Diane_de_Gabies

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Diane_de_Gabies.

La statue est découverte en 1792 par Gavin Hamilton sur la propriété du prince Borghèse à Gabies, non loin de Rome. Elle rejoint immédiatement les collections du prince. En 1807, celui-ci, en proie à des difficultés financières, se voit contraint de la vendre à Napoléon Ier, et la statue est exposée au musée du Louvre dès 1820.La statue devient très populaire au XIXe siècle : un moulage en plâtre est placé dans l'Athenæum de Londres, une réplique en marbre rejoint les autres copies d'après l'antique qui ornent la cour Carrée du Louvre, et une réplique en fonte orne la fontaine du village de Grancey le Chateau situé en Côte d'Or.  On en trouve une copie en marbre (provenant de la Fonderie du Val d'Osne) dans le jardin de Villa Ocampo, résidence de Victoria Ocampo, à San Isidro (près de Buenos Aires).Des répliques en taille réduite, en terre cuite, en porcelaine et en bronze, sont également commercialisées à l'intention des amateurs.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Comment Diane_de_Gabies explique-t-il sa Histoire?

La statue est découverte en 1792 par Gavin Hamilton sur la propriété du prince Borghèse à Gabies, non loin de Rome. Elle rejoint immédiatement les collections du prince. En 1807, celui-ci, en proie à des difficultés financières, se voit contraint de la vendre à Napoléon Ier, et la statue est exposée au musée du Louvre dès 1820.La statue devient très populaire au XIXe siècle : un moulage en plâtre est placé dans l'Athenæum de Londres, une réplique en marbre rejoint les autres copies d'après l'antique qui ornent la cour Carrée du Louvre, et une réplique en fonte orne la fontaine du village de Grancey le Chateau situé en Côte d'Or.  On en trouve une copie en marbre (provenant de la Fonderie du Val d'Osne) dans le jardin de Villa Ocampo, résidence de Victoria Ocampo, à San Isidro (près de Buenos Aires).Des répliques en taille réduite, en terre cuite, en porcelaine et en bronze, sont également commercialisées à l'intention des amateurs.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Dans Diane_de_Gabies, comment est discutée la Histoire?

La statue est découverte en 1792 par Gavin Hamilton sur la propriété du prince Borghèse à Gabies, non loin de Rome. Elle rejoint immédiatement les collections du prince. En 1807, celui-ci, en proie à des difficultés financières, se voit contraint de la vendre à Napoléon Ier, et la statue est exposée au musée du Louvre dès 1820.La statue devient très populaire au XIXe siècle : un moulage en plâtre est placé dans l'Athenæum de Londres, une réplique en marbre rejoint les autres copies d'après l'antique qui ornent la cour Carrée du Louvre, et une réplique en fonte orne la fontaine du village de Grancey le Chateau situé en Côte d'Or.  On en trouve une copie en marbre (provenant de la Fonderie du Val d'Osne) dans le jardin de Villa Ocampo, résidence de Victoria Ocampo, à San Isidro (près de Buenos Aires).Des répliques en taille réduite, en terre cuite, en porcelaine et en bronze, sont également commercialisées à l'intention des amateurs.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Concentrez-vous sur Diane_de_Gabies et expliquez la Description.

La statue représente une jeune femme drapée debout, grandeur nature. Le poids du corps porte sur la jambe droite, soutenue par un tronc d'arbre, la jambe gauche étant laissée libre. Le pied gauche est rejeté en arrière et le talon se soulève légèrement, la pointe du pied tournée vers l'extérieur.Elle est habituellement identifiée  comme Artémis, déesse vierge de la chasse et de la nature sauvage, sur la seule base de ses vêtements. Elle porte en effet un chiton court et à larges manches, typique de la déesse. Le vêtement est noué par deux ceintures : l'une est visible au niveau de la taille, l'autre, cachée, permet de rabattre une partie du tissu, et donc à raccourcir le chiton et dégager les genoux. La déesse est représentée alors qu'elle va agrafer son manteau : la main droite tient une fibule et ramène un pan du vêtement sur l'épaule droite tandis que la main gauche soulève l'autre pan au niveau de la poitrine. Le mouvement a fait glisser le col du chiton, dénudant l'épaule gauche.La tête est légèrement tournée vers la droite, mais la déesse ne regarde pas véritablement ce qu'elle fait : le regard porte dans le vague, comme c'est souvent l'habitude pour les statues du second classicisme. Les cheveux ondulés sont ramenés en arrière et retenus par un bandeau noué en haut de la nuque ; leurs extrémités sont rassemblées en une sorte de chignon maintenu par un second ruban invisible.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Diane_de_Gabies.

La statue représente une jeune femme drapée debout, grandeur nature. Le poids du corps porte sur la jambe droite, soutenue par un tronc d'arbre, la jambe gauche étant laissée libre. Le pied gauche est rejeté en arrière et le talon se soulève légèrement, la pointe du pied tournée vers l'extérieur.Elle est habituellement identifiée  comme Artémis, déesse vierge de la chasse et de la nature sauvage, sur la seule base de ses vêtements. Elle porte en effet un chiton court et à larges manches, typique de la déesse. Le vêtement est noué par deux ceintures : l'une est visible au niveau de la taille, l'autre, cachée, permet de rabattre une partie du tissu, et donc à raccourcir le chiton et dégager les genoux. La déesse est représentée alors qu'elle va agrafer son manteau : la main droite tient une fibule et ramène un pan du vêtement sur l'épaule droite tandis que la main gauche soulève l'autre pan au niveau de la poitrine. Le mouvement a fait glisser le col du chiton, dénudant l'épaule gauche.La tête est légèrement tournée vers la droite, mais la déesse ne regarde pas véritablement ce qu'elle fait : le regard porte dans le vague, comme c'est souvent l'habitude pour les statues du second classicisme. Les cheveux ondulés sont ramenés en arrière et retenus par un bandeau noué en haut de la nuque ; leurs extrémités sont rassemblées en une sorte de chignon maintenu par un second ruban invisible.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Comment Diane_de_Gabies explique-t-il sa Description?

La statue représente une jeune femme drapée debout, grandeur nature. Le poids du corps porte sur la jambe droite, soutenue par un tronc d'arbre, la jambe gauche étant laissée libre. Le pied gauche est rejeté en arrière et le talon se soulève légèrement, la pointe du pied tournée vers l'extérieur.Elle est habituellement identifiée  comme Artémis, déesse vierge de la chasse et de la nature sauvage, sur la seule base de ses vêtements. Elle porte en effet un chiton court et à larges manches, typique de la déesse. Le vêtement est noué par deux ceintures : l'une est visible au niveau de la taille, l'autre, cachée, permet de rabattre une partie du tissu, et donc à raccourcir le chiton et dégager les genoux. La déesse est représentée alors qu'elle va agrafer son manteau : la main droite tient une fibule et ramène un pan du vêtement sur l'épaule droite tandis que la main gauche soulève l'autre pan au niveau de la poitrine. Le mouvement a fait glisser le col du chiton, dénudant l'épaule gauche.La tête est légèrement tournée vers la droite, mais la déesse ne regarde pas véritablement ce qu'elle fait : le regard porte dans le vague, comme c'est souvent l'habitude pour les statues du second classicisme. Les cheveux ondulés sont ramenés en arrière et retenus par un bandeau noué en haut de la nuque ; leurs extrémités sont rassemblées en une sorte de chignon maintenu par un second ruban invisible.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Dans Diane_de_Gabies, comment est discutée la Description?

La statue représente une jeune femme drapée debout, grandeur nature. Le poids du corps porte sur la jambe droite, soutenue par un tronc d'arbre, la jambe gauche étant laissée libre. Le pied gauche est rejeté en arrière et le talon se soulève légèrement, la pointe du pied tournée vers l'extérieur.Elle est habituellement identifiée  comme Artémis, déesse vierge de la chasse et de la nature sauvage, sur la seule base de ses vêtements. Elle porte en effet un chiton court et à larges manches, typique de la déesse. Le vêtement est noué par deux ceintures : l'une est visible au niveau de la taille, l'autre, cachée, permet de rabattre une partie du tissu, et donc à raccourcir le chiton et dégager les genoux. La déesse est représentée alors qu'elle va agrafer son manteau : la main droite tient une fibule et ramène un pan du vêtement sur l'épaule droite tandis que la main gauche soulève l'autre pan au niveau de la poitrine. Le mouvement a fait glisser le col du chiton, dénudant l'épaule gauche.La tête est légèrement tournée vers la droite, mais la déesse ne regarde pas véritablement ce qu'elle fait : le regard porte dans le vague, comme c'est souvent l'habitude pour les statues du second classicisme. Les cheveux ondulés sont ramenés en arrière et retenus par un bandeau noué en haut de la nuque ; leurs extrémités sont rassemblées en une sorte de chignon maintenu par un second ruban invisible.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Concentrez-vous sur Diane_de_Gabies et expliquez la Attribution.

Selon Pausanias, Praxitèle est l'auteur de l'effigie d'Artémis du Brauronion de l'acropole d'Athènes. Des inventaires du temple datant de 346-347 av. J.-C. mentionnent effectivement, entre autres, une « statue dressée » décrite comme représentant la déesse enveloppée dans un chitoniskos. On sait par ailleurs que le culte d'Artémis Brauronia comportait la consécration de vêtements offerts par les femmes.L'œuvre a longtemps été reconnue dans la Diane de Gabies : la déesse serait montrée agréant le don de ses fidèles. On a également noté la ressemblance de la tête avec celle de l’Aphrodite de Cnide et de l’Apollon sauroctone. Cependant, l'identification a été remise en cause à plusieurs titres. D'abord, les inventaires découverts à Athènes se sont avérés être des copies de ceux du sanctuaire de Brauron : il n'est pas certain que le culte athénien ait compris lui aussi l'offrande de vêtements. Ensuite, le chiton court serait anachronique au IVe siècle : sur cette base, la statue serait plutôt de l'époque hellénistique. Enfin, une hypothèse plus récente reconnaît l'Artémis Brauronia dans une tête du musée de l'Agora antique d'Athènes, qui a pris le nom de Tête Despinis.Pour autant, la Diane de Gabies frappe par sa grande qualité s'inscrit bien dans ce que l'on considère habituellement comme le style praxitélien, ce qui a poussé certains spécialistes à maintenir malgré tout la statue dans le corpus du maître ou à l'inscrire dans celui de ses fils.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Expliquer la Attribution de cette œuvre d'art, Diane_de_Gabies.

Selon Pausanias, Praxitèle est l'auteur de l'effigie d'Artémis du Brauronion de l'acropole d'Athènes. Des inventaires du temple datant de 346-347 av. J.-C. mentionnent effectivement, entre autres, une « statue dressée » décrite comme représentant la déesse enveloppée dans un chitoniskos. On sait par ailleurs que le culte d'Artémis Brauronia comportait la consécration de vêtements offerts par les femmes.L'œuvre a longtemps été reconnue dans la Diane de Gabies : la déesse serait montrée agréant le don de ses fidèles. On a également noté la ressemblance de la tête avec celle de l’Aphrodite de Cnide et de l’Apollon sauroctone. Cependant, l'identification a été remise en cause à plusieurs titres. D'abord, les inventaires découverts à Athènes se sont avérés être des copies de ceux du sanctuaire de Brauron : il n'est pas certain que le culte athénien ait compris lui aussi l'offrande de vêtements. Ensuite, le chiton court serait anachronique au IVe siècle : sur cette base, la statue serait plutôt de l'époque hellénistique. Enfin, une hypothèse plus récente reconnaît l'Artémis Brauronia dans une tête du musée de l'Agora antique d'Athènes, qui a pris le nom de Tête Despinis.Pour autant, la Diane de Gabies frappe par sa grande qualité s'inscrit bien dans ce que l'on considère habituellement comme le style praxitélien, ce qui a poussé certains spécialistes à maintenir malgré tout la statue dans le corpus du maître ou à l'inscrire dans celui de ses fils.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Comment Diane_de_Gabies explique-t-il sa Attribution?

Selon Pausanias, Praxitèle est l'auteur de l'effigie d'Artémis du Brauronion de l'acropole d'Athènes. Des inventaires du temple datant de 346-347 av. J.-C. mentionnent effectivement, entre autres, une « statue dressée » décrite comme représentant la déesse enveloppée dans un chitoniskos. On sait par ailleurs que le culte d'Artémis Brauronia comportait la consécration de vêtements offerts par les femmes.L'œuvre a longtemps été reconnue dans la Diane de Gabies : la déesse serait montrée agréant le don de ses fidèles. On a également noté la ressemblance de la tête avec celle de l’Aphrodite de Cnide et de l’Apollon sauroctone. Cependant, l'identification a été remise en cause à plusieurs titres. D'abord, les inventaires découverts à Athènes se sont avérés être des copies de ceux du sanctuaire de Brauron : il n'est pas certain que le culte athénien ait compris lui aussi l'offrande de vêtements. Ensuite, le chiton court serait anachronique au IVe siècle : sur cette base, la statue serait plutôt de l'époque hellénistique. Enfin, une hypothèse plus récente reconnaît l'Artémis Brauronia dans une tête du musée de l'Agora antique d'Athènes, qui a pris le nom de Tête Despinis.Pour autant, la Diane de Gabies frappe par sa grande qualité s'inscrit bien dans ce que l'on considère habituellement comme le style praxitélien, ce qui a poussé certains spécialistes à maintenir malgré tout la statue dans le corpus du maître ou à l'inscrire dans celui de ses fils.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Diane_de_Gabies

Prompt: Dans Diane_de_Gabies, comment est discutée la Attribution?

Selon Pausanias, Praxitèle est l'auteur de l'effigie d'Artémis du Brauronion de l'acropole d'Athènes. Des inventaires du temple datant de 346-347 av. J.-C. mentionnent effectivement, entre autres, une « statue dressée » décrite comme représentant la déesse enveloppée dans un chitoniskos. On sait par ailleurs que le culte d'Artémis Brauronia comportait la consécration de vêtements offerts par les femmes.L'œuvre a longtemps été reconnue dans la Diane de Gabies : la déesse serait montrée agréant le don de ses fidèles. On a également noté la ressemblance de la tête avec celle de l’Aphrodite de Cnide et de l’Apollon sauroctone. Cependant, l'identification a été remise en cause à plusieurs titres. D'abord, les inventaires découverts à Athènes se sont avérés être des copies de ceux du sanctuaire de Brauron : il n'est pas certain que le culte athénien ait compris lui aussi l'offrande de vêtements. Ensuite, le chiton court serait anachronique au IVe siècle : sur cette base, la statue serait plutôt de l'époque hellénistique. Enfin, une hypothèse plus récente reconnaît l'Artémis Brauronia dans une tête du musée de l'Agora antique d'Athènes, qui a pris le nom de Tête Despinis.Pour autant, la Diane de Gabies frappe par sa grande qualité s'inscrit bien dans ce que l'on considère habituellement comme le style praxitélien, ce qui a poussé certains spécialistes à maintenir malgré tout la statue dans le corpus du maître ou à l'inscrire dans celui de ses fils.

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n1.jpg

Catégorie:Mythologie grecque dans la sculpture antique

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n5.jpg

Fichier:Artemis Gabii Louvre Ma529 n3.jpg

Catégorie:Artémis ou Diane dans la sculpture

Catégorie:Collection d'antiquités grecques du Louvre


Triptyque_de_Modène

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_de_Modène et expliquez la abstract.

Le Triptyque de Modène  est un polyptyque à trois panneaux de bois peints  a tempera, réalisé en 1568 et peut-être attribué à l'artiste El Greco, qui était aussi connu sous le nom de Doménikos Theotokópoulos.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Triptyque_de_Modène.

Le Triptyque de Modène  est un polyptyque à trois panneaux de bois peints  a tempera, réalisé en 1568 et peut-être attribué à l'artiste El Greco, qui était aussi connu sous le nom de Doménikos Theotokópoulos.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Comment Triptyque_de_Modène explique-t-il sa abstract?

Le Triptyque de Modène  est un polyptyque à trois panneaux de bois peints  a tempera, réalisé en 1568 et peut-être attribué à l'artiste El Greco, qui était aussi connu sous le nom de Doménikos Theotokópoulos.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Dans Triptyque_de_Modène, comment est discutée la abstract?

Le Triptyque de Modène  est un polyptyque à trois panneaux de bois peints  a tempera, réalisé en 1568 et peut-être attribué à l'artiste El Greco, qui était aussi connu sous le nom de Doménikos Theotokópoulos.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_de_Modène et expliquez la Description.

Ce retable de type portatif est peint sur les deux faces et possède les caractéristiques stylistiques de la Renaissance italienne. Le recto est composé d'un panneau central (37 × 23,8 cm) et de deux latéraux (24 × 18 cm) avec L'Adoration des bergers, Le Chevalier chrétien et Le Baptême du Christ. Le verso montre L'Annonciation, le Mont Sinaï et Adam et Ève. Le panneau verso montre des pèlerins sur la chemin du monastère Sainte-Catherine, et le  Mont Sinaï, en métaphore d'un chemin vers le paradis.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Triptyque_de_Modène.

Ce retable de type portatif est peint sur les deux faces et possède les caractéristiques stylistiques de la Renaissance italienne. Le recto est composé d'un panneau central (37 × 23,8 cm) et de deux latéraux (24 × 18 cm) avec L'Adoration des bergers, Le Chevalier chrétien et Le Baptême du Christ. Le verso montre L'Annonciation, le Mont Sinaï et Adam et Ève. Le panneau verso montre des pèlerins sur la chemin du monastère Sainte-Catherine, et le  Mont Sinaï, en métaphore d'un chemin vers le paradis.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Comment Triptyque_de_Modène explique-t-il sa Description?

Ce retable de type portatif est peint sur les deux faces et possède les caractéristiques stylistiques de la Renaissance italienne. Le recto est composé d'un panneau central (37 × 23,8 cm) et de deux latéraux (24 × 18 cm) avec L'Adoration des bergers, Le Chevalier chrétien et Le Baptême du Christ. Le verso montre L'Annonciation, le Mont Sinaï et Adam et Ève. Le panneau verso montre des pèlerins sur la chemin du monastère Sainte-Catherine, et le  Mont Sinaï, en métaphore d'un chemin vers le paradis.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Dans Triptyque_de_Modène, comment est discutée la Description?

Ce retable de type portatif est peint sur les deux faces et possède les caractéristiques stylistiques de la Renaissance italienne. Le recto est composé d'un panneau central (37 × 23,8 cm) et de deux latéraux (24 × 18 cm) avec L'Adoration des bergers, Le Chevalier chrétien et Le Baptême du Christ. Le verso montre L'Annonciation, le Mont Sinaï et Adam et Ève. Le panneau verso montre des pèlerins sur la chemin du monastère Sainte-Catherine, et le  Mont Sinaï, en métaphore d'un chemin vers le paradis.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Concentrez-vous sur Triptyque_de_Modène et expliquez la Expositions.

Le triptyque de Modène a été présenté au public à Paris à l'exposition Greco du Grand Palais, du 16 octobre 2019 au 10 février 2020.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Expliquer la Expositions de cette œuvre d'art, Triptyque_de_Modène.

Le triptyque de Modène a été présenté au public à Paris à l'exposition Greco du Grand Palais, du 16 octobre 2019 au 10 février 2020.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Comment Triptyque_de_Modène explique-t-il sa Expositions?

Le triptyque de Modène a été présenté au public à Paris à l'exposition Greco du Grand Palais, du 16 octobre 2019 au 10 février 2020.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Triptyque_de_Modène

Prompt: Dans Triptyque_de_Modène, comment est discutée la Expositions?

Le triptyque de Modène a été présenté au public à Paris à l'exposition Greco du Grand Palais, du 16 octobre 2019 au 10 février 2020.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Catégorie:Baptême du Christ dans la peinture


Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars

Prompt: Concentrez-vous sur Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars et expliquez la abstract.

Minerve protégeant la Paix de Mars ou Paix et Guerre est un tableau de Pierre Paul Rubens. Il le réalisa à Londres entre 1629 et 1630, lors d'une mission diplomatique des Pays-Bas espagnols auprès de Charles Ier d'Angleterre. Il est conservé à la National Gallery de Londres.Cette peinture mythologique montre Minerve (déesse de la guerre, de la sagesse et de l'artisanat) combattant Mars, avec une figure nue de la Paix au centre.

Catégorie:Œuvre de Pierre Paul Rubens à la National Gallery

Catégorie:Athéna ou Minerve dans la peinture


Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars.

Minerve protégeant la Paix de Mars ou Paix et Guerre est un tableau de Pierre Paul Rubens. Il le réalisa à Londres entre 1629 et 1630, lors d'une mission diplomatique des Pays-Bas espagnols auprès de Charles Ier d'Angleterre. Il est conservé à la National Gallery de Londres.Cette peinture mythologique montre Minerve (déesse de la guerre, de la sagesse et de l'artisanat) combattant Mars, avec une figure nue de la Paix au centre.

Catégorie:Œuvre de Pierre Paul Rubens à la National Gallery

Catégorie:Athéna ou Minerve dans la peinture


Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars

Prompt: Comment Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars explique-t-il sa abstract?

Minerve protégeant la Paix de Mars ou Paix et Guerre est un tableau de Pierre Paul Rubens. Il le réalisa à Londres entre 1629 et 1630, lors d'une mission diplomatique des Pays-Bas espagnols auprès de Charles Ier d'Angleterre. Il est conservé à la National Gallery de Londres.Cette peinture mythologique montre Minerve (déesse de la guerre, de la sagesse et de l'artisanat) combattant Mars, avec une figure nue de la Paix au centre.

Catégorie:Œuvre de Pierre Paul Rubens à la National Gallery

Catégorie:Athéna ou Minerve dans la peinture


Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars

Prompt: Dans Minerve_protégeant_la_paix_de_Mars, comment est discutée la abstract?

Minerve protégeant la Paix de Mars ou Paix et Guerre est un tableau de Pierre Paul Rubens. Il le réalisa à Londres entre 1629 et 1630, lors d'une mission diplomatique des Pays-Bas espagnols auprès de Charles Ier d'Angleterre. Il est conservé à la National Gallery de Londres.Cette peinture mythologique montre Minerve (déesse de la guerre, de la sagesse et de l'artisanat) combattant Mars, avec une figure nue de la Paix au centre.

Catégorie:Œuvre de Pierre Paul Rubens à la National Gallery

Catégorie:Athéna ou Minerve dans la peinture


Un_vanneur

Prompt: Concentrez-vous sur Un_vanneur et expliquez la abstract.

Un Vanneur est le titre de trois tableaux peints par Jean-François Millet entre 1847 et 1848. Le premier, aujourd'hui conservé à la National Gallery fut peint en 1847-48 et présenté au Salon de 1848. Par la suite, Millet en proposa deux autres versions, l'une conservée au Musée du Louvre et l'autre au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Un_vanneur.

Un Vanneur est le titre de trois tableaux peints par Jean-François Millet entre 1847 et 1848. Le premier, aujourd'hui conservé à la National Gallery fut peint en 1847-48 et présenté au Salon de 1848. Par la suite, Millet en proposa deux autres versions, l'une conservée au Musée du Louvre et l'autre au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Comment Un_vanneur explique-t-il sa abstract?

Un Vanneur est le titre de trois tableaux peints par Jean-François Millet entre 1847 et 1848. Le premier, aujourd'hui conservé à la National Gallery fut peint en 1847-48 et présenté au Salon de 1848. Par la suite, Millet en proposa deux autres versions, l'une conservée au Musée du Louvre et l'autre au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Dans Un_vanneur, comment est discutée la abstract?

Un Vanneur est le titre de trois tableaux peints par Jean-François Millet entre 1847 et 1848. Le premier, aujourd'hui conservé à la National Gallery fut peint en 1847-48 et présenté au Salon de 1848. Par la suite, Millet en proposa deux autres versions, l'une conservée au Musée du Louvre et l'autre au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Concentrez-vous sur Un_vanneur et expliquez la Histoire.

La première version du Vanneur fut présentée dans le Grand Salon lors du Salon de 1848, en même temps que La Captivité des juifs de Babylone. Si La Captivité des juifs de Babylone, en tant que tableau d'Histoire, avait pour but d'attirer les commandes ; le second quant à lui marquait davantage l'entrée de Millet dans un genre nouveau : la peinture de la vie quotidienne paysanne. En effet, par cette représentation d'un vanneur, Millet se détourne de ses références littéraires et artistiques pour proposer des œuvres directement inspirées du monde paysan, veine qu'il ne fera que poursuivre dès 1849 en s'installant à Barbizon. Par ailleurs Millet a également réalisé au moins deux autres versions de l'œuvre. La première, nettement plus petite, est exposée au Musée du Louvre, et la seconde au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Un_vanneur.

La première version du Vanneur fut présentée dans le Grand Salon lors du Salon de 1848, en même temps que La Captivité des juifs de Babylone. Si La Captivité des juifs de Babylone, en tant que tableau d'Histoire, avait pour but d'attirer les commandes ; le second quant à lui marquait davantage l'entrée de Millet dans un genre nouveau : la peinture de la vie quotidienne paysanne. En effet, par cette représentation d'un vanneur, Millet se détourne de ses références littéraires et artistiques pour proposer des œuvres directement inspirées du monde paysan, veine qu'il ne fera que poursuivre dès 1849 en s'installant à Barbizon. Par ailleurs Millet a également réalisé au moins deux autres versions de l'œuvre. La première, nettement plus petite, est exposée au Musée du Louvre, et la seconde au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Comment Un_vanneur explique-t-il sa Histoire?

La première version du Vanneur fut présentée dans le Grand Salon lors du Salon de 1848, en même temps que La Captivité des juifs de Babylone. Si La Captivité des juifs de Babylone, en tant que tableau d'Histoire, avait pour but d'attirer les commandes ; le second quant à lui marquait davantage l'entrée de Millet dans un genre nouveau : la peinture de la vie quotidienne paysanne. En effet, par cette représentation d'un vanneur, Millet se détourne de ses références littéraires et artistiques pour proposer des œuvres directement inspirées du monde paysan, veine qu'il ne fera que poursuivre dès 1849 en s'installant à Barbizon. Par ailleurs Millet a également réalisé au moins deux autres versions de l'œuvre. La première, nettement plus petite, est exposée au Musée du Louvre, et la seconde au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Dans Un_vanneur, comment est discutée la Histoire?

La première version du Vanneur fut présentée dans le Grand Salon lors du Salon de 1848, en même temps que La Captivité des juifs de Babylone. Si La Captivité des juifs de Babylone, en tant que tableau d'Histoire, avait pour but d'attirer les commandes ; le second quant à lui marquait davantage l'entrée de Millet dans un genre nouveau : la peinture de la vie quotidienne paysanne. En effet, par cette représentation d'un vanneur, Millet se détourne de ses références littéraires et artistiques pour proposer des œuvres directement inspirées du monde paysan, veine qu'il ne fera que poursuivre dès 1849 en s'installant à Barbizon. Par ailleurs Millet a également réalisé au moins deux autres versions de l'œuvre. La première, nettement plus petite, est exposée au Musée du Louvre, et la seconde au Musée d'Orsay.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Concentrez-vous sur Un_vanneur et expliquez la Description.

Dans son Salon de 1848, Théophile Gautier décrit ainsi le Vanneur : « Le Vanneur, qui soulève son van de son genou déguenillé et fait monter dans l'air, au milieu d'une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. Il est d'une couleur superbe ; le mouchoir rouge de sa tête, les pièces bleues de son vêtement délabré sont d'un caprice et d'un ragoût exquis. L'effet poudreux du grain qui s'éparpille en volant, ne saurait être mieux rendu, et l'on éternue à regarder ce tableau. Le défaut de M. Millet le sert ici comme une qualité. »Cette série représente en effet à chaque fois un vanneur, en habit de travail et sabots aux pieds, qui, à l'aide d'un van, fait sauter le grain pour le séparer de la paille. Une évolution dans la représentation est cependant notable. Le vanneur semble en effet se redresser d'une version à l'autre. Quoi qu'il en soit, le vanneur – comme les autres figures de Millet : glaneuses, bergères, laboureurs, etc. - était la représentation d'un type bien davantage qu'un individu. Millet souhaitait avant tout créer des « synthèses » telles qu'il les appelait.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Un_vanneur.

Dans son Salon de 1848, Théophile Gautier décrit ainsi le Vanneur : « Le Vanneur, qui soulève son van de son genou déguenillé et fait monter dans l'air, au milieu d'une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. Il est d'une couleur superbe ; le mouchoir rouge de sa tête, les pièces bleues de son vêtement délabré sont d'un caprice et d'un ragoût exquis. L'effet poudreux du grain qui s'éparpille en volant, ne saurait être mieux rendu, et l'on éternue à regarder ce tableau. Le défaut de M. Millet le sert ici comme une qualité. »Cette série représente en effet à chaque fois un vanneur, en habit de travail et sabots aux pieds, qui, à l'aide d'un van, fait sauter le grain pour le séparer de la paille. Une évolution dans la représentation est cependant notable. Le vanneur semble en effet se redresser d'une version à l'autre. Quoi qu'il en soit, le vanneur – comme les autres figures de Millet : glaneuses, bergères, laboureurs, etc. - était la représentation d'un type bien davantage qu'un individu. Millet souhaitait avant tout créer des « synthèses » telles qu'il les appelait.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Comment Un_vanneur explique-t-il sa Description?

Dans son Salon de 1848, Théophile Gautier décrit ainsi le Vanneur : « Le Vanneur, qui soulève son van de son genou déguenillé et fait monter dans l'air, au milieu d'une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. Il est d'une couleur superbe ; le mouchoir rouge de sa tête, les pièces bleues de son vêtement délabré sont d'un caprice et d'un ragoût exquis. L'effet poudreux du grain qui s'éparpille en volant, ne saurait être mieux rendu, et l'on éternue à regarder ce tableau. Le défaut de M. Millet le sert ici comme une qualité. »Cette série représente en effet à chaque fois un vanneur, en habit de travail et sabots aux pieds, qui, à l'aide d'un van, fait sauter le grain pour le séparer de la paille. Une évolution dans la représentation est cependant notable. Le vanneur semble en effet se redresser d'une version à l'autre. Quoi qu'il en soit, le vanneur – comme les autres figures de Millet : glaneuses, bergères, laboureurs, etc. - était la représentation d'un type bien davantage qu'un individu. Millet souhaitait avant tout créer des « synthèses » telles qu'il les appelait.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Dans Un_vanneur, comment est discutée la Description?

Dans son Salon de 1848, Théophile Gautier décrit ainsi le Vanneur : « Le Vanneur, qui soulève son van de son genou déguenillé et fait monter dans l'air, au milieu d'une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. Il est d'une couleur superbe ; le mouchoir rouge de sa tête, les pièces bleues de son vêtement délabré sont d'un caprice et d'un ragoût exquis. L'effet poudreux du grain qui s'éparpille en volant, ne saurait être mieux rendu, et l'on éternue à regarder ce tableau. Le défaut de M. Millet le sert ici comme une qualité. »Cette série représente en effet à chaque fois un vanneur, en habit de travail et sabots aux pieds, qui, à l'aide d'un van, fait sauter le grain pour le séparer de la paille. Une évolution dans la représentation est cependant notable. Le vanneur semble en effet se redresser d'une version à l'autre. Quoi qu'il en soit, le vanneur – comme les autres figures de Millet : glaneuses, bergères, laboureurs, etc. - était la représentation d'un type bien davantage qu'un individu. Millet souhaitait avant tout créer des « synthèses » telles qu'il les appelait.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Concentrez-vous sur Un_vanneur et expliquez la Contexte de création.

L'apparition de ces sujets paysans dans l’œuvre de Millet a pu être favorisée par le climat socialiste qui régnait autour de la Révolution de 1848, et ce même si Millet n'y a pas participé et refusait d'être qualifié de « socialiste ».De plus, en 1846 déjà, Michelet par exemple rendit hommage aux paysans dans son ouvrage intitulé Le Peuple : « Le paysan n'est pas seulement la partie la plus nombreuse de la nation, c'est la plus forte, la plus saine et, en balançant le bien le physique et le moral, au total la meilleure ». Tel n'était certes pas l'avis de tous, mais le paysan gagnait peu à peu une dignité nouvelle. Enfin, en instaurant le suffrage universel en 1848, la IIe République fit du paysan un citoyen à part entière, lui reconnaissant une place dans la société qu'il n'avait pas jusque-là.1848 apparaît donc comme la date clé de la carrière de Millet. « Tout se passe comme si 1848 lui permettait enfin de faire ce qu'il a à cœur, d'appréhender ce monde paysan qu'il aime, qu'il a largement observé et dont il va rendre les plus beaux aspects tout au long de sa carrière. Et Le Vanneur marque cette rupture » explique notamment Chantal Georgel à l'occasion de l'exposition Jean-François Millet & Millet USA au Palais des Beaux-Arts de Lille.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Expliquer la Contexte de création de cette œuvre d'art, Un_vanneur.

L'apparition de ces sujets paysans dans l’œuvre de Millet a pu être favorisée par le climat socialiste qui régnait autour de la Révolution de 1848, et ce même si Millet n'y a pas participé et refusait d'être qualifié de « socialiste ».De plus, en 1846 déjà, Michelet par exemple rendit hommage aux paysans dans son ouvrage intitulé Le Peuple : « Le paysan n'est pas seulement la partie la plus nombreuse de la nation, c'est la plus forte, la plus saine et, en balançant le bien le physique et le moral, au total la meilleure ». Tel n'était certes pas l'avis de tous, mais le paysan gagnait peu à peu une dignité nouvelle. Enfin, en instaurant le suffrage universel en 1848, la IIe République fit du paysan un citoyen à part entière, lui reconnaissant une place dans la société qu'il n'avait pas jusque-là.1848 apparaît donc comme la date clé de la carrière de Millet. « Tout se passe comme si 1848 lui permettait enfin de faire ce qu'il a à cœur, d'appréhender ce monde paysan qu'il aime, qu'il a largement observé et dont il va rendre les plus beaux aspects tout au long de sa carrière. Et Le Vanneur marque cette rupture » explique notamment Chantal Georgel à l'occasion de l'exposition Jean-François Millet & Millet USA au Palais des Beaux-Arts de Lille.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Comment Un_vanneur explique-t-il sa Contexte de création?

L'apparition de ces sujets paysans dans l’œuvre de Millet a pu être favorisée par le climat socialiste qui régnait autour de la Révolution de 1848, et ce même si Millet n'y a pas participé et refusait d'être qualifié de « socialiste ».De plus, en 1846 déjà, Michelet par exemple rendit hommage aux paysans dans son ouvrage intitulé Le Peuple : « Le paysan n'est pas seulement la partie la plus nombreuse de la nation, c'est la plus forte, la plus saine et, en balançant le bien le physique et le moral, au total la meilleure ». Tel n'était certes pas l'avis de tous, mais le paysan gagnait peu à peu une dignité nouvelle. Enfin, en instaurant le suffrage universel en 1848, la IIe République fit du paysan un citoyen à part entière, lui reconnaissant une place dans la société qu'il n'avait pas jusque-là.1848 apparaît donc comme la date clé de la carrière de Millet. « Tout se passe comme si 1848 lui permettait enfin de faire ce qu'il a à cœur, d'appréhender ce monde paysan qu'il aime, qu'il a largement observé et dont il va rendre les plus beaux aspects tout au long de sa carrière. Et Le Vanneur marque cette rupture » explique notamment Chantal Georgel à l'occasion de l'exposition Jean-François Millet & Millet USA au Palais des Beaux-Arts de Lille.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Dans Un_vanneur, comment est discutée la Contexte de création?

L'apparition de ces sujets paysans dans l’œuvre de Millet a pu être favorisée par le climat socialiste qui régnait autour de la Révolution de 1848, et ce même si Millet n'y a pas participé et refusait d'être qualifié de « socialiste ».De plus, en 1846 déjà, Michelet par exemple rendit hommage aux paysans dans son ouvrage intitulé Le Peuple : « Le paysan n'est pas seulement la partie la plus nombreuse de la nation, c'est la plus forte, la plus saine et, en balançant le bien le physique et le moral, au total la meilleure ». Tel n'était certes pas l'avis de tous, mais le paysan gagnait peu à peu une dignité nouvelle. Enfin, en instaurant le suffrage universel en 1848, la IIe République fit du paysan un citoyen à part entière, lui reconnaissant une place dans la société qu'il n'avait pas jusque-là.1848 apparaît donc comme la date clé de la carrière de Millet. « Tout se passe comme si 1848 lui permettait enfin de faire ce qu'il a à cœur, d'appréhender ce monde paysan qu'il aime, qu'il a largement observé et dont il va rendre les plus beaux aspects tout au long de sa carrière. Et Le Vanneur marque cette rupture » explique notamment Chantal Georgel à l'occasion de l'exposition Jean-François Millet & Millet USA au Palais des Beaux-Arts de Lille.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Concentrez-vous sur Un_vanneur et expliquez la Réception de l'œuvre.

Ce tableau séduit les sympathisants républicains. Théophile Gautier par exemple loua ainsi le Vanneur : « Il est impossible de voir quelque chose de plus rugueux, de plus farouche, de plus hérissé, de plus inculte ; eh bien ! ce mortier, ce gâchis épais à retenir la brosse, est d’une localité excellente, d’un ton fin et chaud quand on se recule à trois pas. Ce vanneur qui soulève son van de son genou déguenillé, et fait monter dans l’air, au milieu d’une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. ». Il ajoute également que « la peinture de M. Millet a tout ce qu’il faut pour horripiler les bourgeois à menton glabre », remarque qui explique l'intérêt qu'ont pu trouver les républicains dans cette œuvre.Ce tableau, présenté au Salon de 1848, sut se démarquer parmi les 5000 autres œuvres exposées cette année-là, et fut acheté pour 500 francs par Alexandre-Ledru-Rollin, ministre du gouvernement provisoire.Son importance est d'autant plus forte qu'il a notamment inspiré Gustave Courbet pour son tableau Les Casseurs de Pierres réalisé en 1849, et qui fut détruit lors du bombardement de Dresde en 1945.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Expliquer la Réception de l'œuvre de cette œuvre d'art, Un_vanneur.

Ce tableau séduit les sympathisants républicains. Théophile Gautier par exemple loua ainsi le Vanneur : « Il est impossible de voir quelque chose de plus rugueux, de plus farouche, de plus hérissé, de plus inculte ; eh bien ! ce mortier, ce gâchis épais à retenir la brosse, est d’une localité excellente, d’un ton fin et chaud quand on se recule à trois pas. Ce vanneur qui soulève son van de son genou déguenillé, et fait monter dans l’air, au milieu d’une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. ». Il ajoute également que « la peinture de M. Millet a tout ce qu’il faut pour horripiler les bourgeois à menton glabre », remarque qui explique l'intérêt qu'ont pu trouver les républicains dans cette œuvre.Ce tableau, présenté au Salon de 1848, sut se démarquer parmi les 5000 autres œuvres exposées cette année-là, et fut acheté pour 500 francs par Alexandre-Ledru-Rollin, ministre du gouvernement provisoire.Son importance est d'autant plus forte qu'il a notamment inspiré Gustave Courbet pour son tableau Les Casseurs de Pierres réalisé en 1849, et qui fut détruit lors du bombardement de Dresde en 1945.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Comment Un_vanneur explique-t-il sa Réception de l'œuvre?

Ce tableau séduit les sympathisants républicains. Théophile Gautier par exemple loua ainsi le Vanneur : « Il est impossible de voir quelque chose de plus rugueux, de plus farouche, de plus hérissé, de plus inculte ; eh bien ! ce mortier, ce gâchis épais à retenir la brosse, est d’une localité excellente, d’un ton fin et chaud quand on se recule à trois pas. Ce vanneur qui soulève son van de son genou déguenillé, et fait monter dans l’air, au milieu d’une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. ». Il ajoute également que « la peinture de M. Millet a tout ce qu’il faut pour horripiler les bourgeois à menton glabre », remarque qui explique l'intérêt qu'ont pu trouver les républicains dans cette œuvre.Ce tableau, présenté au Salon de 1848, sut se démarquer parmi les 5000 autres œuvres exposées cette année-là, et fut acheté pour 500 francs par Alexandre-Ledru-Rollin, ministre du gouvernement provisoire.Son importance est d'autant plus forte qu'il a notamment inspiré Gustave Courbet pour son tableau Les Casseurs de Pierres réalisé en 1849, et qui fut détruit lors du bombardement de Dresde en 1945.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Un_vanneur

Prompt: Dans Un_vanneur, comment est discutée la Réception de l'œuvre?

Ce tableau séduit les sympathisants républicains. Théophile Gautier par exemple loua ainsi le Vanneur : « Il est impossible de voir quelque chose de plus rugueux, de plus farouche, de plus hérissé, de plus inculte ; eh bien ! ce mortier, ce gâchis épais à retenir la brosse, est d’une localité excellente, d’un ton fin et chaud quand on se recule à trois pas. Ce vanneur qui soulève son van de son genou déguenillé, et fait monter dans l’air, au milieu d’une colonne de poussière dorée, le grain de sa corbeille, se cambre de la manière la plus magistrale. ». Il ajoute également que « la peinture de M. Millet a tout ce qu’il faut pour horripiler les bourgeois à menton glabre », remarque qui explique l'intérêt qu'ont pu trouver les républicains dans cette œuvre.Ce tableau, présenté au Salon de 1848, sut se démarquer parmi les 5000 autres œuvres exposées cette année-là, et fut acheté pour 500 francs par Alexandre-Ledru-Rollin, ministre du gouvernement provisoire.Son importance est d'autant plus forte qu'il a notamment inspiré Gustave Courbet pour son tableau Les Casseurs de Pierres réalisé en 1849, et qui fut détruit lors du bombardement de Dresde en 1945.

Catégorie:Œuvre exposée au Salon de 1848

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Orsay

Catégorie:Œuvre de Jean-François Millet en France

Catégorie:Tableau de Jean-François Millet

Catégorie:Travail dans l'art et la culture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Mangeur_de_haricots et expliquez la abstract.

Le Mangeur de haricots, ou Le Mangeur de fèves (en italien : Mangiafagioli) est une peinture de l'artiste baroque italien Annibale Carracci. Datant des années 1580-1590 (probablement vers 1583-1585), elle est conservée dans la galerie du Palais Colonna de Rome.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Le_Mangeur_de_haricots.

Le Mangeur de haricots, ou Le Mangeur de fèves (en italien : Mangiafagioli) est une peinture de l'artiste baroque italien Annibale Carracci. Datant des années 1580-1590 (probablement vers 1583-1585), elle est conservée dans la galerie du Palais Colonna de Rome.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Comment Le_Mangeur_de_haricots explique-t-il sa abstract?

Le Mangeur de haricots, ou Le Mangeur de fèves (en italien : Mangiafagioli) est une peinture de l'artiste baroque italien Annibale Carracci. Datant des années 1580-1590 (probablement vers 1583-1585), elle est conservée dans la galerie du Palais Colonna de Rome.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Dans Le_Mangeur_de_haricots, comment est discutée la abstract?

Le Mangeur de haricots, ou Le Mangeur de fèves (en italien : Mangiafagioli) est une peinture de l'artiste baroque italien Annibale Carracci. Datant des années 1580-1590 (probablement vers 1583-1585), elle est conservée dans la galerie du Palais Colonna de Rome.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Mangeur_de_haricots et expliquez la Description.

Un paysan, ou un ouvrier agricole, est assis à table. Avec une cuillère de bois, il mange avec avidité des cornilles contenus dans un bol. Des oignons, du pain, un plat de tarte aux légumes, un verre à moitié plein de vin et une cruche colorée sont sur la table.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Le_Mangeur_de_haricots.

Un paysan, ou un ouvrier agricole, est assis à table. Avec une cuillère de bois, il mange avec avidité des cornilles contenus dans un bol. Des oignons, du pain, un plat de tarte aux légumes, un verre à moitié plein de vin et une cruche colorée sont sur la table.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Comment Le_Mangeur_de_haricots explique-t-il sa Description?

Un paysan, ou un ouvrier agricole, est assis à table. Avec une cuillère de bois, il mange avec avidité des cornilles contenus dans un bol. Des oignons, du pain, un plat de tarte aux légumes, un verre à moitié plein de vin et une cruche colorée sont sur la table.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Dans Le_Mangeur_de_haricots, comment est discutée la Description?

Un paysan, ou un ouvrier agricole, est assis à table. Avec une cuillère de bois, il mange avec avidité des cornilles contenus dans un bol. Des oignons, du pain, un plat de tarte aux légumes, un verre à moitié plein de vin et une cruche colorée sont sur la table.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Concentrez-vous sur Le_Mangeur_de_haricots et expliquez la Analyse.

Scène de genre, très réaliste et vivante, la peinture est à rapprocher de La Boucherie, réalisée par le peintre à la même époque (conservée actuellement à Oxford), avec laquelle elle partage le même style populaire. Réalisée à Bologne, elle dépeint de manière très réaliste la vie quotidienne, et doit beaucoup à l'école flamande et hollandaise.Cette œuvre iconique s'inscrit dans la tradition comique et célèbre tout autant les richesses du terroir bolognais qu'elle s'amuse des mœurs grossières du paysan, occupé, bouche ouverte, à plonger avidement sa cuillère en bois dans son bol de haricots. La torta d'erbe, le plat bolognais par excellence, est placé au tout premier plan.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Le_Mangeur_de_haricots.

Scène de genre, très réaliste et vivante, la peinture est à rapprocher de La Boucherie, réalisée par le peintre à la même époque (conservée actuellement à Oxford), avec laquelle elle partage le même style populaire. Réalisée à Bologne, elle dépeint de manière très réaliste la vie quotidienne, et doit beaucoup à l'école flamande et hollandaise.Cette œuvre iconique s'inscrit dans la tradition comique et célèbre tout autant les richesses du terroir bolognais qu'elle s'amuse des mœurs grossières du paysan, occupé, bouche ouverte, à plonger avidement sa cuillère en bois dans son bol de haricots. La torta d'erbe, le plat bolognais par excellence, est placé au tout premier plan.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Comment Le_Mangeur_de_haricots explique-t-il sa Analyse?

Scène de genre, très réaliste et vivante, la peinture est à rapprocher de La Boucherie, réalisée par le peintre à la même époque (conservée actuellement à Oxford), avec laquelle elle partage le même style populaire. Réalisée à Bologne, elle dépeint de manière très réaliste la vie quotidienne, et doit beaucoup à l'école flamande et hollandaise.Cette œuvre iconique s'inscrit dans la tradition comique et célèbre tout autant les richesses du terroir bolognais qu'elle s'amuse des mœurs grossières du paysan, occupé, bouche ouverte, à plonger avidement sa cuillère en bois dans son bol de haricots. La torta d'erbe, le plat bolognais par excellence, est placé au tout premier plan.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Le_Mangeur_de_haricots

Prompt: Dans Le_Mangeur_de_haricots, comment est discutée la Analyse?

Scène de genre, très réaliste et vivante, la peinture est à rapprocher de La Boucherie, réalisée par le peintre à la même époque (conservée actuellement à Oxford), avec laquelle elle partage le même style populaire. Réalisée à Bologne, elle dépeint de manière très réaliste la vie quotidienne, et doit beaucoup à l'école flamande et hollandaise.Cette œuvre iconique s'inscrit dans la tradition comique et célèbre tout autant les richesses du terroir bolognais qu'elle s'amuse des mœurs grossières du paysan, occupé, bouche ouverte, à plonger avidement sa cuillère en bois dans son bol de haricots. La torta d'erbe, le plat bolognais par excellence, est placé au tout premier plan.

Catégorie:Œuvre d'Annibale Carracci en Italie


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Concentrez-vous sur Vision_de_saint_Jérôme et expliquez la abstract.

La Vision de Saint Jérôme est une peinture à l' huile sur bois (343x149 cm) de Parmigianino, réalisée pour l’église San Salvatore in Lauro de Rome, datée de 1526 - 1527 et aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres .

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Vision_de_saint_Jérôme.

La Vision de Saint Jérôme est une peinture à l' huile sur bois (343x149 cm) de Parmigianino, réalisée pour l’église San Salvatore in Lauro de Rome, datée de 1526 - 1527 et aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres .

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Comment Vision_de_saint_Jérôme explique-t-il sa abstract?

La Vision de Saint Jérôme est une peinture à l' huile sur bois (343x149 cm) de Parmigianino, réalisée pour l’église San Salvatore in Lauro de Rome, datée de 1526 - 1527 et aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres .

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Dans Vision_de_saint_Jérôme, comment est discutée la abstract?

La Vision de Saint Jérôme est une peinture à l' huile sur bois (343x149 cm) de Parmigianino, réalisée pour l’église San Salvatore in Lauro de Rome, datée de 1526 - 1527 et aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres .

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Concentrez-vous sur Vision_de_saint_Jérôme et expliquez la Histoire.

L'œuvre fut commanditée à Rome, le 3 janvier 1526, par Maria Bufalini, épouse d'Antonio Caccialupi, pour décorer sa chapelle dans l’église de San Salvatore in Lauro, église nationale des Marchisans à Rome.Le contrat mentionnait à la fois « Francesco de Mazola de Parma » et un « Pietro » du même nom, identifiable à son oncle Pier Ilario Mazzola . La forme inhabituellement haute et étroite de la table est due au fait qu'elle devait être au centre d'un triptyque, dont les ailes, jamais réalisées, devaient représenter l' Immaculée Conception, à laquelle la chapelle était dédiée, et les Saints Joachim et Anne . On ne sait pas quelles parties Parmigianino aurait dû peindre et lesquelles son oncle.Le panneau est cité par Vasari comme étant celui sur lequel travaillait le peintre au moment du sac de Rome en mai 1527, les travaux étant brusquement interrompus par l'arrivée des Lanzichenecchi . Vasari décrit comment Parmigianino a tardé à fuir et comment, surpris par les soldats allemands alors qu'il travaillait, a été épargné par ces mêmes soldats grâce à la beauté de l'œuvre qu'il était en train de réaliser. Après leur avoir payé une prime en aquarelles et en dessins, il fut alors menacé par d'autres troupes, s'enfuyant aussitôt, tandis que Pier Ilario reste quelques jours en ville pour cacher le tableau dans le réfectoire de Santa Maria della Pace .Parmigianino n'est jamais revenu dans la Ville éternelle, le travail n'a donc été achevé que dans le panneau central. En 1558 , les Bufalini décidèrent de le déplacer dans leur chapelle de Sant'Agostino in Città di Castello et de là le peintre anglais James Durno l' acheta en 1790. Transféré en Angleterre, il fut vendu au marquis d'Albercorn pour 1 500 guinées. Il passa ensuite à MM. Dawis et Taylor, puis au révérend Holwell Carr, qui en 1826 le donna au musée de Londres.Diverses études préparatoires sont connues, au musée Condé de Chantilly  (132 recto et verso), au British Museum (1882-8-12-448 recto et verso) et d'autres feuilles mineures dans d'autres collections (une vingtaine en tout), qui témoignent de la longue recherche d'une solution de composition satisfaisante. Un dessin de la Galerie Nationale de Parme, bien qu'étant une simple esquisse, est celui qui se rapproche le plus de la version finale, qui bouleverse néanmoins la composition, conçue horizontalement plutôt que verticalement.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Vision_de_saint_Jérôme.

L'œuvre fut commanditée à Rome, le 3 janvier 1526, par Maria Bufalini, épouse d'Antonio Caccialupi, pour décorer sa chapelle dans l’église de San Salvatore in Lauro, église nationale des Marchisans à Rome.Le contrat mentionnait à la fois « Francesco de Mazola de Parma » et un « Pietro » du même nom, identifiable à son oncle Pier Ilario Mazzola . La forme inhabituellement haute et étroite de la table est due au fait qu'elle devait être au centre d'un triptyque, dont les ailes, jamais réalisées, devaient représenter l' Immaculée Conception, à laquelle la chapelle était dédiée, et les Saints Joachim et Anne . On ne sait pas quelles parties Parmigianino aurait dû peindre et lesquelles son oncle.Le panneau est cité par Vasari comme étant celui sur lequel travaillait le peintre au moment du sac de Rome en mai 1527, les travaux étant brusquement interrompus par l'arrivée des Lanzichenecchi . Vasari décrit comment Parmigianino a tardé à fuir et comment, surpris par les soldats allemands alors qu'il travaillait, a été épargné par ces mêmes soldats grâce à la beauté de l'œuvre qu'il était en train de réaliser. Après leur avoir payé une prime en aquarelles et en dessins, il fut alors menacé par d'autres troupes, s'enfuyant aussitôt, tandis que Pier Ilario reste quelques jours en ville pour cacher le tableau dans le réfectoire de Santa Maria della Pace .Parmigianino n'est jamais revenu dans la Ville éternelle, le travail n'a donc été achevé que dans le panneau central. En 1558 , les Bufalini décidèrent de le déplacer dans leur chapelle de Sant'Agostino in Città di Castello et de là le peintre anglais James Durno l' acheta en 1790. Transféré en Angleterre, il fut vendu au marquis d'Albercorn pour 1 500 guinées. Il passa ensuite à MM. Dawis et Taylor, puis au révérend Holwell Carr, qui en 1826 le donna au musée de Londres.Diverses études préparatoires sont connues, au musée Condé de Chantilly  (132 recto et verso), au British Museum (1882-8-12-448 recto et verso) et d'autres feuilles mineures dans d'autres collections (une vingtaine en tout), qui témoignent de la longue recherche d'une solution de composition satisfaisante. Un dessin de la Galerie Nationale de Parme, bien qu'étant une simple esquisse, est celui qui se rapproche le plus de la version finale, qui bouleverse néanmoins la composition, conçue horizontalement plutôt que verticalement.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Comment Vision_de_saint_Jérôme explique-t-il sa Histoire?

L'œuvre fut commanditée à Rome, le 3 janvier 1526, par Maria Bufalini, épouse d'Antonio Caccialupi, pour décorer sa chapelle dans l’église de San Salvatore in Lauro, église nationale des Marchisans à Rome.Le contrat mentionnait à la fois « Francesco de Mazola de Parma » et un « Pietro » du même nom, identifiable à son oncle Pier Ilario Mazzola . La forme inhabituellement haute et étroite de la table est due au fait qu'elle devait être au centre d'un triptyque, dont les ailes, jamais réalisées, devaient représenter l' Immaculée Conception, à laquelle la chapelle était dédiée, et les Saints Joachim et Anne . On ne sait pas quelles parties Parmigianino aurait dû peindre et lesquelles son oncle.Le panneau est cité par Vasari comme étant celui sur lequel travaillait le peintre au moment du sac de Rome en mai 1527, les travaux étant brusquement interrompus par l'arrivée des Lanzichenecchi . Vasari décrit comment Parmigianino a tardé à fuir et comment, surpris par les soldats allemands alors qu'il travaillait, a été épargné par ces mêmes soldats grâce à la beauté de l'œuvre qu'il était en train de réaliser. Après leur avoir payé une prime en aquarelles et en dessins, il fut alors menacé par d'autres troupes, s'enfuyant aussitôt, tandis que Pier Ilario reste quelques jours en ville pour cacher le tableau dans le réfectoire de Santa Maria della Pace .Parmigianino n'est jamais revenu dans la Ville éternelle, le travail n'a donc été achevé que dans le panneau central. En 1558 , les Bufalini décidèrent de le déplacer dans leur chapelle de Sant'Agostino in Città di Castello et de là le peintre anglais James Durno l' acheta en 1790. Transféré en Angleterre, il fut vendu au marquis d'Albercorn pour 1 500 guinées. Il passa ensuite à MM. Dawis et Taylor, puis au révérend Holwell Carr, qui en 1826 le donna au musée de Londres.Diverses études préparatoires sont connues, au musée Condé de Chantilly  (132 recto et verso), au British Museum (1882-8-12-448 recto et verso) et d'autres feuilles mineures dans d'autres collections (une vingtaine en tout), qui témoignent de la longue recherche d'une solution de composition satisfaisante. Un dessin de la Galerie Nationale de Parme, bien qu'étant une simple esquisse, est celui qui se rapproche le plus de la version finale, qui bouleverse néanmoins la composition, conçue horizontalement plutôt que verticalement.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Dans Vision_de_saint_Jérôme, comment est discutée la Histoire?

L'œuvre fut commanditée à Rome, le 3 janvier 1526, par Maria Bufalini, épouse d'Antonio Caccialupi, pour décorer sa chapelle dans l’église de San Salvatore in Lauro, église nationale des Marchisans à Rome.Le contrat mentionnait à la fois « Francesco de Mazola de Parma » et un « Pietro » du même nom, identifiable à son oncle Pier Ilario Mazzola . La forme inhabituellement haute et étroite de la table est due au fait qu'elle devait être au centre d'un triptyque, dont les ailes, jamais réalisées, devaient représenter l' Immaculée Conception, à laquelle la chapelle était dédiée, et les Saints Joachim et Anne . On ne sait pas quelles parties Parmigianino aurait dû peindre et lesquelles son oncle.Le panneau est cité par Vasari comme étant celui sur lequel travaillait le peintre au moment du sac de Rome en mai 1527, les travaux étant brusquement interrompus par l'arrivée des Lanzichenecchi . Vasari décrit comment Parmigianino a tardé à fuir et comment, surpris par les soldats allemands alors qu'il travaillait, a été épargné par ces mêmes soldats grâce à la beauté de l'œuvre qu'il était en train de réaliser. Après leur avoir payé une prime en aquarelles et en dessins, il fut alors menacé par d'autres troupes, s'enfuyant aussitôt, tandis que Pier Ilario reste quelques jours en ville pour cacher le tableau dans le réfectoire de Santa Maria della Pace .Parmigianino n'est jamais revenu dans la Ville éternelle, le travail n'a donc été achevé que dans le panneau central. En 1558 , les Bufalini décidèrent de le déplacer dans leur chapelle de Sant'Agostino in Città di Castello et de là le peintre anglais James Durno l' acheta en 1790. Transféré en Angleterre, il fut vendu au marquis d'Albercorn pour 1 500 guinées. Il passa ensuite à MM. Dawis et Taylor, puis au révérend Holwell Carr, qui en 1826 le donna au musée de Londres.Diverses études préparatoires sont connues, au musée Condé de Chantilly  (132 recto et verso), au British Museum (1882-8-12-448 recto et verso) et d'autres feuilles mineures dans d'autres collections (une vingtaine en tout), qui témoignent de la longue recherche d'une solution de composition satisfaisante. Un dessin de la Galerie Nationale de Parme, bien qu'étant une simple esquisse, est celui qui se rapproche le plus de la version finale, qui bouleverse néanmoins la composition, conçue horizontalement plutôt que verticalement.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Concentrez-vous sur Vision_de_saint_Jérôme et expliquez la Descriptif et style.

Vasari a décrit l'œuvre comme suit : « une Notre-Dame en l'air lisant a un Enfant entre ses jambes, et au sol avec une extraordinaire et belle attitude agenouillée avec un pied, il a fait un Saint Jean qui, tordant son torse, mentionne l'Enfant-Christ, et, reposant à terre, un saint Jérôme est endormi en pénitence ».En effet, le tableau est divisé en deux registres superposés, l'un au sol où saint Jérôme dormait près du crucifix (reconnaissable par l'incontournable chapeau de cardinal abandonné au sol près d'un crâne) les vêtements, la longue croix et la vasque baptismale attachée à la ceinture), au premier plan qui, dans son geste le plus typique de Précurseur, désigne l'Enfant, représenté dans la moitié supérieure, moitié céleste, tandis qu'il glisse des jambes de sa mère, une éblouissante Vierge sise sur un rayon de lune et de nuages, éclairée par derrière d’une flamboyante lumière divine, inspirée des visions du Corrège . La composition s'installe ainsi sur des plans verticaux en succession rapide, sans intérêt à définir un espace géométriquement mesurable, mais qui, au contraire, apparaît sans scrupule contre nature et vertigineux.La Madone montre l'influence de Raphaël dans la pose et dans la relation lâche avec son fils ( Madonna di Foligno, qui à l'époque était visible à Rome), ainsi que dans la palette chromatique, enrichie de tons intenses et irisés. La figure de Jean-Baptiste, qui au premier plan regarde vers le spectateur et effectue une torsion élégante pour indiquer l'épiphanie divine derrière lui, rappelle également les figures solennelles de Michel-Ange, à la musculature accentuée et aux poses complexes. La même pose de l'Enfant, s'éloignant de Marie, citait la Madone de Bruges du même Michel-Ange, œuvre que peu avaient vue en personne, connue peut-être par des dessins ou par des citations de Raphaël dans la Madonna del Cardellino . Le bras levé du saint Jérôme endormi s’inspire en revanche des œuvres du Corrège de la Vénus et Cupidon espionné par un satyre ou de son Saint Roch dans la Madonna di San Sebastiano .De nombreux détails sont de véritables bijoux de virtuosité, de la croix de roseau de saint Jean-Baptiste, jamais aussi réaliste avant lui, à la peau tachetée qui la recouvre, du sous-bois près du saint Jérôme endormi, aux reflets irisés dans la robe soyeuse de la poitrine de Marie, peut-être jamais de mémoire sculpturale depuis les statues antiques d'inspiration hellénistique. Extraordinaire est par ailleurs l'Enfant nu au centre, plus adulte que le veut la tradition. Posé de manière ludique en gambadant, ce dernier commence à descendre du ventre de sa mère pour se projeter vers le spectateur vers lequel son regard est tourné. D'une main il tient un livret ouvert sur le genou de Marie, de l’autre, il touche ses cheveux appuyée sur son coude, non loin de l'endroit où Marie lui tend négligemment la palme du martyre, enfermée dans une pensée mélancolique. Ce sont des positions raffinées et presque artificielles d'une élégance aristocratique.Très original est l'effet de verticalité, qui, du Baptiste, par son geste, se transmet au visage de la Vierge. Il est contrasté par diverses percées en profondeur, à travers l'utilisation de vues audacieuses, comme le corps de Jérôme ou l'Enfant lui-même. Parmigianino a probablement voulu émerveiller l'environnement romain avec une œuvre effrontée et innovante, qui a réélabore les conceptions picturales des plus grands maîtres alors actifs dans la ville.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Expliquer la Descriptif et style de cette œuvre d'art, Vision_de_saint_Jérôme.

Vasari a décrit l'œuvre comme suit : « une Notre-Dame en l'air lisant a un Enfant entre ses jambes, et au sol avec une extraordinaire et belle attitude agenouillée avec un pied, il a fait un Saint Jean qui, tordant son torse, mentionne l'Enfant-Christ, et, reposant à terre, un saint Jérôme est endormi en pénitence ».En effet, le tableau est divisé en deux registres superposés, l'un au sol où saint Jérôme dormait près du crucifix (reconnaissable par l'incontournable chapeau de cardinal abandonné au sol près d'un crâne) les vêtements, la longue croix et la vasque baptismale attachée à la ceinture), au premier plan qui, dans son geste le plus typique de Précurseur, désigne l'Enfant, représenté dans la moitié supérieure, moitié céleste, tandis qu'il glisse des jambes de sa mère, une éblouissante Vierge sise sur un rayon de lune et de nuages, éclairée par derrière d’une flamboyante lumière divine, inspirée des visions du Corrège . La composition s'installe ainsi sur des plans verticaux en succession rapide, sans intérêt à définir un espace géométriquement mesurable, mais qui, au contraire, apparaît sans scrupule contre nature et vertigineux.La Madone montre l'influence de Raphaël dans la pose et dans la relation lâche avec son fils ( Madonna di Foligno, qui à l'époque était visible à Rome), ainsi que dans la palette chromatique, enrichie de tons intenses et irisés. La figure de Jean-Baptiste, qui au premier plan regarde vers le spectateur et effectue une torsion élégante pour indiquer l'épiphanie divine derrière lui, rappelle également les figures solennelles de Michel-Ange, à la musculature accentuée et aux poses complexes. La même pose de l'Enfant, s'éloignant de Marie, citait la Madone de Bruges du même Michel-Ange, œuvre que peu avaient vue en personne, connue peut-être par des dessins ou par des citations de Raphaël dans la Madonna del Cardellino . Le bras levé du saint Jérôme endormi s’inspire en revanche des œuvres du Corrège de la Vénus et Cupidon espionné par un satyre ou de son Saint Roch dans la Madonna di San Sebastiano .De nombreux détails sont de véritables bijoux de virtuosité, de la croix de roseau de saint Jean-Baptiste, jamais aussi réaliste avant lui, à la peau tachetée qui la recouvre, du sous-bois près du saint Jérôme endormi, aux reflets irisés dans la robe soyeuse de la poitrine de Marie, peut-être jamais de mémoire sculpturale depuis les statues antiques d'inspiration hellénistique. Extraordinaire est par ailleurs l'Enfant nu au centre, plus adulte que le veut la tradition. Posé de manière ludique en gambadant, ce dernier commence à descendre du ventre de sa mère pour se projeter vers le spectateur vers lequel son regard est tourné. D'une main il tient un livret ouvert sur le genou de Marie, de l’autre, il touche ses cheveux appuyée sur son coude, non loin de l'endroit où Marie lui tend négligemment la palme du martyre, enfermée dans une pensée mélancolique. Ce sont des positions raffinées et presque artificielles d'une élégance aristocratique.Très original est l'effet de verticalité, qui, du Baptiste, par son geste, se transmet au visage de la Vierge. Il est contrasté par diverses percées en profondeur, à travers l'utilisation de vues audacieuses, comme le corps de Jérôme ou l'Enfant lui-même. Parmigianino a probablement voulu émerveiller l'environnement romain avec une œuvre effrontée et innovante, qui a réélabore les conceptions picturales des plus grands maîtres alors actifs dans la ville.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Comment Vision_de_saint_Jérôme explique-t-il sa Descriptif et style?

Vasari a décrit l'œuvre comme suit : « une Notre-Dame en l'air lisant a un Enfant entre ses jambes, et au sol avec une extraordinaire et belle attitude agenouillée avec un pied, il a fait un Saint Jean qui, tordant son torse, mentionne l'Enfant-Christ, et, reposant à terre, un saint Jérôme est endormi en pénitence ».En effet, le tableau est divisé en deux registres superposés, l'un au sol où saint Jérôme dormait près du crucifix (reconnaissable par l'incontournable chapeau de cardinal abandonné au sol près d'un crâne) les vêtements, la longue croix et la vasque baptismale attachée à la ceinture), au premier plan qui, dans son geste le plus typique de Précurseur, désigne l'Enfant, représenté dans la moitié supérieure, moitié céleste, tandis qu'il glisse des jambes de sa mère, une éblouissante Vierge sise sur un rayon de lune et de nuages, éclairée par derrière d’une flamboyante lumière divine, inspirée des visions du Corrège . La composition s'installe ainsi sur des plans verticaux en succession rapide, sans intérêt à définir un espace géométriquement mesurable, mais qui, au contraire, apparaît sans scrupule contre nature et vertigineux.La Madone montre l'influence de Raphaël dans la pose et dans la relation lâche avec son fils ( Madonna di Foligno, qui à l'époque était visible à Rome), ainsi que dans la palette chromatique, enrichie de tons intenses et irisés. La figure de Jean-Baptiste, qui au premier plan regarde vers le spectateur et effectue une torsion élégante pour indiquer l'épiphanie divine derrière lui, rappelle également les figures solennelles de Michel-Ange, à la musculature accentuée et aux poses complexes. La même pose de l'Enfant, s'éloignant de Marie, citait la Madone de Bruges du même Michel-Ange, œuvre que peu avaient vue en personne, connue peut-être par des dessins ou par des citations de Raphaël dans la Madonna del Cardellino . Le bras levé du saint Jérôme endormi s’inspire en revanche des œuvres du Corrège de la Vénus et Cupidon espionné par un satyre ou de son Saint Roch dans la Madonna di San Sebastiano .De nombreux détails sont de véritables bijoux de virtuosité, de la croix de roseau de saint Jean-Baptiste, jamais aussi réaliste avant lui, à la peau tachetée qui la recouvre, du sous-bois près du saint Jérôme endormi, aux reflets irisés dans la robe soyeuse de la poitrine de Marie, peut-être jamais de mémoire sculpturale depuis les statues antiques d'inspiration hellénistique. Extraordinaire est par ailleurs l'Enfant nu au centre, plus adulte que le veut la tradition. Posé de manière ludique en gambadant, ce dernier commence à descendre du ventre de sa mère pour se projeter vers le spectateur vers lequel son regard est tourné. D'une main il tient un livret ouvert sur le genou de Marie, de l’autre, il touche ses cheveux appuyée sur son coude, non loin de l'endroit où Marie lui tend négligemment la palme du martyre, enfermée dans une pensée mélancolique. Ce sont des positions raffinées et presque artificielles d'une élégance aristocratique.Très original est l'effet de verticalité, qui, du Baptiste, par son geste, se transmet au visage de la Vierge. Il est contrasté par diverses percées en profondeur, à travers l'utilisation de vues audacieuses, comme le corps de Jérôme ou l'Enfant lui-même. Parmigianino a probablement voulu émerveiller l'environnement romain avec une œuvre effrontée et innovante, qui a réélabore les conceptions picturales des plus grands maîtres alors actifs dans la ville.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Vision_de_saint_Jérôme

Prompt: Dans Vision_de_saint_Jérôme, comment est discutée la Descriptif et style?

Vasari a décrit l'œuvre comme suit : « une Notre-Dame en l'air lisant a un Enfant entre ses jambes, et au sol avec une extraordinaire et belle attitude agenouillée avec un pied, il a fait un Saint Jean qui, tordant son torse, mentionne l'Enfant-Christ, et, reposant à terre, un saint Jérôme est endormi en pénitence ».En effet, le tableau est divisé en deux registres superposés, l'un au sol où saint Jérôme dormait près du crucifix (reconnaissable par l'incontournable chapeau de cardinal abandonné au sol près d'un crâne) les vêtements, la longue croix et la vasque baptismale attachée à la ceinture), au premier plan qui, dans son geste le plus typique de Précurseur, désigne l'Enfant, représenté dans la moitié supérieure, moitié céleste, tandis qu'il glisse des jambes de sa mère, une éblouissante Vierge sise sur un rayon de lune et de nuages, éclairée par derrière d’une flamboyante lumière divine, inspirée des visions du Corrège . La composition s'installe ainsi sur des plans verticaux en succession rapide, sans intérêt à définir un espace géométriquement mesurable, mais qui, au contraire, apparaît sans scrupule contre nature et vertigineux.La Madone montre l'influence de Raphaël dans la pose et dans la relation lâche avec son fils ( Madonna di Foligno, qui à l'époque était visible à Rome), ainsi que dans la palette chromatique, enrichie de tons intenses et irisés. La figure de Jean-Baptiste, qui au premier plan regarde vers le spectateur et effectue une torsion élégante pour indiquer l'épiphanie divine derrière lui, rappelle également les figures solennelles de Michel-Ange, à la musculature accentuée et aux poses complexes. La même pose de l'Enfant, s'éloignant de Marie, citait la Madone de Bruges du même Michel-Ange, œuvre que peu avaient vue en personne, connue peut-être par des dessins ou par des citations de Raphaël dans la Madonna del Cardellino . Le bras levé du saint Jérôme endormi s’inspire en revanche des œuvres du Corrège de la Vénus et Cupidon espionné par un satyre ou de son Saint Roch dans la Madonna di San Sebastiano .De nombreux détails sont de véritables bijoux de virtuosité, de la croix de roseau de saint Jean-Baptiste, jamais aussi réaliste avant lui, à la peau tachetée qui la recouvre, du sous-bois près du saint Jérôme endormi, aux reflets irisés dans la robe soyeuse de la poitrine de Marie, peut-être jamais de mémoire sculpturale depuis les statues antiques d'inspiration hellénistique. Extraordinaire est par ailleurs l'Enfant nu au centre, plus adulte que le veut la tradition. Posé de manière ludique en gambadant, ce dernier commence à descendre du ventre de sa mère pour se projeter vers le spectateur vers lequel son regard est tourné. D'une main il tient un livret ouvert sur le genou de Marie, de l’autre, il touche ses cheveux appuyée sur son coude, non loin de l'endroit où Marie lui tend négligemment la palme du martyre, enfermée dans une pensée mélancolique. Ce sont des positions raffinées et presque artificielles d'une élégance aristocratique.Très original est l'effet de verticalité, qui, du Baptiste, par son geste, se transmet au visage de la Vierge. Il est contrasté par diverses percées en profondeur, à travers l'utilisation de vues audacieuses, comme le corps de Jérôme ou l'Enfant lui-même. Parmigianino a probablement voulu émerveiller l'environnement romain avec une œuvre effrontée et innovante, qui a réélabore les conceptions picturales des plus grands maîtres alors actifs dans la ville.

Catégorie:Jean le Baptiste dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_Maria_Trip et expliquez la abstract.

Le Portrait de Maria Trip est une peinture de Rembrandt réalisée vers 1639 et conservée au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Portrait_de_Maria_Trip.

Le Portrait de Maria Trip est une peinture de Rembrandt réalisée vers 1639 et conservée au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Comment Portrait_de_Maria_Trip explique-t-il sa abstract?

Le Portrait de Maria Trip est une peinture de Rembrandt réalisée vers 1639 et conservée au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Dans Portrait_de_Maria_Trip, comment est discutée la abstract?

Le Portrait de Maria Trip est une peinture de Rembrandt réalisée vers 1639 et conservée au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_Maria_Trip et expliquez la Sujet.

L'œuvre représente probablement Maria Trip, sœur de Jacobus Trip et plus tard épouse de Balthasar Coymans. Elle était la fille d'Elias Trip (1570-1636) et d'Aletta Adriaensdr. (1570-1656). Cette identification est basée sur les informations de provenance de l'œuvre et a été réalisée sur la base des recherches d'Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Expliquer la Sujet de cette œuvre d'art, Portrait_de_Maria_Trip.

L'œuvre représente probablement Maria Trip, sœur de Jacobus Trip et plus tard épouse de Balthasar Coymans. Elle était la fille d'Elias Trip (1570-1636) et d'Aletta Adriaensdr. (1570-1656). Cette identification est basée sur les informations de provenance de l'œuvre et a été réalisée sur la base des recherches d'Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Comment Portrait_de_Maria_Trip explique-t-il sa Sujet?

L'œuvre représente probablement Maria Trip, sœur de Jacobus Trip et plus tard épouse de Balthasar Coymans. Elle était la fille d'Elias Trip (1570-1636) et d'Aletta Adriaensdr. (1570-1656). Cette identification est basée sur les informations de provenance de l'œuvre et a été réalisée sur la base des recherches d'Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Dans Portrait_de_Maria_Trip, comment est discutée la Sujet?

L'œuvre représente probablement Maria Trip, sœur de Jacobus Trip et plus tard épouse de Balthasar Coymans. Elle était la fille d'Elias Trip (1570-1636) et d'Aletta Adriaensdr. (1570-1656). Cette identification est basée sur les informations de provenance de l'œuvre et a été réalisée sur la base des recherches d'Isabella Henriette van Eeghen (1913-1996).

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_Maria_Trip et expliquez la Attribution et datation.

L'œuvre est signée en bas à gauche Rembrandt f/1639. Toutefois, selon le Rembrandt Research Project, cette signature a été copiée d'une autre œuvre et n'est pas authentique. Il n'y a cependant aucun doute sur l'authenticité de l'œuvre elle-même.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Expliquer la Attribution et datation de cette œuvre d'art, Portrait_de_Maria_Trip.

L'œuvre est signée en bas à gauche Rembrandt f/1639. Toutefois, selon le Rembrandt Research Project, cette signature a été copiée d'une autre œuvre et n'est pas authentique. Il n'y a cependant aucun doute sur l'authenticité de l'œuvre elle-même.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Comment Portrait_de_Maria_Trip explique-t-il sa Attribution et datation?

L'œuvre est signée en bas à gauche Rembrandt f/1639. Toutefois, selon le Rembrandt Research Project, cette signature a été copiée d'une autre œuvre et n'est pas authentique. Il n'y a cependant aucun doute sur l'authenticité de l'œuvre elle-même.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Portrait_de_Maria_Trip

Prompt: Dans Portrait_de_Maria_Trip, comment est discutée la Attribution et datation?

L'œuvre est signée en bas à gauche Rembrandt f/1639. Toutefois, selon le Rembrandt Research Project, cette signature a été copiée d'une autre œuvre et n'est pas authentique. Il n'y a cependant aucun doute sur l'authenticité de l'œuvre elle-même.

Rembrandt, ''Étude pour le portrait de Maria Trip'' vers 1639, plume et encre brune, lavis brun, rehauts de blanc sur papier, {{Dunité

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam


Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison

Prompt: Concentrez-vous sur Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison et expliquez la abstract.

Jeune Garçon soufflant sur un tison est un tableau, mesurant 60,5 × 50,5 cm, réalisé par Le Greco entre 1571 et 1572. Il est conservé au musée de Capodimonte de Naples.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de Capodimonte


Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison.

Jeune Garçon soufflant sur un tison est un tableau, mesurant 60,5 × 50,5 cm, réalisé par Le Greco entre 1571 et 1572. Il est conservé au musée de Capodimonte de Naples.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de Capodimonte


Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison

Prompt: Comment Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison explique-t-il sa abstract?

Jeune Garçon soufflant sur un tison est un tableau, mesurant 60,5 × 50,5 cm, réalisé par Le Greco entre 1571 et 1572. Il est conservé au musée de Capodimonte de Naples.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de Capodimonte


Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison

Prompt: Dans Jeune_Garçon_soufflant_sur_un_tison, comment est discutée la abstract?

Jeune Garçon soufflant sur un tison est un tableau, mesurant 60,5 × 50,5 cm, réalisé par Le Greco entre 1571 et 1572. Il est conservé au musée de Capodimonte de Naples.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de Capodimonte


Lucrèce

Prompt: Concentrez-vous sur Lucrèce et expliquez la abstract.

Lucrèce (en latin Titus Lucretius Carus) est un poète et philosophe latin du Ier siècle av. J.-C. (peut-être 98-55), auteur d'un seul ouvrage en six parties, le De rerum natura (De la nature des choses, qu’on traduit le plus souvent par De la nature), un long poème en style épique (hexamètre dactylique) qui décrit le monde selon les principes d'Épicure.C’est essentiellement grâce à lui que nous connaissons l'une des plus importantes écoles philosophiques de l'Antiquité, l'épicurisme, car des ouvrages d’Épicure, qui fut beaucoup lu et célébré dans toute l’Antiquité tardive, il ne reste pratiquement rien, sauf trois lettres et quelques sentences.Si Lucrèce expose fidèlement la doctrine de son maître, il met à la défendre une âpreté singulière. « On entend dans son vers les spectres qui s'appellent », dit Victor Hugo. Il vit dans une époque troublée par les guerres civiles et les proscriptions (massacres de Marius, proscriptions de Sylla, révolte de Spartacus, conjuration de Catilina). De là, les pages sombres du De rerum natura sur la mort, le dégoût de la vie, la peste d’Athènes, de là aussi sa passion antireligieuse qui s’en prend avec acharnement aux cultes et aux prêtres des religions romaines de son époque, passion que l’on ne retrouve pas dans les textes conservés d’Épicure, même si celui-ci critique la superstition et même la religiosité populaire. Il propose de se soustraire aux craintes induites par les sphères religieuses, auxquelles il oppose une approche rationnelle du monde fondée sur la compréhension de la physiologie ou science de la nature.Ainsi, il explique de façon matérielle les objets et le vivant, qui prennent forme via des combinaisons aléatoires d'atomes dans le vide.Surtout, Lucrèce unit à la science épicurienne, souvent difficile, la douceur et la dimension visionnaire de la poésie.

File:T. Lucretii Cari De rerum natura.tif

Le Misanthrope ou l'Atrabilaire amoureux

Catégorie:Poète romain du Ier siècle av. J.-C.

Déclaration d'indépendance des États-Unis

Catégorie:Date de naissance incertaine (Ier siècle av. J.-C.)

Fichier:Lucretius De Rerum Natura 1675 page 1.jpg

Pertes de livres pendant l'Antiquité tardive

La Naissance de la physique dans le texte de Lucrèce

Catégorie:Philosophe du Ier siècle av. J.-C.


Lucrèce

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Lucrèce.

Lucrèce (en latin Titus Lucretius Carus) est un poète et philosophe latin du Ier siècle av. J.-C. (peut-être 98-55), auteur d'un seul ouvrage en six parties, le De rerum natura (De la nature des choses, qu’on traduit le plus souvent par De la nature), un long poème en style épique (hexamètre dactylique) qui décrit le monde selon les principes d'Épicure.C’est essentiellement grâce à lui que nous connaissons l'une des plus importantes écoles philosophiques de l'Antiquité, l'épicurisme, car des ouvrages d’Épicure, qui fut beaucoup lu et célébré dans toute l’Antiquité tardive, il ne reste pratiquement rien, sauf trois lettres et quelques sentences.Si Lucrèce expose fidèlement la doctrine de son maître, il met à la défendre une âpreté singulière. « On entend dans son vers les spectres qui s'appellent », dit Victor Hugo. Il vit dans une époque troublée par les guerres civiles et les proscriptions (massacres de Marius, proscriptions de Sylla, révolte de Spartacus, conjuration de Catilina). De là, les pages sombres du De rerum natura sur la mort, le dégoût de la vie, la peste d’Athènes, de là aussi sa passion antireligieuse qui s’en prend avec acharnement aux cultes et aux prêtres des religions romaines de son époque, passion que l’on ne retrouve pas dans les textes conservés d’Épicure, même si celui-ci critique la superstition et même la religiosité populaire. Il propose de se soustraire aux craintes induites par les sphères religieuses, auxquelles il oppose une approche rationnelle du monde fondée sur la compréhension de la physiologie ou science de la nature.Ainsi, il explique de façon matérielle les objets et le vivant, qui prennent forme via des combinaisons aléatoires d'atomes dans le vide.Surtout, Lucrèce unit à la science épicurienne, souvent difficile, la douceur et la dimension visionnaire de la poésie.

File:T. Lucretii Cari De rerum natura.tif

Le Misanthrope ou l'Atrabilaire amoureux

Catégorie:Poète romain du Ier siècle av. J.-C.

Déclaration d'indépendance des États-Unis

Catégorie:Date de naissance incertaine (Ier siècle av. J.-C.)

Fichier:Lucretius De Rerum Natura 1675 page 1.jpg

Pertes de livres pendant l'Antiquité tardive

La Naissance de la physique dans le texte de Lucrèce

Catégorie:Philosophe du Ier siècle av. J.-C.