La_Maja_nue

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Maja_nue.

La Maja nue (La Maja desnuda) est un tableau réalisé sur commande et peint avant 1800 par Goya, plus précisément entre 1790 et 1800, date de la première référence documentée pour ce travail. L'une de ses œuvres les plus connues, elle a formé le pendant avec La Maja vêtue (La Maja vestida), datée entre 1802 et 1805, probablement réalisée à la demande de Manuel Godoy, puisqu'il est certain qu'elles faisaient partie d'un cabinet de peintures de sa demeure.Dans les deux tableaux est représenté en entier le corps de la même femme, allongée paisiblement sur des coussins et regardant face au spectateur. Il ne s'agit pas d'un nu mythologique, mais de la représentation d'une vraie personne, contemporaine de Goya, et, y compris à son époque, qu'on appelait La Gitane. L'antériorité de La Maja nue indique qu'au moment où il a été peint, le tableau n'était pas conçu pour avoir un pendant.On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe, puisqu'à la mort de cette dernière en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage ait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'ait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Comment La_Maja_nue explique-t-il sa abstract?

La Maja nue (La Maja desnuda) est un tableau réalisé sur commande et peint avant 1800 par Goya, plus précisément entre 1790 et 1800, date de la première référence documentée pour ce travail. L'une de ses œuvres les plus connues, elle a formé le pendant avec La Maja vêtue (La Maja vestida), datée entre 1802 et 1805, probablement réalisée à la demande de Manuel Godoy, puisqu'il est certain qu'elles faisaient partie d'un cabinet de peintures de sa demeure.Dans les deux tableaux est représenté en entier le corps de la même femme, allongée paisiblement sur des coussins et regardant face au spectateur. Il ne s'agit pas d'un nu mythologique, mais de la représentation d'une vraie personne, contemporaine de Goya, et, y compris à son époque, qu'on appelait La Gitane. L'antériorité de La Maja nue indique qu'au moment où il a été peint, le tableau n'était pas conçu pour avoir un pendant.On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe, puisqu'à la mort de cette dernière en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage ait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'ait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Dans La_Maja_nue, comment est discutée la abstract?

La Maja nue (La Maja desnuda) est un tableau réalisé sur commande et peint avant 1800 par Goya, plus précisément entre 1790 et 1800, date de la première référence documentée pour ce travail. L'une de ses œuvres les plus connues, elle a formé le pendant avec La Maja vêtue (La Maja vestida), datée entre 1802 et 1805, probablement réalisée à la demande de Manuel Godoy, puisqu'il est certain qu'elles faisaient partie d'un cabinet de peintures de sa demeure.Dans les deux tableaux est représenté en entier le corps de la même femme, allongée paisiblement sur des coussins et regardant face au spectateur. Il ne s'agit pas d'un nu mythologique, mais de la représentation d'une vraie personne, contemporaine de Goya, et, y compris à son époque, qu'on appelait La Gitane. L'antériorité de La Maja nue indique qu'au moment où il a été peint, le tableau n'était pas conçu pour avoir un pendant.On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe, puisqu'à la mort de cette dernière en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage ait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'ait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Concentrez-vous sur La_Maja_nue et expliquez la Analyse.

La toile représente une maja, une belle femme. Dans la conception de ce tableau, c'est le dessin qui est décisif, pour la raison que prédomine une gamme chromatique froide qui montre l'influence du néo-classicisme, même si Goya va bien au-delà d'un « isme » ou d'un autre.Bien qu'apparaisse partout l'esthétique du néo-classicisme, comme dans d'autres œuvres  de Goya, celle-là est audacieuse et même risquée pour son époque, comme audacieuse est l'expression du visage et l'attitude du corps du modèle : elle semble sourire, satisfaite et heureuse de sa beauté. C'est, selon les sources, probablement la première ou l'une des premières œuvres d'art occidentales dans laquelle apparaît un pubis féminin poilu sans prendre l'alibi de la mythologie ou sans connotations négatives évidentes.On peut souligner la luminosité particulière que Goya donne au corps de cette femme dénudée, luminosité qui contraste avec le reste de l'atmosphère, et, jointe à cette luminosité l'expressivité typique que Goya sait donner aux yeux.Si la culture occidentale, jusqu'à Goya et depuis des siècles, avait presque toujours eu recours à des subterfuges pour représenter la femme nue (par exemple, des thèmes mythologiques), dans La Maja nue, c'est à une vraie femme que nous avons affaire.Il est remarquable que, malgré la force des coups de pinceaux qui caractérise Goya, l'artiste s'est appliqué à traiter les chairs et les ombres en les accompagnant d'une figuration subtile des tissus ; la coloration joue minutieusement avec les verts qui contrastent avec les blancs et les rosés, si bien que cette jeune beauté semble presque flotter grâce à son éclat et sa délicatesse, flotter dans un espace sombre qu'elle illumine.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, La_Maja_nue.

La toile représente une maja, une belle femme. Dans la conception de ce tableau, c'est le dessin qui est décisif, pour la raison que prédomine une gamme chromatique froide qui montre l'influence du néo-classicisme, même si Goya va bien au-delà d'un « isme » ou d'un autre.Bien qu'apparaisse partout l'esthétique du néo-classicisme, comme dans d'autres œuvres  de Goya, celle-là est audacieuse et même risquée pour son époque, comme audacieuse est l'expression du visage et l'attitude du corps du modèle : elle semble sourire, satisfaite et heureuse de sa beauté. C'est, selon les sources, probablement la première ou l'une des premières œuvres d'art occidentales dans laquelle apparaît un pubis féminin poilu sans prendre l'alibi de la mythologie ou sans connotations négatives évidentes.On peut souligner la luminosité particulière que Goya donne au corps de cette femme dénudée, luminosité qui contraste avec le reste de l'atmosphère, et, jointe à cette luminosité l'expressivité typique que Goya sait donner aux yeux.Si la culture occidentale, jusqu'à Goya et depuis des siècles, avait presque toujours eu recours à des subterfuges pour représenter la femme nue (par exemple, des thèmes mythologiques), dans La Maja nue, c'est à une vraie femme que nous avons affaire.Il est remarquable que, malgré la force des coups de pinceaux qui caractérise Goya, l'artiste s'est appliqué à traiter les chairs et les ombres en les accompagnant d'une figuration subtile des tissus ; la coloration joue minutieusement avec les verts qui contrastent avec les blancs et les rosés, si bien que cette jeune beauté semble presque flotter grâce à son éclat et sa délicatesse, flotter dans un espace sombre qu'elle illumine.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Comment La_Maja_nue explique-t-il sa Analyse?

La toile représente une maja, une belle femme. Dans la conception de ce tableau, c'est le dessin qui est décisif, pour la raison que prédomine une gamme chromatique froide qui montre l'influence du néo-classicisme, même si Goya va bien au-delà d'un « isme » ou d'un autre.Bien qu'apparaisse partout l'esthétique du néo-classicisme, comme dans d'autres œuvres  de Goya, celle-là est audacieuse et même risquée pour son époque, comme audacieuse est l'expression du visage et l'attitude du corps du modèle : elle semble sourire, satisfaite et heureuse de sa beauté. C'est, selon les sources, probablement la première ou l'une des premières œuvres d'art occidentales dans laquelle apparaît un pubis féminin poilu sans prendre l'alibi de la mythologie ou sans connotations négatives évidentes.On peut souligner la luminosité particulière que Goya donne au corps de cette femme dénudée, luminosité qui contraste avec le reste de l'atmosphère, et, jointe à cette luminosité l'expressivité typique que Goya sait donner aux yeux.Si la culture occidentale, jusqu'à Goya et depuis des siècles, avait presque toujours eu recours à des subterfuges pour représenter la femme nue (par exemple, des thèmes mythologiques), dans La Maja nue, c'est à une vraie femme que nous avons affaire.Il est remarquable que, malgré la force des coups de pinceaux qui caractérise Goya, l'artiste s'est appliqué à traiter les chairs et les ombres en les accompagnant d'une figuration subtile des tissus ; la coloration joue minutieusement avec les verts qui contrastent avec les blancs et les rosés, si bien que cette jeune beauté semble presque flotter grâce à son éclat et sa délicatesse, flotter dans un espace sombre qu'elle illumine.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Dans La_Maja_nue, comment est discutée la Analyse?

La toile représente une maja, une belle femme. Dans la conception de ce tableau, c'est le dessin qui est décisif, pour la raison que prédomine une gamme chromatique froide qui montre l'influence du néo-classicisme, même si Goya va bien au-delà d'un « isme » ou d'un autre.Bien qu'apparaisse partout l'esthétique du néo-classicisme, comme dans d'autres œuvres  de Goya, celle-là est audacieuse et même risquée pour son époque, comme audacieuse est l'expression du visage et l'attitude du corps du modèle : elle semble sourire, satisfaite et heureuse de sa beauté. C'est, selon les sources, probablement la première ou l'une des premières œuvres d'art occidentales dans laquelle apparaît un pubis féminin poilu sans prendre l'alibi de la mythologie ou sans connotations négatives évidentes.On peut souligner la luminosité particulière que Goya donne au corps de cette femme dénudée, luminosité qui contraste avec le reste de l'atmosphère, et, jointe à cette luminosité l'expressivité typique que Goya sait donner aux yeux.Si la culture occidentale, jusqu'à Goya et depuis des siècles, avait presque toujours eu recours à des subterfuges pour représenter la femme nue (par exemple, des thèmes mythologiques), dans La Maja nue, c'est à une vraie femme que nous avons affaire.Il est remarquable que, malgré la force des coups de pinceaux qui caractérise Goya, l'artiste s'est appliqué à traiter les chairs et les ombres en les accompagnant d'une figuration subtile des tissus ; la coloration joue minutieusement avec les verts qui contrastent avec les blancs et les rosés, si bien que cette jeune beauté semble presque flotter grâce à son éclat et sa délicatesse, flotter dans un espace sombre qu'elle illumine.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_nue

Prompt: Concentrez-vous sur La_Maja_nue et expliquez la Histoire de l'œuvre.

On sait qu'au début, les deux grands tableaux, La Maja vêtue et La Maja nue, étaient la propriété de Manuel Godoy ; le tableau avec la femme habillée était placé sur le tableau avec la femme nue, et c'était un mécanisme qui permettait de découvrir le second. Ils se trouvent tous les deux au Musée du Prado depuis 1910. Auparavant, ils étaient conservés à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, mais dans une salle réservée, d'accès restreint, où l'on reléguait les nus quelque peu osés.L'histoire de l'œuvre est en elle-même intéressante par ses péripéties : en 1807, Ferdinand VII la confisqua à Godoy, et, en 1814, l'Inquisition décida de la cacher au public pour « obscénité » et engagea un procès contre Goya, mais le peintre fut acquitté grâce à l'influence du cardinal Don Luis María de Borbón y Vallabriga.Que de telles peintures aient été à l'origine propriétés de Godoy semble lever le voile sur la question de savoir qui est la femme représentée. Une amitié, sans doute intime, liait Goya à la treizième duchesse d'Albe María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo, dont il fit plusieurs portraits ; leur traitement pictural laisse voir une profonde tendresse, et en raison de nombreuses similitudes entre la belle duchesse et la femme représentée dans Les Majas (La Maja vêtue et, surtout, La Maja nue), on considère que c'est elle qui était représentée.En 1845 Louis Viardot publia dans Les Musées d'Espagne l'opinion que la femme représentée était la duchesse et, à partir de là, la discussion critique n'a jamais cessé d'évoquer cette possibilité. Joaquín Ezquerra del Bayo, dans son livre La Duquesa de Alba y Goya affirme, en se fondant sur la similitude de la posture et les dimensions des deux Majas, qu'elles étaient disposées de façon que, par un ingénieux mécanisme, la Maja vêtue couvrît la Maja nue ; c'était une sorte de jouet érotique du cabinet le plus secret de Godoy. On sait qu'au XIXe siècle le duc d'Osuna a utilisé ce procédé avec un tableau qui, grâce à un mécanisme, en laissait voir un autre montrant un nu.Toutefois les dates, et le fait que les œuvres en question ont fait partie à l'origine d'une collection pratiquement secrète de Godoy, ont amené à considérer comme plus probable que le modèle directement représenté était celle qui à l'époque était la maîtresse de Godoy et qui fut ensuite son épouse, Pepita Tudó.Quoi qu'il en soit, étant donné certaines ressemblances physiques entre les deux femmes, il est probable que Goya en peignant Pepita Tudó ait aussi évoqué la Cayetana, comme on appelait familièrement la duchesse d'Albe, et l'ait ainsi immortalisée.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_nue

Prompt: Expliquer la Histoire de l'œuvre de cette œuvre d'art, La_Maja_nue.

On sait qu'au début, les deux grands tableaux, La Maja vêtue et La Maja nue, étaient la propriété de Manuel Godoy ; le tableau avec la femme habillée était placé sur le tableau avec la femme nue, et c'était un mécanisme qui permettait de découvrir le second. Ils se trouvent tous les deux au Musée du Prado depuis 1910. Auparavant, ils étaient conservés à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, mais dans une salle réservée, d'accès restreint, où l'on reléguait les nus quelque peu osés.L'histoire de l'œuvre est en elle-même intéressante par ses péripéties : en 1807, Ferdinand VII la confisqua à Godoy, et, en 1814, l'Inquisition décida de la cacher au public pour « obscénité » et engagea un procès contre Goya, mais le peintre fut acquitté grâce à l'influence du cardinal Don Luis María de Borbón y Vallabriga.Que de telles peintures aient été à l'origine propriétés de Godoy semble lever le voile sur la question de savoir qui est la femme représentée. Une amitié, sans doute intime, liait Goya à la treizième duchesse d'Albe María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo, dont il fit plusieurs portraits ; leur traitement pictural laisse voir une profonde tendresse, et en raison de nombreuses similitudes entre la belle duchesse et la femme représentée dans Les Majas (La Maja vêtue et, surtout, La Maja nue), on considère que c'est elle qui était représentée.En 1845 Louis Viardot publia dans Les Musées d'Espagne l'opinion que la femme représentée était la duchesse et, à partir de là, la discussion critique n'a jamais cessé d'évoquer cette possibilité. Joaquín Ezquerra del Bayo, dans son livre La Duquesa de Alba y Goya affirme, en se fondant sur la similitude de la posture et les dimensions des deux Majas, qu'elles étaient disposées de façon que, par un ingénieux mécanisme, la Maja vêtue couvrît la Maja nue ; c'était une sorte de jouet érotique du cabinet le plus secret de Godoy. On sait qu'au XIXe siècle le duc d'Osuna a utilisé ce procédé avec un tableau qui, grâce à un mécanisme, en laissait voir un autre montrant un nu.Toutefois les dates, et le fait que les œuvres en question ont fait partie à l'origine d'une collection pratiquement secrète de Godoy, ont amené à considérer comme plus probable que le modèle directement représenté était celle qui à l'époque était la maîtresse de Godoy et qui fut ensuite son épouse, Pepita Tudó.Quoi qu'il en soit, étant donné certaines ressemblances physiques entre les deux femmes, il est probable que Goya en peignant Pepita Tudó ait aussi évoqué la Cayetana, comme on appelait familièrement la duchesse d'Albe, et l'ait ainsi immortalisée.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_nue

Prompt: Comment La_Maja_nue explique-t-il sa Histoire de l'œuvre?

On sait qu'au début, les deux grands tableaux, La Maja vêtue et La Maja nue, étaient la propriété de Manuel Godoy ; le tableau avec la femme habillée était placé sur le tableau avec la femme nue, et c'était un mécanisme qui permettait de découvrir le second. Ils se trouvent tous les deux au Musée du Prado depuis 1910. Auparavant, ils étaient conservés à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, mais dans une salle réservée, d'accès restreint, où l'on reléguait les nus quelque peu osés.L'histoire de l'œuvre est en elle-même intéressante par ses péripéties : en 1807, Ferdinand VII la confisqua à Godoy, et, en 1814, l'Inquisition décida de la cacher au public pour « obscénité » et engagea un procès contre Goya, mais le peintre fut acquitté grâce à l'influence du cardinal Don Luis María de Borbón y Vallabriga.Que de telles peintures aient été à l'origine propriétés de Godoy semble lever le voile sur la question de savoir qui est la femme représentée. Une amitié, sans doute intime, liait Goya à la treizième duchesse d'Albe María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo, dont il fit plusieurs portraits ; leur traitement pictural laisse voir une profonde tendresse, et en raison de nombreuses similitudes entre la belle duchesse et la femme représentée dans Les Majas (La Maja vêtue et, surtout, La Maja nue), on considère que c'est elle qui était représentée.En 1845 Louis Viardot publia dans Les Musées d'Espagne l'opinion que la femme représentée était la duchesse et, à partir de là, la discussion critique n'a jamais cessé d'évoquer cette possibilité. Joaquín Ezquerra del Bayo, dans son livre La Duquesa de Alba y Goya affirme, en se fondant sur la similitude de la posture et les dimensions des deux Majas, qu'elles étaient disposées de façon que, par un ingénieux mécanisme, la Maja vêtue couvrît la Maja nue ; c'était une sorte de jouet érotique du cabinet le plus secret de Godoy. On sait qu'au XIXe siècle le duc d'Osuna a utilisé ce procédé avec un tableau qui, grâce à un mécanisme, en laissait voir un autre montrant un nu.Toutefois les dates, et le fait que les œuvres en question ont fait partie à l'origine d'une collection pratiquement secrète de Godoy, ont amené à considérer comme plus probable que le modèle directement représenté était celle qui à l'époque était la maîtresse de Godoy et qui fut ensuite son épouse, Pepita Tudó.Quoi qu'il en soit, étant donné certaines ressemblances physiques entre les deux femmes, il est probable que Goya en peignant Pepita Tudó ait aussi évoqué la Cayetana, comme on appelait familièrement la duchesse d'Albe, et l'ait ainsi immortalisée.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_nue

Prompt: Dans La_Maja_nue, comment est discutée la Histoire de l'œuvre?

On sait qu'au début, les deux grands tableaux, La Maja vêtue et La Maja nue, étaient la propriété de Manuel Godoy ; le tableau avec la femme habillée était placé sur le tableau avec la femme nue, et c'était un mécanisme qui permettait de découvrir le second. Ils se trouvent tous les deux au Musée du Prado depuis 1910. Auparavant, ils étaient conservés à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, mais dans une salle réservée, d'accès restreint, où l'on reléguait les nus quelque peu osés.L'histoire de l'œuvre est en elle-même intéressante par ses péripéties : en 1807, Ferdinand VII la confisqua à Godoy, et, en 1814, l'Inquisition décida de la cacher au public pour « obscénité » et engagea un procès contre Goya, mais le peintre fut acquitté grâce à l'influence du cardinal Don Luis María de Borbón y Vallabriga.Que de telles peintures aient été à l'origine propriétés de Godoy semble lever le voile sur la question de savoir qui est la femme représentée. Une amitié, sans doute intime, liait Goya à la treizième duchesse d'Albe María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Alvarez de Toledo, dont il fit plusieurs portraits ; leur traitement pictural laisse voir une profonde tendresse, et en raison de nombreuses similitudes entre la belle duchesse et la femme représentée dans Les Majas (La Maja vêtue et, surtout, La Maja nue), on considère que c'est elle qui était représentée.En 1845 Louis Viardot publia dans Les Musées d'Espagne l'opinion que la femme représentée était la duchesse et, à partir de là, la discussion critique n'a jamais cessé d'évoquer cette possibilité. Joaquín Ezquerra del Bayo, dans son livre La Duquesa de Alba y Goya affirme, en se fondant sur la similitude de la posture et les dimensions des deux Majas, qu'elles étaient disposées de façon que, par un ingénieux mécanisme, la Maja vêtue couvrît la Maja nue ; c'était une sorte de jouet érotique du cabinet le plus secret de Godoy. On sait qu'au XIXe siècle le duc d'Osuna a utilisé ce procédé avec un tableau qui, grâce à un mécanisme, en laissait voir un autre montrant un nu.Toutefois les dates, et le fait que les œuvres en question ont fait partie à l'origine d'une collection pratiquement secrète de Godoy, ont amené à considérer comme plus probable que le modèle directement représenté était celle qui à l'époque était la maîtresse de Godoy et qui fut ensuite son épouse, Pepita Tudó.Quoi qu'il en soit, étant donné certaines ressemblances physiques entre les deux femmes, il est probable que Goya en peignant Pepita Tudó ait aussi évoqué la Cayetana, comme on appelait familièrement la duchesse d'Albe, et l'ait ainsi immortalisée.

''La Maja nue'' sur un timbre-poste espagnol de 1930.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


Tondo_Doni

Prompt: Concentrez-vous sur Tondo_Doni et expliquez la abstract.

La Sainte Famille à la tribune (ou Tondo Doni) est une peinture de Michel-Ange se trouvant actuellement à la galerie des Offices à Florence. Cette peinture, à la fois en tempera et à l'huile, a été réalisée en 1506 ou 1507.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Tondo_Doni.

La Sainte Famille à la tribune (ou Tondo Doni) est une peinture de Michel-Ange se trouvant actuellement à la galerie des Offices à Florence. Cette peinture, à la fois en tempera et à l'huile, a été réalisée en 1506 ou 1507.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Comment Tondo_Doni explique-t-il sa abstract?

La Sainte Famille à la tribune (ou Tondo Doni) est une peinture de Michel-Ange se trouvant actuellement à la galerie des Offices à Florence. Cette peinture, à la fois en tempera et à l'huile, a été réalisée en 1506 ou 1507.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Dans Tondo_Doni, comment est discutée la abstract?

La Sainte Famille à la tribune (ou Tondo Doni) est une peinture de Michel-Ange se trouvant actuellement à la galerie des Offices à Florence. Cette peinture, à la fois en tempera et à l'huile, a été réalisée en 1506 ou 1507.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Concentrez-vous sur Tondo_Doni et expliquez la Histoire.

Ce tableau circulaire porte aussi le nom de « La Sainte Famille à La tribune » car il fut commandé en tant qu'œuvre de dévotion privée par Angelo Doni, un riche tisserand florentin, à l'occasion de son mariage avec Maddalena. Ce Tondo fut peint après la découverte du groupe du Laocoon à Rome. Michel-Ange s'en inspira pour la pose du nu derrière saint Joseph.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Tondo_Doni.

Ce tableau circulaire porte aussi le nom de « La Sainte Famille à La tribune » car il fut commandé en tant qu'œuvre de dévotion privée par Angelo Doni, un riche tisserand florentin, à l'occasion de son mariage avec Maddalena. Ce Tondo fut peint après la découverte du groupe du Laocoon à Rome. Michel-Ange s'en inspira pour la pose du nu derrière saint Joseph.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Comment Tondo_Doni explique-t-il sa Histoire?

Ce tableau circulaire porte aussi le nom de « La Sainte Famille à La tribune » car il fut commandé en tant qu'œuvre de dévotion privée par Angelo Doni, un riche tisserand florentin, à l'occasion de son mariage avec Maddalena. Ce Tondo fut peint après la découverte du groupe du Laocoon à Rome. Michel-Ange s'en inspira pour la pose du nu derrière saint Joseph.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Dans Tondo_Doni, comment est discutée la Histoire?

Ce tableau circulaire porte aussi le nom de « La Sainte Famille à La tribune » car il fut commandé en tant qu'œuvre de dévotion privée par Angelo Doni, un riche tisserand florentin, à l'occasion de son mariage avec Maddalena. Ce Tondo fut peint après la découverte du groupe du Laocoon à Rome. Michel-Ange s'en inspira pour la pose du nu derrière saint Joseph.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Concentrez-vous sur Tondo_Doni et expliquez la Description.

Sur cette peinture de 120 cm de diamètre, le groupe au centre est formé de Joseph tendant l'enfant Jésus à Marie, c'est donc une Vierge à l'Enfant et une Sainte Famille. Les personnages forment d'ailleurs une composition pyramidale qui s'inscrit dans un cercle. Le cercle renvoie à l'idée de perfection et le triangle à la stabilité, à la Sainte Trinité. On peut apercevoir derrière le muret à leur gauche saint Jean-Baptiste enfant. Derrière eux, se trouvent de jeunes Ignudi, personnages nus. Les poses des nus situés à l'arrière plan relèvent d'imitation de sculptures classiques et ce groupe symbolise l'humanité païenne, soit le monde avant le Christ.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Tondo_Doni.

Sur cette peinture de 120 cm de diamètre, le groupe au centre est formé de Joseph tendant l'enfant Jésus à Marie, c'est donc une Vierge à l'Enfant et une Sainte Famille. Les personnages forment d'ailleurs une composition pyramidale qui s'inscrit dans un cercle. Le cercle renvoie à l'idée de perfection et le triangle à la stabilité, à la Sainte Trinité. On peut apercevoir derrière le muret à leur gauche saint Jean-Baptiste enfant. Derrière eux, se trouvent de jeunes Ignudi, personnages nus. Les poses des nus situés à l'arrière plan relèvent d'imitation de sculptures classiques et ce groupe symbolise l'humanité païenne, soit le monde avant le Christ.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Comment Tondo_Doni explique-t-il sa Description?

Sur cette peinture de 120 cm de diamètre, le groupe au centre est formé de Joseph tendant l'enfant Jésus à Marie, c'est donc une Vierge à l'Enfant et une Sainte Famille. Les personnages forment d'ailleurs une composition pyramidale qui s'inscrit dans un cercle. Le cercle renvoie à l'idée de perfection et le triangle à la stabilité, à la Sainte Trinité. On peut apercevoir derrière le muret à leur gauche saint Jean-Baptiste enfant. Derrière eux, se trouvent de jeunes Ignudi, personnages nus. Les poses des nus situés à l'arrière plan relèvent d'imitation de sculptures classiques et ce groupe symbolise l'humanité païenne, soit le monde avant le Christ.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Dans Tondo_Doni, comment est discutée la Description?

Sur cette peinture de 120 cm de diamètre, le groupe au centre est formé de Joseph tendant l'enfant Jésus à Marie, c'est donc une Vierge à l'Enfant et une Sainte Famille. Les personnages forment d'ailleurs une composition pyramidale qui s'inscrit dans un cercle. Le cercle renvoie à l'idée de perfection et le triangle à la stabilité, à la Sainte Trinité. On peut apercevoir derrière le muret à leur gauche saint Jean-Baptiste enfant. Derrière eux, se trouvent de jeunes Ignudi, personnages nus. Les poses des nus situés à l'arrière plan relèvent d'imitation de sculptures classiques et ce groupe symbolise l'humanité païenne, soit le monde avant le Christ.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Concentrez-vous sur Tondo_Doni et expliquez la Analyse.

Ces beautés païennes permettent un mélange du païen et du religieux que l'on retrouve souvent dans l’œuvre de Michel-Ange, comme dans la chapelle Sixtine.Tous ces personnes peuvent être considérés comme allégoriques : les personnages nus à l'arrière plan correspondent à l'époque précédant la loi de Moïse : le paganisme ; au premier plan, la Vierge et le Christ enfant représentent l'époque du Nouveau Testament ; saint Jean Baptiste symbolise l'étape intermédiaire depuis l'Ancien Testament.La sainte Famille ressemble à un relief ; elle est d'une vive clarté et d'une grande justesse de dessin dans les poses difficiles en raccourci. Le coude et le genou droit de Marie indiquent l'extrémité frontale du bloc ; à l'arrière-plan figurent des nus juvéniles, non pas l'Ancienne Loi prophétique, mais l'Antiquité insouciante et son culte de la virilité, à laquelle le jeune Baptiste, intermédiaire entre les deux mondes, tourne le dos tout en allant vers l'autre niveau de l'existence qu'est la Nouvelle Loi. L'Enfant-Dieu, porté par une femme qui l'adore et protégé par un vieillard, soulevé en conquérant et en roi, proclame le message spirituel de la Nouvelle Loi, sa complète séparation de l'Ancienne, et le fossé entre amour sacré et amour profane.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Tondo_Doni.

Ces beautés païennes permettent un mélange du païen et du religieux que l'on retrouve souvent dans l’œuvre de Michel-Ange, comme dans la chapelle Sixtine.Tous ces personnes peuvent être considérés comme allégoriques : les personnages nus à l'arrière plan correspondent à l'époque précédant la loi de Moïse : le paganisme ; au premier plan, la Vierge et le Christ enfant représentent l'époque du Nouveau Testament ; saint Jean Baptiste symbolise l'étape intermédiaire depuis l'Ancien Testament.La sainte Famille ressemble à un relief ; elle est d'une vive clarté et d'une grande justesse de dessin dans les poses difficiles en raccourci. Le coude et le genou droit de Marie indiquent l'extrémité frontale du bloc ; à l'arrière-plan figurent des nus juvéniles, non pas l'Ancienne Loi prophétique, mais l'Antiquité insouciante et son culte de la virilité, à laquelle le jeune Baptiste, intermédiaire entre les deux mondes, tourne le dos tout en allant vers l'autre niveau de l'existence qu'est la Nouvelle Loi. L'Enfant-Dieu, porté par une femme qui l'adore et protégé par un vieillard, soulevé en conquérant et en roi, proclame le message spirituel de la Nouvelle Loi, sa complète séparation de l'Ancienne, et le fossé entre amour sacré et amour profane.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Comment Tondo_Doni explique-t-il sa Analyse?

Ces beautés païennes permettent un mélange du païen et du religieux que l'on retrouve souvent dans l’œuvre de Michel-Ange, comme dans la chapelle Sixtine.Tous ces personnes peuvent être considérés comme allégoriques : les personnages nus à l'arrière plan correspondent à l'époque précédant la loi de Moïse : le paganisme ; au premier plan, la Vierge et le Christ enfant représentent l'époque du Nouveau Testament ; saint Jean Baptiste symbolise l'étape intermédiaire depuis l'Ancien Testament.La sainte Famille ressemble à un relief ; elle est d'une vive clarté et d'une grande justesse de dessin dans les poses difficiles en raccourci. Le coude et le genou droit de Marie indiquent l'extrémité frontale du bloc ; à l'arrière-plan figurent des nus juvéniles, non pas l'Ancienne Loi prophétique, mais l'Antiquité insouciante et son culte de la virilité, à laquelle le jeune Baptiste, intermédiaire entre les deux mondes, tourne le dos tout en allant vers l'autre niveau de l'existence qu'est la Nouvelle Loi. L'Enfant-Dieu, porté par une femme qui l'adore et protégé par un vieillard, soulevé en conquérant et en roi, proclame le message spirituel de la Nouvelle Loi, sa complète séparation de l'Ancienne, et le fossé entre amour sacré et amour profane.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Tondo_Doni

Prompt: Dans Tondo_Doni, comment est discutée la Analyse?

Ces beautés païennes permettent un mélange du païen et du religieux que l'on retrouve souvent dans l’œuvre de Michel-Ange, comme dans la chapelle Sixtine.Tous ces personnes peuvent être considérés comme allégoriques : les personnages nus à l'arrière plan correspondent à l'époque précédant la loi de Moïse : le paganisme ; au premier plan, la Vierge et le Christ enfant représentent l'époque du Nouveau Testament ; saint Jean Baptiste symbolise l'étape intermédiaire depuis l'Ancien Testament.La sainte Famille ressemble à un relief ; elle est d'une vive clarté et d'une grande justesse de dessin dans les poses difficiles en raccourci. Le coude et le genou droit de Marie indiquent l'extrémité frontale du bloc ; à l'arrière-plan figurent des nus juvéniles, non pas l'Ancienne Loi prophétique, mais l'Antiquité insouciante et son culte de la virilité, à laquelle le jeune Baptiste, intermédiaire entre les deux mondes, tourne le dos tout en allant vers l'autre niveau de l'existence qu'est la Nouvelle Loi. L'Enfant-Dieu, porté par une femme qui l'adore et protégé par un vieillard, soulevé en conquérant et en roi, proclame le message spirituel de la Nouvelle Loi, sa complète séparation de l'Ancienne, et le fossé entre amour sacré et amour profane.

Catégorie:Œuvre de Michel-Ange en Italie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Catégorie:Sainte Famille dans la peinture

Renaissance florentine dans les arts figuratifs


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Concentrez-vous sur Mona_Lisa_d'Isleworth et expliquez la abstract.

La Mona Lisa d’Isleworth est un tableau réalisé au XVIe siècle, dont le motif et le sujet sont similaires à  La Joconde exposée au musée du Louvre à Paris. Ce tableau est revendiqué par les propriétaires successifs de la toile et quelques critiques d'art et journalistes, comme ayant été peint par Léonard de Vinci à une date antérieure au tableau du Louvre, tandis que des historiens d'art spécialistes du maitre florentin contestent cette attribution, notamment à cause de la toile utilisée comme support, alors que Vinci peignait sur bois, et l'absence de sfumato caractéristique de sa technique et observable dans l'original du Louvre. Ils consièrent la toile d’Isleworth comme une copie contemporaine de l'œuvre originale se trouvant au Louvre. Depuis 2008 le tableau appartient à un consortium basé en Suisse, dont les membres sont anonymes, qui met en place une fondation Mona Lisa chargée de défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Mona_Lisa_d'Isleworth.

La Mona Lisa d’Isleworth est un tableau réalisé au XVIe siècle, dont le motif et le sujet sont similaires à  La Joconde exposée au musée du Louvre à Paris. Ce tableau est revendiqué par les propriétaires successifs de la toile et quelques critiques d'art et journalistes, comme ayant été peint par Léonard de Vinci à une date antérieure au tableau du Louvre, tandis que des historiens d'art spécialistes du maitre florentin contestent cette attribution, notamment à cause de la toile utilisée comme support, alors que Vinci peignait sur bois, et l'absence de sfumato caractéristique de sa technique et observable dans l'original du Louvre. Ils consièrent la toile d’Isleworth comme une copie contemporaine de l'œuvre originale se trouvant au Louvre. Depuis 2008 le tableau appartient à un consortium basé en Suisse, dont les membres sont anonymes, qui met en place une fondation Mona Lisa chargée de défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Comment Mona_Lisa_d'Isleworth explique-t-il sa abstract?

La Mona Lisa d’Isleworth est un tableau réalisé au XVIe siècle, dont le motif et le sujet sont similaires à  La Joconde exposée au musée du Louvre à Paris. Ce tableau est revendiqué par les propriétaires successifs de la toile et quelques critiques d'art et journalistes, comme ayant été peint par Léonard de Vinci à une date antérieure au tableau du Louvre, tandis que des historiens d'art spécialistes du maitre florentin contestent cette attribution, notamment à cause de la toile utilisée comme support, alors que Vinci peignait sur bois, et l'absence de sfumato caractéristique de sa technique et observable dans l'original du Louvre. Ils consièrent la toile d’Isleworth comme une copie contemporaine de l'œuvre originale se trouvant au Louvre. Depuis 2008 le tableau appartient à un consortium basé en Suisse, dont les membres sont anonymes, qui met en place une fondation Mona Lisa chargée de défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans Mona_Lisa_d'Isleworth, comment est discutée la abstract?

La Mona Lisa d’Isleworth est un tableau réalisé au XVIe siècle, dont le motif et le sujet sont similaires à  La Joconde exposée au musée du Louvre à Paris. Ce tableau est revendiqué par les propriétaires successifs de la toile et quelques critiques d'art et journalistes, comme ayant été peint par Léonard de Vinci à une date antérieure au tableau du Louvre, tandis que des historiens d'art spécialistes du maitre florentin contestent cette attribution, notamment à cause de la toile utilisée comme support, alors que Vinci peignait sur bois, et l'absence de sfumato caractéristique de sa technique et observable dans l'original du Louvre. Ils consièrent la toile d’Isleworth comme une copie contemporaine de l'œuvre originale se trouvant au Louvre. Depuis 2008 le tableau appartient à un consortium basé en Suisse, dont les membres sont anonymes, qui met en place une fondation Mona Lisa chargée de défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Concentrez-vous sur Mona_Lisa_d'Isleworth et expliquez la Histoire.

La tracabilité du tableau est confuse. Le portrait est apporté en Angleterre en 1778, il aurait été acheté en Italie par un noble anglais James Marwood qui le conserva dans sa propriété du Somerset. En 1858 la copie se trouve à Avishays House où elle est vendue à une famille noble de Montacute. En 1911 la famille mets en ventes plusieurs de ses biens. Le tableau réapparait en 1914 et est acquis par Hugh Blaker, un artiste et négociant en art qui vit à Isleworth, à l'ouest de Londres, d'où le nom de « Mona Lisa d'Isleworth ». La toile est acquise en 1962 par le collectionneur d'art Henry Pulitzer, lointain cousin de Joseph Pulitzer, qui a vendu de nombreux biens mobiliers et immobiliers pour se l'offrir. La toile est alors conservée dans le coffre d’une banque de Lausanne. À la mort de Pulitzer en 1979, elle est léguée à sa conjointe, Elizabeth Meyer. À la mort de celle-ci en 2008, la peinture devient la propriété d'un consortium international, dont les membres veulent rester anonymes, présidé par David Feldman.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Mona_Lisa_d'Isleworth.

La tracabilité du tableau est confuse. Le portrait est apporté en Angleterre en 1778, il aurait été acheté en Italie par un noble anglais James Marwood qui le conserva dans sa propriété du Somerset. En 1858 la copie se trouve à Avishays House où elle est vendue à une famille noble de Montacute. En 1911 la famille mets en ventes plusieurs de ses biens. Le tableau réapparait en 1914 et est acquis par Hugh Blaker, un artiste et négociant en art qui vit à Isleworth, à l'ouest de Londres, d'où le nom de « Mona Lisa d'Isleworth ». La toile est acquise en 1962 par le collectionneur d'art Henry Pulitzer, lointain cousin de Joseph Pulitzer, qui a vendu de nombreux biens mobiliers et immobiliers pour se l'offrir. La toile est alors conservée dans le coffre d’une banque de Lausanne. À la mort de Pulitzer en 1979, elle est léguée à sa conjointe, Elizabeth Meyer. À la mort de celle-ci en 2008, la peinture devient la propriété d'un consortium international, dont les membres veulent rester anonymes, présidé par David Feldman.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Comment Mona_Lisa_d'Isleworth explique-t-il sa Histoire?

La tracabilité du tableau est confuse. Le portrait est apporté en Angleterre en 1778, il aurait été acheté en Italie par un noble anglais James Marwood qui le conserva dans sa propriété du Somerset. En 1858 la copie se trouve à Avishays House où elle est vendue à une famille noble de Montacute. En 1911 la famille mets en ventes plusieurs de ses biens. Le tableau réapparait en 1914 et est acquis par Hugh Blaker, un artiste et négociant en art qui vit à Isleworth, à l'ouest de Londres, d'où le nom de « Mona Lisa d'Isleworth ». La toile est acquise en 1962 par le collectionneur d'art Henry Pulitzer, lointain cousin de Joseph Pulitzer, qui a vendu de nombreux biens mobiliers et immobiliers pour se l'offrir. La toile est alors conservée dans le coffre d’une banque de Lausanne. À la mort de Pulitzer en 1979, elle est léguée à sa conjointe, Elizabeth Meyer. À la mort de celle-ci en 2008, la peinture devient la propriété d'un consortium international, dont les membres veulent rester anonymes, présidé par David Feldman.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans Mona_Lisa_d'Isleworth, comment est discutée la Histoire?

La tracabilité du tableau est confuse. Le portrait est apporté en Angleterre en 1778, il aurait été acheté en Italie par un noble anglais James Marwood qui le conserva dans sa propriété du Somerset. En 1858 la copie se trouve à Avishays House où elle est vendue à une famille noble de Montacute. En 1911 la famille mets en ventes plusieurs de ses biens. Le tableau réapparait en 1914 et est acquis par Hugh Blaker, un artiste et négociant en art qui vit à Isleworth, à l'ouest de Londres, d'où le nom de « Mona Lisa d'Isleworth ». La toile est acquise en 1962 par le collectionneur d'art Henry Pulitzer, lointain cousin de Joseph Pulitzer, qui a vendu de nombreux biens mobiliers et immobiliers pour se l'offrir. La toile est alors conservée dans le coffre d’une banque de Lausanne. À la mort de Pulitzer en 1979, elle est léguée à sa conjointe, Elizabeth Meyer. À la mort de celle-ci en 2008, la peinture devient la propriété d'un consortium international, dont les membres veulent rester anonymes, présidé par David Feldman.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Concentrez-vous sur Mona_Lisa_d'Isleworth et expliquez la Attribution à Léonard de Vinci.

En 1926 l'écrivain John Eyre, beau-père de Hugh Blaker découvreur du tableau, défend l'attribution dans son livre The two Mona Lisas, de même le second propriétaire de l'œuvre, Henry Pulitzer, ainsi que la fondation Mona Lisa organisation suisse crée par les propriétaires actuels, pour défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Expliquer la Attribution à Léonard de Vinci de cette œuvre d'art, Mona_Lisa_d'Isleworth.

En 1926 l'écrivain John Eyre, beau-père de Hugh Blaker découvreur du tableau, défend l'attribution dans son livre The two Mona Lisas, de même le second propriétaire de l'œuvre, Henry Pulitzer, ainsi que la fondation Mona Lisa organisation suisse crée par les propriétaires actuels, pour défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Comment Mona_Lisa_d'Isleworth explique-t-il sa Attribution à Léonard de Vinci?

En 1926 l'écrivain John Eyre, beau-père de Hugh Blaker découvreur du tableau, défend l'attribution dans son livre The two Mona Lisas, de même le second propriétaire de l'œuvre, Henry Pulitzer, ainsi que la fondation Mona Lisa organisation suisse crée par les propriétaires actuels, pour défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans Mona_Lisa_d'Isleworth, comment est discutée la Attribution à Léonard de Vinci?

En 1926 l'écrivain John Eyre, beau-père de Hugh Blaker découvreur du tableau, défend l'attribution dans son livre The two Mona Lisas, de même le second propriétaire de l'œuvre, Henry Pulitzer, ainsi que la fondation Mona Lisa organisation suisse crée par les propriétaires actuels, pour défendre l'authenticité du portrait.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans le contexte de Mona_Lisa_d'Isleworth, expliquez la Examens et la Attribution à Léonard de Vinci.

La Mona Lisa d’Isleworth  a été soumise à la lumière ultraviolette, la luminescence infrarouge, l’infrarouge, l’infrarouge de fausse couleur, la réflectographie infrarouge, les rayons X, la datation par le carbone 14 et la spectrométrie Gamma. D'après ces examens, la peinture fut réalisée au début du XVIe siècle.Le physicien John Asmus, de l’Université de Californie publia des résultats infographique en comparant la Mona Lisa antérieure et la Joconde et affirma que les deux visages furent exécutés par le même artiste.Le chimiste Salvatore Lorusso et Andrea Natali conduisirent une étude comparative sur la Joconde et les œuvres s’y relatant. Les pigments trouvés sur la Mona Lisa d’Isleworth étaient disponibles et utilisés au début du XVIe siècle. Selon eux la Mona Lisa d’Isleworth et la Joconde du Louvre sont deux œuvres originales du maître.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Expliquer la Examens concernant la Attribution à Léonard de Vinci de cette œuvre d'art, Mona_Lisa_d'Isleworth.

La Mona Lisa d’Isleworth  a été soumise à la lumière ultraviolette, la luminescence infrarouge, l’infrarouge, l’infrarouge de fausse couleur, la réflectographie infrarouge, les rayons X, la datation par le carbone 14 et la spectrométrie Gamma. D'après ces examens, la peinture fut réalisée au début du XVIe siècle.Le physicien John Asmus, de l’Université de Californie publia des résultats infographique en comparant la Mona Lisa antérieure et la Joconde et affirma que les deux visages furent exécutés par le même artiste.Le chimiste Salvatore Lorusso et Andrea Natali conduisirent une étude comparative sur la Joconde et les œuvres s’y relatant. Les pigments trouvés sur la Mona Lisa d’Isleworth étaient disponibles et utilisés au début du XVIe siècle. Selon eux la Mona Lisa d’Isleworth et la Joconde du Louvre sont deux œuvres originales du maître.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans Mona_Lisa_d'Isleworth, comment la Examens de la Attribution à Léonard de Vinci est-elle expliquée?

La Mona Lisa d’Isleworth  a été soumise à la lumière ultraviolette, la luminescence infrarouge, l’infrarouge, l’infrarouge de fausse couleur, la réflectographie infrarouge, les rayons X, la datation par le carbone 14 et la spectrométrie Gamma. D'après ces examens, la peinture fut réalisée au début du XVIe siècle.Le physicien John Asmus, de l’Université de Californie publia des résultats infographique en comparant la Mona Lisa antérieure et la Joconde et affirma que les deux visages furent exécutés par le même artiste.Le chimiste Salvatore Lorusso et Andrea Natali conduisirent une étude comparative sur la Joconde et les œuvres s’y relatant. Les pigments trouvés sur la Mona Lisa d’Isleworth étaient disponibles et utilisés au début du XVIe siècle. Selon eux la Mona Lisa d’Isleworth et la Joconde du Louvre sont deux œuvres originales du maître.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Examens dans la Attribution à Léonard de Vinci de Mona_Lisa_d'Isleworth.

La Mona Lisa d’Isleworth  a été soumise à la lumière ultraviolette, la luminescence infrarouge, l’infrarouge, l’infrarouge de fausse couleur, la réflectographie infrarouge, les rayons X, la datation par le carbone 14 et la spectrométrie Gamma. D'après ces examens, la peinture fut réalisée au début du XVIe siècle.Le physicien John Asmus, de l’Université de Californie publia des résultats infographique en comparant la Mona Lisa antérieure et la Joconde et affirma que les deux visages furent exécutés par le même artiste.Le chimiste Salvatore Lorusso et Andrea Natali conduisirent une étude comparative sur la Joconde et les œuvres s’y relatant. Les pigments trouvés sur la Mona Lisa d’Isleworth étaient disponibles et utilisés au début du XVIe siècle. Selon eux la Mona Lisa d’Isleworth et la Joconde du Louvre sont deux œuvres originales du maître.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans le contexte de Mona_Lisa_d'Isleworth, expliquez la Une attribution contestée et la Attribution à Léonard de Vinci.

Les historiens d'art et conservateurs contestent l'authenticité et l’attribution du tableau à Léonard de Vinci.Parmi eux, Martin Kemp, professeur émérite en histoire de l'art à Oxford conteste l'attribution à Léonard de Vinci. Il maintient que : l'argument fondé sur la géométrie n'est pas pertinent, aucun traité de l'époque ou analyse depuis n'ayant mis en évidence que de telles règles étaient suivies par Léonard de Vinci ou ses contemporains ; le portrait d'Isleworth est peint sur toile alors qu'aucun tableau connu de Léonard de Vinci n'a été peint sur toile et aucune œuvre italienne de cette époque n'était peinte sur toile, hormis les œuvres sur panneau transportable. Autre élément que Kemp constate est l'absence de sfumato représentatif de la technique du maitre florentin, et observable dans l'original du Louvre. Vincent Delieuvin, historien d'art et conservateur en chef chargé de la peinture italienne du XVIe siècle au département des peintures du musée du Louvre, conteste également cette attribution.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Expliquer la Une attribution contestée concernant la Attribution à Léonard de Vinci de cette œuvre d'art, Mona_Lisa_d'Isleworth.

Les historiens d'art et conservateurs contestent l'authenticité et l’attribution du tableau à Léonard de Vinci.Parmi eux, Martin Kemp, professeur émérite en histoire de l'art à Oxford conteste l'attribution à Léonard de Vinci. Il maintient que : l'argument fondé sur la géométrie n'est pas pertinent, aucun traité de l'époque ou analyse depuis n'ayant mis en évidence que de telles règles étaient suivies par Léonard de Vinci ou ses contemporains ; le portrait d'Isleworth est peint sur toile alors qu'aucun tableau connu de Léonard de Vinci n'a été peint sur toile et aucune œuvre italienne de cette époque n'était peinte sur toile, hormis les œuvres sur panneau transportable. Autre élément que Kemp constate est l'absence de sfumato représentatif de la technique du maitre florentin, et observable dans l'original du Louvre. Vincent Delieuvin, historien d'art et conservateur en chef chargé de la peinture italienne du XVIe siècle au département des peintures du musée du Louvre, conteste également cette attribution.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Dans Mona_Lisa_d'Isleworth, comment la Une attribution contestée de la Attribution à Léonard de Vinci est-elle expliquée?

Les historiens d'art et conservateurs contestent l'authenticité et l’attribution du tableau à Léonard de Vinci.Parmi eux, Martin Kemp, professeur émérite en histoire de l'art à Oxford conteste l'attribution à Léonard de Vinci. Il maintient que : l'argument fondé sur la géométrie n'est pas pertinent, aucun traité de l'époque ou analyse depuis n'ayant mis en évidence que de telles règles étaient suivies par Léonard de Vinci ou ses contemporains ; le portrait d'Isleworth est peint sur toile alors qu'aucun tableau connu de Léonard de Vinci n'a été peint sur toile et aucune œuvre italienne de cette époque n'était peinte sur toile, hormis les œuvres sur panneau transportable. Autre élément que Kemp constate est l'absence de sfumato représentatif de la technique du maitre florentin, et observable dans l'original du Louvre. Vincent Delieuvin, historien d'art et conservateur en chef chargé de la peinture italienne du XVIe siècle au département des peintures du musée du Louvre, conteste également cette attribution.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


Mona_Lisa_d'Isleworth

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Une attribution contestée dans la Attribution à Léonard de Vinci de Mona_Lisa_d'Isleworth.

Les historiens d'art et conservateurs contestent l'authenticité et l’attribution du tableau à Léonard de Vinci.Parmi eux, Martin Kemp, professeur émérite en histoire de l'art à Oxford conteste l'attribution à Léonard de Vinci. Il maintient que : l'argument fondé sur la géométrie n'est pas pertinent, aucun traité de l'époque ou analyse depuis n'ayant mis en évidence que de telles règles étaient suivies par Léonard de Vinci ou ses contemporains ; le portrait d'Isleworth est peint sur toile alors qu'aucun tableau connu de Léonard de Vinci n'a été peint sur toile et aucune œuvre italienne de cette époque n'était peinte sur toile, hormis les œuvres sur panneau transportable. Autre élément que Kemp constate est l'absence de sfumato représentatif de la technique du maitre florentin, et observable dans l'original du Louvre. Vincent Delieuvin, historien d'art et conservateur en chef chargé de la peinture italienne du XVIe siècle au département des peintures du musée du Louvre, conteste également cette attribution.

Catégorie:Œuvre d'art dont l'attribution est incertaine


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la abstract.

La Mort de Sardanapale est un tableau d’Eugène Delacroix réalisé en 1827 et exposé au Salon Carré du Louvre la même année. Il y est toujours conservé.  La Mort de Sardanapale provoque un immense scandale dans le monde de l'art, par sa modernité.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

La Mort de Sardanapale est un tableau d’Eugène Delacroix réalisé en 1827 et exposé au Salon Carré du Louvre la même année. Il y est toujours conservé.  La Mort de Sardanapale provoque un immense scandale dans le monde de l'art, par sa modernité.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa abstract?

La Mort de Sardanapale est un tableau d’Eugène Delacroix réalisé en 1827 et exposé au Salon Carré du Louvre la même année. Il y est toujours conservé.  La Mort de Sardanapale provoque un immense scandale dans le monde de l'art, par sa modernité.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la abstract?

La Mort de Sardanapale est un tableau d’Eugène Delacroix réalisé en 1827 et exposé au Salon Carré du Louvre la même année. Il y est toujours conservé.  La Mort de Sardanapale provoque un immense scandale dans le monde de l'art, par sa modernité.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Acquisition.

La toile fait partie des collections du musée du Louvre, où elle est entrée en 1921, grâce aux arrérages du legs Audéoud. L'esquisse du tableau, acquise en 1925, grâce à un legs de la comtesse Paul de Salvandy, née Eugénie Rivet, est également conservée au Louvre et constitue à elle seule une véritable œuvre d'art, même si elle est bien moins monumentale (100 × 81 cm) que le tableau final (496 × 392 cm).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Acquisition de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

La toile fait partie des collections du musée du Louvre, où elle est entrée en 1921, grâce aux arrérages du legs Audéoud. L'esquisse du tableau, acquise en 1925, grâce à un legs de la comtesse Paul de Salvandy, née Eugénie Rivet, est également conservée au Louvre et constitue à elle seule une véritable œuvre d'art, même si elle est bien moins monumentale (100 × 81 cm) que le tableau final (496 × 392 cm).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Acquisition?

La toile fait partie des collections du musée du Louvre, où elle est entrée en 1921, grâce aux arrérages du legs Audéoud. L'esquisse du tableau, acquise en 1925, grâce à un legs de la comtesse Paul de Salvandy, née Eugénie Rivet, est également conservée au Louvre et constitue à elle seule une véritable œuvre d'art, même si elle est bien moins monumentale (100 × 81 cm) que le tableau final (496 × 392 cm).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Acquisition?

La toile fait partie des collections du musée du Louvre, où elle est entrée en 1921, grâce aux arrérages du legs Audéoud. L'esquisse du tableau, acquise en 1925, grâce à un legs de la comtesse Paul de Salvandy, née Eugénie Rivet, est également conservée au Louvre et constitue à elle seule une véritable œuvre d'art, même si elle est bien moins monumentale (100 × 81 cm) que le tableau final (496 × 392 cm).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Histoire du tableau.

Le poète anglais Lord Byron, l'un des écrivains phare du romantisme, avait publié en 1821 un drame — Sardanapalus — traduit en français dès 1822. L'œuvre raconte la fin tragique de ce roi légendaire d’Assyrie, qui, voyant le pouvoir lui échapper à la suite d’une conspiration, choisit, lorsqu'il se rendit compte que sa défaite était inéluctable, de se jeter en compagnie de sa favorite, Myrrha, une esclave ionienne, dans les flammes d’un gigantesque bûcher. Si Delacroix s'inspire du drame de Byron — on peut reconnaître Myrrha dans la femme à demi allongée sur le lit aux pieds du monarque —, l’idée de l'holocauste des femmes, des chevaux et du trésor semble avoir pour source les récits de Ctésias de Cnide, conservés par Diodore de Sicile dans sa Bibliothèque historique. L'historien et médecin antique rapporte en effet que, « Pour ne pas tomber aux mains de ses ennemis, il [Sardanapale] fit édifier  un immense bûcher dans son palais, y amassa tout son or et tout son argent ainsi que ses vêtements royaux. Il enferma dans une chambre construite au milieu du bûcher ses concubines et ses eunuques, se joignit à eux tous et mit le feu à l'ensemble du palais ».Delacroix peint ce moment précis et le décrit en ces termes :« Les révoltés l’assiégèrent dans son palais… Couché sur un lit superbe, au sommet d’un immense bûcher, Sardanapale donne l’ordre à ses esclaves et aux officiers du palais d’égorger ses femmes, ses pages, jusqu’à ses chevaux et ses chiens favoris ; aucun des objets qui avaient servi à ses plaisirs ne devait lui survivre. »— Eugène Delacroix, Second supplément au livret du Salon de 1827-1828

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Histoire du tableau de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

Le poète anglais Lord Byron, l'un des écrivains phare du romantisme, avait publié en 1821 un drame — Sardanapalus — traduit en français dès 1822. L'œuvre raconte la fin tragique de ce roi légendaire d’Assyrie, qui, voyant le pouvoir lui échapper à la suite d’une conspiration, choisit, lorsqu'il se rendit compte que sa défaite était inéluctable, de se jeter en compagnie de sa favorite, Myrrha, une esclave ionienne, dans les flammes d’un gigantesque bûcher. Si Delacroix s'inspire du drame de Byron — on peut reconnaître Myrrha dans la femme à demi allongée sur le lit aux pieds du monarque —, l’idée de l'holocauste des femmes, des chevaux et du trésor semble avoir pour source les récits de Ctésias de Cnide, conservés par Diodore de Sicile dans sa Bibliothèque historique. L'historien et médecin antique rapporte en effet que, « Pour ne pas tomber aux mains de ses ennemis, il [Sardanapale] fit édifier  un immense bûcher dans son palais, y amassa tout son or et tout son argent ainsi que ses vêtements royaux. Il enferma dans une chambre construite au milieu du bûcher ses concubines et ses eunuques, se joignit à eux tous et mit le feu à l'ensemble du palais ».Delacroix peint ce moment précis et le décrit en ces termes :« Les révoltés l’assiégèrent dans son palais… Couché sur un lit superbe, au sommet d’un immense bûcher, Sardanapale donne l’ordre à ses esclaves et aux officiers du palais d’égorger ses femmes, ses pages, jusqu’à ses chevaux et ses chiens favoris ; aucun des objets qui avaient servi à ses plaisirs ne devait lui survivre. »— Eugène Delacroix, Second supplément au livret du Salon de 1827-1828

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Histoire du tableau?

Le poète anglais Lord Byron, l'un des écrivains phare du romantisme, avait publié en 1821 un drame — Sardanapalus — traduit en français dès 1822. L'œuvre raconte la fin tragique de ce roi légendaire d’Assyrie, qui, voyant le pouvoir lui échapper à la suite d’une conspiration, choisit, lorsqu'il se rendit compte que sa défaite était inéluctable, de se jeter en compagnie de sa favorite, Myrrha, une esclave ionienne, dans les flammes d’un gigantesque bûcher. Si Delacroix s'inspire du drame de Byron — on peut reconnaître Myrrha dans la femme à demi allongée sur le lit aux pieds du monarque —, l’idée de l'holocauste des femmes, des chevaux et du trésor semble avoir pour source les récits de Ctésias de Cnide, conservés par Diodore de Sicile dans sa Bibliothèque historique. L'historien et médecin antique rapporte en effet que, « Pour ne pas tomber aux mains de ses ennemis, il [Sardanapale] fit édifier  un immense bûcher dans son palais, y amassa tout son or et tout son argent ainsi que ses vêtements royaux. Il enferma dans une chambre construite au milieu du bûcher ses concubines et ses eunuques, se joignit à eux tous et mit le feu à l'ensemble du palais ».Delacroix peint ce moment précis et le décrit en ces termes :« Les révoltés l’assiégèrent dans son palais… Couché sur un lit superbe, au sommet d’un immense bûcher, Sardanapale donne l’ordre à ses esclaves et aux officiers du palais d’égorger ses femmes, ses pages, jusqu’à ses chevaux et ses chiens favoris ; aucun des objets qui avaient servi à ses plaisirs ne devait lui survivre. »— Eugène Delacroix, Second supplément au livret du Salon de 1827-1828

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Histoire du tableau?

Le poète anglais Lord Byron, l'un des écrivains phare du romantisme, avait publié en 1821 un drame — Sardanapalus — traduit en français dès 1822. L'œuvre raconte la fin tragique de ce roi légendaire d’Assyrie, qui, voyant le pouvoir lui échapper à la suite d’une conspiration, choisit, lorsqu'il se rendit compte que sa défaite était inéluctable, de se jeter en compagnie de sa favorite, Myrrha, une esclave ionienne, dans les flammes d’un gigantesque bûcher. Si Delacroix s'inspire du drame de Byron — on peut reconnaître Myrrha dans la femme à demi allongée sur le lit aux pieds du monarque —, l’idée de l'holocauste des femmes, des chevaux et du trésor semble avoir pour source les récits de Ctésias de Cnide, conservés par Diodore de Sicile dans sa Bibliothèque historique. L'historien et médecin antique rapporte en effet que, « Pour ne pas tomber aux mains de ses ennemis, il [Sardanapale] fit édifier  un immense bûcher dans son palais, y amassa tout son or et tout son argent ainsi que ses vêtements royaux. Il enferma dans une chambre construite au milieu du bûcher ses concubines et ses eunuques, se joignit à eux tous et mit le feu à l'ensemble du palais ».Delacroix peint ce moment précis et le décrit en ces termes :« Les révoltés l’assiégèrent dans son palais… Couché sur un lit superbe, au sommet d’un immense bûcher, Sardanapale donne l’ordre à ses esclaves et aux officiers du palais d’égorger ses femmes, ses pages, jusqu’à ses chevaux et ses chiens favoris ; aucun des objets qui avaient servi à ses plaisirs ne devait lui survivre. »— Eugène Delacroix, Second supplément au livret du Salon de 1827-1828

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Composition.

La composition rompt avec les codes esthétiques de l'époque en ce qu'elle ne propose ni un point de vue central sur un héros ni une organisation pyramidale. Tout se joue sur la profusion et notamment la couleur. Le rouge et le doré flamboyants sont les couleurs principales qui guident la lisibilité de l'œuvre.De nombreux éléments rouges sont présentés. Dans le coin inférieur droit se trouve un drapé d’un rouge flamboyant. Légèrement au-dessus, plus au centre, dans la partie inférieure, une femme fait face au spectateur : elle est accoudée à un coussin également rouge. Enfin, dans toute la partie gauche du tableau, le rouge est présent par touches. Dans la partie gauche supérieure, des esclaves revêtent des coiffes rouges parées de pierres et d’éléments précieux en or. Le cheval du coin inférieur gauche est également paré de plumes majestueuses rouges et d’une bride d’un rouge éclatant. Il est tiré par un esclave noir, portant lui-même un turban rouge. Au pied du vaste lit, un esclave attrape une femme avec violence, la menaçant de sa dague et s’apprêtant à l’égorger. Une cascade de personnages, sur le bord gauche du tableau, semble tomber sur le spectateur, ce qui est accentué par le cadrage tronqué de la scène[réf. souhaitée].En contraste, la couleur dorée rappelle les richesses qui entourent le roi, ainsi que la couleur des corps des personnes blanches majoritairement dénudés. Delacroix peint en effet une profusion de personnages. On reconnaît Sardanapale sur son lit en haut à gauche. Allongé, il regarde de façon détachée l'horreur de la scène qui se déroule sous ses yeux. À ses pieds gît une femme torse nu, sûrement Myrrha, sa favorite, les bras en croix sur une étoffe rouge qui recouvre le lit du souverain. Les corps ne sont pas idéalisés mais réalistes. Les relations entre les personnages témoignent d'une grande violence qui annonce également la fin. Delacroix applique également son regard orientaliste et ses fantasmes érotiques, notamment dans la représentation des femmes, comme l'esclave au premier plan, seulement vêtue de ses bijoux et attrapée violemment par un esclave habillé à la mode orientaliste comme l'imaginaient les peintres occidentaux du XIXe siècle. Delacroix offre un spectacle chaotique, un monde sens dessus dessous qui annonce la mort imminente. Cette vision d'un Orient fantasmagorique lie l'or et le sang, le luxe et la luxure, l'érotique et le macabre. Il fait de la mort de Sardanapale un rêve érotique.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Composition de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

La composition rompt avec les codes esthétiques de l'époque en ce qu'elle ne propose ni un point de vue central sur un héros ni une organisation pyramidale. Tout se joue sur la profusion et notamment la couleur. Le rouge et le doré flamboyants sont les couleurs principales qui guident la lisibilité de l'œuvre.De nombreux éléments rouges sont présentés. Dans le coin inférieur droit se trouve un drapé d’un rouge flamboyant. Légèrement au-dessus, plus au centre, dans la partie inférieure, une femme fait face au spectateur : elle est accoudée à un coussin également rouge. Enfin, dans toute la partie gauche du tableau, le rouge est présent par touches. Dans la partie gauche supérieure, des esclaves revêtent des coiffes rouges parées de pierres et d’éléments précieux en or. Le cheval du coin inférieur gauche est également paré de plumes majestueuses rouges et d’une bride d’un rouge éclatant. Il est tiré par un esclave noir, portant lui-même un turban rouge. Au pied du vaste lit, un esclave attrape une femme avec violence, la menaçant de sa dague et s’apprêtant à l’égorger. Une cascade de personnages, sur le bord gauche du tableau, semble tomber sur le spectateur, ce qui est accentué par le cadrage tronqué de la scène[réf. souhaitée].En contraste, la couleur dorée rappelle les richesses qui entourent le roi, ainsi que la couleur des corps des personnes blanches majoritairement dénudés. Delacroix peint en effet une profusion de personnages. On reconnaît Sardanapale sur son lit en haut à gauche. Allongé, il regarde de façon détachée l'horreur de la scène qui se déroule sous ses yeux. À ses pieds gît une femme torse nu, sûrement Myrrha, sa favorite, les bras en croix sur une étoffe rouge qui recouvre le lit du souverain. Les corps ne sont pas idéalisés mais réalistes. Les relations entre les personnages témoignent d'une grande violence qui annonce également la fin. Delacroix applique également son regard orientaliste et ses fantasmes érotiques, notamment dans la représentation des femmes, comme l'esclave au premier plan, seulement vêtue de ses bijoux et attrapée violemment par un esclave habillé à la mode orientaliste comme l'imaginaient les peintres occidentaux du XIXe siècle. Delacroix offre un spectacle chaotique, un monde sens dessus dessous qui annonce la mort imminente. Cette vision d'un Orient fantasmagorique lie l'or et le sang, le luxe et la luxure, l'érotique et le macabre. Il fait de la mort de Sardanapale un rêve érotique.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Composition?

La composition rompt avec les codes esthétiques de l'époque en ce qu'elle ne propose ni un point de vue central sur un héros ni une organisation pyramidale. Tout se joue sur la profusion et notamment la couleur. Le rouge et le doré flamboyants sont les couleurs principales qui guident la lisibilité de l'œuvre.De nombreux éléments rouges sont présentés. Dans le coin inférieur droit se trouve un drapé d’un rouge flamboyant. Légèrement au-dessus, plus au centre, dans la partie inférieure, une femme fait face au spectateur : elle est accoudée à un coussin également rouge. Enfin, dans toute la partie gauche du tableau, le rouge est présent par touches. Dans la partie gauche supérieure, des esclaves revêtent des coiffes rouges parées de pierres et d’éléments précieux en or. Le cheval du coin inférieur gauche est également paré de plumes majestueuses rouges et d’une bride d’un rouge éclatant. Il est tiré par un esclave noir, portant lui-même un turban rouge. Au pied du vaste lit, un esclave attrape une femme avec violence, la menaçant de sa dague et s’apprêtant à l’égorger. Une cascade de personnages, sur le bord gauche du tableau, semble tomber sur le spectateur, ce qui est accentué par le cadrage tronqué de la scène[réf. souhaitée].En contraste, la couleur dorée rappelle les richesses qui entourent le roi, ainsi que la couleur des corps des personnes blanches majoritairement dénudés. Delacroix peint en effet une profusion de personnages. On reconnaît Sardanapale sur son lit en haut à gauche. Allongé, il regarde de façon détachée l'horreur de la scène qui se déroule sous ses yeux. À ses pieds gît une femme torse nu, sûrement Myrrha, sa favorite, les bras en croix sur une étoffe rouge qui recouvre le lit du souverain. Les corps ne sont pas idéalisés mais réalistes. Les relations entre les personnages témoignent d'une grande violence qui annonce également la fin. Delacroix applique également son regard orientaliste et ses fantasmes érotiques, notamment dans la représentation des femmes, comme l'esclave au premier plan, seulement vêtue de ses bijoux et attrapée violemment par un esclave habillé à la mode orientaliste comme l'imaginaient les peintres occidentaux du XIXe siècle. Delacroix offre un spectacle chaotique, un monde sens dessus dessous qui annonce la mort imminente. Cette vision d'un Orient fantasmagorique lie l'or et le sang, le luxe et la luxure, l'érotique et le macabre. Il fait de la mort de Sardanapale un rêve érotique.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Composition?

La composition rompt avec les codes esthétiques de l'époque en ce qu'elle ne propose ni un point de vue central sur un héros ni une organisation pyramidale. Tout se joue sur la profusion et notamment la couleur. Le rouge et le doré flamboyants sont les couleurs principales qui guident la lisibilité de l'œuvre.De nombreux éléments rouges sont présentés. Dans le coin inférieur droit se trouve un drapé d’un rouge flamboyant. Légèrement au-dessus, plus au centre, dans la partie inférieure, une femme fait face au spectateur : elle est accoudée à un coussin également rouge. Enfin, dans toute la partie gauche du tableau, le rouge est présent par touches. Dans la partie gauche supérieure, des esclaves revêtent des coiffes rouges parées de pierres et d’éléments précieux en or. Le cheval du coin inférieur gauche est également paré de plumes majestueuses rouges et d’une bride d’un rouge éclatant. Il est tiré par un esclave noir, portant lui-même un turban rouge. Au pied du vaste lit, un esclave attrape une femme avec violence, la menaçant de sa dague et s’apprêtant à l’égorger. Une cascade de personnages, sur le bord gauche du tableau, semble tomber sur le spectateur, ce qui est accentué par le cadrage tronqué de la scène[réf. souhaitée].En contraste, la couleur dorée rappelle les richesses qui entourent le roi, ainsi que la couleur des corps des personnes blanches majoritairement dénudés. Delacroix peint en effet une profusion de personnages. On reconnaît Sardanapale sur son lit en haut à gauche. Allongé, il regarde de façon détachée l'horreur de la scène qui se déroule sous ses yeux. À ses pieds gît une femme torse nu, sûrement Myrrha, sa favorite, les bras en croix sur une étoffe rouge qui recouvre le lit du souverain. Les corps ne sont pas idéalisés mais réalistes. Les relations entre les personnages témoignent d'une grande violence qui annonce également la fin. Delacroix applique également son regard orientaliste et ses fantasmes érotiques, notamment dans la représentation des femmes, comme l'esclave au premier plan, seulement vêtue de ses bijoux et attrapée violemment par un esclave habillé à la mode orientaliste comme l'imaginaient les peintres occidentaux du XIXe siècle. Delacroix offre un spectacle chaotique, un monde sens dessus dessous qui annonce la mort imminente. Cette vision d'un Orient fantasmagorique lie l'or et le sang, le luxe et la luxure, l'érotique et le macabre. Il fait de la mort de Sardanapale un rêve érotique.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Réception du public.

Eugène Delacroix est considéré comme le chef du romantisme français, mouvement qui s'oppose notamment au courant néo-classique dominant. Il affirme pourtant « Je suis un pur classique », mais ses œuvres témoignent dès le début de sa carrière d'une grande modernité. Au Salon en 1827, La Mort de Sardanapale est encore moins bien accueillie que les Scènes des massacres de Scio (1824, musée du Louvre), toile qui avait déjà fait scandale et promu Delacroix au rang de chef de file de l'école romantique en peinture. Ce n'est pas tant la représentation d'un roi aux mœurs dissolues qui fait scandale que la façon dont le peintre traite le sujet. Il s'inscrit dans la querelle du coloris du XIXe siècle entre les néo-classiques, notamment Ingres, et les romantiques en choisissant le parti de la couleur, qui devient presque le sujet même de sa toile. L’œuvre est exposée au Salon de 1827, en pendant de L'Apothéose d'Homère d'Ingres, toile qui quant à elle constitue une revendication de l'esthétique traditionnelle et des valeurs néoclassiques. Avec cette toile, Ingres rend un véritable hommage à Raphaël et à son École d'Athènes et il donne une leçon esthétique à la jeune génération. La composition choisie par le peintre respecte les codes esthétiques classiques : la ligne maîtrisée donne lieu à un dessin précis et les couleurs fraîches et claires rappellent les fresques de l’Âge classique. Cette toile constitue un véritable éloge du classicisme, rappelant les vases grecs par son style archaïsant et la pureté du dessin.Face à l’œuvre d’Ingres, La Mort de Sardanapale apparaît comme une véritable révolution artistique, dynamitant toutes les conventions académiques. Il est le premier prototype d’un Orient fantasmé qui laisse exprimer les passions et le chaos. C'est pourquoi Delacroix reçoit de nombreuses critiques. Ce tableau provoque un tel scandale qu'il n'est pas acheté par l'État. Il tombe aussitôt dans un oubli presque total jusqu'à ce que Jean Guiffrey, conservateur du département des peintures du musée du Louvre, l'achète pour la somme de 800 000 francs au baron Vitta et la fasse entrer dans les collections du musée.Bien qu'elle soit largement rejetée par la majorité des critiques, Victor Hugo est un des seuls à ne pas condamner la démesure exprimée par Delacroix, son rejet du Beau et la cruauté de la scène[réf. souhaitée].D'autres artistes du romantisme français s'inspirent du drame de Byron, comme notamment Hector Berlioz, qui compose en juillet 1830 sa cantate Sardanapale (H 50), qui lui permet d'obtenir, après plusieurs tentatives infructueuses, le premier Grand prix de Rome et de remporter ainsi son premier succès officiel (seul un fragment de la partition a été conservé).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Réception du public de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

Eugène Delacroix est considéré comme le chef du romantisme français, mouvement qui s'oppose notamment au courant néo-classique dominant. Il affirme pourtant « Je suis un pur classique », mais ses œuvres témoignent dès le début de sa carrière d'une grande modernité. Au Salon en 1827, La Mort de Sardanapale est encore moins bien accueillie que les Scènes des massacres de Scio (1824, musée du Louvre), toile qui avait déjà fait scandale et promu Delacroix au rang de chef de file de l'école romantique en peinture. Ce n'est pas tant la représentation d'un roi aux mœurs dissolues qui fait scandale que la façon dont le peintre traite le sujet. Il s'inscrit dans la querelle du coloris du XIXe siècle entre les néo-classiques, notamment Ingres, et les romantiques en choisissant le parti de la couleur, qui devient presque le sujet même de sa toile. L’œuvre est exposée au Salon de 1827, en pendant de L'Apothéose d'Homère d'Ingres, toile qui quant à elle constitue une revendication de l'esthétique traditionnelle et des valeurs néoclassiques. Avec cette toile, Ingres rend un véritable hommage à Raphaël et à son École d'Athènes et il donne une leçon esthétique à la jeune génération. La composition choisie par le peintre respecte les codes esthétiques classiques : la ligne maîtrisée donne lieu à un dessin précis et les couleurs fraîches et claires rappellent les fresques de l’Âge classique. Cette toile constitue un véritable éloge du classicisme, rappelant les vases grecs par son style archaïsant et la pureté du dessin.Face à l’œuvre d’Ingres, La Mort de Sardanapale apparaît comme une véritable révolution artistique, dynamitant toutes les conventions académiques. Il est le premier prototype d’un Orient fantasmé qui laisse exprimer les passions et le chaos. C'est pourquoi Delacroix reçoit de nombreuses critiques. Ce tableau provoque un tel scandale qu'il n'est pas acheté par l'État. Il tombe aussitôt dans un oubli presque total jusqu'à ce que Jean Guiffrey, conservateur du département des peintures du musée du Louvre, l'achète pour la somme de 800 000 francs au baron Vitta et la fasse entrer dans les collections du musée.Bien qu'elle soit largement rejetée par la majorité des critiques, Victor Hugo est un des seuls à ne pas condamner la démesure exprimée par Delacroix, son rejet du Beau et la cruauté de la scène[réf. souhaitée].D'autres artistes du romantisme français s'inspirent du drame de Byron, comme notamment Hector Berlioz, qui compose en juillet 1830 sa cantate Sardanapale (H 50), qui lui permet d'obtenir, après plusieurs tentatives infructueuses, le premier Grand prix de Rome et de remporter ainsi son premier succès officiel (seul un fragment de la partition a été conservé).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre