dificulta su estudio en profundidad. Queda de manifiesto en todo caso, la similitud y la estética aparentemente cercana con otras dos obras del mismo autor, Dama con dos caballeros (Muchacha con copa de vino) y Dama bebiendo con un caballero que tienen el mismo estilo y sistema de arquitectura. Se representa una habitación señorial con una ventana, una mesa y un cuadro enmarcado, de uso también en los cuadros anteriores, así como la imagen falsa, en muchas otras obras de Vermeer. En primer término hay una chica sentada leyendo una partitura musical, mientras que un caballero se acerca a ella. Hay que recordar que la música, a menudo el tema de las escenas domésticas pintadas por Vermeer, fue en el siglo XVII, alegoría y símbolo del cortejo.[1] Este hecho se marca con el cuadro de la pared donde se ve un Cupido con un brazo levantado. Este modelo fue tomado de un libro popular en su momento (publicado en 1608) y simboliza la fidelidad de una pareja. Como tal, también está representado en el fondo de otro lienzo de Vermeer: Dama al virginal.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, La_lección_de_música_interrumpida.

La pintura está en mal estado, lo que sin duda dificulta su estudio en profundidad. Queda de manifiesto en todo caso, la similitud y la estética aparentemente cercana con otras dos obras del mismo autor, Dama con dos caballeros (Muchacha con copa de vino) y Dama bebiendo con un caballero que tienen el mismo estilo y sistema de arquitectura. Se representa una habitación señorial con una ventana, una mesa y un cuadro enmarcado, de uso también en los cuadros anteriores, así como la imagen falsa, en muchas otras obras de Vermeer. En primer término hay una chica sentada leyendo una partitura musical, mientras que un caballero se acerca a ella. Hay que recordar que la música, a menudo el tema de las escenas domésticas pintadas por Vermeer, fue en el siglo XVII, alegoría y símbolo del cortejo.[1] Este hecho se marca con el cuadro de la pared donde se ve un Cupido con un brazo levantado. Este modelo fue tomado de un libro popular en su momento (publicado en 1608) y simboliza la fidelidad de una pareja. Como tal, también está representado en el fondo de otro lienzo de Vermeer: Dama al virginal.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: ¿Cómo aclara La_lección_de_música_interrumpida su Descripción?

La pintura está en mal estado, lo que sin duda dificulta su estudio en profundidad. Queda de manifiesto en todo caso, la similitud y la estética aparentemente cercana con otras dos obras del mismo autor, Dama con dos caballeros (Muchacha con copa de vino) y Dama bebiendo con un caballero que tienen el mismo estilo y sistema de arquitectura. Se representa una habitación señorial con una ventana, una mesa y un cuadro enmarcado, de uso también en los cuadros anteriores, así como la imagen falsa, en muchas otras obras de Vermeer. En primer término hay una chica sentada leyendo una partitura musical, mientras que un caballero se acerca a ella. Hay que recordar que la música, a menudo el tema de las escenas domésticas pintadas por Vermeer, fue en el siglo XVII, alegoría y símbolo del cortejo.[1] Este hecho se marca con el cuadro de la pared donde se ve un Cupido con un brazo levantado. Este modelo fue tomado de un libro popular en su momento (publicado en 1608) y simboliza la fidelidad de una pareja. Como tal, también está representado en el fondo de otro lienzo de Vermeer: Dama al virginal.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


La_lección_de_música_interrumpida

Prompt: En La_lección_de_música_interrumpida, ¿Cómo se discute la Descripción?

La pintura está en mal estado, lo que sin duda dificulta su estudio en profundidad. Queda de manifiesto en todo caso, la similitud y la estética aparentemente cercana con otras dos obras del mismo autor, Dama con dos caballeros (Muchacha con copa de vino) y Dama bebiendo con un caballero que tienen el mismo estilo y sistema de arquitectura. Se representa una habitación señorial con una ventana, una mesa y un cuadro enmarcado, de uso también en los cuadros anteriores, así como la imagen falsa, en muchas otras obras de Vermeer. En primer término hay una chica sentada leyendo una partitura musical, mientras que un caballero se acerca a ella. Hay que recordar que la música, a menudo el tema de las escenas domésticas pintadas por Vermeer, fue en el siglo XVII, alegoría y símbolo del cortejo.[1] Este hecho se marca con el cuadro de la pared donde se ve un Cupido con un brazo levantado. Este modelo fue tomado de un libro popular en su momento (publicado en 1608) y simboliza la fidelidad de una pareja. Como tal, también está representado en el fondo de otro lienzo de Vermeer: Dama al virginal.

Archivo:Vermeer Girl Interrupted at Her Music.jpg


Prompt: Concéntrate en Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta y explora la abstract.

Una dama escribe una carta con su sirvienta[1] (en neerlandés Schrijvende vrouw met dienstbode) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1670 y 1671. Se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín.

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta.

Una dama escribe una carta con su sirvienta[1] (en neerlandés Schrijvende vrouw met dienstbode) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1670 y 1671. Se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín.

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta su abstract?

Una dama escribe una carta con su sirvienta[1] (en neerlandés Schrijvende vrouw met dienstbode) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1670 y 1671. Se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín.

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: En Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta, ¿Cómo se discute la abstract?

Una dama escribe una carta con su sirvienta[1] (en neerlandés Schrijvende vrouw met dienstbode) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1670 y 1671. Se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín.

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: Concéntrate en Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta y explora la Descripción.

La obra muestra a una mujer de clase media que se encuentra escribiendo una carta junto a su sirvienta; es vista como un paso de la moderación y autocontención del autor en los años 1660, a sus obras más frescas a partir de los años 1670.[2] Pudo haber sido inspirada en forma parcial por la obra «Mujer enviando una carta» del pintor barroco Gerard ter Borch y el fondo parece ser casi el mismo que el usado en «Mujer con laúd».[3]Es el primero de los experimentos del pintor con la composición centrífuga; donde el foco no es solo el centro del lienzo.[4] Además, es su tercer trabajo donde el drama y la dinámica no se centra en una sola figura.[5] La sirvienta se muestra de pie en una esquina, detrás de su dama, con las manos cruzadas y esperando a que se complete la carta.[4] Los brazos y la posición del cuerpo, de acuerdo a algunos historiadores, indican que ambas mujeres están desconectadas.[6] Sin embargo, el historiador Pascal Bonafoux sugiere que por el mero hecho de estar juntas en una habitación, comparten un acto íntimo como la redacción de una carta.[5] La pintura expone muchas características de las obras de Vermeer, como su obsesión con el eje interior/exterior de los espacios,[6] los suelos con baldosas, los vestidos, marcos de ventanas, la pintura de las paredes y la geometría.[7]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta.

La obra muestra a una mujer de clase media que se encuentra escribiendo una carta junto a su sirvienta; es vista como un paso de la moderación y autocontención del autor en los años 1660, a sus obras más frescas a partir de los años 1670.[2] Pudo haber sido inspirada en forma parcial por la obra «Mujer enviando una carta» del pintor barroco Gerard ter Borch y el fondo parece ser casi el mismo que el usado en «Mujer con laúd».[3]Es el primero de los experimentos del pintor con la composición centrífuga; donde el foco no es solo el centro del lienzo.[4] Además, es su tercer trabajo donde el drama y la dinámica no se centra en una sola figura.[5] La sirvienta se muestra de pie en una esquina, detrás de su dama, con las manos cruzadas y esperando a que se complete la carta.[4] Los brazos y la posición del cuerpo, de acuerdo a algunos historiadores, indican que ambas mujeres están desconectadas.[6] Sin embargo, el historiador Pascal Bonafoux sugiere que por el mero hecho de estar juntas en una habitación, comparten un acto íntimo como la redacción de una carta.[5] La pintura expone muchas características de las obras de Vermeer, como su obsesión con el eje interior/exterior de los espacios,[6] los suelos con baldosas, los vestidos, marcos de ventanas, la pintura de las paredes y la geometría.[7]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: ¿Cómo aclara Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta su Descripción?

La obra muestra a una mujer de clase media que se encuentra escribiendo una carta junto a su sirvienta; es vista como un paso de la moderación y autocontención del autor en los años 1660, a sus obras más frescas a partir de los años 1670.[2] Pudo haber sido inspirada en forma parcial por la obra «Mujer enviando una carta» del pintor barroco Gerard ter Borch y el fondo parece ser casi el mismo que el usado en «Mujer con laúd».[3]Es el primero de los experimentos del pintor con la composición centrífuga; donde el foco no es solo el centro del lienzo.[4] Además, es su tercer trabajo donde el drama y la dinámica no se centra en una sola figura.[5] La sirvienta se muestra de pie en una esquina, detrás de su dama, con las manos cruzadas y esperando a que se complete la carta.[4] Los brazos y la posición del cuerpo, de acuerdo a algunos historiadores, indican que ambas mujeres están desconectadas.[6] Sin embargo, el historiador Pascal Bonafoux sugiere que por el mero hecho de estar juntas en una habitación, comparten un acto íntimo como la redacción de una carta.[5] La pintura expone muchas características de las obras de Vermeer, como su obsesión con el eje interior/exterior de los espacios,[6] los suelos con baldosas, los vestidos, marcos de ventanas, la pintura de las paredes y la geometría.[7]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: En Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta, ¿Cómo se discute la Descripción?

La obra muestra a una mujer de clase media que se encuentra escribiendo una carta junto a su sirvienta; es vista como un paso de la moderación y autocontención del autor en los años 1660, a sus obras más frescas a partir de los años 1670.[2] Pudo haber sido inspirada en forma parcial por la obra «Mujer enviando una carta» del pintor barroco Gerard ter Borch y el fondo parece ser casi el mismo que el usado en «Mujer con laúd».[3]Es el primero de los experimentos del pintor con la composición centrífuga; donde el foco no es solo el centro del lienzo.[4] Además, es su tercer trabajo donde el drama y la dinámica no se centra en una sola figura.[5] La sirvienta se muestra de pie en una esquina, detrás de su dama, con las manos cruzadas y esperando a que se complete la carta.[4] Los brazos y la posición del cuerpo, de acuerdo a algunos historiadores, indican que ambas mujeres están desconectadas.[6] Sin embargo, el historiador Pascal Bonafoux sugiere que por el mero hecho de estar juntas en una habitación, comparten un acto íntimo como la redacción de una carta.[5] La pintura expone muchas características de las obras de Vermeer, como su obsesión con el eje interior/exterior de los espacios,[6] los suelos con baldosas, los vestidos, marcos de ventanas, la pintura de las paredes y la geometría.[7]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

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Prompt: Concéntrate en Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta y explora la Origen y exposiciones.

La pintura fue robada el 27 de abril de 1974, junto con un Goya, dos Gainsboroughs y tres Rubens de la mansión Russborough House propiedad de Sir Alfred Beit por el grupo paramilitar IRA.[8] Las obras robadas fueron recuperadas ocho días después en una casa de campo del condado de Cork. En el año 1986 la obra fue robada de nuevo, ahora por una pandilla liderada por Martin Cahill. El criminal solicitó un rescate de 20 millones de libras pero el dinero no se pagó.[9] La pintura fue recuperada en agosto de 1993 gracias a una operación de la policía irlandesa en el aeropuerto de la ciudad de Amberes, ya había sido donada in absentia a la Galería Nacional de Irlanda.[10]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

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Prompt: Explora la Origen y exposiciones de esta obra de arte, Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta.

La pintura fue robada el 27 de abril de 1974, junto con un Goya, dos Gainsboroughs y tres Rubens de la mansión Russborough House propiedad de Sir Alfred Beit por el grupo paramilitar IRA.[8] Las obras robadas fueron recuperadas ocho días después en una casa de campo del condado de Cork. En el año 1986 la obra fue robada de nuevo, ahora por una pandilla liderada por Martin Cahill. El criminal solicitó un rescate de 20 millones de libras pero el dinero no se pagó.[9] La pintura fue recuperada en agosto de 1993 gracias a una operación de la policía irlandesa en el aeropuerto de la ciudad de Amberes, ya había sido donada in absentia a la Galería Nacional de Irlanda.[10]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

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Prompt: ¿Cómo aclara Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta su Origen y exposiciones?

La pintura fue robada el 27 de abril de 1974, junto con un Goya, dos Gainsboroughs y tres Rubens de la mansión Russborough House propiedad de Sir Alfred Beit por el grupo paramilitar IRA.[8] Las obras robadas fueron recuperadas ocho días después en una casa de campo del condado de Cork. En el año 1986 la obra fue robada de nuevo, ahora por una pandilla liderada por Martin Cahill. El criminal solicitó un rescate de 20 millones de libras pero el dinero no se pagó.[9] La pintura fue recuperada en agosto de 1993 gracias a una operación de la policía irlandesa en el aeropuerto de la ciudad de Amberes, ya había sido donada in absentia a la Galería Nacional de Irlanda.[10]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

Imagen:Woman writing a letter, with her maid, by Johannes Vermeer.jpg


Prompt: En Una_dama_escribe_una_carta_con_su_sirvienta, ¿Cómo se discute la Origen y exposiciones?

La pintura fue robada el 27 de abril de 1974, junto con un Goya, dos Gainsboroughs y tres Rubens de la mansión Russborough House propiedad de Sir Alfred Beit por el grupo paramilitar IRA.[8] Las obras robadas fueron recuperadas ocho días después en una casa de campo del condado de Cork. En el año 1986 la obra fue robada de nuevo, ahora por una pandilla liderada por Martin Cahill. El criminal solicitó un rescate de 20 millones de libras pero el dinero no se pagó.[9] La pintura fue recuperada en agosto de 1993 gracias a una operación de la policía irlandesa en el aeropuerto de la ciudad de Amberes, ya había sido donada in absentia a la Galería Nacional de Irlanda.[10]

Categoría:Colecciones en museos de Irlanda

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Madame_Moitessier

Prompt: Concéntrate en Madame_Moitessier y explora la abstract.

Madame Moitessier es el título de un retrato de Marie-Clotilde-Inès Moitessier (apellido de soltera de Foucauld) iniciado en 1844 y terminado en 1856 por Jean-Auguste-Dominique Ingres. El retrato, que representa a la señora Moitessier sentada, se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Madame Moitessier es también el título de un segundo retrato de Ingres, que la representa de pie y que fue pintado en 1851; ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C..

1851 retrato de pie ([[Galería Nacional de Arte

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1850

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Moitessier (Ingres, 1851) NGA.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Madame_Moitessier.

Madame Moitessier es el título de un retrato de Marie-Clotilde-Inès Moitessier (apellido de soltera de Foucauld) iniciado en 1844 y terminado en 1856 por Jean-Auguste-Dominique Ingres. El retrato, que representa a la señora Moitessier sentada, se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Madame Moitessier es también el título de un segundo retrato de Ingres, que la representa de pie y que fue pintado en 1851; ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C..

1851 retrato de pie ([[Galería Nacional de Arte

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1850

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Moitessier (Ingres, 1851) NGA.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: ¿Cómo aclara Madame_Moitessier su abstract?

Madame Moitessier es el título de un retrato de Marie-Clotilde-Inès Moitessier (apellido de soltera de Foucauld) iniciado en 1844 y terminado en 1856 por Jean-Auguste-Dominique Ingres. El retrato, que representa a la señora Moitessier sentada, se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Madame Moitessier es también el título de un segundo retrato de Ingres, que la representa de pie y que fue pintado en 1851; ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C..

1851 retrato de pie ([[Galería Nacional de Arte

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1850

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Moitessier (Ingres, 1851) NGA.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: En Madame_Moitessier, ¿Cómo se discute la abstract?

Madame Moitessier es el título de un retrato de Marie-Clotilde-Inès Moitessier (apellido de soltera de Foucauld) iniciado en 1844 y terminado en 1856 por Jean-Auguste-Dominique Ingres. El retrato, que representa a la señora Moitessier sentada, se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Madame Moitessier es también el título de un segundo retrato de Ingres, que la representa de pie y que fue pintado en 1851; ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C..

1851 retrato de pie ([[Galería Nacional de Arte

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1850

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Archivo:Moitessier (Ingres, 1851) NGA.jpg