Madonna_Rucellai

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Madonna_Rucellai.

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_Rucellai

Prompt: ¿Cómo aclara Madonna_Rucellai su Descripción?

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_Rucellai

Prompt: En Madonna_Rucellai, ¿Cómo se discute la Descripción?

.El trabajo, que mide 4.5 por 2.9 metros, puede ser la pintura superviviente más grande del arte del siglo XIII italiano. El marco y la pintura están construidos de cinco tableros de chopo pegados juntos. Pintado con témpera, la túnica de la Virgen también había sido pintado con azurita, un descubrimiento hecho después de su limpieza en 1989. La Virgen es mostrada mirando directamente a los espectadores, mientras que el Cristo Niño está sentando en su regazo, dando la bendición. La Madonna es grande en escala, ocupando la mayoría del marco. Su túnica es finamente modelada y su halo de oro incide para iluminar su presencia. El uso de oro en Duccio representa la santidad de la familia y el reino ultraterreno que habitan. Se ven seis ángeles, aguantando el adornado trono, y están pintados en sombras de verdes, rosa, lila y azul. Sus posiciones delante y detrás del trono sugieren que están levantándolo o bajándolo a tierra. El marco está decorado con treinta medallones, conteniendo retratos de Apóstoles, profetas, santos y patriarcas. Está claro por la atención en el detalle que Duccio estaba altamente preocupado por el idealismo y la belleza, tratando cada figura suavemente, con adoración y rasgos delicados.

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La fachada de Santa Maria Novella (1470), donde la Madonna Rucellai se mostró originalmente

Categoría:Iglesia de Santa María Novella

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi


Madonna_de_Manchester

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La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

Categoría:Colecciones de la National Gallery de Londres

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV

Archivo:MICHELANGELO - Manchester Madonna.JPG

Categoría:Pinturas representando a Juan el Bautista


Madonna_de_Manchester

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La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

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Madonna_de_Manchester

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La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

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Madonna_de_Manchester

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La Madonna de Mánchester es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el artista del renacimiento italiano Miguel Ángel y que se encuentra en la National Gallery de Londres.Están representados en la escena pictórica la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

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Casa_blanca_por_la_noche

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La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]

soviéticos
Millet
Auvers-sur-Oise
Retrato de Madame Trabuc
San Petersburgo
Vincent Van Gogh
Venus (planeta)
Jean-François Millet
Rusia
Unión Soviética
Venus
nazi
Categoría:Cuadros de Vincent van Gogh
Universidad Estatal de Texas
Categoría:Cuadros de 1890
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Vincent van Gogh
Museo del Hermitage
Postimpresionismo
300px
Suiza
Segunda Guerra Mundial


Casa_blanca_por_la_noche

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La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]

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Casa_blanca_por_la_noche

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La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]

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Casa_blanca_por_la_noche

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La casa blanca por la noche es un óleo sobre tela pintado el 16 de junio de 1890 en el pequeño pueblo francés de Auvers-sur-Oise por Vincent van Gogh, seis semanas antes de su muerte. Se exhibe en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.Según el Museo del Hermitage, la pintura "expresa la gran tensión psicológica bajo la que se encontraba Van Gogh"; dos de las ventanas, consideradas los "ojos" de una casa, muestran salpicaduras rojas "alarmantes", mientras la estrella, una señal del destino, es vista como un símbolo de la angustia de van Gogh.[1]Se cree que pintó Casa blanca por la noche alrededor de las 20:00 p. m. debido a la posición de la "estrella" en la pintura. Los astrónomos Donald Olson y Russell Doescher de la Universidad Estatal de Texas calcularon que la estrella en la pintura tiene que ser Venus, tal como brillaba en el cielo nocturno en junio de 1890.[2] La casa es la misma que aparece en Castaño floreciente.[3]La pintura tiene una historia turbulenta. Fue exhibida en Suiza varias veces durante los años 1920, pero a finales de la década desapareció en la colección privada del industrial alemán Otto Krebs. Muchas de sus adquisiciones eran de un estilo que pronto sería calificado de arte "degenerado" por los nazis, lo que contribuyó a que Krebs, que ya era publicitario, mantuviera en secreto su colección.[4][5]Creyéndose perdida después de la Segunda Guerra Mundial, la pintura languideció en los archivos del Hermitage cincuenta años, antes de su reaparición en 1995 cuando formó parte de una exposición que mostraba obras de arte saqueadas por los soviéticos al final de la guerra.[2] También se mostraron otras tres obras de van Gogh de la colección Krebs: Paisaje con casa y labrador, Mañana, saliendo a trabajar (a partir de un Millet), y el Retrato de Madame Trabuc.[6]

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Retrato_de_Simonetta_Vespucci

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Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros


Retrato_de_Simonetta_Vespucci

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Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.

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Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.

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Retrato de Simonetta Vespucci es un óleo del pintor del Renacimiento italiano Piero di Cosimo, de 1480 a 1490. Se exhibe en el Museo Condé de Chantilly, Francia.Simonetta Vespucci fue una noble genovesa que se casó con Marco Vespucci de Florencia a la edad de 15 o 16 años, y pronto reconocida como la mayor belleza de la ciudad. Fue admirada por todos, y su belleza se convirtió en legendaria después de su muerte prematura en 1476 a la edad de 23 años. Sandro Botticelli se inspiró en sus rasgos para la diosa en El nacimiento de Venus y Piero di Cosimo era otro admirador apasionado.

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Retrato_de_Simonetta_Vespucci

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La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
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Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
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Venus (mitología)
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Simonetta Vespucci
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Retrato_de_Simonetta_Vespucci

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La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.

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Retrato_de_Simonetta_Vespucci

Prompt: ¿Cómo aclara Retrato_de_Simonetta_Vespucci su Estilo?

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.

italiano
Taschen
Sandro Botticelli
Toples
Plutarco
Afrodita de Cnido
Museo Condé
mordiendo su propia cola
Francia
paganismo
Giorgio Vasari
Prudencia
Categoría:Retratos
Categoría:Cuadros de los años 1480
Piero di Cosimo
Saturno (mitología)
El nacimiento de Venus (Botticelli)
Categoría:Cuadros de Piero di Cosimo
Venus (mitología)
pecho descubierto
Génova
Proserpina
Italia
genovesa
Saturno
Categoría:Serpientes en el arte
Cleopatra
Venus "Casta"
Paris Bordone
Jan van Eyck
El nacimiento de Venus
Simonetta Vespucci
Categoría:Colecciones del Museo Condé
Venus Pudica
Jano
Renacimiento
Uróboros


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Prompt: En Retrato_de_Simonetta_Vespucci, ¿Cómo se discute la Estilo?

La retratada es una mujer joven de busto y de perfil, mirando a la izquierda. Sus pechos están desnudos y una pequeña culebra se enrosca alrededor del collar que porta. En el fondo se extiende un paisaje abierto, árido a la izquierda y frondoso a la derecha. Las nubes oscuras son un símbolo de muerte temprana, igual que el árbol seco.[1] En la base de la obra hay un borde con una inscripción que simula letras talladas doradas, un recurso utilizado en el arte desde el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo; donde se lee: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA.Las nubes oscuras centrales contrastan con el perfil puro del rostro y tez clara. Es tradicionalmente identificado como un retrato de Simonetta. Giorgio Vasari lo consideró como retratándola como Cleopatra, debido al pecho descubierto y la serpiente, que identificó con el áspid con el que, según Plutarco, Cleopatra se suicidó. Sin embargo, el historiador del arte Norbert Schneider considera más probable que la iconografía del retrato derive de la antigüedad clásica tardía, en que la serpiente, especialmente mordiendo su propia cola, simbolizó el ciclo del tiempo y por ello rejuvenecimiento, y era así asociada con Jano, el dios romano del año nuevo, y con Saturno, que se convertiría en el "Padre Tiempo" porque su nombre griego, Kronos, se fusionó con Chronos, que significa "tiempo". La inscripción se refiere a Simonetta como Januensis ("de Génova", pero la variante ortográfica hace un juego de palabras con Jano). La culebra era también el símbolo de la Prudencia; en esa interpretación, sería un elogio a la sabiduría de Simonetta.[2]Una sugerencia alternativa es que está representada como Proserpina, con la serpiente que simbolizaba en el paganismo la esperanza de resurrección.[3][4]El busto, al estilo del siglo XV, está ligeramente girado hacia el espectador, con objeto de favorecer la vista, y sus hombros están envueltos en un rica tela bordada. Según Schneider, sus pechos desnudos no habrían resultado ofensivos a los espectadores contemporáneos. Eran más bien una alusión a Venus Pudica, o Venus "Casta", y aun en las alegorías amorosas de Paris Bordone (c. 1550) los pechos al aire son un símbolo de la boda.[2]Sus rasgos tienen una pureza sorprendente. La frente es muy alta, según la moda de la época de afeitarse la línea del cabello para mostrarla despejada. El peinado es el de una mujer casada, recogido, y muy elaborado con trenzas y ricamente decorado con cintas, cuentas, y perlas.

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Prompt: Concéntrate en Retrato_de_Simonetta_Vespucci y explora la Identidad.

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]

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Prompt: Explora la Identidad de esta obra de arte, Retrato_de_Simonetta_Vespucci.

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]

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Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]

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Prompt: En Retrato_de_Simonetta_Vespucci, ¿Cómo se discute la Identidad?

Es incierto cuánto se parece la pintura a Simonetta Vespucci, particularmente por tratarse de un retrato póstumo, pintado aproximadamente 14 años después de su muerte. Cuando falleció, Piero di Cosimo tenía solo 14 años, así que es posible que pueda ser una copia de un trabajo de un artista anterior.El Museo Condé cuestiona la identificación del tema, titulando la obra Retrato de mujer, supuestamente Simonetta Vespucci, y declarando que la inscripción de su nombre en la parte inferior puede haber sido un añadido posterior.[5]

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Un_espárrago

Prompt: Concéntrate en Un_espárrago y explora la abstract.

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud


Un_espárrago

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Un_espárrago.

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.

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Un_espárrago

Prompt: ¿Cómo aclara Un_espárrago su abstract?

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.

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Un_espárrago

Prompt: En Un_espárrago, ¿Cómo se discute la abstract?

Un espárrago o El espárrago [1] (en francés: L’asperge)[2] es una naturaleza muerta al óleo sobre lienzo de 1880 de 16,5 x 21,5 cm de Édouard Manet. El cuadro, pintado en estilo impresionista, muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. Manet pintó el cuadro como regalo a su amigo Charles Ephrussi. Pertenece a la colección del Museo de Orsay de París.

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Un_espárrago

Prompt: Concéntrate en Un_espárrago y explora la Descripción.

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]

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Un_espárrago

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, Un_espárrago.

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]

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Un_espárrago

Prompt: ¿Cómo aclara Un_espárrago su Descripción?

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]

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Un_espárrago

Prompt: En Un_espárrago, ¿Cómo se discute la Descripción?

La imagen muestra un único espárrago sobre una tabla de mármol. La encimera de mármol, parte de una mesa o el final de un aparador, ocupa casi todo el lienzo. Un borde se extiende en diagonal desde la esquina inferior izquierda al frente hasta el borde derecho de la imagen. Abajo, en la esquina derecha, el cuadro está pintado en tonos marrones oscuros. Esta podría ser la subestructura de madera de un aparador o la zona de sombra de una mesa. La losa de mármol está pintada en blanco roto, con unas pinceladas vivas y verticales en gris oscuro, que sugieren las vetas del mármol. La firma, una "M" de Manet, se aprecia en la superficie de mármol en la parte superior derecha.La ramita de espárrago se encuentra casi horizontalmente sobre la superficie de mármol, paralela al borde inferior de la imagen, con la cabeza ligeramente curvada hacia arriba. Mientras que esta casi toca el borde izquierdo de la imagen, el otro extremo se extiende sobre el borde inclinado de la mesa hasta el borde derecho de la imagen y está parcialmente cortado por él. El espárrago descansa así en gran parte sobre la losa de mármol, mientras que la punta de la cabeza y parte del extremo inferior quedan en el aire. El espárrago tiene un rico esquema de color. Se pueden encontrar tonos blancos y amarillos en el medio, con áreas individuales de marrón agregadas en la parte inferior. En la cabeza del espárrago hay una aplicación de color de blanco, marrón claro, marrón oscuro, amarillo, verde claro, verde oscuro, azul, morado, violeta y rojo claro.[3] Con pinceladas individuales claramente reconocibles y toques de color, Manet muestra su estilo pictórico impresionista. Algunas sombras debajo de los dos extremos del espárrago sugieren una fuente de luz sobre el vegetal.La historiadora del arte Manuela B. Mena Marqués destacó que a pesar de la sencillez del tema, Manet logró pintar a la perfección la naturaleza, la luz y el color. Fue una tarea difícil pintar la verdura de color amarillo-blanco en una mesa con casi el mismo color.[4] La directora del museo, Françoise Cachin, destacó la acertada ligereza del cuadro, citando “... con el fondo claro, con el delicado juego de azules y grises entre la ramita de espárrago y la losa de mármol, y algunas salpicaduras vivaces de color en la punta del espárrago, Manet se entrega a una pintura completamente casual. Al mismo tiempo demuestra sus enormes habilidades manuales. . . “.[5] El filósofo francés Georges Bataille subrayó esto: "Las maravillosas naturalezas muertas de Manet están ... muy alejadas de lo decorativo".[6] El espárrago “... ilumina el deslizamiento de las cosas hacia el mundo de la indiferencia".[7] Para Bataille, El espárrago es “ naturaleza muerta, pero aún naturaleza, es decir, vida alegre." [8]

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Un_espárrago

Prompt: Concéntrate en Un_espárrago y explora la Historia.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


Un_espárrago

Prompt: Explora la Historia de esta obra de arte, Un_espárrago.

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


Un_espárrago

Prompt: ¿Cómo aclara Un_espárrago su Historia?

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


Un_espárrago

Prompt: En Un_espárrago, ¿Cómo se discute la Historia?

El banquero y coleccionista de arte Charles Ephrussi visitó a Manet en su estudio en 1880 y vio la naturaleza muerta Un paquete de espárragos, que acababa de terminar (Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia). Esta pintura muestra un manojo de espárragos sobre una mesa contra un fondo oscuro, un motivo familiar de la pintura barroca holandesa. Manet cotizó un precio de compra de 800 francos y Ephrussi adquirió la pintura. Sin embargo, en lugar de la cantidad exigida, Ephrussi envió al pintor 1.000 francos. Como agradecimiento a su generosidad, Manet pintó el cuadro mucho más pequeño El espárrago y se lo envió a Ephrussi con el mensaje "Il en manquait une à votre botte" ("Faltaba una [ramita] en su paquete").[9] El regalo de Manet a Ephrussi se diferenciaba no sólo en el formato y el motivo, sino sobre todo en el colorido y el estilo pictórico del paquete de espárragos que había comprado. La imagen mucho más clara El espárrago muestra un estilo pictórico mucho más libre.En la década de 1860, Manet creó varios bodegones en los que dispuso varios objetos, basándose en la pintura tradicional de bodegones. Por ejemplo, su pintura El salmón (Shelburne Museum, Shelburne) muestra no solo el pez del mismo nombre sobre un plato en el centro del cuadro, sino también otros objetos como dos botellas, un vaso, un cuenco, un salero, limones y cubiertos. Hacia el final de su vida, a partir de 1880, redujo el número de objetos en sus naturalezas muertas hasta que finalmente creó pinturas con un solo objeto. Pintó cuadros como El limón (Museo de Orsay, París) o Manzana en un plato (colección particular). Françoise Cachin describió las representaciones de objetos individuales de Manet como "extractos, quintaesencias de la pintura".[5]


Un_espárrago

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Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud


Un_espárrago

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Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud


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Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud


Un_espárrago

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Manet le regaló la pintura a Charles Ephrussi en 1880. Después de su muerte, fue adquirida por el concesionario de arte Bernheim-Jeune y luego pasó a formar parte de la colección privada de Gaston Bernheim-Jeune. En 1951, el marchante y coleccionista de arte con sede en Nueva York, Sam Salz, compró la pintura, que donó al Museo del Louvre en 1959. De 1959 a 1986 el cuadro estuvo expuesto en la Galería Nacional del Juego de Palma. Forma parte de la colección del Museo de Orsay desde 1986. Las dos pinturas, El espárrago y El paquete de espárragos rara vez se mostraban juntas después de la muerte de Ephrussi en 1905. Estas ocasiones incluyen las exposiciones de Manet en Gentofte[10] y en Madrid en 2003/4.[11] Más recientemente, ambas imágenes se combinaron en exposiciones en 2017-2018 en Washington, D. C.[12] y 2019 en Chicago.[13]

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud


El_Cristo_amarillo

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El Cristo amarillo (en francés Le Christ jaune) es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña), o bien acabado más tarde el mismo año en Le Pouldu. Se conoce por la referencia núm. 327 del catálogo de Wildenstein.El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1880

''Autorretrato con Cristo amarillo'', 1889. París, [[Museo de Orsay

Categoría:Crucifixión de Jesús en la pintura


El_Cristo_amarillo

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El Cristo amarillo (en francés Le Christ jaune) es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña), o bien acabado más tarde el mismo año en Le Pouldu. Se conoce por la referencia núm. 327 del catálogo de Wildenstein.El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.

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''Autorretrato con Cristo amarillo'', 1889. París, [[Museo de Orsay

Categoría:Crucifixión de Jesús en la pintura


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El Cristo amarillo (en francés Le Christ jaune) es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña), o bien acabado más tarde el mismo año en Le Pouldu. Se conoce por la referencia núm. 327 del catálogo de Wildenstein.El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.

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''Autorretrato con Cristo amarillo'', 1889. París, [[Museo de Orsay

Categoría:Crucifixión de Jesús en la pintura


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El Cristo amarillo (en francés Le Christ jaune) es un cuadro pintado por Paul Gauguin en septiembre de 1889 en Pont-Aven (Bretaña), o bien acabado más tarde el mismo año en Le Pouldu. Se conoce por la referencia núm. 327 del catálogo de Wildenstein.El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.

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''Autorretrato con Cristo amarillo'', 1889. París, [[Museo de Orsay

Categoría:Crucifixión de Jesús en la pintura


Virgen_de_la_galería

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Esta Virgen con Niño, conocida como Virgen de la galería (en italiano, Madonna della loggia) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 centímetros de alto y 50 cm de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi.Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_de_la_galería

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Esta Virgen con Niño, conocida como Virgen de la galería (en italiano, Madonna della loggia) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 centímetros de alto y 50 cm de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi.Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

Categoría:Pinturas representando a la Virgen con el Niño

Categoría:Colecciones de la Galería Uffizi

Categoría:Pintura de Italia del siglo XV


Virgen_de_la_galería

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Esta Virgen con Niño, conocida como Virgen de la galería (en italiano, Madonna della loggia) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 centímetros de alto y 50 cm de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi.Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

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Virgen_de_la_galería

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Esta Virgen con Niño, conocida como Virgen de la galería (en italiano, Madonna della loggia) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 centímetros de alto y 50 cm de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi.Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica.En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.

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El_paso_de_la_laguna_Estigia

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El paso de la laguna Estigia o Caronte cruzando la laguna Estigia es quizá la obra más famosa del pintor flamenco Joachim Patinir. Fue realizada hacia el año 1520. Es un cuadro sobre tabla de 64 cm de alto y 103 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España.Esta pintura representa el tema clásico relatado por Virgilio en su Eneida (libro 6, verso 369) y Dante en el Inferno (libro 3, verso 78) en el centro del cuadro dentro de las tradiciones cristianas del Juicio Final y el Ars moriendi. La figura más grande de la barca es Caronte, quien «pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades» (Smith 320). El pasajero en la barca, demasiado pequeño para distinguir sus expresiones, es un alma humana decidiendo entre el Cielo, a su derecha (la izquierda del espectador), o el Infierno, a su izquierda (la derecha del espectador). La laguna Estigia divide la pintura por el centro. Es uno de los cuatro ríos del mundo subterráneo que pasa por la parte más profunda del infierno. En el lado izquierdo de la pintura está la fuente del Paraíso, el manantial del que surge el río Leteo a través del Cielo: «el agua del Leteo tiene el poder de hacer que uno olvide el pasado y concede la eterna juventud» (Battistini 210). En el lado derecho de la composición está la visión que Patinir tiene del Infierno, que se debe ampliamente a las influencias de El Bosco. Adapta la descripción del Hades, en que, «según el escritor griego Pausanias, una de las puertas estaba ubicada en el extremo meridional del Peloponeso, en una ensenada todavía visible en el cabo Matapan» (Battistini 213). En frente de las puertas está Cerbero, un perro de tres cabezas, que guarda la entrada de la puerta[1] y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. El alma de la barca al final elige su destino mirando hacia el Infierno e ignorando al ángel en la orilla del río en el Paraíso que le hace señas para que se acerque al más dificultoso sendero que lleva al Cielo (Devisscher).

Categoría:Mitología griega en la pintura

Categoría:Obras de arte anteriormente en el Real Alcázar de Madrid

Categoría:Pintura flamenca del Museo del Prado

Categoría:Mitología romana en la pintura


El_paso_de_la_laguna_Estigia

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El paso de la laguna Estigia o Caronte cruzando la laguna Estigia es quizá la obra más famosa del pintor flamenco Joachim Patinir. Fue realizada hacia el año 1520. Es un cuadro sobre tabla de 64 cm de alto y 103 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España.Esta pintura representa el tema clásico relatado por Virgilio en su Eneida (libro 6, verso 369) y Dante en el Inferno (libro 3, verso 78) en el centro del cuadro dentro de las tradiciones cristianas del Juicio Final y el Ars moriendi. La figura más grande de la barca es Caronte, quien «pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades» (Smith 320). El pasajero en la barca, demasiado pequeño para distinguir sus expresiones, es un alma humana decidiendo entre el Cielo, a su derecha (la izquierda del espectador), o el Infierno, a su izquierda (la derecha del espectador). La laguna Estigia divide la pintura por el centro. Es uno de los cuatro ríos del mundo subterráneo que pasa por la parte más profunda del infierno. En el lado izquierdo de la pintura está la fuente del Paraíso, el manantial del que surge el río Leteo a través del Cielo: «el agua del Leteo tiene el poder de hacer que uno olvide el pasado y concede la eterna juventud» (Battistini 210). En el lado derecho de la composición está la visión que Patinir tiene del Infierno, que se debe ampliamente a las influencias de El Bosco. Adapta la descripción del Hades, en que, «según el escritor griego Pausanias, una de las puertas estaba ubicada en el extremo meridional del Peloponeso, en una ensenada todavía visible en el cabo Matapan» (Battistini 213). En frente de las puertas está Cerbero, un perro de tres cabezas, que guarda la entrada de la puerta[1] y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. El alma de la barca al final elige su destino mirando hacia el Infierno e ignorando al ángel en la orilla del río en el Paraíso que le hace señas para que se acerque al más dificultoso sendero que lleva al Cielo (Devisscher).

Categoría:Mitología griega en la pintura

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El paso de la laguna Estigia o Caronte cruzando la laguna Estigia es quizá la obra más famosa del pintor flamenco Joachim Patinir. Fue realizada hacia el año 1520. Es un cuadro sobre tabla de 64 cm de alto y 103 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España.Esta pintura representa el tema clásico relatado por Virgilio en su Eneida (libro 6, verso 369) y Dante en el Inferno (libro 3, verso 78) en el centro del cuadro dentro de las tradiciones cristianas del Juicio Final y el Ars moriendi. La figura más grande de la barca es Caronte, quien «pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades» (Smith 320). El pasajero en la barca, demasiado pequeño para distinguir sus expresiones, es un alma humana decidiendo entre el Cielo, a su derecha (la izquierda del espectador), o el Infierno, a su izquierda (la derecha del espectador). La laguna Estigia divide la pintura por el centro. Es uno de los cuatro ríos del mundo subterráneo que pasa por la parte más profunda del infierno. En el lado izquierdo de la pintura está la fuente del Paraíso, el manantial del que surge el río Leteo a través del Cielo: «el agua del Leteo tiene el poder de hacer que uno olvide el pasado y concede la eterna juventud» (Battistini 210). En el lado derecho de la composición está la visión que Patinir tiene del Infierno, que se debe ampliamente a las influencias de El Bosco. Adapta la descripción del Hades, en que, «según el escritor griego Pausanias, una de las puertas estaba ubicada en el extremo meridional del Peloponeso, en una ensenada todavía visible en el cabo Matapan» (Battistini 213). En frente de las puertas está Cerbero, un perro de tres cabezas, que guarda la entrada de la puerta[1] y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. El alma de la barca al final elige su destino mirando hacia el Infierno e ignorando al ángel en la orilla del río en el Paraíso que le hace señas para que se acerque al más dificultoso sendero que lleva al Cielo (Devisscher).

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El_paso_de_la_laguna_Estigia

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El paso de la laguna Estigia o Caronte cruzando la laguna Estigia es quizá la obra más famosa del pintor flamenco Joachim Patinir. Fue realizada hacia el año 1520. Es un cuadro sobre tabla de 64 cm de alto y 103 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España.Esta pintura representa el tema clásico relatado por Virgilio en su Eneida (libro 6, verso 369) y Dante en el Inferno (libro 3, verso 78) en el centro del cuadro dentro de las tradiciones cristianas del Juicio Final y el Ars moriendi. La figura más grande de la barca es Caronte, quien «pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades» (Smith 320). El pasajero en la barca, demasiado pequeño para distinguir sus expresiones, es un alma humana decidiendo entre el Cielo, a su derecha (la izquierda del espectador), o el Infierno, a su izquierda (la derecha del espectador). La laguna Estigia divide la pintura por el centro. Es uno de los cuatro ríos del mundo subterráneo que pasa por la parte más profunda del infierno. En el lado izquierdo de la pintura está la fuente del Paraíso, el manantial del que surge el río Leteo a través del Cielo: «el agua del Leteo tiene el poder de hacer que uno olvide el pasado y concede la eterna juventud» (Battistini 210). En el lado derecho de la composición está la visión que Patinir tiene del Infierno, que se debe ampliamente a las influencias de El Bosco. Adapta la descripción del Hades, en que, «según el escritor griego Pausanias, una de las puertas estaba ubicada en el extremo meridional del Peloponeso, en una ensenada todavía visible en el cabo Matapan» (Battistini 213). En frente de las puertas está Cerbero, un perro de tres cabezas, que guarda la entrada de la puerta[1] y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. El alma de la barca al final elige su destino mirando hacia el Infierno e ignorando al ángel en la orilla del río en el Paraíso que le hace señas para que se acerque al más dificultoso sendero que lleva al Cielo (Devisscher).

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Retrato_del_cardenal_Niccolò_Albergati

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El Retrato del cardenal Niccolò Albergati es una tabla al óleo pintada por el maestro primitivo flamenco Jan van Eyck, datado alrededor de 1431 y ahora en el Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria.Niccolò Albergati (1373-1443) trabajó como diplomático para el papa Martín V. Durante un congreso de paz en Amberes, conoció a van Eyck, quién le retrató en un dibujo preparatorio a punta de plata donde el artista añadió notas sobre los colores en su dialecto holandés para realizar un retrato pintado más tarde. El dibujo se conserva en el Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, Alemania.El cardenal aparece de tres cuartos, como era habitual en la pintura flamenca de la época, al contrario que la italiana que empleaba el retrato de perfil, ante un fondo oscuro que realza la figura, la cual aparece iluminada por una luz intensa procedente de la izquierda. Como es habitual en las obras de van Eyck, la atención a los detalles es máxima, gracias a su novedosa técnica que utiliza capas sucesivas de colores diluidos en aceite, permitiendo efectos más profundos de transparencia y lucidez. La comparación con el dibujo preparatorio muestra que van Eyck intensificó varios detalles realistas, como la anchura de los hombros, la curva más baja de la nariz, la profundidad de la boca y principalmente la medida de la oreja, quizás para fortalecer la impresión de ancianidad y, consiguientemente, de autoridad del cardenal.


Retrato_del_cardenal_Niccolò_Albergati

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El Retrato del cardenal Niccolò Albergati es una tabla al óleo pintada por el maestro primitivo flamenco Jan van Eyck, datado alrededor de 1431 y ahora en el Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria.Niccolò Albergati (1373-1443) trabajó como diplomático para el papa Martín V. Durante un congreso de paz en Amberes, conoció a van Eyck, quién le retrató en un dibujo preparatorio a punta de plata donde el artista añadió notas sobre los colores en su dialecto holandés para realizar un retrato pintado más tarde. El dibujo se conserva en el Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, Alemania.El cardenal aparece de tres cuartos, como era habitual en la pintura flamenca de la época, al contrario que la italiana que empleaba el retrato de perfil, ante un fondo oscuro que realza la figura, la cual aparece iluminada por una luz intensa procedente de la izquierda. Como es habitual en las obras de van Eyck, la atención a los detalles es máxima, gracias a su novedosa técnica que utiliza capas sucesivas de colores diluidos en aceite, permitiendo efectos más profundos de transparencia y lucidez. La comparación con el dibujo preparatorio muestra que van Eyck intensificó varios detalles realistas, como la anchura de los hombros, la curva más baja de la nariz, la profundidad de la boca y principalmente la medida de la oreja, quizás para fortalecer la impresión de ancianidad y, consiguientemente, de autoridad del cardenal.


Retrato_del_cardenal_Niccolò_Albergati

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El Retrato del cardenal Niccolò Albergati es una tabla al óleo pintada por el maestro primitivo flamenco Jan van Eyck, datado alrededor de 1431 y ahora en el Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria.Niccolò Albergati (1373-1443) trabajó como diplomático para el papa Martín V. Durante un congreso de paz en Amberes, conoció a van Eyck, quién le retrató en un dibujo preparatorio a punta de plata donde el artista añadió notas sobre los colores en su dialecto holandés para realizar un retrato pintado más tarde. El dibujo se conserva en el Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, Alemania.El cardenal aparece de tres cuartos, como era habitual en la pintura flamenca de la época, al contrario que la italiana que empleaba el retrato de perfil, ante un fondo oscuro que realza la figura, la cual aparece iluminada por una luz intensa procedente de la izquierda. Como es habitual en las obras de van Eyck, la atención a los detalles es máxima, gracias a su novedosa técnica que utiliza capas sucesivas de colores diluidos en aceite, permitiendo efectos más profundos de transparencia y lucidez. La comparación con el dibujo preparatorio muestra que van Eyck intensificó varios detalles realistas, como la anchura de los hombros, la curva más baja de la nariz, la profundidad de la boca y principalmente la medida de la oreja, quizás para fortalecer la impresión de ancianidad y, consiguientemente, de autoridad del cardenal.


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El Retrato del cardenal Niccolò Albergati es una tabla al óleo pintada por el maestro primitivo flamenco Jan van Eyck, datado alrededor de 1431 y ahora en el Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria.Niccolò Albergati (1373-1443) trabajó como diplomático para el papa Martín V. Durante un congreso de paz en Amberes, conoció a van Eyck, quién le retrató en un dibujo preparatorio a punta de plata donde el artista añadió notas sobre los colores en su dialecto holandés para realizar un retrato pintado más tarde. El dibujo se conserva en el Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, Alemania.El cardenal aparece de tres cuartos, como era habitual en la pintura flamenca de la época, al contrario que la italiana que empleaba el retrato de perfil, ante un fondo oscuro que realza la figura, la cual aparece iluminada por una luz intensa procedente de la izquierda. Como es habitual en las obras de van Eyck, la atención a los detalles es máxima, gracias a su novedosa técnica que utiliza capas sucesivas de colores diluidos en aceite, permitiendo efectos más profundos de transparencia y lucidez. La comparación con el dibujo preparatorio muestra que van Eyck intensificó varios detalles realistas, como la anchura de los hombros, la curva más baja de la nariz, la profundidad de la boca y principalmente la medida de la oreja, quizás para fortalecer la impresión de ancianidad y, consiguientemente, de autoridad del cardenal.


Políptico_Averoldi

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El políptico de la Resurrección de Cristo, más conocido como políptico Averoldi (en italiano: Polittico Averoldi), es un retablo realizado por el pintor Tiziano Vecellio. Mide 278 cm de alto y 122 cm de ancho, y está pintado al óleo sobre tabla. Data de 1522 y se encuentra en la iglesia de los Santos Nazario y Celso, en Brescia.

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

Archivo:Autorretrato de Tiziano (detalle).jpg

Estudio de Tiziano para la figura de san Sebastián

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

iglesia de los Santos Nazario y Celso (Brescia)

Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

Archivo:Tizian, Studie für den heiligen Sebastian des Hochaltars.gif

Iglesia de los Santos Nazario y Celso (Brescia)


Políptico_Averoldi

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El políptico de la Resurrección de Cristo, más conocido como políptico Averoldi (en italiano: Polittico Averoldi), es un retablo realizado por el pintor Tiziano Vecellio. Mide 278 cm de alto y 122 cm de ancho, y está pintado al óleo sobre tabla. Data de 1522 y se encuentra en la iglesia de los Santos Nazario y Celso, en Brescia.

Categoría:Resurrección de Jesús en pintura

Archivo:Autorretrato de Tiziano (detalle).jpg

Estudio de Tiziano para la figura de san Sebastián

Categoría:Pinturas representando a la Virgen María

Categoría:Pinturas representando a San Sebastián

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Categoría:Pinturas representando temas del Nuevo Testamento

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