Triptych of the Temptation of St. Anthony

Prompt: Concéntrate en Tríptico_de_las_Tentaciones_de_san_Antonio y explora la Tríptico abierto.

El panel central mide 131,5 centímetros por 119 cm de ancho. Y las alas miden 131,5 cm por 53 cm.Estos tres paneles interiores describen escenas de vida de san Antonio Abad. A través del simbolismo se narran los tormentos mentales y espirituales por los que pasó el santo.Postigo izquierdo:Vuelo y caída de san Antonio.En el panel de la izquierda está el Vuelo y caída de san Antonio: en lo alto del cielo, el santo con las manos juntas, es llevado por una nube de demonios. Más abajo una gruta, probablemente un burdel más que el antro del santo, bajo una colina formada por un árbol con forma de hombre sobre sus manos y rodillas. Su parte posterior forma la entrada hacia la que se dirige una procesión sacrílega guiada por un demonio que lleva vestimentas sagradas y un ciervo, normalmente figura cristológica pero usado aquí en sentido sacrílego. En primer plano, el santo, exhausto, es sostenido por dos monjes antes de la caída y atraviesan un puente sobre un lago helado; otra de las posibles lecturas es que el demonio lo ha dejado caer y estos monjes caritativos lo ayudan.[2] Debajo del santo se ven tres figuras, una de las cuales está vestida de monje y lee una carta. Sobre el lago un demonio pájaro con patines que lleva en el pico un rollo de pergamino con la escritura «graso». Puede que con esto se aludiera al escándalo de la venta de las indulgencias, la figura patinadora podría derivar de los grylloi del arte de época alejandrina.Tabla central.El panel central, sin embargo, ejemplifica la atracción del Bosco por la habilidad santa de rechazar la tentación. Contiene escenas con todas las posibilidades de perversión ofrecidas al ermitaño.[4] Antonio se arrodilla ante un altar, con su mano en el gesto de bendecir, y al tiempo señalando un Cristo en miniatura, y devuelve la mirada al espectador. El santo señala la pequeña celda excavada en un torreón derruido, donde está la aparición de Cristo que indica el Crucifijo, única salvación posible[2] y verdadero sacrificio, por contraposición a lo que están llevando a cabo los demonios a su izquierda: una misa sacrílega celebrada por sacerdotisas, entre las cuales hay una negra que lleva una bandeja sobre la que hay un sapo, símbolo de brujería y la lujuria, que sostiene un huevo (referencia del infierno, frecuente en las pinturas del bosco). Dos músicos, uno rico y otro pobre, se preparan para comulgar: el primero vestido con ropa lujosa de color negro, con cara de cerdo, con un búho sobre la cabeza, símbolo de herejía, lleva un laúd (instrumento musical cortesano) y como mascota un perro con gorro de bufón; el segundo, vestido de harapos y lisiado, tiene cola y lleva una zanfona (instrumento usado por mendigos). Un demonio vestido de religioso, tiene rostro de puerco, tonsurado, con casulla, y con su cuerpo putrefacto, participa de la misa negra siguiendo las precisiones de una biblia diabólica. Una pareja de ricos engalanados juega a los dados.[4] En la fachada del templo derruido, en la parte derecha de esta tabla central, se aprecian una serie de frisos que representan escenas bíblicas: como el regreso de la Tierra prometida, la adoración del Becerro de oro o la entrega a Moisés de las Tablas de la Ley.[2] Sobre el fondo, a la izquierda, hay una ciudad en llamas mientras que a la derecha en el cielo un pájaro nave y otra navecilla volante. En primer plano extrañas embarcaciones navegan en una laguna, pudiéndose interpretar el grupo que está en el agua, a la derecha, como una parodia diabólica de la Huida a Egipto y de la Adoración de los Magos.[5] A la izquierda, siempre en primer plano, de un fruto rojo (parece una calabaza) salen demonios, uno de ellos tiene por cabeza el cráneo de un caballo, toca el arpa y está sobre un pollo desplumado (el pájaro es símbolo masculino), siendo una alegoría a los placeres carnales. Apoyado sobre un muro, en segundo plano, se encuentra un hombre con barba y con sombrero de copa, ofreciendo un pie cercenado (acaso el suyo) sobre un paño blanco. Al fondo se ve una ciudad en llamas, rasgo típico de las escenas infernales del Bosco, y que aquí puede tener una justificación iconográfica, dado que el fuego se asocia tradicionalmente a san Antonio.[3] Los demonios aparecen con cuerpos deformes, o máscaras y varios de ellos llevan zuecos, sugiriendo que la superficie que pisan (rodeado de ríos y lagunas) es fangosa. Hay alusiones a los pecados capitales, en especial la lujuria y la gula. El pescado que aparece en el centro, en la parte inferior, puede ser símbolo del sexo femenino.[4]Postigo derecho: Meditación de san Antonio.En el panel de la derecha está la Meditación de san Antonio o San Antonio y la reina de los diablos:[2] Antonio intenta mirar al espectador, pero su vista queda fijada en una tabla rodeada con curiosas criaturas que están pecando. En el cielo dos figuras vuelan sobre un pez, según la creencia, el diablo concedía la facultad de volar a las brujas. En el fondo hay una ciudad con torres, en primer plano una mujer desnuda, esto es, el demonio en forma de reina. La reina-diablesa, otras tentaciones variadas, y la agresión física no pueden igualarse a su devoción, el tema más optimista del Bosco.[6] Se vuelve hacia un tronco horadado a través de una tienda ladeada por un sapo, el santo sobre la derecha pretendiendo meditar y con los ojos fijos en el espectador, junto a él un enano con una capa roja con un molinillo y un aro andador, símbolo de la inconsciencia de la humanidad, en primer plano una tabla con los panes y la jarra de vino, última tentación del santo, está sostenida por demonios desnudos.Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (abierto)

Las Tentaciones de san Antonio (Grünewald)

Categoría:Instrumentos musicales en el arte

Archivo:Temptation of Saint Anthony central panel by Bosch.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo Nacional de Arte Antiguo

Categoría:Pinturas representando a San Antonio Abad

Las Tentaciones de san Antonio (El Bosco)

Categoría:Pinturas representando a Jesús

La tentación de San Antonio (Martin Schongauer, MET)


Triptych of the Temptation of St. Anthony

Prompt: Explora la Tríptico abierto de esta obra de arte, Tríptico_de_las_Tentaciones_de_san_Antonio.

El panel central mide 131,5 centímetros por 119 cm de ancho. Y las alas miden 131,5 cm por 53 cm.Estos tres paneles interiores describen escenas de vida de san Antonio Abad. A través del simbolismo se narran los tormentos mentales y espirituales por los que pasó el santo.Postigo izquierdo:Vuelo y caída de san Antonio.En el panel de la izquierda está el Vuelo y caída de san Antonio: en lo alto del cielo, el santo con las manos juntas, es llevado por una nube de demonios. Más abajo una gruta, probablemente un burdel más que el antro del santo, bajo una colina formada por un árbol con forma de hombre sobre sus manos y rodillas. Su parte posterior forma la entrada hacia la que se dirige una procesión sacrílega guiada por un demonio que lleva vestimentas sagradas y un ciervo, normalmente figura cristológica pero usado aquí en sentido sacrílego. En primer plano, el santo, exhausto, es sostenido por dos monjes antes de la caída y atraviesan un puente sobre un lago helado; otra de las posibles lecturas es que el demonio lo ha dejado caer y estos monjes caritativos lo ayudan.[2] Debajo del santo se ven tres figuras, una de las cuales está vestida de monje y lee una carta. Sobre el lago un demonio pájaro con patines que lleva en el pico un rollo de pergamino con la escritura «graso». Puede que con esto se aludiera al escándalo de la venta de las indulgencias, la figura patinadora podría derivar de los grylloi del arte de época alejandrina.Tabla central.El panel central, sin embargo, ejemplifica la atracción del Bosco por la habilidad santa de rechazar la tentación. Contiene escenas con todas las posibilidades de perversión ofrecidas al ermitaño.[4] Antonio se arrodilla ante un altar, con su mano en el gesto de bendecir, y al tiempo señalando un Cristo en miniatura, y devuelve la mirada al espectador. El santo señala la pequeña celda excavada en un torreón derruido, donde está la aparición de Cristo que indica el Crucifijo, única salvación posible[2] y verdadero sacrificio, por contraposición a lo que están llevando a cabo los demonios a su izquierda: una misa sacrílega celebrada por sacerdotisas, entre las cuales hay una negra que lleva una bandeja sobre la que hay un sapo, símbolo de brujería y la lujuria, que sostiene un huevo (referencia del infierno, frecuente en las pinturas del bosco). Dos músicos, uno rico y otro pobre, se preparan para comulgar: el primero vestido con ropa lujosa de color negro, con cara de cerdo, con un búho sobre la cabeza, símbolo de herejía, lleva un laúd (instrumento musical cortesano) y como mascota un perro con gorro de bufón; el segundo, vestido de harapos y lisiado, tiene cola y lleva una zanfona (instrumento usado por mendigos). Un demonio vestido de religioso, tiene rostro de puerco, tonsurado, con casulla, y con su cuerpo putrefacto, participa de la misa negra siguiendo las precisiones de una biblia diabólica. Una pareja de ricos engalanados juega a los dados.[4] En la fachada del templo derruido, en la parte derecha de esta tabla central, se aprecian una serie de frisos que representan escenas bíblicas: como el regreso de la Tierra prometida, la adoración del Becerro de oro o la entrega a Moisés de las Tablas de la Ley.[2] Sobre el fondo, a la izquierda, hay una ciudad en llamas mientras que a la derecha en el cielo un pájaro nave y otra navecilla volante. En primer plano extrañas embarcaciones navegan en una laguna, pudiéndose interpretar el grupo que está en el agua, a la derecha, como una parodia diabólica de la Huida a Egipto y de la Adoración de los Magos.[5] A la izquierda, siempre en primer plano, de un fruto rojo (parece una calabaza) salen demonios, uno de ellos tiene por cabeza el cráneo de un caballo, toca el arpa y está sobre un pollo desplumado (el pájaro es símbolo masculino), siendo una alegoría a los placeres carnales. Apoyado sobre un muro, en segundo plano, se encuentra un hombre con barba y con sombrero de copa, ofreciendo un pie cercenado (acaso el suyo) sobre un paño blanco. Al fondo se ve una ciudad en llamas, rasgo típico de las escenas infernales del Bosco, y que aquí puede tener una justificación iconográfica, dado que el fuego se asocia tradicionalmente a san Antonio.[3] Los demonios aparecen con cuerpos deformes, o máscaras y varios de ellos llevan zuecos, sugiriendo que la superficie que pisan (rodeado de ríos y lagunas) es fangosa. Hay alusiones a los pecados capitales, en especial la lujuria y la gula. El pescado que aparece en el centro, en la parte inferior, puede ser símbolo del sexo femenino.[4]Postigo derecho: Meditación de san Antonio.En el panel de la derecha está la Meditación de san Antonio o San Antonio y la reina de los diablos:[2] Antonio intenta mirar al espectador, pero su vista queda fijada en una tabla rodeada con curiosas criaturas que están pecando. En el cielo dos figuras vuelan sobre un pez, según la creencia, el diablo concedía la facultad de volar a las brujas. En el fondo hay una ciudad con torres, en primer plano una mujer desnuda, esto es, el demonio en forma de reina. La reina-diablesa, otras tentaciones variadas, y la agresión física no pueden igualarse a su devoción, el tema más optimista del Bosco.[6] Se vuelve hacia un tronco horadado a través de una tienda ladeada por un sapo, el santo sobre la derecha pretendiendo meditar y con los ojos fijos en el espectador, junto a él un enano con una capa roja con un molinillo y un aro andador, símbolo de la inconsciencia de la humanidad, en primer plano una tabla con los panes y la jarra de vino, última tentación del santo, está sostenida por demonios desnudos.Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (abierto)

Las Tentaciones de san Antonio (Grünewald)

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Las Tentaciones de san Antonio (El Bosco)

Categoría:Pinturas representando a Jesús

La tentación de San Antonio (Martin Schongauer, MET)


Triptych of the Temptation of St. Anthony

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_de_las_Tentaciones_de_san_Antonio su Tríptico abierto?

El panel central mide 131,5 centímetros por 119 cm de ancho. Y las alas miden 131,5 cm por 53 cm.Estos tres paneles interiores describen escenas de vida de san Antonio Abad. A través del simbolismo se narran los tormentos mentales y espirituales por los que pasó el santo.Postigo izquierdo:Vuelo y caída de san Antonio.En el panel de la izquierda está el Vuelo y caída de san Antonio: en lo alto del cielo, el santo con las manos juntas, es llevado por una nube de demonios. Más abajo una gruta, probablemente un burdel más que el antro del santo, bajo una colina formada por un árbol con forma de hombre sobre sus manos y rodillas. Su parte posterior forma la entrada hacia la que se dirige una procesión sacrílega guiada por un demonio que lleva vestimentas sagradas y un ciervo, normalmente figura cristológica pero usado aquí en sentido sacrílego. En primer plano, el santo, exhausto, es sostenido por dos monjes antes de la caída y atraviesan un puente sobre un lago helado; otra de las posibles lecturas es que el demonio lo ha dejado caer y estos monjes caritativos lo ayudan.[2] Debajo del santo se ven tres figuras, una de las cuales está vestida de monje y lee una carta. Sobre el lago un demonio pájaro con patines que lleva en el pico un rollo de pergamino con la escritura «graso». Puede que con esto se aludiera al escándalo de la venta de las indulgencias, la figura patinadora podría derivar de los grylloi del arte de época alejandrina.Tabla central.El panel central, sin embargo, ejemplifica la atracción del Bosco por la habilidad santa de rechazar la tentación. Contiene escenas con todas las posibilidades de perversión ofrecidas al ermitaño.[4] Antonio se arrodilla ante un altar, con su mano en el gesto de bendecir, y al tiempo señalando un Cristo en miniatura, y devuelve la mirada al espectador. El santo señala la pequeña celda excavada en un torreón derruido, donde está la aparición de Cristo que indica el Crucifijo, única salvación posible[2] y verdadero sacrificio, por contraposición a lo que están llevando a cabo los demonios a su izquierda: una misa sacrílega celebrada por sacerdotisas, entre las cuales hay una negra que lleva una bandeja sobre la que hay un sapo, símbolo de brujería y la lujuria, que sostiene un huevo (referencia del infierno, frecuente en las pinturas del bosco). Dos músicos, uno rico y otro pobre, se preparan para comulgar: el primero vestido con ropa lujosa de color negro, con cara de cerdo, con un búho sobre la cabeza, símbolo de herejía, lleva un laúd (instrumento musical cortesano) y como mascota un perro con gorro de bufón; el segundo, vestido de harapos y lisiado, tiene cola y lleva una zanfona (instrumento usado por mendigos). Un demonio vestido de religioso, tiene rostro de puerco, tonsurado, con casulla, y con su cuerpo putrefacto, participa de la misa negra siguiendo las precisiones de una biblia diabólica. Una pareja de ricos engalanados juega a los dados.[4] En la fachada del templo derruido, en la parte derecha de esta tabla central, se aprecian una serie de frisos que representan escenas bíblicas: como el regreso de la Tierra prometida, la adoración del Becerro de oro o la entrega a Moisés de las Tablas de la Ley.[2] Sobre el fondo, a la izquierda, hay una ciudad en llamas mientras que a la derecha en el cielo un pájaro nave y otra navecilla volante. En primer plano extrañas embarcaciones navegan en una laguna, pudiéndose interpretar el grupo que está en el agua, a la derecha, como una parodia diabólica de la Huida a Egipto y de la Adoración de los Magos.[5] A la izquierda, siempre en primer plano, de un fruto rojo (parece una calabaza) salen demonios, uno de ellos tiene por cabeza el cráneo de un caballo, toca el arpa y está sobre un pollo desplumado (el pájaro es símbolo masculino), siendo una alegoría a los placeres carnales. Apoyado sobre un muro, en segundo plano, se encuentra un hombre con barba y con sombrero de copa, ofreciendo un pie cercenado (acaso el suyo) sobre un paño blanco. Al fondo se ve una ciudad en llamas, rasgo típico de las escenas infernales del Bosco, y que aquí puede tener una justificación iconográfica, dado que el fuego se asocia tradicionalmente a san Antonio.[3] Los demonios aparecen con cuerpos deformes, o máscaras y varios de ellos llevan zuecos, sugiriendo que la superficie que pisan (rodeado de ríos y lagunas) es fangosa. Hay alusiones a los pecados capitales, en especial la lujuria y la gula. El pescado que aparece en el centro, en la parte inferior, puede ser símbolo del sexo femenino.[4]Postigo derecho: Meditación de san Antonio.En el panel de la derecha está la Meditación de san Antonio o San Antonio y la reina de los diablos:[2] Antonio intenta mirar al espectador, pero su vista queda fijada en una tabla rodeada con curiosas criaturas que están pecando. En el cielo dos figuras vuelan sobre un pez, según la creencia, el diablo concedía la facultad de volar a las brujas. En el fondo hay una ciudad con torres, en primer plano una mujer desnuda, esto es, el demonio en forma de reina. La reina-diablesa, otras tentaciones variadas, y la agresión física no pueden igualarse a su devoción, el tema más optimista del Bosco.[6] Se vuelve hacia un tronco horadado a través de una tienda ladeada por un sapo, el santo sobre la derecha pretendiendo meditar y con los ojos fijos en el espectador, junto a él un enano con una capa roja con un molinillo y un aro andador, símbolo de la inconsciencia de la humanidad, en primer plano una tabla con los panes y la jarra de vino, última tentación del santo, está sostenida por demonios desnudos.Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (abierto)

Las Tentaciones de san Antonio (Grünewald)

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El panel central mide 131,5 centímetros por 119 cm de ancho. Y las alas miden 131,5 cm por 53 cm.Estos tres paneles interiores describen escenas de vida de san Antonio Abad. A través del simbolismo se narran los tormentos mentales y espirituales por los que pasó el santo.Postigo izquierdo:Vuelo y caída de san Antonio.En el panel de la izquierda está el Vuelo y caída de san Antonio: en lo alto del cielo, el santo con las manos juntas, es llevado por una nube de demonios. Más abajo una gruta, probablemente un burdel más que el antro del santo, bajo una colina formada por un árbol con forma de hombre sobre sus manos y rodillas. Su parte posterior forma la entrada hacia la que se dirige una procesión sacrílega guiada por un demonio que lleva vestimentas sagradas y un ciervo, normalmente figura cristológica pero usado aquí en sentido sacrílego. En primer plano, el santo, exhausto, es sostenido por dos monjes antes de la caída y atraviesan un puente sobre un lago helado; otra de las posibles lecturas es que el demonio lo ha dejado caer y estos monjes caritativos lo ayudan.[2] Debajo del santo se ven tres figuras, una de las cuales está vestida de monje y lee una carta. Sobre el lago un demonio pájaro con patines que lleva en el pico un rollo de pergamino con la escritura «graso». Puede que con esto se aludiera al escándalo de la venta de las indulgencias, la figura patinadora podría derivar de los grylloi del arte de época alejandrina.Tabla central.El panel central, sin embargo, ejemplifica la atracción del Bosco por la habilidad santa de rechazar la tentación. Contiene escenas con todas las posibilidades de perversión ofrecidas al ermitaño.[4] Antonio se arrodilla ante un altar, con su mano en el gesto de bendecir, y al tiempo señalando un Cristo en miniatura, y devuelve la mirada al espectador. El santo señala la pequeña celda excavada en un torreón derruido, donde está la aparición de Cristo que indica el Crucifijo, única salvación posible[2] y verdadero sacrificio, por contraposición a lo que están llevando a cabo los demonios a su izquierda: una misa sacrílega celebrada por sacerdotisas, entre las cuales hay una negra que lleva una bandeja sobre la que hay un sapo, símbolo de brujería y la lujuria, que sostiene un huevo (referencia del infierno, frecuente en las pinturas del bosco). Dos músicos, uno rico y otro pobre, se preparan para comulgar: el primero vestido con ropa lujosa de color negro, con cara de cerdo, con un búho sobre la cabeza, símbolo de herejía, lleva un laúd (instrumento musical cortesano) y como mascota un perro con gorro de bufón; el segundo, vestido de harapos y lisiado, tiene cola y lleva una zanfona (instrumento usado por mendigos). Un demonio vestido de religioso, tiene rostro de puerco, tonsurado, con casulla, y con su cuerpo putrefacto, participa de la misa negra siguiendo las precisiones de una biblia diabólica. Una pareja de ricos engalanados juega a los dados.[4] En la fachada del templo derruido, en la parte derecha de esta tabla central, se aprecian una serie de frisos que representan escenas bíblicas: como el regreso de la Tierra prometida, la adoración del Becerro de oro o la entrega a Moisés de las Tablas de la Ley.[2] Sobre el fondo, a la izquierda, hay una ciudad en llamas mientras que a la derecha en el cielo un pájaro nave y otra navecilla volante. En primer plano extrañas embarcaciones navegan en una laguna, pudiéndose interpretar el grupo que está en el agua, a la derecha, como una parodia diabólica de la Huida a Egipto y de la Adoración de los Magos.[5] A la izquierda, siempre en primer plano, de un fruto rojo (parece una calabaza) salen demonios, uno de ellos tiene por cabeza el cráneo de un caballo, toca el arpa y está sobre un pollo desplumado (el pájaro es símbolo masculino), siendo una alegoría a los placeres carnales. Apoyado sobre un muro, en segundo plano, se encuentra un hombre con barba y con sombrero de copa, ofreciendo un pie cercenado (acaso el suyo) sobre un paño blanco. Al fondo se ve una ciudad en llamas, rasgo típico de las escenas infernales del Bosco, y que aquí puede tener una justificación iconográfica, dado que el fuego se asocia tradicionalmente a san Antonio.[3] Los demonios aparecen con cuerpos deformes, o máscaras y varios de ellos llevan zuecos, sugiriendo que la superficie que pisan (rodeado de ríos y lagunas) es fangosa. Hay alusiones a los pecados capitales, en especial la lujuria y la gula. El pescado que aparece en el centro, en la parte inferior, puede ser símbolo del sexo femenino.[4]Postigo derecho: Meditación de san Antonio.En el panel de la derecha está la Meditación de san Antonio o San Antonio y la reina de los diablos:[2] Antonio intenta mirar al espectador, pero su vista queda fijada en una tabla rodeada con curiosas criaturas que están pecando. En el cielo dos figuras vuelan sobre un pez, según la creencia, el diablo concedía la facultad de volar a las brujas. En el fondo hay una ciudad con torres, en primer plano una mujer desnuda, esto es, el demonio en forma de reina. La reina-diablesa, otras tentaciones variadas, y la agresión física no pueden igualarse a su devoción, el tema más optimista del Bosco.[6] Se vuelve hacia un tronco horadado a través de una tienda ladeada por un sapo, el santo sobre la derecha pretendiendo meditar y con los ojos fijos en el espectador, junto a él un enano con una capa roja con un molinillo y un aro andador, símbolo de la inconsciencia de la humanidad, en primer plano una tabla con los panes y la jarra de vino, última tentación del santo, está sostenida por demonios desnudos.Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (abierto)

Las Tentaciones de san Antonio (Grünewald)

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Archivo:Temptation of Saint Anthony central panel by Bosch.jpeg

Categoría:Colecciones del Museo Nacional de Arte Antiguo

Categoría:Pinturas representando a San Antonio Abad

Las Tentaciones de san Antonio (El Bosco)

Categoría:Pinturas representando a Jesús

La tentación de San Antonio (Martin Schongauer, MET)


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: Concéntrate en Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana y explora la abstract.

Madonna con el niño y Santa Ana (Madonna de los palafreneros), es un cuadro de Caravaggio, hecho en 1605, por encargo del cardenal Scipione Borghese —a la sazón, sobrino del Papa Pablo V—. Se conserva en la Galería Borghese, de Roma, al igual que otros cuadros de Caravaggio como: Niño con un cesto de frutas, Baco joven, David con la cabeza de Goliat, San Jerónimo escribiendo y Juan Bautista en el desierto.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana.

Madonna con el niño y Santa Ana (Madonna de los palafreneros), es un cuadro de Caravaggio, hecho en 1605, por encargo del cardenal Scipione Borghese —a la sazón, sobrino del Papa Pablo V—. Se conserva en la Galería Borghese, de Roma, al igual que otros cuadros de Caravaggio como: Niño con un cesto de frutas, Baco joven, David con la cabeza de Goliat, San Jerónimo escribiendo y Juan Bautista en el desierto.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana su abstract?

Madonna con el niño y Santa Ana (Madonna de los palafreneros), es un cuadro de Caravaggio, hecho en 1605, por encargo del cardenal Scipione Borghese —a la sazón, sobrino del Papa Pablo V—. Se conserva en la Galería Borghese, de Roma, al igual que otros cuadros de Caravaggio como: Niño con un cesto de frutas, Baco joven, David con la cabeza de Goliat, San Jerónimo escribiendo y Juan Bautista en el desierto.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: En Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana, ¿Cómo se discute la abstract?

Madonna con el niño y Santa Ana (Madonna de los palafreneros), es un cuadro de Caravaggio, hecho en 1605, por encargo del cardenal Scipione Borghese —a la sazón, sobrino del Papa Pablo V—. Se conserva en la Galería Borghese, de Roma, al igual que otros cuadros de Caravaggio como: Niño con un cesto de frutas, Baco joven, David con la cabeza de Goliat, San Jerónimo escribiendo y Juan Bautista en el desierto.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: Concéntrate en Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana y explora la Análisis.

A pesar de no haber tenido mucho éxito, es una representación atípica de la Virgen. La alegoría es bastante simple para su tiempo. Junto a ella se encuentra una serpiente, emblema del mal y del pecado original. El niño está descalzo, se cree que es poco después de su circuncisión. Todo alrededor son sombras, pero varias figuras —como la de Santa Ana—, se erigen majestuosamente en la oscuridad.Esta pintura es concebida como un homenaje a Ana, madre de la Virgen según el pensamiento católico, pero figura no auténtica,[1] basada en los Evangelios apócrifos, según el pensamiento de tendencia protestante. Ésta la bendice con una mano, y su cuerpo en general es revelador. El niño Jesús se acerca ligeramente a la serpiente, y con su pie da fuerza al pie de la Virgen para aplastar la cabeza de la serpiente.Sin embargo, y a pesar de la innegable calidad de la obra, la representación de las figuras divinas encarnadas en figuras terrenales (basta como ejemplo la desnudez del niño Jesús) causó una fuerte controversia en el seno del Vaticano. La pintura estuvo expuesta en la basílica de San Pedro durante un mes, y tras la polémica suscitada, el Papa Pablo V decidió regalársela a su sobrino el cardenal Scipione Borghese, más famoso por sus labores de mecenazgo que por su contribución a la Iglesia.Es influenciada altamente por Madonna de Loreto, también de Caravaggio. Pero un mayor y más claro antecedente se encuentra en La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana (1510), de Leonardo da Vinci.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana.

A pesar de no haber tenido mucho éxito, es una representación atípica de la Virgen. La alegoría es bastante simple para su tiempo. Junto a ella se encuentra una serpiente, emblema del mal y del pecado original. El niño está descalzo, se cree que es poco después de su circuncisión. Todo alrededor son sombras, pero varias figuras —como la de Santa Ana—, se erigen majestuosamente en la oscuridad.Esta pintura es concebida como un homenaje a Ana, madre de la Virgen según el pensamiento católico, pero figura no auténtica,[1] basada en los Evangelios apócrifos, según el pensamiento de tendencia protestante. Ésta la bendice con una mano, y su cuerpo en general es revelador. El niño Jesús se acerca ligeramente a la serpiente, y con su pie da fuerza al pie de la Virgen para aplastar la cabeza de la serpiente.Sin embargo, y a pesar de la innegable calidad de la obra, la representación de las figuras divinas encarnadas en figuras terrenales (basta como ejemplo la desnudez del niño Jesús) causó una fuerte controversia en el seno del Vaticano. La pintura estuvo expuesta en la basílica de San Pedro durante un mes, y tras la polémica suscitada, el Papa Pablo V decidió regalársela a su sobrino el cardenal Scipione Borghese, más famoso por sus labores de mecenazgo que por su contribución a la Iglesia.Es influenciada altamente por Madonna de Loreto, también de Caravaggio. Pero un mayor y más claro antecedente se encuentra en La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana (1510), de Leonardo da Vinci.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana su Análisis?

A pesar de no haber tenido mucho éxito, es una representación atípica de la Virgen. La alegoría es bastante simple para su tiempo. Junto a ella se encuentra una serpiente, emblema del mal y del pecado original. El niño está descalzo, se cree que es poco después de su circuncisión. Todo alrededor son sombras, pero varias figuras —como la de Santa Ana—, se erigen majestuosamente en la oscuridad.Esta pintura es concebida como un homenaje a Ana, madre de la Virgen según el pensamiento católico, pero figura no auténtica,[1] basada en los Evangelios apócrifos, según el pensamiento de tendencia protestante. Ésta la bendice con una mano, y su cuerpo en general es revelador. El niño Jesús se acerca ligeramente a la serpiente, y con su pie da fuerza al pie de la Virgen para aplastar la cabeza de la serpiente.Sin embargo, y a pesar de la innegable calidad de la obra, la representación de las figuras divinas encarnadas en figuras terrenales (basta como ejemplo la desnudez del niño Jesús) causó una fuerte controversia en el seno del Vaticano. La pintura estuvo expuesta en la basílica de San Pedro durante un mes, y tras la polémica suscitada, el Papa Pablo V decidió regalársela a su sobrino el cardenal Scipione Borghese, más famoso por sus labores de mecenazgo que por su contribución a la Iglesia.Es influenciada altamente por Madonna de Loreto, también de Caravaggio. Pero un mayor y más claro antecedente se encuentra en La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana (1510), de Leonardo da Vinci.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana

Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri)

Prompt: En Madonna_con_el_niño_y_Santa_Ana, ¿Cómo se discute la Análisis?

A pesar de no haber tenido mucho éxito, es una representación atípica de la Virgen. La alegoría es bastante simple para su tiempo. Junto a ella se encuentra una serpiente, emblema del mal y del pecado original. El niño está descalzo, se cree que es poco después de su circuncisión. Todo alrededor son sombras, pero varias figuras —como la de Santa Ana—, se erigen majestuosamente en la oscuridad.Esta pintura es concebida como un homenaje a Ana, madre de la Virgen según el pensamiento católico, pero figura no auténtica,[1] basada en los Evangelios apócrifos, según el pensamiento de tendencia protestante. Ésta la bendice con una mano, y su cuerpo en general es revelador. El niño Jesús se acerca ligeramente a la serpiente, y con su pie da fuerza al pie de la Virgen para aplastar la cabeza de la serpiente.Sin embargo, y a pesar de la innegable calidad de la obra, la representación de las figuras divinas encarnadas en figuras terrenales (basta como ejemplo la desnudez del niño Jesús) causó una fuerte controversia en el seno del Vaticano. La pintura estuvo expuesta en la basílica de San Pedro durante un mes, y tras la polémica suscitada, el Papa Pablo V decidió regalársela a su sobrino el cardenal Scipione Borghese, más famoso por sus labores de mecenazgo que por su contribución a la Iglesia.Es influenciada altamente por Madonna de Loreto, también de Caravaggio. Pero un mayor y más claro antecedente se encuentra en La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana (1510), de Leonardo da Vinci.

San Jerónimo escribiendo (Caravaggio, Roma)

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Borghese

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVII


Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Rodolfo_II_en_traje_de_Vertumno y explora la abstract.

El Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno (c. 1590, Skoklosters Slott, Suecia) es quizás la obra más ambiciosa de Arcimboldo, un exuberante retrato de Rodolfo II, caracterizado como el dios etrusco y romano Vertumno.Por esta época, el pintor, ya al servicio de Maximiliano II en la corte rudolfina de Praga, continúa desarrollando su producción bajo el mecenazgo de su hijo, el emperador Rodolfo II, que en 1580 ennoblece a la familia Arcimboldo. En 1585, el artista italiano dedica a Rodolfo un álbum con ciento cuarenta y ocho dibujos para vestidos, tocados y objetos de adorno, ejemplar magnífico de su obra gráfica hoy en la Galería Uffizi de Florencia, entre los que destacan sus diseños, para ser utilizados en fiestas y representaciones escénicas de la Corte, de vestidos para las personificaciones de la Geometría, la Música, la Retórica, la Astronomía y de Cancerbero. En 1591 realiza el retrato del propio emperador Rodolfo II concebido como Vertumno, que representaba la abundancia de frutos de la naturaleza en las diversas estaciones del año; era este esposo de Pomona, a su vez diosa protectora de los frutos en sazón. Esta obra del Vertumno, enviada por parte de Arcimboldo desde Milán a Praga, fue acompañada de un poema celebrativo de Gregorio Comanini (1550-1608):Mira la manzana, mira el melocotóncomo se me ofrecen en ambas mejillasredondos y llenos de vidaFijate en mis ojosde color cereza unoel otro de color de mora.No te dejes engañar, es mi cara.

Categoría:Retratos de Giuseppe Arcimboldo

Categoría:Representaciones culturales de Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Cuadros de Giuseppe Arcimboldo


Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retrato_de_Rodolfo_II_en_traje_de_Vertumno.

El Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno (c. 1590, Skoklosters Slott, Suecia) es quizás la obra más ambiciosa de Arcimboldo, un exuberante retrato de Rodolfo II, caracterizado como el dios etrusco y romano Vertumno.Por esta época, el pintor, ya al servicio de Maximiliano II en la corte rudolfina de Praga, continúa desarrollando su producción bajo el mecenazgo de su hijo, el emperador Rodolfo II, que en 1580 ennoblece a la familia Arcimboldo. En 1585, el artista italiano dedica a Rodolfo un álbum con ciento cuarenta y ocho dibujos para vestidos, tocados y objetos de adorno, ejemplar magnífico de su obra gráfica hoy en la Galería Uffizi de Florencia, entre los que destacan sus diseños, para ser utilizados en fiestas y representaciones escénicas de la Corte, de vestidos para las personificaciones de la Geometría, la Música, la Retórica, la Astronomía y de Cancerbero. En 1591 realiza el retrato del propio emperador Rodolfo II concebido como Vertumno, que representaba la abundancia de frutos de la naturaleza en las diversas estaciones del año; era este esposo de Pomona, a su vez diosa protectora de los frutos en sazón. Esta obra del Vertumno, enviada por parte de Arcimboldo desde Milán a Praga, fue acompañada de un poema celebrativo de Gregorio Comanini (1550-1608):Mira la manzana, mira el melocotóncomo se me ofrecen en ambas mejillasredondos y llenos de vidaFijate en mis ojosde color cereza unoel otro de color de mora.No te dejes engañar, es mi cara.

Categoría:Retratos de Giuseppe Arcimboldo

Categoría:Representaciones culturales de Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Cuadros de Giuseppe Arcimboldo


Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Rodolfo_II_en_traje_de_Vertumno su abstract?

El Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno (c. 1590, Skoklosters Slott, Suecia) es quizás la obra más ambiciosa de Arcimboldo, un exuberante retrato de Rodolfo II, caracterizado como el dios etrusco y romano Vertumno.Por esta época, el pintor, ya al servicio de Maximiliano II en la corte rudolfina de Praga, continúa desarrollando su producción bajo el mecenazgo de su hijo, el emperador Rodolfo II, que en 1580 ennoblece a la familia Arcimboldo. En 1585, el artista italiano dedica a Rodolfo un álbum con ciento cuarenta y ocho dibujos para vestidos, tocados y objetos de adorno, ejemplar magnífico de su obra gráfica hoy en la Galería Uffizi de Florencia, entre los que destacan sus diseños, para ser utilizados en fiestas y representaciones escénicas de la Corte, de vestidos para las personificaciones de la Geometría, la Música, la Retórica, la Astronomía y de Cancerbero. En 1591 realiza el retrato del propio emperador Rodolfo II concebido como Vertumno, que representaba la abundancia de frutos de la naturaleza en las diversas estaciones del año; era este esposo de Pomona, a su vez diosa protectora de los frutos en sazón. Esta obra del Vertumno, enviada por parte de Arcimboldo desde Milán a Praga, fue acompañada de un poema celebrativo de Gregorio Comanini (1550-1608):Mira la manzana, mira el melocotóncomo se me ofrecen en ambas mejillasredondos y llenos de vidaFijate en mis ojosde color cereza unoel otro de color de mora.No te dejes engañar, es mi cara.

Categoría:Retratos de Giuseppe Arcimboldo

Categoría:Representaciones culturales de Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Cuadros de Giuseppe Arcimboldo


Prompt: En Retrato_de_Rodolfo_II_en_traje_de_Vertumno, ¿Cómo se discute la abstract?

El Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno (c. 1590, Skoklosters Slott, Suecia) es quizás la obra más ambiciosa de Arcimboldo, un exuberante retrato de Rodolfo II, caracterizado como el dios etrusco y romano Vertumno.Por esta época, el pintor, ya al servicio de Maximiliano II en la corte rudolfina de Praga, continúa desarrollando su producción bajo el mecenazgo de su hijo, el emperador Rodolfo II, que en 1580 ennoblece a la familia Arcimboldo. En 1585, el artista italiano dedica a Rodolfo un álbum con ciento cuarenta y ocho dibujos para vestidos, tocados y objetos de adorno, ejemplar magnífico de su obra gráfica hoy en la Galería Uffizi de Florencia, entre los que destacan sus diseños, para ser utilizados en fiestas y representaciones escénicas de la Corte, de vestidos para las personificaciones de la Geometría, la Música, la Retórica, la Astronomía y de Cancerbero. En 1591 realiza el retrato del propio emperador Rodolfo II concebido como Vertumno, que representaba la abundancia de frutos de la naturaleza en las diversas estaciones del año; era este esposo de Pomona, a su vez diosa protectora de los frutos en sazón. Esta obra del Vertumno, enviada por parte de Arcimboldo desde Milán a Praga, fue acompañada de un poema celebrativo de Gregorio Comanini (1550-1608):Mira la manzana, mira el melocotóncomo se me ofrecen en ambas mejillasredondos y llenos de vidaFijate en mis ojosde color cereza unoel otro de color de mora.No te dejes engañar, es mi cara.

Categoría:Retratos de Giuseppe Arcimboldo

Categoría:Representaciones culturales de Rodolfo II del Sacro Imperio Romano Germánico

Categoría:Cuadros de Giuseppe Arcimboldo


El_dux_Leonardo_Loredan

Prompt: Concéntrate en El_dux_Leonardo_Loredan y explora la abstract.

El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de  The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.La National Gallery lo adquirió en 1844.La obra está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento".[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte. Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas. Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica.[2] La cara es realista y expresiva, de una gran serenidad. Está un poco girada, efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.Esa expresión de una observación distanciada, junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse, hace que el cuadro recuerda a un icono.[2]

Archivo:Giovanni Bellini, portrait of Doge Leonardo Loredan.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres


El_dux_Leonardo_Loredan

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, El_dux_Leonardo_Loredan.

El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de  The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.La National Gallery lo adquirió en 1844.La obra está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento".[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte. Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas. Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica.[2] La cara es realista y expresiva, de una gran serenidad. Está un poco girada, efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.Esa expresión de una observación distanciada, junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse, hace que el cuadro recuerda a un icono.[2]

Archivo:Giovanni Bellini, portrait of Doge Leonardo Loredan.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres


El_dux_Leonardo_Loredan

Prompt: ¿Cómo aclara El_dux_Leonardo_Loredan su abstract?

El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de  The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.La National Gallery lo adquirió en 1844.La obra está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento".[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte. Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas. Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica.[2] La cara es realista y expresiva, de una gran serenidad. Está un poco girada, efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.Esa expresión de una observación distanciada, junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse, hace que el cuadro recuerda a un icono.[2]

Archivo:Giovanni Bellini, portrait of Doge Leonardo Loredan.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres


El_dux_Leonardo_Loredan

Prompt: En El_dux_Leonardo_Loredan, ¿Cómo se discute la abstract?

El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de  The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.La National Gallery lo adquirió en 1844.La obra está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento".[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte. Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas. Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica.[2] La cara es realista y expresiva, de una gran serenidad. Está un poco girada, efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado.Esa expresión de una observación distanciada, junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse, hace que el cuadro recuerda a un icono.[2]

Archivo:Giovanni Bellini, portrait of Doge Leonardo Loredan.jpg

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_una_mujer_joven y explora la abstract.

Retrato de una mujer joven (en neerlandés Meisjeskopje) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667.[2] La pintura se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York.La obra fue pintada casi al mismo tiempo que la famosa obra La joven de la perla, con un estilo y tamaño idénticos.[2] Es considerada debido a su tono y composición como una variante del cuadro de la perla.[3] En ambas pinturas se observa a las retratadas usando un arete de perla, una bufanda cubriendo sus hombros y posando frente a un fondo negro.[4] Es posible que el autor haya usado una cámara oscura en ambos trabajos.[5]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retrato_de_una_mujer_joven.

Retrato de una mujer joven (en neerlandés Meisjeskopje) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667.[2] La pintura se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York.La obra fue pintada casi al mismo tiempo que la famosa obra La joven de la perla, con un estilo y tamaño idénticos.[2] Es considerada debido a su tono y composición como una variante del cuadro de la perla.[3] En ambas pinturas se observa a las retratadas usando un arete de perla, una bufanda cubriendo sus hombros y posando frente a un fondo negro.[4] Es posible que el autor haya usado una cámara oscura en ambos trabajos.[5]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_una_mujer_joven su abstract?

Retrato de una mujer joven (en neerlandés Meisjeskopje) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667.[2] La pintura se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York.La obra fue pintada casi al mismo tiempo que la famosa obra La joven de la perla, con un estilo y tamaño idénticos.[2] Es considerada debido a su tono y composición como una variante del cuadro de la perla.[3] En ambas pinturas se observa a las retratadas usando un arete de perla, una bufanda cubriendo sus hombros y posando frente a un fondo negro.[4] Es posible que el autor haya usado una cámara oscura en ambos trabajos.[5]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: En Retrato_de_una_mujer_joven, ¿Cómo se discute la abstract?

Retrato de una mujer joven (en neerlandés Meisjeskopje) es una obra del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667.[2] La pintura se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York.La obra fue pintada casi al mismo tiempo que la famosa obra La joven de la perla, con un estilo y tamaño idénticos.[2] Es considerada debido a su tono y composición como una variante del cuadro de la perla.[3] En ambas pinturas se observa a las retratadas usando un arete de perla, una bufanda cubriendo sus hombros y posando frente a un fondo negro.[4] Es posible que el autor haya usado una cámara oscura en ambos trabajos.[5]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_una_mujer_joven y explora la Descripción.

Se representa a la modelo con una cara sencilla, con una nariz pequeña y labios delgados.[6] La falta de belleza idealizada ha llevado a la creencia general de que este trabajo fue pintado por encargo,[5] aunque es posible que la modelo fuera la hija de Vermeer.[1] Es probable que Vermeer haya usado a una modelo en vivo, pero al igual que «La joven de la perla», no haya creado el trabajo como un retrato, sino como un tronie, estilo propio del barroco flamenco holandés. Tanto la pintura del arete como esta obra son inusuales para el pintor, pues carecen del llamativo fondo habitual y están enmarcadas en un negro oscuro.[1]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Retrato_de_una_mujer_joven.

Se representa a la modelo con una cara sencilla, con una nariz pequeña y labios delgados.[6] La falta de belleza idealizada ha llevado a la creencia general de que este trabajo fue pintado por encargo,[5] aunque es posible que la modelo fuera la hija de Vermeer.[1] Es probable que Vermeer haya usado a una modelo en vivo, pero al igual que «La joven de la perla», no haya creado el trabajo como un retrato, sino como un tronie, estilo propio del barroco flamenco holandés. Tanto la pintura del arete como esta obra son inusuales para el pintor, pues carecen del llamativo fondo habitual y están enmarcadas en un negro oscuro.[1]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_una_mujer_joven su Descripción?

Se representa a la modelo con una cara sencilla, con una nariz pequeña y labios delgados.[6] La falta de belleza idealizada ha llevado a la creencia general de que este trabajo fue pintado por encargo,[5] aunque es posible que la modelo fuera la hija de Vermeer.[1] Es probable que Vermeer haya usado a una modelo en vivo, pero al igual que «La joven de la perla», no haya creado el trabajo como un retrato, sino como un tronie, estilo propio del barroco flamenco holandés. Tanto la pintura del arete como esta obra son inusuales para el pintor, pues carecen del llamativo fondo habitual y están enmarcadas en un negro oscuro.[1]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: En Retrato_de_una_mujer_joven, ¿Cómo se discute la Descripción?

Se representa a la modelo con una cara sencilla, con una nariz pequeña y labios delgados.[6] La falta de belleza idealizada ha llevado a la creencia general de que este trabajo fue pintado por encargo,[5] aunque es posible que la modelo fuera la hija de Vermeer.[1] Es probable que Vermeer haya usado a una modelo en vivo, pero al igual que «La joven de la perla», no haya creado el trabajo como un retrato, sino como un tronie, estilo propio del barroco flamenco holandés. Tanto la pintura del arete como esta obra son inusuales para el pintor, pues carecen del llamativo fondo habitual y están enmarcadas en un negro oscuro.[1]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_una_mujer_joven y explora la Origen y exposiciones.

La pintura pudo haber sido propiedad de Pieter Claesz van Ruijven de Delft antes de 1674, y luego por su viuda, Maria de Knuijt de Delft, hasta 1681; luego su hija, Magdalena van Ruijven, hasta 1682; su viudo, Jacob Dissius, hasta 1695. Se cree que la pintura formó parte de la venta de Dissius hecha el 16 de mayo de 1696.[7] Perteneció al Dr. Luchtmans, que la vendió en Róterdam en una subasta del 20 al 22 de abril de 1816 por 3 florines neerlandeses.[8]El príncipe Auguste Marie Raymond d'Arenberg, de Bruselas, fue dueño de la pintura en 1829, que mantuvo desde 1833 hasta principios de 1950. En 1959 (o 1955, según otra fuente),[7] fue comprada en una venta privada del Príncipe d'Arenberg por el magnate petrolero Charles Wrightsman y su esposa Jayne por un monto de alrededor de 125,000 libras.[8] En 1979, Wrightsman donó la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en memoria del curador Theodore Rousseau, Jr.[9]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: Explora la Origen y exposiciones de esta obra de arte, Retrato_de_una_mujer_joven.

La pintura pudo haber sido propiedad de Pieter Claesz van Ruijven de Delft antes de 1674, y luego por su viuda, Maria de Knuijt de Delft, hasta 1681; luego su hija, Magdalena van Ruijven, hasta 1682; su viudo, Jacob Dissius, hasta 1695. Se cree que la pintura formó parte de la venta de Dissius hecha el 16 de mayo de 1696.[7] Perteneció al Dr. Luchtmans, que la vendió en Róterdam en una subasta del 20 al 22 de abril de 1816 por 3 florines neerlandeses.[8]El príncipe Auguste Marie Raymond d'Arenberg, de Bruselas, fue dueño de la pintura en 1829, que mantuvo desde 1833 hasta principios de 1950. En 1959 (o 1955, según otra fuente),[7] fue comprada en una venta privada del Príncipe d'Arenberg por el magnate petrolero Charles Wrightsman y su esposa Jayne por un monto de alrededor de 125,000 libras.[8] En 1979, Wrightsman donó la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en memoria del curador Theodore Rousseau, Jr.[9]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_una_mujer_joven su Origen y exposiciones?

La pintura pudo haber sido propiedad de Pieter Claesz van Ruijven de Delft antes de 1674, y luego por su viuda, Maria de Knuijt de Delft, hasta 1681; luego su hija, Magdalena van Ruijven, hasta 1682; su viudo, Jacob Dissius, hasta 1695. Se cree que la pintura formó parte de la venta de Dissius hecha el 16 de mayo de 1696.[7] Perteneció al Dr. Luchtmans, que la vendió en Róterdam en una subasta del 20 al 22 de abril de 1816 por 3 florines neerlandeses.[8]El príncipe Auguste Marie Raymond d'Arenberg, de Bruselas, fue dueño de la pintura en 1829, que mantuvo desde 1833 hasta principios de 1950. En 1959 (o 1955, según otra fuente),[7] fue comprada en una venta privada del Príncipe d'Arenberg por el magnate petrolero Charles Wrightsman y su esposa Jayne por un monto de alrededor de 125,000 libras.[8] En 1979, Wrightsman donó la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en memoria del curador Theodore Rousseau, Jr.[9]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Retrato_de_una_mujer_joven

Prompt: En Retrato_de_una_mujer_joven, ¿Cómo se discute la Origen y exposiciones?

La pintura pudo haber sido propiedad de Pieter Claesz van Ruijven de Delft antes de 1674, y luego por su viuda, Maria de Knuijt de Delft, hasta 1681; luego su hija, Magdalena van Ruijven, hasta 1682; su viudo, Jacob Dissius, hasta 1695. Se cree que la pintura formó parte de la venta de Dissius hecha el 16 de mayo de 1696.[7] Perteneció al Dr. Luchtmans, que la vendió en Róterdam en una subasta del 20 al 22 de abril de 1816 por 3 florines neerlandeses.[8]El príncipe Auguste Marie Raymond d'Arenberg, de Bruselas, fue dueño de la pintura en 1829, que mantuvo desde 1833 hasta principios de 1950. En 1959 (o 1955, según otra fuente),[7] fue comprada en una venta privada del Príncipe d'Arenberg por el magnate petrolero Charles Wrightsman y su esposa Jayne por un monto de alrededor de 125,000 libras.[8] En 1979, Wrightsman donó la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en memoria del curador Theodore Rousseau, Jr.[9]

Imagen:Vermeer-Portrait of a Young Woman.jpg

Categoría:Colecciones del Museo Metropolitano de Arte


Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Concéntrate en Tríptico_de_los_santos_ermitaños y explora la abstract.

El Tríptico de los santos ermitaños es un tríptico del pintor holandés El Bosco. Basado en investigaciones dendrocronológicas, se asume que fue creado alrededor de 1493. Se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia. Los tres paneles miden 85,4 × 29,2 cm, 85,7 × 60,0 cm, 85,7 × 28,9 cm. Está firmado en la parte inferior del panel central en letras doradas y escritura gótica: "Jheronimus bosch".Las imágenes en la parte posterior de los dos paneles laterales, probablemente en grisalla, no han sobrevivido.[1] La obra sufrió graves daños tal vez durante un incendio, estando fuertemente repintado el panel central, especialmente en el paisaje y en el cielo, así como en la cabeza de Jerónimo.Tres santos ermitaños muy populares en la Edad Media y el Renacimiento están representados: en el panel central, san Jerónimo penitente, en el panel izquierdo, san Antonio Abad y, en el de la derecha, san Egidio (o Gil).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Galería de la Academia de Venecia

Categoría:Pinturas representando a San Antonio Abad

Archivo:Hieronymus Bosch - Hermit Saints TriptychFXD.jpg


Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Tríptico_de_los_santos_ermitaños.

El Tríptico de los santos ermitaños es un tríptico del pintor holandés El Bosco. Basado en investigaciones dendrocronológicas, se asume que fue creado alrededor de 1493. Se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia. Los tres paneles miden 85,4 × 29,2 cm, 85,7 × 60,0 cm, 85,7 × 28,9 cm. Está firmado en la parte inferior del panel central en letras doradas y escritura gótica: "Jheronimus bosch".Las imágenes en la parte posterior de los dos paneles laterales, probablemente en grisalla, no han sobrevivido.[1] La obra sufrió graves daños tal vez durante un incendio, estando fuertemente repintado el panel central, especialmente en el paisaje y en el cielo, así como en la cabeza de Jerónimo.Tres santos ermitaños muy populares en la Edad Media y el Renacimiento están representados: en el panel central, san Jerónimo penitente, en el panel izquierdo, san Antonio Abad y, en el de la derecha, san Egidio (o Gil).

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Galería de la Academia de Venecia

Categoría:Pinturas representando a San Antonio Abad

Archivo:Hieronymus Bosch - Hermit Saints TriptychFXD.jpg


Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_de_los_santos_ermitaños su abstract?

El Tríptico de los santos ermitaños es un tríptico del pintor holandés El Bosco. Basado en investigaciones dendrocronológicas, se asume que fue creado alrededor de 1493. Se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia. Los tres paneles miden 85,4 × 29,2 cm, 85,7 × 60,0 cm, 85,7 × 28,9 cm. Está firmado en la parte inferior del panel central en letras doradas y escritura gótica: "Jheronimus bosch".Las imágenes en la parte posterior de los dos paneles laterales, probablemente en grisalla, no han sobrevivido.[1] La obra sufrió graves daños tal vez durante un incendio, estando fuertemente repintado el panel central, especialmente en el paisaje y en el cielo, así como en la cabeza de Jerónimo.Tres santos ermitaños muy populares en la Edad Media y el Renacimiento están representados: en el panel central, san Jerónimo penitente, en el panel izquierdo, san Antonio Abad y, en el de la derecha, san Egidio (o Gil).

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: En Tríptico_de_los_santos_ermitaños, ¿Cómo se discute la abstract?

El Tríptico de los santos ermitaños es un tríptico del pintor holandés El Bosco. Basado en investigaciones dendrocronológicas, se asume que fue creado alrededor de 1493. Se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia. Los tres paneles miden 85,4 × 29,2 cm, 85,7 × 60,0 cm, 85,7 × 28,9 cm. Está firmado en la parte inferior del panel central en letras doradas y escritura gótica: "Jheronimus bosch".Las imágenes en la parte posterior de los dos paneles laterales, probablemente en grisalla, no han sobrevivido.[1] La obra sufrió graves daños tal vez durante un incendio, estando fuertemente repintado el panel central, especialmente en el paisaje y en el cielo, así como en la cabeza de Jerónimo.Tres santos ermitaños muy populares en la Edad Media y el Renacimiento están representados: en el panel central, san Jerónimo penitente, en el panel izquierdo, san Antonio Abad y, en el de la derecha, san Egidio (o Gil).

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Concéntrate en Tríptico_de_los_santos_ermitaños y explora la Descripción.

La imagen central del tríptico muestra al santo patrón del Bosco, el padre de la iglesia Jerónimo como un ermitaño en el desierto. Ora en medio de las ruinas de un templo pagano ante un extraño paisaje rocoso con un estanque, algunos árboles secos y una variedad de animales: pájaros, reptiles, una cochinilla, un pez extrañamente grotesco en un árbol y algunos mamíferos, símbolos del mal esparcidos por todas partes, con un amplio paisaje de fondo que se extiende hasta donde alcanza la vista. Jerónimo está arrodillado frente a una estructura similar a un ábside, su cuerpo demacrado y desnudo envuelto en una capa de color rojo ahora pálido debido a la pérdida pictórica, el sombrero de cardenal en el suelo junto al ábside. En su mano izquierda sostiene un crucifijo, con la piedra en la diestra se golpea el pecho. La insignia cardenalicia abandonada y la piedra son atributos iconográficos de Jerónimo como penitente, mientras que el león, su compañero habitual, es probablemente el cuadrúpedo de espaldas bebiendo en el estanque. A la izquierda del santo hay un ídolo caído y en el pedestal que lo sustentaba aparece un hombre arrodillado adorando al sol y a la luna. Delante de él la estructura semicircular está decorada con un relieve de Judit y Holofernes. En la tipología medieval, Judit era vista como una prefiguración de María como vencedora del mal. Y a la izquierda, un hombre cazando a lazo un unicornio, símbolo de castidad. En la enigmática imagen de la base lateral del ábside, un hombre desnudo se arrastra dentro de una colmena, un símbolo de la lujuria pues la miel aludía al placer carnal. De esta figura se conserva un dibujo preparatorio en la Albertina de Viena. Un búho está posado en el palo que sobresale de su ano. En la iconografía occidental, el búho tiene significados ambivalentes. Por un lado, es un símbolo de sabiduría, por otro lado, se considera un presagio de mala suerte. Como animal nocturno, huye de la luz, es compañero de brujas y, como mensajero de infortunio, anuncia incendios o la muerte.[2]El tema del ala izquierda es Las tentaciones de San Antonio. El anacoreta con hábito negro se apoya en su bastón, que tiene la habitual forma de cruz tau, y se inclina para recoger agua de un estanque con un cántaro. Es de noche, y Antonio es acosado por monstruosas criaturas, cerrando los ojos a las visiones demoníacas que acechan sus meditaciones. Delante de él, un pez-diablo se sirve vino de una jarra imitándole con sorna, mientras alrededor del santo pululan otros demonios grillos en poses grotescas pero también humorísticas: uno de espaldas está sentado leyendo un misal, otro tiene cola de pavo real y con un pico muy largo atrapa una sabandija, en primer plano se pasea otro en forma de cabeza de monja con pies, llevando encima una lechuza en su nido. Ante el santo, en la orilla cercana, apartada una tela colgada de un árbol seco, se revela una mujer desnuda retratada en la pose de Venus pudica. Según la leyenda, Antonio en su retiro fue tentado por el diablo en forma de una hermosa mujer. En el fondo arden incendios a contraluz típicamente bosquianos: Antonio es el santo que protege de los incendios y al que se invocaba contra el "fuego de san Antón".[3][4]El panel del lado derecho muestra al ermitaño Egidio o Gil, como se relata en la Leyenda áurea. Egidio se retiró al bosque en el sur de Francia y vivía en una cueva, con una cierva que lo alimentaba con su leche. Una flecha dirigida al animal alcanzó accidentalmente al ermitaño, causándole una herida que nunca sanó. Aparece vestido con hábito negro, con la flecha en el pecho y la cierva acostada a sus pies. Delante tiene un libro cerrado y de la mesa cuelga una nota con los nombres de todos aquellos a quienes ha ayudado por su intercesión. El paisaje es el más sereno y luminoso de los tres. El santo se encuentra de pie rezando en una cueva rocosa con un trozo de bosque arriba y pájaros bajo un cielo despejado. Solo algunos huesos de animales y partes del cuerpo de un jabalí esparcidos frente a la cueva, que un cuervo está manipulando, apuntan a la fugacidad y la muerte.Egidio es uno de los catorce santos auxiliadores y uno de los invocados contra la peste durante las grandes epidemias europeas, que también afectaron a los Países Bajos, desde el siglo XIV al XVI.[5][6]

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Galería de la Academia de Venecia

Categoría:Pinturas representando a San Antonio Abad

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Tríptico_de_los_santos_ermitaños.

La imagen central del tríptico muestra al santo patrón del Bosco, el padre de la iglesia Jerónimo como un ermitaño en el desierto. Ora en medio de las ruinas de un templo pagano ante un extraño paisaje rocoso con un estanque, algunos árboles secos y una variedad de animales: pájaros, reptiles, una cochinilla, un pez extrañamente grotesco en un árbol y algunos mamíferos, símbolos del mal esparcidos por todas partes, con un amplio paisaje de fondo que se extiende hasta donde alcanza la vista. Jerónimo está arrodillado frente a una estructura similar a un ábside, su cuerpo demacrado y desnudo envuelto en una capa de color rojo ahora pálido debido a la pérdida pictórica, el sombrero de cardenal en el suelo junto al ábside. En su mano izquierda sostiene un crucifijo, con la piedra en la diestra se golpea el pecho. La insignia cardenalicia abandonada y la piedra son atributos iconográficos de Jerónimo como penitente, mientras que el león, su compañero habitual, es probablemente el cuadrúpedo de espaldas bebiendo en el estanque. A la izquierda del santo hay un ídolo caído y en el pedestal que lo sustentaba aparece un hombre arrodillado adorando al sol y a la luna. Delante de él la estructura semicircular está decorada con un relieve de Judit y Holofernes. En la tipología medieval, Judit era vista como una prefiguración de María como vencedora del mal. Y a la izquierda, un hombre cazando a lazo un unicornio, símbolo de castidad. En la enigmática imagen de la base lateral del ábside, un hombre desnudo se arrastra dentro de una colmena, un símbolo de la lujuria pues la miel aludía al placer carnal. De esta figura se conserva un dibujo preparatorio en la Albertina de Viena. Un búho está posado en el palo que sobresale de su ano. En la iconografía occidental, el búho tiene significados ambivalentes. Por un lado, es un símbolo de sabiduría, por otro lado, se considera un presagio de mala suerte. Como animal nocturno, huye de la luz, es compañero de brujas y, como mensajero de infortunio, anuncia incendios o la muerte.[2]El tema del ala izquierda es Las tentaciones de San Antonio. El anacoreta con hábito negro se apoya en su bastón, que tiene la habitual forma de cruz tau, y se inclina para recoger agua de un estanque con un cántaro. Es de noche, y Antonio es acosado por monstruosas criaturas, cerrando los ojos a las visiones demoníacas que acechan sus meditaciones. Delante de él, un pez-diablo se sirve vino de una jarra imitándole con sorna, mientras alrededor del santo pululan otros demonios grillos en poses grotescas pero también humorísticas: uno de espaldas está sentado leyendo un misal, otro tiene cola de pavo real y con un pico muy largo atrapa una sabandija, en primer plano se pasea otro en forma de cabeza de monja con pies, llevando encima una lechuza en su nido. Ante el santo, en la orilla cercana, apartada una tela colgada de un árbol seco, se revela una mujer desnuda retratada en la pose de Venus pudica. Según la leyenda, Antonio en su retiro fue tentado por el diablo en forma de una hermosa mujer. En el fondo arden incendios a contraluz típicamente bosquianos: Antonio es el santo que protege de los incendios y al que se invocaba contra el "fuego de san Antón".[3][4]El panel del lado derecho muestra al ermitaño Egidio o Gil, como se relata en la Leyenda áurea. Egidio se retiró al bosque en el sur de Francia y vivía en una cueva, con una cierva que lo alimentaba con su leche. Una flecha dirigida al animal alcanzó accidentalmente al ermitaño, causándole una herida que nunca sanó. Aparece vestido con hábito negro, con la flecha en el pecho y la cierva acostada a sus pies. Delante tiene un libro cerrado y de la mesa cuelga una nota con los nombres de todos aquellos a quienes ha ayudado por su intercesión. El paisaje es el más sereno y luminoso de los tres. El santo se encuentra de pie rezando en una cueva rocosa con un trozo de bosque arriba y pájaros bajo un cielo despejado. Solo algunos huesos de animales y partes del cuerpo de un jabalí esparcidos frente a la cueva, que un cuervo está manipulando, apuntan a la fugacidad y la muerte.Egidio es uno de los catorce santos auxiliadores y uno de los invocados contra la peste durante las grandes epidemias europeas, que también afectaron a los Países Bajos, desde el siglo XIV al XVI.[5][6]

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_de_los_santos_ermitaños su Descripción?

La imagen central del tríptico muestra al santo patrón del Bosco, el padre de la iglesia Jerónimo como un ermitaño en el desierto. Ora en medio de las ruinas de un templo pagano ante un extraño paisaje rocoso con un estanque, algunos árboles secos y una variedad de animales: pájaros, reptiles, una cochinilla, un pez extrañamente grotesco en un árbol y algunos mamíferos, símbolos del mal esparcidos por todas partes, con un amplio paisaje de fondo que se extiende hasta donde alcanza la vista. Jerónimo está arrodillado frente a una estructura similar a un ábside, su cuerpo demacrado y desnudo envuelto en una capa de color rojo ahora pálido debido a la pérdida pictórica, el sombrero de cardenal en el suelo junto al ábside. En su mano izquierda sostiene un crucifijo, con la piedra en la diestra se golpea el pecho. La insignia cardenalicia abandonada y la piedra son atributos iconográficos de Jerónimo como penitente, mientras que el león, su compañero habitual, es probablemente el cuadrúpedo de espaldas bebiendo en el estanque. A la izquierda del santo hay un ídolo caído y en el pedestal que lo sustentaba aparece un hombre arrodillado adorando al sol y a la luna. Delante de él la estructura semicircular está decorada con un relieve de Judit y Holofernes. En la tipología medieval, Judit era vista como una prefiguración de María como vencedora del mal. Y a la izquierda, un hombre cazando a lazo un unicornio, símbolo de castidad. En la enigmática imagen de la base lateral del ábside, un hombre desnudo se arrastra dentro de una colmena, un símbolo de la lujuria pues la miel aludía al placer carnal. De esta figura se conserva un dibujo preparatorio en la Albertina de Viena. Un búho está posado en el palo que sobresale de su ano. En la iconografía occidental, el búho tiene significados ambivalentes. Por un lado, es un símbolo de sabiduría, por otro lado, se considera un presagio de mala suerte. Como animal nocturno, huye de la luz, es compañero de brujas y, como mensajero de infortunio, anuncia incendios o la muerte.[2]El tema del ala izquierda es Las tentaciones de San Antonio. El anacoreta con hábito negro se apoya en su bastón, que tiene la habitual forma de cruz tau, y se inclina para recoger agua de un estanque con un cántaro. Es de noche, y Antonio es acosado por monstruosas criaturas, cerrando los ojos a las visiones demoníacas que acechan sus meditaciones. Delante de él, un pez-diablo se sirve vino de una jarra imitándole con sorna, mientras alrededor del santo pululan otros demonios grillos en poses grotescas pero también humorísticas: uno de espaldas está sentado leyendo un misal, otro tiene cola de pavo real y con un pico muy largo atrapa una sabandija, en primer plano se pasea otro en forma de cabeza de monja con pies, llevando encima una lechuza en su nido. Ante el santo, en la orilla cercana, apartada una tela colgada de un árbol seco, se revela una mujer desnuda retratada en la pose de Venus pudica. Según la leyenda, Antonio en su retiro fue tentado por el diablo en forma de una hermosa mujer. En el fondo arden incendios a contraluz típicamente bosquianos: Antonio es el santo que protege de los incendios y al que se invocaba contra el "fuego de san Antón".[3][4]El panel del lado derecho muestra al ermitaño Egidio o Gil, como se relata en la Leyenda áurea. Egidio se retiró al bosque en el sur de Francia y vivía en una cueva, con una cierva que lo alimentaba con su leche. Una flecha dirigida al animal alcanzó accidentalmente al ermitaño, causándole una herida que nunca sanó. Aparece vestido con hábito negro, con la flecha en el pecho y la cierva acostada a sus pies. Delante tiene un libro cerrado y de la mesa cuelga una nota con los nombres de todos aquellos a quienes ha ayudado por su intercesión. El paisaje es el más sereno y luminoso de los tres. El santo se encuentra de pie rezando en una cueva rocosa con un trozo de bosque arriba y pájaros bajo un cielo despejado. Solo algunos huesos de animales y partes del cuerpo de un jabalí esparcidos frente a la cueva, que un cuervo está manipulando, apuntan a la fugacidad y la muerte.Egidio es uno de los catorce santos auxiliadores y uno de los invocados contra la peste durante las grandes epidemias europeas, que también afectaron a los Países Bajos, desde el siglo XIV al XVI.[5][6]

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: En Tríptico_de_los_santos_ermitaños, ¿Cómo se discute la Descripción?

La imagen central del tríptico muestra al santo patrón del Bosco, el padre de la iglesia Jerónimo como un ermitaño en el desierto. Ora en medio de las ruinas de un templo pagano ante un extraño paisaje rocoso con un estanque, algunos árboles secos y una variedad de animales: pájaros, reptiles, una cochinilla, un pez extrañamente grotesco en un árbol y algunos mamíferos, símbolos del mal esparcidos por todas partes, con un amplio paisaje de fondo que se extiende hasta donde alcanza la vista. Jerónimo está arrodillado frente a una estructura similar a un ábside, su cuerpo demacrado y desnudo envuelto en una capa de color rojo ahora pálido debido a la pérdida pictórica, el sombrero de cardenal en el suelo junto al ábside. En su mano izquierda sostiene un crucifijo, con la piedra en la diestra se golpea el pecho. La insignia cardenalicia abandonada y la piedra son atributos iconográficos de Jerónimo como penitente, mientras que el león, su compañero habitual, es probablemente el cuadrúpedo de espaldas bebiendo en el estanque. A la izquierda del santo hay un ídolo caído y en el pedestal que lo sustentaba aparece un hombre arrodillado adorando al sol y a la luna. Delante de él la estructura semicircular está decorada con un relieve de Judit y Holofernes. En la tipología medieval, Judit era vista como una prefiguración de María como vencedora del mal. Y a la izquierda, un hombre cazando a lazo un unicornio, símbolo de castidad. En la enigmática imagen de la base lateral del ábside, un hombre desnudo se arrastra dentro de una colmena, un símbolo de la lujuria pues la miel aludía al placer carnal. De esta figura se conserva un dibujo preparatorio en la Albertina de Viena. Un búho está posado en el palo que sobresale de su ano. En la iconografía occidental, el búho tiene significados ambivalentes. Por un lado, es un símbolo de sabiduría, por otro lado, se considera un presagio de mala suerte. Como animal nocturno, huye de la luz, es compañero de brujas y, como mensajero de infortunio, anuncia incendios o la muerte.[2]El tema del ala izquierda es Las tentaciones de San Antonio. El anacoreta con hábito negro se apoya en su bastón, que tiene la habitual forma de cruz tau, y se inclina para recoger agua de un estanque con un cántaro. Es de noche, y Antonio es acosado por monstruosas criaturas, cerrando los ojos a las visiones demoníacas que acechan sus meditaciones. Delante de él, un pez-diablo se sirve vino de una jarra imitándole con sorna, mientras alrededor del santo pululan otros demonios grillos en poses grotescas pero también humorísticas: uno de espaldas está sentado leyendo un misal, otro tiene cola de pavo real y con un pico muy largo atrapa una sabandija, en primer plano se pasea otro en forma de cabeza de monja con pies, llevando encima una lechuza en su nido. Ante el santo, en la orilla cercana, apartada una tela colgada de un árbol seco, se revela una mujer desnuda retratada en la pose de Venus pudica. Según la leyenda, Antonio en su retiro fue tentado por el diablo en forma de una hermosa mujer. En el fondo arden incendios a contraluz típicamente bosquianos: Antonio es el santo que protege de los incendios y al que se invocaba contra el "fuego de san Antón".[3][4]El panel del lado derecho muestra al ermitaño Egidio o Gil, como se relata en la Leyenda áurea. Egidio se retiró al bosque en el sur de Francia y vivía en una cueva, con una cierva que lo alimentaba con su leche. Una flecha dirigida al animal alcanzó accidentalmente al ermitaño, causándole una herida que nunca sanó. Aparece vestido con hábito negro, con la flecha en el pecho y la cierva acostada a sus pies. Delante tiene un libro cerrado y de la mesa cuelga una nota con los nombres de todos aquellos a quienes ha ayudado por su intercesión. El paisaje es el más sereno y luminoso de los tres. El santo se encuentra de pie rezando en una cueva rocosa con un trozo de bosque arriba y pájaros bajo un cielo despejado. Solo algunos huesos de animales y partes del cuerpo de un jabalí esparcidos frente a la cueva, que un cuervo está manipulando, apuntan a la fugacidad y la muerte.Egidio es uno de los catorce santos auxiliadores y uno de los invocados contra la peste durante las grandes epidemias europeas, que también afectaron a los Países Bajos, desde el siglo XIV al XVI.[5][6]

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Concéntrate en Tríptico_de_los_santos_ermitaños y explora la Historia.

El tríptico se menciona por primera vez en Della pittura Veneziana de Zanetti de 1771,[7] cuando estaba presente en la Sala dei tre Capi del Consejo de los Diez en el Palacio Ducal. Tras la caída de la república y bajo el dominio de Austria, fue llevado a la Galería Imperial de Viena en 1838 y terminó en el Kunsthistorisches Museum de Viena en 1893. En 1919 volvió a Venecia y se colocó de nuevo en el Palacio Ducal. Después de ser limpiado y restaurado en el contexto del 'Proyecto de Investigación y Conservación del Bosco' [8], ahora se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia.

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Tríptico_de_los_santos_ermitaños.

El tríptico se menciona por primera vez en Della pittura Veneziana de Zanetti de 1771,[7] cuando estaba presente en la Sala dei tre Capi del Consejo de los Diez en el Palacio Ducal. Tras la caída de la república y bajo el dominio de Austria, fue llevado a la Galería Imperial de Viena en 1838 y terminó en el Kunsthistorisches Museum de Viena en 1893. En 1919 volvió a Venecia y se colocó de nuevo en el Palacio Ducal. Después de ser limpiado y restaurado en el contexto del 'Proyecto de Investigación y Conservación del Bosco' [8], ahora se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia.

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: ¿Cómo aclara Tríptico_de_los_santos_ermitaños su Historia?

El tríptico se menciona por primera vez en Della pittura Veneziana de Zanetti de 1771,[7] cuando estaba presente en la Sala dei tre Capi del Consejo de los Diez en el Palacio Ducal. Tras la caída de la república y bajo el dominio de Austria, fue llevado a la Galería Imperial de Viena en 1838 y terminó en el Kunsthistorisches Museum de Viena en 1893. En 1919 volvió a Venecia y se colocó de nuevo en el Palacio Ducal. Después de ser limpiado y restaurado en el contexto del 'Proyecto de Investigación y Conservación del Bosco' [8], ahora se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia.

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: En Tríptico_de_los_santos_ermitaños, ¿Cómo se discute la Historia?

El tríptico se menciona por primera vez en Della pittura Veneziana de Zanetti de 1771,[7] cuando estaba presente en la Sala dei tre Capi del Consejo de los Diez en el Palacio Ducal. Tras la caída de la república y bajo el dominio de Austria, fue llevado a la Galería Imperial de Viena en 1838 y terminó en el Kunsthistorisches Museum de Viena en 1893. En 1919 volvió a Venecia y se colocó de nuevo en el Palacio Ducal. Después de ser limpiado y restaurado en el contexto del 'Proyecto de Investigación y Conservación del Bosco' [8], ahora se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia.

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Concéntrate en Tríptico_de_los_santos_ermitaños y explora la Exhibiciones.

En 1958, el tríptico se mostró en la exposición Middeleeuwse Kunst der Noordelijke Nederlanden en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Formó parte de la exposición Hieronymus Bosch en el Palacio Grimani de Venecia en 2010, junto con las dos pinturas Visiones del Más Allá (1500/1503) y Tríptico de Santa Julieta o Librada (1510), también originarias del Palacio Ducal.[9] Se exhibió en 2016 con otras tres obras del Bosco conservadas en Venecia en la gran exposición sobre el maestro en el Museo Noordbrabants en 's-Hertogenbosch.[10]

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: Explora la Exhibiciones de esta obra de arte, Tríptico_de_los_santos_ermitaños.

En 1958, el tríptico se mostró en la exposición Middeleeuwse Kunst der Noordelijke Nederlanden en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Formó parte de la exposición Hieronymus Bosch en el Palacio Grimani de Venecia en 2010, junto con las dos pinturas Visiones del Más Allá (1500/1503) y Tríptico de Santa Julieta o Librada (1510), también originarias del Palacio Ducal.[9] Se exhibió en 2016 con otras tres obras del Bosco conservadas en Venecia en la gran exposición sobre el maestro en el Museo Noordbrabants en 's-Hertogenbosch.[10]

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

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En 1958, el tríptico se mostró en la exposición Middeleeuwse Kunst der Noordelijke Nederlanden en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Formó parte de la exposición Hieronymus Bosch en el Palacio Grimani de Venecia en 2010, junto con las dos pinturas Visiones del Más Allá (1500/1503) y Tríptico de Santa Julieta o Librada (1510), también originarias del Palacio Ducal.[9] Se exhibió en 2016 con otras tres obras del Bosco conservadas en Venecia en la gran exposición sobre el maestro en el Museo Noordbrabants en 's-Hertogenbosch.[10]

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Tríptico_de_los_santos_ermitaños

Prompt: En Tríptico_de_los_santos_ermitaños, ¿Cómo se discute la Exhibiciones?

En 1958, el tríptico se mostró en la exposición Middeleeuwse Kunst der Noordelijke Nederlanden en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Formó parte de la exposición Hieronymus Bosch en el Palacio Grimani de Venecia en 2010, junto con las dos pinturas Visiones del Más Allá (1500/1503) y Tríptico de Santa Julieta o Librada (1510), también originarias del Palacio Ducal.[9] Se exhibió en 2016 con otras tres obras del Bosco conservadas en Venecia en la gran exposición sobre el maestro en el Museo Noordbrabants en 's-Hertogenbosch.[10]

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Tomioka_Tessai

Prompt: Concéntrate en Tomioka_Tessai y explora la abstract.

Tomioka Tessai (Kioto, 25 de enero de 1837 - ibídem, 31 de diciembre de 1924) fue un pintor nanga japonés,[1] artista imperial miembro de la Teikoku Bijutsu-in (Academia de Arte de Japón).[2]Su estilo se asemejaba al de las antiguas pinturas chinas y japonesas.[3] Sus obras influyeron a artistas como Keisen Tomita.[4]

Archivo:Embarkig on a Raft by Tomioka Tessai.jpg

Categoría:Pintores de Japón del siglo XIX

Categoría:Pintores de Japón del siglo XX

Categoría:Personajes del Imperio de Japón


Tomioka_Tessai

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Tomioka_Tessai.

Tomioka Tessai (Kioto, 25 de enero de 1837 - ibídem, 31 de diciembre de 1924) fue un pintor nanga japonés,[1] artista imperial miembro de la Teikoku Bijutsu-in (Academia de Arte de Japón).[2]Su estilo se asemejaba al de las antiguas pinturas chinas y japonesas.[3] Sus obras influyeron a artistas como Keisen Tomita.[4]

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Categoría:Pintores de Japón del siglo XX

Categoría:Personajes del Imperio de Japón


Tomioka_Tessai

Prompt: ¿Cómo aclara Tomioka_Tessai su abstract?

Tomioka Tessai (Kioto, 25 de enero de 1837 - ibídem, 31 de diciembre de 1924) fue un pintor nanga japonés,[1] artista imperial miembro de la Teikoku Bijutsu-in (Academia de Arte de Japón).[2]Su estilo se asemejaba al de las antiguas pinturas chinas y japonesas.[3] Sus obras influyeron a artistas como Keisen Tomita.[4]

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Tomioka_Tessai

Prompt: En Tomioka_Tessai, ¿Cómo se discute la abstract?

Tomioka Tessai (Kioto, 25 de enero de 1837 - ibídem, 31 de diciembre de 1924) fue un pintor nanga japonés,[1] artista imperial miembro de la Teikoku Bijutsu-in (Academia de Arte de Japón).[2]Su estilo se asemejaba al de las antiguas pinturas chinas y japonesas.[3] Sus obras influyeron a artistas como Keisen Tomita.[4]

Archivo:Embarkig on a Raft by Tomioka Tessai.jpg

Categoría:Pintores de Japón del siglo XIX

Categoría:Pintores de Japón del siglo XX

Categoría:Personajes del Imperio de Japón


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: Concéntrate en Chico_mordido_por_una_lagartija y explora la abstract.

Chico mordido por una lagartija es uno de los trabajos más representativos de Caravaggio. Pintado durante su estancia en casa de Pandolfo Pucci, su mecenas, se inspira en el carboncillo de Sofonisba Anguissola que había visto en Cremona, Retrato de Asdrúbal, picado por un cangrejo.[1]El cuadro recrea de una forma singular un incidente cotidiano en que una lagartija muerde a un chico de entre 12 y 14 años de edad. El atractivo misterioso con que dota Caravaggio a su obra le hace aún más interesante, aumenta su fama entre sus ya numerosos seguidores y le convierte en un pintor de gran renombre, al alborear el siglo XVII. Existen dos versiones de la obra que se ubican en Londres y Florencia.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Boy Bitten by a Lizard-Caravaggio (Longhi).jpg


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Chico_mordido_por_una_lagartija.

Chico mordido por una lagartija es uno de los trabajos más representativos de Caravaggio. Pintado durante su estancia en casa de Pandolfo Pucci, su mecenas, se inspira en el carboncillo de Sofonisba Anguissola que había visto en Cremona, Retrato de Asdrúbal, picado por un cangrejo.[1]El cuadro recrea de una forma singular un incidente cotidiano en que una lagartija muerde a un chico de entre 12 y 14 años de edad. El atractivo misterioso con que dota Caravaggio a su obra le hace aún más interesante, aumenta su fama entre sus ya numerosos seguidores y le convierte en un pintor de gran renombre, al alborear el siglo XVII. Existen dos versiones de la obra que se ubican en Londres y Florencia.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: ¿Cómo aclara Chico_mordido_por_una_lagartija su abstract?

Chico mordido por una lagartija es uno de los trabajos más representativos de Caravaggio. Pintado durante su estancia en casa de Pandolfo Pucci, su mecenas, se inspira en el carboncillo de Sofonisba Anguissola que había visto en Cremona, Retrato de Asdrúbal, picado por un cangrejo.[1]El cuadro recrea de una forma singular un incidente cotidiano en que una lagartija muerde a un chico de entre 12 y 14 años de edad. El atractivo misterioso con que dota Caravaggio a su obra le hace aún más interesante, aumenta su fama entre sus ya numerosos seguidores y le convierte en un pintor de gran renombre, al alborear el siglo XVII. Existen dos versiones de la obra que se ubican en Londres y Florencia.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Boy Bitten by a Lizard-Caravaggio (Longhi).jpg


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: En Chico_mordido_por_una_lagartija, ¿Cómo se discute la abstract?

Chico mordido por una lagartija es uno de los trabajos más representativos de Caravaggio. Pintado durante su estancia en casa de Pandolfo Pucci, su mecenas, se inspira en el carboncillo de Sofonisba Anguissola que había visto en Cremona, Retrato de Asdrúbal, picado por un cangrejo.[1]El cuadro recrea de una forma singular un incidente cotidiano en que una lagartija muerde a un chico de entre 12 y 14 años de edad. El atractivo misterioso con que dota Caravaggio a su obra le hace aún más interesante, aumenta su fama entre sus ya numerosos seguidores y le convierte en un pintor de gran renombre, al alborear el siglo XVII. Existen dos versiones de la obra que se ubican en Londres y Florencia.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: Concéntrate en Chico_mordido_por_una_lagartija y explora la Bibliografía utilizada.

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Boy Bitten by a Lizard-Caravaggio (Longhi).jpg


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: Explora la Bibliografía utilizada de esta obra de arte, Chico_mordido_por_una_lagartija.

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Boy Bitten by a Lizard-Caravaggio (Longhi).jpg


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: ¿Cómo aclara Chico_mordido_por_una_lagartija su Bibliografía utilizada?

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

Archivo:Boy Bitten by a Lizard-Caravaggio (Longhi).jpg


Chico_mordido_por_una_lagartija

Prompt: En Chico_mordido_por_una_lagartija, ¿Cómo se discute la Bibliografía utilizada?

CARRASAT, Patricia: Maestros de la pintura, Spes Editorial, S.L.2005. ISBN 84-8332-597-7

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pintura de Italia del siglo XVI

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Siete_obras_de_misericordia

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Las siete obras de misericordia es un cuadro de 1607 del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana.[1]

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
Nápoles
Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
Martín de Tours
Archivo:Michelangelo Caravaggio 029.jpg
Sansón
Wikimedia Commons
Italia
Santiago el Mayor
Madonna del Rosario (Caravaggio)
Familia Colonna
Caravaggio
Pintura al óleo
300px
Giulio Carlo Argan
Malta


Siete_obras_de_misericordia

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Las siete obras de misericordia es un cuadro de 1607 del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana.[1]

Seicento
Barroco italiano
ISBN
Colonna
Madonna del Rosario
Caballeros de Malta
G. C. Argan
Nápoles
Categoría:Pintura religiosa
Categoría:Cuadros de 1607
Orden de Malta
Martín de Tours
Archivo:Michelangelo Caravaggio 029.jpg
Sansón
Wikimedia Commons
Italia
Santiago el Mayor
Madonna del Rosario (Caravaggio)
Familia Colonna
Caravaggio
Pintura al óleo
300px
Giulio Carlo Argan
Malta