Venus_de_Milo

Prompt: Describe las características de la Análisis formal en la Análisis de la obra de Venus_de_Milo.

La Venus de Milo es una escultura tridimensional, ya que, además de tener volumen, puede ser vista desde diferentes perspectivas. Un elemento fundamental que da mayor movimiento a la estatua es el contrapposto,[19] pues de la base parte un desequilibrio que afecta a toda la estatua. La pierna derecha sostiene el cuerpo, dejando libre de esta manera a la pierna izquierda del peso corporal, lo que da una mayor sensación de profundidad. La ruptura de la frontalidad se produce también por la colocación de su brazo izquierdo, aunque ya perdido, que se cruza ligeramente ante la silueta, situando esta hacia la izquierda. Además, la musculatura reflejada en el hombro izquierdo sugiere igualmente que el brazo estaba alzado.[20] Por último, el rostro está situado hacia la izquierda, lo que rompe aún más la frontalidad de la obra.[21]En cuanto a las líneas, las que aparecen en la escultura son líneas verticales que parten de la cabeza y llegan al pedestal,[19] separando de esta forma las piernas. Asimismo, aparecen líneas secantes, que parten del brazo derecho y se cruzan con la pierna derecha;[19] otra línea parte del brazo izquierdo y se cruza, nuevamente, con la pierna derecha.[19] El cuerpo gira en forma de S, esto es una línea serpentina, la llamada curva praxiteliana,[19] que aumenta el movimiento de la estatua. En cuanto a la luz, sus contrastes son muy destacados, ya que en el cuerpo predomina la claridad,[19] y en los pechos la oscuridad debido al interés del escultor por resaltarlos, ya que estos representan el culto a la fertilidad y al amor.[22] Dado que la luz predomina en la obra, hay una mayor sensación de tranquilidad y serenidad.El movimiento predomina, dando sensación de realismo, debido a la utilización de la curva praxiteliana por parte del escultor. Hay otros elementos claves en la escultura, como el drapeado;[19] la prenda que cubre la parte inferior de la escultura está realizada con todo detalle; sin embargo, algunas curvas que hay en ella son muy exageradas. Se trata de una Venus púdica, un modelo muy imitado en siglos posteriores. La pose relajada de Venus destaca los rasgos de la belleza formal que se quiere presentar y muestra asimismo una anatomía tranquila y sensual,[23] factores fundamentales para las representaciones de las venus que constituían los cánones de belleza en la época.Algunas partes de la escultura se han perdido, como los brazos, y existen diversas hipótesis sobre este asunto. El cuerpo de la Venus está perfectamente realizado, pues el escultor talló de forma excepcional los pechos al igual que la zona abdominal, puesto que los escultores creían que, al representar los cuerpos con una mayor perfección, aumentaba la belleza de la escultura. El rostro de la Venus expresa pasividad, ya que está colocado de perfil, y el pelo está realizado de una forma simple, con leve trabajo al trépano, pues aparece recogido.[24]

Busto de mármol de Afrodita encontrado en el [[Ágora de Atenas

periodo helenístico de la escultura griega

Detalle de la prenda que porta la ''Venus de Milo''.

La nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936.

Detalle de una parte de los brazos perdidos de la ''Venus de Milo''.

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n7.jpg

Archivo:Afrodite di capua, copia romana da orig. greco ellenistico della 310-200 ac ca., 6017, 01.JPG

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n11.jpg

La Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en ''El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz'', obra de [[Jean Baptiste Mauzaisse

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n8.jpg


Venus_de_Milo

Prompt: Concéntrate en Venus_de_Milo y explora la Fama y restauración.

La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también debido en gran parte a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia,[25] que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir el completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos porque se desconocía la posición que podían haber tenido, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara asimismo el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió trasladar la Venus fuera de la ciudad, y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó esta oportunidad para hacer una segunda restauración y limpiarla. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado, y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración, en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluía la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración.[26] En julio de 2010, la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.[27]

Busto de mármol de Afrodita encontrado en el [[Ágora de Atenas

periodo helenístico de la escultura griega

Detalle de la prenda que porta la ''Venus de Milo''.

La nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936.

Detalle de una parte de los brazos perdidos de la ''Venus de Milo''.

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n7.jpg

Archivo:Afrodite di capua, copia romana da orig. greco ellenistico della 310-200 ac ca., 6017, 01.JPG

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n11.jpg

La Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en ''El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz'', obra de [[Jean Baptiste Mauzaisse

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n8.jpg


Venus_de_Milo

Prompt: Explora la Fama y restauración de esta obra de arte, Venus_de_Milo.

La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también debido en gran parte a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia,[25] que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir el completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos porque se desconocía la posición que podían haber tenido, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara asimismo el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió trasladar la Venus fuera de la ciudad, y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó esta oportunidad para hacer una segunda restauración y limpiarla. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado, y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración, en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluía la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración.[26] En julio de 2010, la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.[27]

Busto de mármol de Afrodita encontrado en el [[Ágora de Atenas

periodo helenístico de la escultura griega

Detalle de la prenda que porta la ''Venus de Milo''.

La nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936.

Detalle de una parte de los brazos perdidos de la ''Venus de Milo''.

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n7.jpg

Archivo:Afrodite di capua, copia romana da orig. greco ellenistico della 310-200 ac ca., 6017, 01.JPG

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n11.jpg

La Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en ''El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz'', obra de [[Jean Baptiste Mauzaisse

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n8.jpg


Venus_de_Milo

Prompt: ¿Cómo aclara Venus_de_Milo su Fama y restauración?

La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también debido en gran parte a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia,[25] que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir el completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos porque se desconocía la posición que podían haber tenido, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara asimismo el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió trasladar la Venus fuera de la ciudad, y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó esta oportunidad para hacer una segunda restauración y limpiarla. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado, y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración, en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluía la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración.[26] En julio de 2010, la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.[27]

Busto de mármol de Afrodita encontrado en el [[Ágora de Atenas

periodo helenístico de la escultura griega

Detalle de la prenda que porta la ''Venus de Milo''.

La nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936.

Detalle de una parte de los brazos perdidos de la ''Venus de Milo''.

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n7.jpg

Archivo:Afrodite di capua, copia romana da orig. greco ellenistico della 310-200 ac ca., 6017, 01.JPG

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n11.jpg

La Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en ''El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz'', obra de [[Jean Baptiste Mauzaisse

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n8.jpg


Venus_de_Milo

Prompt: En Venus_de_Milo, ¿Cómo se discute la Fama y restauración?

La gran fama de la estatua en el siglo XIX no era simplemente el resultado de su reconocida belleza, sino también debido en gran parte a un mayor esfuerzo de propaganda por parte de las autoridades francesas. En 1815 Francia había perdido la Venus de Médici, considerada como una de las esculturas clásicas más finas en la historia,[25] que había sido saqueada de Italia por Napoleón Bonaparte. Tras la caída de Napoleón, la Venus medicea había sido devuelta a los italianos. Así que los franceses promovieron conscientemente la Venus de Milo como un tesoro más grande que el que ellos habían perdido recientemente, siendo alabada debidamente por artistas y críticos, que la consideraron como el paradigma de la belleza femenina elegante.Después de la llegada de la estatua a Francia, se propuso una restauración que debía incluir el completar la nariz, el pie izquierdo y los brazos. Sin embargo, surgieron opiniones en contra de la restauración de los brazos porque se desconocía la posición que podían haber tenido, por lo que el trabajo consistió en añadir un zócalo rectangular, la nariz, el pie izquierdo y el dedo gordo del pie derecho. También se taparon algunos agujeros de la superficie. Es posible que en esta restauración se recortara asimismo el brazo derecho. En 1870, momento del asedio de París por las tropas prusianas, el director del museo del Louvre decidió trasladar la Venus fuera de la ciudad, y para facilitar el traslado se desmontó la estatua. Se aprovechó esta oportunidad para hacer una segunda restauración y limpiarla. Durante un viaje en barco a Japón, en 1964, la estatua sufrió algunos desperfectos debido a que no se había desmontado para el traslado, y algunos marmolistas del Louvre tuvieron que trasladarse urgentemente a Japón para reparar los daños. Entre noviembre de 2009 y abril de 2010 se llevó a cabo una nueva restauración, en la que se eliminaron los añadidos de yeso y se limpió la superficie. Bajo uno de estos añadidos de yeso se descubrió un papel que ponía Restaurée le 5 avril 1936 par Libeau / Marbrier- Louvre. Esta restauración, que no está documentada, quizá incluía la retirada del pie de yeso que había sido añadido en la primera restauración.[26] En julio de 2010, la escultura reapareció en el Museo del Louvre con una nueva ubicación.[27]

Busto de mármol de Afrodita encontrado en el [[Ágora de Atenas

periodo helenístico de la escultura griega

Detalle de la prenda que porta la ''Venus de Milo''.

La nota descubierta en 2009/2010 sobre la restauración de 1936.

Detalle de una parte de los brazos perdidos de la ''Venus de Milo''.

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n7.jpg

Archivo:Afrodite di capua, copia romana da orig. greco ellenistico della 310-200 ac ca., 6017, 01.JPG

Archivo:Venus de Milo Louvre Ma399 n11.jpg

La Venus de Milo aparece representada en muchas obras pictóricas a partir de su descubrimiento, como en ''El Tiempo mostrando las ruinas que causa y las obras maestras que saca a la luz'', obra de [[Jean Baptiste Mauzaisse

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Yankee_Doodle

Prompt: Concéntrate en Yankee_Doodle y explora la abstract.

"Yankee Doodle" es una canción muy conocida de los Estados Unidos, que sigue siendo a menudo una referencia de patriotismo hoy día. Está en la lista de Himnos del Estado de Connecticut.[1]Esta melodía ha llegado a ser un símbolo de los Estados Unidos. La Voz de América (VoA), radioemisora del gobierno de Estados Unidos, durante tres décadas comenzó y terminó su programación por onda corta con la melodía de "Yankee Doodle" en la versión de Eric Rogers Chorale & Orchestra. La melodía de la canción también fue utilizada en el corto de Mickey Mouse de Jungle Rythm 1929 y en el tema de apertura del programa infantil de PBS Barney y sus amigos.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Yankee_Doodle.

"Yankee Doodle" es una canción muy conocida de los Estados Unidos, que sigue siendo a menudo una referencia de patriotismo hoy día. Está en la lista de Himnos del Estado de Connecticut.[1]Esta melodía ha llegado a ser un símbolo de los Estados Unidos. La Voz de América (VoA), radioemisora del gobierno de Estados Unidos, durante tres décadas comenzó y terminó su programación por onda corta con la melodía de "Yankee Doodle" en la versión de Eric Rogers Chorale & Orchestra. La melodía de la canción también fue utilizada en el corto de Mickey Mouse de Jungle Rythm 1929 y en el tema de apertura del programa infantil de PBS Barney y sus amigos.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: ¿Cómo aclara Yankee_Doodle su abstract?

"Yankee Doodle" es una canción muy conocida de los Estados Unidos, que sigue siendo a menudo una referencia de patriotismo hoy día. Está en la lista de Himnos del Estado de Connecticut.[1]Esta melodía ha llegado a ser un símbolo de los Estados Unidos. La Voz de América (VoA), radioemisora del gobierno de Estados Unidos, durante tres décadas comenzó y terminó su programación por onda corta con la melodía de "Yankee Doodle" en la versión de Eric Rogers Chorale & Orchestra. La melodía de la canción también fue utilizada en el corto de Mickey Mouse de Jungle Rythm 1929 y en el tema de apertura del programa infantil de PBS Barney y sus amigos.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: En Yankee_Doodle, ¿Cómo se discute la abstract?

"Yankee Doodle" es una canción muy conocida de los Estados Unidos, que sigue siendo a menudo una referencia de patriotismo hoy día. Está en la lista de Himnos del Estado de Connecticut.[1]Esta melodía ha llegado a ser un símbolo de los Estados Unidos. La Voz de América (VoA), radioemisora del gobierno de Estados Unidos, durante tres décadas comenzó y terminó su programación por onda corta con la melodía de "Yankee Doodle" en la versión de Eric Rogers Chorale & Orchestra. La melodía de la canción también fue utilizada en el corto de Mickey Mouse de Jungle Rythm 1929 y en el tema de apertura del programa infantil de PBS Barney y sus amigos.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: Concéntrate en Yankee_Doodle y explora la Historia y letra.

Los orígenes de la canción se remontan a la época prerrevolucionaria de Estados Unidos y era cantada originariamente por los oficiales británicos para burlarse de los desorganizados "Yanquis" coloniales que combatían a su servicio contra Francia en las Guerras de la Norteamérica colonial. Con el tiempo, el significado de la palabra doodle pasó a expresar "simple" o "tonto". Se cree que la melodía viene de una canción de guardería llamada Lucy Locket. Otra versión de la letra Yankee Doodle se atribuye al Doctor Richard Shuckburgh, un cirujano del Ejército Británico. En lo que respecta a la música, la versión que puede escucharse en el archivo de audio adjunto, interpretada al violín, se corresponde con unas variaciones compuestas por el compositor y violinista belga Henri Vieuxtemps a partir de la melodía popular.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: Explora la Historia y letra de esta obra de arte, Yankee_Doodle.

Los orígenes de la canción se remontan a la época prerrevolucionaria de Estados Unidos y era cantada originariamente por los oficiales británicos para burlarse de los desorganizados "Yanquis" coloniales que combatían a su servicio contra Francia en las Guerras de la Norteamérica colonial. Con el tiempo, el significado de la palabra doodle pasó a expresar "simple" o "tonto". Se cree que la melodía viene de una canción de guardería llamada Lucy Locket. Otra versión de la letra Yankee Doodle se atribuye al Doctor Richard Shuckburgh, un cirujano del Ejército Británico. En lo que respecta a la música, la versión que puede escucharse en el archivo de audio adjunto, interpretada al violín, se corresponde con unas variaciones compuestas por el compositor y violinista belga Henri Vieuxtemps a partir de la melodía popular.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: ¿Cómo aclara Yankee_Doodle su Historia y letra?

Los orígenes de la canción se remontan a la época prerrevolucionaria de Estados Unidos y era cantada originariamente por los oficiales británicos para burlarse de los desorganizados "Yanquis" coloniales que combatían a su servicio contra Francia en las Guerras de la Norteamérica colonial. Con el tiempo, el significado de la palabra doodle pasó a expresar "simple" o "tonto". Se cree que la melodía viene de una canción de guardería llamada Lucy Locket. Otra versión de la letra Yankee Doodle se atribuye al Doctor Richard Shuckburgh, un cirujano del Ejército Británico. En lo que respecta a la música, la versión que puede escucharse en el archivo de audio adjunto, interpretada al violín, se corresponde con unas variaciones compuestas por el compositor y violinista belga Henri Vieuxtemps a partir de la melodía popular.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: En Yankee_Doodle, ¿Cómo se discute la Historia y letra?

Los orígenes de la canción se remontan a la época prerrevolucionaria de Estados Unidos y era cantada originariamente por los oficiales británicos para burlarse de los desorganizados "Yanquis" coloniales que combatían a su servicio contra Francia en las Guerras de la Norteamérica colonial. Con el tiempo, el significado de la palabra doodle pasó a expresar "simple" o "tonto". Se cree que la melodía viene de una canción de guardería llamada Lucy Locket. Otra versión de la letra Yankee Doodle se atribuye al Doctor Richard Shuckburgh, un cirujano del Ejército Británico. En lo que respecta a la música, la versión que puede escucharse en el archivo de audio adjunto, interpretada al violín, se corresponde con unas variaciones compuestas por el compositor y violinista belga Henri Vieuxtemps a partir de la melodía popular.

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: En el contexto de Yankee_Doodle, explora la Letra y Historia y letra.

La letra en inglés, la traducción literal y la adaptación al castellano:En el inglés de aquella época, macaroni se refería a las personas que, por tratar de estar demasiado a la moda, rozaban el mal gusto.[cita requerida]

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: Explora la Letra sobre la Historia y letra de esta obra de arte, Yankee_Doodle.

La letra en inglés, la traducción literal y la adaptación al castellano:En el inglés de aquella época, macaroni se refería a las personas que, por tratar de estar demasiado a la moda, rozaban el mal gusto.[cita requerida]

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: En Yankee_Doodle, ¿Cómo se aclara la Letra de la Historia y letra?

La letra en inglés, la traducción literal y la adaptación al castellano:En el inglés de aquella época, macaroni se refería a las personas que, por tratar de estar demasiado a la moda, rozaban el mal gusto.[cita requerida]

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

Archivo:Violinist CARRIE REHKOPF-YANKEE DOODLE VARIATIONS.ogg


Yankee_Doodle

Prompt: Describe las características de la Letra en la Historia y letra de Yankee_Doodle.

La letra en inglés, la traducción literal y la adaptación al castellano:En el inglés de aquella época, macaroni se refería a las personas que, por tratar de estar demasiado a la moda, rozaban el mal gusto.[cita requerida]

Guerra de la Independencia de los Estados Unidos

''Yankee Doodle'' interpretada por la violinista Carrie Rehkopf.

''El espíritu de 1776'', cuadro originalmente titulado ''Yankee Doodle''.

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Concéntrate en Augusto_de_Prima_Porta y explora la abstract.

Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

Archivo:Augusto Prima Porta (Zaragoza).jpg

Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Augusto_de_Prima_Porta.

Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

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Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: ¿Cómo aclara Augusto_de_Prima_Porta su abstract?

Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

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Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: En Augusto_de_Prima_Porta, ¿Cómo se discute la abstract?

Augusto Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Se trata de una copia en mármol de un modelo en bronce anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

Archivo:Augusto Prima Porta (Zaragoza).jpg

Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Concéntrate en Augusto_de_Prima_Porta y explora la Descripción.

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada (véase abajo en los enlaces su reciente recreación).Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado como toracato —vestido de militar y con una rica coraza—, que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Éufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

Archivo:Augusto Prima Porta (Zaragoza).jpg

Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Augusto_de_Prima_Porta.

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada (véase abajo en los enlaces su reciente recreación).Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado como toracato —vestido de militar y con una rica coraza—, que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Éufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

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Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: ¿Cómo aclara Augusto_de_Prima_Porta su Descripción?

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada (véase abajo en los enlaces su reciente recreación).Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado como toracato —vestido de militar y con una rica coraza—, que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Éufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

Categoría:Esculturas en mármol de Italia

Archivo:Augusto Prima Porta (Zaragoza).jpg

Categoría:Augusto en la escultura de la Antigua Roma

Categoría:Esculturas de Ciudad del Vaticano

Categoría:Esculturas de Italia del siglo I


Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: En Augusto_de_Prima_Porta, ¿Cómo se discute la Descripción?

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V a. C.. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada (véase abajo en los enlaces su reciente recreación).Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado como toracato —vestido de militar y con una rica coraza—, que debió formar parte de un monumento conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Éufrates que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas legiones); sobre ellos aparecen los carros del Sol y la Luna.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Concéntrate en Augusto_de_Prima_Porta y explora la Estilo.

La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Explora la Estilo de esta obra de arte, Augusto_de_Prima_Porta.

La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: ¿Cómo aclara Augusto_de_Prima_Porta su Estilo?

La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.

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Prompt: En Augusto_de_Prima_Porta, ¿Cómo se discute la Estilo?

La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante, que del realismo republicano. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador, con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo mismo podemos decir del contrapposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado del paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes olímpicos, y un Cupido, que cabalga sobre un delfín, le abraza la pierna, simbolizando su condición de descendiente de la diosa Venus a través de Eneas. Todos estos refinamientos estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma?.

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Concéntrate en Augusto_de_Prima_Porta y explora la Identificación de la obra.

Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. Al parecer, ese fue el lugar al que se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d. C. La citada escultura parece ser un duplicado, encargado por la propia Livia en el año 20 d. C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce y oro, del año 19 d. C., que se exponía en algún lugar público de Roma. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.

''Augusto Prima Porta'' en bronce junto con [[Murallas de Caesaraugusta

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Explora la Identificación de la obra de esta obra de arte, Augusto_de_Prima_Porta.

Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. Al parecer, ese fue el lugar al que se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d. C. La citada escultura parece ser un duplicado, encargado por la propia Livia en el año 20 d. C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce y oro, del año 19 d. C., que se exponía en algún lugar público de Roma. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.

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Prompt: ¿Cómo aclara Augusto_de_Prima_Porta su Identificación de la obra?

Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. Al parecer, ese fue el lugar al que se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d. C. La citada escultura parece ser un duplicado, encargado por la propia Livia en el año 20 d. C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce y oro, del año 19 d. C., que se exponía en algún lugar público de Roma. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.

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Prompt: En Augusto_de_Prima_Porta, ¿Cómo se discute la Identificación de la obra?

Esta estatua, de unos dos metros de altura, fue descubierta en 1863, cuando se excavaba una villa palaciega, la Villa de Livia, en los alrededores de la Prima Porta de Roma. Al parecer, ese fue el lugar al que se retiró Livia, al morir su esposo, el emperador Augusto en el año 14 d. C. La citada escultura parece ser un duplicado, encargado por la propia Livia en el año 20 d. C., de un retrato de Augusto, originalmente de bronce y oro, del año 19 d. C., que se exponía en algún lugar público de Roma. Actualmente, esta réplica, que es el mejor retrato conocido de este emperador, se exhibe en los Museos Vaticanos, en Roma.

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Concéntrate en Augusto_de_Prima_Porta y explora la Contexto histórico.

El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma (entre 27 a. C. y 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. En el arte y, concretamente, en la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo, durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.Había varios tipos iconográficos de retrato imperial:La del Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar triunfador.También podía ser representado como Pontifex Maximus, tipo también llamado capite velato, por llevar un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote, como en el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma.Togado: representando al emperador con toga senatorial, como máxima autoridad del Senado (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio...,El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.

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Augusto_de_Prima_Porta

Prompt: Explora la Contexto histórico de esta obra de arte, Augusto_de_Prima_Porta.

El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma (entre 27 a. C. y 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. En el arte y, concretamente, en la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo, durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.Había varios tipos iconográficos de retrato imperial:La del Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar triunfador.También podía ser representado como Pontifex Maximus, tipo también llamado capite velato, por llevar un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote, como en el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma.Togado: representando al emperador con toga senatorial, como máxima autoridad del Senado (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio...,El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.

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Prompt: ¿Cómo aclara Augusto_de_Prima_Porta su Contexto histórico?

El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma (entre 27 a. C. y 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. En el arte y, concretamente, en la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo, durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.Había varios tipos iconográficos de retrato imperial:La del Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar triunfador.También podía ser representado como Pontifex Maximus, tipo también llamado capite velato, por llevar un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote, como en el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma.Togado: representando al emperador con toga senatorial, como máxima autoridad del Senado (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio...,El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.

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Prompt: En Augusto_de_Prima_Porta, ¿Cómo se discute la Contexto histórico?

El retratado, Octavio Augusto, fue el primer emperador de Roma (entre 27 a. C. y 14 d. C.) y, además, puso fin a las guerras de conquista, comenzando un periodo de paz que, salvo guerras esporádicas, duró dos siglos como pax romana. En el arte y, concretamente, en la escultura, también hubo importantes cambios: si en época republicana dominaba el realismo extremo, durante el Imperio la influencia griega se deja ver en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar aquel imperio.Había varios tipos iconográficos de retrato imperial:La del Augusto Prima Porta es una imagen toracata, en calidad de jefe militar triunfador.También podía ser representado como Pontifex Maximus, tipo también llamado capite velato, por llevar un velo en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote, como en el retrato de Augusto del Museo de las Termas, Roma.Togado: representando al emperador con toga senatorial, como máxima autoridad del Senado (ej.: retrato de Augusto como Pretor, en el Museo del Louvre).Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que conservamos pocos ejemplos, el mejor el de Marco Aurelio...,El retrato apoteósico, que representa al emperador semidesnudo, como alusión, ya fallecido, a su carácter de semidiós y, en cierto modo, el retrato de Augusto Prima Porta tiene algún indicio apoteósico, ya que el emperador va descalzo.

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Éxtasis_de_Santa_Teresa

Prompt: Concéntrate en Éxtasis_de_Santa_Teresa y explora la abstract.

El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa (en italiano: L'Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa in estasi o Transverberazione di santa Teresa) es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco.[1] Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.[2] Santa Maria della Vittoria es una basílica del siglo XVII erigida para conmemorar la victoria del emperador Fernando II en la Batalla del Monte Blanco.Una de las estancias más importantes de la iglesia es la Capilla de Cornaro, en la que se encuentra la escultura de Bernini El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la escultura barroca.[3]El Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida. El Museo del Ermitage conserva una terracota de reducidas dimensiones (47cm de altura) realizada entre 1644 y 1647 en el que aun se aprecian trazos del enérgico de los dedos del escultor.[4]

Categoría:Iglesia de Santa María de la Victoria

Retratos en mármol de la [[Familia Cornaro

Archivo:Gian Lorenzo Bernini, self-portrait, c1623.jpg

Categoría:Esculturas de Italia del siglo XVII

Categoría:Esculturas en mármol de Gian Lorenzo Bernini


Éxtasis_de_Santa_Teresa

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El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa (en italiano: L'Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa in estasi o Transverberazione di santa Teresa) es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco.[1] Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.[2] Santa Maria della Vittoria es una basílica del siglo XVII erigida para conmemorar la victoria del emperador Fernando II en la Batalla del Monte Blanco.Una de las estancias más importantes de la iglesia es la Capilla de Cornaro, en la que se encuentra la escultura de Bernini El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la escultura barroca.[3]El Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida. El Museo del Ermitage conserva una terracota de reducidas dimensiones (47cm de altura) realizada entre 1644 y 1647 en el que aun se aprecian trazos del enérgico de los dedos del escultor.[4]

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El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa (en italiano: L'Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa in estasi o Transverberazione di santa Teresa) es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco.[1] Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.[2] Santa Maria della Vittoria es una basílica del siglo XVII erigida para conmemorar la victoria del emperador Fernando II en la Batalla del Monte Blanco.Una de las estancias más importantes de la iglesia es la Capilla de Cornaro, en la que se encuentra la escultura de Bernini El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la escultura barroca.[3]El Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida. El Museo del Ermitage conserva una terracota de reducidas dimensiones (47cm de altura) realizada entre 1644 y 1647 en el que aun se aprecian trazos del enérgico de los dedos del escultor.[4]

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El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa (en italiano: L'Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa in estasi o Transverberazione di santa Teresa) es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco.[1] Fue realizada entre 1647 y 1652, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.[2] Santa Maria della Vittoria es una basílica del siglo XVII erigida para conmemorar la victoria del emperador Fernando II en la Batalla del Monte Blanco.Una de las estancias más importantes de la iglesia es la Capilla de Cornaro, en la que se encuentra la escultura de Bernini El Éxtasis de Santa Teresa. Se trata de una de las obras más destacadas de la escultura barroca.[3]El Éxtasis de Santa Teresa está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida. El Museo del Ermitage conserva una terracota de reducidas dimensiones (47cm de altura) realizada entre 1644 y 1647 en el que aun se aprecian trazos del enérgico de los dedos del escultor.[4]

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Nacido en  Nápoles, en 1598, Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos... Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.[5]Todo el conjunto fue supervisado y completado por Bernini entre 1647 y 1652 durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, Bernini había caído en desgracia debido a que se le relacionó con los gastos excesivos del papado de Urbano VIII, lo que le privó en gran medida del mecenazgo pontificio, aunado al hecho de que el papa Inocencio dio mayor preferencia al rival artístico de Bernini, Alessandro Algardi.[6]De esta manera, Bernini estaba disponible para ser contratado por patrones privados, entre ellos, el cardenal veneciano Federico Cornaro (1579-1673), que había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de los carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento.Cornaro tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por el papa Barberini Urbano VIII, realizado mientras su padre Giovanni era dogo, había creado cierto escándalo en su ciudad natal y generado enfrentamientos dentro de las familias. Eligió la capilla izquierda de la iglesia, donde previamente se encontraba una representación de San Pablo en éxtasis, que fue reemplazada con una imagen de Santa Teresa de Jesús, escritora mística, reformadora y primera santa carmelita, cuya canonización, llevada a cabo en 1622, era reciente, mientras sufre un éxtasis provocado por el flechazo de un querubín.[7]Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos (unos 120,000 dólares).[8]De acuerdo a lo que propone el intelectual español Luis María Ansón, Santa Teresa entró en éxtasis influenciada por San Juan De la Cruz. Según este escritor hispánico miembro de la Real Academia Española, Santa Teresa: La iglesia ha crecido en popularidad y recibe mayor número de turistas desde su aparición en el libro y la película Ángeles y Demonios de Dan Brown.

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Éxtasis_de_Santa_Teresa

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Nacido en  Nápoles, en 1598, Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos... Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.[5]Todo el conjunto fue supervisado y completado por Bernini entre 1647 y 1652 durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, Bernini había caído en desgracia debido a que se le relacionó con los gastos excesivos del papado de Urbano VIII, lo que le privó en gran medida del mecenazgo pontificio, aunado al hecho de que el papa Inocencio dio mayor preferencia al rival artístico de Bernini, Alessandro Algardi.[6]De esta manera, Bernini estaba disponible para ser contratado por patrones privados, entre ellos, el cardenal veneciano Federico Cornaro (1579-1673), que había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de los carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento.Cornaro tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por el papa Barberini Urbano VIII, realizado mientras su padre Giovanni era dogo, había creado cierto escándalo en su ciudad natal y generado enfrentamientos dentro de las familias. Eligió la capilla izquierda de la iglesia, donde previamente se encontraba una representación de San Pablo en éxtasis, que fue reemplazada con una imagen de Santa Teresa de Jesús, escritora mística, reformadora y primera santa carmelita, cuya canonización, llevada a cabo en 1622, era reciente, mientras sufre un éxtasis provocado por el flechazo de un querubín.[7]Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos (unos 120,000 dólares).[8]De acuerdo a lo que propone el intelectual español Luis María Ansón, Santa Teresa entró en éxtasis influenciada por San Juan De la Cruz. Según este escritor hispánico miembro de la Real Academia Española, Santa Teresa: La iglesia ha crecido en popularidad y recibe mayor número de turistas desde su aparición en el libro y la película Ángeles y Demonios de Dan Brown.

Categoría:Iglesia de Santa María de la Victoria

Retratos en mármol de la [[Familia Cornaro

Archivo:Gian Lorenzo Bernini, self-portrait, c1623.jpg

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Éxtasis_de_Santa_Teresa

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Nacido en  Nápoles, en 1598, Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos... Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.[5]Todo el conjunto fue supervisado y completado por Bernini entre 1647 y 1652 durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, Bernini había caído en desgracia debido a que se le relacionó con los gastos excesivos del papado de Urbano VIII, lo que le privó en gran medida del mecenazgo pontificio, aunado al hecho de que el papa Inocencio dio mayor preferencia al rival artístico de Bernini, Alessandro Algardi.[6]De esta manera, Bernini estaba disponible para ser contratado por patrones privados, entre ellos, el cardenal veneciano Federico Cornaro (1579-1673), que había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de los carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento.Cornaro tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por el papa Barberini Urbano VIII, realizado mientras su padre Giovanni era dogo, había creado cierto escándalo en su ciudad natal y generado enfrentamientos dentro de las familias. Eligió la capilla izquierda de la iglesia, donde previamente se encontraba una representación de San Pablo en éxtasis, que fue reemplazada con una imagen de Santa Teresa de Jesús, escritora mística, reformadora y primera santa carmelita, cuya canonización, llevada a cabo en 1622, era reciente, mientras sufre un éxtasis provocado por el flechazo de un querubín.[7]Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos (unos 120,000 dólares).[8]De acuerdo a lo que propone el intelectual español Luis María Ansón, Santa Teresa entró en éxtasis influenciada por San Juan De la Cruz. Según este escritor hispánico miembro de la Real Academia Española, Santa Teresa: La iglesia ha crecido en popularidad y recibe mayor número de turistas desde su aparición en el libro y la película Ángeles y Demonios de Dan Brown.

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Prompt: En Éxtasis_de_Santa_Teresa, ¿Cómo se discute la Historia?

Nacido en  Nápoles, en 1598, Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos... Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.[5]Todo el conjunto fue supervisado y completado por Bernini entre 1647 y 1652 durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, Bernini había caído en desgracia debido a que se le relacionó con los gastos excesivos del papado de Urbano VIII, lo que le privó en gran medida del mecenazgo pontificio, aunado al hecho de que el papa Inocencio dio mayor preferencia al rival artístico de Bernini, Alessandro Algardi.[6]De esta manera, Bernini estaba disponible para ser contratado por patrones privados, entre ellos, el cardenal veneciano Federico Cornaro (1579-1673), que había elegido la iglesia de Santa Maria della Vittoria de los carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento.Cornaro tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por el papa Barberini Urbano VIII, realizado mientras su padre Giovanni era dogo, había creado cierto escándalo en su ciudad natal y generado enfrentamientos dentro de las familias. Eligió la capilla izquierda de la iglesia, donde previamente se encontraba una representación de San Pablo en éxtasis, que fue reemplazada con una imagen de Santa Teresa de Jesús, escritora mística, reformadora y primera santa carmelita, cuya canonización, llevada a cabo en 1622, era reciente, mientras sufre un éxtasis provocado por el flechazo de un querubín.[7]Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos (unos 120,000 dólares).[8]De acuerdo a lo que propone el intelectual español Luis María Ansón, Santa Teresa entró en éxtasis influenciada por San Juan De la Cruz. Según este escritor hispánico miembro de la Real Academia Española, Santa Teresa: La iglesia ha crecido en popularidad y recibe mayor número de turistas desde su aparición en el libro y la película Ángeles y Demonios de Dan Brown.

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La capilla es una explosión de mármol de color metal y detalles, con luz filtrada a través de una ventana ubicada por encima de santa Teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz que desciende del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro que simulan presenciar la escena.[10]Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en su escrito autobiográfico conocido como Libro de la Vida, en el que la monja carmelita cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras: Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. Es una obra que une arquitectura, escultura y pintura, y tiene 3,4 metros de altura.[12]Bernini tenía experiencia como diseñador de escenarios y en esta obra incorporó el componente teatral. La estatua de mármol tiene 3,4 metros de altura y está iluminada por la luz de una ventana oculta, que añade luminosidad a las figuras. A ambos lados de la capilla, Bernini situó estatuas que representan a miembros de la familia Cornaro, en palcos de teatro, como para ver el espectáculo. Bernini creó la capilla y su estatua entre 1647 y 1651, cuando acababa de ser canonizada Santa Teresa.[13]

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La capilla es una explosión de mármol de color metal y detalles, con luz filtrada a través de una ventana ubicada por encima de santa Teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz que desciende del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro que simulan presenciar la escena.[10]Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en su escrito autobiográfico conocido como Libro de la Vida, en el que la monja carmelita cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras: Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. Es una obra que une arquitectura, escultura y pintura, y tiene 3,4 metros de altura.[12]Bernini tenía experiencia como diseñador de escenarios y en esta obra incorporó el componente teatral. La estatua de mármol tiene 3,4 metros de altura y está iluminada por la luz de una ventana oculta, que añade luminosidad a las figuras. A ambos lados de la capilla, Bernini situó estatuas que representan a miembros de la familia Cornaro, en palcos de teatro, como para ver el espectáculo. Bernini creó la capilla y su estatua entre 1647 y 1651, cuando acababa de ser canonizada Santa Teresa.[13]

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La capilla es una explosión de mármol de color metal y detalles, con luz filtrada a través de una ventana ubicada por encima de santa Teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz que desciende del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro que simulan presenciar la escena.[10]Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en su escrito autobiográfico conocido como Libro de la Vida, en el que la monja carmelita cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras: Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. Es una obra que une arquitectura, escultura y pintura, y tiene 3,4 metros de altura.[12]Bernini tenía experiencia como diseñador de escenarios y en esta obra incorporó el componente teatral. La estatua de mármol tiene 3,4 metros de altura y está iluminada por la luz de una ventana oculta, que añade luminosidad a las figuras. A ambos lados de la capilla, Bernini situó estatuas que representan a miembros de la familia Cornaro, en palcos de teatro, como para ver el espectáculo. Bernini creó la capilla y su estatua entre 1647 y 1651, cuando acababa de ser canonizada Santa Teresa.[13]

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La capilla es una explosión de mármol de color metal y detalles, con luz filtrada a través de una ventana ubicada por encima de santa Teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz que desciende del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro que simulan presenciar la escena.[10]Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en su escrito autobiográfico conocido como Libro de la Vida, en el que la monja carmelita cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras: Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. Es una obra que une arquitectura, escultura y pintura, y tiene 3,4 metros de altura.[12]Bernini tenía experiencia como diseñador de escenarios y en esta obra incorporó el componente teatral. La estatua de mármol tiene 3,4 metros de altura y está iluminada por la luz de una ventana oculta, que añade luminosidad a las figuras. A ambos lados de la capilla, Bernini situó estatuas que representan a miembros de la familia Cornaro, en palcos de teatro, como para ver el espectáculo. Bernini creó la capilla y su estatua entre 1647 y 1651, cuando acababa de ser canonizada Santa Teresa.[13]

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La expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. La postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.

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La expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. La postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.

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La expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. La postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.

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La expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. La postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire.

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smARThistory: Ecstasy of Saint Teresa, Cornaro Chapel, Rome Archivado el 21 de diciembre de 2008 en Wayback Machine. (en inglés)

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La_dama_del_armiño

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La dama del armiño (en italiano, La dama con l'ermellino) es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, realizado hacia 1490.[1] La modelo ha sido identificada como Cecilia Gallerani, retratada cuando era la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán y cuando Leonardo estaba a su servicio. El cuadro es uno de los cuatro retratos femeninos pintados por Leonardo, siendo los otros La Gioconda, el Retrato de Ginevra de Benci y La Belle Ferronière.[2]La pintura fue adquirida a finales del siglo XVIII por el príncipe Adam Jerzy Czartoryski y desde entonces ha permanecido en posesión de esa familia, que desde 1876 lo exponía en el Museo Czartoryski de Cracovia (Polonia). Desde diciembre de 2016 la obra es propiedad del gobierno polaco, tras su adquisición a los herederos de la familia Czartoryski.[3][4]Debido a la remodelación del Museo Czartoryski, el cuadro estuvo desde mayo del 2012 hasta el 30 de abril de 2017 en el Castillo de Wawel. Tras pasar a titularidad estatal, se expuso desde el 19 de mayo de 2017 hasta el 20 de diciembre de 2019 en el Museo Nacional de Cracovia,[5][6] cuando terminaron las obras en el Museo Czartoryski que la hicieron retornar a su institución original.[7]

Archivo:Lady with an Ermine - Leonardo da Vinci (adjusted levels).jpg

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV