Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: En Cien_famosas_vistas_de_Edo, ¿Cómo se discute la Historia?

Durante el período Edo, Japón estuvo gobernado por el Shogunato Tokugawa, que cerró el país a todo contacto exterior a través del sakoku: los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos, expulsados. Este período supuso una etapa de paz y prosperidad tras las guerras civiles acaecidas en él durante los siglos XV y XVI: entre 1573 y 1603 (Período Azuchi-Momoyama), quedando unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, que eliminaron a los daimyō (señores de la guerra de origen feudal) y crearon un estado centralizado. La capital se estableció en Edo (江戸, estuario?) —el anterior nombre que recibía la ciudad de Tokio—, que creció con gran rapidez, especialmente tras su reconstrucción en 1657 debido a un gran incendio que la destruyó casi por completo. En 1725 era la ciudad más populosa del mundo, con más de un millón de habitantes. En el momento de la publicación de la serie de Hiroshige,  contaba con una población de casi dos millones de censados, así como con una superficie de unos 80 km² de extensión.[3]Edo se convirtió en el núcleo de una próspera clase media: pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y la artesanía, dando lugar a la aparición de una clase burguesa que fue creciendo en poder e influencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados, cerámica, lacas y productos textiles. Así, cobró un gran auge el grabado en madera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas. Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgió la impresión en color (nishiki-e).[4]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Archivo:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Archivo:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg


Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Concéntrate en Cien_famosas_vistas_de_Edo y explora la Estilo.

La escuela ukiyo-e (浮世絵, «estampas del mundo flotante»?) destacó por la representación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmente xilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinaria, con una sutil sensibilidad y un gusto refinado de gran modernidad.[5] Con la llegada de la paz tras las guerras civiles y el auge de una clase burguesa en las grandes ciudades —principalmente en Edo—, la nueva prosperidad se tradujo en un aumento del consumo de arte, especialmente de las estampas que retrataban la vida urbana y los ambientes de ocio y entretenimiento: casas de té, geishas, actores de kabuki, luchadores de sumo, etc. Fue una época lúdica, donde se valoraba el esparcimiento, la diversión y la relajación, y todo aquello que hiciese la vida agradable. La sensación de flotar en una nube, de dejarse llevar por el placer, marcó el sentimiento de hedonismo que afloró en la gente, de ahí el nombre ukiyo-e: «estampas del mundo flotante».[nota 1] Este estilo tuvo un gran éxito entre las clases medias de Edo, que consumían con avidez las estampas que retrataban de forma sencilla y amena, pero a la vez artística y estética, a la ciudad, los ambientes y a las personas que conocían y que les resultaban agradables. Su fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras como Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Varios artistas se especializaron en la reproducción de los actores del teatro popular japonés kabuki –yakusha-e (役者絵, «cuadros de actores»?)–, entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobre todo, Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue el bijin-ga (美人画, «cuadros de mujeres hermosas»?), que representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo, principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro y Keisai Eisen. Otra variante fue el shunga (春画, «estampas primaverales»?), de contenido más explícitamente erótico. El paisajismo fue introducido por Utagawa Toyoharu –fundador de la escuela Utagawa, a la que perteneció Hiroshige–, que aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés, seguido por la excepcional obra de Katsushika Hokusai.[6]

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Explora la Estilo de esta obra de arte, Cien_famosas_vistas_de_Edo.

La escuela ukiyo-e (浮世絵, «estampas del mundo flotante»?) destacó por la representación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmente xilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinaria, con una sutil sensibilidad y un gusto refinado de gran modernidad.[5] Con la llegada de la paz tras las guerras civiles y el auge de una clase burguesa en las grandes ciudades —principalmente en Edo—, la nueva prosperidad se tradujo en un aumento del consumo de arte, especialmente de las estampas que retrataban la vida urbana y los ambientes de ocio y entretenimiento: casas de té, geishas, actores de kabuki, luchadores de sumo, etc. Fue una época lúdica, donde se valoraba el esparcimiento, la diversión y la relajación, y todo aquello que hiciese la vida agradable. La sensación de flotar en una nube, de dejarse llevar por el placer, marcó el sentimiento de hedonismo que afloró en la gente, de ahí el nombre ukiyo-e: «estampas del mundo flotante».[nota 1] Este estilo tuvo un gran éxito entre las clases medias de Edo, que consumían con avidez las estampas que retrataban de forma sencilla y amena, pero a la vez artística y estética, a la ciudad, los ambientes y a las personas que conocían y que les resultaban agradables. Su fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras como Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Varios artistas se especializaron en la reproducción de los actores del teatro popular japonés kabuki –yakusha-e (役者絵, «cuadros de actores»?)–, entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobre todo, Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue el bijin-ga (美人画, «cuadros de mujeres hermosas»?), que representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo, principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro y Keisai Eisen. Otra variante fue el shunga (春画, «estampas primaverales»?), de contenido más explícitamente erótico. El paisajismo fue introducido por Utagawa Toyoharu –fundador de la escuela Utagawa, a la que perteneció Hiroshige–, que aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés, seguido por la excepcional obra de Katsushika Hokusai.[6]

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Prompt: ¿Cómo aclara Cien_famosas_vistas_de_Edo su Estilo?

La escuela ukiyo-e (浮世絵, «estampas del mundo flotante»?) destacó por la representación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmente xilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinaria, con una sutil sensibilidad y un gusto refinado de gran modernidad.[5] Con la llegada de la paz tras las guerras civiles y el auge de una clase burguesa en las grandes ciudades —principalmente en Edo—, la nueva prosperidad se tradujo en un aumento del consumo de arte, especialmente de las estampas que retrataban la vida urbana y los ambientes de ocio y entretenimiento: casas de té, geishas, actores de kabuki, luchadores de sumo, etc. Fue una época lúdica, donde se valoraba el esparcimiento, la diversión y la relajación, y todo aquello que hiciese la vida agradable. La sensación de flotar en una nube, de dejarse llevar por el placer, marcó el sentimiento de hedonismo que afloró en la gente, de ahí el nombre ukiyo-e: «estampas del mundo flotante».[nota 1] Este estilo tuvo un gran éxito entre las clases medias de Edo, que consumían con avidez las estampas que retrataban de forma sencilla y amena, pero a la vez artística y estética, a la ciudad, los ambientes y a las personas que conocían y que les resultaban agradables. Su fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras como Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Varios artistas se especializaron en la reproducción de los actores del teatro popular japonés kabuki –yakusha-e (役者絵, «cuadros de actores»?)–, entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobre todo, Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue el bijin-ga (美人画, «cuadros de mujeres hermosas»?), que representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo, principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro y Keisai Eisen. Otra variante fue el shunga (春画, «estampas primaverales»?), de contenido más explícitamente erótico. El paisajismo fue introducido por Utagawa Toyoharu –fundador de la escuela Utagawa, a la que perteneció Hiroshige–, que aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés, seguido por la excepcional obra de Katsushika Hokusai.[6]

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La escuela ukiyo-e (浮世絵, «estampas del mundo flotante»?) destacó por la representación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmente xilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinaria, con una sutil sensibilidad y un gusto refinado de gran modernidad.[5] Con la llegada de la paz tras las guerras civiles y el auge de una clase burguesa en las grandes ciudades —principalmente en Edo—, la nueva prosperidad se tradujo en un aumento del consumo de arte, especialmente de las estampas que retrataban la vida urbana y los ambientes de ocio y entretenimiento: casas de té, geishas, actores de kabuki, luchadores de sumo, etc. Fue una época lúdica, donde se valoraba el esparcimiento, la diversión y la relajación, y todo aquello que hiciese la vida agradable. La sensación de flotar en una nube, de dejarse llevar por el placer, marcó el sentimiento de hedonismo que afloró en la gente, de ahí el nombre ukiyo-e: «estampas del mundo flotante».[nota 1] Este estilo tuvo un gran éxito entre las clases medias de Edo, que consumían con avidez las estampas que retrataban de forma sencilla y amena, pero a la vez artística y estética, a la ciudad, los ambientes y a las personas que conocían y que les resultaban agradables. Su fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras como Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Varios artistas se especializaron en la reproducción de los actores del teatro popular japonés kabuki –yakusha-e (役者絵, «cuadros de actores»?)–, entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobre todo, Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue el bijin-ga (美人画, «cuadros de mujeres hermosas»?), que representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo, principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro y Keisai Eisen. Otra variante fue el shunga (春画, «estampas primaverales»?), de contenido más explícitamente erótico. El paisajismo fue introducido por Utagawa Toyoharu –fundador de la escuela Utagawa, a la que perteneció Hiroshige–, que aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés, seguido por la excepcional obra de Katsushika Hokusai.[6]

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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Prompt: Concéntrate en Cien_famosas_vistas_de_Edo y explora la El autor.

Utagawa Hiroshige (歌川広重, Utagawa Hiroshige?)[nota 2] (1797-1858) fue uno de los últimos y mejores representantes de la escuela ukiyo-e.[7] Discípulo de Utagawa Toyohiro, se inició en los géneros yakusha-e y bijin-ga, aunque posteriormente se especializó en el paisajismo, generalmente en formato de grabado. También aprendió los estilos de las escuelas Kanō y Maruyama-Shijō. Su estilo se caracterizó por un gran realismo y por el reflejo de la vida cotidiana y de la gente popular, así como por la aplicación de una gran sensibilidad en el tratamiento atmosférico de sus obras y de la plasmación en imágenes de estados de ánimo. Supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y los cambios sucedidos en la naturaleza en el transcurso de las estaciones. Reflejó a la naturaleza de una forma lírica y evocadora, con un cierto romanticismo y con una gran sensibilidad para plasmar su belleza efímera. A menudo introdujo poemas en sus imágenes –con una delicada caligrafía–, reflejo de su excelente formación tanto literaria como artística. Trabajó preferentemente en series de grabados, como Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō (1833), Famosas vistas de Kyōto (1834) y Sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō (1839). A lo largo de toda su vida realizó unas 5.400 xilografías, que le convirtieron en un maestro indiscutible del ukiyo-e.[8]Las estampas de Hiroshige tuvieron una gran acogida en Occidente –donde surgió la moda del japonismo–, llegando a influir en la obra de varios artistas: queda evidenciado en algunas obras de los años 1870 de James Abbott McNeill Whistler, como Thames set y Pinturas nocturnas. También impresionó en gran medida al pintor holandés Vincent van Gogh, que realizó copias de varias obras de Hiroshige, como Japonaiserie: Puente bajo la lluvia (1887) –copia de El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina– y  Japonaiserie: Ciruelo en flor (1887) –copia de Jardín de ciruelos en Kameido–. Van Gogh llegó a decir en 1888: «con ojos japoneses se ve más; se siente el color de un modo distinto».[9] La obra de Hiroshige fue asimismo ampliamente difundida por la revista Le Japon Artistique (1888-1891), editada por Samuel Bing.[10]

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Prompt: Explora la El autor de esta obra de arte, Cien_famosas_vistas_de_Edo.

Utagawa Hiroshige (歌川広重, Utagawa Hiroshige?)[nota 2] (1797-1858) fue uno de los últimos y mejores representantes de la escuela ukiyo-e.[7] Discípulo de Utagawa Toyohiro, se inició en los géneros yakusha-e y bijin-ga, aunque posteriormente se especializó en el paisajismo, generalmente en formato de grabado. También aprendió los estilos de las escuelas Kanō y Maruyama-Shijō. Su estilo se caracterizó por un gran realismo y por el reflejo de la vida cotidiana y de la gente popular, así como por la aplicación de una gran sensibilidad en el tratamiento atmosférico de sus obras y de la plasmación en imágenes de estados de ánimo. Supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y los cambios sucedidos en la naturaleza en el transcurso de las estaciones. Reflejó a la naturaleza de una forma lírica y evocadora, con un cierto romanticismo y con una gran sensibilidad para plasmar su belleza efímera. A menudo introdujo poemas en sus imágenes –con una delicada caligrafía–, reflejo de su excelente formación tanto literaria como artística. Trabajó preferentemente en series de grabados, como Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō (1833), Famosas vistas de Kyōto (1834) y Sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō (1839). A lo largo de toda su vida realizó unas 5.400 xilografías, que le convirtieron en un maestro indiscutible del ukiyo-e.[8]Las estampas de Hiroshige tuvieron una gran acogida en Occidente –donde surgió la moda del japonismo–, llegando a influir en la obra de varios artistas: queda evidenciado en algunas obras de los años 1870 de James Abbott McNeill Whistler, como Thames set y Pinturas nocturnas. También impresionó en gran medida al pintor holandés Vincent van Gogh, que realizó copias de varias obras de Hiroshige, como Japonaiserie: Puente bajo la lluvia (1887) –copia de El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina– y  Japonaiserie: Ciruelo en flor (1887) –copia de Jardín de ciruelos en Kameido–. Van Gogh llegó a decir en 1888: «con ojos japoneses se ve más; se siente el color de un modo distinto».[9] La obra de Hiroshige fue asimismo ampliamente difundida por la revista Le Japon Artistique (1888-1891), editada por Samuel Bing.[10]

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Utagawa Hiroshige (歌川広重, Utagawa Hiroshige?)[nota 2] (1797-1858) fue uno de los últimos y mejores representantes de la escuela ukiyo-e.[7] Discípulo de Utagawa Toyohiro, se inició en los géneros yakusha-e y bijin-ga, aunque posteriormente se especializó en el paisajismo, generalmente en formato de grabado. También aprendió los estilos de las escuelas Kanō y Maruyama-Shijō. Su estilo se caracterizó por un gran realismo y por el reflejo de la vida cotidiana y de la gente popular, así como por la aplicación de una gran sensibilidad en el tratamiento atmosférico de sus obras y de la plasmación en imágenes de estados de ánimo. Supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y los cambios sucedidos en la naturaleza en el transcurso de las estaciones. Reflejó a la naturaleza de una forma lírica y evocadora, con un cierto romanticismo y con una gran sensibilidad para plasmar su belleza efímera. A menudo introdujo poemas en sus imágenes –con una delicada caligrafía–, reflejo de su excelente formación tanto literaria como artística. Trabajó preferentemente en series de grabados, como Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō (1833), Famosas vistas de Kyōto (1834) y Sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō (1839). A lo largo de toda su vida realizó unas 5.400 xilografías, que le convirtieron en un maestro indiscutible del ukiyo-e.[8]Las estampas de Hiroshige tuvieron una gran acogida en Occidente –donde surgió la moda del japonismo–, llegando a influir en la obra de varios artistas: queda evidenciado en algunas obras de los años 1870 de James Abbott McNeill Whistler, como Thames set y Pinturas nocturnas. También impresionó en gran medida al pintor holandés Vincent van Gogh, que realizó copias de varias obras de Hiroshige, como Japonaiserie: Puente bajo la lluvia (1887) –copia de El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina– y  Japonaiserie: Ciruelo en flor (1887) –copia de Jardín de ciruelos en Kameido–. Van Gogh llegó a decir en 1888: «con ojos japoneses se ve más; se siente el color de un modo distinto».[9] La obra de Hiroshige fue asimismo ampliamente difundida por la revista Le Japon Artistique (1888-1891), editada por Samuel Bing.[10]

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''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

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''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Archivo:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg


Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: En Cien_famosas_vistas_de_Edo, ¿Cómo se discute la El autor?

Utagawa Hiroshige (歌川広重, Utagawa Hiroshige?)[nota 2] (1797-1858) fue uno de los últimos y mejores representantes de la escuela ukiyo-e.[7] Discípulo de Utagawa Toyohiro, se inició en los géneros yakusha-e y bijin-ga, aunque posteriormente se especializó en el paisajismo, generalmente en formato de grabado. También aprendió los estilos de las escuelas Kanō y Maruyama-Shijō. Su estilo se caracterizó por un gran realismo y por el reflejo de la vida cotidiana y de la gente popular, así como por la aplicación de una gran sensibilidad en el tratamiento atmosférico de sus obras y de la plasmación en imágenes de estados de ánimo. Supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y los cambios sucedidos en la naturaleza en el transcurso de las estaciones. Reflejó a la naturaleza de una forma lírica y evocadora, con un cierto romanticismo y con una gran sensibilidad para plasmar su belleza efímera. A menudo introdujo poemas en sus imágenes –con una delicada caligrafía–, reflejo de su excelente formación tanto literaria como artística. Trabajó preferentemente en series de grabados, como Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō (1833), Famosas vistas de Kyōto (1834) y Sesenta y nueve estaciones del Kisokaidō (1839). A lo largo de toda su vida realizó unas 5.400 xilografías, que le convirtieron en un maestro indiscutible del ukiyo-e.[8]Las estampas de Hiroshige tuvieron una gran acogida en Occidente –donde surgió la moda del japonismo–, llegando a influir en la obra de varios artistas: queda evidenciado en algunas obras de los años 1870 de James Abbott McNeill Whistler, como Thames set y Pinturas nocturnas. También impresionó en gran medida al pintor holandés Vincent van Gogh, que realizó copias de varias obras de Hiroshige, como Japonaiserie: Puente bajo la lluvia (1887) –copia de El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina– y  Japonaiserie: Ciruelo en flor (1887) –copia de Jardín de ciruelos en Kameido–. Van Gogh llegó a decir en 1888: «con ojos japoneses se ve más; se siente el color de un modo distinto».[9] La obra de Hiroshige fue asimismo ampliamente difundida por la revista Le Japon Artistique (1888-1891), editada por Samuel Bing.[10]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Archivo:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Concéntrate en Cien_famosas_vistas_de_Edo y explora la La serie.

La serie Cien famosas vistas de Edo fue realizada por Hiroshige entre 1856 y 1858 –años Ansei 3 a Ansei 5 en el calendario japonés–.[nota 3] Comprende un total de 119 estampas sobre paisajes y lugares emblemáticos de Edo –el antiguo nombre de Tokio–. Este proyecto fue uno de los más ambiciosos y el último en relevancia de la producción de este artista. Con él, el afamado seguidor de la escuela ukiyo-e pretendió reflejar los cambios sufridos por la capital nipona durante esos últimos años, en que el progreso y la modernidad avanzaban vertiginosamente destruyendo las costumbres y tradiciones ancestrales de Japón. En 1853, el bloqueo naval del comodoro estadounidense Matthew Perry obligó al emperador a abrir Japón a Occidente. Posteriormente, en 1855, Edo sufrió un gran terremoto (de magnitud 7,1), que provocó una gran destrucción, con un saldo de 10.000 fallecidos y unos 16.000 edificios destruidos. Estos cambios en la fisonomía de la ciudad fueron los que quiso reflejar Hiroshige en su serie.En el momento de realizar esta obra, Hiroshige se hallaba en la cumbre de su carrera: en 1856, al cumplir sesenta años, realizó el ritual budista de afeitarse la cabeza, iniciando la vida de monje. Recibió el encargo de Sakanaya Eikichi, un editor que quiso reflejar los cambios acaecidos en Edo tras el terremoto. Hiroshige plasmó esta idea en más de cien vistas sobre los lugares más conocidos y pintorescos de la ciudad. Buscó sobre todo imágenes insólitas, enfoques novedosos, con perspectivas poco usuales, como imágenes partidas por un marco vertical, o bien medio tapadas por un objeto cotidiano que se sitúa entre el fondo y la vista del espectador. Estas vistas tuvieron una exitosa acogida –de cada grabado se realizaron de 10.000 a 15.000 ejemplares–, aunque desgraciadamente la serie quedó interrumpida por la muerte del autor en una epidemia de cólera, en 1858. Finalmente, algunos de los grabados que no llegaron a ser finalizados por el maestro, fueron terminados por su discípulo Utagawa Hiroshige II.[12]La serie la realizó en formato ōban –formato grande, aproximadamente 39,5 x 26,8 cm–,[nota 4] y empleó la técnica nishiki-e, un tipo de cromoxilografía introducido en el siglo XVIII (hacia 1765) que permitió el grabado en color. Dentro de la normativa gubernamental, tuvo que ajustar sus trabajos para que pasasen la censura –según un edicto de 1790 todas las obras debían cumplir la política de limitación del lujo, así como no contener material políticamente sensible– en diversas fases: el primer año (1856) presentó 37 estampas; en 1857, 71; y, en 1858, el año de su muerte, 7. Según parece, la idea del autor y el editor era finalizar la serie en julio de 1858, y dos estampas de ese mes llevan el título de Complementos entretenidos de las cien vistas de Edo (Edo hyakkei yokyō); pero al mes siguiente presentaron otras tres estampas bajo el título habitual. Estas 115 xilografías se completaron en octubre de 1858 con otras tres estampas, aprobadas por los censores tras la muerte del artista, probablemente obras de Hiroshige II a petición del editor. Se encargó entonces el índice a Baisotei Gengyo (1817-1880), afamado diseñador de portadas. Por último, en 1859 Hiroshige II realizó una última lámina para celebrar su ascenso a la categoría de maestro, sellado ante el censor en abril de 1859.[3]Las estampas fueron agrupadas según las estaciones del año, como se indica en el índice: 42 estampas de primavera, 30 de verano, 26 de otoño y 20 de invierno.[nota 5] Aunque con la edad había perdido cierta fuerza expresiva presente en obras anteriores, esta serie rebosa de un intenso colorido y una gran sensibilidad emotiva, muestra de la vinculación especial con el paisaje de su ciudad natal. A lo largo de las diversas estampas empleó numerosas técnicas que había ido aprendiendo a lo largo de su vida: karazuri, técnica de grabado realzado en que se imprime sobre el papel una plancha sin tinta, para que quede impreso el relieve; atenashi-bokashi, técnica que mezcla un líquido con la tinta y se reparte por toda la superficie, ideal para el agua y las nubes; kimekomi, técnica por la que se presiona una plancha sobre el papel, para líneas y contornos; y kirakake, grabado brillante, realizado con dos planchas, una de color y otra de cola de huesos, sobre las que se coloca el papel, que posteriormente es rociado con polvo de mica.[13]En estas imágenes Hiroshige presenta el paisaje bajo el prisma de la emotividad, describiendo la realidad de una forma subjetiva, interpretada según la visión del artista. Es una naturaleza evocadora, que muestra el transcurso del tiempo y lo efímero de la vida y la belleza, siguiendo el concepto zen de transitoriedad (mujō). Para los japoneses existe una innata relación entre el arte y la naturaleza, que es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza (mono-no-aware), como queda patente en la fiesta del Hanami, basada en la contemplación de los cerezos en flor. El autor engloba los paisajes en encuadres insólitos, que favorecen una cierta sensación de perspectiva, aunque sin usar la perspectiva lineal occidental –que sin embargo conocía y usó esporádicamente, sobre todo en la recreación de teatros kabuki–. Generalmente incluye pequeñas figuras humanas inmersas en la grandiosidad de su entorno, junto a animales y objetos en forma de elementos anecdóticos, a veces con un cierto tono satírico y humorístico, pero denotando un gran respeto por el pueblo llano y por la vida y las costumbres ancestrales de Japón.[14]Por lo general, todas las xilografías contienen tres cartelas: en la esquina superior derecha, en rojo, el título de la serie (Meisho Edo hyakkei), en el mismo formato que una hoja de poesía tanzaku; al lado, el título de cada estampa, en formato de hoja de poesía shikishi; y en la esquina inferior izquierda, también en rojo, el nombre del autor, Hiroshige. Fuera del marco de la estampa, en el margen inferior izquierdo, aparece frecuentemente el sello del editor, Sakanaya Eikichi, a veces con su dirección (Shitaya Shinkuromonchō), y a veces abreviado como «Shitaya Uoei» (donde Uoei corresponde a Uoya Eikichi, un nombre alternativo por el que era también conocido el editor). También fuera del marco, pero arriba a la derecha, se suele situar el sello del censor, aratame («examinado»), generalmente con la fecha, representada por el signo del año: 1856 fue el año del dragón (tatsu), 1857 de la serpiente (hebi) y 1858 del caballo (uma).[15]

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Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

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''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: Explora la La serie de esta obra de arte, Cien_famosas_vistas_de_Edo.

La serie Cien famosas vistas de Edo fue realizada por Hiroshige entre 1856 y 1858 –años Ansei 3 a Ansei 5 en el calendario japonés–.[nota 3] Comprende un total de 119 estampas sobre paisajes y lugares emblemáticos de Edo –el antiguo nombre de Tokio–. Este proyecto fue uno de los más ambiciosos y el último en relevancia de la producción de este artista. Con él, el afamado seguidor de la escuela ukiyo-e pretendió reflejar los cambios sufridos por la capital nipona durante esos últimos años, en que el progreso y la modernidad avanzaban vertiginosamente destruyendo las costumbres y tradiciones ancestrales de Japón. En 1853, el bloqueo naval del comodoro estadounidense Matthew Perry obligó al emperador a abrir Japón a Occidente. Posteriormente, en 1855, Edo sufrió un gran terremoto (de magnitud 7,1), que provocó una gran destrucción, con un saldo de 10.000 fallecidos y unos 16.000 edificios destruidos. Estos cambios en la fisonomía de la ciudad fueron los que quiso reflejar Hiroshige en su serie.En el momento de realizar esta obra, Hiroshige se hallaba en la cumbre de su carrera: en 1856, al cumplir sesenta años, realizó el ritual budista de afeitarse la cabeza, iniciando la vida de monje. Recibió el encargo de Sakanaya Eikichi, un editor que quiso reflejar los cambios acaecidos en Edo tras el terremoto. Hiroshige plasmó esta idea en más de cien vistas sobre los lugares más conocidos y pintorescos de la ciudad. Buscó sobre todo imágenes insólitas, enfoques novedosos, con perspectivas poco usuales, como imágenes partidas por un marco vertical, o bien medio tapadas por un objeto cotidiano que se sitúa entre el fondo y la vista del espectador. Estas vistas tuvieron una exitosa acogida –de cada grabado se realizaron de 10.000 a 15.000 ejemplares–, aunque desgraciadamente la serie quedó interrumpida por la muerte del autor en una epidemia de cólera, en 1858. Finalmente, algunos de los grabados que no llegaron a ser finalizados por el maestro, fueron terminados por su discípulo Utagawa Hiroshige II.[12]La serie la realizó en formato ōban –formato grande, aproximadamente 39,5 x 26,8 cm–,[nota 4] y empleó la técnica nishiki-e, un tipo de cromoxilografía introducido en el siglo XVIII (hacia 1765) que permitió el grabado en color. Dentro de la normativa gubernamental, tuvo que ajustar sus trabajos para que pasasen la censura –según un edicto de 1790 todas las obras debían cumplir la política de limitación del lujo, así como no contener material políticamente sensible– en diversas fases: el primer año (1856) presentó 37 estampas; en 1857, 71; y, en 1858, el año de su muerte, 7. Según parece, la idea del autor y el editor era finalizar la serie en julio de 1858, y dos estampas de ese mes llevan el título de Complementos entretenidos de las cien vistas de Edo (Edo hyakkei yokyō); pero al mes siguiente presentaron otras tres estampas bajo el título habitual. Estas 115 xilografías se completaron en octubre de 1858 con otras tres estampas, aprobadas por los censores tras la muerte del artista, probablemente obras de Hiroshige II a petición del editor. Se encargó entonces el índice a Baisotei Gengyo (1817-1880), afamado diseñador de portadas. Por último, en 1859 Hiroshige II realizó una última lámina para celebrar su ascenso a la categoría de maestro, sellado ante el censor en abril de 1859.[3]Las estampas fueron agrupadas según las estaciones del año, como se indica en el índice: 42 estampas de primavera, 30 de verano, 26 de otoño y 20 de invierno.[nota 5] Aunque con la edad había perdido cierta fuerza expresiva presente en obras anteriores, esta serie rebosa de un intenso colorido y una gran sensibilidad emotiva, muestra de la vinculación especial con el paisaje de su ciudad natal. A lo largo de las diversas estampas empleó numerosas técnicas que había ido aprendiendo a lo largo de su vida: karazuri, técnica de grabado realzado en que se imprime sobre el papel una plancha sin tinta, para que quede impreso el relieve; atenashi-bokashi, técnica que mezcla un líquido con la tinta y se reparte por toda la superficie, ideal para el agua y las nubes; kimekomi, técnica por la que se presiona una plancha sobre el papel, para líneas y contornos; y kirakake, grabado brillante, realizado con dos planchas, una de color y otra de cola de huesos, sobre las que se coloca el papel, que posteriormente es rociado con polvo de mica.[13]En estas imágenes Hiroshige presenta el paisaje bajo el prisma de la emotividad, describiendo la realidad de una forma subjetiva, interpretada según la visión del artista. Es una naturaleza evocadora, que muestra el transcurso del tiempo y lo efímero de la vida y la belleza, siguiendo el concepto zen de transitoriedad (mujō). Para los japoneses existe una innata relación entre el arte y la naturaleza, que es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza (mono-no-aware), como queda patente en la fiesta del Hanami, basada en la contemplación de los cerezos en flor. El autor engloba los paisajes en encuadres insólitos, que favorecen una cierta sensación de perspectiva, aunque sin usar la perspectiva lineal occidental –que sin embargo conocía y usó esporádicamente, sobre todo en la recreación de teatros kabuki–. Generalmente incluye pequeñas figuras humanas inmersas en la grandiosidad de su entorno, junto a animales y objetos en forma de elementos anecdóticos, a veces con un cierto tono satírico y humorístico, pero denotando un gran respeto por el pueblo llano y por la vida y las costumbres ancestrales de Japón.[14]Por lo general, todas las xilografías contienen tres cartelas: en la esquina superior derecha, en rojo, el título de la serie (Meisho Edo hyakkei), en el mismo formato que una hoja de poesía tanzaku; al lado, el título de cada estampa, en formato de hoja de poesía shikishi; y en la esquina inferior izquierda, también en rojo, el nombre del autor, Hiroshige. Fuera del marco de la estampa, en el margen inferior izquierdo, aparece frecuentemente el sello del editor, Sakanaya Eikichi, a veces con su dirección (Shitaya Shinkuromonchō), y a veces abreviado como «Shitaya Uoei» (donde Uoei corresponde a Uoya Eikichi, un nombre alternativo por el que era también conocido el editor). También fuera del marco, pero arriba a la derecha, se suele situar el sello del censor, aratame («examinado»), generalmente con la fecha, representada por el signo del año: 1856 fue el año del dragón (tatsu), 1857 de la serpiente (hebi) y 1858 del caballo (uma).[15]

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Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: ¿Cómo aclara Cien_famosas_vistas_de_Edo su La serie?

La serie Cien famosas vistas de Edo fue realizada por Hiroshige entre 1856 y 1858 –años Ansei 3 a Ansei 5 en el calendario japonés–.[nota 3] Comprende un total de 119 estampas sobre paisajes y lugares emblemáticos de Edo –el antiguo nombre de Tokio–. Este proyecto fue uno de los más ambiciosos y el último en relevancia de la producción de este artista. Con él, el afamado seguidor de la escuela ukiyo-e pretendió reflejar los cambios sufridos por la capital nipona durante esos últimos años, en que el progreso y la modernidad avanzaban vertiginosamente destruyendo las costumbres y tradiciones ancestrales de Japón. En 1853, el bloqueo naval del comodoro estadounidense Matthew Perry obligó al emperador a abrir Japón a Occidente. Posteriormente, en 1855, Edo sufrió un gran terremoto (de magnitud 7,1), que provocó una gran destrucción, con un saldo de 10.000 fallecidos y unos 16.000 edificios destruidos. Estos cambios en la fisonomía de la ciudad fueron los que quiso reflejar Hiroshige en su serie.En el momento de realizar esta obra, Hiroshige se hallaba en la cumbre de su carrera: en 1856, al cumplir sesenta años, realizó el ritual budista de afeitarse la cabeza, iniciando la vida de monje. Recibió el encargo de Sakanaya Eikichi, un editor que quiso reflejar los cambios acaecidos en Edo tras el terremoto. Hiroshige plasmó esta idea en más de cien vistas sobre los lugares más conocidos y pintorescos de la ciudad. Buscó sobre todo imágenes insólitas, enfoques novedosos, con perspectivas poco usuales, como imágenes partidas por un marco vertical, o bien medio tapadas por un objeto cotidiano que se sitúa entre el fondo y la vista del espectador. Estas vistas tuvieron una exitosa acogida –de cada grabado se realizaron de 10.000 a 15.000 ejemplares–, aunque desgraciadamente la serie quedó interrumpida por la muerte del autor en una epidemia de cólera, en 1858. Finalmente, algunos de los grabados que no llegaron a ser finalizados por el maestro, fueron terminados por su discípulo Utagawa Hiroshige II.[12]La serie la realizó en formato ōban –formato grande, aproximadamente 39,5 x 26,8 cm–,[nota 4] y empleó la técnica nishiki-e, un tipo de cromoxilografía introducido en el siglo XVIII (hacia 1765) que permitió el grabado en color. Dentro de la normativa gubernamental, tuvo que ajustar sus trabajos para que pasasen la censura –según un edicto de 1790 todas las obras debían cumplir la política de limitación del lujo, así como no contener material políticamente sensible– en diversas fases: el primer año (1856) presentó 37 estampas; en 1857, 71; y, en 1858, el año de su muerte, 7. Según parece, la idea del autor y el editor era finalizar la serie en julio de 1858, y dos estampas de ese mes llevan el título de Complementos entretenidos de las cien vistas de Edo (Edo hyakkei yokyō); pero al mes siguiente presentaron otras tres estampas bajo el título habitual. Estas 115 xilografías se completaron en octubre de 1858 con otras tres estampas, aprobadas por los censores tras la muerte del artista, probablemente obras de Hiroshige II a petición del editor. Se encargó entonces el índice a Baisotei Gengyo (1817-1880), afamado diseñador de portadas. Por último, en 1859 Hiroshige II realizó una última lámina para celebrar su ascenso a la categoría de maestro, sellado ante el censor en abril de 1859.[3]Las estampas fueron agrupadas según las estaciones del año, como se indica en el índice: 42 estampas de primavera, 30 de verano, 26 de otoño y 20 de invierno.[nota 5] Aunque con la edad había perdido cierta fuerza expresiva presente en obras anteriores, esta serie rebosa de un intenso colorido y una gran sensibilidad emotiva, muestra de la vinculación especial con el paisaje de su ciudad natal. A lo largo de las diversas estampas empleó numerosas técnicas que había ido aprendiendo a lo largo de su vida: karazuri, técnica de grabado realzado en que se imprime sobre el papel una plancha sin tinta, para que quede impreso el relieve; atenashi-bokashi, técnica que mezcla un líquido con la tinta y se reparte por toda la superficie, ideal para el agua y las nubes; kimekomi, técnica por la que se presiona una plancha sobre el papel, para líneas y contornos; y kirakake, grabado brillante, realizado con dos planchas, una de color y otra de cola de huesos, sobre las que se coloca el papel, que posteriormente es rociado con polvo de mica.[13]En estas imágenes Hiroshige presenta el paisaje bajo el prisma de la emotividad, describiendo la realidad de una forma subjetiva, interpretada según la visión del artista. Es una naturaleza evocadora, que muestra el transcurso del tiempo y lo efímero de la vida y la belleza, siguiendo el concepto zen de transitoriedad (mujō). Para los japoneses existe una innata relación entre el arte y la naturaleza, que es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza (mono-no-aware), como queda patente en la fiesta del Hanami, basada en la contemplación de los cerezos en flor. El autor engloba los paisajes en encuadres insólitos, que favorecen una cierta sensación de perspectiva, aunque sin usar la perspectiva lineal occidental –que sin embargo conocía y usó esporádicamente, sobre todo en la recreación de teatros kabuki–. Generalmente incluye pequeñas figuras humanas inmersas en la grandiosidad de su entorno, junto a animales y objetos en forma de elementos anecdóticos, a veces con un cierto tono satírico y humorístico, pero denotando un gran respeto por el pueblo llano y por la vida y las costumbres ancestrales de Japón.[14]Por lo general, todas las xilografías contienen tres cartelas: en la esquina superior derecha, en rojo, el título de la serie (Meisho Edo hyakkei), en el mismo formato que una hoja de poesía tanzaku; al lado, el título de cada estampa, en formato de hoja de poesía shikishi; y en la esquina inferior izquierda, también en rojo, el nombre del autor, Hiroshige. Fuera del marco de la estampa, en el margen inferior izquierdo, aparece frecuentemente el sello del editor, Sakanaya Eikichi, a veces con su dirección (Shitaya Shinkuromonchō), y a veces abreviado como «Shitaya Uoei» (donde Uoei corresponde a Uoya Eikichi, un nombre alternativo por el que era también conocido el editor). También fuera del marco, pero arriba a la derecha, se suele situar el sello del censor, aratame («examinado»), generalmente con la fecha, representada por el signo del año: 1856 fue el año del dragón (tatsu), 1857 de la serpiente (hebi) y 1858 del caballo (uma).[15]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

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Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

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Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

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Cien_famosas_vistas_de_Edo

Prompt: En Cien_famosas_vistas_de_Edo, ¿Cómo se discute la La serie?

La serie Cien famosas vistas de Edo fue realizada por Hiroshige entre 1856 y 1858 –años Ansei 3 a Ansei 5 en el calendario japonés–.[nota 3] Comprende un total de 119 estampas sobre paisajes y lugares emblemáticos de Edo –el antiguo nombre de Tokio–. Este proyecto fue uno de los más ambiciosos y el último en relevancia de la producción de este artista. Con él, el afamado seguidor de la escuela ukiyo-e pretendió reflejar los cambios sufridos por la capital nipona durante esos últimos años, en que el progreso y la modernidad avanzaban vertiginosamente destruyendo las costumbres y tradiciones ancestrales de Japón. En 1853, el bloqueo naval del comodoro estadounidense Matthew Perry obligó al emperador a abrir Japón a Occidente. Posteriormente, en 1855, Edo sufrió un gran terremoto (de magnitud 7,1), que provocó una gran destrucción, con un saldo de 10.000 fallecidos y unos 16.000 edificios destruidos. Estos cambios en la fisonomía de la ciudad fueron los que quiso reflejar Hiroshige en su serie.En el momento de realizar esta obra, Hiroshige se hallaba en la cumbre de su carrera: en 1856, al cumplir sesenta años, realizó el ritual budista de afeitarse la cabeza, iniciando la vida de monje. Recibió el encargo de Sakanaya Eikichi, un editor que quiso reflejar los cambios acaecidos en Edo tras el terremoto. Hiroshige plasmó esta idea en más de cien vistas sobre los lugares más conocidos y pintorescos de la ciudad. Buscó sobre todo imágenes insólitas, enfoques novedosos, con perspectivas poco usuales, como imágenes partidas por un marco vertical, o bien medio tapadas por un objeto cotidiano que se sitúa entre el fondo y la vista del espectador. Estas vistas tuvieron una exitosa acogida –de cada grabado se realizaron de 10.000 a 15.000 ejemplares–, aunque desgraciadamente la serie quedó interrumpida por la muerte del autor en una epidemia de cólera, en 1858. Finalmente, algunos de los grabados que no llegaron a ser finalizados por el maestro, fueron terminados por su discípulo Utagawa Hiroshige II.[12]La serie la realizó en formato ōban –formato grande, aproximadamente 39,5 x 26,8 cm–,[nota 4] y empleó la técnica nishiki-e, un tipo de cromoxilografía introducido en el siglo XVIII (hacia 1765) que permitió el grabado en color. Dentro de la normativa gubernamental, tuvo que ajustar sus trabajos para que pasasen la censura –según un edicto de 1790 todas las obras debían cumplir la política de limitación del lujo, así como no contener material políticamente sensible– en diversas fases: el primer año (1856) presentó 37 estampas; en 1857, 71; y, en 1858, el año de su muerte, 7. Según parece, la idea del autor y el editor era finalizar la serie en julio de 1858, y dos estampas de ese mes llevan el título de Complementos entretenidos de las cien vistas de Edo (Edo hyakkei yokyō); pero al mes siguiente presentaron otras tres estampas bajo el título habitual. Estas 115 xilografías se completaron en octubre de 1858 con otras tres estampas, aprobadas por los censores tras la muerte del artista, probablemente obras de Hiroshige II a petición del editor. Se encargó entonces el índice a Baisotei Gengyo (1817-1880), afamado diseñador de portadas. Por último, en 1859 Hiroshige II realizó una última lámina para celebrar su ascenso a la categoría de maestro, sellado ante el censor en abril de 1859.[3]Las estampas fueron agrupadas según las estaciones del año, como se indica en el índice: 42 estampas de primavera, 30 de verano, 26 de otoño y 20 de invierno.[nota 5] Aunque con la edad había perdido cierta fuerza expresiva presente en obras anteriores, esta serie rebosa de un intenso colorido y una gran sensibilidad emotiva, muestra de la vinculación especial con el paisaje de su ciudad natal. A lo largo de las diversas estampas empleó numerosas técnicas que había ido aprendiendo a lo largo de su vida: karazuri, técnica de grabado realzado en que se imprime sobre el papel una plancha sin tinta, para que quede impreso el relieve; atenashi-bokashi, técnica que mezcla un líquido con la tinta y se reparte por toda la superficie, ideal para el agua y las nubes; kimekomi, técnica por la que se presiona una plancha sobre el papel, para líneas y contornos; y kirakake, grabado brillante, realizado con dos planchas, una de color y otra de cola de huesos, sobre las que se coloca el papel, que posteriormente es rociado con polvo de mica.[13]En estas imágenes Hiroshige presenta el paisaje bajo el prisma de la emotividad, describiendo la realidad de una forma subjetiva, interpretada según la visión del artista. Es una naturaleza evocadora, que muestra el transcurso del tiempo y lo efímero de la vida y la belleza, siguiendo el concepto zen de transitoriedad (mujō). Para los japoneses existe una innata relación entre el arte y la naturaleza, que es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza (mono-no-aware), como queda patente en la fiesta del Hanami, basada en la contemplación de los cerezos en flor. El autor engloba los paisajes en encuadres insólitos, que favorecen una cierta sensación de perspectiva, aunque sin usar la perspectiva lineal occidental –que sin embargo conocía y usó esporádicamente, sobre todo en la recreación de teatros kabuki–. Generalmente incluye pequeñas figuras humanas inmersas en la grandiosidad de su entorno, junto a animales y objetos en forma de elementos anecdóticos, a veces con un cierto tono satírico y humorístico, pero denotando un gran respeto por el pueblo llano y por la vida y las costumbres ancestrales de Japón.[14]Por lo general, todas las xilografías contienen tres cartelas: en la esquina superior derecha, en rojo, el título de la serie (Meisho Edo hyakkei), en el mismo formato que una hoja de poesía tanzaku; al lado, el título de cada estampa, en formato de hoja de poesía shikishi; y en la esquina inferior izquierda, también en rojo, el nombre del autor, Hiroshige. Fuera del marco de la estampa, en el margen inferior izquierdo, aparece frecuentemente el sello del editor, Sakanaya Eikichi, a veces con su dirección (Shitaya Shinkuromonchō), y a veces abreviado como «Shitaya Uoei» (donde Uoei corresponde a Uoya Eikichi, un nombre alternativo por el que era también conocido el editor). También fuera del marco, pero arriba a la derecha, se suele situar el sello del censor, aratame («examinado»), generalmente con la fecha, representada por el signo del año: 1856 fue el año del dragón (tatsu), 1857 de la serpiente (hebi) y 1858 del caballo (uma).[15]

Archivo:Hiroshige, The city flourishing, Tanabata festival, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Table of contents.jpg

Archivo:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Archivo:Hiroshige, Inari bridge and Minato shrine, Teppōzu, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Archivo:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Archivo:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō

''Jardín de ciruelos en Kamada'' (1857), de la serie "Cien famosas vistas de Edo", obra de [[Utagawa Hiroshige

Retrato póstumo a la memoria de Hiroshige, pintado por su amigo, el también pintor [[Utagawa Kunisada

Archivo:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Archivo:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Archivo:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

''Japonaiserie: Puente bajo la lluvia'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Archivo:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg


Los_músicos

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Los músicos (también llamada Concierto de jóvenes) es el primer cuadro de la serie denominada «Pinturas Del Monte», realizadas por Caravaggio en torno a 1595[1] para el poderoso cardenal Francesco Del Monte. De hecho, este era uno de los cuatro cuadros de temática musical que decoraron su camerino de su Palazzo Madama. En esta pintura se aprecia a un trío de jóvenes músicos, probablemente ensayando o dando un concierto, y un cuarto vestido de cupido extendiendo la mano hacia un racimo de uvas. La imagen es una alegoría que relaciona la música con el sustento del amor del mismo modo que la comida es el sustento de la vida[2]. Caravaggio usaría, a partir de esta obra, el tema de la música en sus cuadros. Con ella, además, inicia la tradición de autorretratarse a menudo en sus obras, como lo hace en el joven de la derecha con el rostro girado hacia el espectador. Posiblemente se trate de meros conocidos o amigos de Caravaggio, dado el gran realismo del cuadro. El muchacho disfrazado de cupido se parece mucho al de Muchacho pelando fruta y el ángel de San Francisco de Asís en éxtasis. Los rostros de dos jóvenes denotan un gran esfuerzo puesto en su obra, como se advierte en la concentración del primer joven de derecha a izquierda, absorto en sus pensamientos mientras lee la partitura. Los manuscritos indican que los muchachos están tocando madrigales, celebrando al amor, los ojos del laudista, la figura principal, tienen lágrimas; las canciones describen el dolor del amor más que sus placeres; el violín en primer plano sugiere un quinto participante, implicando así al espectador en la escena.[3]

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Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

San Francisco de Asís en éxtasis (Caravaggio)


Los_músicos

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Los músicos (también llamada Concierto de jóvenes) es el primer cuadro de la serie denominada «Pinturas Del Monte», realizadas por Caravaggio en torno a 1595[1] para el poderoso cardenal Francesco Del Monte. De hecho, este era uno de los cuatro cuadros de temática musical que decoraron su camerino de su Palazzo Madama. En esta pintura se aprecia a un trío de jóvenes músicos, probablemente ensayando o dando un concierto, y un cuarto vestido de cupido extendiendo la mano hacia un racimo de uvas. La imagen es una alegoría que relaciona la música con el sustento del amor del mismo modo que la comida es el sustento de la vida[2]. Caravaggio usaría, a partir de esta obra, el tema de la música en sus cuadros. Con ella, además, inicia la tradición de autorretratarse a menudo en sus obras, como lo hace en el joven de la derecha con el rostro girado hacia el espectador. Posiblemente se trate de meros conocidos o amigos de Caravaggio, dado el gran realismo del cuadro. El muchacho disfrazado de cupido se parece mucho al de Muchacho pelando fruta y el ángel de San Francisco de Asís en éxtasis. Los rostros de dos jóvenes denotan un gran esfuerzo puesto en su obra, como se advierte en la concentración del primer joven de derecha a izquierda, absorto en sus pensamientos mientras lee la partitura. Los manuscritos indican que los muchachos están tocando madrigales, celebrando al amor, los ojos del laudista, la figura principal, tienen lágrimas; las canciones describen el dolor del amor más que sus placeres; el violín en primer plano sugiere un quinto participante, implicando así al espectador en la escena.[3]

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Los músicos (también llamada Concierto de jóvenes) es el primer cuadro de la serie denominada «Pinturas Del Monte», realizadas por Caravaggio en torno a 1595[1] para el poderoso cardenal Francesco Del Monte. De hecho, este era uno de los cuatro cuadros de temática musical que decoraron su camerino de su Palazzo Madama. En esta pintura se aprecia a un trío de jóvenes músicos, probablemente ensayando o dando un concierto, y un cuarto vestido de cupido extendiendo la mano hacia un racimo de uvas. La imagen es una alegoría que relaciona la música con el sustento del amor del mismo modo que la comida es el sustento de la vida[2]. Caravaggio usaría, a partir de esta obra, el tema de la música en sus cuadros. Con ella, además, inicia la tradición de autorretratarse a menudo en sus obras, como lo hace en el joven de la derecha con el rostro girado hacia el espectador. Posiblemente se trate de meros conocidos o amigos de Caravaggio, dado el gran realismo del cuadro. El muchacho disfrazado de cupido se parece mucho al de Muchacho pelando fruta y el ángel de San Francisco de Asís en éxtasis. Los rostros de dos jóvenes denotan un gran esfuerzo puesto en su obra, como se advierte en la concentración del primer joven de derecha a izquierda, absorto en sus pensamientos mientras lee la partitura. Los manuscritos indican que los muchachos están tocando madrigales, celebrando al amor, los ojos del laudista, la figura principal, tienen lágrimas; las canciones describen el dolor del amor más que sus placeres; el violín en primer plano sugiere un quinto participante, implicando así al espectador en la escena.[3]

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Los músicos (también llamada Concierto de jóvenes) es el primer cuadro de la serie denominada «Pinturas Del Monte», realizadas por Caravaggio en torno a 1595[1] para el poderoso cardenal Francesco Del Monte. De hecho, este era uno de los cuatro cuadros de temática musical que decoraron su camerino de su Palazzo Madama. En esta pintura se aprecia a un trío de jóvenes músicos, probablemente ensayando o dando un concierto, y un cuarto vestido de cupido extendiendo la mano hacia un racimo de uvas. La imagen es una alegoría que relaciona la música con el sustento del amor del mismo modo que la comida es el sustento de la vida[2]. Caravaggio usaría, a partir de esta obra, el tema de la música en sus cuadros. Con ella, además, inicia la tradición de autorretratarse a menudo en sus obras, como lo hace en el joven de la derecha con el rostro girado hacia el espectador. Posiblemente se trate de meros conocidos o amigos de Caravaggio, dado el gran realismo del cuadro. El muchacho disfrazado de cupido se parece mucho al de Muchacho pelando fruta y el ángel de San Francisco de Asís en éxtasis. Los rostros de dos jóvenes denotan un gran esfuerzo puesto en su obra, como se advierte en la concentración del primer joven de derecha a izquierda, absorto en sus pensamientos mientras lee la partitura. Los manuscritos indican que los muchachos están tocando madrigales, celebrando al amor, los ojos del laudista, la figura principal, tienen lágrimas; las canciones describen el dolor del amor más que sus placeres; el violín en primer plano sugiere un quinto participante, implicando así al espectador en la escena.[3]

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Vista_de_Delft

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Vista de Delft (en neerlandés, Gezicht op Delft) es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada en óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado hacia 1660-1661.[1] Mide 96,5 cm de alto y 115,7 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy cultivado durante la época barroca; las neerlandesas destacaron especialmente, mediante vedute que buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de vista «pintoresco».[2] Por lo tanto, cuando Vermeer pintó este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas topográficas de ciudades.[cita requerida] Hendrick Cornelisz Vroom fue el autor de dos obras semejantes describiendo la ciudad de Delft, pero son más arcaicas, puesto que siguen un enfoque tradicional panorámico que puede verse en los dos paisajes urbanos de Hercules Pieterszoon Seghers en el museo de Berlín. Este último artista fue uno de los primeros en usar el telescopio de Galileo invertido para transcribir los dibujos preliminares y sus proporciones (más del doble de alto que de ancho) al formato más convencional de sus pinturas.Vermeer ejecutó su Vista de Delft en el lugar, pero el instrumento óptico que apuntaba a la ciudad y que proporcionaba al artista el aspecto trasladado al lienzo, que se admira actualmente por su concisión y especial estructura, no era una cámara oscura, sino el telescopio invertido. Solo este último condensa la vista panorámica de un sector determinado, disminuye las figuras del primer plano a una dimensión inferior a la normal, enfatiza el primer plano tal como puede verse en el cuadro y, de la misma manera, hace que el resto de la composición retroceda en el espacio. La imagen así obtenida proporciona efectos ópticos que, sin ser únicos en la pintura holandesa del siglo XVII, como a menudo se ha dicho, transmite un paisaje urbano que está unido en la composición y está envuelto atmosféricamente en una luz brillante.La ciudad que se puede admirar en este cuadro no es un perfil de un municipio, sino una representación idealizada de Delft, con sus características principales simplificadas y luego encajadas en el marco de una bahía.Domina el cuadro el cielo rico, lleno de formaciones nubosas avecinándose sobre la ciudad.Se representa una hilera del puerto de Delft, con casas de ladrillo rojo en su mayoría. Detrás de ella puede verse la ciudad y algunas torres. Los muros se reflejan en el agua.[2]La Vista de Delft es cronológicamente la última pintura de Vermeer ejecutada en una pigmentación rica y plena, con acentos de color puestos con un pincel cargado. El artista se superó a sí mismo con esta representación de su ciudad natal, que permanece como una interpretación verdaderamente grande de la naturaleza.Por otra parte, es también, junto con La callejuela, la única obra suya que permanece con la ciudad de Delft como tema, ya que una tercera, Una casa en Delft, está desaparecida.[3]

Categoría:Arte en los Países Bajos del siglo XVII


Vista_de_Delft

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Vista de Delft (en neerlandés, Gezicht op Delft) es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada en óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado hacia 1660-1661.[1] Mide 96,5 cm de alto y 115,7 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy cultivado durante la época barroca; las neerlandesas destacaron especialmente, mediante vedute que buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de vista «pintoresco».[2] Por lo tanto, cuando Vermeer pintó este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas topográficas de ciudades.[cita requerida] Hendrick Cornelisz Vroom fue el autor de dos obras semejantes describiendo la ciudad de Delft, pero son más arcaicas, puesto que siguen un enfoque tradicional panorámico que puede verse en los dos paisajes urbanos de Hercules Pieterszoon Seghers en el museo de Berlín. Este último artista fue uno de los primeros en usar el telescopio de Galileo invertido para transcribir los dibujos preliminares y sus proporciones (más del doble de alto que de ancho) al formato más convencional de sus pinturas.Vermeer ejecutó su Vista de Delft en el lugar, pero el instrumento óptico que apuntaba a la ciudad y que proporcionaba al artista el aspecto trasladado al lienzo, que se admira actualmente por su concisión y especial estructura, no era una cámara oscura, sino el telescopio invertido. Solo este último condensa la vista panorámica de un sector determinado, disminuye las figuras del primer plano a una dimensión inferior a la normal, enfatiza el primer plano tal como puede verse en el cuadro y, de la misma manera, hace que el resto de la composición retroceda en el espacio. La imagen así obtenida proporciona efectos ópticos que, sin ser únicos en la pintura holandesa del siglo XVII, como a menudo se ha dicho, transmite un paisaje urbano que está unido en la composición y está envuelto atmosféricamente en una luz brillante.La ciudad que se puede admirar en este cuadro no es un perfil de un municipio, sino una representación idealizada de Delft, con sus características principales simplificadas y luego encajadas en el marco de una bahía.Domina el cuadro el cielo rico, lleno de formaciones nubosas avecinándose sobre la ciudad.Se representa una hilera del puerto de Delft, con casas de ladrillo rojo en su mayoría. Detrás de ella puede verse la ciudad y algunas torres. Los muros se reflejan en el agua.[2]La Vista de Delft es cronológicamente la última pintura de Vermeer ejecutada en una pigmentación rica y plena, con acentos de color puestos con un pincel cargado. El artista se superó a sí mismo con esta representación de su ciudad natal, que permanece como una interpretación verdaderamente grande de la naturaleza.Por otra parte, es también, junto con La callejuela, la única obra suya que permanece con la ciudad de Delft como tema, ya que una tercera, Una casa en Delft, está desaparecida.[3]

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Vista_de_Delft

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Vista de Delft (en neerlandés, Gezicht op Delft) es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada en óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado hacia 1660-1661.[1] Mide 96,5 cm de alto y 115,7 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy cultivado durante la época barroca; las neerlandesas destacaron especialmente, mediante vedute que buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de vista «pintoresco».[2] Por lo tanto, cuando Vermeer pintó este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas topográficas de ciudades.[cita requerida] Hendrick Cornelisz Vroom fue el autor de dos obras semejantes describiendo la ciudad de Delft, pero son más arcaicas, puesto que siguen un enfoque tradicional panorámico que puede verse en los dos paisajes urbanos de Hercules Pieterszoon Seghers en el museo de Berlín. Este último artista fue uno de los primeros en usar el telescopio de Galileo invertido para transcribir los dibujos preliminares y sus proporciones (más del doble de alto que de ancho) al formato más convencional de sus pinturas.Vermeer ejecutó su Vista de Delft en el lugar, pero el instrumento óptico que apuntaba a la ciudad y que proporcionaba al artista el aspecto trasladado al lienzo, que se admira actualmente por su concisión y especial estructura, no era una cámara oscura, sino el telescopio invertido. Solo este último condensa la vista panorámica de un sector determinado, disminuye las figuras del primer plano a una dimensión inferior a la normal, enfatiza el primer plano tal como puede verse en el cuadro y, de la misma manera, hace que el resto de la composición retroceda en el espacio. La imagen así obtenida proporciona efectos ópticos que, sin ser únicos en la pintura holandesa del siglo XVII, como a menudo se ha dicho, transmite un paisaje urbano que está unido en la composición y está envuelto atmosféricamente en una luz brillante.La ciudad que se puede admirar en este cuadro no es un perfil de un municipio, sino una representación idealizada de Delft, con sus características principales simplificadas y luego encajadas en el marco de una bahía.Domina el cuadro el cielo rico, lleno de formaciones nubosas avecinándose sobre la ciudad.Se representa una hilera del puerto de Delft, con casas de ladrillo rojo en su mayoría. Detrás de ella puede verse la ciudad y algunas torres. Los muros se reflejan en el agua.[2]La Vista de Delft es cronológicamente la última pintura de Vermeer ejecutada en una pigmentación rica y plena, con acentos de color puestos con un pincel cargado. El artista se superó a sí mismo con esta representación de su ciudad natal, que permanece como una interpretación verdaderamente grande de la naturaleza.Por otra parte, es también, junto con La callejuela, la única obra suya que permanece con la ciudad de Delft como tema, ya que una tercera, Una casa en Delft, está desaparecida.[3]

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Vista_de_Delft

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Vista de Delft (en neerlandés, Gezicht op Delft) es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizada en óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado hacia 1660-1661.[1] Mide 96,5 cm de alto y 115,7 cm de ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy cultivado durante la época barroca; las neerlandesas destacaron especialmente, mediante vedute que buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de vista «pintoresco».[2] Por lo tanto, cuando Vermeer pintó este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas topográficas de ciudades.[cita requerida] Hendrick Cornelisz Vroom fue el autor de dos obras semejantes describiendo la ciudad de Delft, pero son más arcaicas, puesto que siguen un enfoque tradicional panorámico que puede verse en los dos paisajes urbanos de Hercules Pieterszoon Seghers en el museo de Berlín. Este último artista fue uno de los primeros en usar el telescopio de Galileo invertido para transcribir los dibujos preliminares y sus proporciones (más del doble de alto que de ancho) al formato más convencional de sus pinturas.Vermeer ejecutó su Vista de Delft en el lugar, pero el instrumento óptico que apuntaba a la ciudad y que proporcionaba al artista el aspecto trasladado al lienzo, que se admira actualmente por su concisión y especial estructura, no era una cámara oscura, sino el telescopio invertido. Solo este último condensa la vista panorámica de un sector determinado, disminuye las figuras del primer plano a una dimensión inferior a la normal, enfatiza el primer plano tal como puede verse en el cuadro y, de la misma manera, hace que el resto de la composición retroceda en el espacio. La imagen así obtenida proporciona efectos ópticos que, sin ser únicos en la pintura holandesa del siglo XVII, como a menudo se ha dicho, transmite un paisaje urbano que está unido en la composición y está envuelto atmosféricamente en una luz brillante.La ciudad que se puede admirar en este cuadro no es un perfil de un municipio, sino una representación idealizada de Delft, con sus características principales simplificadas y luego encajadas en el marco de una bahía.Domina el cuadro el cielo rico, lleno de formaciones nubosas avecinándose sobre la ciudad.Se representa una hilera del puerto de Delft, con casas de ladrillo rojo en su mayoría. Detrás de ella puede verse la ciudad y algunas torres. Los muros se reflejan en el agua.[2]La Vista de Delft es cronológicamente la última pintura de Vermeer ejecutada en una pigmentación rica y plena, con acentos de color puestos con un pincel cargado. El artista se superó a sí mismo con esta representación de su ciudad natal, que permanece como una interpretación verdaderamente grande de la naturaleza.Por otra parte, es también, junto con La callejuela, la única obra suya que permanece con la ciudad de Delft como tema, ya que una tercera, Una casa en Delft, está desaparecida.[3]

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Cleopatra

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Cleopatra VII Thea Filopátor —en griego antiguo: Κλεοπᾰ́τρᾱ Φιλοπάτωρ, romanizado: Kleopátrā Philopátōr—[5] (69 a. C.-10 o 12 de agosto de 30 a. C.),[n 2] conocida como Cleopatra, fue la última gobernante de la dinastía ptolemaica del Antiguo Egipto, aunque nominalmente la sucedió como faraón su hijo Cesarión.[n 4] También fue diplomática, comandante naval, lingüista[6] y escritora de tratados médicos.[7] Era descendiente de Ptolomeo I Sóter, fundador de la dinastía, un general grecomacedonio[n 5] de Alejandro Magno. Tras su muerte, Egipto se convirtió en provincia del Imperio romano, lo que marcó el final del período helenístico que se había iniciado con el reinado de Alejandro (336-323 a. C.).[n 6] Aunque su lengua materna era la koiné griega, fue la primera soberana ptolemaica en aprender el idioma egipcio.[n 7]En 58 a. C. presuntamente acompañó a su padre, Ptolomeo XII, durante su exilio en Roma tras una revuelta en Egipto (para entonces un Estado cliente de Roma), lo que permitió que su hermana mayor, Berenice IV, reclamara el trono de Ptolomeo. Berenice murió en batalla en 55 a. C., cuando su padre volvió a Egipto con ayuda militar romana. Cuando Ptolomeo murió en 51 a. C., Cleopatra y su hermano menor, Ptolomeo XIII, accedieron al trono como corregentes, pero la ruptura entre ambos desató una guerra civil.Tras la derrota sufrida en 48 a. C. en la batalla de Farsalia por parte de su rival Julio César durante la segunda guerra civil romana, el estadista romano Pompeyo el Grande huyó a Egipto. Pompeyo había sido aliado político del padre de Cleopatra, pero a sugerencia de los eunucos de su corte, Ptolomeo XIII ordenó emboscar y asesinar a Pompeyo mientras César ocupaba Alejandría en persecución de su enemigo. Como cónsul de la República romana, César trató de reconciliar a Ptolomeo XIII con su hermana Cleopatra, pero Potino el Eunuco, consejero principal del monarca egipcio, creía que los términos que proponía el cónsul beneficiaban a Cleopatra, por lo que sus fuerzas sitiaron a César y Cleopatra en Alejandría. El asedio se levantó gracias a la llegada de aliados de César a comienzos de 47 a. C. y Ptolomeo XIII murió poco después en la batalla del Nilo. Arsínoe IV, media hermana de Cleopatra que había liderado el asedio, se exilió en Éfeso. César, ya elegido dictador, declaró a Cleopatra y a su hermano menor Ptolomeo XIV cogobernantes de Egipto. Sin embargo, el general romano inició una relación sentimental privada con Cleopatra de la que nació Cesarión. Cleopatra viajó a Roma en 46 y 44 a. C. como reina vasalla y se alojó en la villa de César. Cuando este fue asesinado en 44 a. C., Cleopatra intentó que su hijo fuera designado heredero, pero no pudo debido al ascenso al poder de Octavio (posteriormente conocido como Augusto y que sería el primer emperador de Roma en 27 a. C.). Entonces, Cleopatra ordenó asesinar a su hermano Ptolomeo XIV y elevó a su hijo Cesarión como corregente de Egipto, con el nombre de Ptolomeo XV.Durante la tercera guerra civil de la República romana (43-42 a. C.), Cleopatra se alió con el Segundo Triunvirato, formado por Octavio (sobrino nieto y heredero de César), Marco Antonio y Lépido. Tras su encuentro en Tarso en 41 a. C., la gobernante egipcia inició una relación con Marco Antonio de la que nacieron tres hijos: Alejandro Helios, Cleopatra Selene II y Ptolomeo Filadelfo. Antonio usó su autoridad como triunviro para ejecutar a Arsínoe IV, cumpliendo el deseo de Cleopatra, y se apoyó cada vez más en la reina egipcia tanto para obtener financiación como ayuda militar durante sus invasiones del imperio parto y del Reino de Armenia. En las Donaciones de Alejandría, los hijos de Cleopatra con Marco Antonio fueron nombrados gobernantes sobre varios territorios bajo la autoridad de Antonio. Este hecho, unido al matrimonio de Marco Antonio con Cleopatra después de su divorcio de Octavia la Menor, hermana de Octavio, desató la cuarta guerra civil de la República romana. Después de iniciar una guerra de propaganda, Octavio forzó a huir a los aliados de Antonio en el senado romano y le declaró la guerra a Cleopatra en 32 a. C. La flota de guerra de Marco Antonio y Cleopatra fue derrotada por la de Octavio, bajo el mando de su general Agripa, en la batalla de Accio en 31 a. C., tras lo cual las tropas romanas de Octavio invadieron Egipto en 30 a. C. y derrotaron a las de Antonio, tras lo cual éste se suicidó. Cuando Cleopatra se enteró de que Octavio pretendía llevarla a Roma para exhibirla durante su procesión de triunfo, también se suicidó tomando veneno, si bien popularmente se cree que lo hizo dejándose morder por una áspide.El legado de Cleopatra permanece en numerosas obras de arte, tanto antiguas como modernas y numerosas dramatizaciones de su vida en la literatura y otros medios. Varias obras de la historiografía romana y la poesía latina retratan a la reina de Egipto, generalmente brindando una perspectiva negativa y polémica de su semblanza, perspectiva que pervivió en la literatura medieval y renacentista. Las artes visuales de la antigüedad representaron a Cleopatra en monedas romanas y ptolemaicas, esculturas, bustos, relieves, vasijas de cristal, camafeos y pinturas. Fue tema de muchas obras del arte renacentista y barroco, como esculturas, pinturas, poemas y obras de teatro como Antonio y Cleopatra (1608), de William Shakespeare, y óperas como Julio César en Egipto (1724), de Händel. En tiempos recientes, ha aparecido tanto en bellas artes como en artes aplicadas, en sátiras burlescas, en películas de Hollywood como Cleopatra (1963) interpretada por Elizabeth Taylor, o como imagen de marcas comerciales, por lo que desde el siglo XIX es un icono pop de la «egiptomanía».

Archivo:011-Mark Antony, with Cleopatra VII -3.jpg

Cneo Domicio Enobarbo (cónsul 32 a.{{esd}}C.)

commons:Category:Bust of Cleopatra VII in the Vatican Museums, Museo Gregoriano Profano

Tercera guerra civil de la República romana

commons:category:Bust of Cleopatra Selene II (Archaeological Museum of Cherchell)

Cleopatra en una moneda de 40 [[Dracma griega antigua

Cleopatra y su hijo Cesarión en el [[Templo de Dendera

Categoría:Antiguos egipcios del siglo I a. C.

Categoría:Políticos que cometieron suicidio

Commons:file:Cleopatra VII, marble, Vatican Museums, Pius-Clementine Museum, Room of the Greek Cross.jpg

Historia de Marco Antonio y Cleopatra, última reina de Egipto

Commons:Category:Bust of Cleopatra VII in the British Museum

''La llegada de Cleopatra a Cilicia'' (1821), de [[William Etty

Archivo:Retrato de Julio César (26724093101).jpg

la otra cabeza esculpida de Cherchel que luce un velo

Commons:file:Portland Vase BM Gem4036 n6.jpg

Commons:file:Cleopatra VII, steel engraving of the encaustic painting found at Hadrian's Villa in 1818.jpg

Archivo:Papyrus document containing signature of Cleopatra VII of Egypt.jpg

Archivo:Jean-Baptiste Regnault - Death of Cleopatra - Google Art Project.jpg

segunda guerra civil de la República romana

Archivo:Ptolemaic Queen (Cleopatra VII?), 50-30 B.C.E., 71.12.jpg

commons:Category:House of Marcus Fabius Rufus

Categoría:Mujeres gobernantes del siglo I a. C.

Commons:file:Tomb of Cleopatra and Mark Antony, illuminated manuscript of Boccaccio, miniature by the Boucicaut master, 1409 AD (cropped).jpg

''[[Cleopatra probando venenos en condenados a muerte

Posiblemente un retrato póstumo de Cleopatra con el pelo rojo y sus facciones distintivas, con una diadema real y horquillas con incrustaciones de perlas, encontrado en [[Herculano

Archivo:Alexandre Cabanel - Cléopatre essayant des poisons sur des condamnés à mort.jpg

commons:file:An ancient Roman bust of Cleopatra VII of Ptolemaic Egypt2.jpg

Commons:category:Bust of Cleopatra Selene II (Archaeological Museum of Cherchell)

Commons:file:Lawrence Alma-Tadema- Anthony and Cleopatra.JPG

''La muerte de Cleopatra'' (1796-1797), de [[Jean-Baptiste Regnault

''El encuentro de Antonio y Cleopatra'' (1885), de [[Lawrence Alma-Tadema

Retrato de Tusculum, una escultura romana contemporánea de Julio César, expuesto en el Museo Arqueológico de Turín.

''El banquete de Cleopatra'' (1744), de [[Giovanni Battista Tiepolo

Archivo:Giambattista Tiepolo - The Banquet of Cleopatra - Google Art Project.jpg

Archivo:Cleopatra and Caesar by Jean-Leon-Gerome.jpg

Archivo:(Venice) Pompey the Great, Museo Archeologico Nazionale.jpg

una suya de estilo romano a tamaño natural

Archivo:Cleopatra VII, marble, Vatican Museums, Pius-Clementine Museum, Room of the Greek Cross 2.jpg

Archivo:Marcus Antonius marble bust in the Vatican Museums.jpg

Commons:file:Roman Wall painting from the House of Giuseppe II, Pompeii, 1st century AD, death of Sophonisba, but more likely Cleopatra VII of Egypt consuming poison (2).jpg

''La muerte de Cleopatra'' (1658), de [[Guido Cagnacci

Archivo:Sir Lawrence Alma-Tadema - The Meeting of Antony and Cleopatra.jpg

''Cleopatra y César'' (1866), obra de [[Jean-Léon Gérôme

Categoría:Enemigos y aliados de la Antigua Roma

Archivo:Ptolemy XII Auletes Louvre Ma3449.jpg

Cleopatra y Marco Antonio en el anverso y reverso, respectivamente, de una [[tetradracma

Commons:Category:Bust of Cleopatra VII in the Altes Museum Berlin

commons:Category:Esquiline Venus (Musei Capitolini)

Cleopatra probando venenos con condenados a muerte

Retrato egipcio de una reina ptolemaica, posiblemente Cleopatra, ''c''. 51-{{esd

Archivo:Roman Wall painting from the House of Giuseppe II, Pompeii, 1st century AD, death of Sophonisba, but more likely Cleopatra VII of Egypt consuming poison.jpg

30 a. C.}}, expuesto en el [[Museo Brooklyn

Una pintura romana de la casa de Giuseppe II en [[Pompeya

Segunda guerra civil de la República romana

Categoría:Fallecidos por envenenamiento de serpientes