L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment la Le personnage de gauche de la Description et interprétation est-elle expliquée?

Le personnage de gauche tient le manche d'un cistre dans la main droite et un verre dans la gauche. C'est le joyeux buveur caravagesque type, très populaire dans les scènes de lupanar des caravagistes d'Utrecht. Sa face hilare dans l'ombre de son large béret noir et le regard qu'il adresse au spectateur en se tournant vers lui font de ce dernier le complice invisible de la transaction vénale qui s'opère sous ses yeux.Il porte un habit à la mode des années 1630, largement tombé en désuétude en 1656, mais qui perdure dans les tableaux d'intérieur hollandais jusque dans les années 1660, ce qui suppose que Vermeer s'inspire de sources plus picturales que réalistes. Le collet flamand à larges échancrures, qui figure par exemple dans un autoportrait de Rembrandt daté de 1629, supplante en effet la fraise volumineuse provenant de la cour espagnole aux alentours de cette date. Le costume noir aux manches à crevés a de plus été rapproché de celui du peintre dans L'Art de la peinture. On considère d'ailleurs généralement ce personnage comme un autoportrait de Vermeer, en avançant un faisceau de preuves concordantes. Tout d'abord, le personnage présente des similitudes troublantes avec l'autoportrait de Rembrandt de 1629. De plus, les scènes hollandaises de « joyeuses compagnies », illustrant notamment la parabole du Fils prodigue, présentaient traditionnellement au XVIIe siècle un autoportrait de l'artiste, en costume exotique ou portant un béret, et fixant le spectateur avec un sourire de connivence en lui adressant un verre levé. Enfin, Walter Liedtke montre que le caractère un peu figé du personnage, selon un éclairage incohérent par rapport au reste de la composition, et comme inséré dans une scène qui lui est en partie étrangère, dans la mesure aussi où il se détache devant une ouverture plus claire, peut renvoyer à une image recopiée dans un miroir. Il rappelle à cet effet que Vermeer était gaucher : cela justifierait le fait que la main gauche du personnage du tableau — en image inversée de la réalité — tienne le verre, alors que la droite — en fait, la gauche du peintre, maniant donc le pinceau — soit traitée moins précisément.Le manche de l'instrument à cordes permet d'identifier un cistre, et de le différencier du luth, même si le corps de l'instrument est caché sous la table. Il s'agit d'un des instruments de musique les plus populaires du milieu du XVIIe siècle, et souvent représenté par Vermeer. Walter Liedtke attribue à la forme de ce manche, et au geste du jeune homme qui s'enserre, une connotation sexuelle évidente, que confirme le verre qu'il brandit. Car le liquide brunâtre qui remplit ce verre est, selon toute vraisemblance, de la bière (peut-être de la bock), de même que la raie claire gris verdâtre à sa surface figure probablement le faux col. Or, la consommation de boissons alcooliques était liée à la prostitution, puisque les courtisanes étaient chargées de faire boire leurs clients le plus possible avant de passer à un commerce plus charnel.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

Fichier:Johannes Vermeer - The Art of Painting (detail) - WGA24677.jpg

Fichier:The Art of German Stoneware Philadelphia 2012 020.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie Alte Meister

Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

Image:Gerrit van Honthorst - De koppelaarster.jpg

Fichier:Self-portrait Rembrandt 1629, Alte Pinakothek.jpg

Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

Fichier:Vermeer La Laitiere detail visage.JPG

Fichier:Cropped version of Jan Vermeer van Delft 002.jpg

Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le personnage de gauche dans la Description et interprétation de L'Entremetteuse.

Le personnage de gauche tient le manche d'un cistre dans la main droite et un verre dans la gauche. C'est le joyeux buveur caravagesque type, très populaire dans les scènes de lupanar des caravagistes d'Utrecht. Sa face hilare dans l'ombre de son large béret noir et le regard qu'il adresse au spectateur en se tournant vers lui font de ce dernier le complice invisible de la transaction vénale qui s'opère sous ses yeux.Il porte un habit à la mode des années 1630, largement tombé en désuétude en 1656, mais qui perdure dans les tableaux d'intérieur hollandais jusque dans les années 1660, ce qui suppose que Vermeer s'inspire de sources plus picturales que réalistes. Le collet flamand à larges échancrures, qui figure par exemple dans un autoportrait de Rembrandt daté de 1629, supplante en effet la fraise volumineuse provenant de la cour espagnole aux alentours de cette date. Le costume noir aux manches à crevés a de plus été rapproché de celui du peintre dans L'Art de la peinture. On considère d'ailleurs généralement ce personnage comme un autoportrait de Vermeer, en avançant un faisceau de preuves concordantes. Tout d'abord, le personnage présente des similitudes troublantes avec l'autoportrait de Rembrandt de 1629. De plus, les scènes hollandaises de « joyeuses compagnies », illustrant notamment la parabole du Fils prodigue, présentaient traditionnellement au XVIIe siècle un autoportrait de l'artiste, en costume exotique ou portant un béret, et fixant le spectateur avec un sourire de connivence en lui adressant un verre levé. Enfin, Walter Liedtke montre que le caractère un peu figé du personnage, selon un éclairage incohérent par rapport au reste de la composition, et comme inséré dans une scène qui lui est en partie étrangère, dans la mesure aussi où il se détache devant une ouverture plus claire, peut renvoyer à une image recopiée dans un miroir. Il rappelle à cet effet que Vermeer était gaucher : cela justifierait le fait que la main gauche du personnage du tableau — en image inversée de la réalité — tienne le verre, alors que la droite — en fait, la gauche du peintre, maniant donc le pinceau — soit traitée moins précisément.Le manche de l'instrument à cordes permet d'identifier un cistre, et de le différencier du luth, même si le corps de l'instrument est caché sous la table. Il s'agit d'un des instruments de musique les plus populaires du milieu du XVIIe siècle, et souvent représenté par Vermeer. Walter Liedtke attribue à la forme de ce manche, et au geste du jeune homme qui s'enserre, une connotation sexuelle évidente, que confirme le verre qu'il brandit. Car le liquide brunâtre qui remplit ce verre est, selon toute vraisemblance, de la bière (peut-être de la bock), de même que la raie claire gris verdâtre à sa surface figure probablement le faux col. Or, la consommation de boissons alcooliques était liée à la prostitution, puisque les courtisanes étaient chargées de faire boire leurs clients le plus possible avant de passer à un commerce plus charnel.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Dans le contexte de L'Entremetteuse, expliquez la L'entremetteuse et la Description et interprétation.

L'entremetteuse en noir, en retrait derrière le couple de droite, est la complice de la transaction, au même titre que le jeune homme de gauche, et le spectateur. Son visage hommasse aux reliefs très marqués qui se détache devant une large colonne et semble surgir de l'arrière-plan, sa large coiffe noire qui découpe son front en arc-de-cercle, le sourire qu'elle arbore, ainsi que son regard en coin, sournois et pénétrant, suggèrent moins l'habituelle profiteuse qu'une sorte de figure maléfique plaçant la scène sous son autorité.Des radiographies ont révélé une forme claire près de la main du galant : c'était probablement la main droite avancée de l'entremetteuse, qui jouait donc initialement un rôle plus actif dans la transaction avant que Vermeer ne la rejette dans l'ombre, et ne recouvre cette main du noir du costume.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la L'entremetteuse concernant la Description et interprétation de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

L'entremetteuse en noir, en retrait derrière le couple de droite, est la complice de la transaction, au même titre que le jeune homme de gauche, et le spectateur. Son visage hommasse aux reliefs très marqués qui se détache devant une large colonne et semble surgir de l'arrière-plan, sa large coiffe noire qui découpe son front en arc-de-cercle, le sourire qu'elle arbore, ainsi que son regard en coin, sournois et pénétrant, suggèrent moins l'habituelle profiteuse qu'une sorte de figure maléfique plaçant la scène sous son autorité.Des radiographies ont révélé une forme claire près de la main du galant : c'était probablement la main droite avancée de l'entremetteuse, qui jouait donc initialement un rôle plus actif dans la transaction avant que Vermeer ne la rejette dans l'ombre, et ne recouvre cette main du noir du costume.

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L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment la L'entremetteuse de la Description et interprétation est-elle expliquée?

L'entremetteuse en noir, en retrait derrière le couple de droite, est la complice de la transaction, au même titre que le jeune homme de gauche, et le spectateur. Son visage hommasse aux reliefs très marqués qui se détache devant une large colonne et semble surgir de l'arrière-plan, sa large coiffe noire qui découpe son front en arc-de-cercle, le sourire qu'elle arbore, ainsi que son regard en coin, sournois et pénétrant, suggèrent moins l'habituelle profiteuse qu'une sorte de figure maléfique plaçant la scène sous son autorité.Des radiographies ont révélé une forme claire près de la main du galant : c'était probablement la main droite avancée de l'entremetteuse, qui jouait donc initialement un rôle plus actif dans la transaction avant que Vermeer ne la rejette dans l'ombre, et ne recouvre cette main du noir du costume.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la L'entremetteuse dans la Description et interprétation de L'Entremetteuse.

L'entremetteuse en noir, en retrait derrière le couple de droite, est la complice de la transaction, au même titre que le jeune homme de gauche, et le spectateur. Son visage hommasse aux reliefs très marqués qui se détache devant une large colonne et semble surgir de l'arrière-plan, sa large coiffe noire qui découpe son front en arc-de-cercle, le sourire qu'elle arbore, ainsi que son regard en coin, sournois et pénétrant, suggèrent moins l'habituelle profiteuse qu'une sorte de figure maléfique plaçant la scène sous son autorité.Des radiographies ont révélé une forme claire près de la main du galant : c'était probablement la main droite avancée de l'entremetteuse, qui jouait donc initialement un rôle plus actif dans la transaction avant que Vermeer ne la rejette dans l'ombre, et ne recouvre cette main du noir du costume.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Dans le contexte de L'Entremetteuse, expliquez la Le jeune galant et la Description et interprétation.

Le jeune galant en manteau rouge à galon doré — peut-être un pourpoint de cavalier, peut-être un manteau de soldat — et portant un haut chapeau gris orné d'un ruban bleu clair et d'une plume bicolore, bleue et jaune, forme avec la courtisane en jaune l'élément principal du tableau, dans le quart supérieur droit de la toile.De la main droite qui s'avance perpendiculairement au plan, il s'apprête à laisser tomber une pièce de monnaie dans la paume ouverte de la belle, au centre de la composition, alors qu'il a posé sa main gauche sur la poitrine de celle-ci. Les yeux baissés et l'expression de la bouche des deux personnages semblent se répondre en écho.La dernière restauration a montré que Vermeer avait modifié la position de son visage, qui était d'abord tourné vers la jeune femme, et avait agrandi la taille de son chapeau, modifiant en conséquence la part d'ombre mangeant le haut de son visage — éclairé à l'origine par une lumière similaire à celle de la jeune fille.

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L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la Le jeune galant concernant la Description et interprétation de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

Le jeune galant en manteau rouge à galon doré — peut-être un pourpoint de cavalier, peut-être un manteau de soldat — et portant un haut chapeau gris orné d'un ruban bleu clair et d'une plume bicolore, bleue et jaune, forme avec la courtisane en jaune l'élément principal du tableau, dans le quart supérieur droit de la toile.De la main droite qui s'avance perpendiculairement au plan, il s'apprête à laisser tomber une pièce de monnaie dans la paume ouverte de la belle, au centre de la composition, alors qu'il a posé sa main gauche sur la poitrine de celle-ci. Les yeux baissés et l'expression de la bouche des deux personnages semblent se répondre en écho.La dernière restauration a montré que Vermeer avait modifié la position de son visage, qui était d'abord tourné vers la jeune femme, et avait agrandi la taille de son chapeau, modifiant en conséquence la part d'ombre mangeant le haut de son visage — éclairé à l'origine par une lumière similaire à celle de la jeune fille.

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L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment la Le jeune galant de la Description et interprétation est-elle expliquée?

Le jeune galant en manteau rouge à galon doré — peut-être un pourpoint de cavalier, peut-être un manteau de soldat — et portant un haut chapeau gris orné d'un ruban bleu clair et d'une plume bicolore, bleue et jaune, forme avec la courtisane en jaune l'élément principal du tableau, dans le quart supérieur droit de la toile.De la main droite qui s'avance perpendiculairement au plan, il s'apprête à laisser tomber une pièce de monnaie dans la paume ouverte de la belle, au centre de la composition, alors qu'il a posé sa main gauche sur la poitrine de celle-ci. Les yeux baissés et l'expression de la bouche des deux personnages semblent se répondre en écho.La dernière restauration a montré que Vermeer avait modifié la position de son visage, qui était d'abord tourné vers la jeune femme, et avait agrandi la taille de son chapeau, modifiant en conséquence la part d'ombre mangeant le haut de son visage — éclairé à l'origine par une lumière similaire à celle de la jeune fille.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le jeune galant dans la Description et interprétation de L'Entremetteuse.

Le jeune galant en manteau rouge à galon doré — peut-être un pourpoint de cavalier, peut-être un manteau de soldat — et portant un haut chapeau gris orné d'un ruban bleu clair et d'une plume bicolore, bleue et jaune, forme avec la courtisane en jaune l'élément principal du tableau, dans le quart supérieur droit de la toile.De la main droite qui s'avance perpendiculairement au plan, il s'apprête à laisser tomber une pièce de monnaie dans la paume ouverte de la belle, au centre de la composition, alors qu'il a posé sa main gauche sur la poitrine de celle-ci. Les yeux baissés et l'expression de la bouche des deux personnages semblent se répondre en écho.La dernière restauration a montré que Vermeer avait modifié la position de son visage, qui était d'abord tourné vers la jeune femme, et avait agrandi la taille de son chapeau, modifiant en conséquence la part d'ombre mangeant le haut de son visage — éclairé à l'origine par une lumière similaire à celle de la jeune fille.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Dans le contexte de L'Entremetteuse, expliquez la La courtisane et la Description et interprétation.

La jeune fille tient un römer dans la main gauche, rempli probablement de vin blanc, et tend la main droite pour recevoir la pièce de son client — le vin et l'argent laissant peu de doutes quant à la nature exacte de la scène. La tête légèrement penchée vers sa gauche, elle baisse les yeux vers cet échange, un sourire aux lèvres. Ses joues rouges semblent moins témoigner de l'émotion que des effets de l'alcool.Elle ressemble cependant davantage à une servante acceptant les offres d'un client entreprenant qu'à une aguichante prostituée : le tissu blanc sur la table, sous son avant-bras droit, est sûrement son tablier, ce qui indique qu'elle vient juste de s'asseoir. Sa coiffe à dentelles gaufrées et son haut jaune citron ne sont pas non plus sans annoncer les habits de La Laitière.Par sa relative retenue dans ses choix de représentation, Vermeer s'écarte des courtisanes représentées par ses contemporains  — par exemple, de celle de L'Entremetteuse de Gerrit van Honthorst —, au visage épanoui et attrayant, aux poses et mises provocantes, souvent exotiques, parfois largement dénudées.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la La courtisane concernant la Description et interprétation de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

La jeune fille tient un römer dans la main gauche, rempli probablement de vin blanc, et tend la main droite pour recevoir la pièce de son client — le vin et l'argent laissant peu de doutes quant à la nature exacte de la scène. La tête légèrement penchée vers sa gauche, elle baisse les yeux vers cet échange, un sourire aux lèvres. Ses joues rouges semblent moins témoigner de l'émotion que des effets de l'alcool.Elle ressemble cependant davantage à une servante acceptant les offres d'un client entreprenant qu'à une aguichante prostituée : le tissu blanc sur la table, sous son avant-bras droit, est sûrement son tablier, ce qui indique qu'elle vient juste de s'asseoir. Sa coiffe à dentelles gaufrées et son haut jaune citron ne sont pas non plus sans annoncer les habits de La Laitière.Par sa relative retenue dans ses choix de représentation, Vermeer s'écarte des courtisanes représentées par ses contemporains  — par exemple, de celle de L'Entremetteuse de Gerrit van Honthorst —, au visage épanoui et attrayant, aux poses et mises provocantes, souvent exotiques, parfois largement dénudées.

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L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment la La courtisane de la Description et interprétation est-elle expliquée?

La jeune fille tient un römer dans la main gauche, rempli probablement de vin blanc, et tend la main droite pour recevoir la pièce de son client — le vin et l'argent laissant peu de doutes quant à la nature exacte de la scène. La tête légèrement penchée vers sa gauche, elle baisse les yeux vers cet échange, un sourire aux lèvres. Ses joues rouges semblent moins témoigner de l'émotion que des effets de l'alcool.Elle ressemble cependant davantage à une servante acceptant les offres d'un client entreprenant qu'à une aguichante prostituée : le tissu blanc sur la table, sous son avant-bras droit, est sûrement son tablier, ce qui indique qu'elle vient juste de s'asseoir. Sa coiffe à dentelles gaufrées et son haut jaune citron ne sont pas non plus sans annoncer les habits de La Laitière.Par sa relative retenue dans ses choix de représentation, Vermeer s'écarte des courtisanes représentées par ses contemporains  — par exemple, de celle de L'Entremetteuse de Gerrit van Honthorst —, au visage épanoui et attrayant, aux poses et mises provocantes, souvent exotiques, parfois largement dénudées.

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Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la La courtisane dans la Description et interprétation de L'Entremetteuse.

La jeune fille tient un römer dans la main gauche, rempli probablement de vin blanc, et tend la main droite pour recevoir la pièce de son client — le vin et l'argent laissant peu de doutes quant à la nature exacte de la scène. La tête légèrement penchée vers sa gauche, elle baisse les yeux vers cet échange, un sourire aux lèvres. Ses joues rouges semblent moins témoigner de l'émotion que des effets de l'alcool.Elle ressemble cependant davantage à une servante acceptant les offres d'un client entreprenant qu'à une aguichante prostituée : le tissu blanc sur la table, sous son avant-bras droit, est sûrement son tablier, ce qui indique qu'elle vient juste de s'asseoir. Sa coiffe à dentelles gaufrées et son haut jaune citron ne sont pas non plus sans annoncer les habits de La Laitière.Par sa relative retenue dans ses choix de représentation, Vermeer s'écarte des courtisanes représentées par ses contemporains  — par exemple, de celle de L'Entremetteuse de Gerrit van Honthorst —, au visage épanoui et attrayant, aux poses et mises provocantes, souvent exotiques, parfois largement dénudées.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

Fichier:Johannes Vermeer - The Art of Painting (detail) - WGA24677.jpg

Fichier:The Art of German Stoneware Philadelphia 2012 020.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie Alte Meister

Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

Image:Gerrit van Honthorst - De koppelaarster.jpg

Fichier:Self-portrait Rembrandt 1629, Alte Pinakothek.jpg

Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

Fichier:Vermeer La Laitiere detail visage.JPG

Fichier:Cropped version of Jan Vermeer van Delft 002.jpg

Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Dans le contexte de L'Entremetteuse, expliquez la Le décor du premier plan et la Description et interprétation.

La moitié inférieure de la toile est occupée par un tapis pendu sur une balustrade, qui barre le premier plan, et opère une séparation entre l'espace des personnages — situés de plus derrière une table — et le spectateur.Des radiographies ont révélé que le tapis couvrait à l'origine toute la balustrade et que Vermeer avait ajouté après coup le manteau de fourrure sombre aux cinq boutons blancs. On s'est jadis demandé si ce dernier n'était pas d'une autre main, mais les résultats de plusieurs analyses ont réfuté cette hypothèse. Les tapis orientaux colorés étaient très prisés aux XVIe et XVIIe siècles, notamment pour recouvrir les tables et les coffres. Neuf autres toiles de Vermeer présentent de tels tapis précieux ; celui de L'Entremetteuse présente un motif caractéristique d'Uşak, dans l'ouest de la Turquie.Le pichet de vin a fait l'objet d'un traitement minutieux de la part de Vermeer : la trace du compas utilisé pour le dessiner est d'ailleurs encore visible dans la couche de peinture. Il pourrait d'agir d'un pichet d'origine allemande importé de Westerwald, une région renommée pour sa poterie depuis le XVIe siècle, en raison de sa matière gris clair brillant et ses motifs bleu vif — rendus par Vermeer au lapis-lazuli — caractéristiques de cette production.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

Fichier:Johannes Vermeer - The Art of Painting (detail) - WGA24677.jpg

Fichier:The Art of German Stoneware Philadelphia 2012 020.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie Alte Meister

Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

Image:Gerrit van Honthorst - De koppelaarster.jpg

Fichier:Self-portrait Rembrandt 1629, Alte Pinakothek.jpg

Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

Fichier:Vermeer La Laitiere detail visage.JPG

Fichier:Cropped version of Jan Vermeer van Delft 002.jpg

Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la Le décor du premier plan concernant la Description et interprétation de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

La moitié inférieure de la toile est occupée par un tapis pendu sur une balustrade, qui barre le premier plan, et opère une séparation entre l'espace des personnages — situés de plus derrière une table — et le spectateur.Des radiographies ont révélé que le tapis couvrait à l'origine toute la balustrade et que Vermeer avait ajouté après coup le manteau de fourrure sombre aux cinq boutons blancs. On s'est jadis demandé si ce dernier n'était pas d'une autre main, mais les résultats de plusieurs analyses ont réfuté cette hypothèse. Les tapis orientaux colorés étaient très prisés aux XVIe et XVIIe siècles, notamment pour recouvrir les tables et les coffres. Neuf autres toiles de Vermeer présentent de tels tapis précieux ; celui de L'Entremetteuse présente un motif caractéristique d'Uşak, dans l'ouest de la Turquie.Le pichet de vin a fait l'objet d'un traitement minutieux de la part de Vermeer : la trace du compas utilisé pour le dessiner est d'ailleurs encore visible dans la couche de peinture. Il pourrait d'agir d'un pichet d'origine allemande importé de Westerwald, une région renommée pour sa poterie depuis le XVIe siècle, en raison de sa matière gris clair brillant et ses motifs bleu vif — rendus par Vermeer au lapis-lazuli — caractéristiques de cette production.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment la Le décor du premier plan de la Description et interprétation est-elle expliquée?

La moitié inférieure de la toile est occupée par un tapis pendu sur une balustrade, qui barre le premier plan, et opère une séparation entre l'espace des personnages — situés de plus derrière une table — et le spectateur.Des radiographies ont révélé que le tapis couvrait à l'origine toute la balustrade et que Vermeer avait ajouté après coup le manteau de fourrure sombre aux cinq boutons blancs. On s'est jadis demandé si ce dernier n'était pas d'une autre main, mais les résultats de plusieurs analyses ont réfuté cette hypothèse. Les tapis orientaux colorés étaient très prisés aux XVIe et XVIIe siècles, notamment pour recouvrir les tables et les coffres. Neuf autres toiles de Vermeer présentent de tels tapis précieux ; celui de L'Entremetteuse présente un motif caractéristique d'Uşak, dans l'ouest de la Turquie.Le pichet de vin a fait l'objet d'un traitement minutieux de la part de Vermeer : la trace du compas utilisé pour le dessiner est d'ailleurs encore visible dans la couche de peinture. Il pourrait d'agir d'un pichet d'origine allemande importé de Westerwald, une région renommée pour sa poterie depuis le XVIe siècle, en raison de sa matière gris clair brillant et ses motifs bleu vif — rendus par Vermeer au lapis-lazuli — caractéristiques de cette production.

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L'Entremetteuse

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le décor du premier plan dans la Description et interprétation de L'Entremetteuse.

La moitié inférieure de la toile est occupée par un tapis pendu sur une balustrade, qui barre le premier plan, et opère une séparation entre l'espace des personnages — situés de plus derrière une table — et le spectateur.Des radiographies ont révélé que le tapis couvrait à l'origine toute la balustrade et que Vermeer avait ajouté après coup le manteau de fourrure sombre aux cinq boutons blancs. On s'est jadis demandé si ce dernier n'était pas d'une autre main, mais les résultats de plusieurs analyses ont réfuté cette hypothèse. Les tapis orientaux colorés étaient très prisés aux XVIe et XVIIe siècles, notamment pour recouvrir les tables et les coffres. Neuf autres toiles de Vermeer présentent de tels tapis précieux ; celui de L'Entremetteuse présente un motif caractéristique d'Uşak, dans l'ouest de la Turquie.Le pichet de vin a fait l'objet d'un traitement minutieux de la part de Vermeer : la trace du compas utilisé pour le dessiner est d'ailleurs encore visible dans la couche de peinture. Il pourrait d'agir d'un pichet d'origine allemande importé de Westerwald, une région renommée pour sa poterie depuis le XVIe siècle, en raison de sa matière gris clair brillant et ses motifs bleu vif — rendus par Vermeer au lapis-lazuli — caractéristiques de cette production.

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Concentrez-vous sur L'Entremetteuse et expliquez la Provenance et expositions.

Les circonstances de son exécution par Vermeer ne sont pas connues. La toile fait partie, avant 1737, de la collection Wallenstein à Duchcov (actuellement en République tchèque). Elle est achetée en 1741 pour l'électeur de Saxe Frédéric-Auguste II (Auguste III de Pologne).Jusqu'en 1862, le tableau est mentionné dans le catalogue du musée de Dresde comme de « Meer (Jacob van der), né à Utrecht ». Son attribution exacte est due au critique et journaliste français Théophile Thoré-Burger, qui recense l'ensemble de l'œuvre du peintre, et se déplace à Dresde en 1859 pour y découvrir L'Entremetteuse (qu'il nomme La Courtisane) et La Liseuse à la fenêtre. Dans son catalogue général de l'œuvre de Vermeer paru dans la Gazette des beaux-arts en 1866, Thoré-Burger donne au tableau le no 1 de ses « tableaux à figures ».L'Entremetteuse et La Liseuse à la fenêtre ont fait partie des œuvres stockées dans un tunnel en Saxe pour échapper au bombardement de Dresde en février 1945, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Découvertes par l'Armée rouge, celles-ci ont été transportées en Union soviétique en 1945 au titre des réquisitions de guerre, puis restituées à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde en 1955, où elles sont actuellement exposées.L'Entremetteuse est présentée entre avril et juin 1980 lors de l'exposition « Restaurierte Kunstwerke in der Deutschen Demokratischen Republik » (« Œuvres d'art restaurées dans la République démocratique allemande ») qui se tient à l'Altes Museum de Berlin.À nouveau restaurée en 2002, la toile est l'objet d'une exposition exceptionnelle au musée de Dresde du 3 décembre 2004 au 27 février 2005 (« Das restaurierte meisterwerk : Die Kupplerin von Vermeer »).

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la Provenance et expositions de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

Les circonstances de son exécution par Vermeer ne sont pas connues. La toile fait partie, avant 1737, de la collection Wallenstein à Duchcov (actuellement en République tchèque). Elle est achetée en 1741 pour l'électeur de Saxe Frédéric-Auguste II (Auguste III de Pologne).Jusqu'en 1862, le tableau est mentionné dans le catalogue du musée de Dresde comme de « Meer (Jacob van der), né à Utrecht ». Son attribution exacte est due au critique et journaliste français Théophile Thoré-Burger, qui recense l'ensemble de l'œuvre du peintre, et se déplace à Dresde en 1859 pour y découvrir L'Entremetteuse (qu'il nomme La Courtisane) et La Liseuse à la fenêtre. Dans son catalogue général de l'œuvre de Vermeer paru dans la Gazette des beaux-arts en 1866, Thoré-Burger donne au tableau le no 1 de ses « tableaux à figures ».L'Entremetteuse et La Liseuse à la fenêtre ont fait partie des œuvres stockées dans un tunnel en Saxe pour échapper au bombardement de Dresde en février 1945, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Découvertes par l'Armée rouge, celles-ci ont été transportées en Union soviétique en 1945 au titre des réquisitions de guerre, puis restituées à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde en 1955, où elles sont actuellement exposées.L'Entremetteuse est présentée entre avril et juin 1980 lors de l'exposition « Restaurierte Kunstwerke in der Deutschen Demokratischen Republik » (« Œuvres d'art restaurées dans la République démocratique allemande ») qui se tient à l'Altes Museum de Berlin.À nouveau restaurée en 2002, la toile est l'objet d'une exposition exceptionnelle au musée de Dresde du 3 décembre 2004 au 27 février 2005 (« Das restaurierte meisterwerk : Die Kupplerin von Vermeer »).

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Comment L'Entremetteuse explique-t-il sa Provenance et expositions?

Les circonstances de son exécution par Vermeer ne sont pas connues. La toile fait partie, avant 1737, de la collection Wallenstein à Duchcov (actuellement en République tchèque). Elle est achetée en 1741 pour l'électeur de Saxe Frédéric-Auguste II (Auguste III de Pologne).Jusqu'en 1862, le tableau est mentionné dans le catalogue du musée de Dresde comme de « Meer (Jacob van der), né à Utrecht ». Son attribution exacte est due au critique et journaliste français Théophile Thoré-Burger, qui recense l'ensemble de l'œuvre du peintre, et se déplace à Dresde en 1859 pour y découvrir L'Entremetteuse (qu'il nomme La Courtisane) et La Liseuse à la fenêtre. Dans son catalogue général de l'œuvre de Vermeer paru dans la Gazette des beaux-arts en 1866, Thoré-Burger donne au tableau le no 1 de ses « tableaux à figures ».L'Entremetteuse et La Liseuse à la fenêtre ont fait partie des œuvres stockées dans un tunnel en Saxe pour échapper au bombardement de Dresde en février 1945, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Découvertes par l'Armée rouge, celles-ci ont été transportées en Union soviétique en 1945 au titre des réquisitions de guerre, puis restituées à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde en 1955, où elles sont actuellement exposées.L'Entremetteuse est présentée entre avril et juin 1980 lors de l'exposition « Restaurierte Kunstwerke in der Deutschen Demokratischen Republik » (« Œuvres d'art restaurées dans la République démocratique allemande ») qui se tient à l'Altes Museum de Berlin.À nouveau restaurée en 2002, la toile est l'objet d'une exposition exceptionnelle au musée de Dresde du 3 décembre 2004 au 27 février 2005 (« Das restaurierte meisterwerk : Die Kupplerin von Vermeer »).

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment est discutée la Provenance et expositions?

Les circonstances de son exécution par Vermeer ne sont pas connues. La toile fait partie, avant 1737, de la collection Wallenstein à Duchcov (actuellement en République tchèque). Elle est achetée en 1741 pour l'électeur de Saxe Frédéric-Auguste II (Auguste III de Pologne).Jusqu'en 1862, le tableau est mentionné dans le catalogue du musée de Dresde comme de « Meer (Jacob van der), né à Utrecht ». Son attribution exacte est due au critique et journaliste français Théophile Thoré-Burger, qui recense l'ensemble de l'œuvre du peintre, et se déplace à Dresde en 1859 pour y découvrir L'Entremetteuse (qu'il nomme La Courtisane) et La Liseuse à la fenêtre. Dans son catalogue général de l'œuvre de Vermeer paru dans la Gazette des beaux-arts en 1866, Thoré-Burger donne au tableau le no 1 de ses « tableaux à figures ».L'Entremetteuse et La Liseuse à la fenêtre ont fait partie des œuvres stockées dans un tunnel en Saxe pour échapper au bombardement de Dresde en février 1945, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Découvertes par l'Armée rouge, celles-ci ont été transportées en Union soviétique en 1945 au titre des réquisitions de guerre, puis restituées à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde en 1955, où elles sont actuellement exposées.L'Entremetteuse est présentée entre avril et juin 1980 lors de l'exposition « Restaurierte Kunstwerke in der Deutschen Demokratischen Republik » (« Œuvres d'art restaurées dans la République démocratique allemande ») qui se tient à l'Altes Museum de Berlin.À nouveau restaurée en 2002, la toile est l'objet d'une exposition exceptionnelle au musée de Dresde du 3 décembre 2004 au 27 février 2005 (« Das restaurierte meisterwerk : Die Kupplerin von Vermeer »).

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

Image:Gerrit van Honthorst - De koppelaarster.jpg

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Concentrez-vous sur L'Entremetteuse et expliquez la Fortune de l’œuvre.

L’œuvre est admirée par Pierre-Auguste Renoir, à qui Ambroise Vollard, dans sa biographie de l'artiste, prête les mots suivants : « un beau matin, je pris le train pour Dresde où, depuis longtemps je désirais voir le grand tableau de Vermeer de Delft, La Courtisane. Malgré son titre, c'est une femme qui a l'air la plus honnête des créatures. Elle est entourée de gens dont l'un lui met la main sur la poitrine, pour qu'on voie bien que c'est une courtisane, une main pleine de jeunesse et de couleur, qui se détache sur un corsage jaune citron, d'une puissance... »

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Expliquer la Fortune de l’œuvre de cette œuvre d'art, L'Entremetteuse.

L’œuvre est admirée par Pierre-Auguste Renoir, à qui Ambroise Vollard, dans sa biographie de l'artiste, prête les mots suivants : « un beau matin, je pris le train pour Dresde où, depuis longtemps je désirais voir le grand tableau de Vermeer de Delft, La Courtisane. Malgré son titre, c'est une femme qui a l'air la plus honnête des créatures. Elle est entourée de gens dont l'un lui met la main sur la poitrine, pour qu'on voie bien que c'est une courtisane, une main pleine de jeunesse et de couleur, qui se détache sur un corsage jaune citron, d'une puissance... »

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

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L'Entremetteuse

Prompt: Comment L'Entremetteuse explique-t-il sa Fortune de l’œuvre?

L’œuvre est admirée par Pierre-Auguste Renoir, à qui Ambroise Vollard, dans sa biographie de l'artiste, prête les mots suivants : « un beau matin, je pris le train pour Dresde où, depuis longtemps je désirais voir le grand tableau de Vermeer de Delft, La Courtisane. Malgré son titre, c'est une femme qui a l'air la plus honnête des créatures. Elle est entourée de gens dont l'un lui met la main sur la poitrine, pour qu'on voie bien que c'est une courtisane, une main pleine de jeunesse et de couleur, qui se détache sur un corsage jaune citron, d'une puissance... »

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

Fichier:Vermeer La Laitiere detail visage.JPG

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


L'Entremetteuse

Prompt: Dans L'Entremetteuse, comment est discutée la Fortune de l’œuvre?

L’œuvre est admirée par Pierre-Auguste Renoir, à qui Ambroise Vollard, dans sa biographie de l'artiste, prête les mots suivants : « un beau matin, je pris le train pour Dresde où, depuis longtemps je désirais voir le grand tableau de Vermeer de Delft, La Courtisane. Malgré son titre, c'est une femme qui a l'air la plus honnête des créatures. Elle est entourée de gens dont l'un lui met la main sur la poitrine, pour qu'on voie bien que c'est une courtisane, une main pleine de jeunesse et de couleur, qui se détache sur un corsage jaune citron, d'une puissance... »

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie

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Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie Alte Meister

Union des républiques socialistes soviétiques

Liste des souverains de Saxe#Électeurs ernestins et ducs albertins (1464-1547)

Image:Gerrit van Honthorst - De koppelaarster.jpg

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Détail du personnage du gauche, probable autoportrait du peintre.

Fichier:Vermeer La Laitiere detail visage.JPG

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Détail de ''L'Art de la peinture'', vers 1666, [[Vienne (Autriche)


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_de_la_Victoire et expliquez la abstract.

La Vierge de la Victoire (en italien : Madonna della Vittoria) est un grand retable a tempera sur toile de 280 × 166 cm, réalisé dans les années 1495-1496  par le peintre Andrea Mantegna de la Renaissance. Il est conservé aujourd'hui au musée du Louvre, à Paris, à la suite des spoliations napoléoniennes qui eurent lieu à Mantoue.Il a été réalisé comme ex-voto pour François II de Mantoue (Francesco Gonzaga) après sa victoire à la bataille de Fornoue.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Vierge_de_la_Victoire.

La Vierge de la Victoire (en italien : Madonna della Vittoria) est un grand retable a tempera sur toile de 280 × 166 cm, réalisé dans les années 1495-1496  par le peintre Andrea Mantegna de la Renaissance. Il est conservé aujourd'hui au musée du Louvre, à Paris, à la suite des spoliations napoléoniennes qui eurent lieu à Mantoue.Il a été réalisé comme ex-voto pour François II de Mantoue (Francesco Gonzaga) après sa victoire à la bataille de Fornoue.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Comment La_Vierge_de_la_Victoire explique-t-il sa abstract?

La Vierge de la Victoire (en italien : Madonna della Vittoria) est un grand retable a tempera sur toile de 280 × 166 cm, réalisé dans les années 1495-1496  par le peintre Andrea Mantegna de la Renaissance. Il est conservé aujourd'hui au musée du Louvre, à Paris, à la suite des spoliations napoléoniennes qui eurent lieu à Mantoue.Il a été réalisé comme ex-voto pour François II de Mantoue (Francesco Gonzaga) après sa victoire à la bataille de Fornoue.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Dans La_Vierge_de_la_Victoire, comment est discutée la abstract?

La Vierge de la Victoire (en italien : Madonna della Vittoria) est un grand retable a tempera sur toile de 280 × 166 cm, réalisé dans les années 1495-1496  par le peintre Andrea Mantegna de la Renaissance. Il est conservé aujourd'hui au musée du Louvre, à Paris, à la suite des spoliations napoléoniennes qui eurent lieu à Mantoue.Il a été réalisé comme ex-voto pour François II de Mantoue (Francesco Gonzaga) après sa victoire à la bataille de Fornoue.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_de_la_Victoire et expliquez la Histoire.

Le 6 juillet 1495, les armées françaises de Charles VIII et de la Sainte Ligue, soutenues par le pape Alexandre VI, l'empereur Maximilien Ier, le roi d'Espagne Ferdinand le Catholique, Ludovic Sforza et la république de Venise s'affrontent à Fornoue. L'armée de la Sainte Ligue, dirigée par François II de Mantoue remporte la victoire, chassant temporairement les Français de la péninsule.Pendant l'absence du marquis de Mantoue, un banquier juif, Daniele da Norsa, achète une maison à Borgo San Simone et remplace une représentation sacrée de la Vierge à l'Enfant qui ornait la façade par son blason personnel. L'action est considérée comme sacrilège ; le cardinal Sigismondo Gonzaga ordonne à l'homme de restaurer l'œuvre sous peine de pendaison. Bien que le Juif ait accepté, la colère populaire monte contre lui et, pour éviter les désordres, sa maison est rasée et il doit payer une amende de 110 ducats.Au retour de François, la peine est commuée en injonction pour financer la construction d'une chapelle et l'exécution d'un tableau sacré, ce qui réaffirme la dévotion du marquis à la Vierge et remercie pour la protection et la victoire sur le champ de bataille de Fornoue.Sur les conseils du dignitaire de la cour Girolamo Redini, le marquis charge Andrea Mantegna, peintre de la cour, de peindre le retable, lequel est solennellement installé en 1496, le jour anniversaire de la victoire, dans l'église Santa Maria della Vittoria, sur les plans de Mantegna, à la place de la maison du banquier et à ses frais.Pendant l'occupation française de la période de Napoléon, le tableau fait partie des innombrables œuvres pillées par les Français lors des campagnes napoléoniennes, et entre au musée du Louvre en 1798. Il ne fut jamais restitué.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Vierge_de_la_Victoire.

Le 6 juillet 1495, les armées françaises de Charles VIII et de la Sainte Ligue, soutenues par le pape Alexandre VI, l'empereur Maximilien Ier, le roi d'Espagne Ferdinand le Catholique, Ludovic Sforza et la république de Venise s'affrontent à Fornoue. L'armée de la Sainte Ligue, dirigée par François II de Mantoue remporte la victoire, chassant temporairement les Français de la péninsule.Pendant l'absence du marquis de Mantoue, un banquier juif, Daniele da Norsa, achète une maison à Borgo San Simone et remplace une représentation sacrée de la Vierge à l'Enfant qui ornait la façade par son blason personnel. L'action est considérée comme sacrilège ; le cardinal Sigismondo Gonzaga ordonne à l'homme de restaurer l'œuvre sous peine de pendaison. Bien que le Juif ait accepté, la colère populaire monte contre lui et, pour éviter les désordres, sa maison est rasée et il doit payer une amende de 110 ducats.Au retour de François, la peine est commuée en injonction pour financer la construction d'une chapelle et l'exécution d'un tableau sacré, ce qui réaffirme la dévotion du marquis à la Vierge et remercie pour la protection et la victoire sur le champ de bataille de Fornoue.Sur les conseils du dignitaire de la cour Girolamo Redini, le marquis charge Andrea Mantegna, peintre de la cour, de peindre le retable, lequel est solennellement installé en 1496, le jour anniversaire de la victoire, dans l'église Santa Maria della Vittoria, sur les plans de Mantegna, à la place de la maison du banquier et à ses frais.Pendant l'occupation française de la période de Napoléon, le tableau fait partie des innombrables œuvres pillées par les Français lors des campagnes napoléoniennes, et entre au musée du Louvre en 1798. Il ne fut jamais restitué.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Comment La_Vierge_de_la_Victoire explique-t-il sa Histoire?

Le 6 juillet 1495, les armées françaises de Charles VIII et de la Sainte Ligue, soutenues par le pape Alexandre VI, l'empereur Maximilien Ier, le roi d'Espagne Ferdinand le Catholique, Ludovic Sforza et la république de Venise s'affrontent à Fornoue. L'armée de la Sainte Ligue, dirigée par François II de Mantoue remporte la victoire, chassant temporairement les Français de la péninsule.Pendant l'absence du marquis de Mantoue, un banquier juif, Daniele da Norsa, achète une maison à Borgo San Simone et remplace une représentation sacrée de la Vierge à l'Enfant qui ornait la façade par son blason personnel. L'action est considérée comme sacrilège ; le cardinal Sigismondo Gonzaga ordonne à l'homme de restaurer l'œuvre sous peine de pendaison. Bien que le Juif ait accepté, la colère populaire monte contre lui et, pour éviter les désordres, sa maison est rasée et il doit payer une amende de 110 ducats.Au retour de François, la peine est commuée en injonction pour financer la construction d'une chapelle et l'exécution d'un tableau sacré, ce qui réaffirme la dévotion du marquis à la Vierge et remercie pour la protection et la victoire sur le champ de bataille de Fornoue.Sur les conseils du dignitaire de la cour Girolamo Redini, le marquis charge Andrea Mantegna, peintre de la cour, de peindre le retable, lequel est solennellement installé en 1496, le jour anniversaire de la victoire, dans l'église Santa Maria della Vittoria, sur les plans de Mantegna, à la place de la maison du banquier et à ses frais.Pendant l'occupation française de la période de Napoléon, le tableau fait partie des innombrables œuvres pillées par les Français lors des campagnes napoléoniennes, et entre au musée du Louvre en 1798. Il ne fut jamais restitué.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Dans La_Vierge_de_la_Victoire, comment est discutée la Histoire?

Le 6 juillet 1495, les armées françaises de Charles VIII et de la Sainte Ligue, soutenues par le pape Alexandre VI, l'empereur Maximilien Ier, le roi d'Espagne Ferdinand le Catholique, Ludovic Sforza et la république de Venise s'affrontent à Fornoue. L'armée de la Sainte Ligue, dirigée par François II de Mantoue remporte la victoire, chassant temporairement les Français de la péninsule.Pendant l'absence du marquis de Mantoue, un banquier juif, Daniele da Norsa, achète une maison à Borgo San Simone et remplace une représentation sacrée de la Vierge à l'Enfant qui ornait la façade par son blason personnel. L'action est considérée comme sacrilège ; le cardinal Sigismondo Gonzaga ordonne à l'homme de restaurer l'œuvre sous peine de pendaison. Bien que le Juif ait accepté, la colère populaire monte contre lui et, pour éviter les désordres, sa maison est rasée et il doit payer une amende de 110 ducats.Au retour de François, la peine est commuée en injonction pour financer la construction d'une chapelle et l'exécution d'un tableau sacré, ce qui réaffirme la dévotion du marquis à la Vierge et remercie pour la protection et la victoire sur le champ de bataille de Fornoue.Sur les conseils du dignitaire de la cour Girolamo Redini, le marquis charge Andrea Mantegna, peintre de la cour, de peindre le retable, lequel est solennellement installé en 1496, le jour anniversaire de la victoire, dans l'église Santa Maria della Vittoria, sur les plans de Mantegna, à la place de la maison du banquier et à ses frais.Pendant l'occupation française de la période de Napoléon, le tableau fait partie des innombrables œuvres pillées par les Français lors des campagnes napoléoniennes, et entre au musée du Louvre en 1798. Il ne fut jamais restitué.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_de_la_Victoire et expliquez la Thème.

Il s'agit d'une Conversation sacrée, soit une Vierge à l'Enfant (Madone) entourée de personnages saints et du donateur ou du commanditaire, en l'occurrence François II Gonzague, agenouillé en armure.Le retable illustre d'un côté l'hommage de Francesco Gonzaga à la Vierge, de l'autre il symbolise la foi chrétienne (avec des allusions antisémites), comme le souhaitait le cardinal Sigismondo Gonzaga.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Expliquer la Thème de cette œuvre d'art, La_Vierge_de_la_Victoire.

Il s'agit d'une Conversation sacrée, soit une Vierge à l'Enfant (Madone) entourée de personnages saints et du donateur ou du commanditaire, en l'occurrence François II Gonzague, agenouillé en armure.Le retable illustre d'un côté l'hommage de Francesco Gonzaga à la Vierge, de l'autre il symbolise la foi chrétienne (avec des allusions antisémites), comme le souhaitait le cardinal Sigismondo Gonzaga.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Comment La_Vierge_de_la_Victoire explique-t-il sa Thème?

Il s'agit d'une Conversation sacrée, soit une Vierge à l'Enfant (Madone) entourée de personnages saints et du donateur ou du commanditaire, en l'occurrence François II Gonzague, agenouillé en armure.Le retable illustre d'un côté l'hommage de Francesco Gonzaga à la Vierge, de l'autre il symbolise la foi chrétienne (avec des allusions antisémites), comme le souhaitait le cardinal Sigismondo Gonzaga.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Dans La_Vierge_de_la_Victoire, comment est discutée la Thème?

Il s'agit d'une Conversation sacrée, soit une Vierge à l'Enfant (Madone) entourée de personnages saints et du donateur ou du commanditaire, en l'occurrence François II Gonzague, agenouillé en armure.Le retable illustre d'un côté l'hommage de Francesco Gonzaga à la Vierge, de l'autre il symbolise la foi chrétienne (avec des allusions antisémites), comme le souhaitait le cardinal Sigismondo Gonzaga.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_de_la_Victoire et expliquez la Description.

La Vierge avec l'Enfant sur ses genoux est assise sur un haut trône en marbre chiqueté, dans la tradition de Mantegna, et décoré de bas-reliefs. La base du trône, à volutes et pieds de lion, a « REGINA / CELI LET / ALLELVIA » inscrit dans un médaillon et repose sur une base circulaire avec un bas-relief du Péché originel et d'autres récits du Livre de la Genèse à peine visibles (à gauche une femme vêtue à l'ancienne, à droite un ange, peut-être en rapport avec l'Expulsion de Paradis). Au dessus du dossier du trône finement incrusté, se trouve un grand disque solaire, décoré d'entrelacs et de perles de verre. L'Enfant, tenant deux fleurs rouges, symbole de la Passion du Christ, et Marie font face à François de Mantoue, agenouillé sur le socle, en armure, au-dessus de la tête duquel la main de la Vierge se pose, recevant la bénédiction avec une expression souriante et reconnaissante. La protection accordée au seigneur de Mantoue est également symbolisée par le manteau de Marie qui, tenu par les saints sur les côtés, vient le recouvrir, avec des effets de transparence délicate.Du côté opposé de François se tient saint Jean, enfant, nu, la croix à la main sur laquelle est suspendu un phylactère portant la phrase typique « ECCE / AGNVS / DEI ECCE / Q [VI] TOLL / IT P [ECCATA] M [VNDI] », et sa mère sainte Élisabeth, protectrice d'Isabelle d'Este, épouse de François (ou bien sainte Anne (mère de Marie)) qui tient un chapelet. Debout se tiennent deux saints de chaque côté : au premier rang, de part et d'autre de la Vierge, deux saints militaires, respectivement saint Michel archange, à l'épée, tenant un des pans de la cape de la Vierge, et saint Georges, à la lance brisée (dans le corps du dragon), vêtus d'une armure magnifiquement décorée, tenant l'autre pan de la cape de la Vierge ; en arrière-plan, à gauche saint André tient un long bâton avec la croix, et à droite Longinus, le centurion romain qui selon la tradition aurait apporté la relique du Sang du Christ à Mantoue, est identifiable par le casque et une longue lance rouge, dont la couleur fait référence à la Passion, et avec laquelle il aurait percé le flanc du Christ.Le décor de la scène est une abside composée d'une pergola de feuilles, de fleurs et de fruits, où apparaissent plusieurs oiseaux, avec un cadre en bois, bien visible dans l'archivolte décorée, avec à l'aplomb de la Vierge, une connexion en forme de coquille (attribut de la Vierge comme nouvelle Vénus) à laquelle sont accrochés des chapelets de perles de corail et de cristal de roche et un gros morceau de corail rouge, symbole apotropaïque et référence au sang de la Passion. Il s'agit certainement d'une transposition symbolique du Paradis, jardin céleste auquel les hommes peuvent accéder par l'intercession de la Vierge. Chaque élément prend ainsi une signification symbolique et dévotionnelle précise.Une curiosité est la présence, à gauche de la tête de la Vierge, d'un cacatoès, une espèce originaire d'Australie et de l'océan Pacifique : il est possible qu'il y ait eu des échanges entre ces régions et l'Europe bien avant leur découverte officielle au XVIIe siècle (?).

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Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Vierge_de_la_Victoire.

La Vierge avec l'Enfant sur ses genoux est assise sur un haut trône en marbre chiqueté, dans la tradition de Mantegna, et décoré de bas-reliefs. La base du trône, à volutes et pieds de lion, a « REGINA / CELI LET / ALLELVIA » inscrit dans un médaillon et repose sur une base circulaire avec un bas-relief du Péché originel et d'autres récits du Livre de la Genèse à peine visibles (à gauche une femme vêtue à l'ancienne, à droite un ange, peut-être en rapport avec l'Expulsion de Paradis). Au dessus du dossier du trône finement incrusté, se trouve un grand disque solaire, décoré d'entrelacs et de perles de verre. L'Enfant, tenant deux fleurs rouges, symbole de la Passion du Christ, et Marie font face à François de Mantoue, agenouillé sur le socle, en armure, au-dessus de la tête duquel la main de la Vierge se pose, recevant la bénédiction avec une expression souriante et reconnaissante. La protection accordée au seigneur de Mantoue est également symbolisée par le manteau de Marie qui, tenu par les saints sur les côtés, vient le recouvrir, avec des effets de transparence délicate.Du côté opposé de François se tient saint Jean, enfant, nu, la croix à la main sur laquelle est suspendu un phylactère portant la phrase typique « ECCE / AGNVS / DEI ECCE / Q [VI] TOLL / IT P [ECCATA] M [VNDI] », et sa mère sainte Élisabeth, protectrice d'Isabelle d'Este, épouse de François (ou bien sainte Anne (mère de Marie)) qui tient un chapelet. Debout se tiennent deux saints de chaque côté : au premier rang, de part et d'autre de la Vierge, deux saints militaires, respectivement saint Michel archange, à l'épée, tenant un des pans de la cape de la Vierge, et saint Georges, à la lance brisée (dans le corps du dragon), vêtus d'une armure magnifiquement décorée, tenant l'autre pan de la cape de la Vierge ; en arrière-plan, à gauche saint André tient un long bâton avec la croix, et à droite Longinus, le centurion romain qui selon la tradition aurait apporté la relique du Sang du Christ à Mantoue, est identifiable par le casque et une longue lance rouge, dont la couleur fait référence à la Passion, et avec laquelle il aurait percé le flanc du Christ.Le décor de la scène est une abside composée d'une pergola de feuilles, de fleurs et de fruits, où apparaissent plusieurs oiseaux, avec un cadre en bois, bien visible dans l'archivolte décorée, avec à l'aplomb de la Vierge, une connexion en forme de coquille (attribut de la Vierge comme nouvelle Vénus) à laquelle sont accrochés des chapelets de perles de corail et de cristal de roche et un gros morceau de corail rouge, symbole apotropaïque et référence au sang de la Passion. Il s'agit certainement d'une transposition symbolique du Paradis, jardin céleste auquel les hommes peuvent accéder par l'intercession de la Vierge. Chaque élément prend ainsi une signification symbolique et dévotionnelle précise.Une curiosité est la présence, à gauche de la tête de la Vierge, d'un cacatoès, une espèce originaire d'Australie et de l'océan Pacifique : il est possible qu'il y ait eu des échanges entre ces régions et l'Europe bien avant leur découverte officielle au XVIIe siècle (?).

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Comment La_Vierge_de_la_Victoire explique-t-il sa Description?

La Vierge avec l'Enfant sur ses genoux est assise sur un haut trône en marbre chiqueté, dans la tradition de Mantegna, et décoré de bas-reliefs. La base du trône, à volutes et pieds de lion, a « REGINA / CELI LET / ALLELVIA » inscrit dans un médaillon et repose sur une base circulaire avec un bas-relief du Péché originel et d'autres récits du Livre de la Genèse à peine visibles (à gauche une femme vêtue à l'ancienne, à droite un ange, peut-être en rapport avec l'Expulsion de Paradis). Au dessus du dossier du trône finement incrusté, se trouve un grand disque solaire, décoré d'entrelacs et de perles de verre. L'Enfant, tenant deux fleurs rouges, symbole de la Passion du Christ, et Marie font face à François de Mantoue, agenouillé sur le socle, en armure, au-dessus de la tête duquel la main de la Vierge se pose, recevant la bénédiction avec une expression souriante et reconnaissante. La protection accordée au seigneur de Mantoue est également symbolisée par le manteau de Marie qui, tenu par les saints sur les côtés, vient le recouvrir, avec des effets de transparence délicate.Du côté opposé de François se tient saint Jean, enfant, nu, la croix à la main sur laquelle est suspendu un phylactère portant la phrase typique « ECCE / AGNVS / DEI ECCE / Q [VI] TOLL / IT P [ECCATA] M [VNDI] », et sa mère sainte Élisabeth, protectrice d'Isabelle d'Este, épouse de François (ou bien sainte Anne (mère de Marie)) qui tient un chapelet. Debout se tiennent deux saints de chaque côté : au premier rang, de part et d'autre de la Vierge, deux saints militaires, respectivement saint Michel archange, à l'épée, tenant un des pans de la cape de la Vierge, et saint Georges, à la lance brisée (dans le corps du dragon), vêtus d'une armure magnifiquement décorée, tenant l'autre pan de la cape de la Vierge ; en arrière-plan, à gauche saint André tient un long bâton avec la croix, et à droite Longinus, le centurion romain qui selon la tradition aurait apporté la relique du Sang du Christ à Mantoue, est identifiable par le casque et une longue lance rouge, dont la couleur fait référence à la Passion, et avec laquelle il aurait percé le flanc du Christ.Le décor de la scène est une abside composée d'une pergola de feuilles, de fleurs et de fruits, où apparaissent plusieurs oiseaux, avec un cadre en bois, bien visible dans l'archivolte décorée, avec à l'aplomb de la Vierge, une connexion en forme de coquille (attribut de la Vierge comme nouvelle Vénus) à laquelle sont accrochés des chapelets de perles de corail et de cristal de roche et un gros morceau de corail rouge, symbole apotropaïque et référence au sang de la Passion. Il s'agit certainement d'une transposition symbolique du Paradis, jardin céleste auquel les hommes peuvent accéder par l'intercession de la Vierge. Chaque élément prend ainsi une signification symbolique et dévotionnelle précise.Une curiosité est la présence, à gauche de la tête de la Vierge, d'un cacatoès, une espèce originaire d'Australie et de l'océan Pacifique : il est possible qu'il y ait eu des échanges entre ces régions et l'Europe bien avant leur découverte officielle au XVIIe siècle (?).

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Dans La_Vierge_de_la_Victoire, comment est discutée la Description?

La Vierge avec l'Enfant sur ses genoux est assise sur un haut trône en marbre chiqueté, dans la tradition de Mantegna, et décoré de bas-reliefs. La base du trône, à volutes et pieds de lion, a « REGINA / CELI LET / ALLELVIA » inscrit dans un médaillon et repose sur une base circulaire avec un bas-relief du Péché originel et d'autres récits du Livre de la Genèse à peine visibles (à gauche une femme vêtue à l'ancienne, à droite un ange, peut-être en rapport avec l'Expulsion de Paradis). Au dessus du dossier du trône finement incrusté, se trouve un grand disque solaire, décoré d'entrelacs et de perles de verre. L'Enfant, tenant deux fleurs rouges, symbole de la Passion du Christ, et Marie font face à François de Mantoue, agenouillé sur le socle, en armure, au-dessus de la tête duquel la main de la Vierge se pose, recevant la bénédiction avec une expression souriante et reconnaissante. La protection accordée au seigneur de Mantoue est également symbolisée par le manteau de Marie qui, tenu par les saints sur les côtés, vient le recouvrir, avec des effets de transparence délicate.Du côté opposé de François se tient saint Jean, enfant, nu, la croix à la main sur laquelle est suspendu un phylactère portant la phrase typique « ECCE / AGNVS / DEI ECCE / Q [VI] TOLL / IT P [ECCATA] M [VNDI] », et sa mère sainte Élisabeth, protectrice d'Isabelle d'Este, épouse de François (ou bien sainte Anne (mère de Marie)) qui tient un chapelet. Debout se tiennent deux saints de chaque côté : au premier rang, de part et d'autre de la Vierge, deux saints militaires, respectivement saint Michel archange, à l'épée, tenant un des pans de la cape de la Vierge, et saint Georges, à la lance brisée (dans le corps du dragon), vêtus d'une armure magnifiquement décorée, tenant l'autre pan de la cape de la Vierge ; en arrière-plan, à gauche saint André tient un long bâton avec la croix, et à droite Longinus, le centurion romain qui selon la tradition aurait apporté la relique du Sang du Christ à Mantoue, est identifiable par le casque et une longue lance rouge, dont la couleur fait référence à la Passion, et avec laquelle il aurait percé le flanc du Christ.Le décor de la scène est une abside composée d'une pergola de feuilles, de fleurs et de fruits, où apparaissent plusieurs oiseaux, avec un cadre en bois, bien visible dans l'archivolte décorée, avec à l'aplomb de la Vierge, une connexion en forme de coquille (attribut de la Vierge comme nouvelle Vénus) à laquelle sont accrochés des chapelets de perles de corail et de cristal de roche et un gros morceau de corail rouge, symbole apotropaïque et référence au sang de la Passion. Il s'agit certainement d'une transposition symbolique du Paradis, jardin céleste auquel les hommes peuvent accéder par l'intercession de la Vierge. Chaque élément prend ainsi une signification symbolique et dévotionnelle précise.Une curiosité est la présence, à gauche de la tête de la Vierge, d'un cacatoès, une espèce originaire d'Australie et de l'océan Pacifique : il est possible qu'il y ait eu des échanges entre ces régions et l'Europe bien avant leur découverte officielle au XVIIe siècle (?).

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_de_la_Victoire et expliquez la Analyse.

La composition pyramidale qui a pour sommet le trône de la Vierge rappelle un modèle iconographique qui s'est répandu en Italie à partir de 1475 environ : d'illustres exemples antérieurs sont le retable de San Cassiano d'Antonello de Messine (1475-1476) ou le Retable de Santa Maria in Porto d'Ercole de’ Roberti (1480). La perspective baissé privilégie la position agenouillée de Francesco Gonzaga et intensifie le drame de la représentation. La richesse particulière des couleurs et des décorations se retrouve également dans d'autres œuvres de ces années, tout d'abord dans le Retable Trivulzio du même format. On retrouve le rouge, teinte récurrente des tableaux de Mantegna, couleur symbolique de l'amour divin et de la Passion du Christ dans la liturgie catholique, dans les œillets tenus par Jésus, les habits, les drapés, les attributs des saints, les fruits, les perles, le rubis de l'intérieur de la rosace (symbole païen, pierre du dieu Mars, il évoque la victoire militaire). Rouge également, le corail représente le sang de la Gorgone dans la mythologie grecque et fait la jonction avec l'iconographie chrétienne dans laquelle il symbolise la protection de l'enfant. Le blanc est présent également, comme signe de virginité, dans la robe du cacatoès.Les fruits, symbole de l'abondance et des célébrations dans le monde gréco-romain, sont présents dans toute la verdure du haut du tableau.Inspiré par sa passion pour l'Antique, et surtout pour les pierres gravées et la statuaire classique, Mantegna soigne les personnages jusques dans les moindres détails, insistant sur chaque élément des vêtements ou des armures, et travaille la texture des matériaux afin d'obtenir une représentation la plus proche possible de la réalité.Associé à ce goût du détail, le rendu des personnages confère au tableau une monumentalité non dénuée d'élégance, également due à la légèreté du contraste entre la zone ouverte de la pergola et celle, fermée, où se déroule la scène. La virtuosité du peintre se manifeste aussi dans la construction en perspective des personnages : chacun d'eux est restitué avec les raccourcis les plus justes en fonction de sa position, ce qui accentue la présence physique de tous.Certains historiens n'indiquent pas le retable parmi les œuvres les plus réussies de Mantegna, en raison d'une certaine disproportion de composition entre les personnages du premier et du second plan, de la rigidité des symétries, de l'incohérence de l'éclairage nacré et de la splendeur éblouissante des fruits et perruches sur le pergola, l'appareil décoratif excessif et « miniaturiste ». Cependant, on pense que ces caractéristiques étaient tempérées par une vision optimisée à l'intérieur de la chapelle.Parmi toutes les œuvres de Mantegna, La Vierge de la Victoire est peut-être celle qui réussit le mieux à marier un idéal classique de beauté et un authentique sentiment de spiritualité, exprimé par la douceur des gestes et par l'élégance formelle de la Vierge sur son trône.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

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Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, La_Vierge_de_la_Victoire.

La composition pyramidale qui a pour sommet le trône de la Vierge rappelle un modèle iconographique qui s'est répandu en Italie à partir de 1475 environ : d'illustres exemples antérieurs sont le retable de San Cassiano d'Antonello de Messine (1475-1476) ou le Retable de Santa Maria in Porto d'Ercole de’ Roberti (1480). La perspective baissé privilégie la position agenouillée de Francesco Gonzaga et intensifie le drame de la représentation. La richesse particulière des couleurs et des décorations se retrouve également dans d'autres œuvres de ces années, tout d'abord dans le Retable Trivulzio du même format. On retrouve le rouge, teinte récurrente des tableaux de Mantegna, couleur symbolique de l'amour divin et de la Passion du Christ dans la liturgie catholique, dans les œillets tenus par Jésus, les habits, les drapés, les attributs des saints, les fruits, les perles, le rubis de l'intérieur de la rosace (symbole païen, pierre du dieu Mars, il évoque la victoire militaire). Rouge également, le corail représente le sang de la Gorgone dans la mythologie grecque et fait la jonction avec l'iconographie chrétienne dans laquelle il symbolise la protection de l'enfant. Le blanc est présent également, comme signe de virginité, dans la robe du cacatoès.Les fruits, symbole de l'abondance et des célébrations dans le monde gréco-romain, sont présents dans toute la verdure du haut du tableau.Inspiré par sa passion pour l'Antique, et surtout pour les pierres gravées et la statuaire classique, Mantegna soigne les personnages jusques dans les moindres détails, insistant sur chaque élément des vêtements ou des armures, et travaille la texture des matériaux afin d'obtenir une représentation la plus proche possible de la réalité.Associé à ce goût du détail, le rendu des personnages confère au tableau une monumentalité non dénuée d'élégance, également due à la légèreté du contraste entre la zone ouverte de la pergola et celle, fermée, où se déroule la scène. La virtuosité du peintre se manifeste aussi dans la construction en perspective des personnages : chacun d'eux est restitué avec les raccourcis les plus justes en fonction de sa position, ce qui accentue la présence physique de tous.Certains historiens n'indiquent pas le retable parmi les œuvres les plus réussies de Mantegna, en raison d'une certaine disproportion de composition entre les personnages du premier et du second plan, de la rigidité des symétries, de l'incohérence de l'éclairage nacré et de la splendeur éblouissante des fruits et perruches sur le pergola, l'appareil décoratif excessif et « miniaturiste ». Cependant, on pense que ces caractéristiques étaient tempérées par une vision optimisée à l'intérieur de la chapelle.Parmi toutes les œuvres de Mantegna, La Vierge de la Victoire est peut-être celle qui réussit le mieux à marier un idéal classique de beauté et un authentique sentiment de spiritualité, exprimé par la douceur des gestes et par l'élégance formelle de la Vierge sur son trône.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Comment La_Vierge_de_la_Victoire explique-t-il sa Analyse?

La composition pyramidale qui a pour sommet le trône de la Vierge rappelle un modèle iconographique qui s'est répandu en Italie à partir de 1475 environ : d'illustres exemples antérieurs sont le retable de San Cassiano d'Antonello de Messine (1475-1476) ou le Retable de Santa Maria in Porto d'Ercole de’ Roberti (1480). La perspective baissé privilégie la position agenouillée de Francesco Gonzaga et intensifie le drame de la représentation. La richesse particulière des couleurs et des décorations se retrouve également dans d'autres œuvres de ces années, tout d'abord dans le Retable Trivulzio du même format. On retrouve le rouge, teinte récurrente des tableaux de Mantegna, couleur symbolique de l'amour divin et de la Passion du Christ dans la liturgie catholique, dans les œillets tenus par Jésus, les habits, les drapés, les attributs des saints, les fruits, les perles, le rubis de l'intérieur de la rosace (symbole païen, pierre du dieu Mars, il évoque la victoire militaire). Rouge également, le corail représente le sang de la Gorgone dans la mythologie grecque et fait la jonction avec l'iconographie chrétienne dans laquelle il symbolise la protection de l'enfant. Le blanc est présent également, comme signe de virginité, dans la robe du cacatoès.Les fruits, symbole de l'abondance et des célébrations dans le monde gréco-romain, sont présents dans toute la verdure du haut du tableau.Inspiré par sa passion pour l'Antique, et surtout pour les pierres gravées et la statuaire classique, Mantegna soigne les personnages jusques dans les moindres détails, insistant sur chaque élément des vêtements ou des armures, et travaille la texture des matériaux afin d'obtenir une représentation la plus proche possible de la réalité.Associé à ce goût du détail, le rendu des personnages confère au tableau une monumentalité non dénuée d'élégance, également due à la légèreté du contraste entre la zone ouverte de la pergola et celle, fermée, où se déroule la scène. La virtuosité du peintre se manifeste aussi dans la construction en perspective des personnages : chacun d'eux est restitué avec les raccourcis les plus justes en fonction de sa position, ce qui accentue la présence physique de tous.Certains historiens n'indiquent pas le retable parmi les œuvres les plus réussies de Mantegna, en raison d'une certaine disproportion de composition entre les personnages du premier et du second plan, de la rigidité des symétries, de l'incohérence de l'éclairage nacré et de la splendeur éblouissante des fruits et perruches sur le pergola, l'appareil décoratif excessif et « miniaturiste ». Cependant, on pense que ces caractéristiques étaient tempérées par une vision optimisée à l'intérieur de la chapelle.Parmi toutes les œuvres de Mantegna, La Vierge de la Victoire est peut-être celle qui réussit le mieux à marier un idéal classique de beauté et un authentique sentiment de spiritualité, exprimé par la douceur des gestes et par l'élégance formelle de la Vierge sur son trône.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_de_la_Victoire

Prompt: Dans La_Vierge_de_la_Victoire, comment est discutée la Analyse?

La composition pyramidale qui a pour sommet le trône de la Vierge rappelle un modèle iconographique qui s'est répandu en Italie à partir de 1475 environ : d'illustres exemples antérieurs sont le retable de San Cassiano d'Antonello de Messine (1475-1476) ou le Retable de Santa Maria in Porto d'Ercole de’ Roberti (1480). La perspective baissé privilégie la position agenouillée de Francesco Gonzaga et intensifie le drame de la représentation. La richesse particulière des couleurs et des décorations se retrouve également dans d'autres œuvres de ces années, tout d'abord dans le Retable Trivulzio du même format. On retrouve le rouge, teinte récurrente des tableaux de Mantegna, couleur symbolique de l'amour divin et de la Passion du Christ dans la liturgie catholique, dans les œillets tenus par Jésus, les habits, les drapés, les attributs des saints, les fruits, les perles, le rubis de l'intérieur de la rosace (symbole païen, pierre du dieu Mars, il évoque la victoire militaire). Rouge également, le corail représente le sang de la Gorgone dans la mythologie grecque et fait la jonction avec l'iconographie chrétienne dans laquelle il symbolise la protection de l'enfant. Le blanc est présent également, comme signe de virginité, dans la robe du cacatoès.Les fruits, symbole de l'abondance et des célébrations dans le monde gréco-romain, sont présents dans toute la verdure du haut du tableau.Inspiré par sa passion pour l'Antique, et surtout pour les pierres gravées et la statuaire classique, Mantegna soigne les personnages jusques dans les moindres détails, insistant sur chaque élément des vêtements ou des armures, et travaille la texture des matériaux afin d'obtenir une représentation la plus proche possible de la réalité.Associé à ce goût du détail, le rendu des personnages confère au tableau une monumentalité non dénuée d'élégance, également due à la légèreté du contraste entre la zone ouverte de la pergola et celle, fermée, où se déroule la scène. La virtuosité du peintre se manifeste aussi dans la construction en perspective des personnages : chacun d'eux est restitué avec les raccourcis les plus justes en fonction de sa position, ce qui accentue la présence physique de tous.Certains historiens n'indiquent pas le retable parmi les œuvres les plus réussies de Mantegna, en raison d'une certaine disproportion de composition entre les personnages du premier et du second plan, de la rigidité des symétries, de l'incohérence de l'éclairage nacré et de la splendeur éblouissante des fruits et perruches sur le pergola, l'appareil décoratif excessif et « miniaturiste ». Cependant, on pense que ces caractéristiques étaient tempérées par une vision optimisée à l'intérieur de la chapelle.Parmi toutes les œuvres de Mantegna, La Vierge de la Victoire est peut-être celle qui réussit le mieux à marier un idéal classique de beauté et un authentique sentiment de spiritualité, exprimé par la douceur des gestes et par l'élégance formelle de la Vierge sur son trône.

Fichier:Mantegna, madonna della vittoria, dettaglio 03, francesco Gonzaga.jpg

Catégorie:Œuvre d'Andrea Mantegna en France

Catégorie:Collection de peintures italiennes du Louvre

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Catégorie:Archange Michel dans la peinture

Catégorie:Jean le Baptiste enfant dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_au_long_cou et expliquez la abstract.

La Vierge au long cou (en italien : Madonna dal collo lungo) est une peinture à huile sur bois, attribuée à Parmigianino, conservée à la galerie des Offices à Florence. Le tableau est considéré comme une des peintures les plus importantes et représentatives du maniérisme italien, inspirée par une esthétique anticlassique et riche en allusions et transpositions symboliques.La peinture est populairement appelée « Vierge au long cou », car « le peintre, dans son désir de rendre la sainte Vierge gracieuse et élégante, lui a donné un cou comme celui d'un cygne. »

Fichier:Parmigianino - Madonna and Child with the infant Saint John and Saint Jerome.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

Fichier:Parmigianino Madonna Long Neck - Detail.jpg

''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Vierge_au_long_cou.

La Vierge au long cou (en italien : Madonna dal collo lungo) est une peinture à huile sur bois, attribuée à Parmigianino, conservée à la galerie des Offices à Florence. Le tableau est considéré comme une des peintures les plus importantes et représentatives du maniérisme italien, inspirée par une esthétique anticlassique et riche en allusions et transpositions symboliques.La peinture est populairement appelée « Vierge au long cou », car « le peintre, dans son désir de rendre la sainte Vierge gracieuse et élégante, lui a donné un cou comme celui d'un cygne. »

Fichier:Parmigianino - Madonna and Child with the infant Saint John and Saint Jerome.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

Fichier:Parmigianino Madonna Long Neck - Detail.jpg

''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture