Bodegón

Prompt: En el contexto de Bodegón, explora la Siglos XX y XXI y Historia.

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros géneros, continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible.El siglo comenzó con varias tendencias, a veces marcadamente contradictorias, dominado el panorama artístico. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores.[47]Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenados con colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores.[48] En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, los objetos apenas destacan del fondo de la habitación.[49] Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para su revolucionaria búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio de alejar la pintura de su función mimética o ilustrativa, mostrando independientemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Así, los experimentos de Cézanne influirán grandemente en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.[50]Al adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos en formas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional.[51] Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico.[52]Rechazando el aplanamiento del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, marcharon en una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de bodegón «de confección» en tres dimensiones. Como parte de restaurar algún significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de bodegón reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos aparecen ligeros y flotando en un espacio bidimensional ligeramente sugerido e incluso las montañas se dibujan como simples líneas.[50] En Italia en esta época, Giorgio Morandi fue el más destacado pintor de bodegones, mostrando un acercamiento a la realidad cotidiana al representar botellas y cacharros de cocina.[53] El artista neerlandés M. C. Escher, más conocido por sus detalladas y aun así ambiguas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.[54]Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX fueron conscientes del modernismo europeo, comenzaron a interpretar los temas de bodegón con una combinación de realismo americano y abstracción cubista. Típicos bodegones estadounidenses de la época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores vistas en primer plano de O’Keeffe revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas de una manera sin precedentes.En México, comenzando a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia forma de surrealismo, representando comidas nativas y motivos de la cultura local en sus bodegones.[55] También a partir de esa década, el expresionismo abstracto redujo fuertemente el bodegón a crudas representaciones de forma y color, hasta que en la década de los cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte.Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtieron la tendencia y crearon una nueva forma de bodegón. Mucho arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen modificada del producto comercial representado más que el objeto de bodegón físico.La obra de Roy Lichtenstein Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una sencilla comida de familia sino una línea reunida de alimentos estadounidenses estándares.[56] El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de Duchamp de ajuar doméstico cotidiano para crear su propio tipo de bodegones, como en el Bronce pintado de Johns (1960) y Casa de locos (1962).[57]El auge del fotorrealismo en los años setenta reafirmó la representación ilusionística, al tiempo que conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido más allá de los límites de un marco, con técnicas mixtas que emplean objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras generadas por ordenador han expandido las técnicas disponibles a los artistas de bodegones. Con el uso de videocámaras, los creadores pueden incluso incorporar al espectador a su obra.

Archivo:Paul Cézanne, Still Life With Apples, c. 1890.jpg

Archivo:Antonio de Pereda - Allegory of Vanity - Google Art Project.jpg

Archivo:Luis Melendez, Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,1772 Museo del Prado Madrid.jpg

Archivo:Pompejanischer Maler um 70 001.jpg

''Naturaleza muerta con melones, melocotones, higos y uvas'' (hacia 1640), de [[Michelangelo da Campidoglio

Archivo:Jean-Baptiste Siméon Chardin 007.jpg

Bodegón con cacharros (Francisco de Zurbarán)

Archivo:Michele Pace del Campidoglio - Still Life with Melons, Peaches, Figs, and Grapes - Google Art Project.jpg

''Vanitas'' (1636), de [[Antonio de Pereda

''Bodegón con tazón de cidras'' (finales de los años 1640), de [[Giovanna Garzoni

Archivo:Giovanna Garzoni (Italian) - Still Life with Bowl of Citrons - Google Art Project.jpg

Archivo:Labrador-cuatro racimos de uvas.jpg

Archivo:Sánchez Cotán (Bodegón con membrillo, repollo, melón y pepino).jpg

Archivo:Abraham Hendriksz. van Beyeren - Banket stilleven.jpg

Tazón de fruta transparente y jarros. Frescos [[Antigua Roma

Archivo:Oeillets et clématite dans un vase de cristal (ca.1882) - Edouard Manet (Musée d'Orsay, Paris).jpg

Archivo:Paul Cézanne - Still Life with Onions - Google Art Project.jpg

Archivo:Bodegón de recipientes (Zurbarán).jpg

Archivo:Munari, Cristoforo - Libri, porcellane cinesi, vassoio di frutta, bauletto, vasetto di fiori e teiera su tavolo coperto da tovaglia rossa.jpg

''[[Bodegón: un trozo de salmón, un limón y tres vasijas

Archivo:The five senses or Summer, by Sébastien Stoskopff.jpg


Bodegón

Prompt: Explora la Siglos XX y XXI sobre la Historia de esta obra de arte, Bodegón.

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros géneros, continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible.El siglo comenzó con varias tendencias, a veces marcadamente contradictorias, dominado el panorama artístico. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores.[47]Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenados con colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores.[48] En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, los objetos apenas destacan del fondo de la habitación.[49] Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para su revolucionaria búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio de alejar la pintura de su función mimética o ilustrativa, mostrando independientemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Así, los experimentos de Cézanne influirán grandemente en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.[50]Al adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos en formas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional.[51] Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico.[52]Rechazando el aplanamiento del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, marcharon en una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de bodegón «de confección» en tres dimensiones. Como parte de restaurar algún significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de bodegón reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos aparecen ligeros y flotando en un espacio bidimensional ligeramente sugerido e incluso las montañas se dibujan como simples líneas.[50] En Italia en esta época, Giorgio Morandi fue el más destacado pintor de bodegones, mostrando un acercamiento a la realidad cotidiana al representar botellas y cacharros de cocina.[53] El artista neerlandés M. C. Escher, más conocido por sus detalladas y aun así ambiguas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.[54]Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX fueron conscientes del modernismo europeo, comenzaron a interpretar los temas de bodegón con una combinación de realismo americano y abstracción cubista. Típicos bodegones estadounidenses de la época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores vistas en primer plano de O’Keeffe revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas de una manera sin precedentes.En México, comenzando a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia forma de surrealismo, representando comidas nativas y motivos de la cultura local en sus bodegones.[55] También a partir de esa década, el expresionismo abstracto redujo fuertemente el bodegón a crudas representaciones de forma y color, hasta que en la década de los cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte.Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtieron la tendencia y crearon una nueva forma de bodegón. Mucho arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen modificada del producto comercial representado más que el objeto de bodegón físico.La obra de Roy Lichtenstein Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una sencilla comida de familia sino una línea reunida de alimentos estadounidenses estándares.[56] El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de Duchamp de ajuar doméstico cotidiano para crear su propio tipo de bodegones, como en el Bronce pintado de Johns (1960) y Casa de locos (1962).[57]El auge del fotorrealismo en los años setenta reafirmó la representación ilusionística, al tiempo que conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido más allá de los límites de un marco, con técnicas mixtas que emplean objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras generadas por ordenador han expandido las técnicas disponibles a los artistas de bodegones. Con el uso de videocámaras, los creadores pueden incluso incorporar al espectador a su obra.

Archivo:Paul Cézanne, Still Life With Apples, c. 1890.jpg

Archivo:Antonio de Pereda - Allegory of Vanity - Google Art Project.jpg

Archivo:Luis Melendez, Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,1772 Museo del Prado Madrid.jpg

Archivo:Pompejanischer Maler um 70 001.jpg

''Naturaleza muerta con melones, melocotones, higos y uvas'' (hacia 1640), de [[Michelangelo da Campidoglio

Archivo:Jean-Baptiste Siméon Chardin 007.jpg

Bodegón con cacharros (Francisco de Zurbarán)

Archivo:Michele Pace del Campidoglio - Still Life with Melons, Peaches, Figs, and Grapes - Google Art Project.jpg

''Vanitas'' (1636), de [[Antonio de Pereda

''Bodegón con tazón de cidras'' (finales de los años 1640), de [[Giovanna Garzoni

Archivo:Giovanna Garzoni (Italian) - Still Life with Bowl of Citrons - Google Art Project.jpg

Archivo:Labrador-cuatro racimos de uvas.jpg

Archivo:Sánchez Cotán (Bodegón con membrillo, repollo, melón y pepino).jpg

Archivo:Abraham Hendriksz. van Beyeren - Banket stilleven.jpg

Tazón de fruta transparente y jarros. Frescos [[Antigua Roma

Archivo:Oeillets et clématite dans un vase de cristal (ca.1882) - Edouard Manet (Musée d'Orsay, Paris).jpg

Archivo:Paul Cézanne - Still Life with Onions - Google Art Project.jpg

Archivo:Bodegón de recipientes (Zurbarán).jpg

Archivo:Munari, Cristoforo - Libri, porcellane cinesi, vassoio di frutta, bauletto, vasetto di fiori e teiera su tavolo coperto da tovaglia rossa.jpg

''[[Bodegón: un trozo de salmón, un limón y tres vasijas

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Bodegón

Prompt: En Bodegón, ¿Cómo se aclara la Siglos XX y XXI de la Historia?

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros géneros, continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible.El siglo comenzó con varias tendencias, a veces marcadamente contradictorias, dominado el panorama artístico. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores.[47]Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenados con colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores.[48] En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, los objetos apenas destacan del fondo de la habitación.[49] Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para su revolucionaria búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio de alejar la pintura de su función mimética o ilustrativa, mostrando independientemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Así, los experimentos de Cézanne influirán grandemente en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.[50]Al adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos en formas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional.[51] Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico.[52]Rechazando el aplanamiento del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, marcharon en una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de bodegón «de confección» en tres dimensiones. Como parte de restaurar algún significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de bodegón reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos aparecen ligeros y flotando en un espacio bidimensional ligeramente sugerido e incluso las montañas se dibujan como simples líneas.[50] En Italia en esta época, Giorgio Morandi fue el más destacado pintor de bodegones, mostrando un acercamiento a la realidad cotidiana al representar botellas y cacharros de cocina.[53] El artista neerlandés M. C. Escher, más conocido por sus detalladas y aun así ambiguas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.[54]Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX fueron conscientes del modernismo europeo, comenzaron a interpretar los temas de bodegón con una combinación de realismo americano y abstracción cubista. Típicos bodegones estadounidenses de la época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores vistas en primer plano de O’Keeffe revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas de una manera sin precedentes.En México, comenzando a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia forma de surrealismo, representando comidas nativas y motivos de la cultura local en sus bodegones.[55] También a partir de esa década, el expresionismo abstracto redujo fuertemente el bodegón a crudas representaciones de forma y color, hasta que en la década de los cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte.Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtieron la tendencia y crearon una nueva forma de bodegón. Mucho arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen modificada del producto comercial representado más que el objeto de bodegón físico.La obra de Roy Lichtenstein Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una sencilla comida de familia sino una línea reunida de alimentos estadounidenses estándares.[56] El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de Duchamp de ajuar doméstico cotidiano para crear su propio tipo de bodegones, como en el Bronce pintado de Johns (1960) y Casa de locos (1962).[57]El auge del fotorrealismo en los años setenta reafirmó la representación ilusionística, al tiempo que conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido más allá de los límites de un marco, con técnicas mixtas que emplean objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras generadas por ordenador han expandido las técnicas disponibles a los artistas de bodegones. Con el uso de videocámaras, los creadores pueden incluso incorporar al espectador a su obra.

Archivo:Paul Cézanne, Still Life With Apples, c. 1890.jpg

Archivo:Antonio de Pereda - Allegory of Vanity - Google Art Project.jpg

Archivo:Luis Melendez, Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,1772 Museo del Prado Madrid.jpg

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''Naturaleza muerta con melones, melocotones, higos y uvas'' (hacia 1640), de [[Michelangelo da Campidoglio

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Bodegón con cacharros (Francisco de Zurbarán)

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''Vanitas'' (1636), de [[Antonio de Pereda

''Bodegón con tazón de cidras'' (finales de los años 1640), de [[Giovanna Garzoni

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Archivo:Abraham Hendriksz. van Beyeren - Banket stilleven.jpg

Tazón de fruta transparente y jarros. Frescos [[Antigua Roma

Archivo:Oeillets et clématite dans un vase de cristal (ca.1882) - Edouard Manet (Musée d'Orsay, Paris).jpg

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Bodegón

Prompt: Describe las características de la Siglos XX y XXI en la Historia de Bodegón.

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros géneros, continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible.El siglo comenzó con varias tendencias, a veces marcadamente contradictorias, dominado el panorama artístico. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores.[47]Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenados con colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores.[48] En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, los objetos apenas destacan del fondo de la habitación.[49] Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para su revolucionaria búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio de alejar la pintura de su función mimética o ilustrativa, mostrando independientemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Así, los experimentos de Cézanne influirán grandemente en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.[50]Al adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos en formas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional.[51] Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico.[52]Rechazando el aplanamiento del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, marcharon en una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de bodegón «de confección» en tres dimensiones. Como parte de restaurar algún significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de bodegón reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos aparecen ligeros y flotando en un espacio bidimensional ligeramente sugerido e incluso las montañas se dibujan como simples líneas.[50] En Italia en esta época, Giorgio Morandi fue el más destacado pintor de bodegones, mostrando un acercamiento a la realidad cotidiana al representar botellas y cacharros de cocina.[53] El artista neerlandés M. C. Escher, más conocido por sus detalladas y aun así ambiguas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.[54]Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX fueron conscientes del modernismo europeo, comenzaron a interpretar los temas de bodegón con una combinación de realismo americano y abstracción cubista. Típicos bodegones estadounidenses de la época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores vistas en primer plano de O’Keeffe revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas de una manera sin precedentes.En México, comenzando a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia forma de surrealismo, representando comidas nativas y motivos de la cultura local en sus bodegones.[55] También a partir de esa década, el expresionismo abstracto redujo fuertemente el bodegón a crudas representaciones de forma y color, hasta que en la década de los cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte.Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtieron la tendencia y crearon una nueva forma de bodegón. Mucho arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen modificada del producto comercial representado más que el objeto de bodegón físico.La obra de Roy Lichtenstein Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una sencilla comida de familia sino una línea reunida de alimentos estadounidenses estándares.[56] El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de Duchamp de ajuar doméstico cotidiano para crear su propio tipo de bodegones, como en el Bronce pintado de Johns (1960) y Casa de locos (1962).[57]El auge del fotorrealismo en los años setenta reafirmó la representación ilusionística, al tiempo que conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.En las últimas tres décadas, el bodegón se ha expandido más allá de los límites de un marco, con técnicas mixtas que emplean objetos reales, fotografía, vídeo y sonido. Las obras generadas por ordenador han expandido las técnicas disponibles a los artistas de bodegones. Con el uso de videocámaras, los creadores pueden incluso incorporar al espectador a su obra.

Archivo:Paul Cézanne, Still Life With Apples, c. 1890.jpg

Archivo:Antonio de Pereda - Allegory of Vanity - Google Art Project.jpg

Archivo:Luis Melendez, Still Life with Salmon,Lemon and three Vessels,1772 Museo del Prado Madrid.jpg

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''Naturaleza muerta con melones, melocotones, higos y uvas'' (hacia 1640), de [[Michelangelo da Campidoglio

Archivo:Jean-Baptiste Siméon Chardin 007.jpg

Bodegón con cacharros (Francisco de Zurbarán)

Archivo:Michele Pace del Campidoglio - Still Life with Melons, Peaches, Figs, and Grapes - Google Art Project.jpg

''Vanitas'' (1636), de [[Antonio de Pereda

''Bodegón con tazón de cidras'' (finales de los años 1640), de [[Giovanna Garzoni

Archivo:Giovanna Garzoni (Italian) - Still Life with Bowl of Citrons - Google Art Project.jpg

Archivo:Labrador-cuatro racimos de uvas.jpg

Archivo:Sánchez Cotán (Bodegón con membrillo, repollo, melón y pepino).jpg

Archivo:Abraham Hendriksz. van Beyeren - Banket stilleven.jpg

Tazón de fruta transparente y jarros. Frescos [[Antigua Roma

Archivo:Oeillets et clématite dans un vase de cristal (ca.1882) - Edouard Manet (Musée d'Orsay, Paris).jpg

Archivo:Paul Cézanne - Still Life with Onions - Google Art Project.jpg

Archivo:Bodegón de recipientes (Zurbarán).jpg

Archivo:Munari, Cristoforo - Libri, porcellane cinesi, vassoio di frutta, bauletto, vasetto di fiori e teiera su tavolo coperto da tovaglia rossa.jpg

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The_Sphere

Prompt: Concéntrate en The_Sphere y explora la abstract.

The Sphere (traducido literalmente como: «la esfera») es una escultura de metal construida por el escultor alemán Fritz Koenig, actualmente se encuentra ubicada en Liberty Park. Sin embargo, originalmente se encontraba en el centro del Austin Tobin Plaza como una fuente de agua, que a su vez era la zona central de las torres gemelas del World Trade Center en Manhattan. Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. Además, se ha convertido en una importante atracción turística, principalmente porque sobrevivió a la colisión de los edificios con solamente algunas abolladuras.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

File:The Sphere in Liberty Park 2 vc.jpg

El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

Archivo:FEMA - 4042 - Photograph by Michael Rieger taken on 09-21-2001 in New York.jpg


The_Sphere

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, The_Sphere.

The Sphere (traducido literalmente como: «la esfera») es una escultura de metal construida por el escultor alemán Fritz Koenig, actualmente se encuentra ubicada en Liberty Park. Sin embargo, originalmente se encontraba en el centro del Austin Tobin Plaza como una fuente de agua, que a su vez era la zona central de las torres gemelas del World Trade Center en Manhattan. Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. Además, se ha convertido en una importante atracción turística, principalmente porque sobrevivió a la colisión de los edificios con solamente algunas abolladuras.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

File:The Sphere in Liberty Park 2 vc.jpg

El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: ¿Cómo aclara The_Sphere su abstract?

The Sphere (traducido literalmente como: «la esfera») es una escultura de metal construida por el escultor alemán Fritz Koenig, actualmente se encuentra ubicada en Liberty Park. Sin embargo, originalmente se encontraba en el centro del Austin Tobin Plaza como una fuente de agua, que a su vez era la zona central de las torres gemelas del World Trade Center en Manhattan. Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. Además, se ha convertido en una importante atracción turística, principalmente porque sobrevivió a la colisión de los edificios con solamente algunas abolladuras.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

File:The Sphere in Liberty Park 2 vc.jpg

El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: En The_Sphere, ¿Cómo se discute la abstract?

The Sphere (traducido literalmente como: «la esfera») es una escultura de metal construida por el escultor alemán Fritz Koenig, actualmente se encuentra ubicada en Liberty Park. Sin embargo, originalmente se encontraba en el centro del Austin Tobin Plaza como una fuente de agua, que a su vez era la zona central de las torres gemelas del World Trade Center en Manhattan. Luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001, su localización era incierta, ya que había sido desmontada de su base y a pesar de que seguía intacta, fue ocultada por los escombros luego de que los aviones se estrellaron contra los rascacielos y estos colapsaron.Seis meses después de los atentados, en marzo del 2002 a raíz de un documental sobre la escultura, esta fue trasladada temporalmente a Battery Park —sin ningún tipo de reparaciones— y se la dedicaron a las víctimas del 11 de septiembre. Además, se ha convertido en una importante atracción turística, principalmente porque sobrevivió a la colisión de los edificios con solamente algunas abolladuras.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

File:The Sphere in Liberty Park 2 vc.jpg

El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: Concéntrate en The_Sphere y explora la Descripción.

«The Sphere» es de veinticinco metros y está compuesto por un total de cincuenta y dos segmentos de bronces. Koenig la elaboró en Bremen, Alemania, y posteriormente fue armada y enviada a Lower Manhattan.[1] La escultura simbolizaría la paz mundial mediante el libre comercio y se le fue colocado un anillo de fuentes, así como otros detalles decorativos diseñados por el mismo arquitecto del World Trade Center, Minoru Yamasaki, para imitar la gran mezquita de La Meca, Masjid al-Haram, en la que The Sphere se situó en el lugar de la Kaaba.[2] Además, la escultura fue creada para girar una vez cada 24 horas, y su base se convirtió en un lugar popular para el almuerzo de quienes trabajaban en el World Trade Center.La placa al lado de The Sphere dice:

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: Explora la Descripción de esta obra de arte, The_Sphere.

«The Sphere» es de veinticinco metros y está compuesto por un total de cincuenta y dos segmentos de bronces. Koenig la elaboró en Bremen, Alemania, y posteriormente fue armada y enviada a Lower Manhattan.[1] La escultura simbolizaría la paz mundial mediante el libre comercio y se le fue colocado un anillo de fuentes, así como otros detalles decorativos diseñados por el mismo arquitecto del World Trade Center, Minoru Yamasaki, para imitar la gran mezquita de La Meca, Masjid al-Haram, en la que The Sphere se situó en el lugar de la Kaaba.[2] Además, la escultura fue creada para girar una vez cada 24 horas, y su base se convirtió en un lugar popular para el almuerzo de quienes trabajaban en el World Trade Center.La placa al lado de The Sphere dice:

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: ¿Cómo aclara The_Sphere su Descripción?

«The Sphere» es de veinticinco metros y está compuesto por un total de cincuenta y dos segmentos de bronces. Koenig la elaboró en Bremen, Alemania, y posteriormente fue armada y enviada a Lower Manhattan.[1] La escultura simbolizaría la paz mundial mediante el libre comercio y se le fue colocado un anillo de fuentes, así como otros detalles decorativos diseñados por el mismo arquitecto del World Trade Center, Minoru Yamasaki, para imitar la gran mezquita de La Meca, Masjid al-Haram, en la que The Sphere se situó en el lugar de la Kaaba.[2] Además, la escultura fue creada para girar una vez cada 24 horas, y su base se convirtió en un lugar popular para el almuerzo de quienes trabajaban en el World Trade Center.La placa al lado de The Sphere dice:

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: En The_Sphere, ¿Cómo se discute la Descripción?

«The Sphere» es de veinticinco metros y está compuesto por un total de cincuenta y dos segmentos de bronces. Koenig la elaboró en Bremen, Alemania, y posteriormente fue armada y enviada a Lower Manhattan.[1] La escultura simbolizaría la paz mundial mediante el libre comercio y se le fue colocado un anillo de fuentes, así como otros detalles decorativos diseñados por el mismo arquitecto del World Trade Center, Minoru Yamasaki, para imitar la gran mezquita de La Meca, Masjid al-Haram, en la que The Sphere se situó en el lugar de la Kaaba.[2] Además, la escultura fue creada para girar una vez cada 24 horas, y su base se convirtió en un lugar popular para el almuerzo de quienes trabajaban en el World Trade Center.La placa al lado de The Sphere dice:

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: Concéntrate en The_Sphere y explora la Adquisición.

La pieza fue encargada por el propietario del World Trade Center, la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey, en 1966. En un principio, la Autoridad Portuaria había elegido a Henry Moore para que creara la escultura. Sin embargo, luego de que Minoru Yamasaki —el arquitecto del World Trade Center— vio algunos de los trabajos de Koenig en la Staempfli Gallery en Manhattan, se le encargó a éste.Koenig empezó a trabajar en ella en 1967 en su granero en Baviera, mientras que el WTC se encontraba aún en etapas de planificación, y la terminó cuatro años más tarde, a tiempo para la inauguración de las torres. Oficialmente fue titulado «Große Kugelkaryatide» («Gran esférico cariátide» en alemán) por el artista, pero posteriormente los neoyorquinos la apodaron como «The Sphere».[1]

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

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The_Sphere

Prompt: Explora la Adquisición de esta obra de arte, The_Sphere.

La pieza fue encargada por el propietario del World Trade Center, la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey, en 1966. En un principio, la Autoridad Portuaria había elegido a Henry Moore para que creara la escultura. Sin embargo, luego de que Minoru Yamasaki —el arquitecto del World Trade Center— vio algunos de los trabajos de Koenig en la Staempfli Gallery en Manhattan, se le encargó a éste.Koenig empezó a trabajar en ella en 1967 en su granero en Baviera, mientras que el WTC se encontraba aún en etapas de planificación, y la terminó cuatro años más tarde, a tiempo para la inauguración de las torres. Oficialmente fue titulado «Große Kugelkaryatide» («Gran esférico cariátide» en alemán) por el artista, pero posteriormente los neoyorquinos la apodaron como «The Sphere».[1]

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

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Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

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The_Sphere

Prompt: ¿Cómo aclara The_Sphere su Adquisición?

La pieza fue encargada por el propietario del World Trade Center, la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey, en 1966. En un principio, la Autoridad Portuaria había elegido a Henry Moore para que creara la escultura. Sin embargo, luego de que Minoru Yamasaki —el arquitecto del World Trade Center— vio algunos de los trabajos de Koenig en la Staempfli Gallery en Manhattan, se le encargó a éste.Koenig empezó a trabajar en ella en 1967 en su granero en Baviera, mientras que el WTC se encontraba aún en etapas de planificación, y la terminó cuatro años más tarde, a tiempo para la inauguración de las torres. Oficialmente fue titulado «Große Kugelkaryatide» («Gran esférico cariátide» en alemán) por el artista, pero posteriormente los neoyorquinos la apodaron como «The Sphere».[1]

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

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The_Sphere

Prompt: En The_Sphere, ¿Cómo se discute la Adquisición?

La pieza fue encargada por el propietario del World Trade Center, la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey, en 1966. En un principio, la Autoridad Portuaria había elegido a Henry Moore para que creara la escultura. Sin embargo, luego de que Minoru Yamasaki —el arquitecto del World Trade Center— vio algunos de los trabajos de Koenig en la Staempfli Gallery en Manhattan, se le encargó a éste.Koenig empezó a trabajar en ella en 1967 en su granero en Baviera, mientras que el WTC se encontraba aún en etapas de planificación, y la terminó cuatro años más tarde, a tiempo para la inauguración de las torres. Oficialmente fue titulado «Große Kugelkaryatide» («Gran esférico cariátide» en alemán) por el artista, pero posteriormente los neoyorquinos la apodaron como «The Sphere».[1]

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

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Aeropuerto Internacional John F. Kennedy

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

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The_Sphere

Prompt: Concéntrate en The_Sphere y explora la Historial de ubicaciones.

Después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, la escultura fue recuperada en la pila de escombros y posteriormente fue enviada a un almacén cerca del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy. Su extracción había sido cubierta por los medios de comunicación locales en el área metropolitana de Nueva York. Sin embargo, como esta era una pieza memorable del World Trade Center, se discutió mucho acerca de colocarla en un museo, sobre todo porque después de los ataques quedó relativamente ilesa.[4] El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» («La esfera de Koenig» en español) cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso».[5]La escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: Explora la Historial de ubicaciones de esta obra de arte, The_Sphere.

Después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, la escultura fue recuperada en la pila de escombros y posteriormente fue enviada a un almacén cerca del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy. Su extracción había sido cubierta por los medios de comunicación locales en el área metropolitana de Nueva York. Sin embargo, como esta era una pieza memorable del World Trade Center, se discutió mucho acerca de colocarla en un museo, sobre todo porque después de los ataques quedó relativamente ilesa.[4] El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» («La esfera de Koenig» en español) cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso».[5]La escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: ¿Cómo aclara The_Sphere su Historial de ubicaciones?

Después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, la escultura fue recuperada en la pila de escombros y posteriormente fue enviada a un almacén cerca del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy. Su extracción había sido cubierta por los medios de comunicación locales en el área metropolitana de Nueva York. Sin embargo, como esta era una pieza memorable del World Trade Center, se discutió mucho acerca de colocarla en un museo, sobre todo porque después de los ataques quedó relativamente ilesa.[4] El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» («La esfera de Koenig» en español) cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso».[5]La escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

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El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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The_Sphere

Prompt: En The_Sphere, ¿Cómo se discute la Historial de ubicaciones?

Después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, la escultura fue recuperada en la pila de escombros y posteriormente fue enviada a un almacén cerca del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy. Su extracción había sido cubierta por los medios de comunicación locales en el área metropolitana de Nueva York. Sin embargo, como esta era una pieza memorable del World Trade Center, se discutió mucho acerca de colocarla en un museo, sobre todo porque después de los ataques quedó relativamente ilesa.[4] El director de cine alemán, Percy Adlon, quien había dedicado en dos ocasiones varias películas a Koenig, hizo «Koenigs Kugel» («La esfera de Koenig» en español) cuando el destino de la escultura era todavía incierto. En la película, el artista y el director visita la zona cero cinco semanas después de los ataques, donde se relata la historia de su creación. Al principio, Koenig se opuso a reinstalar a The Sphere, señalando que era «un cadáver hermoso».[5]La escultura fue devuelta finalmente a Manhattan, y el 11 de marzo de 2002, seis meses después de los atentados, fue instalada en Battery Park, cerca del Hope Garden, a varias manzanas de donde estaba anteriormente. Koenig supervisó el trabajo, el cual fue realizado por cuatro ingenieros y quince herreros. El alcalde Michael Bloomberg, su predecesor, Rudolph Giuliani y otros funcionarios locales hablaron en una ceremonia para dedicar la escultura como un monumento conmemorativo a las víctimas del ataque terrorista. Koenig dijo que «fue una escultura, ahora es un monumento», observando cómo la escultura había sobrevivido, y añadió «ahora tiene una belleza diferente a la que uno nunca podría imaginar, tiene su propia vida; diferente a la que di».Finalmente y tras permanecer poco más de quince años en Battery Park, el 16 de agosto de 2017 fue trasladada a su actual ubicación en Liberty Park.

acontecimientos del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Atentados del 11 de septiembre de 2001

Categoría:Esculturas en bronce de Manhattan

File:The Sphere in Liberty Park 2 vc.jpg

El sitio donde se encontraba ''The Sphere'' luego de los ataques terroristas.

Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Concéntrate en Juramento_de_los_Horacios y explora la abstract.

Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.[1]En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the elder Horatius.jpg

''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the Three Horatii.jpg

Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

Archivo:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg

Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Explora la abstract de esta obra de arte, Juramento_de_los_Horacios.

Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.[1]En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

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''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

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Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

Archivo:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg

Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: ¿Cómo aclara Juramento_de_los_Horacios su abstract?

Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.[1]En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

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''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

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Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

Archivo:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg

Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: En Juramento_de_los_Horacios, ¿Cómo se discute la abstract?

Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.[1]En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia abajo.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

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''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the Three Horatii.jpg

Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

Archivo:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg

Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Concéntrate en Juramento_de_los_Horacios y explora la El mito de la obra.

En el año 1774, David consiguió el Premio de Roma con la obra Érasistrate découvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. Este hecho le permitió permanecer cinco años (1775-1780) en Roma, como estudiante a cargo del gobierno francés. A su vuelta a París presentó una exposición, en la que Diderot alabó su pintura; el éxito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permitió que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. Allí conoció a Pécoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pécoul, con la que contrajo matrimonio.[2] El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca.[3] A medida que se acercaba la Revolución francesa, aumentaban las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.En el año 1789, pintó Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que también era un encargo real. Irónicamente, poco después, el rey subiría al patíbulo acusado también de traición a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la Asamblea Nacional, que apoyó la ejecución de Luis XVI. No se sabe bien por qué lo hizo, ya que parece que habría de tener más oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel período, incluso la llegada de un gobierno republicano.[2]

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the elder Horatius.jpg

''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the Three Horatii.jpg

Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

Archivo:Horatius toetet seine Schwester Camilla-1781.jpg

Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Explora la El mito de la obra de esta obra de arte, Juramento_de_los_Horacios.

En el año 1774, David consiguió el Premio de Roma con la obra Érasistrate découvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. Este hecho le permitió permanecer cinco años (1775-1780) en Roma, como estudiante a cargo del gobierno francés. A su vuelta a París presentó una exposición, en la que Diderot alabó su pintura; el éxito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permitió que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. Allí conoció a Pécoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pécoul, con la que contrajo matrimonio.[2] El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca.[3] A medida que se acercaba la Revolución francesa, aumentaban las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.En el año 1789, pintó Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que también era un encargo real. Irónicamente, poco después, el rey subiría al patíbulo acusado también de traición a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la Asamblea Nacional, que apoyó la ejecución de Luis XVI. No se sabe bien por qué lo hizo, ya que parece que habría de tener más oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel período, incluso la llegada de un gobierno republicano.[2]

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

Archivo:Study for the Oath of the Horatii the elder Horatius.jpg

''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

Convención Nacional (Revolución francesa)

Archivo:Study for the Oath of the Horatii- Camilla.jpg

Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: ¿Cómo aclara Juramento_de_los_Horacios su El mito de la obra?

En el año 1774, David consiguió el Premio de Roma con la obra Érasistrate découvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. Este hecho le permitió permanecer cinco años (1775-1780) en Roma, como estudiante a cargo del gobierno francés. A su vuelta a París presentó una exposición, en la que Diderot alabó su pintura; el éxito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permitió que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. Allí conoció a Pécoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pécoul, con la que contrajo matrimonio.[2] El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca.[3] A medida que se acercaba la Revolución francesa, aumentaban las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.En el año 1789, pintó Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que también era un encargo real. Irónicamente, poco después, el rey subiría al patíbulo acusado también de traición a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la Asamblea Nacional, que apoyó la ejecución de Luis XVI. No se sabe bien por qué lo hizo, ya que parece que habría de tener más oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel período, incluso la llegada de un gobierno republicano.[2]

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''Juramento en el Rütli'', de [[Johann Heinrich Füssli

Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

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Dibujo preparatorio de los tres hermanos Horacios.

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: En Juramento_de_los_Horacios, ¿Cómo se discute la El mito de la obra?

En el año 1774, David consiguió el Premio de Roma con la obra Érasistrate découvrant la cause de la maladie d'Antiochius dans son amour pour Stratonice. Este hecho le permitió permanecer cinco años (1775-1780) en Roma, como estudiante a cargo del gobierno francés. A su vuelta a París presentó una exposición, en la que Diderot alabó su pintura; el éxito fue tan clamoroso que el rey Luis XVI de Francia, permitió que se alojase en el Louvre, un antiguo privilegio muy deseado por los artistas. Allí conoció a Pécoul, contratista de los edificios reales, y a la hija de Pécoul, con la que contrajo matrimonio.[2] El rey le hizo el encargo de la obra el Juramento de los Horacios, con la intención de que fuera una alegoría sobre la lealtad al estado y, por lo tanto, al monarca.[3] A medida que se acercaba la Revolución francesa, aumentaban las pinturas que hacían referencia a la lealtad hacia el estado más que a la familia o a la iglesia. Aunque este cuadro estuvo realizado casi cinco años antes de la Revolución, el Juramento de los Horacios, se convirtió en una de las imágenes representativas de la época.En el año 1789, pintó Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos, un cuadro que también era un encargo real. Irónicamente, poco después, el rey subiría al patíbulo acusado también de traición a la patria, como los hijos de Bruto, y con el voto del artista en la Asamblea Nacional, que apoyó la ejecución de Luis XVI. No se sabe bien por qué lo hizo, ya que parece que habría de tener más oportunidades estando al servicio de un rey que en el contexto social del nuevo orden; algunos autores sugieren que el amor de David por el clasicismo, le hizo abrazar todo lo que formaba parte de aquel período, incluso la llegada de un gobierno republicano.[2]

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Concéntrate en Juramento_de_los_Horacios y explora la Inspiración de la obra.

El Juramento de los Horacios, es una muestra de cómo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una icono-grafía sencilla. El propio David comentó de su obra: El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.[1] Representa a los Horacios romanos quienes, según  el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Esta pintura ocupa un lugar extremadamente importante en el cuerpo de la obra de David y en la historia de la pintura francesa. La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.[5]

Archivo:Study for the Oath of the Horatii Sabina.jpg

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Explora la Inspiración de la obra de esta obra de arte, Juramento_de_los_Horacios.

El Juramento de los Horacios, es una muestra de cómo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una icono-grafía sencilla. El propio David comentó de su obra: El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.[1] Representa a los Horacios romanos quienes, según  el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Esta pintura ocupa un lugar extremadamente importante en el cuerpo de la obra de David y en la historia de la pintura francesa. La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.[5]

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


Juramento_de_los_Horacios

Prompt: ¿Cómo aclara Juramento_de_los_Horacios su Inspiración de la obra?

El Juramento de los Horacios, es una muestra de cómo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una icono-grafía sencilla. El propio David comentó de su obra: El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.[1] Representa a los Horacios romanos quienes, según  el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Esta pintura ocupa un lugar extremadamente importante en el cuerpo de la obra de David y en la historia de la pintura francesa. La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.[5]

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


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Prompt: En Juramento_de_los_Horacios, ¿Cómo se discute la Inspiración de la obra?

El Juramento de los Horacios, es una muestra de cómo se puede realizar una copia exacta de las vestiduras antiguas y con una icono-grafía sencilla. El propio David comentó de su obra: El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal.[1] Representa a los Horacios romanos quienes, según  el Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa. Esta pintura ocupa un lugar extremadamente importante en el cuerpo de la obra de David y en la historia de la pintura francesa. La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a. C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.[5]

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: En el contexto de Juramento_de_los_Horacios, explora la Horacio de Pierre Corneille y Inspiración de la obra.

En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el prometido de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.Al principio, David, pretendía representar este último episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: Explora la Horacio de Pierre Corneille sobre la Inspiración de la obra de esta obra de arte, Juramento_de_los_Horacios.

En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el prometido de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.Al principio, David, pretendía representar este último episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.

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Línea del horizonte con los puntos centrales de toda la representación.

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.


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Prompt: En Juramento_de_los_Horacios, ¿Cómo se aclara la Horacio de Pierre Corneille de la Inspiración de la obra?

En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el prometido de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.Al principio, David, pretendía representar este último episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

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Prompt: Describe las características de la Horacio de Pierre Corneille en la Inspiración de la obra de Juramento_de_los_Horacios.

En la obra de teatro Horacio, publicada en el año 1640, la acción se sitúa en los orígenes de Roma.Empieza con una situación de paz y felicidad: la familia romana de los Horacios se encuentra unida a la familia de la ciudad vecina de Alba Longa de los Curiacios. El joven Horacio está casado con Sabina, joven albanesa, que tiene un hermano Curiacio que es el prometido de Camila, hermana de Horacio. Pero se declara la guerra entre las dos ciudades. Para terminarla, cada una de las dos ciudades designa tres campeones, que lucharán para decidir la suerte de las dos ciudades. El destino hace que los tres escogidos por Roma sean los hermanos Horacios y los de Alba Longa sean los tres hermanos Curiacios.Los que hasta entonces eran amigos se encuentran así cara a cara, provocando una serie de conflictos de conciencia que habrán de resolverse de diferentes maneras: mientras Horacio sobrepone el deber patriótico, Curiacio lamenta la crueldad de su destino.En la lucha, Horacio vence después de la muerte de sus dos hermanos y da muerte a los tres Curiacios. De regreso a Roma, recibe los elogios de todos, menos de su hermana Camila, que le reprocha amargamente la muerte de su amado. Horacio mata a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces.El proceso permitirá que el viejo Horacio, haga una encendida defensa del honor frente al amor, Horacio será declarado inocente, a pesar de la acusación de su amigo Valerio, quien también amaba a Camila.Al principio, David, pretendía representar este último episodio, y se encuentran dibujos que muestran a Horacio superviviente alzando la espada, con su hermana muerta. David más tarde decidió que este tema era demasiado fuerte para enviar el mensaje del deber público sobre el sentimiento privado, pero su siguiente obra importante representaba una escena similar, Lucio Junio Bruto lamentándose sobre los cuerpos de sus hijos después de haber ordenado él mismo su ejecución por traición.

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Categoría:Cuadros de Jacques-Louis David

Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

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Juramento_de_los_Horacios

Prompt: En el contexto de Juramento_de_los_Horacios, explora la Personajes de la obra neoclásica y Inspiración de la obra.

Padre HoracioEs el personaje central y el que realiza la acción principal, tomando juramento a sus hijos, mientras sostiene las tres espadas con sus manos, obligándolos al cumplimiento del deber con la patria. No muestra ninguna emoción.Tres hermanos HoraciosEn la pintura los tres hermanos se sitúan a la izquierda, expresan su lealtad y solidaridad con Roma antes de la batalla, totalmente apoyados por su padre. Son hombres deseosos de entregar sus vidas por deber patriótico. En esta sociedad patriarcal, los hombres de acero, de resuelta mirada y miembros tensos, son la ciudadela del patriotismo republicano. Eran símbolos de las más altas virtudes de la República; las mujeres, de más tierno corazón, se quedan en casa llorando y están satisfechas con esperar.Camila HoracioSu desesperación está explicada en parte por el hecho de que es hermana de los Horacios, viste una toga blanca que demuestra los conocimientos arqueológicos de David; es una Horacio prometida con un Curiacio.Sabina CuriacioSabina, vestida de marrón, es una Curiacio que está casada con uno de los Horacios, por lo que llora por su esposo y su hermano.[1]Hijos de Sabina y AyaLa mujer vestida de negro al fondo sostiene dos niños de uno de los esposos Horacio y la esposa Curiacio. La hija menor oculta su rostro en el vestido de su aya mientras que el hijo rechaza que le tapen los ojos.[1]

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Dibujo realizado por David, representando el episodio de la muerte por Horacio de su hermana, no realizado en pintura

Categoría:Cuadros de Francia de los años 1780

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Composición a base de líneas rectas para las figuras masculinas, mientras que para las femeninas son curvas y por debajo de la mitad de la pintura.