Vertumne

Prompt: Expliquer la Langage populaire de cette œuvre d'art, Vertumne.

Les Latins avaient un proverbe suivant lequel les gens inconstants et capricieux étaient nés iratis Vertumnis[source insuffisante], faisant ainsi allusion à son apparence constamment changeante.

Catégorie:Divinité romaine liée à l'agriculture

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Catégorie:Personnalité des origines de Rome

Catégorie:Divinité romaine d'origine italique

Catégorie:Divinité du temps et du destin

Mosaïque représentant Vertumne, [[Madrid


Vertumne

Prompt: Comment Vertumne explique-t-il sa Langage populaire?

Les Latins avaient un proverbe suivant lequel les gens inconstants et capricieux étaient nés iratis Vertumnis[source insuffisante], faisant ainsi allusion à son apparence constamment changeante.

Catégorie:Divinité romaine liée à l'agriculture

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Vertumne

Prompt: Dans Vertumne, comment est discutée la Langage populaire?

Les Latins avaient un proverbe suivant lequel les gens inconstants et capricieux étaient nés iratis Vertumnis[source insuffisante], faisant ainsi allusion à son apparence constamment changeante.

Catégorie:Divinité romaine liée à l'agriculture

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Vertumne

Prompt: Concentrez-vous sur Vertumne et expliquez la Vertumne dans l'art.

Vertumne, en particulier le thème de Vertumne et Pomone, eut beaucoup de succès, tant durant l'Antiquité que plus tard, à l'époque classique, séduisant les sculpteurs et peintres européens du XVIe au XVIIIe siècle et leur fournissant un sous-texte érotique dans un scénario où la beauté féminine juvénile formait un contraste avec l'apparence de la vieille femme. En racontant l'histoire des Métamorphoses, Ovide avait observé que le genre de baisers donnés par Vertumne n'avait jamais été donné par une vieille femme : « Le sourire de Circé cache une intention méchante, et les baisers chauds de Vertumne conviennent mal au déguisement d'une vieille femme ».

Catégorie:Divinité romaine liée à l'agriculture

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Vertumne

Prompt: Expliquer la Vertumne dans l'art de cette œuvre d'art, Vertumne.

Vertumne, en particulier le thème de Vertumne et Pomone, eut beaucoup de succès, tant durant l'Antiquité que plus tard, à l'époque classique, séduisant les sculpteurs et peintres européens du XVIe au XVIIIe siècle et leur fournissant un sous-texte érotique dans un scénario où la beauté féminine juvénile formait un contraste avec l'apparence de la vieille femme. En racontant l'histoire des Métamorphoses, Ovide avait observé que le genre de baisers donnés par Vertumne n'avait jamais été donné par une vieille femme : « Le sourire de Circé cache une intention méchante, et les baisers chauds de Vertumne conviennent mal au déguisement d'une vieille femme ».

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Vertumne

Prompt: Comment Vertumne explique-t-il sa Vertumne dans l'art?

Vertumne, en particulier le thème de Vertumne et Pomone, eut beaucoup de succès, tant durant l'Antiquité que plus tard, à l'époque classique, séduisant les sculpteurs et peintres européens du XVIe au XVIIIe siècle et leur fournissant un sous-texte érotique dans un scénario où la beauté féminine juvénile formait un contraste avec l'apparence de la vieille femme. En racontant l'histoire des Métamorphoses, Ovide avait observé que le genre de baisers donnés par Vertumne n'avait jamais été donné par une vieille femme : « Le sourire de Circé cache une intention méchante, et les baisers chauds de Vertumne conviennent mal au déguisement d'une vieille femme ».

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Vertumne

Prompt: Dans Vertumne, comment est discutée la Vertumne dans l'art?

Vertumne, en particulier le thème de Vertumne et Pomone, eut beaucoup de succès, tant durant l'Antiquité que plus tard, à l'époque classique, séduisant les sculpteurs et peintres européens du XVIe au XVIIIe siècle et leur fournissant un sous-texte érotique dans un scénario où la beauté féminine juvénile formait un contraste avec l'apparence de la vieille femme. En racontant l'histoire des Métamorphoses, Ovide avait observé que le genre de baisers donnés par Vertumne n'avait jamais été donné par une vieille femme : « Le sourire de Circé cache une intention méchante, et les baisers chauds de Vertumne conviennent mal au déguisement d'une vieille femme ».

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Vertumne

Prompt: Dans le contexte de Vertumne, expliquez la Opéra, musique et la Vertumne dans l'art.

Le mythe de Pomone et Vertumne est à l'origine de Pomone (1671), pastorale de Robert Cambert sur des paroles de Pierre Perrin. Il s'agit du premier opéra en langue française, c'est-à-dire une pièce de théâtre entièrement en musique : le texte est entièrement chanté, il n'y a pas un mot parlé.Il existe également une cantate (ajoutée à Les amours de Protée, opéra-ballet) titrée Pomone, de Charles-Hubert Gervais, datant de 1720 et évoquant ici aussi les amours des deux dieux.

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Vertumne

Prompt: Expliquer la Opéra, musique concernant la Vertumne dans l'art de cette œuvre d'art, Vertumne.

Le mythe de Pomone et Vertumne est à l'origine de Pomone (1671), pastorale de Robert Cambert sur des paroles de Pierre Perrin. Il s'agit du premier opéra en langue française, c'est-à-dire une pièce de théâtre entièrement en musique : le texte est entièrement chanté, il n'y a pas un mot parlé.Il existe également une cantate (ajoutée à Les amours de Protée, opéra-ballet) titrée Pomone, de Charles-Hubert Gervais, datant de 1720 et évoquant ici aussi les amours des deux dieux.

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Vertumne

Prompt: Dans Vertumne, comment la Opéra, musique de la Vertumne dans l'art est-elle expliquée?

Le mythe de Pomone et Vertumne est à l'origine de Pomone (1671), pastorale de Robert Cambert sur des paroles de Pierre Perrin. Il s'agit du premier opéra en langue française, c'est-à-dire une pièce de théâtre entièrement en musique : le texte est entièrement chanté, il n'y a pas un mot parlé.Il existe également une cantate (ajoutée à Les amours de Protée, opéra-ballet) titrée Pomone, de Charles-Hubert Gervais, datant de 1720 et évoquant ici aussi les amours des deux dieux.

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Vertumne

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Opéra, musique dans la Vertumne dans l'art de Vertumne.

Le mythe de Pomone et Vertumne est à l'origine de Pomone (1671), pastorale de Robert Cambert sur des paroles de Pierre Perrin. Il s'agit du premier opéra en langue française, c'est-à-dire une pièce de théâtre entièrement en musique : le texte est entièrement chanté, il n'y a pas un mot parlé.Il existe également une cantate (ajoutée à Les amours de Protée, opéra-ballet) titrée Pomone, de Charles-Hubert Gervais, datant de 1720 et évoquant ici aussi les amours des deux dieux.

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Vertumne

Prompt: Dans le contexte de Vertumne, expliquez la Littérature et la Vertumne dans l'art.

Le nobel de littérature Joseph Brodsky (1940-1996) écrivit un poème sur Vertumne.

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Vertumne

Prompt: Expliquer la Littérature concernant la Vertumne dans l'art de cette œuvre d'art, Vertumne.

Le nobel de littérature Joseph Brodsky (1940-1996) écrivit un poème sur Vertumne.

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Vertumne

Prompt: Dans Vertumne, comment la Littérature de la Vertumne dans l'art est-elle expliquée?

Le nobel de littérature Joseph Brodsky (1940-1996) écrivit un poème sur Vertumne.

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Vertumne

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Littérature dans la Vertumne dans l'art de Vertumne.

Le nobel de littérature Joseph Brodsky (1940-1996) écrivit un poème sur Vertumne.

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Vertumne

Prompt: Concentrez-vous sur Vertumne et expliquez la Interprétations modernes.

David Littlefield trouve dans l'épisode un mouvement qui s'éloigne des mythes de rapt et viol pour partir vers le désir mutuel, avec comme toile de fond un paysage latin ordonné et « civilisé ».À l'inverse, Roxanne Gentilcore lit plutôt dans sa diction et ses stratégies narratives des images de tromperie, de menace voilée et de séduction, dans lesquelles Pomone, la hamadryade apprivoisé incarnant désormais le verger, n'a pas de voix.

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Vertumne

Prompt: Expliquer la Interprétations modernes de cette œuvre d'art, Vertumne.

David Littlefield trouve dans l'épisode un mouvement qui s'éloigne des mythes de rapt et viol pour partir vers le désir mutuel, avec comme toile de fond un paysage latin ordonné et « civilisé ».À l'inverse, Roxanne Gentilcore lit plutôt dans sa diction et ses stratégies narratives des images de tromperie, de menace voilée et de séduction, dans lesquelles Pomone, la hamadryade apprivoisé incarnant désormais le verger, n'a pas de voix.

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Catégorie:Personnalité des origines de Rome

Catégorie:Divinité romaine d'origine italique

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Vertumne

Prompt: Comment Vertumne explique-t-il sa Interprétations modernes?

David Littlefield trouve dans l'épisode un mouvement qui s'éloigne des mythes de rapt et viol pour partir vers le désir mutuel, avec comme toile de fond un paysage latin ordonné et « civilisé ».À l'inverse, Roxanne Gentilcore lit plutôt dans sa diction et ses stratégies narratives des images de tromperie, de menace voilée et de séduction, dans lesquelles Pomone, la hamadryade apprivoisé incarnant désormais le verger, n'a pas de voix.

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Catégorie:Personnalité des origines de Rome

Catégorie:Divinité romaine d'origine italique

Catégorie:Divinité du temps et du destin

Mosaïque représentant Vertumne, [[Madrid


Vertumne

Prompt: Dans Vertumne, comment est discutée la Interprétations modernes?

David Littlefield trouve dans l'épisode un mouvement qui s'éloigne des mythes de rapt et viol pour partir vers le désir mutuel, avec comme toile de fond un paysage latin ordonné et « civilisé ».À l'inverse, Roxanne Gentilcore lit plutôt dans sa diction et ses stratégies narratives des images de tromperie, de menace voilée et de séduction, dans lesquelles Pomone, la hamadryade apprivoisé incarnant désormais le verger, n'a pas de voix.

Catégorie:Divinité romaine liée à l'agriculture

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Catégorie:Personnalité des origines de Rome

Catégorie:Divinité romaine d'origine italique

Catégorie:Divinité du temps et du destin

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portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Concentrez-vous sur portrait_du_doge_Leonardo_Loredan et expliquez la abstract.

Le Portrait du doge Leonardo Loredan (en italien : Ritratto del doge Leonardo Loredan) est une peinture du maître italien de la Renaissance Giovanni Bellini, datant de vers 1501-1502. Il représente Leonardo Loredan, Doge de Venise de 1501 à 1521, dans ses vêtements d'apparat avec le corno ducale porté sur un bonnet de lin, et est signé IOANNES BELLINVS sur un cartellino. Il est exposé à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, portrait_du_doge_Leonardo_Loredan.

Le Portrait du doge Leonardo Loredan (en italien : Ritratto del doge Leonardo Loredan) est une peinture du maître italien de la Renaissance Giovanni Bellini, datant de vers 1501-1502. Il représente Leonardo Loredan, Doge de Venise de 1501 à 1521, dans ses vêtements d'apparat avec le corno ducale porté sur un bonnet de lin, et est signé IOANNES BELLINVS sur un cartellino. Il est exposé à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Comment portrait_du_doge_Leonardo_Loredan explique-t-il sa abstract?

Le Portrait du doge Leonardo Loredan (en italien : Ritratto del doge Leonardo Loredan) est une peinture du maître italien de la Renaissance Giovanni Bellini, datant de vers 1501-1502. Il représente Leonardo Loredan, Doge de Venise de 1501 à 1521, dans ses vêtements d'apparat avec le corno ducale porté sur un bonnet de lin, et est signé IOANNES BELLINVS sur un cartellino. Il est exposé à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Dans portrait_du_doge_Leonardo_Loredan, comment est discutée la abstract?

Le Portrait du doge Leonardo Loredan (en italien : Ritratto del doge Leonardo Loredan) est une peinture du maître italien de la Renaissance Giovanni Bellini, datant de vers 1501-1502. Il représente Leonardo Loredan, Doge de Venise de 1501 à 1521, dans ses vêtements d'apparat avec le corno ducale porté sur un bonnet de lin, et est signé IOANNES BELLINVS sur un cartellino. Il est exposé à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Concentrez-vous sur portrait_du_doge_Leonardo_Loredan et expliquez la Description.

Ce portrait officiel représente Leonardo Loredan dans ses robes d'État officielles en tant que Doge de Venise, avec ses boutons ornés. Le chapeau de forme distinctive est dérivé du capuchon d'un pourpoint. Le doge porte la cape de cérémonie, confectionné en damas tissé au fil d'or, dont Bellini a magnifiquement rendu le chatoiement. Comme pour les autres portraits traditionnels du Doge, la composition ressemble à un buste de portrait sculpté romain. Le tableau donne une image officielle et figée du modèle, mais il suggère aussi sa personnalité et invite peut être à une méditation sur la vieillesse. Le tableau est signé IOANNES BELLINVS – la forme latine de Giovanni Bellini – sur un cartellino attaché à un parapet à la base de la composition.John Pope-Hennessy a décrit Bellini comme « de loin le plus grand portraitiste officiel du XVe siècle, ajoutant que la tendance à l'idéalité qui nuit à ses portraits privés ici lui a été très utile et lui a permis de codifier, avec une conviction inébranlable, le portrait officiel de la personnalité ».

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, portrait_du_doge_Leonardo_Loredan.

Ce portrait officiel représente Leonardo Loredan dans ses robes d'État officielles en tant que Doge de Venise, avec ses boutons ornés. Le chapeau de forme distinctive est dérivé du capuchon d'un pourpoint. Le doge porte la cape de cérémonie, confectionné en damas tissé au fil d'or, dont Bellini a magnifiquement rendu le chatoiement. Comme pour les autres portraits traditionnels du Doge, la composition ressemble à un buste de portrait sculpté romain. Le tableau donne une image officielle et figée du modèle, mais il suggère aussi sa personnalité et invite peut être à une méditation sur la vieillesse. Le tableau est signé IOANNES BELLINVS – la forme latine de Giovanni Bellini – sur un cartellino attaché à un parapet à la base de la composition.John Pope-Hennessy a décrit Bellini comme « de loin le plus grand portraitiste officiel du XVe siècle, ajoutant que la tendance à l'idéalité qui nuit à ses portraits privés ici lui a été très utile et lui a permis de codifier, avec une conviction inébranlable, le portrait officiel de la personnalité ».

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Comment portrait_du_doge_Leonardo_Loredan explique-t-il sa Description?

Ce portrait officiel représente Leonardo Loredan dans ses robes d'État officielles en tant que Doge de Venise, avec ses boutons ornés. Le chapeau de forme distinctive est dérivé du capuchon d'un pourpoint. Le doge porte la cape de cérémonie, confectionné en damas tissé au fil d'or, dont Bellini a magnifiquement rendu le chatoiement. Comme pour les autres portraits traditionnels du Doge, la composition ressemble à un buste de portrait sculpté romain. Le tableau donne une image officielle et figée du modèle, mais il suggère aussi sa personnalité et invite peut être à une méditation sur la vieillesse. Le tableau est signé IOANNES BELLINVS – la forme latine de Giovanni Bellini – sur un cartellino attaché à un parapet à la base de la composition.John Pope-Hennessy a décrit Bellini comme « de loin le plus grand portraitiste officiel du XVe siècle, ajoutant que la tendance à l'idéalité qui nuit à ses portraits privés ici lui a été très utile et lui a permis de codifier, avec une conviction inébranlable, le portrait officiel de la personnalité ».

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Dans portrait_du_doge_Leonardo_Loredan, comment est discutée la Description?

Ce portrait officiel représente Leonardo Loredan dans ses robes d'État officielles en tant que Doge de Venise, avec ses boutons ornés. Le chapeau de forme distinctive est dérivé du capuchon d'un pourpoint. Le doge porte la cape de cérémonie, confectionné en damas tissé au fil d'or, dont Bellini a magnifiquement rendu le chatoiement. Comme pour les autres portraits traditionnels du Doge, la composition ressemble à un buste de portrait sculpté romain. Le tableau donne une image officielle et figée du modèle, mais il suggère aussi sa personnalité et invite peut être à une méditation sur la vieillesse. Le tableau est signé IOANNES BELLINVS – la forme latine de Giovanni Bellini – sur un cartellino attaché à un parapet à la base de la composition.John Pope-Hennessy a décrit Bellini comme « de loin le plus grand portraitiste officiel du XVe siècle, ajoutant que la tendance à l'idéalité qui nuit à ses portraits privés ici lui a été très utile et lui a permis de codifier, avec une conviction inébranlable, le portrait officiel de la personnalité ».

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Concentrez-vous sur portrait_du_doge_Leonardo_Loredan et expliquez la Provenance.

Le tableau aurait initialement été à Venise et a probablement été pillé lorsque Napoléon a conquis la ville. Il a été acheté en 1807 pour 13 guinées par William Thomas Beckford, qui, en 1844, l'a vendu à la National Gallery pour 630 £.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Expliquer la Provenance de cette œuvre d'art, portrait_du_doge_Leonardo_Loredan.

Le tableau aurait initialement été à Venise et a probablement été pillé lorsque Napoléon a conquis la ville. Il a été acheté en 1807 pour 13 guinées par William Thomas Beckford, qui, en 1844, l'a vendu à la National Gallery pour 630 £.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Comment portrait_du_doge_Leonardo_Loredan explique-t-il sa Provenance?

Le tableau aurait initialement été à Venise et a probablement été pillé lorsque Napoléon a conquis la ville. Il a été acheté en 1807 pour 13 guinées par William Thomas Beckford, qui, en 1844, l'a vendu à la National Gallery pour 630 £.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


portrait_du_doge_Leonardo_Loredan

Prompt: Dans portrait_du_doge_Leonardo_Loredan, comment est discutée la Provenance?

Le tableau aurait initialement été à Venise et a probablement été pillé lorsque Napoléon a conquis la ville. Il a été acheté en 1807 pour 13 guinées par William Thomas Beckford, qui, en 1844, l'a vendu à la National Gallery pour 630 £.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_d'une_jeune_femme et expliquez la abstract.

Portrait d’une jeune femme est une peinture de l'artiste néerlandais Johannes Vermeer réalisée entre 1665 et 1667. Elle est conservée au Metropolitan Museum of Art de New York.En raison de sa taille quasi identique et de la proximité de la composition, ce tableau est souvent considéré comme étant une variante d'un précédent tableau de Vermeer, La Jeune Fille à la perle. Les sujets des deux tableaux ont des boucles d'oreilles en perles, un foulard et sont présentés devant un fond uni noir.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Portrait_d'une_jeune_femme.

Portrait d’une jeune femme est une peinture de l'artiste néerlandais Johannes Vermeer réalisée entre 1665 et 1667. Elle est conservée au Metropolitan Museum of Art de New York.En raison de sa taille quasi identique et de la proximité de la composition, ce tableau est souvent considéré comme étant une variante d'un précédent tableau de Vermeer, La Jeune Fille à la perle. Les sujets des deux tableaux ont des boucles d'oreilles en perles, un foulard et sont présentés devant un fond uni noir.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Comment Portrait_d'une_jeune_femme explique-t-il sa abstract?

Portrait d’une jeune femme est une peinture de l'artiste néerlandais Johannes Vermeer réalisée entre 1665 et 1667. Elle est conservée au Metropolitan Museum of Art de New York.En raison de sa taille quasi identique et de la proximité de la composition, ce tableau est souvent considéré comme étant une variante d'un précédent tableau de Vermeer, La Jeune Fille à la perle. Les sujets des deux tableaux ont des boucles d'oreilles en perles, un foulard et sont présentés devant un fond uni noir.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Dans Portrait_d'une_jeune_femme, comment est discutée la abstract?

Portrait d’une jeune femme est une peinture de l'artiste néerlandais Johannes Vermeer réalisée entre 1665 et 1667. Elle est conservée au Metropolitan Museum of Art de New York.En raison de sa taille quasi identique et de la proximité de la composition, ce tableau est souvent considéré comme étant une variante d'un précédent tableau de Vermeer, La Jeune Fille à la perle. Les sujets des deux tableaux ont des boucles d'oreilles en perles, un foulard et sont présentés devant un fond uni noir.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_d'une_jeune_femme et expliquez la Appartenances.

Cette peinture a appartenu à Pieter Claesz van Ruijven de Delft avant 1674 puis à sa famille proche jusque 1695. Il a certainement appartenu au Dr. Luchtmans qui le vend à Rotterdam en avril 1816. Le Prince Auguste Marie Raymond d'Arenberg possède la peinture en 1829 et la conserve au sein de sa famille. En 1951, le tableau est vendu par la société Jacques Seligmann & Company.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Expliquer la Appartenances de cette œuvre d'art, Portrait_d'une_jeune_femme.

Cette peinture a appartenu à Pieter Claesz van Ruijven de Delft avant 1674 puis à sa famille proche jusque 1695. Il a certainement appartenu au Dr. Luchtmans qui le vend à Rotterdam en avril 1816. Le Prince Auguste Marie Raymond d'Arenberg possède la peinture en 1829 et la conserve au sein de sa famille. En 1951, le tableau est vendu par la société Jacques Seligmann & Company.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Comment Portrait_d'une_jeune_femme explique-t-il sa Appartenances?

Cette peinture a appartenu à Pieter Claesz van Ruijven de Delft avant 1674 puis à sa famille proche jusque 1695. Il a certainement appartenu au Dr. Luchtmans qui le vend à Rotterdam en avril 1816. Le Prince Auguste Marie Raymond d'Arenberg possède la peinture en 1829 et la conserve au sein de sa famille. En 1951, le tableau est vendu par la société Jacques Seligmann & Company.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Portrait_d'une_jeune_femme

Prompt: Dans Portrait_d'une_jeune_femme, comment est discutée la Appartenances?

Cette peinture a appartenu à Pieter Claesz van Ruijven de Delft avant 1674 puis à sa famille proche jusque 1695. Il a certainement appartenu au Dr. Luchtmans qui le vend à Rotterdam en avril 1816. Le Prince Auguste Marie Raymond d'Arenberg possède la peinture en 1829 et la conserve au sein de sa famille. En 1951, le tableau est vendu par la société Jacques Seligmann & Company.

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Catégorie:Tableau conservé au Metropolitan Museum of Art


Triptyque_des_ermites

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_des_ermites et expliquez la abstract.

Le Triptyque des ermites est un triptyque du peintre primitif flamand Jérôme Bosch. La date de réalisation est estimée à 1505, ce qui en fait une des œuvres tardives de l'artiste. Le panneau central est une huile sur panneau qui mesure 86 × 60 cm. Il est actuellement exposé aux Galeries de l'Académie à Venise.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Triptyque_des_ermites.

Le Triptyque des ermites est un triptyque du peintre primitif flamand Jérôme Bosch. La date de réalisation est estimée à 1505, ce qui en fait une des œuvres tardives de l'artiste. Le panneau central est une huile sur panneau qui mesure 86 × 60 cm. Il est actuellement exposé aux Galeries de l'Académie à Venise.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Comment Triptyque_des_ermites explique-t-il sa abstract?

Le Triptyque des ermites est un triptyque du peintre primitif flamand Jérôme Bosch. La date de réalisation est estimée à 1505, ce qui en fait une des œuvres tardives de l'artiste. Le panneau central est une huile sur panneau qui mesure 86 × 60 cm. Il est actuellement exposé aux Galeries de l'Académie à Venise.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Dans Triptyque_des_ermites, comment est discutée la abstract?

Le Triptyque des ermites est un triptyque du peintre primitif flamand Jérôme Bosch. La date de réalisation est estimée à 1505, ce qui en fait une des œuvres tardives de l'artiste. Le panneau central est une huile sur panneau qui mesure 86 × 60 cm. Il est actuellement exposé aux Galeries de l'Académie à Venise.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_des_ermites et expliquez la Description.

Le panneau de gauche représente saint Antoine, avec un village en feu à l'arrière-plan. Le panneau central représente saint Jérôme dans le désert. Le panneau de droite représente saint Gilles priant dans une grotte.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Triptyque_des_ermites.

Le panneau de gauche représente saint Antoine, avec un village en feu à l'arrière-plan. Le panneau central représente saint Jérôme dans le désert. Le panneau de droite représente saint Gilles priant dans une grotte.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Comment Triptyque_des_ermites explique-t-il sa Description?

Le panneau de gauche représente saint Antoine, avec un village en feu à l'arrière-plan. Le panneau central représente saint Jérôme dans le désert. Le panneau de droite représente saint Gilles priant dans une grotte.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_des_ermites

Prompt: Dans Triptyque_des_ermites, comment est discutée la Description?

Le panneau de gauche représente saint Antoine, avec un village en feu à l'arrière-plan. Le panneau central représente saint Jérôme dans le désert. Le panneau de droite représente saint Gilles priant dans une grotte.

Catégorie:Œuvre conservée aux galeries de l'Académie de Venise

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Triptyque_Portinari

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_Portinari et expliquez la abstract.

Le triptyque Portinari, une huile sur bois de grand format, dont le panneau central représente l’Adoration des bergers est peint, vers 1475, par le peintre primitif flamand Hugo van der Goes. Il est conservé à la galerie des Offices à Florence.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

Fichier:Hugo van der goes portinari triptych left.jpg

Catégorie:Marguerite d'Antioche dans la peinture

Œuvres de Hugo van der Goes sur Wikidata

Fichier:Hugo van der goes portinari triptych closed.jpg

Fichier:Hugo van der goes portinari triptych right.jpg

Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

Catégorie:Fuite en Égypte dans la peinture

Catégorie:Antoine le Grand dans la peinture

Basilique de la Nativité de Bethléem#Grotte de la Nativité

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

:Wikidata:Wikidata:WikiProject sum of all paintings/Creator/Hugo van der Goes


Triptyque_Portinari

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Triptyque_Portinari.

Le triptyque Portinari, une huile sur bois de grand format, dont le panneau central représente l’Adoration des bergers est peint, vers 1475, par le peintre primitif flamand Hugo van der Goes. Il est conservé à la galerie des Offices à Florence.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Catégorie:Marguerite d'Antioche dans la peinture

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Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

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Triptyque_Portinari

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Le triptyque Portinari, une huile sur bois de grand format, dont le panneau central représente l’Adoration des bergers est peint, vers 1475, par le peintre primitif flamand Hugo van der Goes. Il est conservé à la galerie des Offices à Florence.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Catégorie:Marguerite d'Antioche dans la peinture

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Triptyque_Portinari

Prompt: Dans Triptyque_Portinari, comment est discutée la abstract?

Le triptyque Portinari, une huile sur bois de grand format, dont le panneau central représente l’Adoration des bergers est peint, vers 1475, par le peintre primitif flamand Hugo van der Goes. Il est conservé à la galerie des Offices à Florence.

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Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Triptyque_Portinari

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_Portinari et expliquez la Description.

Le panneau central est une représentation de l'Adoration des bergers. Dans une étable en plein air, l’enfant Jésus n’est pas couché dans un berceau mais il repose à même le sol, sur un faisceau de rayons dorés, thème iconographique qui vient du succès d’un ouvrage de dévotion de la fin du XIVe siècle, intitulé Revelationes coelestes (« Célestes révélations »), qui raconte le récit de sa naissance vue en vision par Brigitte de Suède, lors d’une prière dans la grotte de la nativité, au mois de juin 1372. Autour de l’enfant, neuf anges agenouillés, Joseph, la Vierge et trois bergers participent à cette adoration. Hugo van der Goes a peint ces derniers de façon très réaliste et l’expression des visages, la gestuelle de leurs mains s'opposent à l’austérité et au hiératisme des autres personnages.Le peintre dispose au premier plan une nature morte, d’une facture très soignée, composée d’une gerbe d’épis de blé et de deux vases, l’un contenant des lys rouges, des iris blancs et bleus, l’autre des œillets et des ancolies, tandis que le sol est jonché de violettes.À l’arrière-plan et dans le coin supérieur droit, Hugo van der Goes a inséré la scène relative à l’annonce faite aux bergers.La famille Portinari est représentée sur les panneaux latéraux. Le panneau de gauche est consacré aux hommes. Tommaso Portinari, agenouillé et ses deux fils, dans la même position derrière leur père, y figurent et sont, à l’exception de Pigello, le plus jeune des fils, sous la protection de leur saint patron respectif. De taille beaucoup plus grande par rapport aux donateurs, saint Thomas tient la lance, l’instrument de sa mise à mort, et saint Antoine une clochette et un rosaire. À l’arrière-plan de ce panneau, sur un sentier rocheux, Joseph et Marie, enceinte, se rendent à Bethléem, pour le recensement.Le panneau de droite est consacré aux femmes avec la représentation de l’épouse de Tommaso, Maria di Francesco Baroncelli et de leur fille Margherita. Comme pour le panneau de gauche, elles sont agenouillées et sous la protection de leur sainte patronne, Marie-Madeleine avec le pot d’onguent et Marguerite d'Antioche, avec le livre ouvert et dont le pied est posé sur le dragon qui veut la dévorer. À l’arrière-plan, sur leur monture et somptueusement vêtus, les trois rois mages viennent adorer le nouveau-né.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

Fichier:Hugo van der goes portinari triptych left.jpg

Catégorie:Marguerite d'Antioche dans la peinture

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Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

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Triptyque_Portinari

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Triptyque_Portinari.

Le panneau central est une représentation de l'Adoration des bergers. Dans une étable en plein air, l’enfant Jésus n’est pas couché dans un berceau mais il repose à même le sol, sur un faisceau de rayons dorés, thème iconographique qui vient du succès d’un ouvrage de dévotion de la fin du XIVe siècle, intitulé Revelationes coelestes (« Célestes révélations »), qui raconte le récit de sa naissance vue en vision par Brigitte de Suède, lors d’une prière dans la grotte de la nativité, au mois de juin 1372. Autour de l’enfant, neuf anges agenouillés, Joseph, la Vierge et trois bergers participent à cette adoration. Hugo van der Goes a peint ces derniers de façon très réaliste et l’expression des visages, la gestuelle de leurs mains s'opposent à l’austérité et au hiératisme des autres personnages.Le peintre dispose au premier plan une nature morte, d’une facture très soignée, composée d’une gerbe d’épis de blé et de deux vases, l’un contenant des lys rouges, des iris blancs et bleus, l’autre des œillets et des ancolies, tandis que le sol est jonché de violettes.À l’arrière-plan et dans le coin supérieur droit, Hugo van der Goes a inséré la scène relative à l’annonce faite aux bergers.La famille Portinari est représentée sur les panneaux latéraux. Le panneau de gauche est consacré aux hommes. Tommaso Portinari, agenouillé et ses deux fils, dans la même position derrière leur père, y figurent et sont, à l’exception de Pigello, le plus jeune des fils, sous la protection de leur saint patron respectif. De taille beaucoup plus grande par rapport aux donateurs, saint Thomas tient la lance, l’instrument de sa mise à mort, et saint Antoine une clochette et un rosaire. À l’arrière-plan de ce panneau, sur un sentier rocheux, Joseph et Marie, enceinte, se rendent à Bethléem, pour le recensement.Le panneau de droite est consacré aux femmes avec la représentation de l’épouse de Tommaso, Maria di Francesco Baroncelli et de leur fille Margherita. Comme pour le panneau de gauche, elles sont agenouillées et sous la protection de leur sainte patronne, Marie-Madeleine avec le pot d’onguent et Marguerite d'Antioche, avec le livre ouvert et dont le pied est posé sur le dragon qui veut la dévorer. À l’arrière-plan, sur leur monture et somptueusement vêtus, les trois rois mages viennent adorer le nouveau-né.

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Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Triptyque_Portinari

Prompt: Comment Triptyque_Portinari explique-t-il sa Description?

Le panneau central est une représentation de l'Adoration des bergers. Dans une étable en plein air, l’enfant Jésus n’est pas couché dans un berceau mais il repose à même le sol, sur un faisceau de rayons dorés, thème iconographique qui vient du succès d’un ouvrage de dévotion de la fin du XIVe siècle, intitulé Revelationes coelestes (« Célestes révélations »), qui raconte le récit de sa naissance vue en vision par Brigitte de Suède, lors d’une prière dans la grotte de la nativité, au mois de juin 1372. Autour de l’enfant, neuf anges agenouillés, Joseph, la Vierge et trois bergers participent à cette adoration. Hugo van der Goes a peint ces derniers de façon très réaliste et l’expression des visages, la gestuelle de leurs mains s'opposent à l’austérité et au hiératisme des autres personnages.Le peintre dispose au premier plan une nature morte, d’une facture très soignée, composée d’une gerbe d’épis de blé et de deux vases, l’un contenant des lys rouges, des iris blancs et bleus, l’autre des œillets et des ancolies, tandis que le sol est jonché de violettes.À l’arrière-plan et dans le coin supérieur droit, Hugo van der Goes a inséré la scène relative à l’annonce faite aux bergers.La famille Portinari est représentée sur les panneaux latéraux. Le panneau de gauche est consacré aux hommes. Tommaso Portinari, agenouillé et ses deux fils, dans la même position derrière leur père, y figurent et sont, à l’exception de Pigello, le plus jeune des fils, sous la protection de leur saint patron respectif. De taille beaucoup plus grande par rapport aux donateurs, saint Thomas tient la lance, l’instrument de sa mise à mort, et saint Antoine une clochette et un rosaire. À l’arrière-plan de ce panneau, sur un sentier rocheux, Joseph et Marie, enceinte, se rendent à Bethléem, pour le recensement.Le panneau de droite est consacré aux femmes avec la représentation de l’épouse de Tommaso, Maria di Francesco Baroncelli et de leur fille Margherita. Comme pour le panneau de gauche, elles sont agenouillées et sous la protection de leur sainte patronne, Marie-Madeleine avec le pot d’onguent et Marguerite d'Antioche, avec le livre ouvert et dont le pied est posé sur le dragon qui veut la dévorer. À l’arrière-plan, sur leur monture et somptueusement vêtus, les trois rois mages viennent adorer le nouveau-né.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Triptyque_Portinari

Prompt: Dans Triptyque_Portinari, comment est discutée la Description?

Le panneau central est une représentation de l'Adoration des bergers. Dans une étable en plein air, l’enfant Jésus n’est pas couché dans un berceau mais il repose à même le sol, sur un faisceau de rayons dorés, thème iconographique qui vient du succès d’un ouvrage de dévotion de la fin du XIVe siècle, intitulé Revelationes coelestes (« Célestes révélations »), qui raconte le récit de sa naissance vue en vision par Brigitte de Suède, lors d’une prière dans la grotte de la nativité, au mois de juin 1372. Autour de l’enfant, neuf anges agenouillés, Joseph, la Vierge et trois bergers participent à cette adoration. Hugo van der Goes a peint ces derniers de façon très réaliste et l’expression des visages, la gestuelle de leurs mains s'opposent à l’austérité et au hiératisme des autres personnages.Le peintre dispose au premier plan une nature morte, d’une facture très soignée, composée d’une gerbe d’épis de blé et de deux vases, l’un contenant des lys rouges, des iris blancs et bleus, l’autre des œillets et des ancolies, tandis que le sol est jonché de violettes.À l’arrière-plan et dans le coin supérieur droit, Hugo van der Goes a inséré la scène relative à l’annonce faite aux bergers.La famille Portinari est représentée sur les panneaux latéraux. Le panneau de gauche est consacré aux hommes. Tommaso Portinari, agenouillé et ses deux fils, dans la même position derrière leur père, y figurent et sont, à l’exception de Pigello, le plus jeune des fils, sous la protection de leur saint patron respectif. De taille beaucoup plus grande par rapport aux donateurs, saint Thomas tient la lance, l’instrument de sa mise à mort, et saint Antoine une clochette et un rosaire. À l’arrière-plan de ce panneau, sur un sentier rocheux, Joseph et Marie, enceinte, se rendent à Bethléem, pour le recensement.Le panneau de droite est consacré aux femmes avec la représentation de l’épouse de Tommaso, Maria di Francesco Baroncelli et de leur fille Margherita. Comme pour le panneau de gauche, elles sont agenouillées et sous la protection de leur sainte patronne, Marie-Madeleine avec le pot d’onguent et Marguerite d'Antioche, avec le livre ouvert et dont le pied est posé sur le dragon qui veut la dévorer. À l’arrière-plan, sur leur monture et somptueusement vêtus, les trois rois mages viennent adorer le nouveau-né.

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Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

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Triptyque_Portinari

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_Portinari et expliquez la Symboles et références bibliques.

Ce triptyque comporte de nombreux symboles et références bibliques. En cela, Hugo van der Goes se conforme au symbolisme en cours à son époque :la sandale aux pieds de Joseph est une allusion au chapitre 3.5 de l’Exode quand Dieu dit à Moïse :« N'approche pas d'ici, ôte tes souliers de tes pieds, car le lieu sur lequel tu te tiens est une terre sainte. » ;les neuf anges agenouillés correspondent aux neuf chœurs angéliques : les séraphins, les chérubins, les trônes, les dominations, les puissances, les vertus, les principautés, les archanges et les anges ; différemment habillés, ils portent les vêtements liturgiques propres aux ordres majeurs et mineurs en vigueur avant la réforme issue du concile Vatican II ;la harpe sculptée au-dessus de la porte d’entrée du bâtiment situé à l’arrière plan du panneau central est le symbole représentant David, et rappelle la lignée dont est issu Joseph ;la gerbe d’épis de blé évoque Bethléem, la « maison du pain » en hébreu et plus probablement l’Eucharistie ;les lis et œillets rouges sont une allusion, respectivement, au sang du Christ et à sa passion ;les iris blancs symbolisent la pureté, la virginité de la Vierge et les bleus sa douleur ;les ancolies sont le symbole du Saint-Esprit et les violettes représentent l’humilité.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

Fichier:Hugo van der goes portinari triptych left.jpg

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Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

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Basilique de la Nativité de Bethléem#Grotte de la Nativité

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Triptyque_Portinari

Prompt: Expliquer la Symboles et références bibliques de cette œuvre d'art, Triptyque_Portinari.

Ce triptyque comporte de nombreux symboles et références bibliques. En cela, Hugo van der Goes se conforme au symbolisme en cours à son époque :la sandale aux pieds de Joseph est une allusion au chapitre 3.5 de l’Exode quand Dieu dit à Moïse :« N'approche pas d'ici, ôte tes souliers de tes pieds, car le lieu sur lequel tu te tiens est une terre sainte. » ;les neuf anges agenouillés correspondent aux neuf chœurs angéliques : les séraphins, les chérubins, les trônes, les dominations, les puissances, les vertus, les principautés, les archanges et les anges ; différemment habillés, ils portent les vêtements liturgiques propres aux ordres majeurs et mineurs en vigueur avant la réforme issue du concile Vatican II ;la harpe sculptée au-dessus de la porte d’entrée du bâtiment situé à l’arrière plan du panneau central est le symbole représentant David, et rappelle la lignée dont est issu Joseph ;la gerbe d’épis de blé évoque Bethléem, la « maison du pain » en hébreu et plus probablement l’Eucharistie ;les lis et œillets rouges sont une allusion, respectivement, au sang du Christ et à sa passion ;les iris blancs symbolisent la pureté, la virginité de la Vierge et les bleus sa douleur ;les ancolies sont le symbole du Saint-Esprit et les violettes représentent l’humilité.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Catégorie:Marguerite d'Antioche dans la peinture

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Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

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Basilique de la Nativité de Bethléem#Grotte de la Nativité

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Triptyque_Portinari

Prompt: Comment Triptyque_Portinari explique-t-il sa Symboles et références bibliques?

Ce triptyque comporte de nombreux symboles et références bibliques. En cela, Hugo van der Goes se conforme au symbolisme en cours à son époque :la sandale aux pieds de Joseph est une allusion au chapitre 3.5 de l’Exode quand Dieu dit à Moïse :« N'approche pas d'ici, ôte tes souliers de tes pieds, car le lieu sur lequel tu te tiens est une terre sainte. » ;les neuf anges agenouillés correspondent aux neuf chœurs angéliques : les séraphins, les chérubins, les trônes, les dominations, les puissances, les vertus, les principautés, les archanges et les anges ; différemment habillés, ils portent les vêtements liturgiques propres aux ordres majeurs et mineurs en vigueur avant la réforme issue du concile Vatican II ;la harpe sculptée au-dessus de la porte d’entrée du bâtiment situé à l’arrière plan du panneau central est le symbole représentant David, et rappelle la lignée dont est issu Joseph ;la gerbe d’épis de blé évoque Bethléem, la « maison du pain » en hébreu et plus probablement l’Eucharistie ;les lis et œillets rouges sont une allusion, respectivement, au sang du Christ et à sa passion ;les iris blancs symbolisent la pureté, la virginité de la Vierge et les bleus sa douleur ;les ancolies sont le symbole du Saint-Esprit et les violettes représentent l’humilité.

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Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Triptyque_Portinari

Prompt: Dans Triptyque_Portinari, comment est discutée la Symboles et références bibliques?

Ce triptyque comporte de nombreux symboles et références bibliques. En cela, Hugo van der Goes se conforme au symbolisme en cours à son époque :la sandale aux pieds de Joseph est une allusion au chapitre 3.5 de l’Exode quand Dieu dit à Moïse :« N'approche pas d'ici, ôte tes souliers de tes pieds, car le lieu sur lequel tu te tiens est une terre sainte. » ;les neuf anges agenouillés correspondent aux neuf chœurs angéliques : les séraphins, les chérubins, les trônes, les dominations, les puissances, les vertus, les principautés, les archanges et les anges ; différemment habillés, ils portent les vêtements liturgiques propres aux ordres majeurs et mineurs en vigueur avant la réforme issue du concile Vatican II ;la harpe sculptée au-dessus de la porte d’entrée du bâtiment situé à l’arrière plan du panneau central est le symbole représentant David, et rappelle la lignée dont est issu Joseph ;la gerbe d’épis de blé évoque Bethléem, la « maison du pain » en hébreu et plus probablement l’Eucharistie ;les lis et œillets rouges sont une allusion, respectivement, au sang du Christ et à sa passion ;les iris blancs symbolisent la pureté, la virginité de la Vierge et les bleus sa douleur ;les ancolies sont le symbole du Saint-Esprit et les violettes représentent l’humilité.

Ordre (sacrement)#Ordres majeurs et mineurs

Adoration des bergers (Hugo van der Goes)

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Catégorie:Marie Madeleine dans la peinture

Catégorie:Fuite en Égypte dans la peinture

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La_Maja_vêtue

Prompt: Concentrez-vous sur La_Maja_vêtue et expliquez la abstract.

La Maja vêtue (La Maja vestida) est une des œuvres les plus connues du peintre espagnol Francisco de Goya. Réalisée à l'huile vers 1800-1803, elle mesure 95 × 188 cm. Elle est conservée à Madrid au musée du Prado depuis 1910, après avoir été exposée longtemps à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_vêtue

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Maja_vêtue.

La Maja vêtue (La Maja vestida) est une des œuvres les plus connues du peintre espagnol Francisco de Goya. Réalisée à l'huile vers 1800-1803, elle mesure 95 × 188 cm. Elle est conservée à Madrid au musée du Prado depuis 1910, après avoir été exposée longtemps à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_vêtue

Prompt: Comment La_Maja_vêtue explique-t-il sa abstract?

La Maja vêtue (La Maja vestida) est une des œuvres les plus connues du peintre espagnol Francisco de Goya. Réalisée à l'huile vers 1800-1803, elle mesure 95 × 188 cm. Elle est conservée à Madrid au musée du Prado depuis 1910, après avoir été exposée longtemps à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_vêtue

Prompt: Dans La_Maja_vêtue, comment est discutée la abstract?

La Maja vêtue (La Maja vestida) est une des œuvres les plus connues du peintre espagnol Francisco de Goya. Réalisée à l'huile vers 1800-1803, elle mesure 95 × 188 cm. Elle est conservée à Madrid au musée du Prado depuis 1910, après avoir été exposée longtemps à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand


La_Maja_vêtue

Prompt: Concentrez-vous sur La_Maja_vêtue et expliquez la Histoire.

À l'origine, cette peinture et sa variante, La Maja nue, étaient appelées « Gitanes » et non pas « Majas ». C'est sous ce nom qu'elles apparaissent dans l'inventaire des biens de Manuel Godoy, qui a été leur premier propriétaire. On suppose qu'elles étaient placées l'une sur l'autre, La Maja vêtue sur La Maja nue, afin de surprendre le public des courtisans.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Maja_vêtue.

À l'origine, cette peinture et sa variante, La Maja nue, étaient appelées « Gitanes » et non pas « Majas ». C'est sous ce nom qu'elles apparaissent dans l'inventaire des biens de Manuel Godoy, qui a été leur premier propriétaire. On suppose qu'elles étaient placées l'une sur l'autre, La Maja vêtue sur La Maja nue, afin de surprendre le public des courtisans.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

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La_Maja_vêtue

Prompt: Comment La_Maja_vêtue explique-t-il sa Histoire?

À l'origine, cette peinture et sa variante, La Maja nue, étaient appelées « Gitanes » et non pas « Majas ». C'est sous ce nom qu'elles apparaissent dans l'inventaire des biens de Manuel Godoy, qui a été leur premier propriétaire. On suppose qu'elles étaient placées l'une sur l'autre, La Maja vêtue sur La Maja nue, afin de surprendre le public des courtisans.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Dans La_Maja_vêtue, comment est discutée la Histoire?

À l'origine, cette peinture et sa variante, La Maja nue, étaient appelées « Gitanes » et non pas « Majas ». C'est sous ce nom qu'elles apparaissent dans l'inventaire des biens de Manuel Godoy, qui a été leur premier propriétaire. On suppose qu'elles étaient placées l'une sur l'autre, La Maja vêtue sur La Maja nue, afin de surprendre le public des courtisans.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Concentrez-vous sur La_Maja_vêtue et expliquez la Analyse du tableau.

La façon dont le costume blanc de cette Maja entoure le personnage, en particulier le sexe et les seins, fait qu'elle a l'air plus nue que l'autre. Une ceinture rose se détache, nouée autour de la taille. La note de couleur du tableau est apportée par le boléro, semblable à celui des toreros, dont les manches orangées se terminent par des poignets garnis de dentelle noire. Elle porte de petites chaussures dorées.Goya l'a peinte à coups de pinceaux vifs, pâteux et très libres, contrairement à la Maja nue, dans laquelle le peintre s'est montré plus soigneux dans le traitement de la carnation et des ombres. Le personnage de la Maja est baigné d'une lumière qui met en valeur les différentes textures.C'est la même femme qui dans les deux cas a été peinte, étendue sur un lit et regardant directement celui qui l'observe. On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe,puisqu'à la mort de cette dernière, en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage aurait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'aurait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.On s'est également interrogé sur l'objet rougeâtre qu'on aperçoit sous les coussins, certains ont pensé qu'il s'agissait du manche d'une dague ou d'un poignard, ce qui accentuerait les connotations romanesques et érotiques du portrait. Selon d'autres sources ce serait un éventail fermé.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Expliquer la Analyse du tableau de cette œuvre d'art, La_Maja_vêtue.

La façon dont le costume blanc de cette Maja entoure le personnage, en particulier le sexe et les seins, fait qu'elle a l'air plus nue que l'autre. Une ceinture rose se détache, nouée autour de la taille. La note de couleur du tableau est apportée par le boléro, semblable à celui des toreros, dont les manches orangées se terminent par des poignets garnis de dentelle noire. Elle porte de petites chaussures dorées.Goya l'a peinte à coups de pinceaux vifs, pâteux et très libres, contrairement à la Maja nue, dans laquelle le peintre s'est montré plus soigneux dans le traitement de la carnation et des ombres. Le personnage de la Maja est baigné d'une lumière qui met en valeur les différentes textures.C'est la même femme qui dans les deux cas a été peinte, étendue sur un lit et regardant directement celui qui l'observe. On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe,puisqu'à la mort de cette dernière, en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage aurait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'aurait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.On s'est également interrogé sur l'objet rougeâtre qu'on aperçoit sous les coussins, certains ont pensé qu'il s'agissait du manche d'une dague ou d'un poignard, ce qui accentuerait les connotations romanesques et érotiques du portrait. Selon d'autres sources ce serait un éventail fermé.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Comment La_Maja_vêtue explique-t-il sa Analyse du tableau?

La façon dont le costume blanc de cette Maja entoure le personnage, en particulier le sexe et les seins, fait qu'elle a l'air plus nue que l'autre. Une ceinture rose se détache, nouée autour de la taille. La note de couleur du tableau est apportée par le boléro, semblable à celui des toreros, dont les manches orangées se terminent par des poignets garnis de dentelle noire. Elle porte de petites chaussures dorées.Goya l'a peinte à coups de pinceaux vifs, pâteux et très libres, contrairement à la Maja nue, dans laquelle le peintre s'est montré plus soigneux dans le traitement de la carnation et des ombres. Le personnage de la Maja est baigné d'une lumière qui met en valeur les différentes textures.C'est la même femme qui dans les deux cas a été peinte, étendue sur un lit et regardant directement celui qui l'observe. On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe,puisqu'à la mort de cette dernière, en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage aurait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'aurait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.On s'est également interrogé sur l'objet rougeâtre qu'on aperçoit sous les coussins, certains ont pensé qu'il s'agissait du manche d'une dague ou d'un poignard, ce qui accentuerait les connotations romanesques et érotiques du portrait. Selon d'autres sources ce serait un éventail fermé.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


La_Maja_vêtue

Prompt: Dans La_Maja_vêtue, comment est discutée la Analyse du tableau?

La façon dont le costume blanc de cette Maja entoure le personnage, en particulier le sexe et les seins, fait qu'elle a l'air plus nue que l'autre. Une ceinture rose se détache, nouée autour de la taille. La note de couleur du tableau est apportée par le boléro, semblable à celui des toreros, dont les manches orangées se terminent par des poignets garnis de dentelle noire. Elle porte de petites chaussures dorées.Goya l'a peinte à coups de pinceaux vifs, pâteux et très libres, contrairement à la Maja nue, dans laquelle le peintre s'est montré plus soigneux dans le traitement de la carnation et des ombres. Le personnage de la Maja est baigné d'une lumière qui met en valeur les différentes textures.C'est la même femme qui dans les deux cas a été peinte, étendue sur un lit et regardant directement celui qui l'observe. On a supposé que la personne représentée était la duchesse d'Albe,puisqu'à la mort de cette dernière, en 1802, tous ses tableaux passèrent en propriété à Godoy, dont on sait que les deux Majas lui ont appartenu, de la même façon que ce qui s'est passé pour la Vénus à son miroir de Velázquez. Malgré tout, il n'existe aucune preuve décisive que ce visage aurait appartenu à la duchesse, ni que La Maja nue n'aurait pu parvenir à Godoy d'une autre façon, par exemple par une commande directe qu'aurait faite Goya. Pour de nombreux historiens, d'ailleurs, il s'agirait plutôt de Pepita Tudó, maîtresse du premier ministre Manuel Godoy et peinte pour son cabinet secret.On s'est également interrogé sur l'objet rougeâtre qu'on aperçoit sous les coussins, certains ont pensé qu'il s'agissait du manche d'une dague ou d'un poignard, ce qui accentuerait les connotations romanesques et érotiques du portrait. Selon d'autres sources ce serait un éventail fermé.

Catégorie:Œuvre de Francisco de Goya au musée du Prado

Académie royale des Beaux-Arts Saint-Ferdinand

Académie royale des beaux-arts de San Fernando


Tomioka_Tessai

Prompt: Concentrez-vous sur Tomioka_Tessai et expliquez la abstract.

Tomioka Tessai 富岡 鉄斎 (né le 25 janvier 1837, mort le 31 décembre 1924) est un peintre japonais. Il est l’un des derniers grands peintres de la tradition chinoise des lettrés au Japon.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Tomioka_Tessai.

Tomioka Tessai 富岡 鉄斎 (né le 25 janvier 1837, mort le 31 décembre 1924) est un peintre japonais. Il est l’un des derniers grands peintres de la tradition chinoise des lettrés au Japon.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Comment Tomioka_Tessai explique-t-il sa abstract?

Tomioka Tessai 富岡 鉄斎 (né le 25 janvier 1837, mort le 31 décembre 1924) est un peintre japonais. Il est l’un des derniers grands peintres de la tradition chinoise des lettrés au Japon.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Dans Tomioka_Tessai, comment est discutée la abstract?

Tomioka Tessai 富岡 鉄斎 (né le 25 janvier 1837, mort le 31 décembre 1924) est un peintre japonais. Il est l’un des derniers grands peintres de la tradition chinoise des lettrés au Japon.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Concentrez-vous sur Tomioka_Tessai et expliquez la Vie et œuvre.

Tomioka Tessai naît à Kyōto. Son père est marchand de robes bouddhiques. Son nom d’usage est Yūsuke. Il prend le nom de Tessai à la fin des années 1860, mais il utilisera de nombreux autres pseudonymes.Tessai souffrant d’une ouïe un peu faible, sa famille décide d’en faire un lettré et le confie à un sanctuaire shintō. À partir de l’âge de quinze ans, il étudie auprès de Ōkuni Takamasa (1793-1871), un spécialiste des Etudes nationales (Kokugaku) défendant la restauration impériale et la prééminence du shintō. Parallèlement, il étudie la poésie et les classiques chinois. Il fréquente aussi la poétesse Ōtagaki Rengetsu qui l’initie à l’art.C’est probablement en 1855 que Tessai commence à se former à la peinture. Il apprend le style nanga auprès de Oda Kaisen (1785-1862) et le style yamatoe auprès de Ukita Ikkei (1795-1859). Il complète sa formation par un séjour à Nagasaki en 1861, ville qui, du fait de la présence d’un comptoir chinois, était l’un des principaux centres de la culture des lettrés. En 1862, il établit son atelier à Kyōto et fréquente les cercles de lettrés et samourais favorables à la restauration du pouvoir impérial.Au lendemain de la restauration de Meiji, à la faveur de la naissance du shintō d’Etat, Tessai devient « fonctionnaire des dieux » (shinkan) au sanctuaire Isonokami-jingū près de Nara, puis au Ōtori-taisha près d'Ōsaka. Il profite de cette période de spectaculaire transformation du Japon pour voyager à travers l’Archipel, ce qui le conduit jusqu’à l'île de Hokkaidō en 1874. Sa vaste culture le mène aussi à enseigner. De 1869 à 1904, il enseigne la morale (shūshin) successivement à l’école privée Ritsumeikan et à l’école des Beaux-arts de la ville de Kyōto.Tessai a peint pendant plus soixante ans et l’on estime qu’il a laissé entre dix et vingt mille œuvres. Il a recours à des techniques variées — notamment celles qui sont associées à Kyoto : rimpa, Yamato-e, Ōtsu-e, etc. —, mais c’est dans le style nanga qu’il réalise ses compositions les plus originales. En 1897, il fonde avec Tanomura Chokunyū (1814-1907) l’Association de la peinture des lettrés du Japon (Nihon nanga kyōkai). En 1907, il reçoit une commande impériale et, en 1917, il est admis à l’Académie impériale des Arts (Teishitsu gigei-in). Les œuvres qu’il peint dans les dernières années de sa vie, entre 80 et 87 ans environ, ont une exubérance unique. Sans jamais abandonner les principes de la peinture de style chinois alliant un texte calligraphié et un motif qui est généralement paysagé, il introduit de violentes distorsions et des couleurs luxuriantes qui donnent un sentiment de détachement libre et amusé. Il connaît un succès tardif, mais considérable, influençant plusieurs jeunes artistes, à commencer par le peintre Umehara Ryūzaburō.Tomioka Tessai décède dans sa maison de Kyōto le 31 décembre 1924.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Expliquer la Vie et œuvre de cette œuvre d'art, Tomioka_Tessai.

Tomioka Tessai naît à Kyōto. Son père est marchand de robes bouddhiques. Son nom d’usage est Yūsuke. Il prend le nom de Tessai à la fin des années 1860, mais il utilisera de nombreux autres pseudonymes.Tessai souffrant d’une ouïe un peu faible, sa famille décide d’en faire un lettré et le confie à un sanctuaire shintō. À partir de l’âge de quinze ans, il étudie auprès de Ōkuni Takamasa (1793-1871), un spécialiste des Etudes nationales (Kokugaku) défendant la restauration impériale et la prééminence du shintō. Parallèlement, il étudie la poésie et les classiques chinois. Il fréquente aussi la poétesse Ōtagaki Rengetsu qui l’initie à l’art.C’est probablement en 1855 que Tessai commence à se former à la peinture. Il apprend le style nanga auprès de Oda Kaisen (1785-1862) et le style yamatoe auprès de Ukita Ikkei (1795-1859). Il complète sa formation par un séjour à Nagasaki en 1861, ville qui, du fait de la présence d’un comptoir chinois, était l’un des principaux centres de la culture des lettrés. En 1862, il établit son atelier à Kyōto et fréquente les cercles de lettrés et samourais favorables à la restauration du pouvoir impérial.Au lendemain de la restauration de Meiji, à la faveur de la naissance du shintō d’Etat, Tessai devient « fonctionnaire des dieux » (shinkan) au sanctuaire Isonokami-jingū près de Nara, puis au Ōtori-taisha près d'Ōsaka. Il profite de cette période de spectaculaire transformation du Japon pour voyager à travers l’Archipel, ce qui le conduit jusqu’à l'île de Hokkaidō en 1874. Sa vaste culture le mène aussi à enseigner. De 1869 à 1904, il enseigne la morale (shūshin) successivement à l’école privée Ritsumeikan et à l’école des Beaux-arts de la ville de Kyōto.Tessai a peint pendant plus soixante ans et l’on estime qu’il a laissé entre dix et vingt mille œuvres. Il a recours à des techniques variées — notamment celles qui sont associées à Kyoto : rimpa, Yamato-e, Ōtsu-e, etc. —, mais c’est dans le style nanga qu’il réalise ses compositions les plus originales. En 1897, il fonde avec Tanomura Chokunyū (1814-1907) l’Association de la peinture des lettrés du Japon (Nihon nanga kyōkai). En 1907, il reçoit une commande impériale et, en 1917, il est admis à l’Académie impériale des Arts (Teishitsu gigei-in). Les œuvres qu’il peint dans les dernières années de sa vie, entre 80 et 87 ans environ, ont une exubérance unique. Sans jamais abandonner les principes de la peinture de style chinois alliant un texte calligraphié et un motif qui est généralement paysagé, il introduit de violentes distorsions et des couleurs luxuriantes qui donnent un sentiment de détachement libre et amusé. Il connaît un succès tardif, mais considérable, influençant plusieurs jeunes artistes, à commencer par le peintre Umehara Ryūzaburō.Tomioka Tessai décède dans sa maison de Kyōto le 31 décembre 1924.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Comment Tomioka_Tessai explique-t-il sa Vie et œuvre?

Tomioka Tessai naît à Kyōto. Son père est marchand de robes bouddhiques. Son nom d’usage est Yūsuke. Il prend le nom de Tessai à la fin des années 1860, mais il utilisera de nombreux autres pseudonymes.Tessai souffrant d’une ouïe un peu faible, sa famille décide d’en faire un lettré et le confie à un sanctuaire shintō. À partir de l’âge de quinze ans, il étudie auprès de Ōkuni Takamasa (1793-1871), un spécialiste des Etudes nationales (Kokugaku) défendant la restauration impériale et la prééminence du shintō. Parallèlement, il étudie la poésie et les classiques chinois. Il fréquente aussi la poétesse Ōtagaki Rengetsu qui l’initie à l’art.C’est probablement en 1855 que Tessai commence à se former à la peinture. Il apprend le style nanga auprès de Oda Kaisen (1785-1862) et le style yamatoe auprès de Ukita Ikkei (1795-1859). Il complète sa formation par un séjour à Nagasaki en 1861, ville qui, du fait de la présence d’un comptoir chinois, était l’un des principaux centres de la culture des lettrés. En 1862, il établit son atelier à Kyōto et fréquente les cercles de lettrés et samourais favorables à la restauration du pouvoir impérial.Au lendemain de la restauration de Meiji, à la faveur de la naissance du shintō d’Etat, Tessai devient « fonctionnaire des dieux » (shinkan) au sanctuaire Isonokami-jingū près de Nara, puis au Ōtori-taisha près d'Ōsaka. Il profite de cette période de spectaculaire transformation du Japon pour voyager à travers l’Archipel, ce qui le conduit jusqu’à l'île de Hokkaidō en 1874. Sa vaste culture le mène aussi à enseigner. De 1869 à 1904, il enseigne la morale (shūshin) successivement à l’école privée Ritsumeikan et à l’école des Beaux-arts de la ville de Kyōto.Tessai a peint pendant plus soixante ans et l’on estime qu’il a laissé entre dix et vingt mille œuvres. Il a recours à des techniques variées — notamment celles qui sont associées à Kyoto : rimpa, Yamato-e, Ōtsu-e, etc. —, mais c’est dans le style nanga qu’il réalise ses compositions les plus originales. En 1897, il fonde avec Tanomura Chokunyū (1814-1907) l’Association de la peinture des lettrés du Japon (Nihon nanga kyōkai). En 1907, il reçoit une commande impériale et, en 1917, il est admis à l’Académie impériale des Arts (Teishitsu gigei-in). Les œuvres qu’il peint dans les dernières années de sa vie, entre 80 et 87 ans environ, ont une exubérance unique. Sans jamais abandonner les principes de la peinture de style chinois alliant un texte calligraphié et un motif qui est généralement paysagé, il introduit de violentes distorsions et des couleurs luxuriantes qui donnent un sentiment de détachement libre et amusé. Il connaît un succès tardif, mais considérable, influençant plusieurs jeunes artistes, à commencer par le peintre Umehara Ryūzaburō.Tomioka Tessai décède dans sa maison de Kyōto le 31 décembre 1924.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Tomioka_Tessai

Prompt: Dans Tomioka_Tessai, comment est discutée la Vie et œuvre?

Tomioka Tessai naît à Kyōto. Son père est marchand de robes bouddhiques. Son nom d’usage est Yūsuke. Il prend le nom de Tessai à la fin des années 1860, mais il utilisera de nombreux autres pseudonymes.Tessai souffrant d’une ouïe un peu faible, sa famille décide d’en faire un lettré et le confie à un sanctuaire shintō. À partir de l’âge de quinze ans, il étudie auprès de Ōkuni Takamasa (1793-1871), un spécialiste des Etudes nationales (Kokugaku) défendant la restauration impériale et la prééminence du shintō. Parallèlement, il étudie la poésie et les classiques chinois. Il fréquente aussi la poétesse Ōtagaki Rengetsu qui l’initie à l’art.C’est probablement en 1855 que Tessai commence à se former à la peinture. Il apprend le style nanga auprès de Oda Kaisen (1785-1862) et le style yamatoe auprès de Ukita Ikkei (1795-1859). Il complète sa formation par un séjour à Nagasaki en 1861, ville qui, du fait de la présence d’un comptoir chinois, était l’un des principaux centres de la culture des lettrés. En 1862, il établit son atelier à Kyōto et fréquente les cercles de lettrés et samourais favorables à la restauration du pouvoir impérial.Au lendemain de la restauration de Meiji, à la faveur de la naissance du shintō d’Etat, Tessai devient « fonctionnaire des dieux » (shinkan) au sanctuaire Isonokami-jingū près de Nara, puis au Ōtori-taisha près d'Ōsaka. Il profite de cette période de spectaculaire transformation du Japon pour voyager à travers l’Archipel, ce qui le conduit jusqu’à l'île de Hokkaidō en 1874. Sa vaste culture le mène aussi à enseigner. De 1869 à 1904, il enseigne la morale (shūshin) successivement à l’école privée Ritsumeikan et à l’école des Beaux-arts de la ville de Kyōto.Tessai a peint pendant plus soixante ans et l’on estime qu’il a laissé entre dix et vingt mille œuvres. Il a recours à des techniques variées — notamment celles qui sont associées à Kyoto : rimpa, Yamato-e, Ōtsu-e, etc. —, mais c’est dans le style nanga qu’il réalise ses compositions les plus originales. En 1897, il fonde avec Tanomura Chokunyū (1814-1907) l’Association de la peinture des lettrés du Japon (Nihon nanga kyōkai). En 1907, il reçoit une commande impériale et, en 1917, il est admis à l’Académie impériale des Arts (Teishitsu gigei-in). Les œuvres qu’il peint dans les dernières années de sa vie, entre 80 et 87 ans environ, ont une exubérance unique. Sans jamais abandonner les principes de la peinture de style chinois alliant un texte calligraphié et un motif qui est généralement paysagé, il introduit de violentes distorsions et des couleurs luxuriantes qui donnent un sentiment de détachement libre et amusé. Il connaît un succès tardif, mais considérable, influençant plusieurs jeunes artistes, à commencer par le peintre Umehara Ryūzaburō.Tomioka Tessai décède dans sa maison de Kyōto le 31 décembre 1924.

Catégorie:Peintre japonais du XXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XXe siècle

Fichier:富岡鉄斎　仙縁奇遇図　1919年 紙本着色 Tomioka Tessai Encountering with Immortal Women colors on silk hanging scroll.jpg

Tomioka Tessai, ''Rencontre avec des Immortelles'', couleurs sur soie, 1919

Catégorie:Peintre japonais du XIXe siècle

Catégorie:Calligraphe japonais du XIXe siècle


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Concentrez-vous sur Garçon_mordu_par_un_lézard et expliquez la abstract.

Le Garçon mordu par un lézard  est un tableau du peintre italien Caravage. Deux versions probablement autographes et très semblables en sont connues : l'une est conservée à Londres et l'autre à Florence. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse pour l'artiste lombard : les deux versions sont sans doute peintes autour de 1593-1595, soit peu après son arrivée dans la ville de Rome.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

liste des artistes des biographies de Giovanni Baglione

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Garçon_mordu_par_un_lézard.

Le Garçon mordu par un lézard  est un tableau du peintre italien Caravage. Deux versions probablement autographes et très semblables en sont connues : l'une est conservée à Londres et l'autre à Florence. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse pour l'artiste lombard : les deux versions sont sans doute peintes autour de 1593-1595, soit peu après son arrivée dans la ville de Rome.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

liste des artistes des biographies de Giovanni Baglione

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Comment Garçon_mordu_par_un_lézard explique-t-il sa abstract?

Le Garçon mordu par un lézard  est un tableau du peintre italien Caravage. Deux versions probablement autographes et très semblables en sont connues : l'une est conservée à Londres et l'autre à Florence. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse pour l'artiste lombard : les deux versions sont sans doute peintes autour de 1593-1595, soit peu après son arrivée dans la ville de Rome.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Dans Garçon_mordu_par_un_lézard, comment est discutée la abstract?

Le Garçon mordu par un lézard  est un tableau du peintre italien Caravage. Deux versions probablement autographes et très semblables en sont connues : l'une est conservée à Londres et l'autre à Florence. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse pour l'artiste lombard : les deux versions sont sans doute peintes autour de 1593-1595, soit peu après son arrivée dans la ville de Rome.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Concentrez-vous sur Garçon_mordu_par_un_lézard et expliquez la Description.

Le tableau figure un garçon surpris par la morsure à un doigt d'un lézard qui sort d'un bouquet où il était caché, sur la droite de la toile. Le garçon est présenté de près, à mi-corps, dans une lumière qui offre un vif contraste.La nature morte d'où sort le lézard, avec ses feuilles, fleurs et fruits et un vase où l'on distingue le reflet d'une pièce avec une fenêtre est particulièrement réaliste, comme l'est l'expression du personnage criant. Giovanni Baglione, peintre de la même époque et biographe de Caravage bien qu'il lui vouât une forte inimitié, décrit ainsi l'œuvre : « [Michelangelo Merisi] essaya de se tirer d'affaire tout seul en faisant quelques petits tableaux. Il se prenait lui-même comme modèle à l'aide d'un miroir. (...) Il fit également un Jeune garçon mordu par un grand lézard vert surgissant d'un amas de fleurs et de fruits. La tête de ce garçon semblait vraiment crier (...) ».

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

liste des artistes des biographies de Giovanni Baglione

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Garçon_mordu_par_un_lézard.

Le tableau figure un garçon surpris par la morsure à un doigt d'un lézard qui sort d'un bouquet où il était caché, sur la droite de la toile. Le garçon est présenté de près, à mi-corps, dans une lumière qui offre un vif contraste.La nature morte d'où sort le lézard, avec ses feuilles, fleurs et fruits et un vase où l'on distingue le reflet d'une pièce avec une fenêtre est particulièrement réaliste, comme l'est l'expression du personnage criant. Giovanni Baglione, peintre de la même époque et biographe de Caravage bien qu'il lui vouât une forte inimitié, décrit ainsi l'œuvre : « [Michelangelo Merisi] essaya de se tirer d'affaire tout seul en faisant quelques petits tableaux. Il se prenait lui-même comme modèle à l'aide d'un miroir. (...) Il fit également un Jeune garçon mordu par un grand lézard vert surgissant d'un amas de fleurs et de fruits. La tête de ce garçon semblait vraiment crier (...) ».

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Comment Garçon_mordu_par_un_lézard explique-t-il sa Description?

Le tableau figure un garçon surpris par la morsure à un doigt d'un lézard qui sort d'un bouquet où il était caché, sur la droite de la toile. Le garçon est présenté de près, à mi-corps, dans une lumière qui offre un vif contraste.La nature morte d'où sort le lézard, avec ses feuilles, fleurs et fruits et un vase où l'on distingue le reflet d'une pièce avec une fenêtre est particulièrement réaliste, comme l'est l'expression du personnage criant. Giovanni Baglione, peintre de la même époque et biographe de Caravage bien qu'il lui vouât une forte inimitié, décrit ainsi l'œuvre : « [Michelangelo Merisi] essaya de se tirer d'affaire tout seul en faisant quelques petits tableaux. Il se prenait lui-même comme modèle à l'aide d'un miroir. (...) Il fit également un Jeune garçon mordu par un grand lézard vert surgissant d'un amas de fleurs et de fruits. La tête de ce garçon semblait vraiment crier (...) ».

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Dans Garçon_mordu_par_un_lézard, comment est discutée la Description?

Le tableau figure un garçon surpris par la morsure à un doigt d'un lézard qui sort d'un bouquet où il était caché, sur la droite de la toile. Le garçon est présenté de près, à mi-corps, dans une lumière qui offre un vif contraste.La nature morte d'où sort le lézard, avec ses feuilles, fleurs et fruits et un vase où l'on distingue le reflet d'une pièce avec une fenêtre est particulièrement réaliste, comme l'est l'expression du personnage criant. Giovanni Baglione, peintre de la même époque et biographe de Caravage bien qu'il lui vouât une forte inimitié, décrit ainsi l'œuvre : « [Michelangelo Merisi] essaya de se tirer d'affaire tout seul en faisant quelques petits tableaux. Il se prenait lui-même comme modèle à l'aide d'un miroir. (...) Il fit également un Jeune garçon mordu par un grand lézard vert surgissant d'un amas de fleurs et de fruits. La tête de ce garçon semblait vraiment crier (...) ».

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Concentrez-vous sur Garçon_mordu_par_un_lézard et expliquez la Analyse.

La signification de l'œuvre peut se rapporter à l'idée que dans le grand plaisir se cache aussi une grande douleur, en particulier concernant les peines d'amour. En effet, les natures mortes sont des allégories constituant parfois autant d'allusions érotiques : les fruits qui se gâtent, les roses qui fanent, ou le verre qui casse en étant une illustration. Par ailleurs, elles symbolisent aussi le caractère éphémère de la jeunesse et plus généralement de la vie. C'est probablement à ce caractère éphémère que l'auteur semble faire allusion par le choix d'un modèle androgyne avec une rose dans ses cheveux (modèle parfois identifié au dieu Bacchus ou considéré comme un autoportrait de l'artiste) et l'épaule droite sensuellement dévêtue, dont le regard, de plus, n'est porté ni vers le lézard ni vers son doigt blessé, mais plutôt vers le spectateur.La pose affectée, le modèle androgyne, le doigt mordu correspondant au digitus impudicus peuvent constituer des symboles qui ont parfois donné lieu à des interprétations relatives à la supposée homosexualité de Caravage ou du milieu qu'il fréquentait.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Garçon_mordu_par_un_lézard.

La signification de l'œuvre peut se rapporter à l'idée que dans le grand plaisir se cache aussi une grande douleur, en particulier concernant les peines d'amour. En effet, les natures mortes sont des allégories constituant parfois autant d'allusions érotiques : les fruits qui se gâtent, les roses qui fanent, ou le verre qui casse en étant une illustration. Par ailleurs, elles symbolisent aussi le caractère éphémère de la jeunesse et plus généralement de la vie. C'est probablement à ce caractère éphémère que l'auteur semble faire allusion par le choix d'un modèle androgyne avec une rose dans ses cheveux (modèle parfois identifié au dieu Bacchus ou considéré comme un autoportrait de l'artiste) et l'épaule droite sensuellement dévêtue, dont le regard, de plus, n'est porté ni vers le lézard ni vers son doigt blessé, mais plutôt vers le spectateur.La pose affectée, le modèle androgyne, le doigt mordu correspondant au digitus impudicus peuvent constituer des symboles qui ont parfois donné lieu à des interprétations relatives à la supposée homosexualité de Caravage ou du milieu qu'il fréquentait.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Garçon_mordu_par_un_lézard

Prompt: Comment Garçon_mordu_par_un_lézard explique-t-il sa Analyse?

La signification de l'œuvre peut se rapporter à l'idée que dans le grand plaisir se cache aussi une grande douleur, en particulier concernant les peines d'amour. En effet, les natures mortes sont des allégories constituant parfois autant d'allusions érotiques : les fruits qui se gâtent, les roses qui fanent, ou le verre qui casse en étant une illustration. Par ailleurs, elles symbolisent aussi le caractère éphémère de la jeunesse et plus généralement de la vie. C'est probablement à ce caractère éphémère que l'auteur semble faire allusion par le choix d'un modèle androgyne avec une rose dans ses cheveux (modèle parfois identifié au dieu Bacchus ou considéré comme un autoportrait de l'artiste) et l'épaule droite sensuellement dévêtue, dont le regard, de plus, n'est porté ni vers le lézard ni vers son doigt blessé, mais plutôt vers le spectateur.La pose affectée, le modèle androgyne, le doigt mordu correspondant au digitus impudicus peuvent constituer des symboles qui ont parfois donné lieu à des interprétations relatives à la supposée homosexualité de Caravage ou du milieu qu'il fréquentait.

''Asdrubale mordu par une écrevisse'', dessin de [[Sofonisba Anguissola

Fichier:Sofonisba Anguissola - Asdrubale Bitten by a Crawfish - WGA00698.jpg

liste des artistes des biographies de Giovanni Baglione

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery