Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Maria_Trip y explora la Retrato.

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: Explora la Retrato de esta obra de arte, Retrato_de_Maria_Trip.

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Maria_Trip su Retrato?

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: En Retrato_de_Maria_Trip, ¿Cómo se discute la Retrato?

La riqueza del atuendo de la joven Maria, que en ese momento contaba veinte años y era todavía soltera, revela su pertenencia a la clase alta. Bajo un arco clasicista, aparece de pie, levemente girada a la izquierda y mirando al espectador. En su mano izquierda, apoyada en el borde de una balaustrada de mármol, sostiene un abanico. El cabello castaño dorado, un poco fino, cae sobre la frente, como joven soltera lo lleva todavía suelto, bajo un pequeño casquete; su vestido negro está decorado con un cinturón con rosetas y tiene puños y cuello abierto de encaje, con collares, pendientes y pulseras de perlas, un collar con un colgante de esmeralda y un broche con tres perlas en forma de pera. Detrás de ella y la puerta en arco hay una cortina oscura y la luz impacta sobre la joven, destacando su piel clara y cabello.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Maria_Trip y explora la Origen.

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: Explora la Origen de esta obra de arte, Retrato_de_Maria_Trip.

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Maria_Trip su Origen?

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Retrato_de_Maria_Trip

Prompt: En Retrato_de_Maria_Trip, ¿Cómo se discute la Origen?

La obra se menciona por primera vez en 1858 en el 'Inventario de retratos y documentos familiares Van Weede', elaborado en Utrecht por Everhard van Weede. Lo heredó de su abuelo, Everard van Weede van Dijkveld (1775-1844), quien probablemente lo heredó de su padre Hendrik Maurits van Weede (1737-1796), quien probablemente lo heredó de su madre Philippina Baltina Elisabeth van Arkel (1716- 1803), quien probablemente lo heredó de su madre Constantia Isabella Smissaert (1682-1731), quien probablemente lo heredó de su madre Constancia Coymans (1652 -?), quien probablemente lo heredó de Maria Trip.Tras la muerte de Everhard van Weede en 1893, la obra fue transferida a la Fundación Family Van Weede, que la cedió al Rijksmuseum en mayo de 1897.

Rembrandt. ''Estudio para el retrato de Maria Trip'' Ca. 1639. Pluma y tinta parda, aguada parda, realzado con blanco sobre papel. 16 × 12,9 cm. Londres, [[Museo Británico

Archivo:Portret van een vrouw, mogelijk Maria Trip Rijksmuseum SK-C-597.jpeg


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concéntrate en Muchacho_encendiendo_una_candela y explora la abstract.

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: ¿Cómo aclara Muchacho_encendiendo_una_candela su abstract?

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: En Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo se discute la abstract?

Muchacho encendiendo una candela o El soplón es el tema de dos obras del Greco, realizadas durante su estancia en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque se desconoce su origen concreto. La temática está posiblemente inspirada en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concéntrate en Muchacho_encendiendo_una_candela y explora la Análisis.

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la Análisis de esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: ¿Cómo aclara Muchacho_encendiendo_una_candela su Análisis?

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: En Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo se discute la Análisis?

En la composición, concebida tal vez durante la estancia del Greco y otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho intenta encender una vela, valiéndose de un ascua, cuya luz incide de diferente manera en su camisa. La luz no llega a iluminar el fondo oscuro, impidiendo ver cualquier referencia del espacio pictórico. Si bien es evidente la influencia de Jacopo Bassano en esta obra, algunos autores opinan que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido. La figura que protagoniza la escena evidencia la enorme calidad de los primeros retratos del Greco, como el retrato de Giulio Clovio, realizado también durante su época romana.[1]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concentrándote en la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, explora la Datos técnicos y registrales sobre la Versión de Nápoles.

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la Datos técnicos y registrales sobre Versión de Nápoles de la Análisis de las obras en esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Con respecto a Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo la Versión de Nápoles de la Análisis de las obras incorpora a la Datos técnicos y registrales?

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Al observar la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo discutes la Datos técnicos y registrales de su Versión de Nápoles?

=Pintura al óleo sobre lienzo; 59 x 51 cm;Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 122 y por José Gudiol con el 22.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concentrándote en la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, explora la Descripción de la obra sobre la Versión de Nápoles.

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la Descripción de la obra sobre Versión de Nápoles de la Análisis de las obras en esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Con respecto a Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo la Versión de Nápoles de la Análisis de las obras incorpora a la Descripción de la obra?

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Al observar la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo discutes la Descripción de la obra de su Versión de Nápoles?

=La pincelada de fuerte empaste y el tinte amarillento de las carnaciones son típicos de la etapa romana del Greco. El rostro del muchacho presenta destellos muy rojos en la punta de la nariz y en las mejillas y párpados. El estado de conservación del lienzo es bastante bueno, pero existen algunos repintes en el lado derecho de la casaca del personaje, los labios parecen haber sido limpiados, y el tiempo y las varias capas de barniz han oscurecido el fondo y el cabello del mancebo.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concentrándote en la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, explora la Datos técnicos y registrales sobre la Versión del una colección privada.

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la Datos técnicos y registrales sobre Versión del una colección privada de la Análisis de las obras en esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Con respecto a Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo la Versión del una colección privada de la Análisis de las obras incorpora a la Datos técnicos y registrales?

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Al observar la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo discutes la Datos técnicos y registrales de su Versión del una colección privada?

=Pintura al óleo sobre lienzo; 61 x 51 cm;Colección privada;Fecha de realización: 1570-1575;[2]Catalogado por Harold Wethey con el número 121 y por José Gudiol con el 23.

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Concentrándote en la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, explora la Descripción de la obra sobre la Versión del una colección privada.

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Explora la Descripción de la obra sobre Versión del una colección privada de la Análisis de las obras en esta obra de arte, Muchacho_encendiendo_una_candela.

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Con respecto a Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo la Versión del una colección privada de la Análisis de las obras incorpora a la Descripción de la obra?

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Muchacho_encendiendo_una_candela

Prompt: Al observar la Análisis de las obras de Muchacho_encendiendo_una_candela, ¿Cómo discutes la Descripción de la obra de su Versión del una colección privada?

=El pigmento del lienzo está deteriorado, y la mano, los ojos, la nariz, la boca y el mentón han sido retocados. Sin embargo, la figura brilla con encantadores colores incandescentes. El ascua parece casi de relieve, a causa del intenso empaste. Las mejillas son muy rojizas, y la casaca amarilla tiene sombras verdes luminosas.[3]

Categoría:Colecciones del Museo de Capodimonte


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: Concéntrate en Retablo_de_San_Lucas y explora la abstract.

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Retablo_de_San_Lucas.

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_San_Lucas su abstract?

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: En Retablo_de_San_Lucas, ¿Cómo se discute la abstract?

El Retablo de San Lucas, también conocido como Políptico de San Lucas, es un políptico pintado sobre tabla por el pintor del Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El retablo presenta doce figuras cada cual bajo su propio arco y nicho. Las siete figuras de la fila superior tienen como centro a Jesucristo muerto. Las cinco inferiores flanquean a San Lucas.

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: Concéntrate en Retablo_de_San_Lucas y explora la Historia.

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Retablo_de_San_Lucas.

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

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Retablo_de_San_Lucas

Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_San_Lucas su Historia?

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

Prompt: En Retablo_de_San_Lucas, ¿Cómo se discute la Historia?

Al mismo tiempo que trabajaba en los frescos de la capilla Ovetari, Mantegna aceptó otros encargos. El 10 de agosto de 1453, firmó un contrato para pintar este trabajo para la iglesia del monasterio benedictino de Santa Justina en Padua.[1] A cambio de 50 ducados, Mantegna accedió a completar el trabajo, proporcionando las pinturas para las figuras y el azzurro Todesco (un pigmento azul derivado del cobre) para incrustarlas.[2] El trabajo estuvo completado a finales del mismo año o inicios del siguiente.[3] El políptico se conserva en la Pinacoteca de Brera, Milán.[4]

Categoría:Colecciones de la Pinacoteca de Brera

''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

Categoría:Pinturas representando a Agustín de Hipona

Categoría:Pinturas representando a Jesús

Categoría:Pinturas representando a San Benito de Nursia

Categoría:Pinturas representando a San Jerónimo

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Categoría:Pinturas representando a Juan el Evangelista


Retablo_de_San_Lucas

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El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Retablo_de_San_Lucas

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El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.

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Retablo_de_San_Lucas

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El monasterio comitente proporcionó el tema y el retablo, un modelo típico gótico, dividido en calles y cuerpos bajo arcos apuntados simulados cada cual acorde al tamaño jerárquico de la figura, sobre fondo dorado, símbolo de eternidad y santidad. Sin embargo, el artista, entonces de veintitrés años, logró adaptar su estilo ya característico de figuras monumentales, volumétricas y pétreas, inspiradas en las esculturas grecorromanas, y para sugerir distancia, pintó los paneles inferiores más grandes y con las figuras de cuerpo entero, y los superiores más pequeños y con las figuras de medio cuerpo. Probablemente, lo concibió como una casa o logia, donde los santos se asoman en una sacra conversazione.Arriba, San Daniel de Padua y San Jerónimo penitente, a la izquierda, y San Agustín y San Sebastián, con palma y espada, a la derecha, flanquean la figura central de Jesucristo alzado sobre el sepulcro de mármol veteado, mostrando las heridas en las manos, el lanzazo en el costado, es góticamente alargado pero ya muestra el estilo mantegna en una inusual anatomía marcada, clasicista; a los lados, cada uno en su panel, María y Juan que le observan con tristeza.Debajo del trío, en la parte central inferior más grande, la gran figura monumental de San Lucas escribiendo en su escritorio. A la izquierda, Santa Escolástica y San Prosdócimo, a la derecha, San Benito y Santa Justina de Padua. San Benito y su hermana Escolástica son los fundadores de la Orden Benedictina, Santa Justina, una virgen y mártir del siglo IV, aunque la leyenda medieval la situaba en el I, era la patrona de Padua y de la iglesia donde se instaló el retablo, donde se guardaban sus reliquias y las de San Lucas, San Prosdócimo, y varios otros.El marco original con la firma del artista se quemó en un incendio en el siglo XVII.

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''Políptico de San Lucas'', pinacoteca de Brera, Milán.

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Ulises_burlando_a_Polifemo

Prompt: Concéntrate en Ulises_burlando_a_Polifemo y explora la abstract.

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Imagen:Joseph Mallord William Turner 064.jpg

Categoría:Cuadros de Reino Unido de los años 1820


Ulises_burlando_a_Polifemo

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Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.

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Ulises_burlando_a_Polifemo

Prompt: ¿Cómo aclara Ulises_burlando_a_Polifemo su abstract?

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.

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Ulises_burlando_a_Polifemo

Prompt: En Ulises_burlando_a_Polifemo, ¿Cómo se discute la abstract?

Este cuadro es de Ulises Ulises burlando a Polifemo (en inglés, Ulysses Deriding Polyphemus) es un cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 133 centímetros de alto por 203 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).Se trata en este cuadro un tema de la Odisea de Homero. Ulises, con sus compañeros, cayó prisionero del cíclope Polifemo. Gracias a su ingenio, Ulises logra burlar al cíclope y cegarle su único ojo. Turner representa el momento en el que los marineros, después de haber huido del Cíclope, se alejan en una barca y se burlan del enemigo derrotado.En el centro del cuadro campea la gran nave de Ulises, mientras Polifemo parece una gran nube en el horizonte.Turner demuestra aquí su gran dominio de la luz y el color. Alterna tonos fríos (azules) y cálidos (dorados). El sol baña toda la escena.El crítico John Ruskin consideraba esta obra como el cuadro central en la carrera de Turner, por su técnica perfecta.

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Retablo_de_Fiesole

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El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Archivo:Beato angelico, predella della pala di fiesole 00.jpg

Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

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El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.

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Retablo_de_Fiesole

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El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.

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El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.

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El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.

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El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.

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Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_Fiesole su Historia?

El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.

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Prompt: En Retablo_de_Fiesole, ¿Cómo se discute la Historia?

El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.

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Prompt: Concéntrate en Retablo_de_Fiesole y explora la Descripción.

Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).

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Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).

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Prompt: En Retablo_de_Fiesole, ¿Cómo se discute la Descripción?

Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: Concéntrate en Retablo_de_Fiesole y explora la Estilo.

El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: Explora la Estilo de esta obra de arte, Retablo_de_Fiesole.

El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_Fiesole su Estilo?

El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: En Retablo_de_Fiesole, ¿Cómo se discute la Estilo?

El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: Concéntrate en Retablo_de_Fiesole y explora la Predela y otros paneles.

La predela del retablo se encuentra hoy en la National Gallery de Londres, con el Cristo resucitado adorado por santos, profetas y miembros de la Orden dominica (cinco paneles). Allí se conserva también un tondo, que debía encontrarse en el cimacio, con San Rómulo.Asimismo, las pequeñas pilastras laterales estaban decorados por diez pequeños paneles con figuras de santos y beatos, de las cuales se  conocen solo cuatro: dos están en el Museo Condé de Chantilly y dos en una colección privada.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: Explora la Predela y otros paneles de esta obra de arte, Retablo_de_Fiesole.

La predela del retablo se encuentra hoy en la National Gallery de Londres, con el Cristo resucitado adorado por santos, profetas y miembros de la Orden dominica (cinco paneles). Allí se conserva también un tondo, que debía encontrarse en el cimacio, con San Rómulo.Asimismo, las pequeñas pilastras laterales estaban decorados por diez pequeños paneles con figuras de santos y beatos, de las cuales se  conocen solo cuatro: dos están en el Museo Condé de Chantilly y dos en una colección privada.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_Fiesole su Predela y otros paneles?

La predela del retablo se encuentra hoy en la National Gallery de Londres, con el Cristo resucitado adorado por santos, profetas y miembros de la Orden dominica (cinco paneles). Allí se conserva también un tondo, que debía encontrarse en el cimacio, con San Rómulo.Asimismo, las pequeñas pilastras laterales estaban decorados por diez pequeños paneles con figuras de santos y beatos, de las cuales se  conocen solo cuatro: dos están en el Museo Condé de Chantilly y dos en una colección privada.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: En Retablo_de_Fiesole, ¿Cómo se discute la Predela y otros paneles?

La predela del retablo se encuentra hoy en la National Gallery de Londres, con el Cristo resucitado adorado por santos, profetas y miembros de la Orden dominica (cinco paneles). Allí se conserva también un tondo, que debía encontrarse en el cimacio, con San Rómulo.Asimismo, las pequeñas pilastras laterales estaban decorados por diez pequeños paneles con figuras de santos y beatos, de las cuales se  conocen solo cuatro: dos están en el Museo Condé de Chantilly y dos en una colección privada.

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: Concéntrate en Retablo_de_Fiesole y explora la Otros proyectos.

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Prompt: Explora la Otros proyectos de esta obra de arte, Retablo_de_Fiesole.

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Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Prompt: ¿Cómo aclara Retablo_de_Fiesole su Otros proyectos?

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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Retablo_de_Fiesole

Prompt: En Retablo_de_Fiesole, ¿Cómo se discute la Otros proyectos?

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

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Catedral de Santa María del Fiore de Florencia

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La_túnica_de_José

Prompt: Concéntrate en La_túnica_de_José y explora la abstract.

La túnica de José es un cuadro del pintor sevillano Diego Velázquez, que se conserva en el museo de la Sacristía Mayor del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid, España). Fue pintado sin mediación de encargo, por iniciativa del propio artista, quien lo conservó en su poder hasta 1634, vendiéndolo a la Corona en esta fecha, junto con La fragua de Vulcano y otras obras de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen Retiro.

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, La_túnica_de_José.

La túnica de José es un cuadro del pintor sevillano Diego Velázquez, que se conserva en el museo de la Sacristía Mayor del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid, España). Fue pintado sin mediación de encargo, por iniciativa del propio artista, quien lo conservó en su poder hasta 1634, vendiéndolo a la Corona en esta fecha, junto con La fragua de Vulcano y otras obras de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen Retiro.

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: ¿Cómo aclara La_túnica_de_José su abstract?

La túnica de José es un cuadro del pintor sevillano Diego Velázquez, que se conserva en el museo de la Sacristía Mayor del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid, España). Fue pintado sin mediación de encargo, por iniciativa del propio artista, quien lo conservó en su poder hasta 1634, vendiéndolo a la Corona en esta fecha, junto con La fragua de Vulcano y otras obras de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen Retiro.

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: En La_túnica_de_José, ¿Cómo se discute la abstract?

La túnica de José es un cuadro del pintor sevillano Diego Velázquez, que se conserva en el museo de la Sacristía Mayor del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid, España). Fue pintado sin mediación de encargo, por iniciativa del propio artista, quien lo conservó en su poder hasta 1634, vendiéndolo a la Corona en esta fecha, junto con La fragua de Vulcano y otras obras de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen Retiro.

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: Concéntrate en La_túnica_de_José y explora la La fecha y la técnica.

El cuadro estaría pintado después de realizar su primer viaje a Italia entre los años 1629-1631.Parece que Velázquez ha abandonado el claroscuro y una luz general invade la habitación donde tiene lugar el suceso. Asimismo los colores (azul, naranja, amarillo) están muy influenciados por artistas venecianos, bien de los cuadros que se disponía en la colección real o de los que Velázquez ha podido contemplar en su viaje a la península itálica, donde hace escalas en Venecia y en Roma. Dos de las figuras aparecen, una de espaldas y la otra de lado con el pecho descubierto, mostrándonos su anatomía, su musculatura, esa tendencia a desnudar a las figuras, que ya observábamos en obras como El triunfo de Baco o La fragua de Vulcano poco a poco irá ganando terreno en las obras velazqueñas debido a esta influencia italiana, la referencia a Miguel Ángel es inevitable.Poco a poco Velázquez va "soltando la muñeca" pintando de una forma menos detallista que en sus cuadros de primera época, pero es capaz de conseguir una calidad similar en los objetos metálicos o cerámicos que aparecen en la obra, nunca perderá su realismo fotográfico, aunque cada vez sus pinturas sean más sueltas.La profundidad también le interesa y vemos como hace porque el paisaje pueda apreciarse entre la gente que forma parte de la escena.Es muy curiosa la figura del perro que aparece en la obra y que hay quien sostiene que es una recomendación de Pedro Pablo Rubens, quien le diría a Velázquez que de esta manera el cuadro gana en elegancia. No será la única vez que Velázquez utiliza esta figura, ya que la vemos también en obras como Las Meninas realizada en el año 1656.

Categoría:Pintura en el Palacio del Buen Retiro

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Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: Explora la La fecha y la técnica de esta obra de arte, La_túnica_de_José.

El cuadro estaría pintado después de realizar su primer viaje a Italia entre los años 1629-1631.Parece que Velázquez ha abandonado el claroscuro y una luz general invade la habitación donde tiene lugar el suceso. Asimismo los colores (azul, naranja, amarillo) están muy influenciados por artistas venecianos, bien de los cuadros que se disponía en la colección real o de los que Velázquez ha podido contemplar en su viaje a la península itálica, donde hace escalas en Venecia y en Roma. Dos de las figuras aparecen, una de espaldas y la otra de lado con el pecho descubierto, mostrándonos su anatomía, su musculatura, esa tendencia a desnudar a las figuras, que ya observábamos en obras como El triunfo de Baco o La fragua de Vulcano poco a poco irá ganando terreno en las obras velazqueñas debido a esta influencia italiana, la referencia a Miguel Ángel es inevitable.Poco a poco Velázquez va "soltando la muñeca" pintando de una forma menos detallista que en sus cuadros de primera época, pero es capaz de conseguir una calidad similar en los objetos metálicos o cerámicos que aparecen en la obra, nunca perderá su realismo fotográfico, aunque cada vez sus pinturas sean más sueltas.La profundidad también le interesa y vemos como hace porque el paisaje pueda apreciarse entre la gente que forma parte de la escena.Es muy curiosa la figura del perro que aparece en la obra y que hay quien sostiene que es una recomendación de Pedro Pablo Rubens, quien le diría a Velázquez que de esta manera el cuadro gana en elegancia. No será la única vez que Velázquez utiliza esta figura, ya que la vemos también en obras como Las Meninas realizada en el año 1656.

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Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

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La_túnica_de_José

Prompt: ¿Cómo aclara La_túnica_de_José su La fecha y la técnica?

El cuadro estaría pintado después de realizar su primer viaje a Italia entre los años 1629-1631.Parece que Velázquez ha abandonado el claroscuro y una luz general invade la habitación donde tiene lugar el suceso. Asimismo los colores (azul, naranja, amarillo) están muy influenciados por artistas venecianos, bien de los cuadros que se disponía en la colección real o de los que Velázquez ha podido contemplar en su viaje a la península itálica, donde hace escalas en Venecia y en Roma. Dos de las figuras aparecen, una de espaldas y la otra de lado con el pecho descubierto, mostrándonos su anatomía, su musculatura, esa tendencia a desnudar a las figuras, que ya observábamos en obras como El triunfo de Baco o La fragua de Vulcano poco a poco irá ganando terreno en las obras velazqueñas debido a esta influencia italiana, la referencia a Miguel Ángel es inevitable.Poco a poco Velázquez va "soltando la muñeca" pintando de una forma menos detallista que en sus cuadros de primera época, pero es capaz de conseguir una calidad similar en los objetos metálicos o cerámicos que aparecen en la obra, nunca perderá su realismo fotográfico, aunque cada vez sus pinturas sean más sueltas.La profundidad también le interesa y vemos como hace porque el paisaje pueda apreciarse entre la gente que forma parte de la escena.Es muy curiosa la figura del perro que aparece en la obra y que hay quien sostiene que es una recomendación de Pedro Pablo Rubens, quien le diría a Velázquez que de esta manera el cuadro gana en elegancia. No será la única vez que Velázquez utiliza esta figura, ya que la vemos también en obras como Las Meninas realizada en el año 1656.

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La_túnica_de_José

Prompt: En La_túnica_de_José, ¿Cómo se discute la La fecha y la técnica?

El cuadro estaría pintado después de realizar su primer viaje a Italia entre los años 1629-1631.Parece que Velázquez ha abandonado el claroscuro y una luz general invade la habitación donde tiene lugar el suceso. Asimismo los colores (azul, naranja, amarillo) están muy influenciados por artistas venecianos, bien de los cuadros que se disponía en la colección real o de los que Velázquez ha podido contemplar en su viaje a la península itálica, donde hace escalas en Venecia y en Roma. Dos de las figuras aparecen, una de espaldas y la otra de lado con el pecho descubierto, mostrándonos su anatomía, su musculatura, esa tendencia a desnudar a las figuras, que ya observábamos en obras como El triunfo de Baco o La fragua de Vulcano poco a poco irá ganando terreno en las obras velazqueñas debido a esta influencia italiana, la referencia a Miguel Ángel es inevitable.Poco a poco Velázquez va "soltando la muñeca" pintando de una forma menos detallista que en sus cuadros de primera época, pero es capaz de conseguir una calidad similar en los objetos metálicos o cerámicos que aparecen en la obra, nunca perderá su realismo fotográfico, aunque cada vez sus pinturas sean más sueltas.La profundidad también le interesa y vemos como hace porque el paisaje pueda apreciarse entre la gente que forma parte de la escena.Es muy curiosa la figura del perro que aparece en la obra y que hay quien sostiene que es una recomendación de Pedro Pablo Rubens, quien le diría a Velázquez que de esta manera el cuadro gana en elegancia. No será la única vez que Velázquez utiliza esta figura, ya que la vemos también en obras como Las Meninas realizada en el año 1656.

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Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: Concéntrate en La_túnica_de_José y explora la El tema.

La referencia está en el Antiguo Testamento, cuando los hijos de Jacob se presentan delante de su padre para comentarle que su hijo favorito, José, ha muerto debido al ataque de unos lobos. Los hermanos de José, un poco cansados de los sueños poderosos que continuamente tenía su hermano, decidieron venderlo a unos comerciantes egipcios para quitárselo de en medio, enseñan a su padre, las ropas de José, que poco antes habían manchado con la sangre de un cordero, para dar veracidad a la situación.Jacob, está representado justo en el momento que recibe la noticia, por eso hace ademán de levantarse de la silla en la que se encuentra, alzando los brazos, con gesto de sorpresa ante la noticia de la muerte de su hijo favorito.El perro, introducido en el cuadro por Velázquez, ladra a los sospechosos de la mentira, quizás dándose cuenta del engaño que los demás no son capaces de apreciar.

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Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: Explora la El tema de esta obra de arte, La_túnica_de_José.

La referencia está en el Antiguo Testamento, cuando los hijos de Jacob se presentan delante de su padre para comentarle que su hijo favorito, José, ha muerto debido al ataque de unos lobos. Los hermanos de José, un poco cansados de los sueños poderosos que continuamente tenía su hermano, decidieron venderlo a unos comerciantes egipcios para quitárselo de en medio, enseñan a su padre, las ropas de José, que poco antes habían manchado con la sangre de un cordero, para dar veracidad a la situación.Jacob, está representado justo en el momento que recibe la noticia, por eso hace ademán de levantarse de la silla en la que se encuentra, alzando los brazos, con gesto de sorpresa ante la noticia de la muerte de su hijo favorito.El perro, introducido en el cuadro por Velázquez, ladra a los sospechosos de la mentira, quizás dándose cuenta del engaño que los demás no son capaces de apreciar.

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Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Categoría:Pinturas representando temas del Antiguo Testamento


La_túnica_de_José

Prompt: ¿Cómo aclara La_túnica_de_José su El tema?

La referencia está en el Antiguo Testamento, cuando los hijos de Jacob se presentan delante de su padre para comentarle que su hijo favorito, José, ha muerto debido al ataque de unos lobos. Los hermanos de José, un poco cansados de los sueños poderosos que continuamente tenía su hermano, decidieron venderlo a unos comerciantes egipcios para quitárselo de en medio, enseñan a su padre, las ropas de José, que poco antes habían manchado con la sangre de un cordero, para dar veracidad a la situación.Jacob, está representado justo en el momento que recibe la noticia, por eso hace ademán de levantarse de la silla en la que se encuentra, alzando los brazos, con gesto de sorpresa ante la noticia de la muerte de su hijo favorito.El perro, introducido en el cuadro por Velázquez, ladra a los sospechosos de la mentira, quizás dándose cuenta del engaño que los demás no son capaces de apreciar.

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La_túnica_de_José

Prompt: En La_túnica_de_José, ¿Cómo se discute la El tema?

La referencia está en el Antiguo Testamento, cuando los hijos de Jacob se presentan delante de su padre para comentarle que su hijo favorito, José, ha muerto debido al ataque de unos lobos. Los hermanos de José, un poco cansados de los sueños poderosos que continuamente tenía su hermano, decidieron venderlo a unos comerciantes egipcios para quitárselo de en medio, enseñan a su padre, las ropas de José, que poco antes habían manchado con la sangre de un cordero, para dar veracidad a la situación.Jacob, está representado justo en el momento que recibe la noticia, por eso hace ademán de levantarse de la silla en la que se encuentra, alzando los brazos, con gesto de sorpresa ante la noticia de la muerte de su hijo favorito.El perro, introducido en el cuadro por Velázquez, ladra a los sospechosos de la mentira, quizás dándose cuenta del engaño que los demás no son capaces de apreciar.

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Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

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Francisco Lezcano, "el Niño de Vallecas" es una pintura al óleo de Velázquez conservada en el Museo del Prado. No existe seguridad en la identificación del personaje representado, un enano de corte de Felipe IV al que en documentos de finales del siglo XVIII se dio el nombre de el Niño de Vallecas, apodo que no corresponde a Francisco Lezcano, vizcaíno, con el que más tarde se relacionó al retratado, ni a ningún otro de los bufones conocidos del reinado de Felipe IV.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano


Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

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Francisco Lezcano, "el Niño de Vallecas" es una pintura al óleo de Velázquez conservada en el Museo del Prado. No existe seguridad en la identificación del personaje representado, un enano de corte de Felipe IV al que en documentos de finales del siglo XVIII se dio el nombre de el Niño de Vallecas, apodo que no corresponde a Francisco Lezcano, vizcaíno, con el que más tarde se relacionó al retratado, ni a ningún otro de los bufones conocidos del reinado de Felipe IV.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano


Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

Prompt: ¿Cómo aclara Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas su abstract?

Francisco Lezcano, "el Niño de Vallecas" es una pintura al óleo de Velázquez conservada en el Museo del Prado. No existe seguridad en la identificación del personaje representado, un enano de corte de Felipe IV al que en documentos de finales del siglo XVIII se dio el nombre de el Niño de Vallecas, apodo que no corresponde a Francisco Lezcano, vizcaíno, con el que más tarde se relacionó al retratado, ni a ningún otro de los bufones conocidos del reinado de Felipe IV.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano


Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

Prompt: En Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas, ¿Cómo se discute la abstract?

Francisco Lezcano, "el Niño de Vallecas" es una pintura al óleo de Velázquez conservada en el Museo del Prado. No existe seguridad en la identificación del personaje representado, un enano de corte de Felipe IV al que en documentos de finales del siglo XVIII se dio el nombre de el Niño de Vallecas, apodo que no corresponde a Francisco Lezcano, vizcaíno, con el que más tarde se relacionó al retratado, ni a ningún otro de los bufones conocidos del reinado de Felipe IV.[1]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano


Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

Prompt: Concéntrate en Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas y explora la Historia.

En 1701 se encontraba en la Torre de la Parada, finca de caza y recreo para la que posiblemente fue pintado, en unión de otros tres «retratos de diferentes sujetos y enanos», según se decía en el inventario de ese año. Formó pareja con el retrato del bufón don Diego de Acedo, pasando juntos al Palacio de El Pardo donde fue descrito en 1714 como un bufón con unos naipes. En 1772 fue llevado al Palacio Real Nuevo, donde en el inventario de 1794 —localizado en la "pieza de trucos"— se le dio por primera vez el título del Niño de Vallecas.[2] En 1819 ingresó en el Museo del Prado, figurando en su primer catálogo como Una muchacha boba, para recuperar en los catálogos posteriores y hasta el de Pedro de Madrazo el nombre de Niño de Vallecas, cuestionado ya por Gregorio Cruzada Villaamil en 1885.[3]La identificación con Francisco Lezcano se debe a la documentación relativa a un bufón de este nombre admitido en 1634 al servicio del príncipe Baltasar Carlos. Llamado Lezcanillo o el enano Vizcaíno, permaneció en la corte hasta su muerte en 1649, con un paréntesis entre 1645 y 1648, años en los que consta se ausentó de ella aunque se desconoce el motivo. Un documento de 1634 refleja que a «un enano vizcaíno» se le había hecho entrega de tres varas de tejido verde de Valencia para hacerle con él una «ropilla» y «mangas de rueda» guarnecida con pasamanos de oro falso, que José Moreno Villa pensó podía tratarse de la ropa que viste el enano —identificado también con Lezcano— que acompaña al príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston, creyéndolo pintado en 1635.[4] Sin embargo, habiéndose pintado este en 1631 o 1632, a tenor de la inscripción que en el propio lienzo aparece y la edad aparente del príncipe, tal identificación no es posible, al no encontrarse todavía Lezcano en la corte. El nombre de Lezcano fue recogido por primera vez en el catálogo del Prado de 1942, siendo posteriormente aceptado de forma general. Camón Aznar y José López-Rey, admitiendo que el personaje retratado fuese, en efecto, Lezcano, sostuvieron que el cuadro pudo ser pintado en Zaragoza a donde el enano habría acompañado a su señor en la «jornada de Aragón» de 1644.[2] Jonathan Brown, que solo admite con reservas la identificación con Lezcano, adelanta la fecha de su ejecución a 1636-1638, años en los que consta que Velázquez hacía algunas pinturas para la Torre de la Parada. El paisaje de la Sierra de Guadarrama y el tabardo verde oscuro que viste, traje propio de cacería, pueden explicarse por ese destino en un pabellón de caza, así como se explica el punto de vista bajo adoptado pues en la decoración del palacio debía servir de sobrepuerta.[5]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano


Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Francisco_Lezcano,_el_Niño_de_Vallecas.

En 1701 se encontraba en la Torre de la Parada, finca de caza y recreo para la que posiblemente fue pintado, en unión de otros tres «retratos de diferentes sujetos y enanos», según se decía en el inventario de ese año. Formó pareja con el retrato del bufón don Diego de Acedo, pasando juntos al Palacio de El Pardo donde fue descrito en 1714 como un bufón con unos naipes. En 1772 fue llevado al Palacio Real Nuevo, donde en el inventario de 1794 —localizado en la "pieza de trucos"— se le dio por primera vez el título del Niño de Vallecas.[2] En 1819 ingresó en el Museo del Prado, figurando en su primer catálogo como Una muchacha boba, para recuperar en los catálogos posteriores y hasta el de Pedro de Madrazo el nombre de Niño de Vallecas, cuestionado ya por Gregorio Cruzada Villaamil en 1885.[3]La identificación con Francisco Lezcano se debe a la documentación relativa a un bufón de este nombre admitido en 1634 al servicio del príncipe Baltasar Carlos. Llamado Lezcanillo o el enano Vizcaíno, permaneció en la corte hasta su muerte en 1649, con un paréntesis entre 1645 y 1648, años en los que consta se ausentó de ella aunque se desconoce el motivo. Un documento de 1634 refleja que a «un enano vizcaíno» se le había hecho entrega de tres varas de tejido verde de Valencia para hacerle con él una «ropilla» y «mangas de rueda» guarnecida con pasamanos de oro falso, que José Moreno Villa pensó podía tratarse de la ropa que viste el enano —identificado también con Lezcano— que acompaña al príncipe Baltasar Carlos en el lienzo de Boston, creyéndolo pintado en 1635.[4] Sin embargo, habiéndose pintado este en 1631 o 1632, a tenor de la inscripción que en el propio lienzo aparece y la edad aparente del príncipe, tal identificación no es posible, al no encontrarse todavía Lezcano en la corte. El nombre de Lezcano fue recogido por primera vez en el catálogo del Prado de 1942, siendo posteriormente aceptado de forma general. Camón Aznar y José López-Rey, admitiendo que el personaje retratado fuese, en efecto, Lezcano, sostuvieron que el cuadro pudo ser pintado en Zaragoza a donde el enano habría acompañado a su señor en la «jornada de Aragón» de 1644.[2] Jonathan Brown, que solo admite con reservas la identificación con Lezcano, adelanta la fecha de su ejecución a 1636-1638, años en los que consta que Velázquez hacía algunas pinturas para la Torre de la Parada. El paisaje de la Sierra de Guadarrama y el tabardo verde oscuro que viste, traje propio de cacería, pueden explicarse por ese destino en un pabellón de caza, así como se explica el punto de vista bajo adoptado pues en la decoración del palacio debía servir de sobrepuerta.[5]

Categoría:Pintura española del Museo del Prado

retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos

Archivo: Velázquez - Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (Museo del Prado, 1643-45).jpg

El príncipe Baltasar Carlos con un enano