L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Comment L'Extase_de_sainte_Thérèse explique-t-il sa Iconographie?

Les deux personnages principaux de la sculpture tirent leur origine d'un passage écrit par Thérèse d'Avila dans son autobiographie publiée sous le titre la Vie de sainte Thérèse de Jésus (1515-1582), une mystique cloîtrée, carmélite déchaussée, réformatrice et religieuse (1622). On y trouve décrites des visions divines, y compris celle où elle a vu un ange jeune et beau debout à côté d'elle.« J'ai vu dans sa main une longue lance d'or, à la pointe de laquelle on aurait cru qu'il y avait un petit feu. Il m'a semblé qu'on la faisait entrer de temps en temps dans mon cœur et qu'elle me perçait jusqu'au fond des entrailles ; quand il l'a retirée, il m'a semblé qu'elle les retirait aussi et me laissait toute en feu avec un grand amour de Dieu. La douleur était si grande qu'elle me faisait gémir ; et pourtant la douceur de cette douleur excessive était telle, qu'il m'était impossible de vouloir en être débarrassée. L'âme n'est satisfaite en un tel moment que par Dieu et lui seul. La douleur n'est pas physique, mais spirituelle, même si le corps y a sa part. C'est une si douce caresse d'amour qui se fait alors entre l'âme et Dieu, que je prie Dieu dans Sa bonté de la faire éprouver à celui qui peut croire que je mens. »— Autobiographie de Sainte Thérèse d'Avila, Chapitre XXIX, paragraphe 17.La position du corps de sainte Thérèse et l'expression de son visage, ont conduit certains observateurs, tel Jacques Lacan, à les expliquer comme le signe d'un moment d'extase sexuelle « [...] pour sainte Thérèse, enfin disons quand même le mot… et puis en plus vous avez qu'à aller regarder dans une certaine église à Rome la statue du Bernin pour comprendre tout de suite… enfin quoi : qu'elle jouit, ça ne fait pas de doute ! Et de quoi jouit-elle ? Il est clair que le témoignage essentiel de la mystique c'est justement de dire ça : qu'ils l'éprouvent mais qu'ils n'en savent rien. ». Les spécialistes du baroque mettent cette théorie en doute. Ainsi Nicolas Mattei, dans sa conférence sur l'art baroque, Sainte Thérèse d'Avila par Le Bernin en décembre 2009, déclare : « Elle jouit, Thérèse, disait Lacan ! Notre époque, excessivement marquée par Freud et la psychanalyse, une psychanalyse trop souvent démocratisée pour ne pas dire de bazar, ne peut voir ici qu’une extase tout ce qu’il y a de plus physique. Il s’agit cependant d’une extase mystique. ».

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Dans L'Extase_de_sainte_Thérèse, comment est discutée la Iconographie?

Les deux personnages principaux de la sculpture tirent leur origine d'un passage écrit par Thérèse d'Avila dans son autobiographie publiée sous le titre la Vie de sainte Thérèse de Jésus (1515-1582), une mystique cloîtrée, carmélite déchaussée, réformatrice et religieuse (1622). On y trouve décrites des visions divines, y compris celle où elle a vu un ange jeune et beau debout à côté d'elle.« J'ai vu dans sa main une longue lance d'or, à la pointe de laquelle on aurait cru qu'il y avait un petit feu. Il m'a semblé qu'on la faisait entrer de temps en temps dans mon cœur et qu'elle me perçait jusqu'au fond des entrailles ; quand il l'a retirée, il m'a semblé qu'elle les retirait aussi et me laissait toute en feu avec un grand amour de Dieu. La douleur était si grande qu'elle me faisait gémir ; et pourtant la douceur de cette douleur excessive était telle, qu'il m'était impossible de vouloir en être débarrassée. L'âme n'est satisfaite en un tel moment que par Dieu et lui seul. La douleur n'est pas physique, mais spirituelle, même si le corps y a sa part. C'est une si douce caresse d'amour qui se fait alors entre l'âme et Dieu, que je prie Dieu dans Sa bonté de la faire éprouver à celui qui peut croire que je mens. »— Autobiographie de Sainte Thérèse d'Avila, Chapitre XXIX, paragraphe 17.La position du corps de sainte Thérèse et l'expression de son visage, ont conduit certains observateurs, tel Jacques Lacan, à les expliquer comme le signe d'un moment d'extase sexuelle « [...] pour sainte Thérèse, enfin disons quand même le mot… et puis en plus vous avez qu'à aller regarder dans une certaine église à Rome la statue du Bernin pour comprendre tout de suite… enfin quoi : qu'elle jouit, ça ne fait pas de doute ! Et de quoi jouit-elle ? Il est clair que le témoignage essentiel de la mystique c'est justement de dire ça : qu'ils l'éprouvent mais qu'ils n'en savent rien. ». Les spécialistes du baroque mettent cette théorie en doute. Ainsi Nicolas Mattei, dans sa conférence sur l'art baroque, Sainte Thérèse d'Avila par Le Bernin en décembre 2009, déclare : « Elle jouit, Thérèse, disait Lacan ! Notre époque, excessivement marquée par Freud et la psychanalyse, une psychanalyse trop souvent démocratisée pour ne pas dire de bazar, ne peut voir ici qu’une extase tout ce qu’il y a de plus physique. Il s’agit cependant d’une extase mystique. ».

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Concentrez-vous sur L'Extase_de_sainte_Thérèse et expliquez la Usage dans les arts.

La chapelle est évoquée dans le roman Anges et Démons de Dan Brown, ainsi que dans le film qui l'adapte au cinéma.

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Expliquer la Usage dans les arts de cette œuvre d'art, L'Extase_de_sainte_Thérèse.

La chapelle est évoquée dans le roman Anges et Démons de Dan Brown, ainsi que dans le film qui l'adapte au cinéma.

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Comment L'Extase_de_sainte_Thérèse explique-t-il sa Usage dans les arts?

La chapelle est évoquée dans le roman Anges et Démons de Dan Brown, ainsi que dans le film qui l'adapte au cinéma.

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

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Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Dans L'Extase_de_sainte_Thérèse, comment est discutée la Usage dans les arts?

La chapelle est évoquée dans le roman Anges et Démons de Dan Brown, ainsi que dans le film qui l'adapte au cinéma.

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

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transverbération de sainte Thérèse d'Avila

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Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Concentrez-vous sur L'Extase_de_sainte_Thérèse et expliquez la Réception critique.

« S'il me fallait donner un exemple de sublime éprouvé à parir d'un objet d'art physique, j'inviterais à contempler la sculpture en marbre du Bernin intitulée Le tranverbération de Sainte Thérèse dans l'église Santa Maria della Vittoria à Rome. Plissement souffrant du voile, tête inclinée vers l'absolu, bouche de béatitude céleste, paupières vacillantes, regard perdu d'une âme qui tombe en pâmoison. Elle semble s'ouvrir avec délice à ce qui est au-delà d'elle, s'abandonner à l'être aimé ou à Dieu… Le toute dans un silence qui oblige le silence. » - Jean-Pierre Chopin

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

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transverbération de sainte Thérèse d'Avila

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Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Expliquer la Réception critique de cette œuvre d'art, L'Extase_de_sainte_Thérèse.

« S'il me fallait donner un exemple de sublime éprouvé à parir d'un objet d'art physique, j'inviterais à contempler la sculpture en marbre du Bernin intitulée Le tranverbération de Sainte Thérèse dans l'église Santa Maria della Vittoria à Rome. Plissement souffrant du voile, tête inclinée vers l'absolu, bouche de béatitude céleste, paupières vacillantes, regard perdu d'une âme qui tombe en pâmoison. Elle semble s'ouvrir avec délice à ce qui est au-delà d'elle, s'abandonner à l'être aimé ou à Dieu… Le toute dans un silence qui oblige le silence. » - Jean-Pierre Chopin

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

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transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Comment L'Extase_de_sainte_Thérèse explique-t-il sa Réception critique?

« S'il me fallait donner un exemple de sublime éprouvé à parir d'un objet d'art physique, j'inviterais à contempler la sculpture en marbre du Bernin intitulée Le tranverbération de Sainte Thérèse dans l'église Santa Maria della Vittoria à Rome. Plissement souffrant du voile, tête inclinée vers l'absolu, bouche de béatitude céleste, paupières vacillantes, regard perdu d'une âme qui tombe en pâmoison. Elle semble s'ouvrir avec délice à ce qui est au-delà d'elle, s'abandonner à l'être aimé ou à Dieu… Le toute dans un silence qui oblige le silence. » - Jean-Pierre Chopin

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


L'Extase_de_sainte_Thérèse

Prompt: Dans L'Extase_de_sainte_Thérèse, comment est discutée la Réception critique?

« S'il me fallait donner un exemple de sublime éprouvé à parir d'un objet d'art physique, j'inviterais à contempler la sculpture en marbre du Bernin intitulée Le tranverbération de Sainte Thérèse dans l'église Santa Maria della Vittoria à Rome. Plissement souffrant du voile, tête inclinée vers l'absolu, bouche de béatitude céleste, paupières vacillantes, regard perdu d'une âme qui tombe en pâmoison. Elle semble s'ouvrir avec délice à ce qui est au-delà d'elle, s'abandonner à l'être aimé ou à Dieu… Le toute dans un silence qui oblige le silence. » - Jean-Pierre Chopin

Église Santa Maria della Vittoria de Rome

Image:Santa Maria della Vittoria - 6.jpg

transverbération de sainte Thérèse d'Avila

Image:Cornaro chapel in Santa Maria della Vittoria in Rome HDR.jpg

Vue d'ensemble de la chapelle Cornaro et de la ''Transverbération de sainte Thérèse'' avec les loges pour les spectateurs sur les côtés.


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la abstract.

La Dame à l’hermine est une peinture à l'huile  sur panneau de bois de 54 × 39 cm réalisée par Léonard de Vinci à Milan, en 1488. Longtemps propriété de la famille Czartoryski, il appartient depuis fin 2016 à l'État polonais.En 2014 une technique avancée permet d'établir que le tableau a été repeint à deux reprises par son auteur, à quoi sont venues s'ajouter d'autres modifications mineures. En dépit des dommages subis au cours des siècles, il demeure dans un état de conservation bien meilleur que plusieurs autres peintures de Léonard de Vinci.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

La Dame à l’hermine est une peinture à l'huile  sur panneau de bois de 54 × 39 cm réalisée par Léonard de Vinci à Milan, en 1488. Longtemps propriété de la famille Czartoryski, il appartient depuis fin 2016 à l'État polonais.En 2014 une technique avancée permet d'établir que le tableau a été repeint à deux reprises par son auteur, à quoi sont venues s'ajouter d'autres modifications mineures. En dépit des dommages subis au cours des siècles, il demeure dans un état de conservation bien meilleur que plusieurs autres peintures de Léonard de Vinci.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa abstract?

La Dame à l’hermine est une peinture à l'huile  sur panneau de bois de 54 × 39 cm réalisée par Léonard de Vinci à Milan, en 1488. Longtemps propriété de la famille Czartoryski, il appartient depuis fin 2016 à l'État polonais.En 2014 une technique avancée permet d'établir que le tableau a été repeint à deux reprises par son auteur, à quoi sont venues s'ajouter d'autres modifications mineures. En dépit des dommages subis au cours des siècles, il demeure dans un état de conservation bien meilleur que plusieurs autres peintures de Léonard de Vinci.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la abstract?

La Dame à l’hermine est une peinture à l'huile  sur panneau de bois de 54 × 39 cm réalisée par Léonard de Vinci à Milan, en 1488. Longtemps propriété de la famille Czartoryski, il appartient depuis fin 2016 à l'État polonais.En 2014 une technique avancée permet d'établir que le tableau a été repeint à deux reprises par son auteur, à quoi sont venues s'ajouter d'autres modifications mineures. En dépit des dommages subis au cours des siècles, il demeure dans un état de conservation bien meilleur que plusieurs autres peintures de Léonard de Vinci.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la Parcours historique de cette œuvre.

La peinture est acquise en 1798 par Adam Czartoryski, pour sa mère la princesse Izabela Czartoryska et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. Entre 1830 et 1876, elle est accrochée à l’hôtel Lambert, siège de l’immigration polonaise libéral-aristocratique à Paris et propriété des Czartoryski, puis elle revient ensuite en Pologne, à Cracovie dans le nouveau musée Czartoryski.  En 1914, la princesse Maria Ludwika la confie à la Gemäldegalerie de Dresde. Elle est restituée en 1920, puis  saisie en 1939 par les Allemands et envoyée au Kaiser Friedrich Museum à Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général des terres polonaises non incorporées au Reich, demande qu'elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accroche, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle est découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle revient en Pologne en 1946 et est exposée depuis le 12 mai 2012 au château du Wawel à Cracovie en attendant la réhabilitation du musée Czartoryski dans la même ville, après avoir été exposée du 9 novembre 2011 au 5 février 2012 à la National Gallery à Londres, au sein de l'exposition temporaire « Léonard de Vinci, un peintre à la cour de Milan ». Le 29 décembre 2016, à la suite de négociations entre le ministère de la Culture et la fondation Czartoryski, le tableau est cédé à l'État polonais. Une inscription erronée figure dans le coin haut gauche du tableau, « LA BELE FERRONNIÈRE. LEONARD D'AWINCI ». Celle-ci a probablement été ajoutée au moment de l'achat de la peinture par le Prince Czartoryski de Pologne en 1798 ou par un restaurateur du XIXe siècle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Parcours historique de cette œuvre de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

La peinture est acquise en 1798 par Adam Czartoryski, pour sa mère la princesse Izabela Czartoryska et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. Entre 1830 et 1876, elle est accrochée à l’hôtel Lambert, siège de l’immigration polonaise libéral-aristocratique à Paris et propriété des Czartoryski, puis elle revient ensuite en Pologne, à Cracovie dans le nouveau musée Czartoryski.  En 1914, la princesse Maria Ludwika la confie à la Gemäldegalerie de Dresde. Elle est restituée en 1920, puis  saisie en 1939 par les Allemands et envoyée au Kaiser Friedrich Museum à Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général des terres polonaises non incorporées au Reich, demande qu'elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accroche, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle est découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle revient en Pologne en 1946 et est exposée depuis le 12 mai 2012 au château du Wawel à Cracovie en attendant la réhabilitation du musée Czartoryski dans la même ville, après avoir été exposée du 9 novembre 2011 au 5 février 2012 à la National Gallery à Londres, au sein de l'exposition temporaire « Léonard de Vinci, un peintre à la cour de Milan ». Le 29 décembre 2016, à la suite de négociations entre le ministère de la Culture et la fondation Czartoryski, le tableau est cédé à l'État polonais. Une inscription erronée figure dans le coin haut gauche du tableau, « LA BELE FERRONNIÈRE. LEONARD D'AWINCI ». Celle-ci a probablement été ajoutée au moment de l'achat de la peinture par le Prince Czartoryski de Pologne en 1798 ou par un restaurateur du XIXe siècle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa Parcours historique de cette œuvre?

La peinture est acquise en 1798 par Adam Czartoryski, pour sa mère la princesse Izabela Czartoryska et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. Entre 1830 et 1876, elle est accrochée à l’hôtel Lambert, siège de l’immigration polonaise libéral-aristocratique à Paris et propriété des Czartoryski, puis elle revient ensuite en Pologne, à Cracovie dans le nouveau musée Czartoryski.  En 1914, la princesse Maria Ludwika la confie à la Gemäldegalerie de Dresde. Elle est restituée en 1920, puis  saisie en 1939 par les Allemands et envoyée au Kaiser Friedrich Museum à Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général des terres polonaises non incorporées au Reich, demande qu'elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accroche, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle est découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle revient en Pologne en 1946 et est exposée depuis le 12 mai 2012 au château du Wawel à Cracovie en attendant la réhabilitation du musée Czartoryski dans la même ville, après avoir été exposée du 9 novembre 2011 au 5 février 2012 à la National Gallery à Londres, au sein de l'exposition temporaire « Léonard de Vinci, un peintre à la cour de Milan ». Le 29 décembre 2016, à la suite de négociations entre le ministère de la Culture et la fondation Czartoryski, le tableau est cédé à l'État polonais. Une inscription erronée figure dans le coin haut gauche du tableau, « LA BELE FERRONNIÈRE. LEONARD D'AWINCI ». Celle-ci a probablement été ajoutée au moment de l'achat de la peinture par le Prince Czartoryski de Pologne en 1798 ou par un restaurateur du XIXe siècle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la Parcours historique de cette œuvre?

La peinture est acquise en 1798 par Adam Czartoryski, pour sa mère la princesse Izabela Czartoryska et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. Entre 1830 et 1876, elle est accrochée à l’hôtel Lambert, siège de l’immigration polonaise libéral-aristocratique à Paris et propriété des Czartoryski, puis elle revient ensuite en Pologne, à Cracovie dans le nouveau musée Czartoryski.  En 1914, la princesse Maria Ludwika la confie à la Gemäldegalerie de Dresde. Elle est restituée en 1920, puis  saisie en 1939 par les Allemands et envoyée au Kaiser Friedrich Museum à Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général des terres polonaises non incorporées au Reich, demande qu'elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accroche, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle est découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle revient en Pologne en 1946 et est exposée depuis le 12 mai 2012 au château du Wawel à Cracovie en attendant la réhabilitation du musée Czartoryski dans la même ville, après avoir été exposée du 9 novembre 2011 au 5 février 2012 à la National Gallery à Londres, au sein de l'exposition temporaire « Léonard de Vinci, un peintre à la cour de Milan ». Le 29 décembre 2016, à la suite de négociations entre le ministère de la Culture et la fondation Czartoryski, le tableau est cédé à l'État polonais. Une inscription erronée figure dans le coin haut gauche du tableau, « LA BELE FERRONNIÈRE. LEONARD D'AWINCI ». Celle-ci a probablement été ajoutée au moment de l'achat de la peinture par le Prince Czartoryski de Pologne en 1798 ou par un restaurateur du XIXe siècle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la Le modèle.

La peinture est l’un des quatre portraits connus de femme peints par Léonard, les trois autres étant le portrait de la Joconde, celui de Ginevra de' Benci et celui de la Belle Ferronnière. On pense que l’œuvre représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan. Cecilia Gallerani (1473-1536) était devenue la maîtresse de Ludovic Sforza très jeune (vers 1488-1489). Leur liaison dura jusqu’au milieu de l’année 1492, après qu’elle eut donné naissance à un fils, César. En 1490, Ludovic Sforza épousa Béatrice d'Este, qui le contraint à mettre fin à cette relation. On peut donc dater le tableau soit des années 1488-1489 avant le mariage, soit un peu plus tard, si l’on admet comme Frank Zöllner qu’il puisse s’agir d’un cadeau d’adieu de Ludovic Sforza à son ancienne maîtresse.Une correspondance datant de 1498 entre Cecilia Gallerani et Isabelle d'Este fait directement référence à ce tableau. Isabelle d'Este s’adresse ainsi à Cécilia : « Ayant eu aujourd’hui l’occasion de voir quelques tableaux de Giovanni Bellini, j’ai réfléchi à l’œuvre de Léonard avec le désir de la comparer et me souvenant qu’il avait fait votre portrait d’après nature, je vous prie […] de bien vouloir m’envoyer le portrait. »Une étude récente vient remettre sur le devant de la scène et étayer une autre hypothèse peu suivie jusqu’à lors : le personnage héroïque de Catherine Sforza, la lionne de Romagne, y est proposé comme étant le modèle de cette représentation allégorique dans laquelle transparait la force mentale et la beauté que l’on prêtait dans la mythologie aux amazones,,.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Le modèle de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

La peinture est l’un des quatre portraits connus de femme peints par Léonard, les trois autres étant le portrait de la Joconde, celui de Ginevra de' Benci et celui de la Belle Ferronnière. On pense que l’œuvre représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan. Cecilia Gallerani (1473-1536) était devenue la maîtresse de Ludovic Sforza très jeune (vers 1488-1489). Leur liaison dura jusqu’au milieu de l’année 1492, après qu’elle eut donné naissance à un fils, César. En 1490, Ludovic Sforza épousa Béatrice d'Este, qui le contraint à mettre fin à cette relation. On peut donc dater le tableau soit des années 1488-1489 avant le mariage, soit un peu plus tard, si l’on admet comme Frank Zöllner qu’il puisse s’agir d’un cadeau d’adieu de Ludovic Sforza à son ancienne maîtresse.Une correspondance datant de 1498 entre Cecilia Gallerani et Isabelle d'Este fait directement référence à ce tableau. Isabelle d'Este s’adresse ainsi à Cécilia : « Ayant eu aujourd’hui l’occasion de voir quelques tableaux de Giovanni Bellini, j’ai réfléchi à l’œuvre de Léonard avec le désir de la comparer et me souvenant qu’il avait fait votre portrait d’après nature, je vous prie […] de bien vouloir m’envoyer le portrait. »Une étude récente vient remettre sur le devant de la scène et étayer une autre hypothèse peu suivie jusqu’à lors : le personnage héroïque de Catherine Sforza, la lionne de Romagne, y est proposé comme étant le modèle de cette représentation allégorique dans laquelle transparait la force mentale et la beauté que l’on prêtait dans la mythologie aux amazones,,.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa Le modèle?

La peinture est l’un des quatre portraits connus de femme peints par Léonard, les trois autres étant le portrait de la Joconde, celui de Ginevra de' Benci et celui de la Belle Ferronnière. On pense que l’œuvre représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan. Cecilia Gallerani (1473-1536) était devenue la maîtresse de Ludovic Sforza très jeune (vers 1488-1489). Leur liaison dura jusqu’au milieu de l’année 1492, après qu’elle eut donné naissance à un fils, César. En 1490, Ludovic Sforza épousa Béatrice d'Este, qui le contraint à mettre fin à cette relation. On peut donc dater le tableau soit des années 1488-1489 avant le mariage, soit un peu plus tard, si l’on admet comme Frank Zöllner qu’il puisse s’agir d’un cadeau d’adieu de Ludovic Sforza à son ancienne maîtresse.Une correspondance datant de 1498 entre Cecilia Gallerani et Isabelle d'Este fait directement référence à ce tableau. Isabelle d'Este s’adresse ainsi à Cécilia : « Ayant eu aujourd’hui l’occasion de voir quelques tableaux de Giovanni Bellini, j’ai réfléchi à l’œuvre de Léonard avec le désir de la comparer et me souvenant qu’il avait fait votre portrait d’après nature, je vous prie […] de bien vouloir m’envoyer le portrait. »Une étude récente vient remettre sur le devant de la scène et étayer une autre hypothèse peu suivie jusqu’à lors : le personnage héroïque de Catherine Sforza, la lionne de Romagne, y est proposé comme étant le modèle de cette représentation allégorique dans laquelle transparait la force mentale et la beauté que l’on prêtait dans la mythologie aux amazones,,.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la Le modèle?

La peinture est l’un des quatre portraits connus de femme peints par Léonard, les trois autres étant le portrait de la Joconde, celui de Ginevra de' Benci et celui de la Belle Ferronnière. On pense que l’œuvre représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan. Cecilia Gallerani (1473-1536) était devenue la maîtresse de Ludovic Sforza très jeune (vers 1488-1489). Leur liaison dura jusqu’au milieu de l’année 1492, après qu’elle eut donné naissance à un fils, César. En 1490, Ludovic Sforza épousa Béatrice d'Este, qui le contraint à mettre fin à cette relation. On peut donc dater le tableau soit des années 1488-1489 avant le mariage, soit un peu plus tard, si l’on admet comme Frank Zöllner qu’il puisse s’agir d’un cadeau d’adieu de Ludovic Sforza à son ancienne maîtresse.Une correspondance datant de 1498 entre Cecilia Gallerani et Isabelle d'Este fait directement référence à ce tableau. Isabelle d'Este s’adresse ainsi à Cécilia : « Ayant eu aujourd’hui l’occasion de voir quelques tableaux de Giovanni Bellini, j’ai réfléchi à l’œuvre de Léonard avec le désir de la comparer et me souvenant qu’il avait fait votre portrait d’après nature, je vous prie […] de bien vouloir m’envoyer le portrait. »Une étude récente vient remettre sur le devant de la scène et étayer une autre hypothèse peu suivie jusqu’à lors : le personnage héroïque de Catherine Sforza, la lionne de Romagne, y est proposé comme étant le modèle de cette représentation allégorique dans laquelle transparait la force mentale et la beauté que l’on prêtait dans la mythologie aux amazones,,.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la Analyse.

Le tableau concentre toutes les innovations du portrait inspiré à Léonard par l’exemple d’Antonello de Messine : la pose de trois-quarts, le visage tourné vers le spectateur, la grâce du geste de la main (depuis l’abandon du portrait de profil, les peintres sont devenus particulièrement attentifs aux gestes des mains) « la définition de la forme par la lumière », et « le sens du mouvement interrompu » (Cécilia semble tourner la tête comme si quelqu’un lui parlait). Cécilia porte une robe somptueuse, « préfigurant la mode espagnole, et peut-être rapportée de Naples par Ludovic Sforza ». Sa tête est enveloppée d’un précieux voile transparent. Léonard  a mis un soin tout particulier à rendre le collier de perles (probablement un collier d'ambre noir mélangé à des substances odorantes), ainsi que ses reflets noirs sur la chair rose du modèle. Le décalage entre la richesse des vêtements, le geste ferme et le visage encore juvénile ajoutent au charme du tableau.Ce portrait très raffiné est à l’image de son modèle. Cecilia Gallerani avait appris très tôt le latin. Elle composait des poèmes, pour lesquels on la comparait à Sapho. Plus tard, Matteo Bandello la qualifiera même d’un des « grands phares de la langue italienne ».Originellement Da Vinci peint simplement un portait, qu'il retouche plus tard pour ajouter une petite hermine grise; par la suite l'hermine est repeinte en blanc, devenant un peu plus volumineuse,. Le fond du tableau (bleu à l'origine) a été repeint dans une couleur sombre à une époque tardive.Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté. Selon Grazyna Bastek, spécialiste en peinture italienne au musée national de Varsovie, l'hermine pourrait être une allusion au duc de Milan. Symbole de pureté, elle est représentée dans les armes de ce dernier, décoré de l'ordre de l'Hermine. L'animal pourrait aussi représenter la vertu de Cecilia. Léonard de Vinci lui-même le rappelle dans le Manuscrit  H : « L’hermine (…) se laisse capturer par les chasseurs plutôt que de se réfugier dans un terrier plein de boue, pour ne pas entacher sa pureté. » Ce pourrait être aussi un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay, ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine, depuis qu’il avait été décoré de l’ordre d’ell’ermillino en 1488 par Ferdinand II de Naples,, même si Léonard souhaitait peindre une hermine. De plus, l'animal pourrait être une représentation de la relation entre Ludovico Sforza et sa maîtresse. En effet, l’œuvre représente Cecilia caressant le cou de l'hermine de manière à la fois douce et ferme et avec une certaine sensualité. Cela n'est pas sans rappeler une autre caresse, visible dans Léda et le Cygne où la relation entre la femme et l'animal était clairement érotisée en raison de la source mythique du sujet.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

Le tableau concentre toutes les innovations du portrait inspiré à Léonard par l’exemple d’Antonello de Messine : la pose de trois-quarts, le visage tourné vers le spectateur, la grâce du geste de la main (depuis l’abandon du portrait de profil, les peintres sont devenus particulièrement attentifs aux gestes des mains) « la définition de la forme par la lumière », et « le sens du mouvement interrompu » (Cécilia semble tourner la tête comme si quelqu’un lui parlait). Cécilia porte une robe somptueuse, « préfigurant la mode espagnole, et peut-être rapportée de Naples par Ludovic Sforza ». Sa tête est enveloppée d’un précieux voile transparent. Léonard  a mis un soin tout particulier à rendre le collier de perles (probablement un collier d'ambre noir mélangé à des substances odorantes), ainsi que ses reflets noirs sur la chair rose du modèle. Le décalage entre la richesse des vêtements, le geste ferme et le visage encore juvénile ajoutent au charme du tableau.Ce portrait très raffiné est à l’image de son modèle. Cecilia Gallerani avait appris très tôt le latin. Elle composait des poèmes, pour lesquels on la comparait à Sapho. Plus tard, Matteo Bandello la qualifiera même d’un des « grands phares de la langue italienne ».Originellement Da Vinci peint simplement un portait, qu'il retouche plus tard pour ajouter une petite hermine grise; par la suite l'hermine est repeinte en blanc, devenant un peu plus volumineuse,. Le fond du tableau (bleu à l'origine) a été repeint dans une couleur sombre à une époque tardive.Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté. Selon Grazyna Bastek, spécialiste en peinture italienne au musée national de Varsovie, l'hermine pourrait être une allusion au duc de Milan. Symbole de pureté, elle est représentée dans les armes de ce dernier, décoré de l'ordre de l'Hermine. L'animal pourrait aussi représenter la vertu de Cecilia. Léonard de Vinci lui-même le rappelle dans le Manuscrit  H : « L’hermine (…) se laisse capturer par les chasseurs plutôt que de se réfugier dans un terrier plein de boue, pour ne pas entacher sa pureté. » Ce pourrait être aussi un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay, ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine, depuis qu’il avait été décoré de l’ordre d’ell’ermillino en 1488 par Ferdinand II de Naples,, même si Léonard souhaitait peindre une hermine. De plus, l'animal pourrait être une représentation de la relation entre Ludovico Sforza et sa maîtresse. En effet, l’œuvre représente Cecilia caressant le cou de l'hermine de manière à la fois douce et ferme et avec une certaine sensualité. Cela n'est pas sans rappeler une autre caresse, visible dans Léda et le Cygne où la relation entre la femme et l'animal était clairement érotisée en raison de la source mythique du sujet.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa Analyse?

Le tableau concentre toutes les innovations du portrait inspiré à Léonard par l’exemple d’Antonello de Messine : la pose de trois-quarts, le visage tourné vers le spectateur, la grâce du geste de la main (depuis l’abandon du portrait de profil, les peintres sont devenus particulièrement attentifs aux gestes des mains) « la définition de la forme par la lumière », et « le sens du mouvement interrompu » (Cécilia semble tourner la tête comme si quelqu’un lui parlait). Cécilia porte une robe somptueuse, « préfigurant la mode espagnole, et peut-être rapportée de Naples par Ludovic Sforza ». Sa tête est enveloppée d’un précieux voile transparent. Léonard  a mis un soin tout particulier à rendre le collier de perles (probablement un collier d'ambre noir mélangé à des substances odorantes), ainsi que ses reflets noirs sur la chair rose du modèle. Le décalage entre la richesse des vêtements, le geste ferme et le visage encore juvénile ajoutent au charme du tableau.Ce portrait très raffiné est à l’image de son modèle. Cecilia Gallerani avait appris très tôt le latin. Elle composait des poèmes, pour lesquels on la comparait à Sapho. Plus tard, Matteo Bandello la qualifiera même d’un des « grands phares de la langue italienne ».Originellement Da Vinci peint simplement un portait, qu'il retouche plus tard pour ajouter une petite hermine grise; par la suite l'hermine est repeinte en blanc, devenant un peu plus volumineuse,. Le fond du tableau (bleu à l'origine) a été repeint dans une couleur sombre à une époque tardive.Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté. Selon Grazyna Bastek, spécialiste en peinture italienne au musée national de Varsovie, l'hermine pourrait être une allusion au duc de Milan. Symbole de pureté, elle est représentée dans les armes de ce dernier, décoré de l'ordre de l'Hermine. L'animal pourrait aussi représenter la vertu de Cecilia. Léonard de Vinci lui-même le rappelle dans le Manuscrit  H : « L’hermine (…) se laisse capturer par les chasseurs plutôt que de se réfugier dans un terrier plein de boue, pour ne pas entacher sa pureté. » Ce pourrait être aussi un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay, ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine, depuis qu’il avait été décoré de l’ordre d’ell’ermillino en 1488 par Ferdinand II de Naples,, même si Léonard souhaitait peindre une hermine. De plus, l'animal pourrait être une représentation de la relation entre Ludovico Sforza et sa maîtresse. En effet, l’œuvre représente Cecilia caressant le cou de l'hermine de manière à la fois douce et ferme et avec une certaine sensualité. Cela n'est pas sans rappeler une autre caresse, visible dans Léda et le Cygne où la relation entre la femme et l'animal était clairement érotisée en raison de la source mythique du sujet.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la Analyse?

Le tableau concentre toutes les innovations du portrait inspiré à Léonard par l’exemple d’Antonello de Messine : la pose de trois-quarts, le visage tourné vers le spectateur, la grâce du geste de la main (depuis l’abandon du portrait de profil, les peintres sont devenus particulièrement attentifs aux gestes des mains) « la définition de la forme par la lumière », et « le sens du mouvement interrompu » (Cécilia semble tourner la tête comme si quelqu’un lui parlait). Cécilia porte une robe somptueuse, « préfigurant la mode espagnole, et peut-être rapportée de Naples par Ludovic Sforza ». Sa tête est enveloppée d’un précieux voile transparent. Léonard  a mis un soin tout particulier à rendre le collier de perles (probablement un collier d'ambre noir mélangé à des substances odorantes), ainsi que ses reflets noirs sur la chair rose du modèle. Le décalage entre la richesse des vêtements, le geste ferme et le visage encore juvénile ajoutent au charme du tableau.Ce portrait très raffiné est à l’image de son modèle. Cecilia Gallerani avait appris très tôt le latin. Elle composait des poèmes, pour lesquels on la comparait à Sapho. Plus tard, Matteo Bandello la qualifiera même d’un des « grands phares de la langue italienne ».Originellement Da Vinci peint simplement un portait, qu'il retouche plus tard pour ajouter une petite hermine grise; par la suite l'hermine est repeinte en blanc, devenant un peu plus volumineuse,. Le fond du tableau (bleu à l'origine) a été repeint dans une couleur sombre à une époque tardive.Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté. Selon Grazyna Bastek, spécialiste en peinture italienne au musée national de Varsovie, l'hermine pourrait être une allusion au duc de Milan. Symbole de pureté, elle est représentée dans les armes de ce dernier, décoré de l'ordre de l'Hermine. L'animal pourrait aussi représenter la vertu de Cecilia. Léonard de Vinci lui-même le rappelle dans le Manuscrit  H : « L’hermine (…) se laisse capturer par les chasseurs plutôt que de se réfugier dans un terrier plein de boue, pour ne pas entacher sa pureté. » Ce pourrait être aussi un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay, ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine, depuis qu’il avait été décoré de l’ordre d’ell’ermillino en 1488 par Ferdinand II de Naples,, même si Léonard souhaitait peindre une hermine. De plus, l'animal pourrait être une représentation de la relation entre Ludovico Sforza et sa maîtresse. En effet, l’œuvre représente Cecilia caressant le cou de l'hermine de manière à la fois douce et ferme et avec une certaine sensualité. Cela n'est pas sans rappeler une autre caresse, visible dans Léda et le Cygne où la relation entre la femme et l'animal était clairement érotisée en raison de la source mythique du sujet.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

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La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans le contexte de La_Dame_à_l'hermine, expliquez la Vraisemblance et la Analyse.

L'hermine est un petit animal au corps allongé de 16 à 30 centimètres, blanc en hiver, la queue noire toute l'année, de petites oreilles ourlées et liserées de blanc, un museau effilé (un peu comme un rat), des pattes ne dépassant pas 5 centimètres, qui servait d'animal de compagnie à cette époque, dont la ressemblance est proche de la belette (qui est nettement plus petite) de la même famille des mustélidés. La représentation de Léonard de Vinci est très vraisemblable, allongé sur un avant bras féminin d'une trentaine de centimètres, une main tout aussi féminine d'une vingtaine de centimètres, dont la tête ne dépasse pas l'épaule, en appui sur son membre antérieur. L'hermine est prisée à la fois pour la blancheur de sa fourrure d'été, (pelage brun au-dessus, blanc jaunâtre en hiver), ainsi que pour sa plus petite taille par rapport au furet dont la taille est le double et les dents beaucoup plus dangereuses. C'est davantage le furet qui paraîtrait énorme, trois fois plus long que la main de la dame, et sa tête est très différente (plus proche de celle d'un petit renard). La représentation du peintre semble assez fidèle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Vraisemblance concernant la Analyse de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

L'hermine est un petit animal au corps allongé de 16 à 30 centimètres, blanc en hiver, la queue noire toute l'année, de petites oreilles ourlées et liserées de blanc, un museau effilé (un peu comme un rat), des pattes ne dépassant pas 5 centimètres, qui servait d'animal de compagnie à cette époque, dont la ressemblance est proche de la belette (qui est nettement plus petite) de la même famille des mustélidés. La représentation de Léonard de Vinci est très vraisemblable, allongé sur un avant bras féminin d'une trentaine de centimètres, une main tout aussi féminine d'une vingtaine de centimètres, dont la tête ne dépasse pas l'épaule, en appui sur son membre antérieur. L'hermine est prisée à la fois pour la blancheur de sa fourrure d'été, (pelage brun au-dessus, blanc jaunâtre en hiver), ainsi que pour sa plus petite taille par rapport au furet dont la taille est le double et les dents beaucoup plus dangereuses. C'est davantage le furet qui paraîtrait énorme, trois fois plus long que la main de la dame, et sa tête est très différente (plus proche de celle d'un petit renard). La représentation du peintre semble assez fidèle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment la Vraisemblance de la Analyse est-elle expliquée?

L'hermine est un petit animal au corps allongé de 16 à 30 centimètres, blanc en hiver, la queue noire toute l'année, de petites oreilles ourlées et liserées de blanc, un museau effilé (un peu comme un rat), des pattes ne dépassant pas 5 centimètres, qui servait d'animal de compagnie à cette époque, dont la ressemblance est proche de la belette (qui est nettement plus petite) de la même famille des mustélidés. La représentation de Léonard de Vinci est très vraisemblable, allongé sur un avant bras féminin d'une trentaine de centimètres, une main tout aussi féminine d'une vingtaine de centimètres, dont la tête ne dépasse pas l'épaule, en appui sur son membre antérieur. L'hermine est prisée à la fois pour la blancheur de sa fourrure d'été, (pelage brun au-dessus, blanc jaunâtre en hiver), ainsi que pour sa plus petite taille par rapport au furet dont la taille est le double et les dents beaucoup plus dangereuses. C'est davantage le furet qui paraîtrait énorme, trois fois plus long que la main de la dame, et sa tête est très différente (plus proche de celle d'un petit renard). La représentation du peintre semble assez fidèle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Vraisemblance dans la Analyse de La_Dame_à_l'hermine.

L'hermine est un petit animal au corps allongé de 16 à 30 centimètres, blanc en hiver, la queue noire toute l'année, de petites oreilles ourlées et liserées de blanc, un museau effilé (un peu comme un rat), des pattes ne dépassant pas 5 centimètres, qui servait d'animal de compagnie à cette époque, dont la ressemblance est proche de la belette (qui est nettement plus petite) de la même famille des mustélidés. La représentation de Léonard de Vinci est très vraisemblable, allongé sur un avant bras féminin d'une trentaine de centimètres, une main tout aussi féminine d'une vingtaine de centimètres, dont la tête ne dépasse pas l'épaule, en appui sur son membre antérieur. L'hermine est prisée à la fois pour la blancheur de sa fourrure d'été, (pelage brun au-dessus, blanc jaunâtre en hiver), ainsi que pour sa plus petite taille par rapport au furet dont la taille est le double et les dents beaucoup plus dangereuses. C'est davantage le furet qui paraîtrait énorme, trois fois plus long que la main de la dame, et sa tête est très différente (plus proche de celle d'un petit renard). La représentation du peintre semble assez fidèle.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

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La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la Place dans l'œuvre de Léonard de Vinci.

La Dame à l'hermine peut être considérée comme la concrétisation de ce que Léonard de Vinci disait être le but premier du peintre : faire ressortir d'une surface plane, un corps modelé et de montrer les mouvements de l'esprit du sujet peint, c'est-à-dire que la personnalité et la psychologie du modèle doivent transparaître dans sa représentation, ce qui est un concept-clé de l'art renaissant. John Pope-Hennessy, grand historien de l'art, a d'ailleurs affirmé que, selon lui, La Dame à l'hermine est le premier portrait européen à réussir ce mandat et qu'elle marque donc une révolution de l'iconographie, se posant comme le premier portrait moderne.Ce tableau est souvent comparé au Portrait de Ginevra de' Benci dont la réalisation lui est antérieure. La comparaison entre ces deux portraits montre que les techniques de Léonard de Vinci ont très peu changé durant la dizaine, voire quinzaine, d'années qui séparent la réalisation de ces œuvres. Ce qui a évolué, cependant, c'est « l'habileté de l'artiste à exprimer ses capacités d'observation et d'analyse dans une peinture ». En effet, la compréhension de l'anatomie par l'artiste ne transparaît pas autant dans le Portrait de Ginevra de' Benci que dans La Dame à l'hermine. La différence est également notable au niveau de la représentation des costumes des deux jeunes femmes, celui de La Dame à l'hermine étant beaucoup plus détaillé.

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La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Place dans l'œuvre de Léonard de Vinci de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

La Dame à l'hermine peut être considérée comme la concrétisation de ce que Léonard de Vinci disait être le but premier du peintre : faire ressortir d'une surface plane, un corps modelé et de montrer les mouvements de l'esprit du sujet peint, c'est-à-dire que la personnalité et la psychologie du modèle doivent transparaître dans sa représentation, ce qui est un concept-clé de l'art renaissant. John Pope-Hennessy, grand historien de l'art, a d'ailleurs affirmé que, selon lui, La Dame à l'hermine est le premier portrait européen à réussir ce mandat et qu'elle marque donc une révolution de l'iconographie, se posant comme le premier portrait moderne.Ce tableau est souvent comparé au Portrait de Ginevra de' Benci dont la réalisation lui est antérieure. La comparaison entre ces deux portraits montre que les techniques de Léonard de Vinci ont très peu changé durant la dizaine, voire quinzaine, d'années qui séparent la réalisation de ces œuvres. Ce qui a évolué, cependant, c'est « l'habileté de l'artiste à exprimer ses capacités d'observation et d'analyse dans une peinture ». En effet, la compréhension de l'anatomie par l'artiste ne transparaît pas autant dans le Portrait de Ginevra de' Benci que dans La Dame à l'hermine. La différence est également notable au niveau de la représentation des costumes des deux jeunes femmes, celui de La Dame à l'hermine étant beaucoup plus détaillé.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

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La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa Place dans l'œuvre de Léonard de Vinci?

La Dame à l'hermine peut être considérée comme la concrétisation de ce que Léonard de Vinci disait être le but premier du peintre : faire ressortir d'une surface plane, un corps modelé et de montrer les mouvements de l'esprit du sujet peint, c'est-à-dire que la personnalité et la psychologie du modèle doivent transparaître dans sa représentation, ce qui est un concept-clé de l'art renaissant. John Pope-Hennessy, grand historien de l'art, a d'ailleurs affirmé que, selon lui, La Dame à l'hermine est le premier portrait européen à réussir ce mandat et qu'elle marque donc une révolution de l'iconographie, se posant comme le premier portrait moderne.Ce tableau est souvent comparé au Portrait de Ginevra de' Benci dont la réalisation lui est antérieure. La comparaison entre ces deux portraits montre que les techniques de Léonard de Vinci ont très peu changé durant la dizaine, voire quinzaine, d'années qui séparent la réalisation de ces œuvres. Ce qui a évolué, cependant, c'est « l'habileté de l'artiste à exprimer ses capacités d'observation et d'analyse dans une peinture ». En effet, la compréhension de l'anatomie par l'artiste ne transparaît pas autant dans le Portrait de Ginevra de' Benci que dans La Dame à l'hermine. La différence est également notable au niveau de la représentation des costumes des deux jeunes femmes, celui de La Dame à l'hermine étant beaucoup plus détaillé.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la Place dans l'œuvre de Léonard de Vinci?

La Dame à l'hermine peut être considérée comme la concrétisation de ce que Léonard de Vinci disait être le but premier du peintre : faire ressortir d'une surface plane, un corps modelé et de montrer les mouvements de l'esprit du sujet peint, c'est-à-dire que la personnalité et la psychologie du modèle doivent transparaître dans sa représentation, ce qui est un concept-clé de l'art renaissant. John Pope-Hennessy, grand historien de l'art, a d'ailleurs affirmé que, selon lui, La Dame à l'hermine est le premier portrait européen à réussir ce mandat et qu'elle marque donc une révolution de l'iconographie, se posant comme le premier portrait moderne.Ce tableau est souvent comparé au Portrait de Ginevra de' Benci dont la réalisation lui est antérieure. La comparaison entre ces deux portraits montre que les techniques de Léonard de Vinci ont très peu changé durant la dizaine, voire quinzaine, d'années qui séparent la réalisation de ces œuvres. Ce qui a évolué, cependant, c'est « l'habileté de l'artiste à exprimer ses capacités d'observation et d'analyse dans une peinture ». En effet, la compréhension de l'anatomie par l'artiste ne transparaît pas autant dans le Portrait de Ginevra de' Benci que dans La Dame à l'hermine. La différence est également notable au niveau de la représentation des costumes des deux jeunes femmes, celui de La Dame à l'hermine étant beaucoup plus détaillé.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Concentrez-vous sur La_Dame_à_l'hermine et expliquez la Hommages.

L’écrivain britannique Philip Pullman reconnait avoir trouvé l’inspiration en étudiant entre autres le rapport entre le personnage et son animal spirituel pour sa trilogie À la croisée des mondes, publiée à partir de 1995.La Dame à l’hermine a été choisie en illustration sur la couverture du coffret 15 Years After (2005) du projet musical Enigma. L'image est reprise pour la couverture de l'album Enigma: The Platinium Collection (2010) célébrant 20 ans de musique d'Enigma.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Expliquer la Hommages de cette œuvre d'art, La_Dame_à_l'hermine.

L’écrivain britannique Philip Pullman reconnait avoir trouvé l’inspiration en étudiant entre autres le rapport entre le personnage et son animal spirituel pour sa trilogie À la croisée des mondes, publiée à partir de 1995.La Dame à l’hermine a été choisie en illustration sur la couverture du coffret 15 Years After (2005) du projet musical Enigma. L'image est reprise pour la couverture de l'album Enigma: The Platinium Collection (2010) célébrant 20 ans de musique d'Enigma.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Comment La_Dame_à_l'hermine explique-t-il sa Hommages?

L’écrivain britannique Philip Pullman reconnait avoir trouvé l’inspiration en étudiant entre autres le rapport entre le personnage et son animal spirituel pour sa trilogie À la croisée des mondes, publiée à partir de 1995.La Dame à l’hermine a été choisie en illustration sur la couverture du coffret 15 Years After (2005) du projet musical Enigma. L'image est reprise pour la couverture de l'album Enigma: The Platinium Collection (2010) célébrant 20 ans de musique d'Enigma.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Dame_à_l'hermine

Prompt: Dans La_Dame_à_l'hermine, comment est discutée la Hommages?

L’écrivain britannique Philip Pullman reconnait avoir trouvé l’inspiration en étudiant entre autres le rapport entre le personnage et son animal spirituel pour sa trilogie À la croisée des mondes, publiée à partir de 1995.La Dame à l’hermine a été choisie en illustration sur la couverture du coffret 15 Years After (2005) du projet musical Enigma. L'image est reprise pour la couverture de l'album Enigma: The Platinium Collection (2010) célébrant 20 ans de musique d'Enigma.

Catégorie:Œuvre conservée au musée national de Cracovie

terres polonaises non incorporées au Reich


La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la abstract.

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques-Louis David peint en 1793. Il est conservé aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles.L'artiste représente Jean-Paul Marat après son assassinat chez lui le 13 juillet 1793 par Charlotte Corday. La dédicace à Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, indique qu'il s'agit d'un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement et qu'il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu'il l'a représenté.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier


La_Mort_de_Marat

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Marat.

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques-Louis David peint en 1793. Il est conservé aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles.L'artiste représente Jean-Paul Marat après son assassinat chez lui le 13 juillet 1793 par Charlotte Corday. La dédicace à Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, indique qu'il s'agit d'un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement et qu'il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu'il l'a représenté.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier


La_Mort_de_Marat

Prompt: Comment La_Mort_de_Marat explique-t-il sa abstract?

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques-Louis David peint en 1793. Il est conservé aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles.L'artiste représente Jean-Paul Marat après son assassinat chez lui le 13 juillet 1793 par Charlotte Corday. La dédicace à Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, indique qu'il s'agit d'un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement et qu'il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu'il l'a représenté.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier


La_Mort_de_Marat

Prompt: Dans La_Mort_de_Marat, comment est discutée la abstract?

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques-Louis David peint en 1793. Il est conservé aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles.L'artiste représente Jean-Paul Marat après son assassinat chez lui le 13 juillet 1793 par Charlotte Corday. La dédicace à Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, indique qu'il s'agit d'un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement et qu'il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu'il l'a représenté.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier


La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la Historique de l'œuvre.

À la suite de l'annonce à la Convention de la mort de Marat le 13 juillet 1793, le député Guiraut réclame à David de faire pour Marat ce qu'il avait fait pour Lepeletier de Saint-Fargeau, à savoir représenter la mort du conventionnel par ses pinceaux. Le 14 novembre 1793, David offre à la Convention le portrait de Marat, dès lors exposé avec son autre et précédent tableau (aujourd’hui disparu) La Mort de Lepeletier de Saint-Fargeau. En février 1795, le principe de restitution des deux œuvres au peintre est acquis : il les récupère quelques mois plus tard pour les conserver dans son atelier. Durant son exil à Bruxelles, les deux tableaux sont confiés à Antoine Jean Gros qui les cache à Paris. Au début de 1826, à la suite du décès de David le 29 décembre 1825, le portrait de Marat entre en possession des héritiers du peintre qui organisent plusieurs expositions dans l'intention de le vendre, mais sans succès. Jules David-Chassagnolle, dernier propriétaire du tableau depuis 1860, le lègue au musée des beaux-arts de Bruxelles en 1886. Il y est exposé depuis 1893. Plusieurs copies du tableau restées aujourd'hui visibles ont été réalisées, à fin de propagande, dans l'atelier de David, de 1793 à 1794, notamment par Serangeli et Gérard.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Expliquer la Historique de l'œuvre de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Marat.

À la suite de l'annonce à la Convention de la mort de Marat le 13 juillet 1793, le député Guiraut réclame à David de faire pour Marat ce qu'il avait fait pour Lepeletier de Saint-Fargeau, à savoir représenter la mort du conventionnel par ses pinceaux. Le 14 novembre 1793, David offre à la Convention le portrait de Marat, dès lors exposé avec son autre et précédent tableau (aujourd’hui disparu) La Mort de Lepeletier de Saint-Fargeau. En février 1795, le principe de restitution des deux œuvres au peintre est acquis : il les récupère quelques mois plus tard pour les conserver dans son atelier. Durant son exil à Bruxelles, les deux tableaux sont confiés à Antoine Jean Gros qui les cache à Paris. Au début de 1826, à la suite du décès de David le 29 décembre 1825, le portrait de Marat entre en possession des héritiers du peintre qui organisent plusieurs expositions dans l'intention de le vendre, mais sans succès. Jules David-Chassagnolle, dernier propriétaire du tableau depuis 1860, le lègue au musée des beaux-arts de Bruxelles en 1886. Il y est exposé depuis 1893. Plusieurs copies du tableau restées aujourd'hui visibles ont été réalisées, à fin de propagande, dans l'atelier de David, de 1793 à 1794, notamment par Serangeli et Gérard.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Comment La_Mort_de_Marat explique-t-il sa Historique de l'œuvre?

À la suite de l'annonce à la Convention de la mort de Marat le 13 juillet 1793, le député Guiraut réclame à David de faire pour Marat ce qu'il avait fait pour Lepeletier de Saint-Fargeau, à savoir représenter la mort du conventionnel par ses pinceaux. Le 14 novembre 1793, David offre à la Convention le portrait de Marat, dès lors exposé avec son autre et précédent tableau (aujourd’hui disparu) La Mort de Lepeletier de Saint-Fargeau. En février 1795, le principe de restitution des deux œuvres au peintre est acquis : il les récupère quelques mois plus tard pour les conserver dans son atelier. Durant son exil à Bruxelles, les deux tableaux sont confiés à Antoine Jean Gros qui les cache à Paris. Au début de 1826, à la suite du décès de David le 29 décembre 1825, le portrait de Marat entre en possession des héritiers du peintre qui organisent plusieurs expositions dans l'intention de le vendre, mais sans succès. Jules David-Chassagnolle, dernier propriétaire du tableau depuis 1860, le lègue au musée des beaux-arts de Bruxelles en 1886. Il y est exposé depuis 1893. Plusieurs copies du tableau restées aujourd'hui visibles ont été réalisées, à fin de propagande, dans l'atelier de David, de 1793 à 1794, notamment par Serangeli et Gérard.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

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École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Dans La_Mort_de_Marat, comment est discutée la Historique de l'œuvre?

À la suite de l'annonce à la Convention de la mort de Marat le 13 juillet 1793, le député Guiraut réclame à David de faire pour Marat ce qu'il avait fait pour Lepeletier de Saint-Fargeau, à savoir représenter la mort du conventionnel par ses pinceaux. Le 14 novembre 1793, David offre à la Convention le portrait de Marat, dès lors exposé avec son autre et précédent tableau (aujourd’hui disparu) La Mort de Lepeletier de Saint-Fargeau. En février 1795, le principe de restitution des deux œuvres au peintre est acquis : il les récupère quelques mois plus tard pour les conserver dans son atelier. Durant son exil à Bruxelles, les deux tableaux sont confiés à Antoine Jean Gros qui les cache à Paris. Au début de 1826, à la suite du décès de David le 29 décembre 1825, le portrait de Marat entre en possession des héritiers du peintre qui organisent plusieurs expositions dans l'intention de le vendre, mais sans succès. Jules David-Chassagnolle, dernier propriétaire du tableau depuis 1860, le lègue au musée des beaux-arts de Bruxelles en 1886. Il y est exposé depuis 1893. Plusieurs copies du tableau restées aujourd'hui visibles ont été réalisées, à fin de propagande, dans l'atelier de David, de 1793 à 1794, notamment par Serangeli et Gérard.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la Description.

Le tableau est une huile sur toile de 165 sur 128 centimètres. Se détachant d'un fond brun-vert, le corps du conventionnel Jean-Paul Marat est représenté agonisant. La tête enveloppée d'un turban blanc est penchée sur le côté. Sa main droite pendante tient une plume, le bras gauche repose sur le rebord d'une planche recouverte d'un tissu vert, la main tient une feuille manuscrite portant le texte « Du 13 juillet 1793. Marie anne Charlotte Corday au citoyen Marat. Il suffit que je sois bien malheureuse pour avoir droit à votre bienveillance. ». Le corps est appuyé contre la baignoire que recouvre un drap blanc souillé du sang de la victime, à ses pieds se trouve un couteau à manche blanc taché de sang. À droite est placé un billot de bois sur lequel sont posés un encrier, une deuxième plume, un assignat et une autre feuille de papier manuscrite avec le texte « Vous donnerez cet assignat à cette mère de 5 enfants et dont le mari est mort pour la défense de la patrie. ». Au bas du billot, l'œuvre est signée : « À Marat, David. — L'an deux. ».

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

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École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Marat.

Le tableau est une huile sur toile de 165 sur 128 centimètres. Se détachant d'un fond brun-vert, le corps du conventionnel Jean-Paul Marat est représenté agonisant. La tête enveloppée d'un turban blanc est penchée sur le côté. Sa main droite pendante tient une plume, le bras gauche repose sur le rebord d'une planche recouverte d'un tissu vert, la main tient une feuille manuscrite portant le texte « Du 13 juillet 1793. Marie anne Charlotte Corday au citoyen Marat. Il suffit que je sois bien malheureuse pour avoir droit à votre bienveillance. ». Le corps est appuyé contre la baignoire que recouvre un drap blanc souillé du sang de la victime, à ses pieds se trouve un couteau à manche blanc taché de sang. À droite est placé un billot de bois sur lequel sont posés un encrier, une deuxième plume, un assignat et une autre feuille de papier manuscrite avec le texte « Vous donnerez cet assignat à cette mère de 5 enfants et dont le mari est mort pour la défense de la patrie. ». Au bas du billot, l'œuvre est signée : « À Marat, David. — L'an deux. ».

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

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École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Comment La_Mort_de_Marat explique-t-il sa Description?

Le tableau est une huile sur toile de 165 sur 128 centimètres. Se détachant d'un fond brun-vert, le corps du conventionnel Jean-Paul Marat est représenté agonisant. La tête enveloppée d'un turban blanc est penchée sur le côté. Sa main droite pendante tient une plume, le bras gauche repose sur le rebord d'une planche recouverte d'un tissu vert, la main tient une feuille manuscrite portant le texte « Du 13 juillet 1793. Marie anne Charlotte Corday au citoyen Marat. Il suffit que je sois bien malheureuse pour avoir droit à votre bienveillance. ». Le corps est appuyé contre la baignoire que recouvre un drap blanc souillé du sang de la victime, à ses pieds se trouve un couteau à manche blanc taché de sang. À droite est placé un billot de bois sur lequel sont posés un encrier, une deuxième plume, un assignat et une autre feuille de papier manuscrite avec le texte « Vous donnerez cet assignat à cette mère de 5 enfants et dont le mari est mort pour la défense de la patrie. ». Au bas du billot, l'œuvre est signée : « À Marat, David. — L'an deux. ».

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

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École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Dans La_Mort_de_Marat, comment est discutée la Description?

Le tableau est une huile sur toile de 165 sur 128 centimètres. Se détachant d'un fond brun-vert, le corps du conventionnel Jean-Paul Marat est représenté agonisant. La tête enveloppée d'un turban blanc est penchée sur le côté. Sa main droite pendante tient une plume, le bras gauche repose sur le rebord d'une planche recouverte d'un tissu vert, la main tient une feuille manuscrite portant le texte « Du 13 juillet 1793. Marie anne Charlotte Corday au citoyen Marat. Il suffit que je sois bien malheureuse pour avoir droit à votre bienveillance. ». Le corps est appuyé contre la baignoire que recouvre un drap blanc souillé du sang de la victime, à ses pieds se trouve un couteau à manche blanc taché de sang. À droite est placé un billot de bois sur lequel sont posés un encrier, une deuxième plume, un assignat et une autre feuille de papier manuscrite avec le texte « Vous donnerez cet assignat à cette mère de 5 enfants et dont le mari est mort pour la défense de la patrie. ». Au bas du billot, l'œuvre est signée : « À Marat, David. — L'an deux. ».

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la Contexte historique.

Marat, que l'on surnommait à l’époque « l'ami du peuple », fut assassiné par Charlotte Corday le 13 juillet 1793 et ce crime fut considéré par les révolutionnaires comme un attentat contre la nouvelle Constitution. La Convention commanda à David cette toile au fond hautement politique. Marat était une figure du radicalisme révolutionnaire représenté par les Montagnards, qui venaient d'éliminer les Girondins (dont Charlotte Corday était une sympathisante). Charlotte Corday, la meurtrière de Marat, est écœurée par le terrorisme révolutionnaire et elle voit des ennemis de la Révolution partout. Secrètement, elle se rend à Paris pour assassiner l'inspirateur de cette politique. David est ému par ce crime hautement symbolique. Il réalise cette peinture afin de faire de Marat un martyr de la liberté. David donne ce sens précis à son tableau : « Le vrai patriote doit saisir avec avidité tous les moyens d'éclairer ses concitoyens et de présenter sans cesse à leurs yeux ses traits sublimes d'héroïsme et de vertus » (disait-il en parlant de Marat).

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

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École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Expliquer la Contexte historique de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Marat.

Marat, que l'on surnommait à l’époque « l'ami du peuple », fut assassiné par Charlotte Corday le 13 juillet 1793 et ce crime fut considéré par les révolutionnaires comme un attentat contre la nouvelle Constitution. La Convention commanda à David cette toile au fond hautement politique. Marat était une figure du radicalisme révolutionnaire représenté par les Montagnards, qui venaient d'éliminer les Girondins (dont Charlotte Corday était une sympathisante). Charlotte Corday, la meurtrière de Marat, est écœurée par le terrorisme révolutionnaire et elle voit des ennemis de la Révolution partout. Secrètement, elle se rend à Paris pour assassiner l'inspirateur de cette politique. David est ému par ce crime hautement symbolique. Il réalise cette peinture afin de faire de Marat un martyr de la liberté. David donne ce sens précis à son tableau : « Le vrai patriote doit saisir avec avidité tous les moyens d'éclairer ses concitoyens et de présenter sans cesse à leurs yeux ses traits sublimes d'héroïsme et de vertus » (disait-il en parlant de Marat).

Catégorie:Révolution française dans la peinture

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Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

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Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Comment La_Mort_de_Marat explique-t-il sa Contexte historique?

Marat, que l'on surnommait à l’époque « l'ami du peuple », fut assassiné par Charlotte Corday le 13 juillet 1793 et ce crime fut considéré par les révolutionnaires comme un attentat contre la nouvelle Constitution. La Convention commanda à David cette toile au fond hautement politique. Marat était une figure du radicalisme révolutionnaire représenté par les Montagnards, qui venaient d'éliminer les Girondins (dont Charlotte Corday était une sympathisante). Charlotte Corday, la meurtrière de Marat, est écœurée par le terrorisme révolutionnaire et elle voit des ennemis de la Révolution partout. Secrètement, elle se rend à Paris pour assassiner l'inspirateur de cette politique. David est ému par ce crime hautement symbolique. Il réalise cette peinture afin de faire de Marat un martyr de la liberté. David donne ce sens précis à son tableau : « Le vrai patriote doit saisir avec avidité tous les moyens d'éclairer ses concitoyens et de présenter sans cesse à leurs yeux ses traits sublimes d'héroïsme et de vertus » (disait-il en parlant de Marat).

Catégorie:Révolution française dans la peinture

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Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

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Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Dans La_Mort_de_Marat, comment est discutée la Contexte historique?

Marat, que l'on surnommait à l’époque « l'ami du peuple », fut assassiné par Charlotte Corday le 13 juillet 1793 et ce crime fut considéré par les révolutionnaires comme un attentat contre la nouvelle Constitution. La Convention commanda à David cette toile au fond hautement politique. Marat était une figure du radicalisme révolutionnaire représenté par les Montagnards, qui venaient d'éliminer les Girondins (dont Charlotte Corday était une sympathisante). Charlotte Corday, la meurtrière de Marat, est écœurée par le terrorisme révolutionnaire et elle voit des ennemis de la Révolution partout. Secrètement, elle se rend à Paris pour assassiner l'inspirateur de cette politique. David est ému par ce crime hautement symbolique. Il réalise cette peinture afin de faire de Marat un martyr de la liberté. David donne ce sens précis à son tableau : « Le vrai patriote doit saisir avec avidité tous les moyens d'éclairer ses concitoyens et de présenter sans cesse à leurs yeux ses traits sublimes d'héroïsme et de vertus » (disait-il en parlant de Marat).

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la Analyse stylistique.

À partir de la Révolution française, on observe une orientation de la peinture de David à travers ses engagements politiques (il est jacobin, siège à la Convention dans les rangs de la Montagne ; proche de Robespierre, il vote la mort du roi). Il utilise toutes les caractéristiques néo-classiques dans le but d'élever un événement contemporain à l'échelle de l’Histoire et transcender la réalité, pratique caractéristique de David, qu'il emploie pour ses sujets napoléoniens (Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1801, Malmaison) ou Le Sacre de Napoléon (1806, Louvre)).David mêle ici représentation naturaliste d'un événement (lettre de Charlotte Corday, bain dans lequel se trouvait Marat pour le soulager de sa maladie, couteau taché de sang, etc.) mais aussi l'idéalisation et la dramatisation d'une peinture d'histoire : grande diagonale de la lumière, baignoire sabot en cuivre cachée sous l'horizontalité d'une draperie, coffre avec une dédicace, telle l'épitaphe d'une tombe, le corps nu héroïque et idéalisé coincé dans la baignoire, l'attitude de Marat qui rappelle l'abandon d'un Christ mort d'une déposition ou d'une déploration. Ainsi, l'historien d'art Klaus Lankheit (de) a pu comparer ce motif de l'abandon (bras pendant, tête affaissée) à l'image du Sauveur mort dans La Pietà de Michel-Ange ou La Mise au tombeau du Caravage.Le choix de l'instant (le titre donné par David était « Marat à son dernier soupir »), la solennité, le naturalisme et l'idéalisation élèvent le sujet et confère une portée politique et symbolique à la réalité contemporaine. Il représente une belle mort avec le visage de Marat serein, apaisé (un demi-sourire sur les lèvres), symbole de la République éternelle. Cette peinture édifiante doit faire œuvre de propagande, si bien que par un décret du juillet 1794, la Convention ordonne que des copies du tableau soient faites par des élèves de David. La mort de Marat suscite une guerre des images entre les partisans de Marat et ceux de Corday qui trouve des admirateurs dès l'été 1793, tel le Meurtre de Marat de Jean-Jacques Hauer qui représente le député montagnard souffrant.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Expliquer la Analyse stylistique de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Marat.

À partir de la Révolution française, on observe une orientation de la peinture de David à travers ses engagements politiques (il est jacobin, siège à la Convention dans les rangs de la Montagne ; proche de Robespierre, il vote la mort du roi). Il utilise toutes les caractéristiques néo-classiques dans le but d'élever un événement contemporain à l'échelle de l’Histoire et transcender la réalité, pratique caractéristique de David, qu'il emploie pour ses sujets napoléoniens (Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1801, Malmaison) ou Le Sacre de Napoléon (1806, Louvre)).David mêle ici représentation naturaliste d'un événement (lettre de Charlotte Corday, bain dans lequel se trouvait Marat pour le soulager de sa maladie, couteau taché de sang, etc.) mais aussi l'idéalisation et la dramatisation d'une peinture d'histoire : grande diagonale de la lumière, baignoire sabot en cuivre cachée sous l'horizontalité d'une draperie, coffre avec une dédicace, telle l'épitaphe d'une tombe, le corps nu héroïque et idéalisé coincé dans la baignoire, l'attitude de Marat qui rappelle l'abandon d'un Christ mort d'une déposition ou d'une déploration. Ainsi, l'historien d'art Klaus Lankheit (de) a pu comparer ce motif de l'abandon (bras pendant, tête affaissée) à l'image du Sauveur mort dans La Pietà de Michel-Ange ou La Mise au tombeau du Caravage.Le choix de l'instant (le titre donné par David était « Marat à son dernier soupir »), la solennité, le naturalisme et l'idéalisation élèvent le sujet et confère une portée politique et symbolique à la réalité contemporaine. Il représente une belle mort avec le visage de Marat serein, apaisé (un demi-sourire sur les lèvres), symbole de la République éternelle. Cette peinture édifiante doit faire œuvre de propagande, si bien que par un décret du juillet 1794, la Convention ordonne que des copies du tableau soient faites par des élèves de David. La mort de Marat suscite une guerre des images entre les partisans de Marat et ceux de Corday qui trouve des admirateurs dès l'été 1793, tel le Meurtre de Marat de Jean-Jacques Hauer qui représente le député montagnard souffrant.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique


La_Mort_de_Marat

Prompt: Comment La_Mort_de_Marat explique-t-il sa Analyse stylistique?

À partir de la Révolution française, on observe une orientation de la peinture de David à travers ses engagements politiques (il est jacobin, siège à la Convention dans les rangs de la Montagne ; proche de Robespierre, il vote la mort du roi). Il utilise toutes les caractéristiques néo-classiques dans le but d'élever un événement contemporain à l'échelle de l’Histoire et transcender la réalité, pratique caractéristique de David, qu'il emploie pour ses sujets napoléoniens (Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1801, Malmaison) ou Le Sacre de Napoléon (1806, Louvre)).David mêle ici représentation naturaliste d'un événement (lettre de Charlotte Corday, bain dans lequel se trouvait Marat pour le soulager de sa maladie, couteau taché de sang, etc.) mais aussi l'idéalisation et la dramatisation d'une peinture d'histoire : grande diagonale de la lumière, baignoire sabot en cuivre cachée sous l'horizontalité d'une draperie, coffre avec une dédicace, telle l'épitaphe d'une tombe, le corps nu héroïque et idéalisé coincé dans la baignoire, l'attitude de Marat qui rappelle l'abandon d'un Christ mort d'une déposition ou d'une déploration. Ainsi, l'historien d'art Klaus Lankheit (de) a pu comparer ce motif de l'abandon (bras pendant, tête affaissée) à l'image du Sauveur mort dans La Pietà de Michel-Ange ou La Mise au tombeau du Caravage.Le choix de l'instant (le titre donné par David était « Marat à son dernier soupir »), la solennité, le naturalisme et l'idéalisation élèvent le sujet et confère une portée politique et symbolique à la réalité contemporaine. Il représente une belle mort avec le visage de Marat serein, apaisé (un demi-sourire sur les lèvres), symbole de la République éternelle. Cette peinture édifiante doit faire œuvre de propagande, si bien que par un décret du juillet 1794, la Convention ordonne que des copies du tableau soient faites par des élèves de David. La mort de Marat suscite une guerre des images entre les partisans de Marat et ceux de Corday qui trouve des admirateurs dès l'été 1793, tel le Meurtre de Marat de Jean-Jacques Hauer qui représente le député montagnard souffrant.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

Les Derniers Moments de Michel Lepeletier

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Dans La_Mort_de_Marat, comment est discutée la Analyse stylistique?

À partir de la Révolution française, on observe une orientation de la peinture de David à travers ses engagements politiques (il est jacobin, siège à la Convention dans les rangs de la Montagne ; proche de Robespierre, il vote la mort du roi). Il utilise toutes les caractéristiques néo-classiques dans le but d'élever un événement contemporain à l'échelle de l’Histoire et transcender la réalité, pratique caractéristique de David, qu'il emploie pour ses sujets napoléoniens (Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1801, Malmaison) ou Le Sacre de Napoléon (1806, Louvre)).David mêle ici représentation naturaliste d'un événement (lettre de Charlotte Corday, bain dans lequel se trouvait Marat pour le soulager de sa maladie, couteau taché de sang, etc.) mais aussi l'idéalisation et la dramatisation d'une peinture d'histoire : grande diagonale de la lumière, baignoire sabot en cuivre cachée sous l'horizontalité d'une draperie, coffre avec une dédicace, telle l'épitaphe d'une tombe, le corps nu héroïque et idéalisé coincé dans la baignoire, l'attitude de Marat qui rappelle l'abandon d'un Christ mort d'une déposition ou d'une déploration. Ainsi, l'historien d'art Klaus Lankheit (de) a pu comparer ce motif de l'abandon (bras pendant, tête affaissée) à l'image du Sauveur mort dans La Pietà de Michel-Ange ou La Mise au tombeau du Caravage.Le choix de l'instant (le titre donné par David était « Marat à son dernier soupir »), la solennité, le naturalisme et l'idéalisation élèvent le sujet et confère une portée politique et symbolique à la réalité contemporaine. Il représente une belle mort avec le visage de Marat serein, apaisé (un demi-sourire sur les lèvres), symbole de la République éternelle. Cette peinture édifiante doit faire œuvre de propagande, si bien que par un décret du juillet 1794, la Convention ordonne que des copies du tableau soient faites par des élèves de David. La mort de Marat suscite une guerre des images entre les partisans de Marat et ceux de Corday qui trouve des admirateurs dès l'été 1793, tel le Meurtre de Marat de Jean-Jacques Hauer qui représente le député montagnard souffrant.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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La_Mort_de_Marat

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Marat et expliquez la Les différentes répliques et copies.

Quatre copies sont recensées, visibles au musée du Louvre, au Château de Versailles, au musée des beaux-arts de Dijon et au musée des beaux-arts de Reims. Peu après la réalisation du tableau, il fut décidé par la Convention par la voix d'Antoine Claire Thibaudeau que des copies du Lepeletier et du Marat seraient peintes pour la manufacture des Gobelins sous la supervision de David. Deux des copies appartenaient à David, ce qui alimenta au XIXe siècle une vive polémique sur la question de savoir si le tableau de Bruxelles était ou non l'original, ce qui n'est désormais plus contesté.

Catégorie:Révolution française dans la peinture

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Tableau de Jacques-Louis David

Étude de David : visage de Marat d'après son [[masque mortuaire

Détail de la lettre de Charlotte Corday que tient Marat.

Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard

Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Image:Death of Marat by David (detail).jpg

Catégorie:Portrait mortuaire dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

École française anonyme, d'après Jacques-Louis David, huile sur toile exécutée après 1840, collection particulière, 77 x 91,3 cm

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