Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Concentrez-vous sur Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir et expliquez la Histoire de l’œuvre.

En 1972, l'historien et critique d'art Filedt Kok émet l'hypothèse, en se basant sur des similitudes extraordinaires en termes de conception, que quatre des œuvres de Bosch pourraient faire partie d'un seul et même ensemble (peut-être un triptyque) : Le Vendeur ambulant, l’Allégorie de la débauche et du plaisir, Nef des fous et La Mort de l'avare. L'hypothèse ne rencontre pas alors un grand succès, notamment parce que le premier panneau était attribué à une phase plus tardive de la vie de l'artiste ; et le dernier, en raison de la présence de la figure monumentale au premier plan. Cependant, l'analyse dendrochronologique réalisée des années plus tard, viendra confirmer cette hypothèse, révélant à quel point le bois des quatre œuvre était compatible avec le fait qu'elle appartiennent à un ensemble unique, datable d'environ 1494. Avant ces analyses, les historiens dataient cette œuvre entre 1500 et 1510.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Expliquer la Histoire de l’œuvre de cette œuvre d'art, Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir.

En 1972, l'historien et critique d'art Filedt Kok émet l'hypothèse, en se basant sur des similitudes extraordinaires en termes de conception, que quatre des œuvres de Bosch pourraient faire partie d'un seul et même ensemble (peut-être un triptyque) : Le Vendeur ambulant, l’Allégorie de la débauche et du plaisir, Nef des fous et La Mort de l'avare. L'hypothèse ne rencontre pas alors un grand succès, notamment parce que le premier panneau était attribué à une phase plus tardive de la vie de l'artiste ; et le dernier, en raison de la présence de la figure monumentale au premier plan. Cependant, l'analyse dendrochronologique réalisée des années plus tard, viendra confirmer cette hypothèse, révélant à quel point le bois des quatre œuvre était compatible avec le fait qu'elle appartiennent à un ensemble unique, datable d'environ 1494. Avant ces analyses, les historiens dataient cette œuvre entre 1500 et 1510.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Comment Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir explique-t-il sa Histoire de l’œuvre?

En 1972, l'historien et critique d'art Filedt Kok émet l'hypothèse, en se basant sur des similitudes extraordinaires en termes de conception, que quatre des œuvres de Bosch pourraient faire partie d'un seul et même ensemble (peut-être un triptyque) : Le Vendeur ambulant, l’Allégorie de la débauche et du plaisir, Nef des fous et La Mort de l'avare. L'hypothèse ne rencontre pas alors un grand succès, notamment parce que le premier panneau était attribué à une phase plus tardive de la vie de l'artiste ; et le dernier, en raison de la présence de la figure monumentale au premier plan. Cependant, l'analyse dendrochronologique réalisée des années plus tard, viendra confirmer cette hypothèse, révélant à quel point le bois des quatre œuvre était compatible avec le fait qu'elle appartiennent à un ensemble unique, datable d'environ 1494. Avant ces analyses, les historiens dataient cette œuvre entre 1500 et 1510.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Dans Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir, comment est discutée la Histoire de l’œuvre?

En 1972, l'historien et critique d'art Filedt Kok émet l'hypothèse, en se basant sur des similitudes extraordinaires en termes de conception, que quatre des œuvres de Bosch pourraient faire partie d'un seul et même ensemble (peut-être un triptyque) : Le Vendeur ambulant, l’Allégorie de la débauche et du plaisir, Nef des fous et La Mort de l'avare. L'hypothèse ne rencontre pas alors un grand succès, notamment parce que le premier panneau était attribué à une phase plus tardive de la vie de l'artiste ; et le dernier, en raison de la présence de la figure monumentale au premier plan. Cependant, l'analyse dendrochronologique réalisée des années plus tard, viendra confirmer cette hypothèse, révélant à quel point le bois des quatre œuvre était compatible avec le fait qu'elle appartiennent à un ensemble unique, datable d'environ 1494. Avant ces analyses, les historiens dataient cette œuvre entre 1500 et 1510.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Concentrez-vous sur Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir et expliquez la Description et analyse.

Le triptyque d'origine devait être composé de la Nef des fous à gauche avec l’Allégorie de la débauche et du plaisir et dessous et La Mort de l'avare à droite. Le panneau central a disparu, s'il a un jour existé (il pourrait également s'agir d'un diptyque), et le Vendeur ambulant devait se trouver au dos du volet de gauche, coupé dans le sens longitudinal afin d'obtenir deux panneaux.L’Allégorie de la débauche et du plaisir devait probablement symboliser une condamnation de la gourmandise, et le panneau droit l'avarice. Le fragment montre un homme obèse chevauchant un tonneau qui flotte sur une sorte de lac ou d'étang, entouré de gens qui le poussent ou qui distillent le liquide dans le récipient. Dessous, un homme nage avec — sur sa tête — un récipient rempli de viande. Sur la rive, les vêtements des personnages qui se baignent ont été laissés empilés, tandis que sur la droite, sous une tente, un couple se livre à des épanchements lascifs, probablement dus à l'ivresse.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Expliquer la Description et analyse de cette œuvre d'art, Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir.

Le triptyque d'origine devait être composé de la Nef des fous à gauche avec l’Allégorie de la débauche et du plaisir et dessous et La Mort de l'avare à droite. Le panneau central a disparu, s'il a un jour existé (il pourrait également s'agir d'un diptyque), et le Vendeur ambulant devait se trouver au dos du volet de gauche, coupé dans le sens longitudinal afin d'obtenir deux panneaux.L’Allégorie de la débauche et du plaisir devait probablement symboliser une condamnation de la gourmandise, et le panneau droit l'avarice. Le fragment montre un homme obèse chevauchant un tonneau qui flotte sur une sorte de lac ou d'étang, entouré de gens qui le poussent ou qui distillent le liquide dans le récipient. Dessous, un homme nage avec — sur sa tête — un récipient rempli de viande. Sur la rive, les vêtements des personnages qui se baignent ont été laissés empilés, tandis que sur la droite, sous une tente, un couple se livre à des épanchements lascifs, probablement dus à l'ivresse.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Comment Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir explique-t-il sa Description et analyse?

Le triptyque d'origine devait être composé de la Nef des fous à gauche avec l’Allégorie de la débauche et du plaisir et dessous et La Mort de l'avare à droite. Le panneau central a disparu, s'il a un jour existé (il pourrait également s'agir d'un diptyque), et le Vendeur ambulant devait se trouver au dos du volet de gauche, coupé dans le sens longitudinal afin d'obtenir deux panneaux.L’Allégorie de la débauche et du plaisir devait probablement symboliser une condamnation de la gourmandise, et le panneau droit l'avarice. Le fragment montre un homme obèse chevauchant un tonneau qui flotte sur une sorte de lac ou d'étang, entouré de gens qui le poussent ou qui distillent le liquide dans le récipient. Dessous, un homme nage avec — sur sa tête — un récipient rempli de viande. Sur la rive, les vêtements des personnages qui se baignent ont été laissés empilés, tandis que sur la droite, sous une tente, un couple se livre à des épanchements lascifs, probablement dus à l'ivresse.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Dans Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir, comment est discutée la Description et analyse?

Le triptyque d'origine devait être composé de la Nef des fous à gauche avec l’Allégorie de la débauche et du plaisir et dessous et La Mort de l'avare à droite. Le panneau central a disparu, s'il a un jour existé (il pourrait également s'agir d'un diptyque), et le Vendeur ambulant devait se trouver au dos du volet de gauche, coupé dans le sens longitudinal afin d'obtenir deux panneaux.L’Allégorie de la débauche et du plaisir devait probablement symboliser une condamnation de la gourmandise, et le panneau droit l'avarice. Le fragment montre un homme obèse chevauchant un tonneau qui flotte sur une sorte de lac ou d'étang, entouré de gens qui le poussent ou qui distillent le liquide dans le récipient. Dessous, un homme nage avec — sur sa tête — un récipient rempli de viande. Sur la rive, les vêtements des personnages qui se baignent ont été laissés empilés, tandis que sur la droite, sous une tente, un couple se livre à des épanchements lascifs, probablement dus à l'ivresse.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Concentrez-vous sur Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir et expliquez la Sources et bibliographie.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Allegory of Gluttony and Lust » (voir la liste des auteurs).(it) Franca Varallo, Bosch, Skira, Milan, 2004.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Expliquer la Sources et bibliographie de cette œuvre d'art, Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Allegory of Gluttony and Lust » (voir la liste des auteurs).(it) Franca Varallo, Bosch, Skira, Milan, 2004.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Comment Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir explique-t-il sa Sources et bibliographie?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Allegory of Gluttony and Lust » (voir la liste des auteurs).(it) Franca Varallo, Bosch, Skira, Milan, 2004.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir

Prompt: Dans Allégorie_de_la_débauche_et_du_plaisir, comment est discutée la Sources et bibliographie?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Allegory of Gluttony and Lust » (voir la liste des auteurs).(it) Franca Varallo, Bosch, Skira, Milan, 2004.

Catégorie:Œuvre conservée à la Yale University Art Gallery


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Concentrez-vous sur Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi et expliquez la abstract.

Moïse brisant les Tables de la Loi est une peinture à l'huile du peintre hollandais Rembrandt, réalisée en 1659 et aujourd'hui exposée à la Gemäldegalerie à Berlin, en Allemagne. Ses dimensions sont de 168,5 × 136,5 cm.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi.

Moïse brisant les Tables de la Loi est une peinture à l'huile du peintre hollandais Rembrandt, réalisée en 1659 et aujourd'hui exposée à la Gemäldegalerie à Berlin, en Allemagne. Ses dimensions sont de 168,5 × 136,5 cm.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Comment Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi explique-t-il sa abstract?

Moïse brisant les Tables de la Loi est une peinture à l'huile du peintre hollandais Rembrandt, réalisée en 1659 et aujourd'hui exposée à la Gemäldegalerie à Berlin, en Allemagne. Ses dimensions sont de 168,5 × 136,5 cm.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Dans Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi, comment est discutée la abstract?

Moïse brisant les Tables de la Loi est une peinture à l'huile du peintre hollandais Rembrandt, réalisée en 1659 et aujourd'hui exposée à la Gemäldegalerie à Berlin, en Allemagne. Ses dimensions sont de 168,5 × 136,5 cm.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Concentrez-vous sur Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi et expliquez la Histoire.

L'œuvre provient de la collection privéedu roi Frédéric II de Prusse, et était conservée au palais de Sanssouci à Potsdam, près de Berlin.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi.

L'œuvre provient de la collection privéedu roi Frédéric II de Prusse, et était conservée au palais de Sanssouci à Potsdam, près de Berlin.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Comment Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi explique-t-il sa Histoire?

L'œuvre provient de la collection privéedu roi Frédéric II de Prusse, et était conservée au palais de Sanssouci à Potsdam, près de Berlin.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi

Prompt: Dans Moïse_brisant_les_Tables_de_la_Loi, comment est discutée la Histoire?

L'œuvre provient de la collection privéedu roi Frédéric II de Prusse, et était conservée au palais de Sanssouci à Potsdam, près de Berlin.

Catégorie:Œuvre conservée à la Gemäldegalerie de Berlin

Catégorie:Œuvre de Rembrandt en Allemagne


La_Madone_Connestabile

Prompt: Concentrez-vous sur La_Madone_Connestabile et expliquez la abstract.

La Madone Connestabile  est une peinture religieuse de Raphaël. Le tableau est actuellement exposé au  musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Madone_Connestabile.

La Madone Connestabile  est une peinture religieuse de Raphaël. Le tableau est actuellement exposé au  musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Comment La_Madone_Connestabile explique-t-il sa abstract?

La Madone Connestabile  est une peinture religieuse de Raphaël. Le tableau est actuellement exposé au  musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Dans La_Madone_Connestabile, comment est discutée la abstract?

La Madone Connestabile  est une peinture religieuse de Raphaël. Le tableau est actuellement exposé au  musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Concentrez-vous sur La_Madone_Connestabile et expliquez la Histoire.

Datant de 1504, La Madone Connestabile est une œuvre de jeunesse peinte probablement en Ombrie avant son départ pour Florence.Son titre (La Madone Connestabile) est dû au fait qu'elle fut détenue par la famille  Connestabile de Pérouse.En 1869, le comte Conestabile, propriétaire d’une ancienne galerie, s’adressa au comte G.S. Stroganoff, célèbre collectionneur russe vivant à Rome, avec la proposition de vendre sa galerie à l’Ermitage. L’impératrice russe Marie Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II, exprima son désir d’acquérir le chef-d’œuvre de cette collection « Madone à l’enfant » de Raphaël. Pour cela, le directeur de l’Ermitage fut envoyé à Florence et malgré le premier refus du propriétaire de vendre la peinture au prix proposé  réussit à l'acheter en 1870 pour 310 000 francs. Cette vente provoqua un énorme mécontentement en Italie, mais le gouvernement italien n’avait pas de moyens pour l’acheter. Devenant la propriété de l’impératrice, il fut exposé à l’Ermitage et  en 1880, d’après le testament de Marie Alexandrovna, passa définitivement au musée.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Madone_Connestabile.

Datant de 1504, La Madone Connestabile est une œuvre de jeunesse peinte probablement en Ombrie avant son départ pour Florence.Son titre (La Madone Connestabile) est dû au fait qu'elle fut détenue par la famille  Connestabile de Pérouse.En 1869, le comte Conestabile, propriétaire d’une ancienne galerie, s’adressa au comte G.S. Stroganoff, célèbre collectionneur russe vivant à Rome, avec la proposition de vendre sa galerie à l’Ermitage. L’impératrice russe Marie Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II, exprima son désir d’acquérir le chef-d’œuvre de cette collection « Madone à l’enfant » de Raphaël. Pour cela, le directeur de l’Ermitage fut envoyé à Florence et malgré le premier refus du propriétaire de vendre la peinture au prix proposé  réussit à l'acheter en 1870 pour 310 000 francs. Cette vente provoqua un énorme mécontentement en Italie, mais le gouvernement italien n’avait pas de moyens pour l’acheter. Devenant la propriété de l’impératrice, il fut exposé à l’Ermitage et  en 1880, d’après le testament de Marie Alexandrovna, passa définitivement au musée.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Comment La_Madone_Connestabile explique-t-il sa Histoire?

Datant de 1504, La Madone Connestabile est une œuvre de jeunesse peinte probablement en Ombrie avant son départ pour Florence.Son titre (La Madone Connestabile) est dû au fait qu'elle fut détenue par la famille  Connestabile de Pérouse.En 1869, le comte Conestabile, propriétaire d’une ancienne galerie, s’adressa au comte G.S. Stroganoff, célèbre collectionneur russe vivant à Rome, avec la proposition de vendre sa galerie à l’Ermitage. L’impératrice russe Marie Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II, exprima son désir d’acquérir le chef-d’œuvre de cette collection « Madone à l’enfant » de Raphaël. Pour cela, le directeur de l’Ermitage fut envoyé à Florence et malgré le premier refus du propriétaire de vendre la peinture au prix proposé  réussit à l'acheter en 1870 pour 310 000 francs. Cette vente provoqua un énorme mécontentement en Italie, mais le gouvernement italien n’avait pas de moyens pour l’acheter. Devenant la propriété de l’impératrice, il fut exposé à l’Ermitage et  en 1880, d’après le testament de Marie Alexandrovna, passa définitivement au musée.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Dans La_Madone_Connestabile, comment est discutée la Histoire?

Datant de 1504, La Madone Connestabile est une œuvre de jeunesse peinte probablement en Ombrie avant son départ pour Florence.Son titre (La Madone Connestabile) est dû au fait qu'elle fut détenue par la famille  Connestabile de Pérouse.En 1869, le comte Conestabile, propriétaire d’une ancienne galerie, s’adressa au comte G.S. Stroganoff, célèbre collectionneur russe vivant à Rome, avec la proposition de vendre sa galerie à l’Ermitage. L’impératrice russe Marie Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II, exprima son désir d’acquérir le chef-d’œuvre de cette collection « Madone à l’enfant » de Raphaël. Pour cela, le directeur de l’Ermitage fut envoyé à Florence et malgré le premier refus du propriétaire de vendre la peinture au prix proposé  réussit à l'acheter en 1870 pour 310 000 francs. Cette vente provoqua un énorme mécontentement en Italie, mais le gouvernement italien n’avait pas de moyens pour l’acheter. Devenant la propriété de l’impératrice, il fut exposé à l’Ermitage et  en 1880, d’après le testament de Marie Alexandrovna, passa définitivement au musée.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Concentrez-vous sur La_Madone_Connestabile et expliquez la Composition.

Conformément à l'iconographie chrétienne le tableau représente Marie, lisant un livre et tenant dans ses bras, l'Enfant Jésus, regarde aussi vers le livre.En 1881, quand l'image a été transférée sur toile, on a découvert que dans la version originale la Madone offrait à l'enfant une grenade (symbole de Passion) au lieu de tenir le livre.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Expliquer la Composition de cette œuvre d'art, La_Madone_Connestabile.

Conformément à l'iconographie chrétienne le tableau représente Marie, lisant un livre et tenant dans ses bras, l'Enfant Jésus, regarde aussi vers le livre.En 1881, quand l'image a été transférée sur toile, on a découvert que dans la version originale la Madone offrait à l'enfant une grenade (symbole de Passion) au lieu de tenir le livre.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Comment La_Madone_Connestabile explique-t-il sa Composition?

Conformément à l'iconographie chrétienne le tableau représente Marie, lisant un livre et tenant dans ses bras, l'Enfant Jésus, regarde aussi vers le livre.En 1881, quand l'image a été transférée sur toile, on a découvert que dans la version originale la Madone offrait à l'enfant une grenade (symbole de Passion) au lieu de tenir le livre.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Dans La_Madone_Connestabile, comment est discutée la Composition?

Conformément à l'iconographie chrétienne le tableau représente Marie, lisant un livre et tenant dans ses bras, l'Enfant Jésus, regarde aussi vers le livre.En 1881, quand l'image a été transférée sur toile, on a découvert que dans la version originale la Madone offrait à l'enfant une grenade (symbole de Passion) au lieu de tenir le livre.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Concentrez-vous sur La_Madone_Connestabile et expliquez la Description.

La Vierge est présentée mi figure avec l'Enfant sur les genoux, de sa main droite elle tient un livre qu'elle semble lire. Le regard de l'enfant est dirigé aussi sur le livre qui symbolise les Saintes écritures qui annoncent le destin tragique du Christ. L'arrière-plan représente un paysage de collines, parsemées d'arbrisseaux, un lac avec barque de pêcheurs et des montagnes enneigées qui se perdent dans le lointain. La transparence printanière de ce paysage se conjugue bien avec l’image de la Vierge, jeune et parfaite, comme ce monde qui l’entoure. Le tableau conserve son cadre initial décoré d’un ornement grotesque et fait probablement d’après le dessin de l’artiste lui-même.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, La_Madone_Connestabile.

La Vierge est présentée mi figure avec l'Enfant sur les genoux, de sa main droite elle tient un livre qu'elle semble lire. Le regard de l'enfant est dirigé aussi sur le livre qui symbolise les Saintes écritures qui annoncent le destin tragique du Christ. L'arrière-plan représente un paysage de collines, parsemées d'arbrisseaux, un lac avec barque de pêcheurs et des montagnes enneigées qui se perdent dans le lointain. La transparence printanière de ce paysage se conjugue bien avec l’image de la Vierge, jeune et parfaite, comme ce monde qui l’entoure. Le tableau conserve son cadre initial décoré d’un ornement grotesque et fait probablement d’après le dessin de l’artiste lui-même.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Comment La_Madone_Connestabile explique-t-il sa Description?

La Vierge est présentée mi figure avec l'Enfant sur les genoux, de sa main droite elle tient un livre qu'elle semble lire. Le regard de l'enfant est dirigé aussi sur le livre qui symbolise les Saintes écritures qui annoncent le destin tragique du Christ. L'arrière-plan représente un paysage de collines, parsemées d'arbrisseaux, un lac avec barque de pêcheurs et des montagnes enneigées qui se perdent dans le lointain. La transparence printanière de ce paysage se conjugue bien avec l’image de la Vierge, jeune et parfaite, comme ce monde qui l’entoure. Le tableau conserve son cadre initial décoré d’un ornement grotesque et fait probablement d’après le dessin de l’artiste lui-même.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Dans La_Madone_Connestabile, comment est discutée la Description?

La Vierge est présentée mi figure avec l'Enfant sur les genoux, de sa main droite elle tient un livre qu'elle semble lire. Le regard de l'enfant est dirigé aussi sur le livre qui symbolise les Saintes écritures qui annoncent le destin tragique du Christ. L'arrière-plan représente un paysage de collines, parsemées d'arbrisseaux, un lac avec barque de pêcheurs et des montagnes enneigées qui se perdent dans le lointain. La transparence printanière de ce paysage se conjugue bien avec l’image de la Vierge, jeune et parfaite, comme ce monde qui l’entoure. Le tableau conserve son cadre initial décoré d’un ornement grotesque et fait probablement d’après le dessin de l’artiste lui-même.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Concentrez-vous sur La_Madone_Connestabile et expliquez la Attribution.

L'attribution à Raphaël est unanime. Le petit tableau tondo, probablement laissé inachevé, est l'une des œuvres qui ouvrent la série des Madones de l'artiste.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Expliquer la Attribution de cette œuvre d'art, La_Madone_Connestabile.

L'attribution à Raphaël est unanime. Le petit tableau tondo, probablement laissé inachevé, est l'une des œuvres qui ouvrent la série des Madones de l'artiste.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Comment La_Madone_Connestabile explique-t-il sa Attribution?

L'attribution à Raphaël est unanime. Le petit tableau tondo, probablement laissé inachevé, est l'une des œuvres qui ouvrent la série des Madones de l'artiste.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


La_Madone_Connestabile

Prompt: Dans La_Madone_Connestabile, comment est discutée la Attribution?

L'attribution à Raphaël est unanime. Le petit tableau tondo, probablement laissé inachevé, est l'une des œuvres qui ouvrent la série des Madones de l'artiste.

Catégorie:Œuvre conservée au musée de l'Ermitage


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Concentrez-vous sur L'Éducation_de_Cupidon et expliquez la abstract.

L'Éducation de Cupidon ou Vénus, Mercure et Cupidon, voire L'École de l'Amour est une peinture réalisée vers 1525 par le peintre italien Le Corrège, et conservée à la National Gallery de Londres.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, L'Éducation_de_Cupidon.

L'Éducation de Cupidon ou Vénus, Mercure et Cupidon, voire L'École de l'Amour est une peinture réalisée vers 1525 par le peintre italien Le Corrège, et conservée à la National Gallery de Londres.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Comment L'Éducation_de_Cupidon explique-t-il sa abstract?

L'Éducation de Cupidon ou Vénus, Mercure et Cupidon, voire L'École de l'Amour est une peinture réalisée vers 1525 par le peintre italien Le Corrège, et conservée à la National Gallery de Londres.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Dans L'Éducation_de_Cupidon, comment est discutée la abstract?

L'Éducation de Cupidon ou Vénus, Mercure et Cupidon, voire L'École de l'Amour est une peinture réalisée vers 1525 par le peintre italien Le Corrège, et conservée à la National Gallery de Londres.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Concentrez-vous sur L'Éducation_de_Cupidon et expliquez la Histoire.

Une esquisse préparatoire en est conservée au British Museum. Vénus, Satyre et Cupidon (conservé au Musée du Louvre) semble être son pendant - ce tableau est plus grand mais L'Éducation de Cupidon a peut-être été découpé plus tard. Ils ont probablement été commandés par Nicola Maffei (vers 1487-1536) et la renommée précoce de L'Éducation de Cupidon est attestée par une copie réalisée par Girolamo Mazzola Bedoli.Cependant, la première référence écrite aux deux peintures date de 1627, date à laquelle elles se trouvaient dans la collection Gonzague à Mantoue (les Maffei étaient étroitement liés aux Gonzague). Entre 1627 et 1628, les deux peintures ont été acquises des Gonzague par le roi Charles Ier d'Angleterre et il est attesté qu'elles se trouvaient au palais de Whitehall en 1639. Sa collection contenait également des copies du tableau et de son pendant par Peter Oliver, connus respectivement sous le nom de Venerie Coeleste (Sacred Love - Amour Sacré) et Venerie Mundano (Profane Love - Amour Profane).Lors de la vente des biens de Charles, il a été évalué à 800 £ et vendu le 23 octobre 1651 à Thomas Bagley, un vitrier de la maison royale. Il a été acheté en 1653 par l'ambassadeur d'Espagne Alonso de Cárdenas pour 1600 escudos (400 £). Il agissait en tant qu'agent de Luis de Haro, qui avait prévu de le présenter à Philippe IV d'Espagne. Cependant, lorsque le tableau est arrivé à Madrid, Vélazquez a contesté son attribution au Corrège et Luis a décidé de le garder pour lui.Il a été transmis par héritage au fils de Luis, Gaspar de Haro, puis à la fille de Gaspar, Catalina, épouse de Francisco Álvarez de Toledo, 10e duc d'Albe, dont la famille l'a conservé jusqu'en 1802. Cette année-là, le duché d'Albe a été hérité de la duchesse d'Albe par le 7e duc de Berwick et Liria ; ses relations ont engagé un procès contre lui, au cours duquel Charles IV d'Espagne a ordonné que le tableau soit vendu à Manuel de Godoy. De Godoy a été arrêté six ans plus tard, et le tableau a été confisqué avec le reste de ses biens par Joachim Murat, qui l'a emmené à Naples. Après la défaite et l'exécution de Murat pendant les Cent-Jours en 1815, sa veuve Caroline s'enfuit à Vienne, emportant le tableau avec elle. Plus tard cette année-là, elle le vendit au futur 3e marquis de Londonderry. En 1834, Londonderry l'a vendu à la National Gallery de Londres, où il se trouve toujours.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, L'Éducation_de_Cupidon.

Une esquisse préparatoire en est conservée au British Museum. Vénus, Satyre et Cupidon (conservé au Musée du Louvre) semble être son pendant - ce tableau est plus grand mais L'Éducation de Cupidon a peut-être été découpé plus tard. Ils ont probablement été commandés par Nicola Maffei (vers 1487-1536) et la renommée précoce de L'Éducation de Cupidon est attestée par une copie réalisée par Girolamo Mazzola Bedoli.Cependant, la première référence écrite aux deux peintures date de 1627, date à laquelle elles se trouvaient dans la collection Gonzague à Mantoue (les Maffei étaient étroitement liés aux Gonzague). Entre 1627 et 1628, les deux peintures ont été acquises des Gonzague par le roi Charles Ier d'Angleterre et il est attesté qu'elles se trouvaient au palais de Whitehall en 1639. Sa collection contenait également des copies du tableau et de son pendant par Peter Oliver, connus respectivement sous le nom de Venerie Coeleste (Sacred Love - Amour Sacré) et Venerie Mundano (Profane Love - Amour Profane).Lors de la vente des biens de Charles, il a été évalué à 800 £ et vendu le 23 octobre 1651 à Thomas Bagley, un vitrier de la maison royale. Il a été acheté en 1653 par l'ambassadeur d'Espagne Alonso de Cárdenas pour 1600 escudos (400 £). Il agissait en tant qu'agent de Luis de Haro, qui avait prévu de le présenter à Philippe IV d'Espagne. Cependant, lorsque le tableau est arrivé à Madrid, Vélazquez a contesté son attribution au Corrège et Luis a décidé de le garder pour lui.Il a été transmis par héritage au fils de Luis, Gaspar de Haro, puis à la fille de Gaspar, Catalina, épouse de Francisco Álvarez de Toledo, 10e duc d'Albe, dont la famille l'a conservé jusqu'en 1802. Cette année-là, le duché d'Albe a été hérité de la duchesse d'Albe par le 7e duc de Berwick et Liria ; ses relations ont engagé un procès contre lui, au cours duquel Charles IV d'Espagne a ordonné que le tableau soit vendu à Manuel de Godoy. De Godoy a été arrêté six ans plus tard, et le tableau a été confisqué avec le reste de ses biens par Joachim Murat, qui l'a emmené à Naples. Après la défaite et l'exécution de Murat pendant les Cent-Jours en 1815, sa veuve Caroline s'enfuit à Vienne, emportant le tableau avec elle. Plus tard cette année-là, elle le vendit au futur 3e marquis de Londonderry. En 1834, Londonderry l'a vendu à la National Gallery de Londres, où il se trouve toujours.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Comment L'Éducation_de_Cupidon explique-t-il sa Histoire?

Une esquisse préparatoire en est conservée au British Museum. Vénus, Satyre et Cupidon (conservé au Musée du Louvre) semble être son pendant - ce tableau est plus grand mais L'Éducation de Cupidon a peut-être été découpé plus tard. Ils ont probablement été commandés par Nicola Maffei (vers 1487-1536) et la renommée précoce de L'Éducation de Cupidon est attestée par une copie réalisée par Girolamo Mazzola Bedoli.Cependant, la première référence écrite aux deux peintures date de 1627, date à laquelle elles se trouvaient dans la collection Gonzague à Mantoue (les Maffei étaient étroitement liés aux Gonzague). Entre 1627 et 1628, les deux peintures ont été acquises des Gonzague par le roi Charles Ier d'Angleterre et il est attesté qu'elles se trouvaient au palais de Whitehall en 1639. Sa collection contenait également des copies du tableau et de son pendant par Peter Oliver, connus respectivement sous le nom de Venerie Coeleste (Sacred Love - Amour Sacré) et Venerie Mundano (Profane Love - Amour Profane).Lors de la vente des biens de Charles, il a été évalué à 800 £ et vendu le 23 octobre 1651 à Thomas Bagley, un vitrier de la maison royale. Il a été acheté en 1653 par l'ambassadeur d'Espagne Alonso de Cárdenas pour 1600 escudos (400 £). Il agissait en tant qu'agent de Luis de Haro, qui avait prévu de le présenter à Philippe IV d'Espagne. Cependant, lorsque le tableau est arrivé à Madrid, Vélazquez a contesté son attribution au Corrège et Luis a décidé de le garder pour lui.Il a été transmis par héritage au fils de Luis, Gaspar de Haro, puis à la fille de Gaspar, Catalina, épouse de Francisco Álvarez de Toledo, 10e duc d'Albe, dont la famille l'a conservé jusqu'en 1802. Cette année-là, le duché d'Albe a été hérité de la duchesse d'Albe par le 7e duc de Berwick et Liria ; ses relations ont engagé un procès contre lui, au cours duquel Charles IV d'Espagne a ordonné que le tableau soit vendu à Manuel de Godoy. De Godoy a été arrêté six ans plus tard, et le tableau a été confisqué avec le reste de ses biens par Joachim Murat, qui l'a emmené à Naples. Après la défaite et l'exécution de Murat pendant les Cent-Jours en 1815, sa veuve Caroline s'enfuit à Vienne, emportant le tableau avec elle. Plus tard cette année-là, elle le vendit au futur 3e marquis de Londonderry. En 1834, Londonderry l'a vendu à la National Gallery de Londres, où il se trouve toujours.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Dans L'Éducation_de_Cupidon, comment est discutée la Histoire?

Une esquisse préparatoire en est conservée au British Museum. Vénus, Satyre et Cupidon (conservé au Musée du Louvre) semble être son pendant - ce tableau est plus grand mais L'Éducation de Cupidon a peut-être été découpé plus tard. Ils ont probablement été commandés par Nicola Maffei (vers 1487-1536) et la renommée précoce de L'Éducation de Cupidon est attestée par une copie réalisée par Girolamo Mazzola Bedoli.Cependant, la première référence écrite aux deux peintures date de 1627, date à laquelle elles se trouvaient dans la collection Gonzague à Mantoue (les Maffei étaient étroitement liés aux Gonzague). Entre 1627 et 1628, les deux peintures ont été acquises des Gonzague par le roi Charles Ier d'Angleterre et il est attesté qu'elles se trouvaient au palais de Whitehall en 1639. Sa collection contenait également des copies du tableau et de son pendant par Peter Oliver, connus respectivement sous le nom de Venerie Coeleste (Sacred Love - Amour Sacré) et Venerie Mundano (Profane Love - Amour Profane).Lors de la vente des biens de Charles, il a été évalué à 800 £ et vendu le 23 octobre 1651 à Thomas Bagley, un vitrier de la maison royale. Il a été acheté en 1653 par l'ambassadeur d'Espagne Alonso de Cárdenas pour 1600 escudos (400 £). Il agissait en tant qu'agent de Luis de Haro, qui avait prévu de le présenter à Philippe IV d'Espagne. Cependant, lorsque le tableau est arrivé à Madrid, Vélazquez a contesté son attribution au Corrège et Luis a décidé de le garder pour lui.Il a été transmis par héritage au fils de Luis, Gaspar de Haro, puis à la fille de Gaspar, Catalina, épouse de Francisco Álvarez de Toledo, 10e duc d'Albe, dont la famille l'a conservé jusqu'en 1802. Cette année-là, le duché d'Albe a été hérité de la duchesse d'Albe par le 7e duc de Berwick et Liria ; ses relations ont engagé un procès contre lui, au cours duquel Charles IV d'Espagne a ordonné que le tableau soit vendu à Manuel de Godoy. De Godoy a été arrêté six ans plus tard, et le tableau a été confisqué avec le reste de ses biens par Joachim Murat, qui l'a emmené à Naples. Après la défaite et l'exécution de Murat pendant les Cent-Jours en 1815, sa veuve Caroline s'enfuit à Vienne, emportant le tableau avec elle. Plus tard cette année-là, elle le vendit au futur 3e marquis de Londonderry. En 1834, Londonderry l'a vendu à la National Gallery de Londres, où il se trouve toujours.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Concentrez-vous sur L'Éducation_de_Cupidon et expliquez la Autres versions.

Au moins quatre lieux d'espositions des copies de la peinture sont connus :L'ancienne propriété du Baron Massias à Paris ;La Ham House, près de Londres, possède sans doute une copie réalisée lorsque le tableau se trouvait à Londres, aujourd'hui National Trust) ;L'ancienne propriété du baron Brukenthal à Hermannstadt (aujourd'hui au musée national Brukenthal à Sibiu en Roumanie) ;L'ancienne propriété de Marguerite Pelouze au Château de Chenonceau.Au moins deux versions, celles de Sibiu et de Chenonceau, sont encore exposées comme des œuvres authentiques du Corrège.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Expliquer la Autres versions de cette œuvre d'art, L'Éducation_de_Cupidon.

Au moins quatre lieux d'espositions des copies de la peinture sont connus :L'ancienne propriété du Baron Massias à Paris ;La Ham House, près de Londres, possède sans doute une copie réalisée lorsque le tableau se trouvait à Londres, aujourd'hui National Trust) ;L'ancienne propriété du baron Brukenthal à Hermannstadt (aujourd'hui au musée national Brukenthal à Sibiu en Roumanie) ;L'ancienne propriété de Marguerite Pelouze au Château de Chenonceau.Au moins deux versions, celles de Sibiu et de Chenonceau, sont encore exposées comme des œuvres authentiques du Corrège.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Comment L'Éducation_de_Cupidon explique-t-il sa Autres versions?

Au moins quatre lieux d'espositions des copies de la peinture sont connus :L'ancienne propriété du Baron Massias à Paris ;La Ham House, près de Londres, possède sans doute une copie réalisée lorsque le tableau se trouvait à Londres, aujourd'hui National Trust) ;L'ancienne propriété du baron Brukenthal à Hermannstadt (aujourd'hui au musée national Brukenthal à Sibiu en Roumanie) ;L'ancienne propriété de Marguerite Pelouze au Château de Chenonceau.Au moins deux versions, celles de Sibiu et de Chenonceau, sont encore exposées comme des œuvres authentiques du Corrège.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


L'Éducation_de_Cupidon

Prompt: Dans L'Éducation_de_Cupidon, comment est discutée la Autres versions?

Au moins quatre lieux d'espositions des copies de la peinture sont connus :L'ancienne propriété du Baron Massias à Paris ;La Ham House, près de Londres, possède sans doute une copie réalisée lorsque le tableau se trouvait à Londres, aujourd'hui National Trust) ;L'ancienne propriété du baron Brukenthal à Hermannstadt (aujourd'hui au musée national Brukenthal à Sibiu en Roumanie) ;L'ancienne propriété de Marguerite Pelouze au Château de Chenonceau.Au moins deux versions, celles de Sibiu et de Chenonceau, sont encore exposées comme des œuvres authentiques du Corrège.

Charles Vane (3e marquis de Londonderry)

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Hermès ou Mercure dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Judith_au_banquet_d'Holopherne

Prompt: Concentrez-vous sur Judith_au_banquet_d'Holopherne et expliquez la abstract.

Judith au banquet d'Holopherne (également connue sous le nom d'Artemise recevant les cendres de Mausolus ou Sophonisbe recevant la coupe empoisonnée ou encore simplement Artémis) est une peinture à l'huile sur toile du  peintre de l'âge d'or hollandais Rembrandt. Elle se trouve au Musée du Prado à Madrid. Elle est signée REMBRANDT F : 1634.Le sujet du tableau n'a pas été clair pendant des siècles. Il représenté une jeune femme, anciennement identifiée comme Sophonisbe ou Artémise II, ou une reine générique en raison de ses bijoux et de ses riches vêtements, recevant une tasse d'une jeune fille,. Aujourd'hui, elle est considérée comme Judith au banquet d'Holopherne.Rembrandt a probablement utilisé son épouse Saskia comme modèle pour la femme.

Fichier:Rembrandt - Judith at the Banquet of Holofernes (previously known as Artemisia) - Detail Nautilus cup.jpg

Schéma de la composition sous-jacente à partir de la radiographie du musée du Prado. Les personnages et les éléments en gris ont été supprimés.

Catégorie:Œuvre conservée au musée du Prado


Judith_au_banquet_d'Holopherne

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Judith_au_banquet_d'Holopherne.

Judith au banquet d'Holopherne (également connue sous le nom d'Artemise recevant les cendres de Mausolus ou Sophonisbe recevant la coupe empoisonnée ou encore simplement Artémis) est une peinture à l'huile sur toile du  peintre de l'âge d'or hollandais Rembrandt. Elle se trouve au Musée du Prado à Madrid. Elle est signée REMBRANDT F : 1634.Le sujet du tableau n'a pas été clair pendant des siècles. Il représenté une jeune femme, anciennement identifiée comme Sophonisbe ou Artémise II, ou une reine générique en raison de ses bijoux et de ses riches vêtements, recevant une tasse d'une jeune fille,. Aujourd'hui, elle est considérée comme Judith au banquet d'Holopherne.Rembrandt a probablement utilisé son épouse Saskia comme modèle pour la femme.

Fichier:Rembrandt - Judith at the Banquet of Holofernes (previously known as Artemisia) - Detail Nautilus cup.jpg

Schéma de la composition sous-jacente à partir de la radiographie du musée du Prado. Les personnages et les éléments en gris ont été supprimés.

Catégorie:Œuvre conservée au musée du Prado


Judith_au_banquet_d'Holopherne

Prompt: Comment Judith_au_banquet_d'Holopherne explique-t-il sa abstract?

Judith au banquet d'Holopherne (également connue sous le nom d'Artemise recevant les cendres de Mausolus ou Sophonisbe recevant la coupe empoisonnée ou encore simplement Artémis) est une peinture à l'huile sur toile du  peintre de l'âge d'or hollandais Rembrandt. Elle se trouve au Musée du Prado à Madrid. Elle est signée REMBRANDT F : 1634.Le sujet du tableau n'a pas été clair pendant des siècles. Il représenté une jeune femme, anciennement identifiée comme Sophonisbe ou Artémise II, ou une reine générique en raison de ses bijoux et de ses riches vêtements, recevant une tasse d'une jeune fille,. Aujourd'hui, elle est considérée comme Judith au banquet d'Holopherne.Rembrandt a probablement utilisé son épouse Saskia comme modèle pour la femme.

Fichier:Rembrandt - Judith at the Banquet of Holofernes (previously known as Artemisia) - Detail Nautilus cup.jpg

Schéma de la composition sous-jacente à partir de la radiographie du musée du Prado. Les personnages et les éléments en gris ont été supprimés.

Catégorie:Œuvre conservée au musée du Prado


Judith_au_banquet_d'Holopherne

Prompt: Dans Judith_au_banquet_d'Holopherne, comment est discutée la abstract?

Judith au banquet d'Holopherne (également connue sous le nom d'Artemise recevant les cendres de Mausolus ou Sophonisbe recevant la coupe empoisonnée ou encore simplement Artémis) est une peinture à l'huile sur toile du  peintre de l'âge d'or hollandais Rembrandt. Elle se trouve au Musée du Prado à Madrid. Elle est signée REMBRANDT F : 1634.Le sujet du tableau n'a pas été clair pendant des siècles. Il représenté une jeune femme, anciennement identifiée comme Sophonisbe ou Artémise II, ou une reine générique en raison de ses bijoux et de ses riches vêtements, recevant une tasse d'une jeune fille,. Aujourd'hui, elle est considérée comme Judith au banquet d'Holopherne.Rembrandt a probablement utilisé son épouse Saskia comme modèle pour la femme.

Fichier:Rembrandt - Judith at the Banquet of Holofernes (previously known as Artemisia) - Detail Nautilus cup.jpg

Schéma de la composition sous-jacente à partir de la radiographie du musée du Prado. Les personnages et les éléments en gris ont été supprimés.

Catégorie:Œuvre conservée au musée du Prado


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la abstract.

Jérémie pleurant la destruction de Jérusalem est une peinture à l'huile sur panneau datée de 1630 réalisée par le peintre néerlandais Rembrandt,  et conservée au Rijksmuseum Amsterdam.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

Jérémie pleurant la destruction de Jérusalem est une peinture à l'huile sur panneau datée de 1630 réalisée par le peintre néerlandais Rembrandt,  et conservée au Rijksmuseum Amsterdam.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa abstract?

Jérémie pleurant la destruction de Jérusalem est une peinture à l'huile sur panneau datée de 1630 réalisée par le peintre néerlandais Rembrandt,  et conservée au Rijksmuseum Amsterdam.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la abstract?

Jérémie pleurant la destruction de Jérusalem est une peinture à l'huile sur panneau datée de 1630 réalisée par le peintre néerlandais Rembrandt,  et conservée au Rijksmuseum Amsterdam.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la Histoire.

Le tableau est peint en 1630, alors que Rembrandt est âgé de 24 ans et vit à Leyde (Provinces-Unies), sa ville natale. Rembrandt travaille à cette époque dans son atelier avec le peintre Jan Lievens ; il partira à Amsterdam l'année suivante. Le tableau est acheté en 1939 par le Rijkmuseum d'Amsterdam. Le support utilisé est un panneau en bois de chêne, issu d'un arbre abattu après 1624 et provenant du nord des Pays-Bas.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

Le tableau est peint en 1630, alors que Rembrandt est âgé de 24 ans et vit à Leyde (Provinces-Unies), sa ville natale. Rembrandt travaille à cette époque dans son atelier avec le peintre Jan Lievens ; il partira à Amsterdam l'année suivante. Le tableau est acheté en 1939 par le Rijkmuseum d'Amsterdam. Le support utilisé est un panneau en bois de chêne, issu d'un arbre abattu après 1624 et provenant du nord des Pays-Bas.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa Histoire?

Le tableau est peint en 1630, alors que Rembrandt est âgé de 24 ans et vit à Leyde (Provinces-Unies), sa ville natale. Rembrandt travaille à cette époque dans son atelier avec le peintre Jan Lievens ; il partira à Amsterdam l'année suivante. Le tableau est acheté en 1939 par le Rijkmuseum d'Amsterdam. Le support utilisé est un panneau en bois de chêne, issu d'un arbre abattu après 1624 et provenant du nord des Pays-Bas.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la Histoire?

Le tableau est peint en 1630, alors que Rembrandt est âgé de 24 ans et vit à Leyde (Provinces-Unies), sa ville natale. Rembrandt travaille à cette époque dans son atelier avec le peintre Jan Lievens ; il partira à Amsterdam l'année suivante. Le tableau est acheté en 1939 par le Rijkmuseum d'Amsterdam. Le support utilisé est un panneau en bois de chêne, issu d'un arbre abattu après 1624 et provenant du nord des Pays-Bas.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la Description.

Le sujet principal du tableau est un vieil homme assis, appuyé contre une colonne de pierre derrière lui. Son bras gauche soutient sa tête tandis que son bras droit est dans son dos. Devant lui figure une pierre couverte d'une nappe richement brodée. Sur celle-ci sont posés plusieurs objets : des vases en or, un livre portant l'inscription BiBeL (possiblement un ajout postérieur), un sac, une bouteille et un châle.À travers une arche en pierre, sur la gauche, apparaît une ville en flammes. La cité comporte un bâtiment avec un dôme et des murailles. Celles-ci sont escaladées par des hommes avec une échelle. Devant la ville, un personnage se tient la tête dans les mains. Dans le ciel, une figure ailée tient une torche.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

Le sujet principal du tableau est un vieil homme assis, appuyé contre une colonne de pierre derrière lui. Son bras gauche soutient sa tête tandis que son bras droit est dans son dos. Devant lui figure une pierre couverte d'une nappe richement brodée. Sur celle-ci sont posés plusieurs objets : des vases en or, un livre portant l'inscription BiBeL (possiblement un ajout postérieur), un sac, une bouteille et un châle.À travers une arche en pierre, sur la gauche, apparaît une ville en flammes. La cité comporte un bâtiment avec un dôme et des murailles. Celles-ci sont escaladées par des hommes avec une échelle. Devant la ville, un personnage se tient la tête dans les mains. Dans le ciel, une figure ailée tient une torche.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa Description?

Le sujet principal du tableau est un vieil homme assis, appuyé contre une colonne de pierre derrière lui. Son bras gauche soutient sa tête tandis que son bras droit est dans son dos. Devant lui figure une pierre couverte d'une nappe richement brodée. Sur celle-ci sont posés plusieurs objets : des vases en or, un livre portant l'inscription BiBeL (possiblement un ajout postérieur), un sac, une bouteille et un châle.À travers une arche en pierre, sur la gauche, apparaît une ville en flammes. La cité comporte un bâtiment avec un dôme et des murailles. Celles-ci sont escaladées par des hommes avec une échelle. Devant la ville, un personnage se tient la tête dans les mains. Dans le ciel, une figure ailée tient une torche.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la Description?

Le sujet principal du tableau est un vieil homme assis, appuyé contre une colonne de pierre derrière lui. Son bras gauche soutient sa tête tandis que son bras droit est dans son dos. Devant lui figure une pierre couverte d'une nappe richement brodée. Sur celle-ci sont posés plusieurs objets : des vases en or, un livre portant l'inscription BiBeL (possiblement un ajout postérieur), un sac, une bouteille et un châle.À travers une arche en pierre, sur la gauche, apparaît une ville en flammes. La cité comporte un bâtiment avec un dôme et des murailles. Celles-ci sont escaladées par des hommes avec une échelle. Devant la ville, un personnage se tient la tête dans les mains. Dans le ciel, une figure ailée tient une torche.

Fichier:Guido Reni - Sts Peter and Paul - WGA19309.jpg

Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

Fichier:Bust of an Old Bearded Man Looking Down, Three-Quarters Right MET DP814382.jpg

Fichier:Rembrandt - Jeremia treurend over de verwoesting van Jeruzalem (detail) - 1630.jpg

Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la Thème.

Jusqu'à la fin du XIXe siècle, on pense que l'œuvre est une représentation de Loth et de la destruction de Sodome. En 1897, les historiens de l'art Wilhelm von Bode et Cornelis Hofstede de Groot établissent que le tableau représente la chute de Jérusalem et sa prise par les Babyloniens en 586 av. J.-C. telles que mentionnées dans la Bible,. La figure centrale de la peinture est le prophète Jérémie, qui a prophétisé cette chute dans le Livre de Jérémie et l'a déplorée dans le Livre des Lamentations. Il est justement représenté en train de se lamenter sur la chute de la ville, bien que cette scène précise n'apparaisse pas dans la Bible ; il s'agit plutôt d'une combinaison de différents épisodes bibliques.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la Thème de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

Jusqu'à la fin du XIXe siècle, on pense que l'œuvre est une représentation de Loth et de la destruction de Sodome. En 1897, les historiens de l'art Wilhelm von Bode et Cornelis Hofstede de Groot établissent que le tableau représente la chute de Jérusalem et sa prise par les Babyloniens en 586 av. J.-C. telles que mentionnées dans la Bible,. La figure centrale de la peinture est le prophète Jérémie, qui a prophétisé cette chute dans le Livre de Jérémie et l'a déplorée dans le Livre des Lamentations. Il est justement représenté en train de se lamenter sur la chute de la ville, bien que cette scène précise n'apparaisse pas dans la Bible ; il s'agit plutôt d'une combinaison de différents épisodes bibliques.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa Thème?

Jusqu'à la fin du XIXe siècle, on pense que l'œuvre est une représentation de Loth et de la destruction de Sodome. En 1897, les historiens de l'art Wilhelm von Bode et Cornelis Hofstede de Groot établissent que le tableau représente la chute de Jérusalem et sa prise par les Babyloniens en 586 av. J.-C. telles que mentionnées dans la Bible,. La figure centrale de la peinture est le prophète Jérémie, qui a prophétisé cette chute dans le Livre de Jérémie et l'a déplorée dans le Livre des Lamentations. Il est justement représenté en train de se lamenter sur la chute de la ville, bien que cette scène précise n'apparaisse pas dans la Bible ; il s'agit plutôt d'une combinaison de différents épisodes bibliques.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la Thème?

Jusqu'à la fin du XIXe siècle, on pense que l'œuvre est une représentation de Loth et de la destruction de Sodome. En 1897, les historiens de l'art Wilhelm von Bode et Cornelis Hofstede de Groot établissent que le tableau représente la chute de Jérusalem et sa prise par les Babyloniens en 586 av. J.-C. telles que mentionnées dans la Bible,. La figure centrale de la peinture est le prophète Jérémie, qui a prophétisé cette chute dans le Livre de Jérémie et l'a déplorée dans le Livre des Lamentations. Il est justement représenté en train de se lamenter sur la chute de la ville, bien que cette scène précise n'apparaisse pas dans la Bible ; il s'agit plutôt d'une combinaison de différents épisodes bibliques.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la Analyse.

La composition du tableau est basée sur une diagonale entre le coin inférieur gauche et le coin inférieur droit. Cette séparation est réalisée par le clair-obscur et les jeux de lumière, mais également par le corps de Jérémie lui-même. En effet, Jérémie est représenté penché, appuyé sur son coude, dans une position associée au tempérament mélancolique. Cette utilisation d'un corps dans cette position pour créer une diagonale sur un tableau est probablement inspiré du baroque italien, et plus spécifiquement par le tableau de Guido Reni Saints Pierre et Paul (1603-1604, pinacothèque de Breda, Milan),.Outre la symbolique de la mélancolie, la position de Jérémie peint par Rembrandt présente une particularité : le bras droit du prophète est dissimulé derrière son dos. Il peut s'agir d'une référence au passage du Livre des Lamentations où il est dit que Dieu a retiré son bras droit, c'est à dire son soutien à Israël, et a laissé le pays seul face à ses ennemis :« Il a, dans son ardente colère, abattu toute la force d'Israël ; Il a retiré sa droite en présence de l'ennemi ; Il a allumé dans Jacob des flammes de feu, Qui dévorent de tous côtés. »— Lamentations 2, 3 (trad. Segond)Le visage de Jérémie est particulièrement expressif et peut être rapproché des tronies, des portraits d'anonymes mettant en valeur les expressions du visage. Le même modèle utilisé pour représenter Jérémie a servi à Rembrandt pour plusieurs dessins du genre des tronies,.La diagonale divise le tableau en deux scènes opposées : une scène de guerre pleine d'action à gauche, une nature morte composée de quelques objets à droite,. A gauche, la figure ailée correspond à l'ange auquel la tradition juive attribue l'incendie de Jérusalem : la destruction serait non pas l'œuvre de Nabuchodonosor II, mais de Dieu lui-même.Sur la droite, la bouteille serait une référence à la prophétie de Jérémie où celui-ci annonce que Dieu brisera Jérusalem comme lui-même brise une bouteille :« Tu briseras ensuite le vase, sous les yeux des hommes qui seront allés avec toi.Et tu leur diras: Ainsi parle l'Éternel des armées : C'est ainsi que je briserai ce peuple et cette ville, Comme on brise un vase de potier, Sans qu'il puisse être rétabli. Et l'on enterrera les morts à Topheth par défaut de place pour enterrer. »— Jérémie 19, 10-11 (trad. Segond)Rembrandt établit ainsi un parallèle entre le symbole (la bouteille, à droite) et le symbolisé (la chute de Jérusalem, à gauche).Les vases précieux près de Jérémie sont possiblement une référence au trésor du Temple de Jérusalem pillé, emporté à Babylone. Ils constituent également une référence plus contemporaine en tant que symboles de la richesse matérielle. Tel Jérémie qui semble ignorer ces trésors, l'œuvre a une portée moralisatrice et appelle le spectateur à ne pas s'attacher aux biens matériels, sous peine de finir comme la cité de Jérusalem. De même, les vêtements du XVIIe siècle de Rembrandt accentuent sa contemporanéité.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

La composition du tableau est basée sur une diagonale entre le coin inférieur gauche et le coin inférieur droit. Cette séparation est réalisée par le clair-obscur et les jeux de lumière, mais également par le corps de Jérémie lui-même. En effet, Jérémie est représenté penché, appuyé sur son coude, dans une position associée au tempérament mélancolique. Cette utilisation d'un corps dans cette position pour créer une diagonale sur un tableau est probablement inspiré du baroque italien, et plus spécifiquement par le tableau de Guido Reni Saints Pierre et Paul (1603-1604, pinacothèque de Breda, Milan),.Outre la symbolique de la mélancolie, la position de Jérémie peint par Rembrandt présente une particularité : le bras droit du prophète est dissimulé derrière son dos. Il peut s'agir d'une référence au passage du Livre des Lamentations où il est dit que Dieu a retiré son bras droit, c'est à dire son soutien à Israël, et a laissé le pays seul face à ses ennemis :« Il a, dans son ardente colère, abattu toute la force d'Israël ; Il a retiré sa droite en présence de l'ennemi ; Il a allumé dans Jacob des flammes de feu, Qui dévorent de tous côtés. »— Lamentations 2, 3 (trad. Segond)Le visage de Jérémie est particulièrement expressif et peut être rapproché des tronies, des portraits d'anonymes mettant en valeur les expressions du visage. Le même modèle utilisé pour représenter Jérémie a servi à Rembrandt pour plusieurs dessins du genre des tronies,.La diagonale divise le tableau en deux scènes opposées : une scène de guerre pleine d'action à gauche, une nature morte composée de quelques objets à droite,. A gauche, la figure ailée correspond à l'ange auquel la tradition juive attribue l'incendie de Jérusalem : la destruction serait non pas l'œuvre de Nabuchodonosor II, mais de Dieu lui-même.Sur la droite, la bouteille serait une référence à la prophétie de Jérémie où celui-ci annonce que Dieu brisera Jérusalem comme lui-même brise une bouteille :« Tu briseras ensuite le vase, sous les yeux des hommes qui seront allés avec toi.Et tu leur diras: Ainsi parle l'Éternel des armées : C'est ainsi que je briserai ce peuple et cette ville, Comme on brise un vase de potier, Sans qu'il puisse être rétabli. Et l'on enterrera les morts à Topheth par défaut de place pour enterrer. »— Jérémie 19, 10-11 (trad. Segond)Rembrandt établit ainsi un parallèle entre le symbole (la bouteille, à droite) et le symbolisé (la chute de Jérusalem, à gauche).Les vases précieux près de Jérémie sont possiblement une référence au trésor du Temple de Jérusalem pillé, emporté à Babylone. Ils constituent également une référence plus contemporaine en tant que symboles de la richesse matérielle. Tel Jérémie qui semble ignorer ces trésors, l'œuvre a une portée moralisatrice et appelle le spectateur à ne pas s'attacher aux biens matériels, sous peine de finir comme la cité de Jérusalem. De même, les vêtements du XVIIe siècle de Rembrandt accentuent sa contemporanéité.

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Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa Analyse?

La composition du tableau est basée sur une diagonale entre le coin inférieur gauche et le coin inférieur droit. Cette séparation est réalisée par le clair-obscur et les jeux de lumière, mais également par le corps de Jérémie lui-même. En effet, Jérémie est représenté penché, appuyé sur son coude, dans une position associée au tempérament mélancolique. Cette utilisation d'un corps dans cette position pour créer une diagonale sur un tableau est probablement inspiré du baroque italien, et plus spécifiquement par le tableau de Guido Reni Saints Pierre et Paul (1603-1604, pinacothèque de Breda, Milan),.Outre la symbolique de la mélancolie, la position de Jérémie peint par Rembrandt présente une particularité : le bras droit du prophète est dissimulé derrière son dos. Il peut s'agir d'une référence au passage du Livre des Lamentations où il est dit que Dieu a retiré son bras droit, c'est à dire son soutien à Israël, et a laissé le pays seul face à ses ennemis :« Il a, dans son ardente colère, abattu toute la force d'Israël ; Il a retiré sa droite en présence de l'ennemi ; Il a allumé dans Jacob des flammes de feu, Qui dévorent de tous côtés. »— Lamentations 2, 3 (trad. Segond)Le visage de Jérémie est particulièrement expressif et peut être rapproché des tronies, des portraits d'anonymes mettant en valeur les expressions du visage. Le même modèle utilisé pour représenter Jérémie a servi à Rembrandt pour plusieurs dessins du genre des tronies,.La diagonale divise le tableau en deux scènes opposées : une scène de guerre pleine d'action à gauche, une nature morte composée de quelques objets à droite,. A gauche, la figure ailée correspond à l'ange auquel la tradition juive attribue l'incendie de Jérusalem : la destruction serait non pas l'œuvre de Nabuchodonosor II, mais de Dieu lui-même.Sur la droite, la bouteille serait une référence à la prophétie de Jérémie où celui-ci annonce que Dieu brisera Jérusalem comme lui-même brise une bouteille :« Tu briseras ensuite le vase, sous les yeux des hommes qui seront allés avec toi.Et tu leur diras: Ainsi parle l'Éternel des armées : C'est ainsi que je briserai ce peuple et cette ville, Comme on brise un vase de potier, Sans qu'il puisse être rétabli. Et l'on enterrera les morts à Topheth par défaut de place pour enterrer. »— Jérémie 19, 10-11 (trad. Segond)Rembrandt établit ainsi un parallèle entre le symbole (la bouteille, à droite) et le symbolisé (la chute de Jérusalem, à gauche).Les vases précieux près de Jérémie sont possiblement une référence au trésor du Temple de Jérusalem pillé, emporté à Babylone. Ils constituent également une référence plus contemporaine en tant que symboles de la richesse matérielle. Tel Jérémie qui semble ignorer ces trésors, l'œuvre a une portée moralisatrice et appelle le spectateur à ne pas s'attacher aux biens matériels, sous peine de finir comme la cité de Jérusalem. De même, les vêtements du XVIIe siècle de Rembrandt accentuent sa contemporanéité.

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Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la Analyse?

La composition du tableau est basée sur une diagonale entre le coin inférieur gauche et le coin inférieur droit. Cette séparation est réalisée par le clair-obscur et les jeux de lumière, mais également par le corps de Jérémie lui-même. En effet, Jérémie est représenté penché, appuyé sur son coude, dans une position associée au tempérament mélancolique. Cette utilisation d'un corps dans cette position pour créer une diagonale sur un tableau est probablement inspiré du baroque italien, et plus spécifiquement par le tableau de Guido Reni Saints Pierre et Paul (1603-1604, pinacothèque de Breda, Milan),.Outre la symbolique de la mélancolie, la position de Jérémie peint par Rembrandt présente une particularité : le bras droit du prophète est dissimulé derrière son dos. Il peut s'agir d'une référence au passage du Livre des Lamentations où il est dit que Dieu a retiré son bras droit, c'est à dire son soutien à Israël, et a laissé le pays seul face à ses ennemis :« Il a, dans son ardente colère, abattu toute la force d'Israël ; Il a retiré sa droite en présence de l'ennemi ; Il a allumé dans Jacob des flammes de feu, Qui dévorent de tous côtés. »— Lamentations 2, 3 (trad. Segond)Le visage de Jérémie est particulièrement expressif et peut être rapproché des tronies, des portraits d'anonymes mettant en valeur les expressions du visage. Le même modèle utilisé pour représenter Jérémie a servi à Rembrandt pour plusieurs dessins du genre des tronies,.La diagonale divise le tableau en deux scènes opposées : une scène de guerre pleine d'action à gauche, une nature morte composée de quelques objets à droite,. A gauche, la figure ailée correspond à l'ange auquel la tradition juive attribue l'incendie de Jérusalem : la destruction serait non pas l'œuvre de Nabuchodonosor II, mais de Dieu lui-même.Sur la droite, la bouteille serait une référence à la prophétie de Jérémie où celui-ci annonce que Dieu brisera Jérusalem comme lui-même brise une bouteille :« Tu briseras ensuite le vase, sous les yeux des hommes qui seront allés avec toi.Et tu leur diras: Ainsi parle l'Éternel des armées : C'est ainsi que je briserai ce peuple et cette ville, Comme on brise un vase de potier, Sans qu'il puisse être rétabli. Et l'on enterrera les morts à Topheth par défaut de place pour enterrer. »— Jérémie 19, 10-11 (trad. Segond)Rembrandt établit ainsi un parallèle entre le symbole (la bouteille, à droite) et le symbolisé (la chute de Jérusalem, à gauche).Les vases précieux près de Jérémie sont possiblement une référence au trésor du Temple de Jérusalem pillé, emporté à Babylone. Ils constituent également une référence plus contemporaine en tant que symboles de la richesse matérielle. Tel Jérémie qui semble ignorer ces trésors, l'œuvre a une portée moralisatrice et appelle le spectateur à ne pas s'attacher aux biens matériels, sous peine de finir comme la cité de Jérusalem. De même, les vêtements du XVIIe siècle de Rembrandt accentuent sa contemporanéité.

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Concentrez-vous sur Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem et expliquez la Sources.

[Budick 1988] (en) Sanford Budick, « Rembrandt's Jeremiah », Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, vol. 51, no 1, 1988, p. 260-264 (DOI 10.2307/751284, lire en ligne)[Bulckens et Sajip 2024] (en) Koen Bulckens et Arjun Sajip, « Rembrandt’s sorrowful Jeremiah shows the painter at his best », Apollo, 20 mars 2024 (lire en ligne)[Bruyn 1970] (en) J. Bruyn, « Rembrandt and the Italian Baroque », Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, vol. 4, no 1, 1970, p. 28-48 (DOI 10.2307/3780392, JSTOR 3780392, lire en ligne)[Bruyn 1982] (en) J. Bruyn et al., « Jeremiah lamenting the destruction of Jerusalem », dans A Corpus of Rembrandt Paintings, Dordrecht, Springer, coll. « Stichting Foundation Rembrandt Research Project » (no 1), 1982, 728 p. (ISBN 978-94-009-7517-0, DOI 10.1007/978-94-009-7517-0_33, lire en ligne), p. 276-284[Callaway 2021] (en) Mary Chilton Callaway, « Jeremiah in Arts », dans Louis Stulman, Edward Silver, The Oxford Handbook of Jeremiah, Oxford University Press, 2021, 696 p. (ISBN 9780190693060 et 9780190693091, DOI 10.1093/oxfordhb/9780190693060.013.40, lire en ligne), p. 579-609

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Expliquer la Sources de cette œuvre d'art, Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem.

[Budick 1988] (en) Sanford Budick, « Rembrandt's Jeremiah », Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, vol. 51, no 1, 1988, p. 260-264 (DOI 10.2307/751284, lire en ligne)[Bulckens et Sajip 2024] (en) Koen Bulckens et Arjun Sajip, « Rembrandt’s sorrowful Jeremiah shows the painter at his best », Apollo, 20 mars 2024 (lire en ligne)[Bruyn 1970] (en) J. Bruyn, « Rembrandt and the Italian Baroque », Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, vol. 4, no 1, 1970, p. 28-48 (DOI 10.2307/3780392, JSTOR 3780392, lire en ligne)[Bruyn 1982] (en) J. Bruyn et al., « Jeremiah lamenting the destruction of Jerusalem », dans A Corpus of Rembrandt Paintings, Dordrecht, Springer, coll. « Stichting Foundation Rembrandt Research Project » (no 1), 1982, 728 p. (ISBN 978-94-009-7517-0, DOI 10.1007/978-94-009-7517-0_33, lire en ligne), p. 276-284[Callaway 2021] (en) Mary Chilton Callaway, « Jeremiah in Arts », dans Louis Stulman, Edward Silver, The Oxford Handbook of Jeremiah, Oxford University Press, 2021, 696 p. (ISBN 9780190693060 et 9780190693091, DOI 10.1093/oxfordhb/9780190693060.013.40, lire en ligne), p. 579-609

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Comment Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem explique-t-il sa Sources?

[Budick 1988] (en) Sanford Budick, « Rembrandt's Jeremiah », Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, vol. 51, no 1, 1988, p. 260-264 (DOI 10.2307/751284, lire en ligne)[Bulckens et Sajip 2024] (en) Koen Bulckens et Arjun Sajip, « Rembrandt’s sorrowful Jeremiah shows the painter at his best », Apollo, 20 mars 2024 (lire en ligne)[Bruyn 1970] (en) J. Bruyn, « Rembrandt and the Italian Baroque », Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, vol. 4, no 1, 1970, p. 28-48 (DOI 10.2307/3780392, JSTOR 3780392, lire en ligne)[Bruyn 1982] (en) J. Bruyn et al., « Jeremiah lamenting the destruction of Jerusalem », dans A Corpus of Rembrandt Paintings, Dordrecht, Springer, coll. « Stichting Foundation Rembrandt Research Project » (no 1), 1982, 728 p. (ISBN 978-94-009-7517-0, DOI 10.1007/978-94-009-7517-0_33, lire en ligne), p. 276-284[Callaway 2021] (en) Mary Chilton Callaway, « Jeremiah in Arts », dans Louis Stulman, Edward Silver, The Oxford Handbook of Jeremiah, Oxford University Press, 2021, 696 p. (ISBN 9780190693060 et 9780190693091, DOI 10.1093/oxfordhb/9780190693060.013.40, lire en ligne), p. 579-609

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Jeremiah Lamenting the Destruction of Jerusalem

Prompt: Dans Jérémie_pleurant_la_destruction_de_Jérusalem, comment est discutée la Sources?

[Budick 1988] (en) Sanford Budick, « Rembrandt's Jeremiah », Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, vol. 51, no 1, 1988, p. 260-264 (DOI 10.2307/751284, lire en ligne)[Bulckens et Sajip 2024] (en) Koen Bulckens et Arjun Sajip, « Rembrandt’s sorrowful Jeremiah shows the painter at his best », Apollo, 20 mars 2024 (lire en ligne)[Bruyn 1970] (en) J. Bruyn, « Rembrandt and the Italian Baroque », Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, vol. 4, no 1, 1970, p. 28-48 (DOI 10.2307/3780392, JSTOR 3780392, lire en ligne)[Bruyn 1982] (en) J. Bruyn et al., « Jeremiah lamenting the destruction of Jerusalem », dans A Corpus of Rembrandt Paintings, Dordrecht, Springer, coll. « Stichting Foundation Rembrandt Research Project » (no 1), 1982, 728 p. (ISBN 978-94-009-7517-0, DOI 10.1007/978-94-009-7517-0_33, lire en ligne), p. 276-284[Callaway 2021] (en) Mary Chilton Callaway, « Jeremiah in Arts », dans Louis Stulman, Edward Silver, The Oxford Handbook of Jeremiah, Oxford University Press, 2021, 696 p. (ISBN 9780190693060 et 9780190693091, DOI 10.1093/oxfordhb/9780190693060.013.40, lire en ligne), p. 579-609

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Catégorie:Œuvre de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt, ''Buste d'un vieil homme barbu'', 1631, [[Metropolitan Museum of Art

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Catégorie:Ancien Testament dans la peinture


Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Concentrez-vous sur Autoportrait_dans_un_miroir_convexe et expliquez la abstract.

Autoportrait dans un Miroir Convexe (vers 1524) est une peinture de l'artiste l'italien Parmigianino de la Haute Renaissance. Elle est exposée au Kunsthistorisches Museum, à Vienne en Autriche.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes


Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Autoportrait_dans_un_miroir_convexe.

Autoportrait dans un Miroir Convexe (vers 1524) est une peinture de l'artiste l'italien Parmigianino de la Haute Renaissance. Elle est exposée au Kunsthistorisches Museum, à Vienne en Autriche.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Comment Autoportrait_dans_un_miroir_convexe explique-t-il sa abstract?

Autoportrait dans un Miroir Convexe (vers 1524) est une peinture de l'artiste l'italien Parmigianino de la Haute Renaissance. Elle est exposée au Kunsthistorisches Museum, à Vienne en Autriche.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Dans Autoportrait_dans_un_miroir_convexe, comment est discutée la abstract?

Autoportrait dans un Miroir Convexe (vers 1524) est une peinture de l'artiste l'italien Parmigianino de la Haute Renaissance. Elle est exposée au Kunsthistorisches Museum, à Vienne en Autriche.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Concentrez-vous sur Autoportrait_dans_un_miroir_convexe et expliquez la Histoire.

L'œuvre est mentionnée par l'historien d'art de la Renaissance Giorgio Vasari, qui la répertorie comme l'un des trois tableaux de petit format que l'artiste a emmenés à Rome avec lui en 1525. Vasari déclare que l'autoportrait a été créé par Parmigianino comme un exemple afin de démontrer son talent à des clients potentiels.Le portrait a ensuite été donné au pape Clément VII, et plus tard à l'écrivain Pierre Arétin, dans la maison de Vasari lui-même, alors encore enfant. Il a ensuite été acquis par le sculpteur Valerio Belli et, après sa mort en 1546, par son fils Elio. Par l'intercession d'Andrea Palladio, en 1560, l'œuvre a appartenu au sculpteur Vénitien Alessandro Vittoria, qui l'a transmise par héritage au patrimoine de l'empereur Rodolphe II. Le tableau est arrivé à Prague en 1608 et il a rejoint plus tard les collections impériales des Habsbourg de Vienne (1777), bien qu'à l'époque l'œuvre soit attribuée au Corrège.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Autoportrait_dans_un_miroir_convexe.

L'œuvre est mentionnée par l'historien d'art de la Renaissance Giorgio Vasari, qui la répertorie comme l'un des trois tableaux de petit format que l'artiste a emmenés à Rome avec lui en 1525. Vasari déclare que l'autoportrait a été créé par Parmigianino comme un exemple afin de démontrer son talent à des clients potentiels.Le portrait a ensuite été donné au pape Clément VII, et plus tard à l'écrivain Pierre Arétin, dans la maison de Vasari lui-même, alors encore enfant. Il a ensuite été acquis par le sculpteur Valerio Belli et, après sa mort en 1546, par son fils Elio. Par l'intercession d'Andrea Palladio, en 1560, l'œuvre a appartenu au sculpteur Vénitien Alessandro Vittoria, qui l'a transmise par héritage au patrimoine de l'empereur Rodolphe II. Le tableau est arrivé à Prague en 1608 et il a rejoint plus tard les collections impériales des Habsbourg de Vienne (1777), bien qu'à l'époque l'œuvre soit attribuée au Corrège.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Comment Autoportrait_dans_un_miroir_convexe explique-t-il sa Histoire?

L'œuvre est mentionnée par l'historien d'art de la Renaissance Giorgio Vasari, qui la répertorie comme l'un des trois tableaux de petit format que l'artiste a emmenés à Rome avec lui en 1525. Vasari déclare que l'autoportrait a été créé par Parmigianino comme un exemple afin de démontrer son talent à des clients potentiels.Le portrait a ensuite été donné au pape Clément VII, et plus tard à l'écrivain Pierre Arétin, dans la maison de Vasari lui-même, alors encore enfant. Il a ensuite été acquis par le sculpteur Valerio Belli et, après sa mort en 1546, par son fils Elio. Par l'intercession d'Andrea Palladio, en 1560, l'œuvre a appartenu au sculpteur Vénitien Alessandro Vittoria, qui l'a transmise par héritage au patrimoine de l'empereur Rodolphe II. Le tableau est arrivé à Prague en 1608 et il a rejoint plus tard les collections impériales des Habsbourg de Vienne (1777), bien qu'à l'époque l'œuvre soit attribuée au Corrège.

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Dans Autoportrait_dans_un_miroir_convexe, comment est discutée la Histoire?

L'œuvre est mentionnée par l'historien d'art de la Renaissance Giorgio Vasari, qui la répertorie comme l'un des trois tableaux de petit format que l'artiste a emmenés à Rome avec lui en 1525. Vasari déclare que l'autoportrait a été créé par Parmigianino comme un exemple afin de démontrer son talent à des clients potentiels.Le portrait a ensuite été donné au pape Clément VII, et plus tard à l'écrivain Pierre Arétin, dans la maison de Vasari lui-même, alors encore enfant. Il a ensuite été acquis par le sculpteur Valerio Belli et, après sa mort en 1546, par son fils Elio. Par l'intercession d'Andrea Palladio, en 1560, l'œuvre a appartenu au sculpteur Vénitien Alessandro Vittoria, qui l'a transmise par héritage au patrimoine de l'empereur Rodolphe II. Le tableau est arrivé à Prague en 1608 et il a rejoint plus tard les collections impériales des Habsbourg de Vienne (1777), bien qu'à l'époque l'œuvre soit attribuée au Corrège.

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Concentrez-vous sur Autoportrait_dans_un_miroir_convexe et expliquez la Description.

La peinture représente le jeune artiste (seulement âgé de vingt-et-un ans) au milieu d'une pièce, déformée par l'utilisation d'un miroir convexe selon le procédé de l'anamorphose. La main au premier plan est très allongée et déformée par le miroir. L'œuvre a été peinte sur un panneau convexe spécialement préparé de façon à imiter la courbure du miroir utilisé.

Catégorie:Œuvre conservée au musée d'Histoire de l'art de Vienne

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Autoportrait_dans_un_miroir_convexe.

La peinture représente le jeune artiste (seulement âgé de vingt-et-un ans) au milieu d'une pièce, déformée par l'utilisation d'un miroir convexe selon le procédé de l'anamorphose. La main au premier plan est très allongée et déformée par le miroir. L'œuvre a été peinte sur un panneau convexe spécialement préparé de façon à imiter la courbure du miroir utilisé.

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Comment Autoportrait_dans_un_miroir_convexe explique-t-il sa Description?

La peinture représente le jeune artiste (seulement âgé de vingt-et-un ans) au milieu d'une pièce, déformée par l'utilisation d'un miroir convexe selon le procédé de l'anamorphose. La main au premier plan est très allongée et déformée par le miroir. L'œuvre a été peinte sur un panneau convexe spécialement préparé de façon à imiter la courbure du miroir utilisé.

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Dans Autoportrait_dans_un_miroir_convexe, comment est discutée la Description?

La peinture représente le jeune artiste (seulement âgé de vingt-et-un ans) au milieu d'une pièce, déformée par l'utilisation d'un miroir convexe selon le procédé de l'anamorphose. La main au premier plan est très allongée et déformée par le miroir. L'œuvre a été peinte sur un panneau convexe spécialement préparé de façon à imiter la courbure du miroir utilisé.

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Concentrez-vous sur Autoportrait_dans_un_miroir_convexe et expliquez la Sources.

Luisa Viola, Parmigianino, Parme, Grafiche Step, 2007

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Autoportrait_dans_un_miroir_convexe

Prompt: Expliquer la Sources de cette œuvre d'art, Autoportrait_dans_un_miroir_convexe.

Luisa Viola, Parmigianino, Parme, Grafiche Step, 2007

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Prompt: Comment Autoportrait_dans_un_miroir_convexe explique-t-il sa Sources?

Luisa Viola, Parmigianino, Parme, Grafiche Step, 2007

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Prompt: Dans Autoportrait_dans_un_miroir_convexe, comment est discutée la Sources?

Luisa Viola, Parmigianino, Parme, Grafiche Step, 2007

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Annonciation_d'Ascoli

Prompt: Concentrez-vous sur Annonciation_d'Ascoli et expliquez la abstract.

L'Annonciation d'Ascoli, ou Annonciation avec Saint Emidio, est une tempera sur bois, transposée sur toile de 207 × 147 cm réalisée par Carlo Crivelli, datée de 1486 et conservée à la National Gallery de Londres. Elle est signée OPVS CAROLI CRIVELLI VENETI 1486 .C'est l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste, dans laquelle la combinaison de la rationalité de la perspective de la Renaissance et de la décoration gothique atteint son apogée, ce qui en fait l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance les plus importants des Marches.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Archidiocèse de Camerino-San Severino Marche

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Image:Crivelli Carlo, Annunciation fruit detail.jpg

Détail des objets posés sur le rebord feint.


Annonciation_d'Ascoli

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Annonciation_d'Ascoli.

L'Annonciation d'Ascoli, ou Annonciation avec Saint Emidio, est une tempera sur bois, transposée sur toile de 207 × 147 cm réalisée par Carlo Crivelli, datée de 1486 et conservée à la National Gallery de Londres. Elle est signée OPVS CAROLI CRIVELLI VENETI 1486 .C'est l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste, dans laquelle la combinaison de la rationalité de la perspective de la Renaissance et de la décoration gothique atteint son apogée, ce qui en fait l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance les plus importants des Marches.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Archidiocèse de Camerino-San Severino Marche

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Image:Crivelli Carlo, Annunciation fruit detail.jpg

Détail des objets posés sur le rebord feint.


Annonciation_d'Ascoli

Prompt: Comment Annonciation_d'Ascoli explique-t-il sa abstract?

L'Annonciation d'Ascoli, ou Annonciation avec Saint Emidio, est une tempera sur bois, transposée sur toile de 207 × 147 cm réalisée par Carlo Crivelli, datée de 1486 et conservée à la National Gallery de Londres. Elle est signée OPVS CAROLI CRIVELLI VENETI 1486 .C'est l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste, dans laquelle la combinaison de la rationalité de la perspective de la Renaissance et de la décoration gothique atteint son apogée, ce qui en fait l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance les plus importants des Marches.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Archidiocèse de Camerino-San Severino Marche

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Image:Crivelli Carlo, Annunciation fruit detail.jpg

Détail des objets posés sur le rebord feint.


Annonciation_d'Ascoli

Prompt: Dans Annonciation_d'Ascoli, comment est discutée la abstract?

L'Annonciation d'Ascoli, ou Annonciation avec Saint Emidio, est une tempera sur bois, transposée sur toile de 207 × 147 cm réalisée par Carlo Crivelli, datée de 1486 et conservée à la National Gallery de Londres. Elle est signée OPVS CAROLI CRIVELLI VENETI 1486 .C'est l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste, dans laquelle la combinaison de la rationalité de la perspective de la Renaissance et de la décoration gothique atteint son apogée, ce qui en fait l'un des chefs-d'œuvre de la Renaissance les plus importants des Marches.

Catégorie:Colombe du Saint-Esprit dans la peinture

Archidiocèse de Camerino-San Severino Marche

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Image:Crivelli Carlo, Annunciation fruit detail.jpg

Détail des objets posés sur le rebord feint.