La_Veuve_indienne

Prompt: Dans La_Veuve_indienne, comment est discutée la Œuvres similaires?

En 1785, une gravure de cette peinture a été faite par un autre artiste originaire de Derby, John Raphael Smith. Wright a peint un tableau similaire ayant pour thème le courage féminin, intitulé La Dame dans le Comus de Milton (The Lady in Milton's Comus), ainsi qu'une copie très ressemblante de La Veuve indienne. La Dame dans le Comus de Milton est exposé à la Walker Art Gallery de Liverpool, tandis que la copie de La Veuve a été perdue dans un incendie. Les deux tableaux ont été présentés à l'exposition de Joseph Wright en 1785, lors de ce qui fut peut-être le premier « one-man-show » d'Angleterre. Wright prépara les plans pour l'exposition de ses œuvres l'année même où il refusa de devenir membre de la Royal Academy.

Catégorie:Œuvre de Joseph Wright of Derby au Derby Museum and Art Gallery

Catégorie:Nord-Amérindiens dans la peinture

Catégorie:Tableau de Joseph Wright of Derby

exposition consacrée à l'artiste en 1785

File:Joseph Wright of Derby. The Lady in Milton's Comus. exhibited 1785..jpg

''La Dame dans le Comus de Milton'', exposé pour la première fois en 1785.


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur L'Offrande_à_Vénus et expliquez la abstract.

L'Offrande à Vénus  ou La Fête des Amours est une peinture à l'huile sur toile (172 × 175 cm) réalisée par Le Titien, datable de 1518-1519 et conservée au musée du Prado à Madrid.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, L'Offrande_à_Vénus.

L'Offrande à Vénus  ou La Fête des Amours est une peinture à l'huile sur toile (172 × 175 cm) réalisée par Le Titien, datable de 1518-1519 et conservée au musée du Prado à Madrid.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Comment L'Offrande_à_Vénus explique-t-il sa abstract?

L'Offrande à Vénus  ou La Fête des Amours est une peinture à l'huile sur toile (172 × 175 cm) réalisée par Le Titien, datable de 1518-1519 et conservée au musée du Prado à Madrid.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Dans L'Offrande_à_Vénus, comment est discutée la abstract?

L'Offrande à Vénus  ou La Fête des Amours est une peinture à l'huile sur toile (172 × 175 cm) réalisée par Le Titien, datable de 1518-1519 et conservée au musée du Prado à Madrid.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur L'Offrande_à_Vénus et expliquez la Histoire.

L'œuvre est la première peinte par Titien pour le cycle des « Baccanali », destiné à décorer des salles d'albâtre, les Camerini d'alabastro du studiolo d'Alphonse Ier d'Este. Le duc avait déjà obtenu une toile de Giovanni Bellini (Le Festin des dieux, dont Titien avait retouché le paysage), et quelques années plus tôt Titien avait déjà peint Le Christ au denier destiné à décorer une porte.L'Offrande à Vénus est d'abord commandée à Fra Bartolomeo, mais sa mort en 1517 interrompt sa réalisation. Le frère florentin a pourtant fait un dessin, son premier sujet non religieux depuis sa conversion aux théories de Jérôme Savonarole. Titien reçoit le dessin préparatoire existant ; il décide de le renverser, mettant en place une composition dans laquelle l'image de la déesse est retirée, à droite plutôt qu'au centre, et il se concentre sur la foule des Amours. Cependant, il reprend diverses idées, comme le type de statue, une Aphrodite pudique, et l'attitude des nymphes, notamment celle au miroir.Les vicissitudes de la commande et de la livraison du tableau en octobre 1519, sont attestées par l'abondante correspondance entre l'artiste, la cour d'Este et les envoyés du duc à Venise. Pour respecter les dimensions requises, la toile et le cadre sont envoyés de Ferrare avec le programme iconographique où le 17 octobre, l'artiste se rend personnellement pour présider à son installation.Avec le démantèlement rapide du studiolo à la suite de la dévolution de Ferrare aux États pontificaux en 1598, les peintures sont dispersées. La Fête des Amours est apportée à Rome par le cardinal Pietro Aldobrandini, légat apostolique. Vers 1634, par l'intermédiaire du vice-roi de Naples Manuel de Acevedo y Zúñiga, le tableau est offert avec la Bacchanale des Andriens à Philippe IV (roi d'Espagne), en partie à titre de paiement de la Principauté de Piombino. Les premières mentions documentées en Espagne remontent aux inventaires du palais de l'Alcazar de Madrid en 1666, 1686 et 1700.Les trois toiles de Titien ont été admirées et copiées par Pierre Paul Rubens, Guido Reni, Nicolas Poussin et Diego Vélasquez, fournissant l'inspiration pour le développement du Baroque. Les larmes sincères du Dominiquin en voyant ces chefs-d'œuvre quitter l'Italie demeurent célèbres.Il existe une copie avec des variantes de Rubens au Nationalmuseum de Stockholm.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, L'Offrande_à_Vénus.

L'œuvre est la première peinte par Titien pour le cycle des « Baccanali », destiné à décorer des salles d'albâtre, les Camerini d'alabastro du studiolo d'Alphonse Ier d'Este. Le duc avait déjà obtenu une toile de Giovanni Bellini (Le Festin des dieux, dont Titien avait retouché le paysage), et quelques années plus tôt Titien avait déjà peint Le Christ au denier destiné à décorer une porte.L'Offrande à Vénus est d'abord commandée à Fra Bartolomeo, mais sa mort en 1517 interrompt sa réalisation. Le frère florentin a pourtant fait un dessin, son premier sujet non religieux depuis sa conversion aux théories de Jérôme Savonarole. Titien reçoit le dessin préparatoire existant ; il décide de le renverser, mettant en place une composition dans laquelle l'image de la déesse est retirée, à droite plutôt qu'au centre, et il se concentre sur la foule des Amours. Cependant, il reprend diverses idées, comme le type de statue, une Aphrodite pudique, et l'attitude des nymphes, notamment celle au miroir.Les vicissitudes de la commande et de la livraison du tableau en octobre 1519, sont attestées par l'abondante correspondance entre l'artiste, la cour d'Este et les envoyés du duc à Venise. Pour respecter les dimensions requises, la toile et le cadre sont envoyés de Ferrare avec le programme iconographique où le 17 octobre, l'artiste se rend personnellement pour présider à son installation.Avec le démantèlement rapide du studiolo à la suite de la dévolution de Ferrare aux États pontificaux en 1598, les peintures sont dispersées. La Fête des Amours est apportée à Rome par le cardinal Pietro Aldobrandini, légat apostolique. Vers 1634, par l'intermédiaire du vice-roi de Naples Manuel de Acevedo y Zúñiga, le tableau est offert avec la Bacchanale des Andriens à Philippe IV (roi d'Espagne), en partie à titre de paiement de la Principauté de Piombino. Les premières mentions documentées en Espagne remontent aux inventaires du palais de l'Alcazar de Madrid en 1666, 1686 et 1700.Les trois toiles de Titien ont été admirées et copiées par Pierre Paul Rubens, Guido Reni, Nicolas Poussin et Diego Vélasquez, fournissant l'inspiration pour le développement du Baroque. Les larmes sincères du Dominiquin en voyant ces chefs-d'œuvre quitter l'Italie demeurent célèbres.Il existe une copie avec des variantes de Rubens au Nationalmuseum de Stockholm.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Comment L'Offrande_à_Vénus explique-t-il sa Histoire?

L'œuvre est la première peinte par Titien pour le cycle des « Baccanali », destiné à décorer des salles d'albâtre, les Camerini d'alabastro du studiolo d'Alphonse Ier d'Este. Le duc avait déjà obtenu une toile de Giovanni Bellini (Le Festin des dieux, dont Titien avait retouché le paysage), et quelques années plus tôt Titien avait déjà peint Le Christ au denier destiné à décorer une porte.L'Offrande à Vénus est d'abord commandée à Fra Bartolomeo, mais sa mort en 1517 interrompt sa réalisation. Le frère florentin a pourtant fait un dessin, son premier sujet non religieux depuis sa conversion aux théories de Jérôme Savonarole. Titien reçoit le dessin préparatoire existant ; il décide de le renverser, mettant en place une composition dans laquelle l'image de la déesse est retirée, à droite plutôt qu'au centre, et il se concentre sur la foule des Amours. Cependant, il reprend diverses idées, comme le type de statue, une Aphrodite pudique, et l'attitude des nymphes, notamment celle au miroir.Les vicissitudes de la commande et de la livraison du tableau en octobre 1519, sont attestées par l'abondante correspondance entre l'artiste, la cour d'Este et les envoyés du duc à Venise. Pour respecter les dimensions requises, la toile et le cadre sont envoyés de Ferrare avec le programme iconographique où le 17 octobre, l'artiste se rend personnellement pour présider à son installation.Avec le démantèlement rapide du studiolo à la suite de la dévolution de Ferrare aux États pontificaux en 1598, les peintures sont dispersées. La Fête des Amours est apportée à Rome par le cardinal Pietro Aldobrandini, légat apostolique. Vers 1634, par l'intermédiaire du vice-roi de Naples Manuel de Acevedo y Zúñiga, le tableau est offert avec la Bacchanale des Andriens à Philippe IV (roi d'Espagne), en partie à titre de paiement de la Principauté de Piombino. Les premières mentions documentées en Espagne remontent aux inventaires du palais de l'Alcazar de Madrid en 1666, 1686 et 1700.Les trois toiles de Titien ont été admirées et copiées par Pierre Paul Rubens, Guido Reni, Nicolas Poussin et Diego Vélasquez, fournissant l'inspiration pour le développement du Baroque. Les larmes sincères du Dominiquin en voyant ces chefs-d'œuvre quitter l'Italie demeurent célèbres.Il existe une copie avec des variantes de Rubens au Nationalmuseum de Stockholm.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Dans L'Offrande_à_Vénus, comment est discutée la Histoire?

L'œuvre est la première peinte par Titien pour le cycle des « Baccanali », destiné à décorer des salles d'albâtre, les Camerini d'alabastro du studiolo d'Alphonse Ier d'Este. Le duc avait déjà obtenu une toile de Giovanni Bellini (Le Festin des dieux, dont Titien avait retouché le paysage), et quelques années plus tôt Titien avait déjà peint Le Christ au denier destiné à décorer une porte.L'Offrande à Vénus est d'abord commandée à Fra Bartolomeo, mais sa mort en 1517 interrompt sa réalisation. Le frère florentin a pourtant fait un dessin, son premier sujet non religieux depuis sa conversion aux théories de Jérôme Savonarole. Titien reçoit le dessin préparatoire existant ; il décide de le renverser, mettant en place une composition dans laquelle l'image de la déesse est retirée, à droite plutôt qu'au centre, et il se concentre sur la foule des Amours. Cependant, il reprend diverses idées, comme le type de statue, une Aphrodite pudique, et l'attitude des nymphes, notamment celle au miroir.Les vicissitudes de la commande et de la livraison du tableau en octobre 1519, sont attestées par l'abondante correspondance entre l'artiste, la cour d'Este et les envoyés du duc à Venise. Pour respecter les dimensions requises, la toile et le cadre sont envoyés de Ferrare avec le programme iconographique où le 17 octobre, l'artiste se rend personnellement pour présider à son installation.Avec le démantèlement rapide du studiolo à la suite de la dévolution de Ferrare aux États pontificaux en 1598, les peintures sont dispersées. La Fête des Amours est apportée à Rome par le cardinal Pietro Aldobrandini, légat apostolique. Vers 1634, par l'intermédiaire du vice-roi de Naples Manuel de Acevedo y Zúñiga, le tableau est offert avec la Bacchanale des Andriens à Philippe IV (roi d'Espagne), en partie à titre de paiement de la Principauté de Piombino. Les premières mentions documentées en Espagne remontent aux inventaires du palais de l'Alcazar de Madrid en 1666, 1686 et 1700.Les trois toiles de Titien ont été admirées et copiées par Pierre Paul Rubens, Guido Reni, Nicolas Poussin et Diego Vélasquez, fournissant l'inspiration pour le développement du Baroque. Les larmes sincères du Dominiquin en voyant ces chefs-d'œuvre quitter l'Italie demeurent célèbres.Il existe une copie avec des variantes de Rubens au Nationalmuseum de Stockholm.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur L'Offrande_à_Vénus et expliquez la Description et style.

Comme mentionné par Carlo Ridolfi, le sujet du tableau a été décidé directement par Alphonse Ier d'Este qui s'est inspiré de la description d'une des peintures d'Érotes décrite dans le sixième livre des Images de Philostrate de Lemnos.Un groupe d'Amours est réuni pour faire une offrande de fruits à la déesse Vénus, dont la statue se détache en haut à droite. Ils pullulent dans des attitudes ludiques dans la moitié inférieure, tandis que certains se sont envolés pour cueillir les fruits, des pêches, des arbres. Au premier plan, certains échangent de tendres affections, en hommage à la déesse de l'amour, tandis que l'un d'eux s'apprête à frapper une « puttine » qui sourit, amusée. De nombreux Érotes sont inspirés des statues classiques célèbres. Deux nymphes, à droite, assistent à la scène. L'une tient un miroir à la main, probablement une référence à la beauté.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Expliquer la Description et style de cette œuvre d'art, L'Offrande_à_Vénus.

Comme mentionné par Carlo Ridolfi, le sujet du tableau a été décidé directement par Alphonse Ier d'Este qui s'est inspiré de la description d'une des peintures d'Érotes décrite dans le sixième livre des Images de Philostrate de Lemnos.Un groupe d'Amours est réuni pour faire une offrande de fruits à la déesse Vénus, dont la statue se détache en haut à droite. Ils pullulent dans des attitudes ludiques dans la moitié inférieure, tandis que certains se sont envolés pour cueillir les fruits, des pêches, des arbres. Au premier plan, certains échangent de tendres affections, en hommage à la déesse de l'amour, tandis que l'un d'eux s'apprête à frapper une « puttine » qui sourit, amusée. De nombreux Érotes sont inspirés des statues classiques célèbres. Deux nymphes, à droite, assistent à la scène. L'une tient un miroir à la main, probablement une référence à la beauté.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Comment L'Offrande_à_Vénus explique-t-il sa Description et style?

Comme mentionné par Carlo Ridolfi, le sujet du tableau a été décidé directement par Alphonse Ier d'Este qui s'est inspiré de la description d'une des peintures d'Érotes décrite dans le sixième livre des Images de Philostrate de Lemnos.Un groupe d'Amours est réuni pour faire une offrande de fruits à la déesse Vénus, dont la statue se détache en haut à droite. Ils pullulent dans des attitudes ludiques dans la moitié inférieure, tandis que certains se sont envolés pour cueillir les fruits, des pêches, des arbres. Au premier plan, certains échangent de tendres affections, en hommage à la déesse de l'amour, tandis que l'un d'eux s'apprête à frapper une « puttine » qui sourit, amusée. De nombreux Érotes sont inspirés des statues classiques célèbres. Deux nymphes, à droite, assistent à la scène. L'une tient un miroir à la main, probablement une référence à la beauté.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Dans L'Offrande_à_Vénus, comment est discutée la Description et style?

Comme mentionné par Carlo Ridolfi, le sujet du tableau a été décidé directement par Alphonse Ier d'Este qui s'est inspiré de la description d'une des peintures d'Érotes décrite dans le sixième livre des Images de Philostrate de Lemnos.Un groupe d'Amours est réuni pour faire une offrande de fruits à la déesse Vénus, dont la statue se détache en haut à droite. Ils pullulent dans des attitudes ludiques dans la moitié inférieure, tandis que certains se sont envolés pour cueillir les fruits, des pêches, des arbres. Au premier plan, certains échangent de tendres affections, en hommage à la déesse de l'amour, tandis que l'un d'eux s'apprête à frapper une « puttine » qui sourit, amusée. De nombreux Érotes sont inspirés des statues classiques célèbres. Deux nymphes, à droite, assistent à la scène. L'une tient un miroir à la main, probablement une référence à la beauté.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur L'Offrande_à_Vénus et expliquez la Analyse.

Les putti, outre leur rôle céleste, jouent et volettent comme de petits oiseaux dodus parmi les arbres. La composition est étrange : l'œil est attiré, tout à fait à droite, sur la statue de Vénus.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, L'Offrande_à_Vénus.

Les putti, outre leur rôle céleste, jouent et volettent comme de petits oiseaux dodus parmi les arbres. La composition est étrange : l'œil est attiré, tout à fait à droite, sur la statue de Vénus.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Comment L'Offrande_à_Vénus explique-t-il sa Analyse?

Les putti, outre leur rôle céleste, jouent et volettent comme de petits oiseaux dodus parmi les arbres. La composition est étrange : l'œil est attiré, tout à fait à droite, sur la statue de Vénus.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Dans L'Offrande_à_Vénus, comment est discutée la Analyse?

Les putti, outre leur rôle céleste, jouent et volettent comme de petits oiseaux dodus parmi les arbres. La composition est étrange : l'œil est attiré, tout à fait à droite, sur la statue de Vénus.

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur L'Offrande_à_Vénus et expliquez la Source.

(it) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en italien intitulé « Festa degli amorini » (voir la liste des auteurs).

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Expliquer la Source de cette œuvre d'art, L'Offrande_à_Vénus.

(it) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en italien intitulé « Festa degli amorini » (voir la liste des auteurs).

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Comment L'Offrande_à_Vénus explique-t-il sa Source?

(it) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en italien intitulé « Festa degli amorini » (voir la liste des auteurs).

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


L'Offrande_à_Vénus

Prompt: Dans L'Offrande_à_Vénus, comment est discutée la Source?

(it) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en italien intitulé « Festa degli amorini » (voir la liste des auteurs).

''Le Triomphe de Vénus'' de Fra Bartolomeo.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre de Titien au musée du Prado

Fichier:Fra bartolomeo, trionfo di venere.jpg


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Concentrez-vous sur Les_Épreuves_de_Moïse et expliquez la abstract.

Les Épreuves de Moïse (en italien : Prove di Mosè) est une fresque  (348,5 × 558 cm) de Sandro Botticelli, datée des années  1481-1482 et  située à la Chapelle Sixtine du Vatican.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Les_Épreuves_de_Moïse.

Les Épreuves de Moïse (en italien : Prove di Mosè) est une fresque  (348,5 × 558 cm) de Sandro Botticelli, datée des années  1481-1482 et  située à la Chapelle Sixtine du Vatican.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Comment Les_Épreuves_de_Moïse explique-t-il sa abstract?

Les Épreuves de Moïse (en italien : Prove di Mosè) est une fresque  (348,5 × 558 cm) de Sandro Botticelli, datée des années  1481-1482 et  située à la Chapelle Sixtine du Vatican.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Dans Les_Épreuves_de_Moïse, comment est discutée la abstract?

Les Épreuves de Moïse (en italien : Prove di Mosè) est une fresque  (348,5 × 558 cm) de Sandro Botticelli, datée des années  1481-1482 et  située à la Chapelle Sixtine du Vatican.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Concentrez-vous sur Les_Épreuves_de_Moïse et expliquez la Thème.

Le thème de la décoration est un parallèle entre les épisodes  bibliques concernant  Moïse et ceux du Christ, comme signe de la continuité entre l'Ancien et le Nouveau Testament. Une continuité existe également entre la loi divine des Tables et le message de Jésus, qui, à son tour, a choisi Pierre, le premier évêque de Rome, comme son successeur dans le but d'entraîner enfin une légitimation des papes de Rome, successeurs de ce dernier.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

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Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Expliquer la Thème de cette œuvre d'art, Les_Épreuves_de_Moïse.

Le thème de la décoration est un parallèle entre les épisodes  bibliques concernant  Moïse et ceux du Christ, comme signe de la continuité entre l'Ancien et le Nouveau Testament. Une continuité existe également entre la loi divine des Tables et le message de Jésus, qui, à son tour, a choisi Pierre, le premier évêque de Rome, comme son successeur dans le but d'entraîner enfin une légitimation des papes de Rome, successeurs de ce dernier.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

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Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Comment Les_Épreuves_de_Moïse explique-t-il sa Thème?

Le thème de la décoration est un parallèle entre les épisodes  bibliques concernant  Moïse et ceux du Christ, comme signe de la continuité entre l'Ancien et le Nouveau Testament. Une continuité existe également entre la loi divine des Tables et le message de Jésus, qui, à son tour, a choisi Pierre, le premier évêque de Rome, comme son successeur dans le but d'entraîner enfin une légitimation des papes de Rome, successeurs de ce dernier.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Dans Les_Épreuves_de_Moïse, comment est discutée la Thème?

Le thème de la décoration est un parallèle entre les épisodes  bibliques concernant  Moïse et ceux du Christ, comme signe de la continuité entre l'Ancien et le Nouveau Testament. Une continuité existe également entre la loi divine des Tables et le message de Jésus, qui, à son tour, a choisi Pierre, le premier évêque de Rome, comme son successeur dans le but d'entraîner enfin une légitimation des papes de Rome, successeurs de ce dernier.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

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Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Concentrez-vous sur Les_Épreuves_de_Moïse et expliquez la Description.

La fresque est symétrique de celle située sur le mur opposé de la Chapelle Sixtine, également de Sandro Botticelli, qui dépeint des Tentations de Jésus. La frise comporte l'inscription :  TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS.Elle montre sept épisodes de la jeunesse de Moïse, tirées du Livre de l'Exode :Coin inférieur droit : Moïse tue de son épée un Égyptien qui battait un Hébreu (parallèle avec l'épisode de Jésus qui défait le démon). une femme met l'Hébreu blessé en sûreté dans sa maison.Moïse fuit dans le désert pour le pays de Madian : Il est sur un chemin qui se perd dans les profondeurs de la composition.Moïse prend la défense des filles de Jéthro dont sa future épouse Séphora contre des bergers qui veulent les chasser alors qu'elles tirent de l'eau du puits.Au centre de la composition : Moïse donne à boire aux moutons des jeunes filles sous un grand chêne.Coin supérieur gauche : détails de la première rencontre de Moïse avec Dieu dont les moutons de Jéthro ; Moîse est assis dans le  pré, ôtant sa seconde chaussure.Moïse s'agenouille et reçoit alors la révélation divine du buisson ardent : pieds nus, le bâton contre l'épaule.Coin inférieur gauche du tableau : Moïse exécute la mission que Dieu lui a confiée sur le mont Horeb et conduit le peuple d'Israël hors d'Égypte vers la terre promise.Moïse se distingue par sa robe jaune or et le manteau vert.L'un des Hébreux porte sous son bras un chien ressemblant fortement à un chihuahua alors que la fresque a été réalisée dix ans avant le premier voyage de Christophe Colomb en Amérique, ce qui a suscité des théories sur les origines de ce chien généralement considéré comme mexicain.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

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Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Les_Épreuves_de_Moïse.

La fresque est symétrique de celle située sur le mur opposé de la Chapelle Sixtine, également de Sandro Botticelli, qui dépeint des Tentations de Jésus. La frise comporte l'inscription :  TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS.Elle montre sept épisodes de la jeunesse de Moïse, tirées du Livre de l'Exode :Coin inférieur droit : Moïse tue de son épée un Égyptien qui battait un Hébreu (parallèle avec l'épisode de Jésus qui défait le démon). une femme met l'Hébreu blessé en sûreté dans sa maison.Moïse fuit dans le désert pour le pays de Madian : Il est sur un chemin qui se perd dans les profondeurs de la composition.Moïse prend la défense des filles de Jéthro dont sa future épouse Séphora contre des bergers qui veulent les chasser alors qu'elles tirent de l'eau du puits.Au centre de la composition : Moïse donne à boire aux moutons des jeunes filles sous un grand chêne.Coin supérieur gauche : détails de la première rencontre de Moïse avec Dieu dont les moutons de Jéthro ; Moîse est assis dans le  pré, ôtant sa seconde chaussure.Moïse s'agenouille et reçoit alors la révélation divine du buisson ardent : pieds nus, le bâton contre l'épaule.Coin inférieur gauche du tableau : Moïse exécute la mission que Dieu lui a confiée sur le mont Horeb et conduit le peuple d'Israël hors d'Égypte vers la terre promise.Moïse se distingue par sa robe jaune or et le manteau vert.L'un des Hébreux porte sous son bras un chien ressemblant fortement à un chihuahua alors que la fresque a été réalisée dix ans avant le premier voyage de Christophe Colomb en Amérique, ce qui a suscité des théories sur les origines de ce chien généralement considéré comme mexicain.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Comment Les_Épreuves_de_Moïse explique-t-il sa Description?

La fresque est symétrique de celle située sur le mur opposé de la Chapelle Sixtine, également de Sandro Botticelli, qui dépeint des Tentations de Jésus. La frise comporte l'inscription :  TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS.Elle montre sept épisodes de la jeunesse de Moïse, tirées du Livre de l'Exode :Coin inférieur droit : Moïse tue de son épée un Égyptien qui battait un Hébreu (parallèle avec l'épisode de Jésus qui défait le démon). une femme met l'Hébreu blessé en sûreté dans sa maison.Moïse fuit dans le désert pour le pays de Madian : Il est sur un chemin qui se perd dans les profondeurs de la composition.Moïse prend la défense des filles de Jéthro dont sa future épouse Séphora contre des bergers qui veulent les chasser alors qu'elles tirent de l'eau du puits.Au centre de la composition : Moïse donne à boire aux moutons des jeunes filles sous un grand chêne.Coin supérieur gauche : détails de la première rencontre de Moïse avec Dieu dont les moutons de Jéthro ; Moîse est assis dans le  pré, ôtant sa seconde chaussure.Moïse s'agenouille et reçoit alors la révélation divine du buisson ardent : pieds nus, le bâton contre l'épaule.Coin inférieur gauche du tableau : Moïse exécute la mission que Dieu lui a confiée sur le mont Horeb et conduit le peuple d'Israël hors d'Égypte vers la terre promise.Moïse se distingue par sa robe jaune or et le manteau vert.L'un des Hébreux porte sous son bras un chien ressemblant fortement à un chihuahua alors que la fresque a été réalisée dix ans avant le premier voyage de Christophe Colomb en Amérique, ce qui a suscité des théories sur les origines de ce chien généralement considéré comme mexicain.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Dans Les_Épreuves_de_Moïse, comment est discutée la Description?

La fresque est symétrique de celle située sur le mur opposé de la Chapelle Sixtine, également de Sandro Botticelli, qui dépeint des Tentations de Jésus. La frise comporte l'inscription :  TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS.Elle montre sept épisodes de la jeunesse de Moïse, tirées du Livre de l'Exode :Coin inférieur droit : Moïse tue de son épée un Égyptien qui battait un Hébreu (parallèle avec l'épisode de Jésus qui défait le démon). une femme met l'Hébreu blessé en sûreté dans sa maison.Moïse fuit dans le désert pour le pays de Madian : Il est sur un chemin qui se perd dans les profondeurs de la composition.Moïse prend la défense des filles de Jéthro dont sa future épouse Séphora contre des bergers qui veulent les chasser alors qu'elles tirent de l'eau du puits.Au centre de la composition : Moïse donne à boire aux moutons des jeunes filles sous un grand chêne.Coin supérieur gauche : détails de la première rencontre de Moïse avec Dieu dont les moutons de Jéthro ; Moîse est assis dans le  pré, ôtant sa seconde chaussure.Moïse s'agenouille et reçoit alors la révélation divine du buisson ardent : pieds nus, le bâton contre l'épaule.Coin inférieur gauche du tableau : Moïse exécute la mission que Dieu lui a confiée sur le mont Horeb et conduit le peuple d'Israël hors d'Égypte vers la terre promise.Moïse se distingue par sa robe jaune or et le manteau vert.L'un des Hébreux porte sous son bras un chien ressemblant fortement à un chihuahua alors que la fresque a été réalisée dix ans avant le premier voyage de Christophe Colomb en Amérique, ce qui a suscité des théories sur les origines de ce chien généralement considéré comme mexicain.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Concentrez-vous sur Les_Épreuves_de_Moïse et expliquez la Analyse.

Les peintres de la chapelle Sixtine ont adopté des conventions communes afin de fournir un travail homogène : utilisation d'une échelle dimensionnelle commune, structure rythmique et représentation du paysage commune. Ils ont également utilisé une palette unique et des finitions en or.Des trois épisodes réalisés par Botticelli, celui-ci est le plus ordonné dans la représentation des épisodes de la scène racontée. Moïse est toujours reconnaissable par sa robe dorée et son manteau vert.Le meilleur effet reste cependant la vigueur des portraits et la richesse des innovations iconographiques, qui néanmoins dans certains cas, forment un ensemble fragmentaire, peut-être en raison de la désorientation du peintre opérant dans des dimensions et thèmes non conventionnels et dans un environnement qui lui est étranger.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Les_Épreuves_de_Moïse.

Les peintres de la chapelle Sixtine ont adopté des conventions communes afin de fournir un travail homogène : utilisation d'une échelle dimensionnelle commune, structure rythmique et représentation du paysage commune. Ils ont également utilisé une palette unique et des finitions en or.Des trois épisodes réalisés par Botticelli, celui-ci est le plus ordonné dans la représentation des épisodes de la scène racontée. Moïse est toujours reconnaissable par sa robe dorée et son manteau vert.Le meilleur effet reste cependant la vigueur des portraits et la richesse des innovations iconographiques, qui néanmoins dans certains cas, forment un ensemble fragmentaire, peut-être en raison de la désorientation du peintre opérant dans des dimensions et thèmes non conventionnels et dans un environnement qui lui est étranger.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Comment Les_Épreuves_de_Moïse explique-t-il sa Analyse?

Les peintres de la chapelle Sixtine ont adopté des conventions communes afin de fournir un travail homogène : utilisation d'une échelle dimensionnelle commune, structure rythmique et représentation du paysage commune. Ils ont également utilisé une palette unique et des finitions en or.Des trois épisodes réalisés par Botticelli, celui-ci est le plus ordonné dans la représentation des épisodes de la scène racontée. Moïse est toujours reconnaissable par sa robe dorée et son manteau vert.Le meilleur effet reste cependant la vigueur des portraits et la richesse des innovations iconographiques, qui néanmoins dans certains cas, forment un ensemble fragmentaire, peut-être en raison de la désorientation du peintre opérant dans des dimensions et thèmes non conventionnels et dans un environnement qui lui est étranger.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Les_Épreuves_de_Moïse

Prompt: Dans Les_Épreuves_de_Moïse, comment est discutée la Analyse?

Les peintres de la chapelle Sixtine ont adopté des conventions communes afin de fournir un travail homogène : utilisation d'une échelle dimensionnelle commune, structure rythmique et représentation du paysage commune. Ils ont également utilisé une palette unique et des finitions en or.Des trois épisodes réalisés par Botticelli, celui-ci est le plus ordonné dans la représentation des épisodes de la scène racontée. Moïse est toujours reconnaissable par sa robe dorée et son manteau vert.Le meilleur effet reste cependant la vigueur des portraits et la richesse des innovations iconographiques, qui néanmoins dans certains cas, forment un ensemble fragmentaire, peut-être en raison de la désorientation du peintre opérant dans des dimensions et thèmes non conventionnels et dans un environnement qui lui est étranger.

Catégorie:Égypte antique dans la peinture

Un jeune homme portant un chien ressemblant à un chihuhua (détail)

Fichier:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Fichier:Botticelli Trials of Moses, detail boy with dog.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne


Un_matin_dans_une_forêt_de_pins

Prompt: Concentrez-vous sur Un_matin_dans_une_forêt_de_pins et expliquez la abstract.

Un matin dans une forêt de pins (en russe : Утро в сосновом лесу) est un tableau peint par les peintres russes Ivan Chichkine et Konstantine Savitski. C'est ce dernier qui a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov a effacé sa signature. Le tableau est donc attribué uniquement à Chichkine.Un matin dans une forêt de pins est très populaire et a été reproduit sur de nombreux objets, dont les chocolats « l'Ours qui marche les pattes en dedans » de la Krasny Oktyabr Open Joint-Stock Company. Selon un sondage, ce tableau serait le deuxième plus populaire en Russie, derrière Les Bogatyrs de Viktor Vasnetsov.On pense que Chichkine a peint cette image sous l'impression de la nature de l'île de Gorodomlia (ru), située sur le lac Seliger.

Catégorie:Tableau de Constantine Savitski

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Un_matin_dans_une_forêt_de_pins

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Un_matin_dans_une_forêt_de_pins.

Un matin dans une forêt de pins (en russe : Утро в сосновом лесу) est un tableau peint par les peintres russes Ivan Chichkine et Konstantine Savitski. C'est ce dernier qui a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov a effacé sa signature. Le tableau est donc attribué uniquement à Chichkine.Un matin dans une forêt de pins est très populaire et a été reproduit sur de nombreux objets, dont les chocolats « l'Ours qui marche les pattes en dedans » de la Krasny Oktyabr Open Joint-Stock Company. Selon un sondage, ce tableau serait le deuxième plus populaire en Russie, derrière Les Bogatyrs de Viktor Vasnetsov.On pense que Chichkine a peint cette image sous l'impression de la nature de l'île de Gorodomlia (ru), située sur le lac Seliger.

Catégorie:Tableau de Constantine Savitski

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Un_matin_dans_une_forêt_de_pins

Prompt: Comment Un_matin_dans_une_forêt_de_pins explique-t-il sa abstract?

Un matin dans une forêt de pins (en russe : Утро в сосновом лесу) est un tableau peint par les peintres russes Ivan Chichkine et Konstantine Savitski. C'est ce dernier qui a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov a effacé sa signature. Le tableau est donc attribué uniquement à Chichkine.Un matin dans une forêt de pins est très populaire et a été reproduit sur de nombreux objets, dont les chocolats « l'Ours qui marche les pattes en dedans » de la Krasny Oktyabr Open Joint-Stock Company. Selon un sondage, ce tableau serait le deuxième plus populaire en Russie, derrière Les Bogatyrs de Viktor Vasnetsov.On pense que Chichkine a peint cette image sous l'impression de la nature de l'île de Gorodomlia (ru), située sur le lac Seliger.

Catégorie:Tableau de Constantine Savitski

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Un_matin_dans_une_forêt_de_pins

Prompt: Dans Un_matin_dans_une_forêt_de_pins, comment est discutée la abstract?

Un matin dans une forêt de pins (en russe : Утро в сосновом лесу) est un tableau peint par les peintres russes Ivan Chichkine et Konstantine Savitski. C'est ce dernier qui a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov a effacé sa signature. Le tableau est donc attribué uniquement à Chichkine.Un matin dans une forêt de pins est très populaire et a été reproduit sur de nombreux objets, dont les chocolats « l'Ours qui marche les pattes en dedans » de la Krasny Oktyabr Open Joint-Stock Company. Selon un sondage, ce tableau serait le deuxième plus populaire en Russie, derrière Les Bogatyrs de Viktor Vasnetsov.On pense que Chichkine a peint cette image sous l'impression de la nature de l'île de Gorodomlia (ru), située sur le lac Seliger.

Catégorie:Tableau de Constantine Savitski

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Concentrez-vous sur Broadway_Boogie-Woogie et expliquez la abstract.

Broadway Boogie-Woogie est le dernier tableau achevé de Piet Mondrian, peint à New-York en 1942 et 1943. Il mesure 127 × 127 cm (50 × 50 pouces). Il est conservé au MoMA de New York, grâce à un don de Maria Martins.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Broadway_Boogie-Woogie.

Broadway Boogie-Woogie est le dernier tableau achevé de Piet Mondrian, peint à New-York en 1942 et 1943. Il mesure 127 × 127 cm (50 × 50 pouces). Il est conservé au MoMA de New York, grâce à un don de Maria Martins.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Comment Broadway_Boogie-Woogie explique-t-il sa abstract?

Broadway Boogie-Woogie est le dernier tableau achevé de Piet Mondrian, peint à New-York en 1942 et 1943. Il mesure 127 × 127 cm (50 × 50 pouces). Il est conservé au MoMA de New York, grâce à un don de Maria Martins.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Dans Broadway_Boogie-Woogie, comment est discutée la abstract?

Broadway Boogie-Woogie est le dernier tableau achevé de Piet Mondrian, peint à New-York en 1942 et 1943. Il mesure 127 × 127 cm (50 × 50 pouces). Il est conservé au MoMA de New York, grâce à un don de Maria Martins.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Concentrez-vous sur Broadway_Boogie-Woogie et expliquez la Description et analyse.

Fuyant Paris, Mondrian arriva à New York le 3 octobre 1940. Comme il l'avait fait à Paris, Mondrian blanchit ses ateliers à la chaux, avant de disposer sur les murs des rectangles et carrés de couleur, qu'il agençait comme des études de rythmes et de formes.À New York, Mondrian retoucha certaines des toiles qu'il avait apportées de Paris (où il vivait depuis 1938) et entreprit ses dernières œuvres qui marquent de profondes transformations. Il s'agit de New York City I (1940-1942, Musée national d'Art moderne, Paris), New York City II (1941, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), New York, New York (1941, inachevé. Collection particulière), Broadway Boogie-Woogie et Victory Boogie-Woogie (1942-1944, inachevé. La Haye, Gemeentemuseum).Dans les années 1930, à Paris, puis à Londres, Mondrian avait évolué. Il existe une photographie, prise dans son atelier parisien vers octobre 1933, sur laquelle l'artiste pose en costume à côté de deux toiles récentes sur un chevalet, lesquelles préfigurent bien des changements à venir. En haut, Composition dans le losange avec quatre lignes jaunes (80 × 80 cm. La Haye, Gemeentemuseum) montre pour la première fois des lignes tracées dans une autre couleur que le noir. En dessous, Composition avec carré de couleur (La Haye, Gemeentemuseum) présente des lignes doublées.À partir de 1935, la couleur rouge devint prépondérante dans ses œuvres, dans le même temps qu'il se mit à multiplier les lignes noires, accentuant l'importance de la grille. À New York, sans doute sous l'emprise de la ville, il procéda à un autre changement majeur : l'élimination du noir. New York City I est, par exemple, composé uniquement de lignes jaunes (majoritaires), bleues et rouges, qui s'entrecroisent avec un effet de tressage. New York City II montre un autre changement important : l'utilisation de rubans adhésifs colorés, lesquels facilitaient son travail. Il les plaçait et déplaçait jusqu'à obtenir le rythme qui lui plaisait.On peut ajouter que, malgré l'abstraction radicale de ses tableaux, Mondrian avait toujours gardé un intérêt très vif pour les structures urbaines et pour la musique et la danse modernes (notamment, dans les années 1920, le charleston).Tous ces traits se retrouvent dans Broadway Boogie-Woogie. Le tableau se compose d'une grille assez dense (mais irrégulière) de lignes jaunes, ponctuées de petits carrés rouges, bleus et gris, sur un fond blanc, donnant au tableau un rythme endiablé. Si certaines surfaces, créées par les intersections des lignes, sont laissées en blanc (comme dans tous les tableaux de Mondrian), certaines au contraire accueillent des rectangles dont la plupart sont composés de carrés ou de rectangles de diverses couleurs, conférant ainsi au tableau un aspect extraordinairement ludique et juvénile. Si Mondrian n'était pas mort peu après, tout indique que ce renouvellement se serait poursuivi, comme le prouve son dernier tableau inachevé, Victory Boogie-Woogie, qui va encore plus loin dans la fragmentation des lignes.Alfred Barr, directeur du MoMA, écrit dans le dossier d'acquisition du tableau, en 1943 : « Même en Europe, Mondrian adorait la musique de danse américaine. Le thème et le rythme en staccato de la plus importante de ses œuvres récentes peut être considérée comme l'hommage le plus remarquable et le plus complexe du peintre, âgé de soixante-dix ans, aux évolutions récentes du swing. Les rectangles asymétriques de Broadway Boogie-Woogie correspondent à la mélodie syncopée du boogie-woogie, les petites lignes brisées faisant écho aux cascades d'accords brisés de la base rythmique ». On peut ajouter que, évidemment, le plan en damier de New York trouvait aussi un écho chez un artiste pour qui le motif de la grille avait toujours revêtu une grande importance.Dans une étude plus récente, Harry Cooper donne un autre éclairage sur l'importance du boogie-woogie pour l'évolution de Mondrian à New York. Il écrit notamment que cette musique se distingue par la fusion entre la main gauche (l'harmonie) et la main droite (la mélodie) du pianiste. Selon Cooper, le boogie-woogie aurait ainsi guidé Mondrian sur la voie d'un changement considérable : à la dualité de ses peintures antérieures (que l'on trouve encore dans New York City I et II), auraient succédé, dans Broadway Boogie-Woogie et encore plus dans Victory Boogie-Woogie, une plus grande fluidité et ce que Cooper appelle une « polyrythmie ».Mondrian entreprit Broadway Boogie-Woogie en juin 1942 et l'acheva dans les premières semaines de 1943. Le tableau fut exposé pour la première fois du 22 mars au 30 avril 1943 à la Valentine Gallery de New York, dans une exposition qui réunissait Mondrian et la sculptrice brésilienne Maria Martins, laquelle acheta Broadway Boogie-Woogie pour 800 dollars, avant de l'offrir, la même année et de façon anonyme, au MoMA. Selon Harry Cooper, bien que Mondrian fût conscient de l'avancée que représentait Broadway Boogie-Woogie, il n'était pas entièrement satisfait de son tableau, estimant qu'il était affaibli par la prédominance de la couleur jaune.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Expliquer la Description et analyse de cette œuvre d'art, Broadway_Boogie-Woogie.

Fuyant Paris, Mondrian arriva à New York le 3 octobre 1940. Comme il l'avait fait à Paris, Mondrian blanchit ses ateliers à la chaux, avant de disposer sur les murs des rectangles et carrés de couleur, qu'il agençait comme des études de rythmes et de formes.À New York, Mondrian retoucha certaines des toiles qu'il avait apportées de Paris (où il vivait depuis 1938) et entreprit ses dernières œuvres qui marquent de profondes transformations. Il s'agit de New York City I (1940-1942, Musée national d'Art moderne, Paris), New York City II (1941, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), New York, New York (1941, inachevé. Collection particulière), Broadway Boogie-Woogie et Victory Boogie-Woogie (1942-1944, inachevé. La Haye, Gemeentemuseum).Dans les années 1930, à Paris, puis à Londres, Mondrian avait évolué. Il existe une photographie, prise dans son atelier parisien vers octobre 1933, sur laquelle l'artiste pose en costume à côté de deux toiles récentes sur un chevalet, lesquelles préfigurent bien des changements à venir. En haut, Composition dans le losange avec quatre lignes jaunes (80 × 80 cm. La Haye, Gemeentemuseum) montre pour la première fois des lignes tracées dans une autre couleur que le noir. En dessous, Composition avec carré de couleur (La Haye, Gemeentemuseum) présente des lignes doublées.À partir de 1935, la couleur rouge devint prépondérante dans ses œuvres, dans le même temps qu'il se mit à multiplier les lignes noires, accentuant l'importance de la grille. À New York, sans doute sous l'emprise de la ville, il procéda à un autre changement majeur : l'élimination du noir. New York City I est, par exemple, composé uniquement de lignes jaunes (majoritaires), bleues et rouges, qui s'entrecroisent avec un effet de tressage. New York City II montre un autre changement important : l'utilisation de rubans adhésifs colorés, lesquels facilitaient son travail. Il les plaçait et déplaçait jusqu'à obtenir le rythme qui lui plaisait.On peut ajouter que, malgré l'abstraction radicale de ses tableaux, Mondrian avait toujours gardé un intérêt très vif pour les structures urbaines et pour la musique et la danse modernes (notamment, dans les années 1920, le charleston).Tous ces traits se retrouvent dans Broadway Boogie-Woogie. Le tableau se compose d'une grille assez dense (mais irrégulière) de lignes jaunes, ponctuées de petits carrés rouges, bleus et gris, sur un fond blanc, donnant au tableau un rythme endiablé. Si certaines surfaces, créées par les intersections des lignes, sont laissées en blanc (comme dans tous les tableaux de Mondrian), certaines au contraire accueillent des rectangles dont la plupart sont composés de carrés ou de rectangles de diverses couleurs, conférant ainsi au tableau un aspect extraordinairement ludique et juvénile. Si Mondrian n'était pas mort peu après, tout indique que ce renouvellement se serait poursuivi, comme le prouve son dernier tableau inachevé, Victory Boogie-Woogie, qui va encore plus loin dans la fragmentation des lignes.Alfred Barr, directeur du MoMA, écrit dans le dossier d'acquisition du tableau, en 1943 : « Même en Europe, Mondrian adorait la musique de danse américaine. Le thème et le rythme en staccato de la plus importante de ses œuvres récentes peut être considérée comme l'hommage le plus remarquable et le plus complexe du peintre, âgé de soixante-dix ans, aux évolutions récentes du swing. Les rectangles asymétriques de Broadway Boogie-Woogie correspondent à la mélodie syncopée du boogie-woogie, les petites lignes brisées faisant écho aux cascades d'accords brisés de la base rythmique ». On peut ajouter que, évidemment, le plan en damier de New York trouvait aussi un écho chez un artiste pour qui le motif de la grille avait toujours revêtu une grande importance.Dans une étude plus récente, Harry Cooper donne un autre éclairage sur l'importance du boogie-woogie pour l'évolution de Mondrian à New York. Il écrit notamment que cette musique se distingue par la fusion entre la main gauche (l'harmonie) et la main droite (la mélodie) du pianiste. Selon Cooper, le boogie-woogie aurait ainsi guidé Mondrian sur la voie d'un changement considérable : à la dualité de ses peintures antérieures (que l'on trouve encore dans New York City I et II), auraient succédé, dans Broadway Boogie-Woogie et encore plus dans Victory Boogie-Woogie, une plus grande fluidité et ce que Cooper appelle une « polyrythmie ».Mondrian entreprit Broadway Boogie-Woogie en juin 1942 et l'acheva dans les premières semaines de 1943. Le tableau fut exposé pour la première fois du 22 mars au 30 avril 1943 à la Valentine Gallery de New York, dans une exposition qui réunissait Mondrian et la sculptrice brésilienne Maria Martins, laquelle acheta Broadway Boogie-Woogie pour 800 dollars, avant de l'offrir, la même année et de façon anonyme, au MoMA. Selon Harry Cooper, bien que Mondrian fût conscient de l'avancée que représentait Broadway Boogie-Woogie, il n'était pas entièrement satisfait de son tableau, estimant qu'il était affaibli par la prédominance de la couleur jaune.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Comment Broadway_Boogie-Woogie explique-t-il sa Description et analyse?

Fuyant Paris, Mondrian arriva à New York le 3 octobre 1940. Comme il l'avait fait à Paris, Mondrian blanchit ses ateliers à la chaux, avant de disposer sur les murs des rectangles et carrés de couleur, qu'il agençait comme des études de rythmes et de formes.À New York, Mondrian retoucha certaines des toiles qu'il avait apportées de Paris (où il vivait depuis 1938) et entreprit ses dernières œuvres qui marquent de profondes transformations. Il s'agit de New York City I (1940-1942, Musée national d'Art moderne, Paris), New York City II (1941, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), New York, New York (1941, inachevé. Collection particulière), Broadway Boogie-Woogie et Victory Boogie-Woogie (1942-1944, inachevé. La Haye, Gemeentemuseum).Dans les années 1930, à Paris, puis à Londres, Mondrian avait évolué. Il existe une photographie, prise dans son atelier parisien vers octobre 1933, sur laquelle l'artiste pose en costume à côté de deux toiles récentes sur un chevalet, lesquelles préfigurent bien des changements à venir. En haut, Composition dans le losange avec quatre lignes jaunes (80 × 80 cm. La Haye, Gemeentemuseum) montre pour la première fois des lignes tracées dans une autre couleur que le noir. En dessous, Composition avec carré de couleur (La Haye, Gemeentemuseum) présente des lignes doublées.À partir de 1935, la couleur rouge devint prépondérante dans ses œuvres, dans le même temps qu'il se mit à multiplier les lignes noires, accentuant l'importance de la grille. À New York, sans doute sous l'emprise de la ville, il procéda à un autre changement majeur : l'élimination du noir. New York City I est, par exemple, composé uniquement de lignes jaunes (majoritaires), bleues et rouges, qui s'entrecroisent avec un effet de tressage. New York City II montre un autre changement important : l'utilisation de rubans adhésifs colorés, lesquels facilitaient son travail. Il les plaçait et déplaçait jusqu'à obtenir le rythme qui lui plaisait.On peut ajouter que, malgré l'abstraction radicale de ses tableaux, Mondrian avait toujours gardé un intérêt très vif pour les structures urbaines et pour la musique et la danse modernes (notamment, dans les années 1920, le charleston).Tous ces traits se retrouvent dans Broadway Boogie-Woogie. Le tableau se compose d'une grille assez dense (mais irrégulière) de lignes jaunes, ponctuées de petits carrés rouges, bleus et gris, sur un fond blanc, donnant au tableau un rythme endiablé. Si certaines surfaces, créées par les intersections des lignes, sont laissées en blanc (comme dans tous les tableaux de Mondrian), certaines au contraire accueillent des rectangles dont la plupart sont composés de carrés ou de rectangles de diverses couleurs, conférant ainsi au tableau un aspect extraordinairement ludique et juvénile. Si Mondrian n'était pas mort peu après, tout indique que ce renouvellement se serait poursuivi, comme le prouve son dernier tableau inachevé, Victory Boogie-Woogie, qui va encore plus loin dans la fragmentation des lignes.Alfred Barr, directeur du MoMA, écrit dans le dossier d'acquisition du tableau, en 1943 : « Même en Europe, Mondrian adorait la musique de danse américaine. Le thème et le rythme en staccato de la plus importante de ses œuvres récentes peut être considérée comme l'hommage le plus remarquable et le plus complexe du peintre, âgé de soixante-dix ans, aux évolutions récentes du swing. Les rectangles asymétriques de Broadway Boogie-Woogie correspondent à la mélodie syncopée du boogie-woogie, les petites lignes brisées faisant écho aux cascades d'accords brisés de la base rythmique ». On peut ajouter que, évidemment, le plan en damier de New York trouvait aussi un écho chez un artiste pour qui le motif de la grille avait toujours revêtu une grande importance.Dans une étude plus récente, Harry Cooper donne un autre éclairage sur l'importance du boogie-woogie pour l'évolution de Mondrian à New York. Il écrit notamment que cette musique se distingue par la fusion entre la main gauche (l'harmonie) et la main droite (la mélodie) du pianiste. Selon Cooper, le boogie-woogie aurait ainsi guidé Mondrian sur la voie d'un changement considérable : à la dualité de ses peintures antérieures (que l'on trouve encore dans New York City I et II), auraient succédé, dans Broadway Boogie-Woogie et encore plus dans Victory Boogie-Woogie, une plus grande fluidité et ce que Cooper appelle une « polyrythmie ».Mondrian entreprit Broadway Boogie-Woogie en juin 1942 et l'acheva dans les premières semaines de 1943. Le tableau fut exposé pour la première fois du 22 mars au 30 avril 1943 à la Valentine Gallery de New York, dans une exposition qui réunissait Mondrian et la sculptrice brésilienne Maria Martins, laquelle acheta Broadway Boogie-Woogie pour 800 dollars, avant de l'offrir, la même année et de façon anonyme, au MoMA. Selon Harry Cooper, bien que Mondrian fût conscient de l'avancée que représentait Broadway Boogie-Woogie, il n'était pas entièrement satisfait de son tableau, estimant qu'il était affaibli par la prédominance de la couleur jaune.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Dans Broadway_Boogie-Woogie, comment est discutée la Description et analyse?

Fuyant Paris, Mondrian arriva à New York le 3 octobre 1940. Comme il l'avait fait à Paris, Mondrian blanchit ses ateliers à la chaux, avant de disposer sur les murs des rectangles et carrés de couleur, qu'il agençait comme des études de rythmes et de formes.À New York, Mondrian retoucha certaines des toiles qu'il avait apportées de Paris (où il vivait depuis 1938) et entreprit ses dernières œuvres qui marquent de profondes transformations. Il s'agit de New York City I (1940-1942, Musée national d'Art moderne, Paris), New York City II (1941, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), New York, New York (1941, inachevé. Collection particulière), Broadway Boogie-Woogie et Victory Boogie-Woogie (1942-1944, inachevé. La Haye, Gemeentemuseum).Dans les années 1930, à Paris, puis à Londres, Mondrian avait évolué. Il existe une photographie, prise dans son atelier parisien vers octobre 1933, sur laquelle l'artiste pose en costume à côté de deux toiles récentes sur un chevalet, lesquelles préfigurent bien des changements à venir. En haut, Composition dans le losange avec quatre lignes jaunes (80 × 80 cm. La Haye, Gemeentemuseum) montre pour la première fois des lignes tracées dans une autre couleur que le noir. En dessous, Composition avec carré de couleur (La Haye, Gemeentemuseum) présente des lignes doublées.À partir de 1935, la couleur rouge devint prépondérante dans ses œuvres, dans le même temps qu'il se mit à multiplier les lignes noires, accentuant l'importance de la grille. À New York, sans doute sous l'emprise de la ville, il procéda à un autre changement majeur : l'élimination du noir. New York City I est, par exemple, composé uniquement de lignes jaunes (majoritaires), bleues et rouges, qui s'entrecroisent avec un effet de tressage. New York City II montre un autre changement important : l'utilisation de rubans adhésifs colorés, lesquels facilitaient son travail. Il les plaçait et déplaçait jusqu'à obtenir le rythme qui lui plaisait.On peut ajouter que, malgré l'abstraction radicale de ses tableaux, Mondrian avait toujours gardé un intérêt très vif pour les structures urbaines et pour la musique et la danse modernes (notamment, dans les années 1920, le charleston).Tous ces traits se retrouvent dans Broadway Boogie-Woogie. Le tableau se compose d'une grille assez dense (mais irrégulière) de lignes jaunes, ponctuées de petits carrés rouges, bleus et gris, sur un fond blanc, donnant au tableau un rythme endiablé. Si certaines surfaces, créées par les intersections des lignes, sont laissées en blanc (comme dans tous les tableaux de Mondrian), certaines au contraire accueillent des rectangles dont la plupart sont composés de carrés ou de rectangles de diverses couleurs, conférant ainsi au tableau un aspect extraordinairement ludique et juvénile. Si Mondrian n'était pas mort peu après, tout indique que ce renouvellement se serait poursuivi, comme le prouve son dernier tableau inachevé, Victory Boogie-Woogie, qui va encore plus loin dans la fragmentation des lignes.Alfred Barr, directeur du MoMA, écrit dans le dossier d'acquisition du tableau, en 1943 : « Même en Europe, Mondrian adorait la musique de danse américaine. Le thème et le rythme en staccato de la plus importante de ses œuvres récentes peut être considérée comme l'hommage le plus remarquable et le plus complexe du peintre, âgé de soixante-dix ans, aux évolutions récentes du swing. Les rectangles asymétriques de Broadway Boogie-Woogie correspondent à la mélodie syncopée du boogie-woogie, les petites lignes brisées faisant écho aux cascades d'accords brisés de la base rythmique ». On peut ajouter que, évidemment, le plan en damier de New York trouvait aussi un écho chez un artiste pour qui le motif de la grille avait toujours revêtu une grande importance.Dans une étude plus récente, Harry Cooper donne un autre éclairage sur l'importance du boogie-woogie pour l'évolution de Mondrian à New York. Il écrit notamment que cette musique se distingue par la fusion entre la main gauche (l'harmonie) et la main droite (la mélodie) du pianiste. Selon Cooper, le boogie-woogie aurait ainsi guidé Mondrian sur la voie d'un changement considérable : à la dualité de ses peintures antérieures (que l'on trouve encore dans New York City I et II), auraient succédé, dans Broadway Boogie-Woogie et encore plus dans Victory Boogie-Woogie, une plus grande fluidité et ce que Cooper appelle une « polyrythmie ».Mondrian entreprit Broadway Boogie-Woogie en juin 1942 et l'acheva dans les premières semaines de 1943. Le tableau fut exposé pour la première fois du 22 mars au 30 avril 1943 à la Valentine Gallery de New York, dans une exposition qui réunissait Mondrian et la sculptrice brésilienne Maria Martins, laquelle acheta Broadway Boogie-Woogie pour 800 dollars, avant de l'offrir, la même année et de façon anonyme, au MoMA. Selon Harry Cooper, bien que Mondrian fût conscient de l'avancée que représentait Broadway Boogie-Woogie, il n'était pas entièrement satisfait de son tableau, estimant qu'il était affaibli par la prédominance de la couleur jaune.

Catégorie:Œuvre conservée au Museum of Modern Art


Mademoiselle_Lange_en_Danaé

Prompt: Concentrez-vous sur Mademoiselle_Lange_en_Danaé et expliquez la abstract.

Mademoiselle Lange en Danaé est un tableau réalisé par le peintre français Anne-Louis Girodet en 1799. Cette huile sur toile de format ovale représente la comédienne Mademoiselle Lange en Danaé. Il s'agit d'une satire que l'artiste peint en quelques jours pour prendre sa revanche sur la jeune femme, laquelle a désavoué et refusé de payer un précédent nu de Girodet pour lequel elle a servi de modèle à Vénus. Exposée au Salon de peinture et de sculpture en 1799, l'œuvre fait partie des collections du Minneapolis Institute of Art, à Minneapolis, dans le Minnesota, aux États-Unis.

Catégorie:Œuvre conservée au Minneapolis Institute of Art

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1799

Catégorie:Zeus ou Jupiter dans la peinture


Mademoiselle_Lange_en_Danaé

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Mademoiselle_Lange_en_Danaé.

Mademoiselle Lange en Danaé est un tableau réalisé par le peintre français Anne-Louis Girodet en 1799. Cette huile sur toile de format ovale représente la comédienne Mademoiselle Lange en Danaé. Il s'agit d'une satire que l'artiste peint en quelques jours pour prendre sa revanche sur la jeune femme, laquelle a désavoué et refusé de payer un précédent nu de Girodet pour lequel elle a servi de modèle à Vénus. Exposée au Salon de peinture et de sculpture en 1799, l'œuvre fait partie des collections du Minneapolis Institute of Art, à Minneapolis, dans le Minnesota, aux États-Unis.

Catégorie:Œuvre conservée au Minneapolis Institute of Art

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1799

Catégorie:Zeus ou Jupiter dans la peinture


Mademoiselle_Lange_en_Danaé

Prompt: Comment Mademoiselle_Lange_en_Danaé explique-t-il sa abstract?

Mademoiselle Lange en Danaé est un tableau réalisé par le peintre français Anne-Louis Girodet en 1799. Cette huile sur toile de format ovale représente la comédienne Mademoiselle Lange en Danaé. Il s'agit d'une satire que l'artiste peint en quelques jours pour prendre sa revanche sur la jeune femme, laquelle a désavoué et refusé de payer un précédent nu de Girodet pour lequel elle a servi de modèle à Vénus. Exposée au Salon de peinture et de sculpture en 1799, l'œuvre fait partie des collections du Minneapolis Institute of Art, à Minneapolis, dans le Minnesota, aux États-Unis.

Catégorie:Œuvre conservée au Minneapolis Institute of Art

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1799

Catégorie:Zeus ou Jupiter dans la peinture


Mademoiselle_Lange_en_Danaé

Prompt: Dans Mademoiselle_Lange_en_Danaé, comment est discutée la abstract?

Mademoiselle Lange en Danaé est un tableau réalisé par le peintre français Anne-Louis Girodet en 1799. Cette huile sur toile de format ovale représente la comédienne Mademoiselle Lange en Danaé. Il s'agit d'une satire que l'artiste peint en quelques jours pour prendre sa revanche sur la jeune femme, laquelle a désavoué et refusé de payer un précédent nu de Girodet pour lequel elle a servi de modèle à Vénus. Exposée au Salon de peinture et de sculpture en 1799, l'œuvre fait partie des collections du Minneapolis Institute of Art, à Minneapolis, dans le Minnesota, aux États-Unis.

Catégorie:Œuvre conservée au Minneapolis Institute of Art

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1799

Catégorie:Zeus ou Jupiter dans la peinture


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval et expliquez la abstract.

Le Prince Balthazar Carlos à cheval  est une huile sur toile de Diego Velázquez peinte en 1635 et conservée au Musée du Prado.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval.

Le Prince Balthazar Carlos à cheval  est une huile sur toile de Diego Velázquez peinte en 1635 et conservée au Musée du Prado.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Comment Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval explique-t-il sa abstract?

Le Prince Balthazar Carlos à cheval  est une huile sur toile de Diego Velázquez peinte en 1635 et conservée au Musée du Prado.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Dans Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval, comment est discutée la abstract?

Le Prince Balthazar Carlos à cheval  est une huile sur toile de Diego Velázquez peinte en 1635 et conservée au Musée du Prado.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval et expliquez la Histoire.

Velázquez avait reçu une commande pour une série de portraits équestres destinés au Salon des Royaumes du palais du Buen Retiro de Madrid. La toile y fut exposée aux côtés des portraits de Philippe IV et de son épouse Isabelle. L’espace laissé libre entre ces toiles était un dessus de porte pour lequel Velázquez peignit le Prince Baltasar Carlos sur une toile de dimensions inférieures à celles de ses parents.Des cinq portraits équestres, seuls celui-ci et celui de son père sont des œuvres entièrement de la main de Velázquez. Le prince, âgé de six ans, monte une jument vue en contre-plongée puisque la toile était destinée à être exposée dans un lieu élevé qui produisait une déformation de l’animal. La toile fut peinte avec très peu de pigments, étalés en couches quasi transparentes et appliquées directement sur la préparation blanche qui reste visible dans les montagnes.Le prince et le cheval furent peints avant le paysage, de façon que le personnage soit nettement séparé, et qu’il se détache du fond. L’application de glacis complète la sensation de profondeur que produit l’alternance dans le paysage de bandes lumineuses et sombres.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval.

Velázquez avait reçu une commande pour une série de portraits équestres destinés au Salon des Royaumes du palais du Buen Retiro de Madrid. La toile y fut exposée aux côtés des portraits de Philippe IV et de son épouse Isabelle. L’espace laissé libre entre ces toiles était un dessus de porte pour lequel Velázquez peignit le Prince Baltasar Carlos sur une toile de dimensions inférieures à celles de ses parents.Des cinq portraits équestres, seuls celui-ci et celui de son père sont des œuvres entièrement de la main de Velázquez. Le prince, âgé de six ans, monte une jument vue en contre-plongée puisque la toile était destinée à être exposée dans un lieu élevé qui produisait une déformation de l’animal. La toile fut peinte avec très peu de pigments, étalés en couches quasi transparentes et appliquées directement sur la préparation blanche qui reste visible dans les montagnes.Le prince et le cheval furent peints avant le paysage, de façon que le personnage soit nettement séparé, et qu’il se détache du fond. L’application de glacis complète la sensation de profondeur que produit l’alternance dans le paysage de bandes lumineuses et sombres.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Comment Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval explique-t-il sa Histoire?

Velázquez avait reçu une commande pour une série de portraits équestres destinés au Salon des Royaumes du palais du Buen Retiro de Madrid. La toile y fut exposée aux côtés des portraits de Philippe IV et de son épouse Isabelle. L’espace laissé libre entre ces toiles était un dessus de porte pour lequel Velázquez peignit le Prince Baltasar Carlos sur une toile de dimensions inférieures à celles de ses parents.Des cinq portraits équestres, seuls celui-ci et celui de son père sont des œuvres entièrement de la main de Velázquez. Le prince, âgé de six ans, monte une jument vue en contre-plongée puisque la toile était destinée à être exposée dans un lieu élevé qui produisait une déformation de l’animal. La toile fut peinte avec très peu de pigments, étalés en couches quasi transparentes et appliquées directement sur la préparation blanche qui reste visible dans les montagnes.Le prince et le cheval furent peints avant le paysage, de façon que le personnage soit nettement séparé, et qu’il se détache du fond. L’application de glacis complète la sensation de profondeur que produit l’alternance dans le paysage de bandes lumineuses et sombres.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Dans Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval, comment est discutée la Histoire?

Velázquez avait reçu une commande pour une série de portraits équestres destinés au Salon des Royaumes du palais du Buen Retiro de Madrid. La toile y fut exposée aux côtés des portraits de Philippe IV et de son épouse Isabelle. L’espace laissé libre entre ces toiles était un dessus de porte pour lequel Velázquez peignit le Prince Baltasar Carlos sur une toile de dimensions inférieures à celles de ses parents.Des cinq portraits équestres, seuls celui-ci et celui de son père sont des œuvres entièrement de la main de Velázquez. Le prince, âgé de six ans, monte une jument vue en contre-plongée puisque la toile était destinée à être exposée dans un lieu élevé qui produisait une déformation de l’animal. La toile fut peinte avec très peu de pigments, étalés en couches quasi transparentes et appliquées directement sur la préparation blanche qui reste visible dans les montagnes.Le prince et le cheval furent peints avant le paysage, de façon que le personnage soit nettement séparé, et qu’il se détache du fond. L’application de glacis complète la sensation de profondeur que produit l’alternance dans le paysage de bandes lumineuses et sombres.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval et expliquez la Description.

Cette peinture offre une couleur beaucoup plus brillante que toutes les œuvres de Velázquez jusqu’à cette époque. Le prince a sur cette toile entre 5 et 6 ans. Il est dressé sur sa selle à la mode espagnole, dans une attitude noble ; la main droite est levée avec un bâton de général qui lui est dû par son rang royal. Il est vêtu d’un pourpoint tissé d’or, d’une collerette, d’une culotte vert sombre bordée d’or, de bottes également dorées, d’un chapeau à plume noir. Le plus remarquable sur la figure de l’enfant est la tête, travail extraordinaire qui indique la maîtrise du peintre. Les critiques soutiennent que celle-ci est un sommet de la peinture de tous les temps. Les tons sont pâles, le cheval est châtain et contraste avec le noir mat de l’habit militaire. Le grand chapeau de feutre noir se détache également. Selon les études radiographiques, il a été observé que c’est une version postérieure à la première idée de Velázquez modifia postérieurement, selon son habitude. Plus qu’un classique repentir, il s’agirait d’une demande de la maison du Roi.Le cheval a un ventre démesuré si on l’observe de près, mais il faut tenir compte qu’il a été peint pour être exposé au-dessus d’une porte et donc pour être vu d’en bas avec une déformation de la perspective. Il se présente de ¾ de manière à laisser voir la tête de l’enfant. Il a une grande queue et une crinière agitée par le vent.Le paysage de fond est classique pour Vélasquez, le ciel est un typique « ciel velázquien ». Le peintre connaissait bien les alentours du Pardo et de la montagne de Madrid. Dans ce cas le cheval est situé en hauteur de façon à laisser paraître le paysage. La montagne enneigée du fond à droite est le pic de La Malicieuse de la Sierra de Guadarrama.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval.

Cette peinture offre une couleur beaucoup plus brillante que toutes les œuvres de Velázquez jusqu’à cette époque. Le prince a sur cette toile entre 5 et 6 ans. Il est dressé sur sa selle à la mode espagnole, dans une attitude noble ; la main droite est levée avec un bâton de général qui lui est dû par son rang royal. Il est vêtu d’un pourpoint tissé d’or, d’une collerette, d’une culotte vert sombre bordée d’or, de bottes également dorées, d’un chapeau à plume noir. Le plus remarquable sur la figure de l’enfant est la tête, travail extraordinaire qui indique la maîtrise du peintre. Les critiques soutiennent que celle-ci est un sommet de la peinture de tous les temps. Les tons sont pâles, le cheval est châtain et contraste avec le noir mat de l’habit militaire. Le grand chapeau de feutre noir se détache également. Selon les études radiographiques, il a été observé que c’est une version postérieure à la première idée de Velázquez modifia postérieurement, selon son habitude. Plus qu’un classique repentir, il s’agirait d’une demande de la maison du Roi.Le cheval a un ventre démesuré si on l’observe de près, mais il faut tenir compte qu’il a été peint pour être exposé au-dessus d’une porte et donc pour être vu d’en bas avec une déformation de la perspective. Il se présente de ¾ de manière à laisser voir la tête de l’enfant. Il a une grande queue et une crinière agitée par le vent.Le paysage de fond est classique pour Vélasquez, le ciel est un typique « ciel velázquien ». Le peintre connaissait bien les alentours du Pardo et de la montagne de Madrid. Dans ce cas le cheval est situé en hauteur de façon à laisser paraître le paysage. La montagne enneigée du fond à droite est le pic de La Malicieuse de la Sierra de Guadarrama.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Comment Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval explique-t-il sa Description?

Cette peinture offre une couleur beaucoup plus brillante que toutes les œuvres de Velázquez jusqu’à cette époque. Le prince a sur cette toile entre 5 et 6 ans. Il est dressé sur sa selle à la mode espagnole, dans une attitude noble ; la main droite est levée avec un bâton de général qui lui est dû par son rang royal. Il est vêtu d’un pourpoint tissé d’or, d’une collerette, d’une culotte vert sombre bordée d’or, de bottes également dorées, d’un chapeau à plume noir. Le plus remarquable sur la figure de l’enfant est la tête, travail extraordinaire qui indique la maîtrise du peintre. Les critiques soutiennent que celle-ci est un sommet de la peinture de tous les temps. Les tons sont pâles, le cheval est châtain et contraste avec le noir mat de l’habit militaire. Le grand chapeau de feutre noir se détache également. Selon les études radiographiques, il a été observé que c’est une version postérieure à la première idée de Velázquez modifia postérieurement, selon son habitude. Plus qu’un classique repentir, il s’agirait d’une demande de la maison du Roi.Le cheval a un ventre démesuré si on l’observe de près, mais il faut tenir compte qu’il a été peint pour être exposé au-dessus d’une porte et donc pour être vu d’en bas avec une déformation de la perspective. Il se présente de ¾ de manière à laisser voir la tête de l’enfant. Il a une grande queue et une crinière agitée par le vent.Le paysage de fond est classique pour Vélasquez, le ciel est un typique « ciel velázquien ». Le peintre connaissait bien les alentours du Pardo et de la montagne de Madrid. Dans ce cas le cheval est situé en hauteur de façon à laisser paraître le paysage. La montagne enneigée du fond à droite est le pic de La Malicieuse de la Sierra de Guadarrama.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval

Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Dans Le_Prince_Balthazar_Carlos_à_cheval, comment est discutée la Description?

Cette peinture offre une couleur beaucoup plus brillante que toutes les œuvres de Velázquez jusqu’à cette époque. Le prince a sur cette toile entre 5 et 6 ans. Il est dressé sur sa selle à la mode espagnole, dans une attitude noble ; la main droite est levée avec un bâton de général qui lui est dû par son rang royal. Il est vêtu d’un pourpoint tissé d’or, d’une collerette, d’une culotte vert sombre bordée d’or, de bottes également dorées, d’un chapeau à plume noir. Le plus remarquable sur la figure de l’enfant est la tête, travail extraordinaire qui indique la maîtrise du peintre. Les critiques soutiennent que celle-ci est un sommet de la peinture de tous les temps. Les tons sont pâles, le cheval est châtain et contraste avec le noir mat de l’habit militaire. Le grand chapeau de feutre noir se détache également. Selon les études radiographiques, il a été observé que c’est une version postérieure à la première idée de Velázquez modifia postérieurement, selon son habitude. Plus qu’un classique repentir, il s’agirait d’une demande de la maison du Roi.Le cheval a un ventre démesuré si on l’observe de près, mais il faut tenir compte qu’il a été peint pour être exposé au-dessus d’une porte et donc pour être vu d’en bas avec une déformation de la perspective. Il se présente de ¾ de manière à laisser voir la tête de l’enfant. Il a une grande queue et une crinière agitée par le vent.Le paysage de fond est classique pour Vélasquez, le ciel est un typique « ciel velázquien ». Le peintre connaissait bien les alentours du Pardo et de la montagne de Madrid. Dans ce cas le cheval est situé en hauteur de façon à laisser paraître le paysage. La montagne enneigée du fond à droite est le pic de La Malicieuse de la Sierra de Guadarrama.

Catégorie:Œuvre de Diego Vélasquez au musée du Prado


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Concentrez-vous sur La_Messe_de_Bolsena et expliquez la abstract.

La Messe de Bolsena est une fresque (environ 500 × 660 cm) peinte par l'artiste italien de la Renaissance Raphaël et ses aides. Réalisée en 1512, elle se trouve dans la Chambre d'Héliodore (nommée d'après l'œuvre Héliodore chassé du temple), une des Chambres de Raphaël dans le palais apostolique du Vatican.Elle représente le miracle eucharistique de Bolsena.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Messe_de_Bolsena.

La Messe de Bolsena est une fresque (environ 500 × 660 cm) peinte par l'artiste italien de la Renaissance Raphaël et ses aides. Réalisée en 1512, elle se trouve dans la Chambre d'Héliodore (nommée d'après l'œuvre Héliodore chassé du temple), une des Chambres de Raphaël dans le palais apostolique du Vatican.Elle représente le miracle eucharistique de Bolsena.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Comment La_Messe_de_Bolsena explique-t-il sa abstract?

La Messe de Bolsena est une fresque (environ 500 × 660 cm) peinte par l'artiste italien de la Renaissance Raphaël et ses aides. Réalisée en 1512, elle se trouve dans la Chambre d'Héliodore (nommée d'après l'œuvre Héliodore chassé du temple), une des Chambres de Raphaël dans le palais apostolique du Vatican.Elle représente le miracle eucharistique de Bolsena.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Dans La_Messe_de_Bolsena, comment est discutée la abstract?

La Messe de Bolsena est une fresque (environ 500 × 660 cm) peinte par l'artiste italien de la Renaissance Raphaël et ses aides. Réalisée en 1512, elle se trouve dans la Chambre d'Héliodore (nommée d'après l'œuvre Héliodore chassé du temple), une des Chambres de Raphaël dans le palais apostolique du Vatican.Elle représente le miracle eucharistique de Bolsena.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Concentrez-vous sur La_Messe_de_Bolsena et expliquez la Histoire.

Les premiers dessins pour les fresques de la salle, appelée plus tard Chambre d'Héliodore à partir du sujet de cette fresque, sont réalisés par Raphaël dès l'été 1511, lorsque les travaux dans la Chambre de la Signature ne sont pas encore terminés. Le choix des sujets, liés à des interventions miraculeuses en vue de sauvegarder l'Église, est suggéré par le pontife, et reflète le moment qui est difficile après les défaites contre les Français, qui ont conduit à la perte de Bologne, et du fait des menaces continues des armées étrangères dans la péninsule. Le pape Jules II, qui rentre à Rome en juin 1511, a juré de ne plus se raser la barbe jusqu'à ce qu'il libère l'Italie des étrangers : dans toutes les scènes, il apparaît barbu.La Messe de Bolsena est généralement reconnue comme la deuxième scène peinte dans la Chambre après Héliodore chassé du temple, au cours de l'année 1512, comme en témoigne l'inscription dans l'ébrasement de la fenêtre : JVLIVS II LIGVR, PONT[ifex] MAX[imus], ANN[o] CHRIS[ti] MDXII, PONTIFICAT[us] SVI VIII.. Sur ce mur, Bramantino avait déjà peint des fresques représentant des gouvernants quelques années plus tôt. La scène peinte par Raphaël évoque la dévotion particulière du pape à l'Eucharistie. Après le renversement des alliances en 1512, qui lui a occasionné un triomphe momentané, Jules II veut être représenté dans ses fresques de manière plus évidente, comme le montre la comparaison avec les croquis préparatoires.Le côté gauche est affecté par des restaurations importantes à l'origine de certaines baisses de qualité.Une étude de la figure féminine est conservée dans les collections du duc de Devonshire à Chatsworth House.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Messe_de_Bolsena.

Les premiers dessins pour les fresques de la salle, appelée plus tard Chambre d'Héliodore à partir du sujet de cette fresque, sont réalisés par Raphaël dès l'été 1511, lorsque les travaux dans la Chambre de la Signature ne sont pas encore terminés. Le choix des sujets, liés à des interventions miraculeuses en vue de sauvegarder l'Église, est suggéré par le pontife, et reflète le moment qui est difficile après les défaites contre les Français, qui ont conduit à la perte de Bologne, et du fait des menaces continues des armées étrangères dans la péninsule. Le pape Jules II, qui rentre à Rome en juin 1511, a juré de ne plus se raser la barbe jusqu'à ce qu'il libère l'Italie des étrangers : dans toutes les scènes, il apparaît barbu.La Messe de Bolsena est généralement reconnue comme la deuxième scène peinte dans la Chambre après Héliodore chassé du temple, au cours de l'année 1512, comme en témoigne l'inscription dans l'ébrasement de la fenêtre : JVLIVS II LIGVR, PONT[ifex] MAX[imus], ANN[o] CHRIS[ti] MDXII, PONTIFICAT[us] SVI VIII.. Sur ce mur, Bramantino avait déjà peint des fresques représentant des gouvernants quelques années plus tôt. La scène peinte par Raphaël évoque la dévotion particulière du pape à l'Eucharistie. Après le renversement des alliances en 1512, qui lui a occasionné un triomphe momentané, Jules II veut être représenté dans ses fresques de manière plus évidente, comme le montre la comparaison avec les croquis préparatoires.Le côté gauche est affecté par des restaurations importantes à l'origine de certaines baisses de qualité.Une étude de la figure féminine est conservée dans les collections du duc de Devonshire à Chatsworth House.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Comment La_Messe_de_Bolsena explique-t-il sa Histoire?

Les premiers dessins pour les fresques de la salle, appelée plus tard Chambre d'Héliodore à partir du sujet de cette fresque, sont réalisés par Raphaël dès l'été 1511, lorsque les travaux dans la Chambre de la Signature ne sont pas encore terminés. Le choix des sujets, liés à des interventions miraculeuses en vue de sauvegarder l'Église, est suggéré par le pontife, et reflète le moment qui est difficile après les défaites contre les Français, qui ont conduit à la perte de Bologne, et du fait des menaces continues des armées étrangères dans la péninsule. Le pape Jules II, qui rentre à Rome en juin 1511, a juré de ne plus se raser la barbe jusqu'à ce qu'il libère l'Italie des étrangers : dans toutes les scènes, il apparaît barbu.La Messe de Bolsena est généralement reconnue comme la deuxième scène peinte dans la Chambre après Héliodore chassé du temple, au cours de l'année 1512, comme en témoigne l'inscription dans l'ébrasement de la fenêtre : JVLIVS II LIGVR, PONT[ifex] MAX[imus], ANN[o] CHRIS[ti] MDXII, PONTIFICAT[us] SVI VIII.. Sur ce mur, Bramantino avait déjà peint des fresques représentant des gouvernants quelques années plus tôt. La scène peinte par Raphaël évoque la dévotion particulière du pape à l'Eucharistie. Après le renversement des alliances en 1512, qui lui a occasionné un triomphe momentané, Jules II veut être représenté dans ses fresques de manière plus évidente, comme le montre la comparaison avec les croquis préparatoires.Le côté gauche est affecté par des restaurations importantes à l'origine de certaines baisses de qualité.Une étude de la figure féminine est conservée dans les collections du duc de Devonshire à Chatsworth House.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Dans La_Messe_de_Bolsena, comment est discutée la Histoire?

Les premiers dessins pour les fresques de la salle, appelée plus tard Chambre d'Héliodore à partir du sujet de cette fresque, sont réalisés par Raphaël dès l'été 1511, lorsque les travaux dans la Chambre de la Signature ne sont pas encore terminés. Le choix des sujets, liés à des interventions miraculeuses en vue de sauvegarder l'Église, est suggéré par le pontife, et reflète le moment qui est difficile après les défaites contre les Français, qui ont conduit à la perte de Bologne, et du fait des menaces continues des armées étrangères dans la péninsule. Le pape Jules II, qui rentre à Rome en juin 1511, a juré de ne plus se raser la barbe jusqu'à ce qu'il libère l'Italie des étrangers : dans toutes les scènes, il apparaît barbu.La Messe de Bolsena est généralement reconnue comme la deuxième scène peinte dans la Chambre après Héliodore chassé du temple, au cours de l'année 1512, comme en témoigne l'inscription dans l'ébrasement de la fenêtre : JVLIVS II LIGVR, PONT[ifex] MAX[imus], ANN[o] CHRIS[ti] MDXII, PONTIFICAT[us] SVI VIII.. Sur ce mur, Bramantino avait déjà peint des fresques représentant des gouvernants quelques années plus tôt. La scène peinte par Raphaël évoque la dévotion particulière du pape à l'Eucharistie. Après le renversement des alliances en 1512, qui lui a occasionné un triomphe momentané, Jules II veut être représenté dans ses fresques de manière plus évidente, comme le montre la comparaison avec les croquis préparatoires.Le côté gauche est affecté par des restaurations importantes à l'origine de certaines baisses de qualité.Une étude de la figure féminine est conservée dans les collections du duc de Devonshire à Chatsworth House.

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Image:Raphael - Mass at Bolsena - Cardinal Raphaele Riario.jpg

Catégorie:Intérieur d'église dans la peinture


La_Messe_de_Bolsena

Prompt: Concentrez-vous sur La_Messe_de_Bolsena et expliquez la Description et style.

L'asymétrie de la fenêtre (295 cm) qui s'ouvre dans le mur, par rapport à l'axe de la lunette, oblige Raphaël à organiser la scène sur un plancher surélevé au centre et avec deux groupes de personnages en bas sur les côtés, dans laquelle il montre toute sa maîtrise de la composition. Selon la tradition, le miracle eucharistique de Bolsena a eu lieu dans la ville latiale en 1263, lorsqu'un prêtre originaire de Bohême, qui doutait de la transsubstantiation, célébrait une messe sur l'autel de l'église Santa Cristina. Au moment de la consécration, l'hostie se mit miraculeusement à saigner, souillant également le corporal, relique depuis lors conservée dans la cathédrale d'Orvieto, dans le diocèse dont relève Bolsena. La Vulgate raconte que l'événement est reconnu par Urbain IV qui, en 1264, institue la fête du Corpus Christi par la bulle Transiturus de hoc mundo. La scène confirme la dévotion personnelle du pape, rendant hommage en même temps à son oncle Sixte IV qui a promu le culte du Corpus Christi, ainsi que le triomphe de l'Église au cinquième concile du Latran ouvert en mai 1512. Jules II est particulièrement attaché à ce miracle car il symbolise pour lui l'intervention divine dans la défense de la foi et la justification de l'Église contre les doutes des sceptiques et les attaques de l'hérésie, à une époque où les articles de foi fondamentaux sont mis en question.La scène se décompose en masses équilibrées, mais avec une symétrie assez libre, d'une extrême naturalité, variant la succession des marches menant à la partie supérieure de l'autel et disposant les groupes sur les côtés d'une manière différente. La tension apparaît contenue, comme intériorisée par les spectateurs. Sur fond de basilique classique ouverte sur le ciel (comme dans l'École d'Athènes ), l'artiste a isolé l'autel à travers la masse sombre d'un exèdre en bois, sorte de chœur inversé du XVIe siècle, d'où sortent deux curieux. Au centre, le bloc de l'autel est recouvert d'un tissu à rayures d'or, avec une nature morte mesurée d'objets liturgiques au-dessus, où le prêtre de Bohême célèbre la messe, suivi de nombreux enfants de chœur agenouillés avec des bougies de procession à la main. Devant lui, à droite de l'autel, Jules II est agenouillé dans toute la splendeur de sa position, les coudes reposant sur un coussin volumineux à pompons aux coins, soutenu par un faldistorio aux sculptures de lion. Derrière lui se trouve un groupe de cardinaux et, plus bas, des sediari pontificaux attendent assis. Parmi les prélats, on a reconnu Raffaele Sansoni Riario, les bras croisés sur la poitrine, et peut-être le cardinal Sangiorgio, les mains jointes. Plus qu'un miracle qui arrive, c'est un miracle qui se répète devant le pape en tant que témoin.À gauche, un groupe de spectateurs surpris, debout ou assis par terre, exécutent des gestes admiratifs ou démonstratifs comme s'ils étaient des acteurs. Leurs attitudes d'agitation et de prière contrebalancent le calme statique de la hiérarchie ecclésiastique à droite.Si la reconstruction historique est encore une projection imaginaire du passé, la répétition rituelle du fait se place dans le présent : l'architecture à l'ancienne, qui indique un temps lointain, n'est qu'un arrière-plan.En bas à droite, est posté un groupe de gardes suisses. La fille de Jules II, Felice della Rovere, serait représentée à gauche, vêtue de noir et tournée vers son père.Détails de personnages de la fresque.

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