Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: ¿Cómo aclara Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato su Historia?

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: En Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato, ¿Cómo se discute la Historia?

La obra toma su nombre de la iglesia de San Francesco al Prato de Perugia, donde se encontraba originalmente. Se encargó en 1499 y se terminó presumiblemente hacia 1501. Durante los expolios de obras de arte que siguieron a las invasión napoleónica francesa de Italia, fue llevada a París. Regresó a Italia en 1815, y desde entonces se expone en la pinacoteca de los Museos Vaticanos.Según el historiador del arte Giovanni Battista Cavalcaselle,  Rafael, entonces asistente de Perugino, tuvo un papel importante en la ejecución de la Resurrección. Sin embargo, esta opinión es generalmente rechazada por la mayoría de los demás historiadores del arte.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: Concéntrate en Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato y explora la Descripción.

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato.

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: ¿Cómo aclara Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato su Descripción?

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato

Prompt: En Resurrección_de_San_Francisco_al_Prato, ¿Cómo se discute la Descripción?

La obra sigue un esquema típico del arte de Perugino. La divinidad, en este caso Jesús resucitado, se representa dentro de una mandorla que ocupa la parte superior del cuadro, entre ángeles. La parte inferior muestra, sobre un paisaje de fondo, el sarcófago abierto y varios soldados romanos, tres de los cuales duermen y uno se despierta por el milagro. Otro ejemplo del esquema es la Transfiguración contemporánea en el «Colegio del Cambio» de Perugia.La figura de Cristo, que sostiene la bandera simbólica de la resurrección, tiene la armonía y la suavidad típicas de las obras de madurez de Perugino, con un pecho detallado y un drapeado brillante con pliegues profundos. Los dos ángeles a sus lados son simétricos, y se obtuvieron del mismo cartón (utilizado por el artista y su taller también en otras obras, como la Virgen en gloria con santos de Bolonia). El sarcófago tiene su tapa correctamente pintada según la perspectiva. Los soldados también están pintados con atenciones y detalles, como la fantasiosa cresta del casco, también presente en los frescos del Colegio del Cambio.

La resurrección de Cristo (Juan de Flandes)

Resurrección de Jesús en el arte cristiano

La resurrección de Cristo (Piero della Francesca)

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)


Virgen_del_pabellón

Prompt: Concéntrate en Virgen_del_pabellón y explora la abstract.

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_pabellón

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Virgen_del_pabellón.

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_pabellón

Prompt: ¿Cómo aclara Virgen_del_pabellón su abstract?

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_del_pabellón

Prompt: En Virgen_del_pabellón, ¿Cómo se discute la abstract?

Esta Virgen con el Niño y tres ángeles, conocida como Virgen del pabellón (en italiano, Madonna con il Bambino e tre angeli o Madonna del padiglione) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Es un tondo de 65 centímetros de diámetro. Está datada hacia 1493 y se conserva en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán (Italia).Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel.El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Concéntrate en Madonna_en_la_Gloria_con_querubines y explora la abstract.

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Madonna_en_la_Gloria_con_querubines.

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_en_la_Gloria_con_querubines su abstract?

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: En Madonna_en_la_Gloria_con_querubines, ¿Cómo se discute la abstract?

La Madonna en la Gloria con querubines es una pintura al óleo sobre lienzo (111 x 75,5 cm) de Rosso Fiorentino, datada hacia 1517 aproximadamente y conservada en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Concéntrate en Madonna_en_la_Gloria_con_querubines y explora la Historia.

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Madonna_en_la_Gloria_con_querubines.

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_en_la_Gloria_con_querubines su Historia?

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: En Madonna_en_la_Gloria_con_querubines, ¿Cómo se discute la Historia?

La obra, de datación extremadamente controvertida (oscila entre 1512 y 1522), fue adquirida por el museo en París en 1810 con la intermediación del barón Dominique Vivant Denon.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Concéntrate en Madonna_en_la_Gloria_con_querubines y explora la Descripción y estilo.

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: Explora la Descripción y estilo de esta obra de arte, Madonna_en_la_Gloria_con_querubines.

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_en_la_Gloria_con_querubines su Descripción y estilo?

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Madonna_en_la_Gloria_con_querubines

Prompt: En Madonna_en_la_Gloria_con_querubines, ¿Cómo se discute la Descripción y estilo?

Sobre un fondo grisáceo, un resplandor luminoso rodea la aparición de María, sentada sobre una nube hecha de querubines, mientras abraza al Hijo, que se le acerca desde la izquierda, y con un grupo de cinco ángeles niños desnudos flotando a sus pies. El motivo se basa en modelos de Fray Bartolomeo y recuerda el luneto de la Asunción de la Virgen en el Claustro de los Votos, pintado en un primer proyecto en 1512-13 y retocado (o repintado?) en 1517.Las influencias miguelanguescas son evidentes, en el esquema piramidal, en la torsión de María o en el vigor plástico de las figuras, mientras revelan ya un anticonformismo del todo personal en la acentuación de las expresiones, agrandando ligeramente los rasgos somáticos de los rostros y a veces cargándolos, como si fueran "maquillados". De hecho, las bocas están alargadas, las narices marcadas, los ojos grandes, y las sonrisas burlescas.El tierno abrazo que une a María y el Hijo parece recordar el de la Madonna de Brujas, mientras los querubines azules que emergen del fondo tienen ecos de obras inacabadas como el Tondo Taddei y el Tondo Pitti. Particularmente singular entre los putti abajo es el que, en primer plano, proyecta la cabeza y los hombros hacia el exterior mientras pone una mano en la cadera: se parece mucho a una vista del David de Miguel Ángel desde lo alto, desde las ventanas del Palacio Vecchio. También los demás putti muestran escorzos atrevidos y torsiones expresivas de gran originalidad.Otro protagonista es el color, con el fuerte contraste entre el fondo azul hielo y azul noche, retomado también en el manto de María, frente a las tonalidades cálidas y luminosas de las carnaciones.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Concéntrate en Hombre_de_Vitruvio y explora la abstract.

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Hombre_de_Vitruvio.

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: ¿Cómo aclara Hombre_de_Vitruvio su abstract?

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: En Hombre_de_Vitruvio, ¿Cómo se discute la abstract?

El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor de 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en 2 posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, cuyo nombre toma el dibujo. Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822,[1] aunque se exhibe al público rara vez por motivos de conservación. Por esta razón no es parte de la exposición habitual del museo.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Concéntrate en Hombre_de_Vitruvio y explora la Proporciones descritas por Vitruvio.

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Explora la Proporciones descritas por Vitruvio de esta obra de arte, Hombre_de_Vitruvio.

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: ¿Cómo aclara Hombre_de_Vitruvio su Proporciones descritas por Vitruvio?

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: En Hombre_de_Vitruvio, ¿Cómo se discute la Proporciones descritas por Vitruvio?

Las proporciones descritas por Vitruvio son:[2]El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo.Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.El codo, un trozo del codoEl pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con las manos y los pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.La obra original de Vitruvio no contenía ilustraciones.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Concéntrate en Hombre_de_Vitruvio y explora la Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano.

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Explora la Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano de esta obra de arte, Hombre_de_Vitruvio.

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: ¿Cómo aclara Hombre_de_Vitruvio su Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano?

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: En Hombre_de_Vitruvio, ¿Cómo se discute la Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano?

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras:[3]Cuatro dedos hacen una palma.Cuatro palmas hacen un pie.Seis palmas hacen un codo.Cuatro codos hacen un paso.Veinticuatro palmas hacen a un hombre.Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero.Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo.Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.La mano completa será la décima parte del cuerpo del sujetoEl comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.El pie es la séptima parte de la altura total.Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del torso.Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de toda la pierna.El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas crea realmente 16 posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Concéntrate en Hombre_de_Vitruvio y explora la Otras representaciones.

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: Explora la Otras representaciones de esta obra de arte, Hombre_de_Vitruvio.

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: ¿Cómo aclara Hombre_de_Vitruvio su Otras representaciones?

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Hombre_de_Vitruvio

Prompt: En Hombre_de_Vitruvio, ¿Cómo se discute la Otras representaciones?

Además de Leonardo, otros autores interpretaron mediante dibujos la descripción realizada por Vitruvio. Entre ellos se encuentran Juan de Arfe Villafañe, en su tratado De Varia Conmensuracion (1585), Francesco di Giorgio Martini, que lo representó antes que Leonardo, en 1480, y Giacomo Andrea de Ferrara, cuyas similitudes con el trazado de Leonardo han sugerido que este último pudo haberlo copiado.

Representación de las proporciones descritas por Vitruvio, realizada por [[Francesco di Giorgio

Categoría:Colecciones de la Galería de la Academia de Venecia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Concéntrate en Los_burgueses_de_Calais y explora la abstract.

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Los_burgueses_de_Calais.

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: ¿Cómo aclara Los_burgueses_de_Calais su abstract?

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: En Los_burgueses_de_Calais, ¿Cómo se discute la abstract?

Los burgueses de Calais (en francés: Les Bourgeois de Calais) es una de las más famosas esculturas de Auguste Rodin. Este conjunto escultórico representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. Calais encargó a Rodin crear la escultura en 1884, y la obra fue terminada en 1889.[1]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Concéntrate en Los_burgueses_de_Calais y explora la Historia de los burgueses de Calais.

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Explora la Historia de los burgueses de Calais de esta obra de arte, Los_burgueses_de_Calais.

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: ¿Cómo aclara Los_burgueses_de_Calais su Historia de los burgueses de Calais?

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: En Los_burgueses_de_Calais, ¿Cómo se discute la Historia de los burgueses de Calais?

En su crónica sobre el Sitio de Calais, Jean Froissart cuenta sobre los seis burgueses:Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió un sitio de la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.Un mes después, cuando los ingleses interceptaron un envío de víveres, quinientos niños y ancianos fueron expulsados de la ciudad para permitir a los demás sobrevivir, pero los ingleses les impidieron el paso y los dejaron morir de hambre justo fuera de los muros de la ciudad.Cuando el rey Felipe VI de Francia retiró sus fuerzas de la ciudad, el alcalde de Calais ofreció al rey inglés la capitulación de la ciudad con la condición de que los habitantes pudieran salir libres. El rey Eduardo se negó, indignado de que una ciudad que estaba a punto de caer y que le había costado tanto tiempo, hombres y dinero, se atreviera a imponer condiciones. Sin embargo, los propios hombres del rey señalaron que la única culpa de la ciudad fue haber luchado valientemente por su rey. Finalmente el rey se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos.El alcalde de Calais hizo sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los hombres más ricos de la ciudad, Eustache de Saint-Pierre, se levantó y dijo: Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres, mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seis ciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo, donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la palabra: La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó: El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo: Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos, donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los más ricos tras pagar un rescate. Calais permaneció en manos inglesas hasta 1558.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Concéntrate en Los_burgueses_de_Calais y explora la Conjunto escultórico.

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Explora la Conjunto escultórico de esta obra de arte, Los_burgueses_de_Calais.

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: ¿Cómo aclara Los_burgueses_de_Calais su Conjunto escultórico?

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: En Los_burgueses_de_Calais, ¿Cómo se discute la Conjunto escultórico?

En el otoño de 1884 la municipalidad de Calais retomó un proyecto que se había gestado varias décadas atrás: la creación del monumento como homenaje a Eustache de Saint-Pierre y los ciudadanos ilustres. El escultor Auguste Rodin recibió en 1885 el encargo de crear este monumento conmemorativo, pocos años después de otro acontecimiento histórico que puso en entredicho la soberanía gala: la guerra franco-prusiana (1870-1871) entre las tropas de Napoleón III y el Canciller de Hierro, Otto von Bismark.[2] Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 con figuras de casi dos metros de altura, para finalmente ser inaugurada en 1895, once años después de que Rodin presentara la primera maqueta. En palabras de John L.Tancock, logró evitar los estereotipos de la escultura académica, creando un monumento que todavía inspira y conmueve al espectador contemporáneo.[3]Después de entregar la maqueta, Rodin desarrolló las figuras por separado y utilizó como modelos a hombres de carácter enérgico. Ejecutó innumerables estudios, en distintas escalas y actitudes de los hombres que se sacrificarían. El artista logró plasmar un estado emocional único: Pierre de Wiessant con el dramatismo corporal o Jean de Fiennes desconsolado. Además del logro expresivo de este episodio, Rodin innovó al proyectar el monumento al ras del piso, así puede contemplarse desde la dimensión humana.[3] Rostros trémulos, manos crispadas, gritos y angustia contenidos fueron los derroteros de Auguste Rodin para exaltar el pasaje histórico de la liberación de Calais. El maestro apuntaba: Nunca titubeé en hacerlos lo más delgados y débiles posible. Ellos todavía se cuestionan si tienen la fuerza para asumir el sacrificio supremo [...].[2]

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Concéntrate en Los_burgueses_de_Calais y explora la La obra dramática de Georg Kaiser.

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: Explora la La obra dramática de Georg Kaiser de esta obra de arte, Los_burgueses_de_Calais.

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: ¿Cómo aclara Los_burgueses_de_Calais su La obra dramática de Georg Kaiser?

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Los_burgueses_de_Calais

Prompt: En Los_burgueses_de_Calais, ¿Cómo se discute la La obra dramática de Georg Kaiser?

La obra de teatro Los burgueses de Calais - presentación en tres actos se desarrolló en una primera versión en 1912 o 1913, inspirada en la ya famosa obra de Rodin, tomando su versión final en 1914. La obra fue puesta en escena el 29 de enero de 1917 en Fráncfort bajo la dirección de Arthur Hellmer. La obra fue un éxito y significó la irrupción artística de Georg Kaiser. Hoy en día es todavía una lectura escolar.Kaiser espera que la historia de la Guerra de los Cien Años sean familiares. Inicia en la mitad de los hechos y se desvía substancialmente de la crónica de Froissart al final:Primer Acto: En un ayuntamiento abierto de la ciudad de Calais, los "ciudadanos notables" (concejales) se reúnen para debatir entre la resistencia o la rendición. Uno de ellos es Eustache de Saint-Pierre, uno de los hombres más ricos. El rey inglés hace llegar el mensaje de que levantará el sitio con una condición; "[...] seis ciudadanos notables han de llevar las llaves de la ciudad — seis ciudadanos notables han de caminar desde la puerta — descubiertos y descalzos — vestidos en pecado — la soga alrededor de sus cuellos [...] Seis deben partir de la ciudad al amanecer — seis han de entregarse en las arenas frente a Calais — seis veces han de arrodillarse —; ¡Esta penitencia preservaría el bienestar de la ciudad y al puerto de Calais!" Eustache de Saint-Pierre se ofrece como el primero, luego otros cuatro lo siguen. Los hermanos Wissant se ofrecen al mismo tiempo y hay una persona de más. Ahora hay que decidir quién no se sacrificará.Segundo Acto: Los siete voluntarios se despiden de sus allegados. Durante la cena deciden jugar a la suerte quién no se sacrificará. El intento fracasa ya que Eustache manipula los resultados para hacer que todos reconsideren su decisión. Finalmente se decide que se salve quien llegue de último a la plaza del mercado al día siguiente.Tercer Acto: En la mañana se reúnen todos en la plaza del mercado y se preparan a su marcha con el rey inglés, excepto Eustache. Se sospecha que traicionó a sus compañeros cuando aparece Eustache muerto cargado en un féretro. Para mostrar la necesidad de la víctima, se quitó en la noche la vida. Al final llega un mensajero inglés y anuncia: el rey tuvo un hijo esa noche, "esta mañana, por una vida no quiere destruir una vida", ¡Calais y su puerto se han salvado sin la pena de la destrucción! El cuerpo de Eustache es llevado a la catedral: "El rey de Inglaterra está — si ante el altar ora — ¡vencido de rodillas!" El ciego padre de Eustache habla: "Vi nuevos seres humanos — ¡en esta noche nació!" La imagen final se congela como en la escultura de Rodin.El fragmento de tiempo de Kaiser es considerado un documento literario y una obra cumbre del teatro del expresionismo y exhibe el estilo abstracto típico del mismo: el topos de "nuevos seres humanos", la individualización de los personajes, la alta artificialidad del lenguaje simbólico, el incremento patético. El mensaje de que el rescate de la comunidad se alcanzó solo por la autovictimización de un particular en lugar de la resistencia sin sentido de todos corresponde a la crítica usual del expresionismo a la clase media de la época guillermina, que se hacen más rotundos a la vista de las vibraciones sociales y la muerte industrializada de la Primera Guerra Mundial.

''Los burgueses de Calais'', escultura de [[Auguste Rodin

Archivo:Statue bourgeois calais rodin.jpg

Categoría:Esculturas en Francia del siglo XIX

Primera maqueta para ''Los burgueses de Calais,'' [[Museo Soumaya

Categoría:Esculturas en bronce de Auguste Rodin

Categoría:Esculturas al aire libre de Francia


Cuadrado_negro

Prompt: Concéntrate en Cuadrado_negro y explora la abstract.

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>


Cuadrado_negro

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Cuadrado_negro.

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>


Cuadrado_negro

Prompt: ¿Cómo aclara Cuadrado_negro su abstract?

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>


Cuadrado_negro

Prompt: En Cuadrado_negro, ¿Cómo se discute la abstract?

El Cuadrado negro (en ruso: Чёрный квадрат, romanizado: Chiórni kvadrát) es una pintura icónica del pintor ruso Kazimir Malévich. Malévich hizo al menos cinco versiones, de las cuales se conservan cuatro; la primera fue hecha en 1915 y se halla en la Galería Tretiakov de Moscú, institución que posee también la considerada cuarta versión, de 1929. La segunda versión (también de 1915) se da por perdida, la tercera (1924) se halla en el Museo Ruso de San Petersburgo y la que se cree última, de 1930 o 1932, ingresó en el Museo del Hermitage en 2002 gracias al mecenazgo privado.El Cuadrado negro se mostró por primera vez en la exposición llamada Última exposición futurista: 0.10 en 1915, realizada en Petrogrado y en donde abandona el futurismo. Cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. La obra es frecuentemente invocada por críticos, historiadores, curadores y artistas como el «punto cero de la pintura»,[2] refiriéndose a la importancia histórica de la pintura y parafraseando a Malévich.

Categoría:Colecciones de la Galería Tretiakov

Veintiuna de las treinta y nueve obras de Malévich en la exposición ''Última exposición futurista: 0.10''. El ''Cuadrado negro'' ocupa el ángulo superior, lugar tradicional del icono en la casa de un creyente ruso.<ref>Dicho lugar se denomina la "esquina de honor" de la vivienda o "krasny úgol" (красный угол) en ruso.</ref>