La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Réception du public?

Eugène Delacroix est considéré comme le chef du romantisme français, mouvement qui s'oppose notamment au courant néo-classique dominant. Il affirme pourtant « Je suis un pur classique », mais ses œuvres témoignent dès le début de sa carrière d'une grande modernité. Au Salon en 1827, La Mort de Sardanapale est encore moins bien accueillie que les Scènes des massacres de Scio (1824, musée du Louvre), toile qui avait déjà fait scandale et promu Delacroix au rang de chef de file de l'école romantique en peinture. Ce n'est pas tant la représentation d'un roi aux mœurs dissolues qui fait scandale que la façon dont le peintre traite le sujet. Il s'inscrit dans la querelle du coloris du XIXe siècle entre les néo-classiques, notamment Ingres, et les romantiques en choisissant le parti de la couleur, qui devient presque le sujet même de sa toile. L’œuvre est exposée au Salon de 1827, en pendant de L'Apothéose d'Homère d'Ingres, toile qui quant à elle constitue une revendication de l'esthétique traditionnelle et des valeurs néoclassiques. Avec cette toile, Ingres rend un véritable hommage à Raphaël et à son École d'Athènes et il donne une leçon esthétique à la jeune génération. La composition choisie par le peintre respecte les codes esthétiques classiques : la ligne maîtrisée donne lieu à un dessin précis et les couleurs fraîches et claires rappellent les fresques de l’Âge classique. Cette toile constitue un véritable éloge du classicisme, rappelant les vases grecs par son style archaïsant et la pureté du dessin.Face à l’œuvre d’Ingres, La Mort de Sardanapale apparaît comme une véritable révolution artistique, dynamitant toutes les conventions académiques. Il est le premier prototype d’un Orient fantasmé qui laisse exprimer les passions et le chaos. C'est pourquoi Delacroix reçoit de nombreuses critiques. Ce tableau provoque un tel scandale qu'il n'est pas acheté par l'État. Il tombe aussitôt dans un oubli presque total jusqu'à ce que Jean Guiffrey, conservateur du département des peintures du musée du Louvre, l'achète pour la somme de 800 000 francs au baron Vitta et la fasse entrer dans les collections du musée.Bien qu'elle soit largement rejetée par la majorité des critiques, Victor Hugo est un des seuls à ne pas condamner la démesure exprimée par Delacroix, son rejet du Beau et la cruauté de la scène[réf. souhaitée].D'autres artistes du romantisme français s'inspirent du drame de Byron, comme notamment Hector Berlioz, qui compose en juillet 1830 sa cantate Sardanapale (H 50), qui lui permet d'obtenir, après plusieurs tentatives infructueuses, le premier Grand prix de Rome et de remporter ainsi son premier succès officiel (seul un fragment de la partition a été conservé).

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Réception du public?

Eugène Delacroix est considéré comme le chef du romantisme français, mouvement qui s'oppose notamment au courant néo-classique dominant. Il affirme pourtant « Je suis un pur classique », mais ses œuvres témoignent dès le début de sa carrière d'une grande modernité. Au Salon en 1827, La Mort de Sardanapale est encore moins bien accueillie que les Scènes des massacres de Scio (1824, musée du Louvre), toile qui avait déjà fait scandale et promu Delacroix au rang de chef de file de l'école romantique en peinture. Ce n'est pas tant la représentation d'un roi aux mœurs dissolues qui fait scandale que la façon dont le peintre traite le sujet. Il s'inscrit dans la querelle du coloris du XIXe siècle entre les néo-classiques, notamment Ingres, et les romantiques en choisissant le parti de la couleur, qui devient presque le sujet même de sa toile. L’œuvre est exposée au Salon de 1827, en pendant de L'Apothéose d'Homère d'Ingres, toile qui quant à elle constitue une revendication de l'esthétique traditionnelle et des valeurs néoclassiques. Avec cette toile, Ingres rend un véritable hommage à Raphaël et à son École d'Athènes et il donne une leçon esthétique à la jeune génération. La composition choisie par le peintre respecte les codes esthétiques classiques : la ligne maîtrisée donne lieu à un dessin précis et les couleurs fraîches et claires rappellent les fresques de l’Âge classique. Cette toile constitue un véritable éloge du classicisme, rappelant les vases grecs par son style archaïsant et la pureté du dessin.Face à l’œuvre d’Ingres, La Mort de Sardanapale apparaît comme une véritable révolution artistique, dynamitant toutes les conventions académiques. Il est le premier prototype d’un Orient fantasmé qui laisse exprimer les passions et le chaos. C'est pourquoi Delacroix reçoit de nombreuses critiques. Ce tableau provoque un tel scandale qu'il n'est pas acheté par l'État. Il tombe aussitôt dans un oubli presque total jusqu'à ce que Jean Guiffrey, conservateur du département des peintures du musée du Louvre, l'achète pour la somme de 800 000 francs au baron Vitta et la fasse entrer dans les collections du musée.Bien qu'elle soit largement rejetée par la majorité des critiques, Victor Hugo est un des seuls à ne pas condamner la démesure exprimée par Delacroix, son rejet du Beau et la cruauté de la scène[réf. souhaitée].D'autres artistes du romantisme français s'inspirent du drame de Byron, comme notamment Hector Berlioz, qui compose en juillet 1830 sa cantate Sardanapale (H 50), qui lui permet d'obtenir, après plusieurs tentatives infructueuses, le premier Grand prix de Rome et de remporter ainsi son premier succès officiel (seul un fragment de la partition a été conservé).

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Restauration.

L'œuvre a été restaurée d'octobre 2022 à juillet 2023. Elle a été nettoyée et revernie ; les lacunes picturales ont été comblées. Cette restauration, en retirant complètement une épaisse couche de vernis successifs, a permis de révéler les teintes originelles du tableau.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Restauration de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

L'œuvre a été restaurée d'octobre 2022 à juillet 2023. Elle a été nettoyée et revernie ; les lacunes picturales ont été comblées. Cette restauration, en retirant complètement une épaisse couche de vernis successifs, a permis de révéler les teintes originelles du tableau.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Restauration?

L'œuvre a été restaurée d'octobre 2022 à juillet 2023. Elle a été nettoyée et revernie ; les lacunes picturales ont été comblées. Cette restauration, en retirant complètement une épaisse couche de vernis successifs, a permis de révéler les teintes originelles du tableau.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Restauration?

L'œuvre a été restaurée d'octobre 2022 à juillet 2023. Elle a été nettoyée et revernie ; les lacunes picturales ont été comblées. Cette restauration, en retirant complètement une épaisse couche de vernis successifs, a permis de révéler les teintes originelles du tableau.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

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La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Concentrez-vous sur La_Mort_de_Sardanapale et expliquez la Autres versions.

Delacroix a peut-être peint la version de Philadelphie pour lui-même avant de vendre la plus grande œuvre en 1846.Delacroix, au moment de céder l'œuvre au collectionneur Daniel Wilson, demande à son ami Frédéric Villot d'en faire une copie. Elle est très fidèle, bien que plus petite, et utilise les mêmes couleurs. Elle est conservée au musée Delacroix.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Autres versions de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

Delacroix a peut-être peint la version de Philadelphie pour lui-même avant de vendre la plus grande œuvre en 1846.Delacroix, au moment de céder l'œuvre au collectionneur Daniel Wilson, demande à son ami Frédéric Villot d'en faire une copie. Elle est très fidèle, bien que plus petite, et utilise les mêmes couleurs. Elle est conservée au musée Delacroix.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Comment La_Mort_de_Sardanapale explique-t-il sa Autres versions?

Delacroix a peut-être peint la version de Philadelphie pour lui-même avant de vendre la plus grande œuvre en 1846.Delacroix, au moment de céder l'œuvre au collectionneur Daniel Wilson, demande à son ami Frédéric Villot d'en faire une copie. Elle est très fidèle, bien que plus petite, et utilise les mêmes couleurs. Elle est conservée au musée Delacroix.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment est discutée la Autres versions?

Delacroix a peut-être peint la version de Philadelphie pour lui-même avant de vendre la plus grande œuvre en 1846.Delacroix, au moment de céder l'œuvre au collectionneur Daniel Wilson, demande à son ami Frédéric Villot d'en faire une copie. Elle est très fidèle, bien que plus petite, et utilise les mêmes couleurs. Elle est conservée au musée Delacroix.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

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La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans le contexte de La_Mort_de_Sardanapale, expliquez la Œuvres dérivées et la Autres versions.

Jeff Wall s'est inspiré de l'œuvre pour réaliser en 1978 sa photographie couleur titrée La Chambre détruite.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

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''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

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La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Expliquer la Œuvres dérivées concernant la Autres versions de cette œuvre d'art, La_Mort_de_Sardanapale.

Jeff Wall s'est inspiré de l'œuvre pour réaliser en 1978 sa photographie couleur titrée La Chambre détruite.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Dans La_Mort_de_Sardanapale, comment la Œuvres dérivées de la Autres versions est-elle expliquée?

Jeff Wall s'est inspiré de l'œuvre pour réaliser en 1978 sa photographie couleur titrée La Chambre détruite.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Mort_de_Sardanapale

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Œuvres dérivées dans la Autres versions de La_Mort_de_Sardanapale.

Jeff Wall s'est inspiré de l'œuvre pour réaliser en 1978 sa photographie couleur titrée La Chambre détruite.

Fichier:Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, French - The Death of Sardanapalus - Google Art Project.jpg

Jean-Auguste-Dominique Ingres, ''Homère déifié'', dit ''L’Apothéose d’Homère'', 1826, huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre d'Eugène Delacroix au musée du Louvre

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1827

Fichier:Eugène Ferdinand Victor Delacroix 056.jpg

Fichier:Jean-auguste-dominique ingres, uomo deificato, detto l'apoteosi di omero, 1827, 01.jpg

''La Mort de Sardanapale'', 1844, [[Philadelphia Museum of Art

Catégorie:Mésopotamie dans l'art et la culture

Département des peintures du musée du Louvre


La_Charrette_de_foin

Prompt: Concentrez-vous sur La_Charrette_de_foin et expliquez la abstract.

La Charrette de foin (The Hay Wain, en anglais) est un tableau achevé par John Constable en 1821. Cette peinture à l'huile sur toile de 130 × 185 cm est conservée à la National Gallery à Londres.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Charrette_de_foin.

La Charrette de foin (The Hay Wain, en anglais) est un tableau achevé par John Constable en 1821. Cette peinture à l'huile sur toile de 130 × 185 cm est conservée à la National Gallery à Londres.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Comment La_Charrette_de_foin explique-t-il sa abstract?

La Charrette de foin (The Hay Wain, en anglais) est un tableau achevé par John Constable en 1821. Cette peinture à l'huile sur toile de 130 × 185 cm est conservée à la National Gallery à Londres.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Dans La_Charrette_de_foin, comment est discutée la abstract?

La Charrette de foin (The Hay Wain, en anglais) est un tableau achevé par John Constable en 1821. Cette peinture à l'huile sur toile de 130 × 185 cm est conservée à la National Gallery à Londres.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Concentrez-vous sur La_Charrette_de_foin et expliquez la Description.

Le tableau montre une charrette de foin dans la campagne anglaise franchissant un cours d’eau dans les environs immédiats du moulin de Flatford, appartenant au père de l’artiste dans le Suffolk. Au premier plan, deux figures menant une vieille charrette de foin vide et délabrée tirée par deux chevaux traversent la rivière. Elle semble prise dans une zone d’eau stagnante. On remarque le rendu du climat et de l’atmosphère. Le ciel imposant avec ses nuages, en particulier, saute aux yeux, bien que la figure humaine ne manque pas de caractère même si elle le place au second plan. La présence d’un chien montre l’intérêt de Constable pour les détails. À l’arrière-plan, on distingue de vastes champs de foin. Une lumière chaude baigne toute la composition.Comme la Stour constitue la frontière entre deux comtés, le tableau représente le cottage de Lott Willy dans le Suffolk sur la rive gauche et le paysage de l’Essex sur la rive droite. La maison à gauche appartenait à un voisin, un fermier du nom de Willy Lott, connu pour être né dans cette maison et ne jamais l’avoir quittée plus de quatre jours durant sa vie. Le cottage de Lott Willy a survécu pratiquement intact jusqu’à aujourd’hui, mais aucun des arbres visibles dans le tableau ne subsistent. Le niveau de l’eau est également plus élevé, car cette région de l’Est-Anglie s’est affaissée de 30 cm dans la mer depuis l’époque de Constable.Parmi les repentirs successifs figure un chien, qui a remplacé successivement un cavalier puis un tonneau.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Charrette_de_foin.

Le tableau montre une charrette de foin dans la campagne anglaise franchissant un cours d’eau dans les environs immédiats du moulin de Flatford, appartenant au père de l’artiste dans le Suffolk. Au premier plan, deux figures menant une vieille charrette de foin vide et délabrée tirée par deux chevaux traversent la rivière. Elle semble prise dans une zone d’eau stagnante. On remarque le rendu du climat et de l’atmosphère. Le ciel imposant avec ses nuages, en particulier, saute aux yeux, bien que la figure humaine ne manque pas de caractère même si elle le place au second plan. La présence d’un chien montre l’intérêt de Constable pour les détails. À l’arrière-plan, on distingue de vastes champs de foin. Une lumière chaude baigne toute la composition.Comme la Stour constitue la frontière entre deux comtés, le tableau représente le cottage de Lott Willy dans le Suffolk sur la rive gauche et le paysage de l’Essex sur la rive droite. La maison à gauche appartenait à un voisin, un fermier du nom de Willy Lott, connu pour être né dans cette maison et ne jamais l’avoir quittée plus de quatre jours durant sa vie. Le cottage de Lott Willy a survécu pratiquement intact jusqu’à aujourd’hui, mais aucun des arbres visibles dans le tableau ne subsistent. Le niveau de l’eau est également plus élevé, car cette région de l’Est-Anglie s’est affaissée de 30 cm dans la mer depuis l’époque de Constable.Parmi les repentirs successifs figure un chien, qui a remplacé successivement un cavalier puis un tonneau.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Comment La_Charrette_de_foin explique-t-il sa Description?

Le tableau montre une charrette de foin dans la campagne anglaise franchissant un cours d’eau dans les environs immédiats du moulin de Flatford, appartenant au père de l’artiste dans le Suffolk. Au premier plan, deux figures menant une vieille charrette de foin vide et délabrée tirée par deux chevaux traversent la rivière. Elle semble prise dans une zone d’eau stagnante. On remarque le rendu du climat et de l’atmosphère. Le ciel imposant avec ses nuages, en particulier, saute aux yeux, bien que la figure humaine ne manque pas de caractère même si elle le place au second plan. La présence d’un chien montre l’intérêt de Constable pour les détails. À l’arrière-plan, on distingue de vastes champs de foin. Une lumière chaude baigne toute la composition.Comme la Stour constitue la frontière entre deux comtés, le tableau représente le cottage de Lott Willy dans le Suffolk sur la rive gauche et le paysage de l’Essex sur la rive droite. La maison à gauche appartenait à un voisin, un fermier du nom de Willy Lott, connu pour être né dans cette maison et ne jamais l’avoir quittée plus de quatre jours durant sa vie. Le cottage de Lott Willy a survécu pratiquement intact jusqu’à aujourd’hui, mais aucun des arbres visibles dans le tableau ne subsistent. Le niveau de l’eau est également plus élevé, car cette région de l’Est-Anglie s’est affaissée de 30 cm dans la mer depuis l’époque de Constable.Parmi les repentirs successifs figure un chien, qui a remplacé successivement un cavalier puis un tonneau.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Dans La_Charrette_de_foin, comment est discutée la Description?

Le tableau montre une charrette de foin dans la campagne anglaise franchissant un cours d’eau dans les environs immédiats du moulin de Flatford, appartenant au père de l’artiste dans le Suffolk. Au premier plan, deux figures menant une vieille charrette de foin vide et délabrée tirée par deux chevaux traversent la rivière. Elle semble prise dans une zone d’eau stagnante. On remarque le rendu du climat et de l’atmosphère. Le ciel imposant avec ses nuages, en particulier, saute aux yeux, bien que la figure humaine ne manque pas de caractère même si elle le place au second plan. La présence d’un chien montre l’intérêt de Constable pour les détails. À l’arrière-plan, on distingue de vastes champs de foin. Une lumière chaude baigne toute la composition.Comme la Stour constitue la frontière entre deux comtés, le tableau représente le cottage de Lott Willy dans le Suffolk sur la rive gauche et le paysage de l’Essex sur la rive droite. La maison à gauche appartenait à un voisin, un fermier du nom de Willy Lott, connu pour être né dans cette maison et ne jamais l’avoir quittée plus de quatre jours durant sa vie. Le cottage de Lott Willy a survécu pratiquement intact jusqu’à aujourd’hui, mais aucun des arbres visibles dans le tableau ne subsistent. Le niveau de l’eau est également plus élevé, car cette région de l’Est-Anglie s’est affaissée de 30 cm dans la mer depuis l’époque de Constable.Parmi les repentirs successifs figure un chien, qui a remplacé successivement un cavalier puis un tonneau.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Concentrez-vous sur La_Charrette_de_foin et expliquez la Style.

Constable présente dans ses paysages la vie champêtre comme il la voyait, avec simplicité, sans l’idéaliser. Il transmet l’image d’un univers naturel, dans lequel l’homme, les animaux et le paysage vivent ensemble en harmonie. Comme dans toutes les œuvres de Constable, on remarque l’étude du ciel et de la lumière. Les conditions atmosphériques montrent un ciel typiquement anglais, couvert de nuages, qui passe tout de suite de la pluie au soleil.Un jour, John Constable écrit à un ami dans une lettre :« Le paysagiste qui ne consacre pas une partie importante de sa composition au ciel, nie en vain l’un de ses plus grands soutiens… Le ciel est la source de la lumière dans la nature et gouverne toute chose. »Pour faciliter la réalisation de son tableau, Constable a peint en extérieur quelques études à l’huile de chacun des éléments qui composent son tableau, en percevant la lumière dans son état naturel et sans le caractère artificiel qui résulte de la peinture exécutée à l’atelier. Plusieurs de ces esquisses révèlent un coup de pinceau spontané, qui pourrait être classé comme impressionniste. Cependant, la version finale du tableau de Constable a perdu la liberté du coup de pinceau de ses esquisses, puisqu’elle se devait se conformer aux fondements promulgués par l’Académie des Beaux-Arts.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Expliquer la Style de cette œuvre d'art, La_Charrette_de_foin.

Constable présente dans ses paysages la vie champêtre comme il la voyait, avec simplicité, sans l’idéaliser. Il transmet l’image d’un univers naturel, dans lequel l’homme, les animaux et le paysage vivent ensemble en harmonie. Comme dans toutes les œuvres de Constable, on remarque l’étude du ciel et de la lumière. Les conditions atmosphériques montrent un ciel typiquement anglais, couvert de nuages, qui passe tout de suite de la pluie au soleil.Un jour, John Constable écrit à un ami dans une lettre :« Le paysagiste qui ne consacre pas une partie importante de sa composition au ciel, nie en vain l’un de ses plus grands soutiens… Le ciel est la source de la lumière dans la nature et gouverne toute chose. »Pour faciliter la réalisation de son tableau, Constable a peint en extérieur quelques études à l’huile de chacun des éléments qui composent son tableau, en percevant la lumière dans son état naturel et sans le caractère artificiel qui résulte de la peinture exécutée à l’atelier. Plusieurs de ces esquisses révèlent un coup de pinceau spontané, qui pourrait être classé comme impressionniste. Cependant, la version finale du tableau de Constable a perdu la liberté du coup de pinceau de ses esquisses, puisqu’elle se devait se conformer aux fondements promulgués par l’Académie des Beaux-Arts.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Comment La_Charrette_de_foin explique-t-il sa Style?

Constable présente dans ses paysages la vie champêtre comme il la voyait, avec simplicité, sans l’idéaliser. Il transmet l’image d’un univers naturel, dans lequel l’homme, les animaux et le paysage vivent ensemble en harmonie. Comme dans toutes les œuvres de Constable, on remarque l’étude du ciel et de la lumière. Les conditions atmosphériques montrent un ciel typiquement anglais, couvert de nuages, qui passe tout de suite de la pluie au soleil.Un jour, John Constable écrit à un ami dans une lettre :« Le paysagiste qui ne consacre pas une partie importante de sa composition au ciel, nie en vain l’un de ses plus grands soutiens… Le ciel est la source de la lumière dans la nature et gouverne toute chose. »Pour faciliter la réalisation de son tableau, Constable a peint en extérieur quelques études à l’huile de chacun des éléments qui composent son tableau, en percevant la lumière dans son état naturel et sans le caractère artificiel qui résulte de la peinture exécutée à l’atelier. Plusieurs de ces esquisses révèlent un coup de pinceau spontané, qui pourrait être classé comme impressionniste. Cependant, la version finale du tableau de Constable a perdu la liberté du coup de pinceau de ses esquisses, puisqu’elle se devait se conformer aux fondements promulgués par l’Académie des Beaux-Arts.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Dans La_Charrette_de_foin, comment est discutée la Style?

Constable présente dans ses paysages la vie champêtre comme il la voyait, avec simplicité, sans l’idéaliser. Il transmet l’image d’un univers naturel, dans lequel l’homme, les animaux et le paysage vivent ensemble en harmonie. Comme dans toutes les œuvres de Constable, on remarque l’étude du ciel et de la lumière. Les conditions atmosphériques montrent un ciel typiquement anglais, couvert de nuages, qui passe tout de suite de la pluie au soleil.Un jour, John Constable écrit à un ami dans une lettre :« Le paysagiste qui ne consacre pas une partie importante de sa composition au ciel, nie en vain l’un de ses plus grands soutiens… Le ciel est la source de la lumière dans la nature et gouverne toute chose. »Pour faciliter la réalisation de son tableau, Constable a peint en extérieur quelques études à l’huile de chacun des éléments qui composent son tableau, en percevant la lumière dans son état naturel et sans le caractère artificiel qui résulte de la peinture exécutée à l’atelier. Plusieurs de ces esquisses révèlent un coup de pinceau spontané, qui pourrait être classé comme impressionniste. Cependant, la version finale du tableau de Constable a perdu la liberté du coup de pinceau de ses esquisses, puisqu’elle se devait se conformer aux fondements promulgués par l’Académie des Beaux-Arts.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Concentrez-vous sur La_Charrette_de_foin et expliquez la Réception.

Aujourd’hui révérée comme l’un des plus grands tableaux britanniques, la Charrette de foin ne put trouver d’acheteur lors de son exposition à la Royal Academy en 1821, sous le titre Landscape : Noon. L’accueil fut bien meilleur lors de son exposition avec d’autres œuvres de Constable au Salon de Paris de 1824 où elle fit sensation. Elle fut saluée par Théodore Géricault et il fut suggéré à l’époque que cette présence de peintures de Constable était en hommage à celui-ci, mort au début de cette année-là. Charles X lui décerna la médaille d’or du salon ; un moulage en est intégré dans le cadre. Les œuvres de Constable de ce salon ont inspiré une nouvelle génération de peintres français, dont Eugène Delacroix. Celui-ci a écrit dans son journal au sujet du coloris de Constable : « Ce qu’il dit ici sur le vert de ses prés peut s’appliquer à chacun de ses tons ». Après avoir vu, dans la galerie Arrowsmith, les Constable dont il a dit qu’ils lui avaient beaucoup profité, il a décidé de changer le ton de sa Scène des massacres de Scio de 1824.Vendu à l’exposition avec trois autres Constable au marchand John Arrowsmith, il fut ramené en Angleterre par le marchand DT White, qui le vendit à un certain M. Young qui résidait à Ryde, dans l’ile de Wight. C’est là qu’il a attiré l’attention du collectionneur Henry Vaughan et de CR Leslie RA. À la mort de son ami, M. Young, Vaughan acheta le tableau de la succession et, en 1886, il l'offrit à la National Gallery à Londres, où il se trouve toujours aujourd’hui. Le croquis préalable à échelle réelle au couteau à peindre a été légué par testament par Vaughan au Victoria and Albert Museum,.Le 28 juin 2013, un homme présenté comme proche de l'association britannique de défense des pères séparés Fathers 4 Justice a vandalisé la toile en y collant une photo de son fils. L’œuvre put être restaurée et remise en place rapidement.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Expliquer la Réception de cette œuvre d'art, La_Charrette_de_foin.

Aujourd’hui révérée comme l’un des plus grands tableaux britanniques, la Charrette de foin ne put trouver d’acheteur lors de son exposition à la Royal Academy en 1821, sous le titre Landscape : Noon. L’accueil fut bien meilleur lors de son exposition avec d’autres œuvres de Constable au Salon de Paris de 1824 où elle fit sensation. Elle fut saluée par Théodore Géricault et il fut suggéré à l’époque que cette présence de peintures de Constable était en hommage à celui-ci, mort au début de cette année-là. Charles X lui décerna la médaille d’or du salon ; un moulage en est intégré dans le cadre. Les œuvres de Constable de ce salon ont inspiré une nouvelle génération de peintres français, dont Eugène Delacroix. Celui-ci a écrit dans son journal au sujet du coloris de Constable : « Ce qu’il dit ici sur le vert de ses prés peut s’appliquer à chacun de ses tons ». Après avoir vu, dans la galerie Arrowsmith, les Constable dont il a dit qu’ils lui avaient beaucoup profité, il a décidé de changer le ton de sa Scène des massacres de Scio de 1824.Vendu à l’exposition avec trois autres Constable au marchand John Arrowsmith, il fut ramené en Angleterre par le marchand DT White, qui le vendit à un certain M. Young qui résidait à Ryde, dans l’ile de Wight. C’est là qu’il a attiré l’attention du collectionneur Henry Vaughan et de CR Leslie RA. À la mort de son ami, M. Young, Vaughan acheta le tableau de la succession et, en 1886, il l'offrit à la National Gallery à Londres, où il se trouve toujours aujourd’hui. Le croquis préalable à échelle réelle au couteau à peindre a été légué par testament par Vaughan au Victoria and Albert Museum,.Le 28 juin 2013, un homme présenté comme proche de l'association britannique de défense des pères séparés Fathers 4 Justice a vandalisé la toile en y collant une photo de son fils. L’œuvre put être restaurée et remise en place rapidement.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Comment La_Charrette_de_foin explique-t-il sa Réception?

Aujourd’hui révérée comme l’un des plus grands tableaux britanniques, la Charrette de foin ne put trouver d’acheteur lors de son exposition à la Royal Academy en 1821, sous le titre Landscape : Noon. L’accueil fut bien meilleur lors de son exposition avec d’autres œuvres de Constable au Salon de Paris de 1824 où elle fit sensation. Elle fut saluée par Théodore Géricault et il fut suggéré à l’époque que cette présence de peintures de Constable était en hommage à celui-ci, mort au début de cette année-là. Charles X lui décerna la médaille d’or du salon ; un moulage en est intégré dans le cadre. Les œuvres de Constable de ce salon ont inspiré une nouvelle génération de peintres français, dont Eugène Delacroix. Celui-ci a écrit dans son journal au sujet du coloris de Constable : « Ce qu’il dit ici sur le vert de ses prés peut s’appliquer à chacun de ses tons ». Après avoir vu, dans la galerie Arrowsmith, les Constable dont il a dit qu’ils lui avaient beaucoup profité, il a décidé de changer le ton de sa Scène des massacres de Scio de 1824.Vendu à l’exposition avec trois autres Constable au marchand John Arrowsmith, il fut ramené en Angleterre par le marchand DT White, qui le vendit à un certain M. Young qui résidait à Ryde, dans l’ile de Wight. C’est là qu’il a attiré l’attention du collectionneur Henry Vaughan et de CR Leslie RA. À la mort de son ami, M. Young, Vaughan acheta le tableau de la succession et, en 1886, il l'offrit à la National Gallery à Londres, où il se trouve toujours aujourd’hui. Le croquis préalable à échelle réelle au couteau à peindre a été légué par testament par Vaughan au Victoria and Albert Museum,.Le 28 juin 2013, un homme présenté comme proche de l'association britannique de défense des pères séparés Fathers 4 Justice a vandalisé la toile en y collant une photo de son fils. L’œuvre put être restaurée et remise en place rapidement.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Charrette_de_foin

Prompt: Dans La_Charrette_de_foin, comment est discutée la Réception?

Aujourd’hui révérée comme l’un des plus grands tableaux britanniques, la Charrette de foin ne put trouver d’acheteur lors de son exposition à la Royal Academy en 1821, sous le titre Landscape : Noon. L’accueil fut bien meilleur lors de son exposition avec d’autres œuvres de Constable au Salon de Paris de 1824 où elle fit sensation. Elle fut saluée par Théodore Géricault et il fut suggéré à l’époque que cette présence de peintures de Constable était en hommage à celui-ci, mort au début de cette année-là. Charles X lui décerna la médaille d’or du salon ; un moulage en est intégré dans le cadre. Les œuvres de Constable de ce salon ont inspiré une nouvelle génération de peintres français, dont Eugène Delacroix. Celui-ci a écrit dans son journal au sujet du coloris de Constable : « Ce qu’il dit ici sur le vert de ses prés peut s’appliquer à chacun de ses tons ». Après avoir vu, dans la galerie Arrowsmith, les Constable dont il a dit qu’ils lui avaient beaucoup profité, il a décidé de changer le ton de sa Scène des massacres de Scio de 1824.Vendu à l’exposition avec trois autres Constable au marchand John Arrowsmith, il fut ramené en Angleterre par le marchand DT White, qui le vendit à un certain M. Young qui résidait à Ryde, dans l’ile de Wight. C’est là qu’il a attiré l’attention du collectionneur Henry Vaughan et de CR Leslie RA. À la mort de son ami, M. Young, Vaughan acheta le tableau de la succession et, en 1886, il l'offrit à la National Gallery à Londres, où il se trouve toujours aujourd’hui. Le croquis préalable à échelle réelle au couteau à peindre a été légué par testament par Vaughan au Victoria and Albert Museum,.Le 28 juin 2013, un homme présenté comme proche de l'association britannique de défense des pères séparés Fathers 4 Justice a vandalisé la toile en y collant une photo de son fils. L’œuvre put être restaurée et remise en place rapidement.

Catégorie:Œuvre de John Constable au Royaume-Uni

Esquisse de Constable pour ''la Charrette de foin'' ; huile sur toile, {{Dunité

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1824


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la abstract.

Le Portrait d'une jeune femme (La Fornarina) (en italien,  Ritratto di giovane donna (La Fornarina)) est une peinture exécutée entre 1518 et 1519, et habituellement attribuée à l'artiste de la Renaissance Raphaël. C'est une peinture à l'huile sur bois de 85  × 60 cm conservée à la galerie nationale d'art antique du Palais Barberini de Rome (Italie).

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

Le Portrait d'une jeune femme (La Fornarina) (en italien,  Ritratto di giovane donna (La Fornarina)) est une peinture exécutée entre 1518 et 1519, et habituellement attribuée à l'artiste de la Renaissance Raphaël. C'est une peinture à l'huile sur bois de 85  × 60 cm conservée à la galerie nationale d'art antique du Palais Barberini de Rome (Italie).

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa abstract?

Le Portrait d'une jeune femme (La Fornarina) (en italien,  Ritratto di giovane donna (La Fornarina)) est une peinture exécutée entre 1518 et 1519, et habituellement attribuée à l'artiste de la Renaissance Raphaël. C'est une peinture à l'huile sur bois de 85  × 60 cm conservée à la galerie nationale d'art antique du Palais Barberini de Rome (Italie).

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la abstract?

Le Portrait d'une jeune femme (La Fornarina) (en italien,  Ritratto di giovane donna (La Fornarina)) est une peinture exécutée entre 1518 et 1519, et habituellement attribuée à l'artiste de la Renaissance Raphaël. C'est une peinture à l'huile sur bois de 85  × 60 cm conservée à la galerie nationale d'art antique du Palais Barberini de Rome (Italie).

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la Histoire.

Il est probable que la peinture ait été dans l'atelier du peintre au moment de sa mort en 1520, et qu'elle ait été modifiée et vendue par son apprenti Jules Romain. Au XVIe siècle, ce portrait est dans les appartements de la comtesse Santaiora, une noble Romaine, et passe dans les mains du duc de Boncompagni avant d'intégrer la galerie nationale.On considère généralement que le peintre a réalisé le portrait de sa légendaire amante, dont il aurait également fait un portrait connu sous le nom de La donna velata conservé à la Galerie Palatine  du Palais Pitti de Florence. La femme est identifiée au XIXe siècle comme étant la fornarina (« la boulangère ») Margarita Luti, fille du boulanger (fornaio en italien, fornaro dans le dialecte de Rome) Francesco Luti da Siena. Néanmoins, sa vraie identité est toujours débattue.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

Il est probable que la peinture ait été dans l'atelier du peintre au moment de sa mort en 1520, et qu'elle ait été modifiée et vendue par son apprenti Jules Romain. Au XVIe siècle, ce portrait est dans les appartements de la comtesse Santaiora, une noble Romaine, et passe dans les mains du duc de Boncompagni avant d'intégrer la galerie nationale.On considère généralement que le peintre a réalisé le portrait de sa légendaire amante, dont il aurait également fait un portrait connu sous le nom de La donna velata conservé à la Galerie Palatine  du Palais Pitti de Florence. La femme est identifiée au XIXe siècle comme étant la fornarina (« la boulangère ») Margarita Luti, fille du boulanger (fornaio en italien, fornaro dans le dialecte de Rome) Francesco Luti da Siena. Néanmoins, sa vraie identité est toujours débattue.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa Histoire?

Il est probable que la peinture ait été dans l'atelier du peintre au moment de sa mort en 1520, et qu'elle ait été modifiée et vendue par son apprenti Jules Romain. Au XVIe siècle, ce portrait est dans les appartements de la comtesse Santaiora, une noble Romaine, et passe dans les mains du duc de Boncompagni avant d'intégrer la galerie nationale.On considère généralement que le peintre a réalisé le portrait de sa légendaire amante, dont il aurait également fait un portrait connu sous le nom de La donna velata conservé à la Galerie Palatine  du Palais Pitti de Florence. La femme est identifiée au XIXe siècle comme étant la fornarina (« la boulangère ») Margarita Luti, fille du boulanger (fornaio en italien, fornaro dans le dialecte de Rome) Francesco Luti da Siena. Néanmoins, sa vraie identité est toujours débattue.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la Histoire?

Il est probable que la peinture ait été dans l'atelier du peintre au moment de sa mort en 1520, et qu'elle ait été modifiée et vendue par son apprenti Jules Romain. Au XVIe siècle, ce portrait est dans les appartements de la comtesse Santaiora, une noble Romaine, et passe dans les mains du duc de Boncompagni avant d'intégrer la galerie nationale.On considère généralement que le peintre a réalisé le portrait de sa légendaire amante, dont il aurait également fait un portrait connu sous le nom de La donna velata conservé à la Galerie Palatine  du Palais Pitti de Florence. La femme est identifiée au XIXe siècle comme étant la fornarina (« la boulangère ») Margarita Luti, fille du boulanger (fornaio en italien, fornaro dans le dialecte de Rome) Francesco Luti da Siena. Néanmoins, sa vraie identité est toujours débattue.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la Description.

La femme est représentée à buste, assise portant un turban de style oriental orné d'un bijou et les seins nus. Elle fait le geste de se couvrir le sein gauche, ou de le recouvrir avec sa main droite, et est illuminée par une forte lumière. Elle porte, à son bras gauche, un ruban étroit qui porte la signature de l'artiste RAPHAEL VRBINAS. Son regard est tourné vers la gauche. En arrière-plan, le décor est constitué par un buisson de myrte, plante qui renvoie au mythe de Venus.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

La femme est représentée à buste, assise portant un turban de style oriental orné d'un bijou et les seins nus. Elle fait le geste de se couvrir le sein gauche, ou de le recouvrir avec sa main droite, et est illuminée par une forte lumière. Elle porte, à son bras gauche, un ruban étroit qui porte la signature de l'artiste RAPHAEL VRBINAS. Son regard est tourné vers la gauche. En arrière-plan, le décor est constitué par un buisson de myrte, plante qui renvoie au mythe de Venus.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa Description?

La femme est représentée à buste, assise portant un turban de style oriental orné d'un bijou et les seins nus. Elle fait le geste de se couvrir le sein gauche, ou de le recouvrir avec sa main droite, et est illuminée par une forte lumière. Elle porte, à son bras gauche, un ruban étroit qui porte la signature de l'artiste RAPHAEL VRBINAS. Son regard est tourné vers la gauche. En arrière-plan, le décor est constitué par un buisson de myrte, plante qui renvoie au mythe de Venus.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la Description?

La femme est représentée à buste, assise portant un turban de style oriental orné d'un bijou et les seins nus. Elle fait le geste de se couvrir le sein gauche, ou de le recouvrir avec sa main droite, et est illuminée par une forte lumière. Elle porte, à son bras gauche, un ruban étroit qui porte la signature de l'artiste RAPHAEL VRBINAS. Son regard est tourné vers la gauche. En arrière-plan, le décor est constitué par un buisson de myrte, plante qui renvoie au mythe de Venus.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la Analyse.

Ici, la jeune femme fait figure d'exception et de sensualité. Ses yeux sont légèrement tournés sur le côté, ils laissent entrevoir davantage de grivoiserie que la nudité des seins ; le geste du bras retenant mal le voile apparaît innocent. L'utilisation du voile transparent dans la peinture de la Renaissance servait à provoquer le désir plutôt que sauvegarder la pudeur.La Fornarina, « fille du boulanger », serait l'amante de Raphaël. Ce dernier épris de passion pour cette jeune femme aurait déclaré son amour à travers la toile. En regardant le tableau, on remarque un bracelet au bras gauche de la femme. On peut y lire : « Raphaël Urbinas ». Le bijou perd en coquetterie, d'artifice il devient une marque de possession. Il signe ici son tableau et pose son appartenance. Le bracelet est une sorte de sceau de l'amour.Une analyse aux rayons X a démontré que l'arrière plan était à l'origine un paysage dans le style de Léonard de Vinci à la place de buisson de myrte.Selon certaines analyses, le portrait de La Fornarina par Raphaël pourrait révéler un cancer du sein gauche avancé, basé sur des signes cliniques comme une masse déformée, des modifications de la peau, et un gonflement du bras. L'œuvre pourrait ainsi être l'une des premières représentations artistiques de cette maladie. Il n'y a pas cependant de documentation ou de preuves historiques solides concernant la santé de Margarita Luti.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

Ici, la jeune femme fait figure d'exception et de sensualité. Ses yeux sont légèrement tournés sur le côté, ils laissent entrevoir davantage de grivoiserie que la nudité des seins ; le geste du bras retenant mal le voile apparaît innocent. L'utilisation du voile transparent dans la peinture de la Renaissance servait à provoquer le désir plutôt que sauvegarder la pudeur.La Fornarina, « fille du boulanger », serait l'amante de Raphaël. Ce dernier épris de passion pour cette jeune femme aurait déclaré son amour à travers la toile. En regardant le tableau, on remarque un bracelet au bras gauche de la femme. On peut y lire : « Raphaël Urbinas ». Le bijou perd en coquetterie, d'artifice il devient une marque de possession. Il signe ici son tableau et pose son appartenance. Le bracelet est une sorte de sceau de l'amour.Une analyse aux rayons X a démontré que l'arrière plan était à l'origine un paysage dans le style de Léonard de Vinci à la place de buisson de myrte.Selon certaines analyses, le portrait de La Fornarina par Raphaël pourrait révéler un cancer du sein gauche avancé, basé sur des signes cliniques comme une masse déformée, des modifications de la peau, et un gonflement du bras. L'œuvre pourrait ainsi être l'une des premières représentations artistiques de cette maladie. Il n'y a pas cependant de documentation ou de preuves historiques solides concernant la santé de Margarita Luti.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa Analyse?

Ici, la jeune femme fait figure d'exception et de sensualité. Ses yeux sont légèrement tournés sur le côté, ils laissent entrevoir davantage de grivoiserie que la nudité des seins ; le geste du bras retenant mal le voile apparaît innocent. L'utilisation du voile transparent dans la peinture de la Renaissance servait à provoquer le désir plutôt que sauvegarder la pudeur.La Fornarina, « fille du boulanger », serait l'amante de Raphaël. Ce dernier épris de passion pour cette jeune femme aurait déclaré son amour à travers la toile. En regardant le tableau, on remarque un bracelet au bras gauche de la femme. On peut y lire : « Raphaël Urbinas ». Le bijou perd en coquetterie, d'artifice il devient une marque de possession. Il signe ici son tableau et pose son appartenance. Le bracelet est une sorte de sceau de l'amour.Une analyse aux rayons X a démontré que l'arrière plan était à l'origine un paysage dans le style de Léonard de Vinci à la place de buisson de myrte.Selon certaines analyses, le portrait de La Fornarina par Raphaël pourrait révéler un cancer du sein gauche avancé, basé sur des signes cliniques comme une masse déformée, des modifications de la peau, et un gonflement du bras. L'œuvre pourrait ainsi être l'une des premières représentations artistiques de cette maladie. Il n'y a pas cependant de documentation ou de preuves historiques solides concernant la santé de Margarita Luti.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la Analyse?

Ici, la jeune femme fait figure d'exception et de sensualité. Ses yeux sont légèrement tournés sur le côté, ils laissent entrevoir davantage de grivoiserie que la nudité des seins ; le geste du bras retenant mal le voile apparaît innocent. L'utilisation du voile transparent dans la peinture de la Renaissance servait à provoquer le désir plutôt que sauvegarder la pudeur.La Fornarina, « fille du boulanger », serait l'amante de Raphaël. Ce dernier épris de passion pour cette jeune femme aurait déclaré son amour à travers la toile. En regardant le tableau, on remarque un bracelet au bras gauche de la femme. On peut y lire : « Raphaël Urbinas ». Le bijou perd en coquetterie, d'artifice il devient une marque de possession. Il signe ici son tableau et pose son appartenance. Le bracelet est une sorte de sceau de l'amour.Une analyse aux rayons X a démontré que l'arrière plan était à l'origine un paysage dans le style de Léonard de Vinci à la place de buisson de myrte.Selon certaines analyses, le portrait de La Fornarina par Raphaël pourrait révéler un cancer du sein gauche avancé, basé sur des signes cliniques comme une masse déformée, des modifications de la peau, et un gonflement du bras. L'œuvre pourrait ainsi être l'une des premières représentations artistiques de cette maladie. Il n'y a pas cependant de documentation ou de preuves historiques solides concernant la santé de Margarita Luti.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la Attribution.

L'attribution à Raphaël est de plus en plus discutée. Les commissaires de l'exposition du Louvre et du Prado 2012-2013 dédiée aux dernières années de l'activité du peintre mettent en évidence le différent traitement du corps et de la tête du portrait et doutent que le tableau puisse être entièrement autographe.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la Attribution de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

L'attribution à Raphaël est de plus en plus discutée. Les commissaires de l'exposition du Louvre et du Prado 2012-2013 dédiée aux dernières années de l'activité du peintre mettent en évidence le différent traitement du corps et de la tête du portrait et doutent que le tableau puisse être entièrement autographe.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa Attribution?

L'attribution à Raphaël est de plus en plus discutée. Les commissaires de l'exposition du Louvre et du Prado 2012-2013 dédiée aux dernières années de l'activité du peintre mettent en évidence le différent traitement du corps et de la tête du portrait et doutent que le tableau puisse être entièrement autographe.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la Attribution?

L'attribution à Raphaël est de plus en plus discutée. Les commissaires de l'exposition du Louvre et du Prado 2012-2013 dédiée aux dernières années de l'activité du peintre mettent en évidence le différent traitement du corps et de la tête du portrait et doutent que le tableau puisse être entièrement autographe.

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Concentrez-vous sur La_Fornarina et expliquez la Hommages.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, influencé par les œuvres du maître, fit un tableau de Raphaël, avec la Fornarina sur ses genoux, dans son atelier, devant le tableau en cours d'exécution. Le peintre anglais William Turner la représente en inspiratrice des travaux de Raphaël au Vatican.Hommages dans la peintureGustave Flaubert, dans son Dictionnaire des idées reçues en dit « c'était une belle femme, inutile d'en savoir plus long ».

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Expliquer la Hommages de cette œuvre d'art, La_Fornarina.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, influencé par les œuvres du maître, fit un tableau de Raphaël, avec la Fornarina sur ses genoux, dans son atelier, devant le tableau en cours d'exécution. Le peintre anglais William Turner la représente en inspiratrice des travaux de Raphaël au Vatican.Hommages dans la peintureGustave Flaubert, dans son Dictionnaire des idées reçues en dit « c'était une belle femme, inutile d'en savoir plus long ».

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Comment La_Fornarina explique-t-il sa Hommages?

Jean-Auguste-Dominique Ingres, influencé par les œuvres du maître, fit un tableau de Raphaël, avec la Fornarina sur ses genoux, dans son atelier, devant le tableau en cours d'exécution. Le peintre anglais William Turner la représente en inspiratrice des travaux de Raphaël au Vatican.Hommages dans la peintureGustave Flaubert, dans son Dictionnaire des idées reçues en dit « c'était une belle femme, inutile d'en savoir plus long ».

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


La_Fornarina

Prompt: Dans La_Fornarina, comment est discutée la Hommages?

Jean-Auguste-Dominique Ingres, influencé par les œuvres du maître, fit un tableau de Raphaël, avec la Fornarina sur ses genoux, dans son atelier, devant le tableau en cours d'exécution. Le peintre anglais William Turner la représente en inspiratrice des travaux de Raphaël au Vatican.Hommages dans la peintureGustave Flaubert, dans son Dictionnaire des idées reçues en dit « c'était une belle femme, inutile d'en savoir plus long ».

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie nationale d'Art ancien de Rome

Rome vue du Vatican. Raphaël accompagné de la Fornarina prépare ses peintures pour la décoration de la loggia


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Concentrez-vous sur Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs et expliquez la abstract.

Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs est un tableau d'un auteur inconnu de l'École de Fontainebleau, peint autour de 1594. Cette huile sur panneau de chêne est conservée depuis 1937 au musée du Louvre qui l'a achetée à la collection de Mme Goubert de Guestre.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs.

Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs est un tableau d'un auteur inconnu de l'École de Fontainebleau, peint autour de 1594. Cette huile sur panneau de chêne est conservée depuis 1937 au musée du Louvre qui l'a achetée à la collection de Mme Goubert de Guestre.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Comment Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs explique-t-il sa abstract?

Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs est un tableau d'un auteur inconnu de l'École de Fontainebleau, peint autour de 1594. Cette huile sur panneau de chêne est conservée depuis 1937 au musée du Louvre qui l'a achetée à la collection de Mme Goubert de Guestre.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Dans Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs, comment est discutée la abstract?

Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs est un tableau d'un auteur inconnu de l'École de Fontainebleau, peint autour de 1594. Cette huile sur panneau de chêne est conservée depuis 1937 au musée du Louvre qui l'a achetée à la collection de Mme Goubert de Guestre.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Concentrez-vous sur Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs et expliquez la Description.

Un grand rideau de soie rouge ouvert (probablement issu d'un baldaquin) encadre deux jeunes femmes nues dans une baignoire remplie probablement de vin ou de lait pour leurs vertus rajeunissantes et non d'eau car à cette époque de la « toilette sèche », la société de cour fuyait cet élément accusé de transmettre des maladies en ouvrant les pores de la peau. La baignoire est recouverte du traditionnel drap clair qui adoucit le contact et dont la couleur atténue la froidure de la peau de porcelaine des deux femmes qui exposent leurs charmes. La femme sur le côté gauche, supposément Julienne-Hippolyte d'Estrées, duchesse de Villars comme le mentionne une inscription sur une copie ultérieure du tableau, pince le sein fardé de rouge de sa sœur Gabrielle d'Estrées, dont le bras droit repose sur le rebord de la baignoire. Gabrielle d'Estrées tient du bout des doigts de la main gauche une bague qui pourrait être l'anneau du couronnement de Henri IV qu'il lui a offert le 2 mars 1599 (en guise de promesse de mariage, ce qui fit scandale à la Cour), son autre main reposant également sur le rebord de la baignoire. Les deux femmes au visage ovale ont le cou nu, sans collier, ce qui renforce leur allure altière mais les perles en pendants d'oreilles soulignent leur rang.Derrière les deux femmes un autre rideau rouge dissimule partiellement l'arrière-plan dans lequel se trouve une couturière, peut-être une nourrice. On perçoit également un mobilier recouvert d'un drap de velours vert ainsi qu'une cheminée avec un feu rougeoyant. Au-dessus de la cheminée est suspendue une peinture partiellement visible qui montre le bas du corps d'un homme nu avec une couverture rouge cachant les parties génitales.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs.

Un grand rideau de soie rouge ouvert (probablement issu d'un baldaquin) encadre deux jeunes femmes nues dans une baignoire remplie probablement de vin ou de lait pour leurs vertus rajeunissantes et non d'eau car à cette époque de la « toilette sèche », la société de cour fuyait cet élément accusé de transmettre des maladies en ouvrant les pores de la peau. La baignoire est recouverte du traditionnel drap clair qui adoucit le contact et dont la couleur atténue la froidure de la peau de porcelaine des deux femmes qui exposent leurs charmes. La femme sur le côté gauche, supposément Julienne-Hippolyte d'Estrées, duchesse de Villars comme le mentionne une inscription sur une copie ultérieure du tableau, pince le sein fardé de rouge de sa sœur Gabrielle d'Estrées, dont le bras droit repose sur le rebord de la baignoire. Gabrielle d'Estrées tient du bout des doigts de la main gauche une bague qui pourrait être l'anneau du couronnement de Henri IV qu'il lui a offert le 2 mars 1599 (en guise de promesse de mariage, ce qui fit scandale à la Cour), son autre main reposant également sur le rebord de la baignoire. Les deux femmes au visage ovale ont le cou nu, sans collier, ce qui renforce leur allure altière mais les perles en pendants d'oreilles soulignent leur rang.Derrière les deux femmes un autre rideau rouge dissimule partiellement l'arrière-plan dans lequel se trouve une couturière, peut-être une nourrice. On perçoit également un mobilier recouvert d'un drap de velours vert ainsi qu'une cheminée avec un feu rougeoyant. Au-dessus de la cheminée est suspendue une peinture partiellement visible qui montre le bas du corps d'un homme nu avec une couverture rouge cachant les parties génitales.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Comment Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs explique-t-il sa Description?

Un grand rideau de soie rouge ouvert (probablement issu d'un baldaquin) encadre deux jeunes femmes nues dans une baignoire remplie probablement de vin ou de lait pour leurs vertus rajeunissantes et non d'eau car à cette époque de la « toilette sèche », la société de cour fuyait cet élément accusé de transmettre des maladies en ouvrant les pores de la peau. La baignoire est recouverte du traditionnel drap clair qui adoucit le contact et dont la couleur atténue la froidure de la peau de porcelaine des deux femmes qui exposent leurs charmes. La femme sur le côté gauche, supposément Julienne-Hippolyte d'Estrées, duchesse de Villars comme le mentionne une inscription sur une copie ultérieure du tableau, pince le sein fardé de rouge de sa sœur Gabrielle d'Estrées, dont le bras droit repose sur le rebord de la baignoire. Gabrielle d'Estrées tient du bout des doigts de la main gauche une bague qui pourrait être l'anneau du couronnement de Henri IV qu'il lui a offert le 2 mars 1599 (en guise de promesse de mariage, ce qui fit scandale à la Cour), son autre main reposant également sur le rebord de la baignoire. Les deux femmes au visage ovale ont le cou nu, sans collier, ce qui renforce leur allure altière mais les perles en pendants d'oreilles soulignent leur rang.Derrière les deux femmes un autre rideau rouge dissimule partiellement l'arrière-plan dans lequel se trouve une couturière, peut-être une nourrice. On perçoit également un mobilier recouvert d'un drap de velours vert ainsi qu'une cheminée avec un feu rougeoyant. Au-dessus de la cheminée est suspendue une peinture partiellement visible qui montre le bas du corps d'un homme nu avec une couverture rouge cachant les parties génitales.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Dans Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs, comment est discutée la Description?

Un grand rideau de soie rouge ouvert (probablement issu d'un baldaquin) encadre deux jeunes femmes nues dans une baignoire remplie probablement de vin ou de lait pour leurs vertus rajeunissantes et non d'eau car à cette époque de la « toilette sèche », la société de cour fuyait cet élément accusé de transmettre des maladies en ouvrant les pores de la peau. La baignoire est recouverte du traditionnel drap clair qui adoucit le contact et dont la couleur atténue la froidure de la peau de porcelaine des deux femmes qui exposent leurs charmes. La femme sur le côté gauche, supposément Julienne-Hippolyte d'Estrées, duchesse de Villars comme le mentionne une inscription sur une copie ultérieure du tableau, pince le sein fardé de rouge de sa sœur Gabrielle d'Estrées, dont le bras droit repose sur le rebord de la baignoire. Gabrielle d'Estrées tient du bout des doigts de la main gauche une bague qui pourrait être l'anneau du couronnement de Henri IV qu'il lui a offert le 2 mars 1599 (en guise de promesse de mariage, ce qui fit scandale à la Cour), son autre main reposant également sur le rebord de la baignoire. Les deux femmes au visage ovale ont le cou nu, sans collier, ce qui renforce leur allure altière mais les perles en pendants d'oreilles soulignent leur rang.Derrière les deux femmes un autre rideau rouge dissimule partiellement l'arrière-plan dans lequel se trouve une couturière, peut-être une nourrice. On perçoit également un mobilier recouvert d'un drap de velours vert ainsi qu'une cheminée avec un feu rougeoyant. Au-dessus de la cheminée est suspendue une peinture partiellement visible qui montre le bas du corps d'un homme nu avec une couverture rouge cachant les parties génitales.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Concentrez-vous sur Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs et expliquez la Signification.

Même si ce tableau érotique est d'autant plus troublant qu'il est mystérieux, la tenue du mamelon de Gabrielle d'Estrées est souvent interprétée comme une indication de sa grossesse ou qu'elle vient de donner naissance à un enfant. De fait, elle a donné naissance en juin 1594 à César de Vendôme, un garçon présenté comme un enfant qu'elle aurait eu d'Henri IV. Selon cette interprétation, la couturière prépare des vêtements pour enfants dans le fond et le portrait de la cheminée pourrait être celui du père. Par ailleurs le pincement du téton attire l'attention vers la source du lait maternel de l'enfant à venir ou du nourrisson. La bague est un cadeau de fiançailles qui rappelle la promesse de mariage d'Henri IV. L'arrière-plan représente un intérieur sinistre qui pourrait évoquer la future mort de Gabrielle par le rideau rouge sang, l'âtre avec une flamme peu lumineuse, le miroir sombre qui ne reflète plus rien et le cercueil recouvert de velours vert, couleur préférée de Gabrielle.Une autre interprétation suppose que le tableau est le dernier d'une série représentant la succession des maîtresses d'Henri IV sur le même thème de la « Dame au Bain ». Comme l'homme représenté dans le tableau au-dessus de la cheminée n'est pas Henri IV, seule la partie inférieure du corps est montrée. C'est dans cette optique que l'écrivain Wolfram Fleischhauer émet l'hypothèse dans son roman La Ligne pourpre que ce n'est pas la sœur de Gabrielle qui est présentée mais Henriette d'Entragues, favorite suivante d'Henri IV qui lui promet aussi le mariage.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Expliquer la Signification de cette œuvre d'art, Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs.

Même si ce tableau érotique est d'autant plus troublant qu'il est mystérieux, la tenue du mamelon de Gabrielle d'Estrées est souvent interprétée comme une indication de sa grossesse ou qu'elle vient de donner naissance à un enfant. De fait, elle a donné naissance en juin 1594 à César de Vendôme, un garçon présenté comme un enfant qu'elle aurait eu d'Henri IV. Selon cette interprétation, la couturière prépare des vêtements pour enfants dans le fond et le portrait de la cheminée pourrait être celui du père. Par ailleurs le pincement du téton attire l'attention vers la source du lait maternel de l'enfant à venir ou du nourrisson. La bague est un cadeau de fiançailles qui rappelle la promesse de mariage d'Henri IV. L'arrière-plan représente un intérieur sinistre qui pourrait évoquer la future mort de Gabrielle par le rideau rouge sang, l'âtre avec une flamme peu lumineuse, le miroir sombre qui ne reflète plus rien et le cercueil recouvert de velours vert, couleur préférée de Gabrielle.Une autre interprétation suppose que le tableau est le dernier d'une série représentant la succession des maîtresses d'Henri IV sur le même thème de la « Dame au Bain ». Comme l'homme représenté dans le tableau au-dessus de la cheminée n'est pas Henri IV, seule la partie inférieure du corps est montrée. C'est dans cette optique que l'écrivain Wolfram Fleischhauer émet l'hypothèse dans son roman La Ligne pourpre que ce n'est pas la sœur de Gabrielle qui est présentée mais Henriette d'Entragues, favorite suivante d'Henri IV qui lui promet aussi le mariage.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Comment Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs explique-t-il sa Signification?

Même si ce tableau érotique est d'autant plus troublant qu'il est mystérieux, la tenue du mamelon de Gabrielle d'Estrées est souvent interprétée comme une indication de sa grossesse ou qu'elle vient de donner naissance à un enfant. De fait, elle a donné naissance en juin 1594 à César de Vendôme, un garçon présenté comme un enfant qu'elle aurait eu d'Henri IV. Selon cette interprétation, la couturière prépare des vêtements pour enfants dans le fond et le portrait de la cheminée pourrait être celui du père. Par ailleurs le pincement du téton attire l'attention vers la source du lait maternel de l'enfant à venir ou du nourrisson. La bague est un cadeau de fiançailles qui rappelle la promesse de mariage d'Henri IV. L'arrière-plan représente un intérieur sinistre qui pourrait évoquer la future mort de Gabrielle par le rideau rouge sang, l'âtre avec une flamme peu lumineuse, le miroir sombre qui ne reflète plus rien et le cercueil recouvert de velours vert, couleur préférée de Gabrielle.Une autre interprétation suppose que le tableau est le dernier d'une série représentant la succession des maîtresses d'Henri IV sur le même thème de la « Dame au Bain ». Comme l'homme représenté dans le tableau au-dessus de la cheminée n'est pas Henri IV, seule la partie inférieure du corps est montrée. C'est dans cette optique que l'écrivain Wolfram Fleischhauer émet l'hypothèse dans son roman La Ligne pourpre que ce n'est pas la sœur de Gabrielle qui est présentée mais Henriette d'Entragues, favorite suivante d'Henri IV qui lui promet aussi le mariage.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Dans Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs, comment est discutée la Signification?

Même si ce tableau érotique est d'autant plus troublant qu'il est mystérieux, la tenue du mamelon de Gabrielle d'Estrées est souvent interprétée comme une indication de sa grossesse ou qu'elle vient de donner naissance à un enfant. De fait, elle a donné naissance en juin 1594 à César de Vendôme, un garçon présenté comme un enfant qu'elle aurait eu d'Henri IV. Selon cette interprétation, la couturière prépare des vêtements pour enfants dans le fond et le portrait de la cheminée pourrait être celui du père. Par ailleurs le pincement du téton attire l'attention vers la source du lait maternel de l'enfant à venir ou du nourrisson. La bague est un cadeau de fiançailles qui rappelle la promesse de mariage d'Henri IV. L'arrière-plan représente un intérieur sinistre qui pourrait évoquer la future mort de Gabrielle par le rideau rouge sang, l'âtre avec une flamme peu lumineuse, le miroir sombre qui ne reflète plus rien et le cercueil recouvert de velours vert, couleur préférée de Gabrielle.Une autre interprétation suppose que le tableau est le dernier d'une série représentant la succession des maîtresses d'Henri IV sur le même thème de la « Dame au Bain ». Comme l'homme représenté dans le tableau au-dessus de la cheminée n'est pas Henri IV, seule la partie inférieure du corps est montrée. C'est dans cette optique que l'écrivain Wolfram Fleischhauer émet l'hypothèse dans son roman La Ligne pourpre que ce n'est pas la sœur de Gabrielle qui est présentée mais Henriette d'Entragues, favorite suivante d'Henri IV qui lui promet aussi le mariage.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Concentrez-vous sur Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs et expliquez la Répliques.

Le thème de la « Dame au Bain » a été repris pour toute une série de tableaux représentant Gabrielle d'Estrées et qui s'inspirent de celui de François Clouet réalisé vers 1571. Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs a également fait l'objet de caricatures.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Expliquer la Répliques de cette œuvre d'art, Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs.

Le thème de la « Dame au Bain » a été repris pour toute une série de tableaux représentant Gabrielle d'Estrées et qui s'inspirent de celui de François Clouet réalisé vers 1571. Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs a également fait l'objet de caricatures.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Comment Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs explique-t-il sa Répliques?

Le thème de la « Dame au Bain » a été repris pour toute une série de tableaux représentant Gabrielle d'Estrées et qui s'inspirent de celui de François Clouet réalisé vers 1571. Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs a également fait l'objet de caricatures.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs

Prompt: Dans Gabrielle_d'Estrées_et_une_de_ses_sœurs, comment est discutée la Répliques?

Le thème de la « Dame au Bain » a été repris pour toute une série de tableaux représentant Gabrielle d'Estrées et qui s'inspirent de celui de François Clouet réalisé vers 1571. Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs a également fait l'objet de caricatures.

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Catégorie:Bain ou baignade dans la peinture

Catégorie:Collection de peintures françaises du Louvre


Le_Père_Tanguy

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Père_Tanguy et expliquez la abstract.

Le Père Tanguy est un tableau du peintre néerlandais Vincent van Gogh réalisé en 1887. Cette huile sur toile est un portrait japonesque de Julien François Tanguy assis les mains croisées devant des estampes qui représentent notamment le mont Fuji, un cerisier ou des acteurs kabuki. Elle est conservée au musée Rodin, à Paris, en France.

Catégorie:Œuvre conservée au musée Rodin

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh en France


Le_Père_Tanguy

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Le_Père_Tanguy.

Le Père Tanguy est un tableau du peintre néerlandais Vincent van Gogh réalisé en 1887. Cette huile sur toile est un portrait japonesque de Julien François Tanguy assis les mains croisées devant des estampes qui représentent notamment le mont Fuji, un cerisier ou des acteurs kabuki. Elle est conservée au musée Rodin, à Paris, en France.

Catégorie:Œuvre conservée au musée Rodin

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh en France


Le_Père_Tanguy

Prompt: Comment Le_Père_Tanguy explique-t-il sa abstract?

Le Père Tanguy est un tableau du peintre néerlandais Vincent van Gogh réalisé en 1887. Cette huile sur toile est un portrait japonesque de Julien François Tanguy assis les mains croisées devant des estampes qui représentent notamment le mont Fuji, un cerisier ou des acteurs kabuki. Elle est conservée au musée Rodin, à Paris, en France.

Catégorie:Œuvre conservée au musée Rodin

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh en France


Le_Père_Tanguy

Prompt: Dans Le_Père_Tanguy, comment est discutée la abstract?

Le Père Tanguy est un tableau du peintre néerlandais Vincent van Gogh réalisé en 1887. Cette huile sur toile est un portrait japonesque de Julien François Tanguy assis les mains croisées devant des estampes qui représentent notamment le mont Fuji, un cerisier ou des acteurs kabuki. Elle est conservée au musée Rodin, à Paris, en France.

Catégorie:Œuvre conservée au musée Rodin

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh en France


Cent_vues_d'Edo

Prompt: Concentrez-vous sur Cent_vues_d'Edo et expliquez la abstract.

Les Cent vues d'Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei) constituent, avec Les Cinquante-trois Stations du Tōkaidō et Les Soixante-neuf Stations du Kiso Kaidō, l'une des séries d'estampes majeures que compte l'œuvre très abondante du peintre japonais Hiroshige. Malgré le titre de l'œuvre, réalisée entre 1856 et 1858, il y a en réalité 119 estampes qui toutes utilisent la technique de la xylographie (gravure sur bois). La série appartient au style de l'ukiyo-e, mouvement artistique portant sur des sujets populaires à destination de la classe moyenne japonaise urbaine qui s'est développée durant l'époque d'Edo (1603-1868). Plus précisément, elle relève du genre des meisho-e (« peinture de vues célèbres ») célébrant les paysages japonais, un thème classique dans l'histoire de la peinture japonaise. Quelques-unes des gravures sont réalisées par son élève et fils adoptif, Utagawa Hiroshige II qui, pendant un temps, utilise ce pseudonyme pour signer certaines de ses œuvres.Hiroshige est un grand paysagiste, un des meilleurs de son temps, saisissant en images lyriques et émotionnelles les sites les plus beaux et les plus renommés du Japon, et particulièrement de sa capitale, Edo, l'actuelle Tokyo. Dans cette série sont représentés les lieux les plus emblématiques de la ville, reconstruite depuis peu à la suite d'un séisme dévastateur survenu en 1855.Hiroshige ne montre toutefois pas les effets des destructions mais une ville idéalisée, essayant de transmettre au spectateur la beauté et la vie d'Edo, avec une tonalité penchant vers la nostalgie. Dans le même temps, la série offre au public une forme de revue d'actualités semblable à une gazette qui donne un aperçu du développement des reconstructions de la ville. Les estampes présentent aussi des scènes sociales, les rites et les coutumes des populations locales, combinant avec une grande diversité le paysage avec une description détaillée des personnes et des environnements.Les Cent vues d'Edo illustrent la dernière phase de l'art de Hiroshige, où la sensibilité et le lyrisme presque poétique de ses paysages laissent place à plus d'abstraction et d'audace de composition. Adoptant le format vertical, rarement utilisé pour les séries paysagères, il innove volontiers en opposant un premier plan dramatiquement agrandi au paysage en fond, ainsi que par la vivacité de la couleur. Certains chefs-d’œuvre de la série ont été grandement étudiés en Occident par les impressionnistes et les postimpressionnistes, notamment Vincent van Gogh qui en a tiré deux copies.« Par-dessus tout, je voulais reproduire avec précision les régions célèbres d'Edo… et peindre des paysages que l'observateur peut voir de ses propres yeux. »— Utagawa Hiroshige, Souvenirs illustrés d'Edo.

Fichier:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Fichier:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

Vues des sites célèbres des soixante et quelques provinces du Japon

Les Soixante-Neuf Stations du Kiso Kaidō

Fichier:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Nocturne en bleu et or - le Vieux Pont de Battersea

Fichier:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Fichier:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Portrait posthume d'Hiroshige, peint par son ami [[Utagawa Kunisada

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

''Japonaiserie : Pont sous la pluie'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

''Le « pin de la Lune » à Ueno'' ([[1857

À gauche, ''Le Jardin des pruniers à Kameido'' (planche 30), à droite la copie qu'en a tirée [[Vincent van Gogh

Fichier:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Fichier:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg

''À l'intérieur du sanctuaire Kameido Tenjin'' ([[1857

Fichier:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

''Le pont Ōhashi à Atake sous une averse soudaine'' ([[1857

Fichier:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif

Fichier:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Fichier:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Fichier:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

:Commons:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Fichier:Hiroshige, Table of contents.jpg

alt=Reproduction de l'estampe d'Hiroshige

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif


Cent_vues_d'Edo

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Cent_vues_d'Edo.

Les Cent vues d'Edo (名所江戸百景, Meisho Edo Hyakkei) constituent, avec Les Cinquante-trois Stations du Tōkaidō et Les Soixante-neuf Stations du Kiso Kaidō, l'une des séries d'estampes majeures que compte l'œuvre très abondante du peintre japonais Hiroshige. Malgré le titre de l'œuvre, réalisée entre 1856 et 1858, il y a en réalité 119 estampes qui toutes utilisent la technique de la xylographie (gravure sur bois). La série appartient au style de l'ukiyo-e, mouvement artistique portant sur des sujets populaires à destination de la classe moyenne japonaise urbaine qui s'est développée durant l'époque d'Edo (1603-1868). Plus précisément, elle relève du genre des meisho-e (« peinture de vues célèbres ») célébrant les paysages japonais, un thème classique dans l'histoire de la peinture japonaise. Quelques-unes des gravures sont réalisées par son élève et fils adoptif, Utagawa Hiroshige II qui, pendant un temps, utilise ce pseudonyme pour signer certaines de ses œuvres.Hiroshige est un grand paysagiste, un des meilleurs de son temps, saisissant en images lyriques et émotionnelles les sites les plus beaux et les plus renommés du Japon, et particulièrement de sa capitale, Edo, l'actuelle Tokyo. Dans cette série sont représentés les lieux les plus emblématiques de la ville, reconstruite depuis peu à la suite d'un séisme dévastateur survenu en 1855.Hiroshige ne montre toutefois pas les effets des destructions mais une ville idéalisée, essayant de transmettre au spectateur la beauté et la vie d'Edo, avec une tonalité penchant vers la nostalgie. Dans le même temps, la série offre au public une forme de revue d'actualités semblable à une gazette qui donne un aperçu du développement des reconstructions de la ville. Les estampes présentent aussi des scènes sociales, les rites et les coutumes des populations locales, combinant avec une grande diversité le paysage avec une description détaillée des personnes et des environnements.Les Cent vues d'Edo illustrent la dernière phase de l'art de Hiroshige, où la sensibilité et le lyrisme presque poétique de ses paysages laissent place à plus d'abstraction et d'audace de composition. Adoptant le format vertical, rarement utilisé pour les séries paysagères, il innove volontiers en opposant un premier plan dramatiquement agrandi au paysage en fond, ainsi que par la vivacité de la couleur. Certains chefs-d’œuvre de la série ont été grandement étudiés en Occident par les impressionnistes et les postimpressionnistes, notamment Vincent van Gogh qui en a tiré deux copies.« Par-dessus tout, je voulais reproduire avec précision les régions célèbres d'Edo… et peindre des paysages que l'observateur peut voir de ses propres yeux. »— Utagawa Hiroshige, Souvenirs illustrés d'Edo.

Fichier:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

Fichier:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

Vues des sites célèbres des soixante et quelques provinces du Japon

Les Soixante-Neuf Stations du Kiso Kaidō

Fichier:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Nocturne en bleu et or - le Vieux Pont de Battersea

Fichier:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg

Fichier:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

Portrait posthume d'Hiroshige, peint par son ami [[Utagawa Kunisada

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

''Japonaiserie : Pont sous la pluie'' (1887), de [[Vincent van Gogh

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

''Le « pin de la Lune » à Ueno'' ([[1857

À gauche, ''Le Jardin des pruniers à Kameido'' (planche 30), à droite la copie qu'en a tirée [[Vincent van Gogh

Fichier:Hiroshige Pruneraie à Kameido.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Fichier:Memorial Portrait of Hiroshige, by Kunisada.jpg

''À l'intérieur du sanctuaire Kameido Tenjin'' ([[1857

Fichier:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

''Le pont Ōhashi à Atake sous une averse soudaine'' ([[1857

Fichier:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif

Fichier:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

Fichier:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Fichier:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

:Commons:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Fichier:Hiroshige, Table of contents.jpg

alt=Reproduction de l'estampe d'Hiroshige

Fichier:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif