La_Dernière_Cène

Prompt: Expliquer la La Dernière Cène : argument et mise en scène de cette œuvre d'art, La_Dernière_Cène.

L'argument du film a été élaboré à partir d'un paragraphe du livre El Ingenio (La Plantation) de Moreno Fraginals, écrit vers la fin du XVIIIe siècle. Ce passage très bref est une anecdote du comte de Casa Bayona qui, dans un acte de profonde ferveur chrétienne, décide de s'humilier devant ses esclaves. Et, imitant le Christ, un Jeudi saint, il lave les pieds de douze esclaves noirs, les assoit à sa table et les sert. Le réalisateur nous dit : « Jusqu'alors, l'exploitation de l'esclavage avait été relativement modéré à Cuba. [...] La Révolution française, la révolte des esclaves en Haïti sont une des causes  du démantèlement de la production sucrière haïtienne alors que la demande mondiale est en augmentation. À Cuba, le résultat est immédiat : le traitement des esclaves connaît un changement radical qui se traduit par une exploitation féroce de ces derniers. C'est dans ce contexte que le comte de Casa Bayona décide d'officier ce rite dans lequel il prend la place du Christ et parle aux esclaves en essayant de trouver une justification à leur exploitation. »Certes, écrit Sandra Hernandez, « cette histoire reconstituée, même si elle provient d'un fait véridique, n'est pas représentative car, il s'agit d'une anecdote peu banale : [...] En effet, très peu de rapprochement réel entre maîtres et esclaves était possible ou toléré. [...] De grandes barrières sociales, morales voire religieuses [...] servaient de protection et renforçaient la ségrégation de couleurs et de classes. C'était une société profondément discriminante, aux classes et aux castes de couleurs bien définies, dont les préjugés perdurent à l'heure actuelle. »La Dernière Cène ne perd pas, pour autant, son caractère de témoignage historique. Le film de Gutiérrez Alea offre « une vision réaliste, c'est-à-dire à partir d'un principe de vraisemblance selon des faits historiques donnés comme objectifs, renforcée par la linéarité narrative. [...] Nous pouvons constater de réelles préoccupations didactiques pour reconstituer des scènes de vie d'après une approche réaliste, afin de reproduire fidèlement une ambiance d'époque. »Toutefois, Gutiérrez Alea signale qu'à son avis l'importance du cinéma historique ne saurait se réduire au seul désir de "reconstruire" des moments particuliers du passé. « Autrement dit, énonce-t-il, La última cena s'insère logiquement dans un ensemble où l'on peut discerner deux lignes de travail : la ligne dite historique, qui satisfait le besoin de nous nourrir de notre passé pour affirmer notre identité, et la ligne que nous pouvons appeler, si le terme n'était pas trop restreint, documentaire, qui se projette directement sur le présent et qui incarne la nécessité - mieux l'urgence - de saisir notre réalité quotidienne [...] Ces deux lignes (la passé et le présent) ne sont parallèles qu'en apparence : elles se rejoignent avec vigueur dans une saine impatience de rendre le futur plus proche. »Au-delà d'une rigoureuse démonstration politique, Gutiérrez Alea n'oublie pas la puissance et la beauté picturale, la personnalisation spécifique des protagonistes et le pouvoir de l'imagination à travers la parabole. « Par un discours cinématographique baroque et envoûtant, Alea nous entraîne dans la magie et la poésie de l'imaginaire des esclaves. » Exemple : le récit allégorique de Sebastian, unique survivant du massacre, sur « le corps de la vérité parcourant le monde avec la tête du mensonge ». Il sait aussi insuffler une atmosphère tendue grâce à la symbiose de l'image (les cadrages de García Joya), des dialogues, de la musique (Leo Brouwer) et d'un humour percutant.Avant toute conclusion, il faut louer ici la fameuse scène centrale (La Cène), « magistrale séquence, le nœud de cinquante minutes qui donne son titre au film. [...] L'esprit de la Viridiana de Luis Buñuel plane sur celle-ci ; mais tandis que le maestro aragonais exploitait sa vision surréaliste des vagabonds, le cinéaste cubain se sert des esclaves pour articuler son allégorie sociale », écrit Antxon Salvador Castiella. « La Cène constitue une véritable leçon de maître : il faut pouvoir maintenir l'attention du public sur une séquence aussi longue, avec une position relativement statique des personnages et une caméra panoramique, comme sur une scène de théâtre. [...] Les plans américains, moyens ou d'ensemble et le rapprochement des protagonistes noirs en gros plans [...] engendrent des moments d'émotion, bien davantage que le mysticisme apparent du maître [...] et son discours moralisateur », note Sandra Hernandez. Si La Dernière Cène « illustre la théorie hégélienne du maître et de l'esclave - approche toute intellectuelle - elle ne fait pas oublier à Gutiérrez Alea la partie plus esthétique de sa réalisation », estime Antxon Salvador. « La Dernière Cène est surtout un splendide moment de cinéma. Une construction subtile permet de découvrir en profondeur chacun des douze convives. [...] L'interprétation et la direction d'acteurs sont remarquables et l'on appréciera notamment la performance, dans le rôle du comte, de Nelson Villagra », conclut Christian Bosséno.

Catégorie:Film se déroulant dans les années 1790

Festival du film ibéro-américain de Huelva

Catégorie:Film réalisé par Tomás Gutiérrez Alea

Festival du cinéma ibéro-américain de Huelva


La_Dernière_Cène

Prompt: Comment La_Dernière_Cène explique-t-il sa La Dernière Cène : argument et mise en scène?

L'argument du film a été élaboré à partir d'un paragraphe du livre El Ingenio (La Plantation) de Moreno Fraginals, écrit vers la fin du XVIIIe siècle. Ce passage très bref est une anecdote du comte de Casa Bayona qui, dans un acte de profonde ferveur chrétienne, décide de s'humilier devant ses esclaves. Et, imitant le Christ, un Jeudi saint, il lave les pieds de douze esclaves noirs, les assoit à sa table et les sert. Le réalisateur nous dit : « Jusqu'alors, l'exploitation de l'esclavage avait été relativement modéré à Cuba. [...] La Révolution française, la révolte des esclaves en Haïti sont une des causes  du démantèlement de la production sucrière haïtienne alors que la demande mondiale est en augmentation. À Cuba, le résultat est immédiat : le traitement des esclaves connaît un changement radical qui se traduit par une exploitation féroce de ces derniers. C'est dans ce contexte que le comte de Casa Bayona décide d'officier ce rite dans lequel il prend la place du Christ et parle aux esclaves en essayant de trouver une justification à leur exploitation. »Certes, écrit Sandra Hernandez, « cette histoire reconstituée, même si elle provient d'un fait véridique, n'est pas représentative car, il s'agit d'une anecdote peu banale : [...] En effet, très peu de rapprochement réel entre maîtres et esclaves était possible ou toléré. [...] De grandes barrières sociales, morales voire religieuses [...] servaient de protection et renforçaient la ségrégation de couleurs et de classes. C'était une société profondément discriminante, aux classes et aux castes de couleurs bien définies, dont les préjugés perdurent à l'heure actuelle. »La Dernière Cène ne perd pas, pour autant, son caractère de témoignage historique. Le film de Gutiérrez Alea offre « une vision réaliste, c'est-à-dire à partir d'un principe de vraisemblance selon des faits historiques donnés comme objectifs, renforcée par la linéarité narrative. [...] Nous pouvons constater de réelles préoccupations didactiques pour reconstituer des scènes de vie d'après une approche réaliste, afin de reproduire fidèlement une ambiance d'époque. »Toutefois, Gutiérrez Alea signale qu'à son avis l'importance du cinéma historique ne saurait se réduire au seul désir de "reconstruire" des moments particuliers du passé. « Autrement dit, énonce-t-il, La última cena s'insère logiquement dans un ensemble où l'on peut discerner deux lignes de travail : la ligne dite historique, qui satisfait le besoin de nous nourrir de notre passé pour affirmer notre identité, et la ligne que nous pouvons appeler, si le terme n'était pas trop restreint, documentaire, qui se projette directement sur le présent et qui incarne la nécessité - mieux l'urgence - de saisir notre réalité quotidienne [...] Ces deux lignes (la passé et le présent) ne sont parallèles qu'en apparence : elles se rejoignent avec vigueur dans une saine impatience de rendre le futur plus proche. »Au-delà d'une rigoureuse démonstration politique, Gutiérrez Alea n'oublie pas la puissance et la beauté picturale, la personnalisation spécifique des protagonistes et le pouvoir de l'imagination à travers la parabole. « Par un discours cinématographique baroque et envoûtant, Alea nous entraîne dans la magie et la poésie de l'imaginaire des esclaves. » Exemple : le récit allégorique de Sebastian, unique survivant du massacre, sur « le corps de la vérité parcourant le monde avec la tête du mensonge ». Il sait aussi insuffler une atmosphère tendue grâce à la symbiose de l'image (les cadrages de García Joya), des dialogues, de la musique (Leo Brouwer) et d'un humour percutant.Avant toute conclusion, il faut louer ici la fameuse scène centrale (La Cène), « magistrale séquence, le nœud de cinquante minutes qui donne son titre au film. [...] L'esprit de la Viridiana de Luis Buñuel plane sur celle-ci ; mais tandis que le maestro aragonais exploitait sa vision surréaliste des vagabonds, le cinéaste cubain se sert des esclaves pour articuler son allégorie sociale », écrit Antxon Salvador Castiella. « La Cène constitue une véritable leçon de maître : il faut pouvoir maintenir l'attention du public sur une séquence aussi longue, avec une position relativement statique des personnages et une caméra panoramique, comme sur une scène de théâtre. [...] Les plans américains, moyens ou d'ensemble et le rapprochement des protagonistes noirs en gros plans [...] engendrent des moments d'émotion, bien davantage que le mysticisme apparent du maître [...] et son discours moralisateur », note Sandra Hernandez. Si La Dernière Cène « illustre la théorie hégélienne du maître et de l'esclave - approche toute intellectuelle - elle ne fait pas oublier à Gutiérrez Alea la partie plus esthétique de sa réalisation », estime Antxon Salvador. « La Dernière Cène est surtout un splendide moment de cinéma. Une construction subtile permet de découvrir en profondeur chacun des douze convives. [...] L'interprétation et la direction d'acteurs sont remarquables et l'on appréciera notamment la performance, dans le rôle du comte, de Nelson Villagra », conclut Christian Bosséno.

Catégorie:Film se déroulant dans les années 1790

Festival du film ibéro-américain de Huelva

Catégorie:Film réalisé par Tomás Gutiérrez Alea

Festival du cinéma ibéro-américain de Huelva


La_Dernière_Cène

Prompt: Dans La_Dernière_Cène, comment est discutée la La Dernière Cène : argument et mise en scène?

L'argument du film a été élaboré à partir d'un paragraphe du livre El Ingenio (La Plantation) de Moreno Fraginals, écrit vers la fin du XVIIIe siècle. Ce passage très bref est une anecdote du comte de Casa Bayona qui, dans un acte de profonde ferveur chrétienne, décide de s'humilier devant ses esclaves. Et, imitant le Christ, un Jeudi saint, il lave les pieds de douze esclaves noirs, les assoit à sa table et les sert. Le réalisateur nous dit : « Jusqu'alors, l'exploitation de l'esclavage avait été relativement modéré à Cuba. [...] La Révolution française, la révolte des esclaves en Haïti sont une des causes  du démantèlement de la production sucrière haïtienne alors que la demande mondiale est en augmentation. À Cuba, le résultat est immédiat : le traitement des esclaves connaît un changement radical qui se traduit par une exploitation féroce de ces derniers. C'est dans ce contexte que le comte de Casa Bayona décide d'officier ce rite dans lequel il prend la place du Christ et parle aux esclaves en essayant de trouver une justification à leur exploitation. »Certes, écrit Sandra Hernandez, « cette histoire reconstituée, même si elle provient d'un fait véridique, n'est pas représentative car, il s'agit d'une anecdote peu banale : [...] En effet, très peu de rapprochement réel entre maîtres et esclaves était possible ou toléré. [...] De grandes barrières sociales, morales voire religieuses [...] servaient de protection et renforçaient la ségrégation de couleurs et de classes. C'était une société profondément discriminante, aux classes et aux castes de couleurs bien définies, dont les préjugés perdurent à l'heure actuelle. »La Dernière Cène ne perd pas, pour autant, son caractère de témoignage historique. Le film de Gutiérrez Alea offre « une vision réaliste, c'est-à-dire à partir d'un principe de vraisemblance selon des faits historiques donnés comme objectifs, renforcée par la linéarité narrative. [...] Nous pouvons constater de réelles préoccupations didactiques pour reconstituer des scènes de vie d'après une approche réaliste, afin de reproduire fidèlement une ambiance d'époque. »Toutefois, Gutiérrez Alea signale qu'à son avis l'importance du cinéma historique ne saurait se réduire au seul désir de "reconstruire" des moments particuliers du passé. « Autrement dit, énonce-t-il, La última cena s'insère logiquement dans un ensemble où l'on peut discerner deux lignes de travail : la ligne dite historique, qui satisfait le besoin de nous nourrir de notre passé pour affirmer notre identité, et la ligne que nous pouvons appeler, si le terme n'était pas trop restreint, documentaire, qui se projette directement sur le présent et qui incarne la nécessité - mieux l'urgence - de saisir notre réalité quotidienne [...] Ces deux lignes (la passé et le présent) ne sont parallèles qu'en apparence : elles se rejoignent avec vigueur dans une saine impatience de rendre le futur plus proche. »Au-delà d'une rigoureuse démonstration politique, Gutiérrez Alea n'oublie pas la puissance et la beauté picturale, la personnalisation spécifique des protagonistes et le pouvoir de l'imagination à travers la parabole. « Par un discours cinématographique baroque et envoûtant, Alea nous entraîne dans la magie et la poésie de l'imaginaire des esclaves. » Exemple : le récit allégorique de Sebastian, unique survivant du massacre, sur « le corps de la vérité parcourant le monde avec la tête du mensonge ». Il sait aussi insuffler une atmosphère tendue grâce à la symbiose de l'image (les cadrages de García Joya), des dialogues, de la musique (Leo Brouwer) et d'un humour percutant.Avant toute conclusion, il faut louer ici la fameuse scène centrale (La Cène), « magistrale séquence, le nœud de cinquante minutes qui donne son titre au film. [...] L'esprit de la Viridiana de Luis Buñuel plane sur celle-ci ; mais tandis que le maestro aragonais exploitait sa vision surréaliste des vagabonds, le cinéaste cubain se sert des esclaves pour articuler son allégorie sociale », écrit Antxon Salvador Castiella. « La Cène constitue une véritable leçon de maître : il faut pouvoir maintenir l'attention du public sur une séquence aussi longue, avec une position relativement statique des personnages et une caméra panoramique, comme sur une scène de théâtre. [...] Les plans américains, moyens ou d'ensemble et le rapprochement des protagonistes noirs en gros plans [...] engendrent des moments d'émotion, bien davantage que le mysticisme apparent du maître [...] et son discours moralisateur », note Sandra Hernandez. Si La Dernière Cène « illustre la théorie hégélienne du maître et de l'esclave - approche toute intellectuelle - elle ne fait pas oublier à Gutiérrez Alea la partie plus esthétique de sa réalisation », estime Antxon Salvador. « La Dernière Cène est surtout un splendide moment de cinéma. Une construction subtile permet de découvrir en profondeur chacun des douze convives. [...] L'interprétation et la direction d'acteurs sont remarquables et l'on appréciera notamment la performance, dans le rôle du comte, de Nelson Villagra », conclut Christian Bosséno.

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Festival du film ibéro-américain de Huelva

Catégorie:Film réalisé par Tomás Gutiérrez Alea

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coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Concentrez-vous sur coucher_de_soleil_à_Montmajour et expliquez la abstract.

Coucher de soleil à Montmajour est une peinture à l'huile sur toile de 73,3 × 93,3 cm de Vincent van Gogh. Elle a été peinte le 4 juillet 1888 non loin d'Arles près de l'abbaye de Montmajour. Elle représente une chênaie au soleil couchant, avec l'abbaye en arrière-plan.Le tableau a longtemps été considéré comme n'étant pas de van Gogh, jusqu'à l'annonce en septembre 2013 de son authentification. C’est la première œuvre du peintre découverte depuis 1928.Propriété d'un collectionneur privé, elle est exposée jusqu'en septembre 2014 au Musée van Gogh d'Amsterdam, qui possède la plus grande collection de ce peintre.

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, coucher_de_soleil_à_Montmajour.

Coucher de soleil à Montmajour est une peinture à l'huile sur toile de 73,3 × 93,3 cm de Vincent van Gogh. Elle a été peinte le 4 juillet 1888 non loin d'Arles près de l'abbaye de Montmajour. Elle représente une chênaie au soleil couchant, avec l'abbaye en arrière-plan.Le tableau a longtemps été considéré comme n'étant pas de van Gogh, jusqu'à l'annonce en septembre 2013 de son authentification. C’est la première œuvre du peintre découverte depuis 1928.Propriété d'un collectionneur privé, elle est exposée jusqu'en septembre 2014 au Musée van Gogh d'Amsterdam, qui possède la plus grande collection de ce peintre.

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Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Comment coucher_de_soleil_à_Montmajour explique-t-il sa abstract?

Coucher de soleil à Montmajour est une peinture à l'huile sur toile de 73,3 × 93,3 cm de Vincent van Gogh. Elle a été peinte le 4 juillet 1888 non loin d'Arles près de l'abbaye de Montmajour. Elle représente une chênaie au soleil couchant, avec l'abbaye en arrière-plan.Le tableau a longtemps été considéré comme n'étant pas de van Gogh, jusqu'à l'annonce en septembre 2013 de son authentification. C’est la première œuvre du peintre découverte depuis 1928.Propriété d'un collectionneur privé, elle est exposée jusqu'en septembre 2014 au Musée van Gogh d'Amsterdam, qui possède la plus grande collection de ce peintre.

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Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Dans coucher_de_soleil_à_Montmajour, comment est discutée la abstract?

Coucher de soleil à Montmajour est une peinture à l'huile sur toile de 73,3 × 93,3 cm de Vincent van Gogh. Elle a été peinte le 4 juillet 1888 non loin d'Arles près de l'abbaye de Montmajour. Elle représente une chênaie au soleil couchant, avec l'abbaye en arrière-plan.Le tableau a longtemps été considéré comme n'étant pas de van Gogh, jusqu'à l'annonce en septembre 2013 de son authentification. C’est la première œuvre du peintre découverte depuis 1928.Propriété d'un collectionneur privé, elle est exposée jusqu'en septembre 2014 au Musée van Gogh d'Amsterdam, qui possède la plus grande collection de ce peintre.

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Concentrez-vous sur coucher_de_soleil_à_Montmajour et expliquez la Histoire.

Dans une lettre adressée à son frère Théo, datée du 4 juillet 1888, Vincent Van Gogh décrit cette toile peinte le même jour, quelques semaines avant le début de la série des Tournesols. Van Gogh décrit l'abbaye à son frère Théo dans une lettre du 5 juillet 1888 :« Hier j'étais au soleil couchant dans une bruyère pierreuse où croissent des chênes très petits et tordus, dans le fond une ruine sur la colline et dans le vallon du blé.C'était romantique, on ne peut davantage, à la Monticelli, le soleil versait des rayons très jaunes sur les buissons et le terrain, absolument une pluie d'or. Et toutes les lignes étaient belles, l'ensemble d'une noblesse charmante.On n'aurait pas du tout été surpris de voir surgir soudainement des cavaliers et des dames revenant d'une chasse au faucon ou d'entendre la voix d'un vieux troubadour. Les terrains semblaient violets, les lointains bleus. J'en ai rapporté une étude d'ailleurs mais qui reste bien en dessous de ce que j'avais voulu faire. »Le tableau est vendu en 1901 à un marchand d'art français. Il est acquis sur les conseils de Jens Thiis (en), probablement en 1908, par Christian Nicolai Mustad (en), un industriel norvégien. L'ambassadeur de France en Suède ou Auguste Pellerin (en) lui ayant dit que c'était un faux, l'industriel relègue la peinture dans un grenier. À sa mort, en 1970, sa famille la revend à un collectionneur qui pensait faire l'acquisition d'une toile réalisée par un peintre allemand.Les experts du musée Van Gogh ont confirmé la paternité de l'œuvre. Le musée a refusé de révéler le nom du propriétaire actuel. La toile a été montrée à la presse le 8 septembre 2013 et a été exposée à partir du 24 septembre, pendant un an, au musée Van Gogh d'Amsterdam.L'attribution en a été faite au peintre pour des raisons techniques (palette identique aux œuvres contemporaines, toile et sous couche de même type qu'une autre peinture de la même époque), stylistiques et historiques (lettre autographe du peintre évoquant le tableau).

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, coucher_de_soleil_à_Montmajour.

Dans une lettre adressée à son frère Théo, datée du 4 juillet 1888, Vincent Van Gogh décrit cette toile peinte le même jour, quelques semaines avant le début de la série des Tournesols. Van Gogh décrit l'abbaye à son frère Théo dans une lettre du 5 juillet 1888 :« Hier j'étais au soleil couchant dans une bruyère pierreuse où croissent des chênes très petits et tordus, dans le fond une ruine sur la colline et dans le vallon du blé.C'était romantique, on ne peut davantage, à la Monticelli, le soleil versait des rayons très jaunes sur les buissons et le terrain, absolument une pluie d'or. Et toutes les lignes étaient belles, l'ensemble d'une noblesse charmante.On n'aurait pas du tout été surpris de voir surgir soudainement des cavaliers et des dames revenant d'une chasse au faucon ou d'entendre la voix d'un vieux troubadour. Les terrains semblaient violets, les lointains bleus. J'en ai rapporté une étude d'ailleurs mais qui reste bien en dessous de ce que j'avais voulu faire. »Le tableau est vendu en 1901 à un marchand d'art français. Il est acquis sur les conseils de Jens Thiis (en), probablement en 1908, par Christian Nicolai Mustad (en), un industriel norvégien. L'ambassadeur de France en Suède ou Auguste Pellerin (en) lui ayant dit que c'était un faux, l'industriel relègue la peinture dans un grenier. À sa mort, en 1970, sa famille la revend à un collectionneur qui pensait faire l'acquisition d'une toile réalisée par un peintre allemand.Les experts du musée Van Gogh ont confirmé la paternité de l'œuvre. Le musée a refusé de révéler le nom du propriétaire actuel. La toile a été montrée à la presse le 8 septembre 2013 et a été exposée à partir du 24 septembre, pendant un an, au musée Van Gogh d'Amsterdam.L'attribution en a été faite au peintre pour des raisons techniques (palette identique aux œuvres contemporaines, toile et sous couche de même type qu'une autre peinture de la même époque), stylistiques et historiques (lettre autographe du peintre évoquant le tableau).

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Comment coucher_de_soleil_à_Montmajour explique-t-il sa Histoire?

Dans une lettre adressée à son frère Théo, datée du 4 juillet 1888, Vincent Van Gogh décrit cette toile peinte le même jour, quelques semaines avant le début de la série des Tournesols. Van Gogh décrit l'abbaye à son frère Théo dans une lettre du 5 juillet 1888 :« Hier j'étais au soleil couchant dans une bruyère pierreuse où croissent des chênes très petits et tordus, dans le fond une ruine sur la colline et dans le vallon du blé.C'était romantique, on ne peut davantage, à la Monticelli, le soleil versait des rayons très jaunes sur les buissons et le terrain, absolument une pluie d'or. Et toutes les lignes étaient belles, l'ensemble d'une noblesse charmante.On n'aurait pas du tout été surpris de voir surgir soudainement des cavaliers et des dames revenant d'une chasse au faucon ou d'entendre la voix d'un vieux troubadour. Les terrains semblaient violets, les lointains bleus. J'en ai rapporté une étude d'ailleurs mais qui reste bien en dessous de ce que j'avais voulu faire. »Le tableau est vendu en 1901 à un marchand d'art français. Il est acquis sur les conseils de Jens Thiis (en), probablement en 1908, par Christian Nicolai Mustad (en), un industriel norvégien. L'ambassadeur de France en Suède ou Auguste Pellerin (en) lui ayant dit que c'était un faux, l'industriel relègue la peinture dans un grenier. À sa mort, en 1970, sa famille la revend à un collectionneur qui pensait faire l'acquisition d'une toile réalisée par un peintre allemand.Les experts du musée Van Gogh ont confirmé la paternité de l'œuvre. Le musée a refusé de révéler le nom du propriétaire actuel. La toile a été montrée à la presse le 8 septembre 2013 et a été exposée à partir du 24 septembre, pendant un an, au musée Van Gogh d'Amsterdam.L'attribution en a été faite au peintre pour des raisons techniques (palette identique aux œuvres contemporaines, toile et sous couche de même type qu'une autre peinture de la même époque), stylistiques et historiques (lettre autographe du peintre évoquant le tableau).

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


coucher_de_soleil_à_Montmajour

Prompt: Dans coucher_de_soleil_à_Montmajour, comment est discutée la Histoire?

Dans une lettre adressée à son frère Théo, datée du 4 juillet 1888, Vincent Van Gogh décrit cette toile peinte le même jour, quelques semaines avant le début de la série des Tournesols. Van Gogh décrit l'abbaye à son frère Théo dans une lettre du 5 juillet 1888 :« Hier j'étais au soleil couchant dans une bruyère pierreuse où croissent des chênes très petits et tordus, dans le fond une ruine sur la colline et dans le vallon du blé.C'était romantique, on ne peut davantage, à la Monticelli, le soleil versait des rayons très jaunes sur les buissons et le terrain, absolument une pluie d'or. Et toutes les lignes étaient belles, l'ensemble d'une noblesse charmante.On n'aurait pas du tout été surpris de voir surgir soudainement des cavaliers et des dames revenant d'une chasse au faucon ou d'entendre la voix d'un vieux troubadour. Les terrains semblaient violets, les lointains bleus. J'en ai rapporté une étude d'ailleurs mais qui reste bien en dessous de ce que j'avais voulu faire. »Le tableau est vendu en 1901 à un marchand d'art français. Il est acquis sur les conseils de Jens Thiis (en), probablement en 1908, par Christian Nicolai Mustad (en), un industriel norvégien. L'ambassadeur de France en Suède ou Auguste Pellerin (en) lui ayant dit que c'était un faux, l'industriel relègue la peinture dans un grenier. À sa mort, en 1970, sa famille la revend à un collectionneur qui pensait faire l'acquisition d'une toile réalisée par un peintre allemand.Les experts du musée Van Gogh ont confirmé la paternité de l'œuvre. Le musée a refusé de révéler le nom du propriétaire actuel. La toile a été montrée à la presse le 8 septembre 2013 et a été exposée à partir du 24 septembre, pendant un an, au musée Van Gogh d'Amsterdam.L'attribution en a été faite au peintre pour des raisons techniques (palette identique aux œuvres contemporaines, toile et sous couche de même type qu'une autre peinture de la même époque), stylistiques et historiques (lettre autographe du peintre évoquant le tableau).

Liste des ambassadeurs de France en Suède

Catégorie:Coucher de soleil dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh


Madonna_Benois

Prompt: Concentrez-vous sur Madonna_Benois et expliquez la abstract.

La Madonna Benois (« Madonna col Bambino ») pourrait être l’une des deux Madones commencées par Léonard de Vinci, comme il le dit lui-même, en octobre 1478. L’autre pourrait être La Madone à l'œillet, conservée à l’Alte Pinakothek de Munich.De 1507 à 1513 se déroule ce qu’il convient de nommer la « période milanaise « , deuxième séjour de Léonard de Vinci dans la cité italienne. Il est alors au service des Français, notamment de Charles II d'Amboise, nommé gouverneur de Milan par Louis XII. C’est lui qui a fait revenir Léonard de Vinci à Milan en 1507, car il l’a en grande estime. Le premier tableau exécuté par Léonard de Vinci (entre 1478 et 1482), La Madone Benois, (actuellement au musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg), a appartenu à Charles II d’Amboise. Ce tableau découvert récemment porte encore, de nos jours, les armoiries de Charles d’Amboise sur son cadre d’origine.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Madonna_Benois.

La Madonna Benois (« Madonna col Bambino ») pourrait être l’une des deux Madones commencées par Léonard de Vinci, comme il le dit lui-même, en octobre 1478. L’autre pourrait être La Madone à l'œillet, conservée à l’Alte Pinakothek de Munich.De 1507 à 1513 se déroule ce qu’il convient de nommer la « période milanaise « , deuxième séjour de Léonard de Vinci dans la cité italienne. Il est alors au service des Français, notamment de Charles II d'Amboise, nommé gouverneur de Milan par Louis XII. C’est lui qui a fait revenir Léonard de Vinci à Milan en 1507, car il l’a en grande estime. Le premier tableau exécuté par Léonard de Vinci (entre 1478 et 1482), La Madone Benois, (actuellement au musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg), a appartenu à Charles II d’Amboise. Ce tableau découvert récemment porte encore, de nos jours, les armoiries de Charles d’Amboise sur son cadre d’origine.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Comment Madonna_Benois explique-t-il sa abstract?

La Madonna Benois (« Madonna col Bambino ») pourrait être l’une des deux Madones commencées par Léonard de Vinci, comme il le dit lui-même, en octobre 1478. L’autre pourrait être La Madone à l'œillet, conservée à l’Alte Pinakothek de Munich.De 1507 à 1513 se déroule ce qu’il convient de nommer la « période milanaise « , deuxième séjour de Léonard de Vinci dans la cité italienne. Il est alors au service des Français, notamment de Charles II d'Amboise, nommé gouverneur de Milan par Louis XII. C’est lui qui a fait revenir Léonard de Vinci à Milan en 1507, car il l’a en grande estime. Le premier tableau exécuté par Léonard de Vinci (entre 1478 et 1482), La Madone Benois, (actuellement au musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg), a appartenu à Charles II d’Amboise. Ce tableau découvert récemment porte encore, de nos jours, les armoiries de Charles d’Amboise sur son cadre d’origine.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Dans Madonna_Benois, comment est discutée la abstract?

La Madonna Benois (« Madonna col Bambino ») pourrait être l’une des deux Madones commencées par Léonard de Vinci, comme il le dit lui-même, en octobre 1478. L’autre pourrait être La Madone à l'œillet, conservée à l’Alte Pinakothek de Munich.De 1507 à 1513 se déroule ce qu’il convient de nommer la « période milanaise « , deuxième séjour de Léonard de Vinci dans la cité italienne. Il est alors au service des Français, notamment de Charles II d'Amboise, nommé gouverneur de Milan par Louis XII. C’est lui qui a fait revenir Léonard de Vinci à Milan en 1507, car il l’a en grande estime. Le premier tableau exécuté par Léonard de Vinci (entre 1478 et 1482), La Madone Benois, (actuellement au musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg), a appartenu à Charles II d’Amboise. Ce tableau découvert récemment porte encore, de nos jours, les armoiries de Charles d’Amboise sur son cadre d’origine.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Concentrez-vous sur Madonna_Benois et expliquez la Histoire.

Il est probable que la Madonna Benois ait été le premier travail exécuté par Léonard comme peintre indépendant de son maître Andrea del Verrocchio. Il existe deux études préparatoires de ce tableau, conservées au British Museum (Londres).Durant des siècles, le tableau a été considéré comme perdu. C’est seulement en 1909 que l’architecte Léon Benois l’a sensationnellement exposé à Saint-Pétersbourg, avec une partie de la collection de son beau-père.Vers 1790, la Madonna Benois est en possession du général Alexandre Rimski-Korsakov et elle quitte l’Italie pour la Russie. À la mort du général, son fils vend le tableau pour 1 400 roubles à un certain Sapojnikov, un marchand originaire d’Astrakhan. Léon Benois (qui donne son nom au tableau) en devient le propriétaire lorsqu’il épouse la petite-fille de Sapojnikov.En 1908, la revue Starye gody (Старые годы) organise la première exposition publique du tableau. À cette occasion, le conservateur de l’Académie impériale de peinture de Saint-Pétersbourg, Ernst Friedrich von Liphart (en), est le premier à l’attribuer à Léonard de Vinci : « J’ai le courage de mon opinion malgré le tollé que soulèvera cette attribution. Le tableau n’est pas plaisant à première vue, j’en conviens ; mais étudiez-le et vous vous laisserez gagner peu à peu par le charme mystérieux de cette œuvre de jeunesse, toute modeste, de celui qui fut plus tard le grand, l’unique Léonard ». Le père d’Ernst, Karl Eduard von Liphart (en), fut en son temps l’un des plus grands spécialistes de Léonard : c’est lui qui identifia L'Annonciation.Léon Benois vend le tableau en 1914 au musée impérial de l'Ermitage.Cette composition de Léonard a largement été copiée par de jeunes peintres, notamment par Raphaël pour son tableau La Madone aux œillets, acquis en 2004 par la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Madonna_Benois.

Il est probable que la Madonna Benois ait été le premier travail exécuté par Léonard comme peintre indépendant de son maître Andrea del Verrocchio. Il existe deux études préparatoires de ce tableau, conservées au British Museum (Londres).Durant des siècles, le tableau a été considéré comme perdu. C’est seulement en 1909 que l’architecte Léon Benois l’a sensationnellement exposé à Saint-Pétersbourg, avec une partie de la collection de son beau-père.Vers 1790, la Madonna Benois est en possession du général Alexandre Rimski-Korsakov et elle quitte l’Italie pour la Russie. À la mort du général, son fils vend le tableau pour 1 400 roubles à un certain Sapojnikov, un marchand originaire d’Astrakhan. Léon Benois (qui donne son nom au tableau) en devient le propriétaire lorsqu’il épouse la petite-fille de Sapojnikov.En 1908, la revue Starye gody (Старые годы) organise la première exposition publique du tableau. À cette occasion, le conservateur de l’Académie impériale de peinture de Saint-Pétersbourg, Ernst Friedrich von Liphart (en), est le premier à l’attribuer à Léonard de Vinci : « J’ai le courage de mon opinion malgré le tollé que soulèvera cette attribution. Le tableau n’est pas plaisant à première vue, j’en conviens ; mais étudiez-le et vous vous laisserez gagner peu à peu par le charme mystérieux de cette œuvre de jeunesse, toute modeste, de celui qui fut plus tard le grand, l’unique Léonard ». Le père d’Ernst, Karl Eduard von Liphart (en), fut en son temps l’un des plus grands spécialistes de Léonard : c’est lui qui identifia L'Annonciation.Léon Benois vend le tableau en 1914 au musée impérial de l'Ermitage.Cette composition de Léonard a largement été copiée par de jeunes peintres, notamment par Raphaël pour son tableau La Madone aux œillets, acquis en 2004 par la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Comment Madonna_Benois explique-t-il sa Histoire?

Il est probable que la Madonna Benois ait été le premier travail exécuté par Léonard comme peintre indépendant de son maître Andrea del Verrocchio. Il existe deux études préparatoires de ce tableau, conservées au British Museum (Londres).Durant des siècles, le tableau a été considéré comme perdu. C’est seulement en 1909 que l’architecte Léon Benois l’a sensationnellement exposé à Saint-Pétersbourg, avec une partie de la collection de son beau-père.Vers 1790, la Madonna Benois est en possession du général Alexandre Rimski-Korsakov et elle quitte l’Italie pour la Russie. À la mort du général, son fils vend le tableau pour 1 400 roubles à un certain Sapojnikov, un marchand originaire d’Astrakhan. Léon Benois (qui donne son nom au tableau) en devient le propriétaire lorsqu’il épouse la petite-fille de Sapojnikov.En 1908, la revue Starye gody (Старые годы) organise la première exposition publique du tableau. À cette occasion, le conservateur de l’Académie impériale de peinture de Saint-Pétersbourg, Ernst Friedrich von Liphart (en), est le premier à l’attribuer à Léonard de Vinci : « J’ai le courage de mon opinion malgré le tollé que soulèvera cette attribution. Le tableau n’est pas plaisant à première vue, j’en conviens ; mais étudiez-le et vous vous laisserez gagner peu à peu par le charme mystérieux de cette œuvre de jeunesse, toute modeste, de celui qui fut plus tard le grand, l’unique Léonard ». Le père d’Ernst, Karl Eduard von Liphart (en), fut en son temps l’un des plus grands spécialistes de Léonard : c’est lui qui identifia L'Annonciation.Léon Benois vend le tableau en 1914 au musée impérial de l'Ermitage.Cette composition de Léonard a largement été copiée par de jeunes peintres, notamment par Raphaël pour son tableau La Madone aux œillets, acquis en 2004 par la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Dans Madonna_Benois, comment est discutée la Histoire?

Il est probable que la Madonna Benois ait été le premier travail exécuté par Léonard comme peintre indépendant de son maître Andrea del Verrocchio. Il existe deux études préparatoires de ce tableau, conservées au British Museum (Londres).Durant des siècles, le tableau a été considéré comme perdu. C’est seulement en 1909 que l’architecte Léon Benois l’a sensationnellement exposé à Saint-Pétersbourg, avec une partie de la collection de son beau-père.Vers 1790, la Madonna Benois est en possession du général Alexandre Rimski-Korsakov et elle quitte l’Italie pour la Russie. À la mort du général, son fils vend le tableau pour 1 400 roubles à un certain Sapojnikov, un marchand originaire d’Astrakhan. Léon Benois (qui donne son nom au tableau) en devient le propriétaire lorsqu’il épouse la petite-fille de Sapojnikov.En 1908, la revue Starye gody (Старые годы) organise la première exposition publique du tableau. À cette occasion, le conservateur de l’Académie impériale de peinture de Saint-Pétersbourg, Ernst Friedrich von Liphart (en), est le premier à l’attribuer à Léonard de Vinci : « J’ai le courage de mon opinion malgré le tollé que soulèvera cette attribution. Le tableau n’est pas plaisant à première vue, j’en conviens ; mais étudiez-le et vous vous laisserez gagner peu à peu par le charme mystérieux de cette œuvre de jeunesse, toute modeste, de celui qui fut plus tard le grand, l’unique Léonard ». Le père d’Ernst, Karl Eduard von Liphart (en), fut en son temps l’un des plus grands spécialistes de Léonard : c’est lui qui identifia L'Annonciation.Léon Benois vend le tableau en 1914 au musée impérial de l'Ermitage.Cette composition de Léonard a largement été copiée par de jeunes peintres, notamment par Raphaël pour son tableau La Madone aux œillets, acquis en 2004 par la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Concentrez-vous sur Madonna_Benois et expliquez la Composition.

L’accumulation des vernis sur le tableau a pu donner l’impression que la Vierge est édentée. Une observation rigoureuse de sa bouche cependant montre au moins quatre séparations (traits noirs) sous la lèvre supérieure. Le tableau ne semble pas pour autant achevé : des parties du vêtement paraissent ainsi être à l’état de sous-couches. Qui plus est, certains endroits du tableau ont été repeints : le ciel que l’on voit par la fenêtre, le tour de la bouche, le cou de la Vierge ainsi que le fond noir.Les deux personnages, Marie et Jésus, sont positionnés sur la toile de manière que le centre de la composition soit la fleur avec laquelle ils jouent.Une des sources de lumière provient d’une fenêtre disposée à droite, visible dans le fond du tableau.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Expliquer la Composition de cette œuvre d'art, Madonna_Benois.

L’accumulation des vernis sur le tableau a pu donner l’impression que la Vierge est édentée. Une observation rigoureuse de sa bouche cependant montre au moins quatre séparations (traits noirs) sous la lèvre supérieure. Le tableau ne semble pas pour autant achevé : des parties du vêtement paraissent ainsi être à l’état de sous-couches. Qui plus est, certains endroits du tableau ont été repeints : le ciel que l’on voit par la fenêtre, le tour de la bouche, le cou de la Vierge ainsi que le fond noir.Les deux personnages, Marie et Jésus, sont positionnés sur la toile de manière que le centre de la composition soit la fleur avec laquelle ils jouent.Une des sources de lumière provient d’une fenêtre disposée à droite, visible dans le fond du tableau.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Comment Madonna_Benois explique-t-il sa Composition?

L’accumulation des vernis sur le tableau a pu donner l’impression que la Vierge est édentée. Une observation rigoureuse de sa bouche cependant montre au moins quatre séparations (traits noirs) sous la lèvre supérieure. Le tableau ne semble pas pour autant achevé : des parties du vêtement paraissent ainsi être à l’état de sous-couches. Qui plus est, certains endroits du tableau ont été repeints : le ciel que l’on voit par la fenêtre, le tour de la bouche, le cou de la Vierge ainsi que le fond noir.Les deux personnages, Marie et Jésus, sont positionnés sur la toile de manière que le centre de la composition soit la fleur avec laquelle ils jouent.Une des sources de lumière provient d’une fenêtre disposée à droite, visible dans le fond du tableau.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Dans Madonna_Benois, comment est discutée la Composition?

L’accumulation des vernis sur le tableau a pu donner l’impression que la Vierge est édentée. Une observation rigoureuse de sa bouche cependant montre au moins quatre séparations (traits noirs) sous la lèvre supérieure. Le tableau ne semble pas pour autant achevé : des parties du vêtement paraissent ainsi être à l’état de sous-couches. Qui plus est, certains endroits du tableau ont été repeints : le ciel que l’on voit par la fenêtre, le tour de la bouche, le cou de la Vierge ainsi que le fond noir.Les deux personnages, Marie et Jésus, sont positionnés sur la toile de manière que le centre de la composition soit la fleur avec laquelle ils jouent.Une des sources de lumière provient d’une fenêtre disposée à droite, visible dans le fond du tableau.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Concentrez-vous sur Madonna_Benois et expliquez la Analyse.

Selon certains historiens de l’art, les deux fleurs blanches cruciformes tendues par Marie à l'Enfant seraient une allégorie de la future crucifixion de Jésus.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Madonna_Benois.

Selon certains historiens de l’art, les deux fleurs blanches cruciformes tendues par Marie à l'Enfant seraient une allégorie de la future crucifixion de Jésus.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Comment Madonna_Benois explique-t-il sa Analyse?

Selon certains historiens de l’art, les deux fleurs blanches cruciformes tendues par Marie à l'Enfant seraient une allégorie de la future crucifixion de Jésus.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


Madonna_Benois

Prompt: Dans Madonna_Benois, comment est discutée la Analyse?

Selon certains historiens de l’art, les deux fleurs blanches cruciformes tendues par Marie à l'Enfant seraient une allégorie de la future crucifixion de Jésus.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_l'avare et expliquez la abstract.

La Mort de l'avare, dénommée également La Mort et la Misère, est une œuvre du peintre néerlandais Jérôme Bosch réalisée vers 1500-1510. Elle est actuellement exposée à la National Gallery of Art de Washington.  L’œuvre est le panneau droit d'un triptyque, aujourd'hui divisé, le Triptyque du vagabond. Les autres panneaux du triptyque sont La Nef des fous et Allégorie de la débauche et du plaisir.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Mort_de_l'avare.

La Mort de l'avare, dénommée également La Mort et la Misère, est une œuvre du peintre néerlandais Jérôme Bosch réalisée vers 1500-1510. Elle est actuellement exposée à la National Gallery of Art de Washington.  L’œuvre est le panneau droit d'un triptyque, aujourd'hui divisé, le Triptyque du vagabond. Les autres panneaux du triptyque sont La Nef des fous et Allégorie de la débauche et du plaisir.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Comment La_Mort_de_l'avare explique-t-il sa abstract?

La Mort de l'avare, dénommée également La Mort et la Misère, est une œuvre du peintre néerlandais Jérôme Bosch réalisée vers 1500-1510. Elle est actuellement exposée à la National Gallery of Art de Washington.  L’œuvre est le panneau droit d'un triptyque, aujourd'hui divisé, le Triptyque du vagabond. Les autres panneaux du triptyque sont La Nef des fous et Allégorie de la débauche et du plaisir.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Dans La_Mort_de_l'avare, comment est discutée la abstract?

La Mort de l'avare, dénommée également La Mort et la Misère, est une œuvre du peintre néerlandais Jérôme Bosch réalisée vers 1500-1510. Elle est actuellement exposée à la National Gallery of Art de Washington.  L’œuvre est le panneau droit d'un triptyque, aujourd'hui divisé, le Triptyque du vagabond. Les autres panneaux du triptyque sont La Nef des fous et Allégorie de la débauche et du plaisir.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_l'avare et expliquez la Contexte.

La Mort de l'avare à la tradition de memento mori, œuvres qui rappellent au spectateur le caractère inévitable de la mort. Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. La mort approchant, l'avare, incapable de résister aux tentations du monde, tend la main en direction d'un sac d'or que lui offre un démon y compris quand un ange lui montre la direction d'un crucifix à partir duquel descend un mince faisceau de lumière blanche.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Expliquer la Contexte de cette œuvre d'art, La_Mort_de_l'avare.

La Mort de l'avare à la tradition de memento mori, œuvres qui rappellent au spectateur le caractère inévitable de la mort. Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. La mort approchant, l'avare, incapable de résister aux tentations du monde, tend la main en direction d'un sac d'or que lui offre un démon y compris quand un ange lui montre la direction d'un crucifix à partir duquel descend un mince faisceau de lumière blanche.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Comment La_Mort_de_l'avare explique-t-il sa Contexte?

La Mort de l'avare à la tradition de memento mori, œuvres qui rappellent au spectateur le caractère inévitable de la mort. Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. La mort approchant, l'avare, incapable de résister aux tentations du monde, tend la main en direction d'un sac d'or que lui offre un démon y compris quand un ange lui montre la direction d'un crucifix à partir duquel descend un mince faisceau de lumière blanche.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Dans La_Mort_de_l'avare, comment est discutée la Contexte?

La Mort de l'avare à la tradition de memento mori, œuvres qui rappellent au spectateur le caractère inévitable de la mort. Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. La mort approchant, l'avare, incapable de résister aux tentations du monde, tend la main en direction d'un sac d'or que lui offre un démon y compris quand un ange lui montre la direction d'un crucifix à partir duquel descend un mince faisceau de lumière blanche.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_l'avare et expliquez la Description.

Le tableau contient des références à des modes de vie dichotomiques. Un crucifix est fixé sur la seule fenêtre de la chambre. Un faisceau de lumière illumine la pièce, plongée dans l'obscurité. Un démon tenant un braise est présent au-dessus du lit et se penche sur le mourant, attendant son heure. La mort est revêtue des habits flottants qui peuvent être une allusion subtile à la tunique d'une prostituée. Elle tient dans sa main une flèche avec laquelle elle vise l'entre-jambe de l'avare, ce qui indique que le mourant souffre d'une maladie vénérienne, qui elle-même peut être associée à l'amour des plaisirs terrestres.Au premier plan, Bosch représente peut-être l'avare, comme il était auparavant, en pleine santé, accumulant l'or dans un coffre tout en serrant son chapelet dans ses mains. Des symboles de la puissance terrestres tels qu'un casque, une épée et un bouclier font allusion aux folies terrestres - et font allusion au statut social de cet homme pendant sa vie, bien que pour le combat final qu'il ait à mener, il soit nu, sans armes ni armure. La représentation de natures mortes pour symboliser la vanité, le caractère éphémère, ou la pourriture allait devenir un genre en soi au XVIIe siècle parmi les artistes flamands,.Que l'avare accède ou non, dans ses derniers moments, au salut que lui propose le Christ ou qu'il s'accroche à ses richesses matérielles, est laissé en suspens.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Mort_de_l'avare.

Le tableau contient des références à des modes de vie dichotomiques. Un crucifix est fixé sur la seule fenêtre de la chambre. Un faisceau de lumière illumine la pièce, plongée dans l'obscurité. Un démon tenant un braise est présent au-dessus du lit et se penche sur le mourant, attendant son heure. La mort est revêtue des habits flottants qui peuvent être une allusion subtile à la tunique d'une prostituée. Elle tient dans sa main une flèche avec laquelle elle vise l'entre-jambe de l'avare, ce qui indique que le mourant souffre d'une maladie vénérienne, qui elle-même peut être associée à l'amour des plaisirs terrestres.Au premier plan, Bosch représente peut-être l'avare, comme il était auparavant, en pleine santé, accumulant l'or dans un coffre tout en serrant son chapelet dans ses mains. Des symboles de la puissance terrestres tels qu'un casque, une épée et un bouclier font allusion aux folies terrestres - et font allusion au statut social de cet homme pendant sa vie, bien que pour le combat final qu'il ait à mener, il soit nu, sans armes ni armure. La représentation de natures mortes pour symboliser la vanité, le caractère éphémère, ou la pourriture allait devenir un genre en soi au XVIIe siècle parmi les artistes flamands,.Que l'avare accède ou non, dans ses derniers moments, au salut que lui propose le Christ ou qu'il s'accroche à ses richesses matérielles, est laissé en suspens.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Comment La_Mort_de_l'avare explique-t-il sa Description?

Le tableau contient des références à des modes de vie dichotomiques. Un crucifix est fixé sur la seule fenêtre de la chambre. Un faisceau de lumière illumine la pièce, plongée dans l'obscurité. Un démon tenant un braise est présent au-dessus du lit et se penche sur le mourant, attendant son heure. La mort est revêtue des habits flottants qui peuvent être une allusion subtile à la tunique d'une prostituée. Elle tient dans sa main une flèche avec laquelle elle vise l'entre-jambe de l'avare, ce qui indique que le mourant souffre d'une maladie vénérienne, qui elle-même peut être associée à l'amour des plaisirs terrestres.Au premier plan, Bosch représente peut-être l'avare, comme il était auparavant, en pleine santé, accumulant l'or dans un coffre tout en serrant son chapelet dans ses mains. Des symboles de la puissance terrestres tels qu'un casque, une épée et un bouclier font allusion aux folies terrestres - et font allusion au statut social de cet homme pendant sa vie, bien que pour le combat final qu'il ait à mener, il soit nu, sans armes ni armure. La représentation de natures mortes pour symboliser la vanité, le caractère éphémère, ou la pourriture allait devenir un genre en soi au XVIIe siècle parmi les artistes flamands,.Que l'avare accède ou non, dans ses derniers moments, au salut que lui propose le Christ ou qu'il s'accroche à ses richesses matérielles, est laissé en suspens.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Dans La_Mort_de_l'avare, comment est discutée la Description?

Le tableau contient des références à des modes de vie dichotomiques. Un crucifix est fixé sur la seule fenêtre de la chambre. Un faisceau de lumière illumine la pièce, plongée dans l'obscurité. Un démon tenant un braise est présent au-dessus du lit et se penche sur le mourant, attendant son heure. La mort est revêtue des habits flottants qui peuvent être une allusion subtile à la tunique d'une prostituée. Elle tient dans sa main une flèche avec laquelle elle vise l'entre-jambe de l'avare, ce qui indique que le mourant souffre d'une maladie vénérienne, qui elle-même peut être associée à l'amour des plaisirs terrestres.Au premier plan, Bosch représente peut-être l'avare, comme il était auparavant, en pleine santé, accumulant l'or dans un coffre tout en serrant son chapelet dans ses mains. Des symboles de la puissance terrestres tels qu'un casque, une épée et un bouclier font allusion aux folies terrestres - et font allusion au statut social de cet homme pendant sa vie, bien que pour le combat final qu'il ait à mener, il soit nu, sans armes ni armure. La représentation de natures mortes pour symboliser la vanité, le caractère éphémère, ou la pourriture allait devenir un genre en soi au XVIIe siècle parmi les artistes flamands,.Que l'avare accède ou non, dans ses derniers moments, au salut que lui propose le Christ ou qu'il s'accroche à ses richesses matérielles, est laissé en suspens.

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_l'avare et expliquez la Sources et bibliographie.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Death and the Miser » (voir la liste des auteurs).

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Expliquer la Sources et bibliographie de cette œuvre d'art, La_Mort_de_l'avare.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Death and the Miser » (voir la liste des auteurs).

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Comment La_Mort_de_l'avare explique-t-il sa Sources et bibliographie?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Death and the Miser » (voir la liste des auteurs).

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


La_Mort_de_l'avare

Prompt: Dans La_Mort_de_l'avare, comment est discutée la Sources et bibliographie?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Death and the Miser » (voir la liste des auteurs).

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art


Luxe,_calme_et_volupté

Prompt: Concentrez-vous sur Luxe,_calme_et_volupté et expliquez la abstract.

Luxe, calme et volupté est une peinture de l'artiste français Henri Matisse, réalisée en 1904 avec la technique du divisionnisme.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre d'Henri Matisse au musée national d'Art moderne


Luxe,_calme_et_volupté

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Luxe,_calme_et_volupté.

Luxe, calme et volupté est une peinture de l'artiste français Henri Matisse, réalisée en 1904 avec la technique du divisionnisme.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre d'Henri Matisse au musée national d'Art moderne


Luxe,_calme_et_volupté

Prompt: Comment Luxe,_calme_et_volupté explique-t-il sa abstract?

Luxe, calme et volupté est une peinture de l'artiste français Henri Matisse, réalisée en 1904 avec la technique du divisionnisme.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre d'Henri Matisse au musée national d'Art moderne


Luxe,_calme_et_volupté

Prompt: Dans Luxe,_calme_et_volupté, comment est discutée la abstract?

Luxe, calme et volupté est une peinture de l'artiste français Henri Matisse, réalisée en 1904 avec la technique du divisionnisme.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre d'Henri Matisse au musée national d'Art moderne


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Concentrez-vous sur Sarcophage_d'Alexandre et expliquez la abstract.

Le sarcophage d'Alexandre (plus exactement : le sarcophage dit « d'Alexandre ») est un sarcophage hellénistique en marbre de la fin du IVe siècle av. J.-C. provenant de la nécropole de Sidon, au Liban. Il est orné de sculptures en bas-relief représentant Alexandre le Grand et de récits historiques et mythologiques. L'œuvre, remarquablement bien conservée, est connue pour ses vestiges de polychromie. Le sarcophage fait actuellement partie du fonds du Musée d'archéologie d'Istanbul.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Sarcophage_d'Alexandre.

Le sarcophage d'Alexandre (plus exactement : le sarcophage dit « d'Alexandre ») est un sarcophage hellénistique en marbre de la fin du IVe siècle av. J.-C. provenant de la nécropole de Sidon, au Liban. Il est orné de sculptures en bas-relief représentant Alexandre le Grand et de récits historiques et mythologiques. L'œuvre, remarquablement bien conservée, est connue pour ses vestiges de polychromie. Le sarcophage fait actuellement partie du fonds du Musée d'archéologie d'Istanbul.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Comment Sarcophage_d'Alexandre explique-t-il sa abstract?

Le sarcophage d'Alexandre (plus exactement : le sarcophage dit « d'Alexandre ») est un sarcophage hellénistique en marbre de la fin du IVe siècle av. J.-C. provenant de la nécropole de Sidon, au Liban. Il est orné de sculptures en bas-relief représentant Alexandre le Grand et de récits historiques et mythologiques. L'œuvre, remarquablement bien conservée, est connue pour ses vestiges de polychromie. Le sarcophage fait actuellement partie du fonds du Musée d'archéologie d'Istanbul.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Dans Sarcophage_d'Alexandre, comment est discutée la abstract?

Le sarcophage d'Alexandre (plus exactement : le sarcophage dit « d'Alexandre ») est un sarcophage hellénistique en marbre de la fin du IVe siècle av. J.-C. provenant de la nécropole de Sidon, au Liban. Il est orné de sculptures en bas-relief représentant Alexandre le Grand et de récits historiques et mythologiques. L'œuvre, remarquablement bien conservée, est connue pour ses vestiges de polychromie. Le sarcophage fait actuellement partie du fonds du Musée d'archéologie d'Istanbul.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Concentrez-vous sur Sarcophage_d'Alexandre et expliquez la Découverte.

Le sarcophage d'Alexandre a été trouvé dans une nécropole souterraine divisée en deux hypogées, comprenant un temple souterrain et un tombeau composé de plusieurs pièces. Le site, qui a probablement tenu lieu de nécropole royale, fournit des indications sur le titulaire possible de ce sarcophage. Il fait partie d'un ensemble de quatre sarcophages sculptés massifs disposés en deux paires, découverts lors des fouilles menées en 1887 dans la nécropole d'Ayaa, près de Sidon (Saïda), au Liban, par les archéologues ottomans Osman Hamdi Bey et Yervant Voskan (en).

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Expliquer la Découverte de cette œuvre d'art, Sarcophage_d'Alexandre.

Le sarcophage d'Alexandre a été trouvé dans une nécropole souterraine divisée en deux hypogées, comprenant un temple souterrain et un tombeau composé de plusieurs pièces. Le site, qui a probablement tenu lieu de nécropole royale, fournit des indications sur le titulaire possible de ce sarcophage. Il fait partie d'un ensemble de quatre sarcophages sculptés massifs disposés en deux paires, découverts lors des fouilles menées en 1887 dans la nécropole d'Ayaa, près de Sidon (Saïda), au Liban, par les archéologues ottomans Osman Hamdi Bey et Yervant Voskan (en).

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Comment Sarcophage_d'Alexandre explique-t-il sa Découverte?

Le sarcophage d'Alexandre a été trouvé dans une nécropole souterraine divisée en deux hypogées, comprenant un temple souterrain et un tombeau composé de plusieurs pièces. Le site, qui a probablement tenu lieu de nécropole royale, fournit des indications sur le titulaire possible de ce sarcophage. Il fait partie d'un ensemble de quatre sarcophages sculptés massifs disposés en deux paires, découverts lors des fouilles menées en 1887 dans la nécropole d'Ayaa, près de Sidon (Saïda), au Liban, par les archéologues ottomans Osman Hamdi Bey et Yervant Voskan (en).

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Dans Sarcophage_d'Alexandre, comment est discutée la Découverte?

Le sarcophage d'Alexandre a été trouvé dans une nécropole souterraine divisée en deux hypogées, comprenant un temple souterrain et un tombeau composé de plusieurs pièces. Le site, qui a probablement tenu lieu de nécropole royale, fournit des indications sur le titulaire possible de ce sarcophage. Il fait partie d'un ensemble de quatre sarcophages sculptés massifs disposés en deux paires, découverts lors des fouilles menées en 1887 dans la nécropole d'Ayaa, près de Sidon (Saïda), au Liban, par les archéologues ottomans Osman Hamdi Bey et Yervant Voskan (en).

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

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Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Concentrez-vous sur Sarcophage_d'Alexandre et expliquez la Description.

Le sarcophage, en marbre du Pentélique, conserve des traces claires et identifiables de sa polychromie. Il a la forme générale et les proportions d'un temple grec en réduction. Il est décoré de hauts reliefs représentant une scène de bataille et une scène de chasse au lion.Les sculptures de l'un des longs côtés représentent Alexandre combattant les Perses à la bataille d'Issos. Volkmar von Graeve, comparant cette représentation à celle de la célèbre mosaïque d'Alexandre découverte à Pompéi, conclut que l'iconographie des deux œuvres dérive d'un original commun, une peinture perdue de Philoxène d'Érétrie. Alexandre est représenté monté, portant une peau de lion sur la tête et se préparant à lancer une lance sur la cavalerie perse. Certains chercheurs pensent qu'une deuxième figure macédonienne à cheval près du centre représente Héphestion, le vieil ami proche d'Alexandre. Une troisième figure macédonienne à cheval est souvent identifiée comme Perdiccas.Le long côté opposé montre Alexandre et les Macédoniens chassant les lions avec Abdalonymos et les Perses.Les courtes scènes des deux façades dirigent le regard vers la mythique chasse au lion : l'une représente Abdalonymos chassant une panthère ; l'autre extrémité dépeint une bataille, peut-être la bataille de Gaza, auquel cas le fronton situé au-dessus de cette scène montrerait le meurtre de Perdiccas. L'autre fronton, sur le couvercle, montre Abdalonymos au combat.Ce sarcophage était celui du roi Abdalonymos, dernier roi de Sidon, en Phénicie. Il avait été placé sur le trône par Alexandre, aussi lui rend-il hommage à travers son sarcophage.La scène de bataille est un hommage à Alexandre le Grand, toujours glorieux et victorieux. Il est représenté à gauche de la scène, coiffé d'une peau de lion qui se termine par une corne de bélier. Son regard est très perçant : Alexandre est représenté ici comme un dieu. Il se disait fils de Zeus Ammon, dont l'emblème était la corne de bélier. Au centre de la scène est représenté, à cheval, le roi Abdalonymos. Cette scène de bataille illustre les combats des Grecs contre les Perses qu'on reconnait grâce à leur tenue : ils portent un pantalon et sont coiffés d'un turban.La scène de chasse, où Alexandre et Abdalonymos chassent le lion avec les Perses, est le symbole de la paix apportée par Alexandre.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Sarcophage_d'Alexandre.

Le sarcophage, en marbre du Pentélique, conserve des traces claires et identifiables de sa polychromie. Il a la forme générale et les proportions d'un temple grec en réduction. Il est décoré de hauts reliefs représentant une scène de bataille et une scène de chasse au lion.Les sculptures de l'un des longs côtés représentent Alexandre combattant les Perses à la bataille d'Issos. Volkmar von Graeve, comparant cette représentation à celle de la célèbre mosaïque d'Alexandre découverte à Pompéi, conclut que l'iconographie des deux œuvres dérive d'un original commun, une peinture perdue de Philoxène d'Érétrie. Alexandre est représenté monté, portant une peau de lion sur la tête et se préparant à lancer une lance sur la cavalerie perse. Certains chercheurs pensent qu'une deuxième figure macédonienne à cheval près du centre représente Héphestion, le vieil ami proche d'Alexandre. Une troisième figure macédonienne à cheval est souvent identifiée comme Perdiccas.Le long côté opposé montre Alexandre et les Macédoniens chassant les lions avec Abdalonymos et les Perses.Les courtes scènes des deux façades dirigent le regard vers la mythique chasse au lion : l'une représente Abdalonymos chassant une panthère ; l'autre extrémité dépeint une bataille, peut-être la bataille de Gaza, auquel cas le fronton situé au-dessus de cette scène montrerait le meurtre de Perdiccas. L'autre fronton, sur le couvercle, montre Abdalonymos au combat.Ce sarcophage était celui du roi Abdalonymos, dernier roi de Sidon, en Phénicie. Il avait été placé sur le trône par Alexandre, aussi lui rend-il hommage à travers son sarcophage.La scène de bataille est un hommage à Alexandre le Grand, toujours glorieux et victorieux. Il est représenté à gauche de la scène, coiffé d'une peau de lion qui se termine par une corne de bélier. Son regard est très perçant : Alexandre est représenté ici comme un dieu. Il se disait fils de Zeus Ammon, dont l'emblème était la corne de bélier. Au centre de la scène est représenté, à cheval, le roi Abdalonymos. Cette scène de bataille illustre les combats des Grecs contre les Perses qu'on reconnait grâce à leur tenue : ils portent un pantalon et sont coiffés d'un turban.La scène de chasse, où Alexandre et Abdalonymos chassent le lion avec les Perses, est le symbole de la paix apportée par Alexandre.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Comment Sarcophage_d'Alexandre explique-t-il sa Description?

Le sarcophage, en marbre du Pentélique, conserve des traces claires et identifiables de sa polychromie. Il a la forme générale et les proportions d'un temple grec en réduction. Il est décoré de hauts reliefs représentant une scène de bataille et une scène de chasse au lion.Les sculptures de l'un des longs côtés représentent Alexandre combattant les Perses à la bataille d'Issos. Volkmar von Graeve, comparant cette représentation à celle de la célèbre mosaïque d'Alexandre découverte à Pompéi, conclut que l'iconographie des deux œuvres dérive d'un original commun, une peinture perdue de Philoxène d'Érétrie. Alexandre est représenté monté, portant une peau de lion sur la tête et se préparant à lancer une lance sur la cavalerie perse. Certains chercheurs pensent qu'une deuxième figure macédonienne à cheval près du centre représente Héphestion, le vieil ami proche d'Alexandre. Une troisième figure macédonienne à cheval est souvent identifiée comme Perdiccas.Le long côté opposé montre Alexandre et les Macédoniens chassant les lions avec Abdalonymos et les Perses.Les courtes scènes des deux façades dirigent le regard vers la mythique chasse au lion : l'une représente Abdalonymos chassant une panthère ; l'autre extrémité dépeint une bataille, peut-être la bataille de Gaza, auquel cas le fronton situé au-dessus de cette scène montrerait le meurtre de Perdiccas. L'autre fronton, sur le couvercle, montre Abdalonymos au combat.Ce sarcophage était celui du roi Abdalonymos, dernier roi de Sidon, en Phénicie. Il avait été placé sur le trône par Alexandre, aussi lui rend-il hommage à travers son sarcophage.La scène de bataille est un hommage à Alexandre le Grand, toujours glorieux et victorieux. Il est représenté à gauche de la scène, coiffé d'une peau de lion qui se termine par une corne de bélier. Son regard est très perçant : Alexandre est représenté ici comme un dieu. Il se disait fils de Zeus Ammon, dont l'emblème était la corne de bélier. Au centre de la scène est représenté, à cheval, le roi Abdalonymos. Cette scène de bataille illustre les combats des Grecs contre les Perses qu'on reconnait grâce à leur tenue : ils portent un pantalon et sont coiffés d'un turban.La scène de chasse, où Alexandre et Abdalonymos chassent le lion avec les Perses, est le symbole de la paix apportée par Alexandre.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Sarcophage_d'Alexandre

Prompt: Dans Sarcophage_d'Alexandre, comment est discutée la Description?

Le sarcophage, en marbre du Pentélique, conserve des traces claires et identifiables de sa polychromie. Il a la forme générale et les proportions d'un temple grec en réduction. Il est décoré de hauts reliefs représentant une scène de bataille et une scène de chasse au lion.Les sculptures de l'un des longs côtés représentent Alexandre combattant les Perses à la bataille d'Issos. Volkmar von Graeve, comparant cette représentation à celle de la célèbre mosaïque d'Alexandre découverte à Pompéi, conclut que l'iconographie des deux œuvres dérive d'un original commun, une peinture perdue de Philoxène d'Érétrie. Alexandre est représenté monté, portant une peau de lion sur la tête et se préparant à lancer une lance sur la cavalerie perse. Certains chercheurs pensent qu'une deuxième figure macédonienne à cheval près du centre représente Héphestion, le vieil ami proche d'Alexandre. Une troisième figure macédonienne à cheval est souvent identifiée comme Perdiccas.Le long côté opposé montre Alexandre et les Macédoniens chassant les lions avec Abdalonymos et les Perses.Les courtes scènes des deux façades dirigent le regard vers la mythique chasse au lion : l'une représente Abdalonymos chassant une panthère ; l'autre extrémité dépeint une bataille, peut-être la bataille de Gaza, auquel cas le fronton situé au-dessus de cette scène montrerait le meurtre de Perdiccas. L'autre fronton, sur le couvercle, montre Abdalonymos au combat.Ce sarcophage était celui du roi Abdalonymos, dernier roi de Sidon, en Phénicie. Il avait été placé sur le trône par Alexandre, aussi lui rend-il hommage à travers son sarcophage.La scène de bataille est un hommage à Alexandre le Grand, toujours glorieux et victorieux. Il est représenté à gauche de la scène, coiffé d'une peau de lion qui se termine par une corne de bélier. Son regard est très perçant : Alexandre est représenté ici comme un dieu. Il se disait fils de Zeus Ammon, dont l'emblème était la corne de bélier. Au centre de la scène est représenté, à cheval, le roi Abdalonymos. Cette scène de bataille illustre les combats des Grecs contre les Perses qu'on reconnait grâce à leur tenue : ils portent un pantalon et sont coiffés d'un turban.La scène de chasse, où Alexandre et Abdalonymos chassent le lion avec les Perses, est le symbole de la paix apportée par Alexandre.

Coupe transversale de la nécropole d'Ayaa. Le sarcophage d'Alexandre est au milieu en bas.

Image:Alexander Sarcophagus, Istanbul Archaeological Museums 2024 (1).jpg


Prompt: Concentrez-vous sur Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire et expliquez la abstract.

Philosophe faisant un exposé sur le planétaire, ou Philosophe faisant un exposé sur le planétaire dans lequel le soleil est remplacé par une lampe (A Philosopher giving a Lecture on the Orrery in which a lamp is put in place of the Sun) de son nom complet, est un tableau du Britannique Joseph Wright of Derby, exposé pour la première fois en 1766. Il montre un conférencier faisant la démonstration d'un planétaire devant une assistance restreinte. La toile, aujourd'hui conservée au Derby Museum and Art Gallery de Derby, précède dans le temps Expérience sur un oiseau dans la pompe à air, sur un thème similaire.

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire.

Philosophe faisant un exposé sur le planétaire, ou Philosophe faisant un exposé sur le planétaire dans lequel le soleil est remplacé par une lampe (A Philosopher giving a Lecture on the Orrery in which a lamp is put in place of the Sun) de son nom complet, est un tableau du Britannique Joseph Wright of Derby, exposé pour la première fois en 1766. Il montre un conférencier faisant la démonstration d'un planétaire devant une assistance restreinte. La toile, aujourd'hui conservée au Derby Museum and Art Gallery de Derby, précède dans le temps Expérience sur un oiseau dans la pompe à air, sur un thème similaire.

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Comment Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire explique-t-il sa abstract?

Philosophe faisant un exposé sur le planétaire, ou Philosophe faisant un exposé sur le planétaire dans lequel le soleil est remplacé par une lampe (A Philosopher giving a Lecture on the Orrery in which a lamp is put in place of the Sun) de son nom complet, est un tableau du Britannique Joseph Wright of Derby, exposé pour la première fois en 1766. Il montre un conférencier faisant la démonstration d'un planétaire devant une assistance restreinte. La toile, aujourd'hui conservée au Derby Museum and Art Gallery de Derby, précède dans le temps Expérience sur un oiseau dans la pompe à air, sur un thème similaire.

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Dans Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire, comment est discutée la abstract?

Philosophe faisant un exposé sur le planétaire, ou Philosophe faisant un exposé sur le planétaire dans lequel le soleil est remplacé par une lampe (A Philosopher giving a Lecture on the Orrery in which a lamp is put in place of the Sun) de son nom complet, est un tableau du Britannique Joseph Wright of Derby, exposé pour la première fois en 1766. Il montre un conférencier faisant la démonstration d'un planétaire devant une assistance restreinte. La toile, aujourd'hui conservée au Derby Museum and Art Gallery de Derby, précède dans le temps Expérience sur un oiseau dans la pompe à air, sur un thème similaire.

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Concentrez-vous sur Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire et expliquez la Description.

Le premier des chefs-d'œuvre du clair-obscur de Wright, Trois personnes observant le Gladiateur à la lumière d'une bougie, peint en 1765, montrait trois hommes étudiant une copie en réduction du Gladiateur Borghèse. Ce tableau fut grandement admiré, mais le suivant, Le planétaire, provoqua plus de remous car il remplaçait le sujet classique, au centre de la toile, par une scène de nature scientifique. Sa peinture de la crainte révérencielle suscitée par les « miracles » de la science marquait une rupture vis-à-vis de la tradition où la représentation artistique d'un tel émoi était réservée aux événements religieux, alors que pour Wright les merveilles de la technologie pouvaient inspirer la même émotion respectueuse que les sujets des grands tableaux religieux. Dans les deux œuvres l'éclairage à la chandelle a une justification réaliste. Observer une sculpture sous une telle lumière, qui met en valeur les contours et dont le scintillement peut même donner l'impression du mouvement, était une pratique à la mode, décrite par Goethe. Dans la présentation du planétaire, les ombres projetées par la lampe qui représentait le soleil étaient un élément essentiel de la démonstration. Mais il ne semble pas y avoir eu d'autre raison que la recherche de la tension dramatique pour placer l'expérience de la pompe à air dans une pièce éclairée par une seule bougie et, dans deux peintures ultérieures du même sujet par van Loo, l'éclairage est normal.Le tableau fait partie d'un ensemble d'œuvres britanniques qui ont remis en cause le jeu rigide des catégories de la hiérarchie des genres d'inspiration française, en cette fin du XVIIIe siècle où d'autres thèmes aspiraient à être traités avec le même sérieux que la peinture d'histoire de sujets classiques ou mythologiques en costumes. Sous certains aspects, le Planétaire comme la Pompe à air ressemblent aux conversation pieces, qui étaient alors largement un genre de portrait bourgeois, avant qu'à partir de 1766 Johann Zoffany ne leur donne un nouveau statut en peignant la famille royale. Toutefois, de par leur atmosphère solennelle et étant donné qu'aucun des personnages ne semble devoir être compris comme un portrait (même quand il est possible d'en identifier les modèles), ces tableaux ne peuvent être considérés comme des conversation pieces. L'historien de l'art Ellis Waterhouse compare ces deux œuvres au « genre sérieux » du théâtre français de la même époque, tel que l'ont défini Diderot et Beaumarchais, rapprochement que soutient Egerton.Un compte rendu anonyme de l'époque a qualifié Wright de « très grand et rare génie dans un genre particulier ». Le Planétaire fut peint sans commande, probablement dans l'espoir qu'il serait acheté par Washington Shirley, 5e comte Ferrers et astronome amateur, qui possédait lui-même un planétaire et avec lequel l'ami de Wright, Peter Perez Burdett, séjournait dans le Derbyshire. Des personnages supposés avoir pour modèles Burdett et Ferrers figurent dans le tableau, le premier prenant des notes et le second assis avec son fils près du planétaire. Ferrers acheta le tableau pour deux cent dix livres sterling, mais Robert, le 6e comte, le revendit aux enchères. Il est maintenant détenu par le Derby Museum and Art Gallery, où il est en exposition permanente, non loin de la réplique en fonctionnement d'un grand planétaire mécanique.Un biographe de Wright, Benedict Nicolson, a soutenu en 1968 que John Whitehurst était le modèle du conférencier tandis qu'un autre commentateur a souligné la ressemblance du personnage avec un portrait d'Isaac Newton par Godfrey Kneller. Une observation attentive des visages du tableau révèle que chacun d'eux représente l'une ou l'autre des principales phases de la lune - nouvelle lune, quartier de lune, lune gibbeuse et pleine lune.

Expérience sur un oiseau dans la pompe à air

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire.

Le premier des chefs-d'œuvre du clair-obscur de Wright, Trois personnes observant le Gladiateur à la lumière d'une bougie, peint en 1765, montrait trois hommes étudiant une copie en réduction du Gladiateur Borghèse. Ce tableau fut grandement admiré, mais le suivant, Le planétaire, provoqua plus de remous car il remplaçait le sujet classique, au centre de la toile, par une scène de nature scientifique. Sa peinture de la crainte révérencielle suscitée par les « miracles » de la science marquait une rupture vis-à-vis de la tradition où la représentation artistique d'un tel émoi était réservée aux événements religieux, alors que pour Wright les merveilles de la technologie pouvaient inspirer la même émotion respectueuse que les sujets des grands tableaux religieux. Dans les deux œuvres l'éclairage à la chandelle a une justification réaliste. Observer une sculpture sous une telle lumière, qui met en valeur les contours et dont le scintillement peut même donner l'impression du mouvement, était une pratique à la mode, décrite par Goethe. Dans la présentation du planétaire, les ombres projetées par la lampe qui représentait le soleil étaient un élément essentiel de la démonstration. Mais il ne semble pas y avoir eu d'autre raison que la recherche de la tension dramatique pour placer l'expérience de la pompe à air dans une pièce éclairée par une seule bougie et, dans deux peintures ultérieures du même sujet par van Loo, l'éclairage est normal.Le tableau fait partie d'un ensemble d'œuvres britanniques qui ont remis en cause le jeu rigide des catégories de la hiérarchie des genres d'inspiration française, en cette fin du XVIIIe siècle où d'autres thèmes aspiraient à être traités avec le même sérieux que la peinture d'histoire de sujets classiques ou mythologiques en costumes. Sous certains aspects, le Planétaire comme la Pompe à air ressemblent aux conversation pieces, qui étaient alors largement un genre de portrait bourgeois, avant qu'à partir de 1766 Johann Zoffany ne leur donne un nouveau statut en peignant la famille royale. Toutefois, de par leur atmosphère solennelle et étant donné qu'aucun des personnages ne semble devoir être compris comme un portrait (même quand il est possible d'en identifier les modèles), ces tableaux ne peuvent être considérés comme des conversation pieces. L'historien de l'art Ellis Waterhouse compare ces deux œuvres au « genre sérieux » du théâtre français de la même époque, tel que l'ont défini Diderot et Beaumarchais, rapprochement que soutient Egerton.Un compte rendu anonyme de l'époque a qualifié Wright de « très grand et rare génie dans un genre particulier ». Le Planétaire fut peint sans commande, probablement dans l'espoir qu'il serait acheté par Washington Shirley, 5e comte Ferrers et astronome amateur, qui possédait lui-même un planétaire et avec lequel l'ami de Wright, Peter Perez Burdett, séjournait dans le Derbyshire. Des personnages supposés avoir pour modèles Burdett et Ferrers figurent dans le tableau, le premier prenant des notes et le second assis avec son fils près du planétaire. Ferrers acheta le tableau pour deux cent dix livres sterling, mais Robert, le 6e comte, le revendit aux enchères. Il est maintenant détenu par le Derby Museum and Art Gallery, où il est en exposition permanente, non loin de la réplique en fonctionnement d'un grand planétaire mécanique.Un biographe de Wright, Benedict Nicolson, a soutenu en 1968 que John Whitehurst était le modèle du conférencier tandis qu'un autre commentateur a souligné la ressemblance du personnage avec un portrait d'Isaac Newton par Godfrey Kneller. Une observation attentive des visages du tableau révèle que chacun d'eux représente l'une ou l'autre des principales phases de la lune - nouvelle lune, quartier de lune, lune gibbeuse et pleine lune.

Expérience sur un oiseau dans la pompe à air

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Comment Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire explique-t-il sa Description?

Le premier des chefs-d'œuvre du clair-obscur de Wright, Trois personnes observant le Gladiateur à la lumière d'une bougie, peint en 1765, montrait trois hommes étudiant une copie en réduction du Gladiateur Borghèse. Ce tableau fut grandement admiré, mais le suivant, Le planétaire, provoqua plus de remous car il remplaçait le sujet classique, au centre de la toile, par une scène de nature scientifique. Sa peinture de la crainte révérencielle suscitée par les « miracles » de la science marquait une rupture vis-à-vis de la tradition où la représentation artistique d'un tel émoi était réservée aux événements religieux, alors que pour Wright les merveilles de la technologie pouvaient inspirer la même émotion respectueuse que les sujets des grands tableaux religieux. Dans les deux œuvres l'éclairage à la chandelle a une justification réaliste. Observer une sculpture sous une telle lumière, qui met en valeur les contours et dont le scintillement peut même donner l'impression du mouvement, était une pratique à la mode, décrite par Goethe. Dans la présentation du planétaire, les ombres projetées par la lampe qui représentait le soleil étaient un élément essentiel de la démonstration. Mais il ne semble pas y avoir eu d'autre raison que la recherche de la tension dramatique pour placer l'expérience de la pompe à air dans une pièce éclairée par une seule bougie et, dans deux peintures ultérieures du même sujet par van Loo, l'éclairage est normal.Le tableau fait partie d'un ensemble d'œuvres britanniques qui ont remis en cause le jeu rigide des catégories de la hiérarchie des genres d'inspiration française, en cette fin du XVIIIe siècle où d'autres thèmes aspiraient à être traités avec le même sérieux que la peinture d'histoire de sujets classiques ou mythologiques en costumes. Sous certains aspects, le Planétaire comme la Pompe à air ressemblent aux conversation pieces, qui étaient alors largement un genre de portrait bourgeois, avant qu'à partir de 1766 Johann Zoffany ne leur donne un nouveau statut en peignant la famille royale. Toutefois, de par leur atmosphère solennelle et étant donné qu'aucun des personnages ne semble devoir être compris comme un portrait (même quand il est possible d'en identifier les modèles), ces tableaux ne peuvent être considérés comme des conversation pieces. L'historien de l'art Ellis Waterhouse compare ces deux œuvres au « genre sérieux » du théâtre français de la même époque, tel que l'ont défini Diderot et Beaumarchais, rapprochement que soutient Egerton.Un compte rendu anonyme de l'époque a qualifié Wright de « très grand et rare génie dans un genre particulier ». Le Planétaire fut peint sans commande, probablement dans l'espoir qu'il serait acheté par Washington Shirley, 5e comte Ferrers et astronome amateur, qui possédait lui-même un planétaire et avec lequel l'ami de Wright, Peter Perez Burdett, séjournait dans le Derbyshire. Des personnages supposés avoir pour modèles Burdett et Ferrers figurent dans le tableau, le premier prenant des notes et le second assis avec son fils près du planétaire. Ferrers acheta le tableau pour deux cent dix livres sterling, mais Robert, le 6e comte, le revendit aux enchères. Il est maintenant détenu par le Derby Museum and Art Gallery, où il est en exposition permanente, non loin de la réplique en fonctionnement d'un grand planétaire mécanique.Un biographe de Wright, Benedict Nicolson, a soutenu en 1968 que John Whitehurst était le modèle du conférencier tandis qu'un autre commentateur a souligné la ressemblance du personnage avec un portrait d'Isaac Newton par Godfrey Kneller. Une observation attentive des visages du tableau révèle que chacun d'eux représente l'une ou l'autre des principales phases de la lune - nouvelle lune, quartier de lune, lune gibbeuse et pleine lune.

Expérience sur un oiseau dans la pompe à air

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Prompt: Dans Philosophe_faisant_un_exposé_sur_le_planétaire, comment est discutée la Description?

Le premier des chefs-d'œuvre du clair-obscur de Wright, Trois personnes observant le Gladiateur à la lumière d'une bougie, peint en 1765, montrait trois hommes étudiant une copie en réduction du Gladiateur Borghèse. Ce tableau fut grandement admiré, mais le suivant, Le planétaire, provoqua plus de remous car il remplaçait le sujet classique, au centre de la toile, par une scène de nature scientifique. Sa peinture de la crainte révérencielle suscitée par les « miracles » de la science marquait une rupture vis-à-vis de la tradition où la représentation artistique d'un tel émoi était réservée aux événements religieux, alors que pour Wright les merveilles de la technologie pouvaient inspirer la même émotion respectueuse que les sujets des grands tableaux religieux. Dans les deux œuvres l'éclairage à la chandelle a une justification réaliste. Observer une sculpture sous une telle lumière, qui met en valeur les contours et dont le scintillement peut même donner l'impression du mouvement, était une pratique à la mode, décrite par Goethe. Dans la présentation du planétaire, les ombres projetées par la lampe qui représentait le soleil étaient un élément essentiel de la démonstration. Mais il ne semble pas y avoir eu d'autre raison que la recherche de la tension dramatique pour placer l'expérience de la pompe à air dans une pièce éclairée par une seule bougie et, dans deux peintures ultérieures du même sujet par van Loo, l'éclairage est normal.Le tableau fait partie d'un ensemble d'œuvres britanniques qui ont remis en cause le jeu rigide des catégories de la hiérarchie des genres d'inspiration française, en cette fin du XVIIIe siècle où d'autres thèmes aspiraient à être traités avec le même sérieux que la peinture d'histoire de sujets classiques ou mythologiques en costumes. Sous certains aspects, le Planétaire comme la Pompe à air ressemblent aux conversation pieces, qui étaient alors largement un genre de portrait bourgeois, avant qu'à partir de 1766 Johann Zoffany ne leur donne un nouveau statut en peignant la famille royale. Toutefois, de par leur atmosphère solennelle et étant donné qu'aucun des personnages ne semble devoir être compris comme un portrait (même quand il est possible d'en identifier les modèles), ces tableaux ne peuvent être considérés comme des conversation pieces. L'historien de l'art Ellis Waterhouse compare ces deux œuvres au « genre sérieux » du théâtre français de la même époque, tel que l'ont défini Diderot et Beaumarchais, rapprochement que soutient Egerton.Un compte rendu anonyme de l'époque a qualifié Wright de « très grand et rare génie dans un genre particulier ». Le Planétaire fut peint sans commande, probablement dans l'espoir qu'il serait acheté par Washington Shirley, 5e comte Ferrers et astronome amateur, qui possédait lui-même un planétaire et avec lequel l'ami de Wright, Peter Perez Burdett, séjournait dans le Derbyshire. Des personnages supposés avoir pour modèles Burdett et Ferrers figurent dans le tableau, le premier prenant des notes et le second assis avec son fils près du planétaire. Ferrers acheta le tableau pour deux cent dix livres sterling, mais Robert, le 6e comte, le revendit aux enchères. Il est maintenant détenu par le Derby Museum and Art Gallery, où il est en exposition permanente, non loin de la réplique en fonctionnement d'un grand planétaire mécanique.Un biographe de Wright, Benedict Nicolson, a soutenu en 1968 que John Whitehurst était le modèle du conférencier tandis qu'un autre commentateur a souligné la ressemblance du personnage avec un portrait d'Isaac Newton par Godfrey Kneller. Une observation attentive des visages du tableau révèle que chacun d'eux représente l'une ou l'autre des principales phases de la lune - nouvelle lune, quartier de lune, lune gibbeuse et pleine lune.

Expérience sur un oiseau dans la pompe à air

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby


Le_Cavalier_riant

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Cavalier_riant et expliquez la abstract.

Le Cavalier riant (en anglais : The Laughing Cavalier), parfois désigné en français sous le titre Le Cavalier souriant, est un portrait réalisé par le peintre néerlandais Frans Hals en 1624. Depuis 1901, le tableau est conservé à la Wallace Collection de Londres. Exécuté durant la période baroque, ce portrait est généralement considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du genre.

Fichier:Vaenius - Amorum emblemata 1608 - Brevis et damnosa voluptas.jpg

Détail de la manche du ''Cavalier riant''.

Fichier:Frans Hals - The Laughing Cavalier - Sleeve Detail.jpg

Daydream (chanson de Wallace Collection)

Catégorie:Œuvre conservée à la Wallace Collection

« ''Brevis et damnosa voluptas'' » (« Pour un plaisir mille douleurs »). Détail d'une gravure extraite du [[livre d'emblèmes


Le_Cavalier_riant

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Le_Cavalier_riant.

Le Cavalier riant (en anglais : The Laughing Cavalier), parfois désigné en français sous le titre Le Cavalier souriant, est un portrait réalisé par le peintre néerlandais Frans Hals en 1624. Depuis 1901, le tableau est conservé à la Wallace Collection de Londres. Exécuté durant la période baroque, ce portrait est généralement considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du genre.

Fichier:Vaenius - Amorum emblemata 1608 - Brevis et damnosa voluptas.jpg

Détail de la manche du ''Cavalier riant''.

Fichier:Frans Hals - The Laughing Cavalier - Sleeve Detail.jpg

Daydream (chanson de Wallace Collection)

Catégorie:Œuvre conservée à la Wallace Collection

« ''Brevis et damnosa voluptas'' » (« Pour un plaisir mille douleurs »). Détail d'une gravure extraite du [[livre d'emblèmes


Le_Cavalier_riant

Prompt: Comment Le_Cavalier_riant explique-t-il sa abstract?

Le Cavalier riant (en anglais : The Laughing Cavalier), parfois désigné en français sous le titre Le Cavalier souriant, est un portrait réalisé par le peintre néerlandais Frans Hals en 1624. Depuis 1901, le tableau est conservé à la Wallace Collection de Londres. Exécuté durant la période baroque, ce portrait est généralement considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du genre.

Fichier:Vaenius - Amorum emblemata 1608 - Brevis et damnosa voluptas.jpg

Détail de la manche du ''Cavalier riant''.

Fichier:Frans Hals - The Laughing Cavalier - Sleeve Detail.jpg

Daydream (chanson de Wallace Collection)

Catégorie:Œuvre conservée à la Wallace Collection

« ''Brevis et damnosa voluptas'' » (« Pour un plaisir mille douleurs »). Détail d'une gravure extraite du [[livre d'emblèmes


Le_Cavalier_riant

Prompt: Dans Le_Cavalier_riant, comment est discutée la abstract?

Le Cavalier riant (en anglais : The Laughing Cavalier), parfois désigné en français sous le titre Le Cavalier souriant, est un portrait réalisé par le peintre néerlandais Frans Hals en 1624. Depuis 1901, le tableau est conservé à la Wallace Collection de Londres. Exécuté durant la période baroque, ce portrait est généralement considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du genre.

Fichier:Vaenius - Amorum emblemata 1608 - Brevis et damnosa voluptas.jpg

Détail de la manche du ''Cavalier riant''.

Fichier:Frans Hals - The Laughing Cavalier - Sleeve Detail.jpg

Daydream (chanson de Wallace Collection)

Catégorie:Œuvre conservée à la Wallace Collection

« ''Brevis et damnosa voluptas'' » (« Pour un plaisir mille douleurs »). Détail d'une gravure extraite du [[livre d'emblèmes