La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Comment La_Vierge_au_long_cou explique-t-il sa abstract?

La Vierge au long cou (en italien : Madonna dal collo lungo) est une peinture à huile sur bois, attribuée à Parmigianino, conservée à la galerie des Offices à Florence. Le tableau est considéré comme une des peintures les plus importantes et représentatives du maniérisme italien, inspirée par une esthétique anticlassique et riche en allusions et transpositions symboliques.La peinture est populairement appelée « Vierge au long cou », car « le peintre, dans son désir de rendre la sainte Vierge gracieuse et élégante, lui a donné un cou comme celui d'un cygne. »

Fichier:Parmigianino - Madonna and Child with the infant Saint John and Saint Jerome.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

Fichier:Parmigianino Madonna Long Neck - Detail.jpg

''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Dans La_Vierge_au_long_cou, comment est discutée la abstract?

La Vierge au long cou (en italien : Madonna dal collo lungo) est une peinture à huile sur bois, attribuée à Parmigianino, conservée à la galerie des Offices à Florence. Le tableau est considéré comme une des peintures les plus importantes et représentatives du maniérisme italien, inspirée par une esthétique anticlassique et riche en allusions et transpositions symboliques.La peinture est populairement appelée « Vierge au long cou », car « le peintre, dans son désir de rendre la sainte Vierge gracieuse et élégante, lui a donné un cou comme celui d'un cygne. »

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Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

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Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_au_long_cou et expliquez la Histoire.

L’œuvre a été commandée par Elena Baiardi Tagliaferri pour sa chapelle dans l’église Santa Maria dei Servi de Parme par un contrat daté du 23 décembre 1534. Elena est la sœur du cavalier Francesco Baiardo, ami et mécène de Parmigianino, acheteur de son atelier à la mort de l’artiste et possesseur de Cupidon fabriquant son arc.Par contrat, l’artiste s’était engagé, pour une somme de trente trois écus versés d’avance, à réaliser le tableau en cinq mois, avant la Pentecôte de 1535, sous peine de pénalités garanties par hypothèque de sa maison. Néanmoins, le delai fut dépassé et l’œuvre laissée inachevée à cause du départ de l’artiste pour Casalmaggiore, en 1540, où il mourut, laissant le tableau dans son atelier. Le cavalier Baiardi, prit possession de l’atelier de l’artiste dans lequel il inventoria 22 tableaux et 495 dessins.Une cinquantaine de dessins conservés témoignent du long travail préparatoire du Parmesan ; dans un dessin conservé au Louvre, le peintre a ainsi représenté un temple qui, dans le tableau final, sera représenté par un simple fût de colonne.Après quelques années, le tableau fut enfin déposé dans la chapelle en 1542, date indiquée sur une stèle aujourd’hui disparue.À l’occasion de la consécration du retable un texte a été ajoutée sur le gradin de droite (FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMENSIS ABSOLVERE NEQUIVIT) afin de justifier son état inachevé dû à un cas de force majeure.Giorgio Vasari, en 1550, fit allusion au tableau sans s’attarder, tandis que dans la description du diocèse de Parme de 1564, Dalla Torre définit l’œuvre non perfectam (inachevée), mais néanmoins estimée mirae pulchritudinis et excellentiae.Vasari en parle encore dans l’édition de Le Vite de 1568.En 1671, Barri la note encore parmi les œuvres de l’église de Parme.En 1674 le cardinal Léopold de Médicis, par l’intermédiaire de son émissaire Annibale Ranuzzi, traite sans succès l’achat du tableau et ce n’est qu’en 1698 que Ferdinand III de Médicis réussit à acquérir le tableau et le fit transporter à Florence.En 1799, à la suite des prélèvements napoléoniens, le tableau est emmené à Paris où il demeure jusqu’en 1815.Le tableau est exposé aux Offices depuis 1948.Il existe divers dessins préparatoires dont les principaux sont situés :au Ashmolean Museum d’Oxford ;à la Gallerie dell’Accademia de Venise (n. 378 r e v) ;au département des Arts graphiques du musée du Louvre ;au British Museum de Londres (n. 1978-3-4-6).

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Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

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Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, La_Vierge_au_long_cou.

L’œuvre a été commandée par Elena Baiardi Tagliaferri pour sa chapelle dans l’église Santa Maria dei Servi de Parme par un contrat daté du 23 décembre 1534. Elena est la sœur du cavalier Francesco Baiardo, ami et mécène de Parmigianino, acheteur de son atelier à la mort de l’artiste et possesseur de Cupidon fabriquant son arc.Par contrat, l’artiste s’était engagé, pour une somme de trente trois écus versés d’avance, à réaliser le tableau en cinq mois, avant la Pentecôte de 1535, sous peine de pénalités garanties par hypothèque de sa maison. Néanmoins, le delai fut dépassé et l’œuvre laissée inachevée à cause du départ de l’artiste pour Casalmaggiore, en 1540, où il mourut, laissant le tableau dans son atelier. Le cavalier Baiardi, prit possession de l’atelier de l’artiste dans lequel il inventoria 22 tableaux et 495 dessins.Une cinquantaine de dessins conservés témoignent du long travail préparatoire du Parmesan ; dans un dessin conservé au Louvre, le peintre a ainsi représenté un temple qui, dans le tableau final, sera représenté par un simple fût de colonne.Après quelques années, le tableau fut enfin déposé dans la chapelle en 1542, date indiquée sur une stèle aujourd’hui disparue.À l’occasion de la consécration du retable un texte a été ajoutée sur le gradin de droite (FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMENSIS ABSOLVERE NEQUIVIT) afin de justifier son état inachevé dû à un cas de force majeure.Giorgio Vasari, en 1550, fit allusion au tableau sans s’attarder, tandis que dans la description du diocèse de Parme de 1564, Dalla Torre définit l’œuvre non perfectam (inachevée), mais néanmoins estimée mirae pulchritudinis et excellentiae.Vasari en parle encore dans l’édition de Le Vite de 1568.En 1671, Barri la note encore parmi les œuvres de l’église de Parme.En 1674 le cardinal Léopold de Médicis, par l’intermédiaire de son émissaire Annibale Ranuzzi, traite sans succès l’achat du tableau et ce n’est qu’en 1698 que Ferdinand III de Médicis réussit à acquérir le tableau et le fit transporter à Florence.En 1799, à la suite des prélèvements napoléoniens, le tableau est emmené à Paris où il demeure jusqu’en 1815.Le tableau est exposé aux Offices depuis 1948.Il existe divers dessins préparatoires dont les principaux sont situés :au Ashmolean Museum d’Oxford ;à la Gallerie dell’Accademia de Venise (n. 378 r e v) ;au département des Arts graphiques du musée du Louvre ;au British Museum de Londres (n. 1978-3-4-6).

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Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Comment La_Vierge_au_long_cou explique-t-il sa Histoire?

L’œuvre a été commandée par Elena Baiardi Tagliaferri pour sa chapelle dans l’église Santa Maria dei Servi de Parme par un contrat daté du 23 décembre 1534. Elena est la sœur du cavalier Francesco Baiardo, ami et mécène de Parmigianino, acheteur de son atelier à la mort de l’artiste et possesseur de Cupidon fabriquant son arc.Par contrat, l’artiste s’était engagé, pour une somme de trente trois écus versés d’avance, à réaliser le tableau en cinq mois, avant la Pentecôte de 1535, sous peine de pénalités garanties par hypothèque de sa maison. Néanmoins, le delai fut dépassé et l’œuvre laissée inachevée à cause du départ de l’artiste pour Casalmaggiore, en 1540, où il mourut, laissant le tableau dans son atelier. Le cavalier Baiardi, prit possession de l’atelier de l’artiste dans lequel il inventoria 22 tableaux et 495 dessins.Une cinquantaine de dessins conservés témoignent du long travail préparatoire du Parmesan ; dans un dessin conservé au Louvre, le peintre a ainsi représenté un temple qui, dans le tableau final, sera représenté par un simple fût de colonne.Après quelques années, le tableau fut enfin déposé dans la chapelle en 1542, date indiquée sur une stèle aujourd’hui disparue.À l’occasion de la consécration du retable un texte a été ajoutée sur le gradin de droite (FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMENSIS ABSOLVERE NEQUIVIT) afin de justifier son état inachevé dû à un cas de force majeure.Giorgio Vasari, en 1550, fit allusion au tableau sans s’attarder, tandis que dans la description du diocèse de Parme de 1564, Dalla Torre définit l’œuvre non perfectam (inachevée), mais néanmoins estimée mirae pulchritudinis et excellentiae.Vasari en parle encore dans l’édition de Le Vite de 1568.En 1671, Barri la note encore parmi les œuvres de l’église de Parme.En 1674 le cardinal Léopold de Médicis, par l’intermédiaire de son émissaire Annibale Ranuzzi, traite sans succès l’achat du tableau et ce n’est qu’en 1698 que Ferdinand III de Médicis réussit à acquérir le tableau et le fit transporter à Florence.En 1799, à la suite des prélèvements napoléoniens, le tableau est emmené à Paris où il demeure jusqu’en 1815.Le tableau est exposé aux Offices depuis 1948.Il existe divers dessins préparatoires dont les principaux sont situés :au Ashmolean Museum d’Oxford ;à la Gallerie dell’Accademia de Venise (n. 378 r e v) ;au département des Arts graphiques du musée du Louvre ;au British Museum de Londres (n. 1978-3-4-6).

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

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La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Dans La_Vierge_au_long_cou, comment est discutée la Histoire?

L’œuvre a été commandée par Elena Baiardi Tagliaferri pour sa chapelle dans l’église Santa Maria dei Servi de Parme par un contrat daté du 23 décembre 1534. Elena est la sœur du cavalier Francesco Baiardo, ami et mécène de Parmigianino, acheteur de son atelier à la mort de l’artiste et possesseur de Cupidon fabriquant son arc.Par contrat, l’artiste s’était engagé, pour une somme de trente trois écus versés d’avance, à réaliser le tableau en cinq mois, avant la Pentecôte de 1535, sous peine de pénalités garanties par hypothèque de sa maison. Néanmoins, le delai fut dépassé et l’œuvre laissée inachevée à cause du départ de l’artiste pour Casalmaggiore, en 1540, où il mourut, laissant le tableau dans son atelier. Le cavalier Baiardi, prit possession de l’atelier de l’artiste dans lequel il inventoria 22 tableaux et 495 dessins.Une cinquantaine de dessins conservés témoignent du long travail préparatoire du Parmesan ; dans un dessin conservé au Louvre, le peintre a ainsi représenté un temple qui, dans le tableau final, sera représenté par un simple fût de colonne.Après quelques années, le tableau fut enfin déposé dans la chapelle en 1542, date indiquée sur une stèle aujourd’hui disparue.À l’occasion de la consécration du retable un texte a été ajoutée sur le gradin de droite (FATO PRAEVENTUS F. MAZZOLI PARMENSIS ABSOLVERE NEQUIVIT) afin de justifier son état inachevé dû à un cas de force majeure.Giorgio Vasari, en 1550, fit allusion au tableau sans s’attarder, tandis que dans la description du diocèse de Parme de 1564, Dalla Torre définit l’œuvre non perfectam (inachevée), mais néanmoins estimée mirae pulchritudinis et excellentiae.Vasari en parle encore dans l’édition de Le Vite de 1568.En 1671, Barri la note encore parmi les œuvres de l’église de Parme.En 1674 le cardinal Léopold de Médicis, par l’intermédiaire de son émissaire Annibale Ranuzzi, traite sans succès l’achat du tableau et ce n’est qu’en 1698 que Ferdinand III de Médicis réussit à acquérir le tableau et le fit transporter à Florence.En 1799, à la suite des prélèvements napoléoniens, le tableau est emmené à Paris où il demeure jusqu’en 1815.Le tableau est exposé aux Offices depuis 1948.Il existe divers dessins préparatoires dont les principaux sont situés :au Ashmolean Museum d’Oxford ;à la Gallerie dell’Accademia de Venise (n. 378 r e v) ;au département des Arts graphiques du musée du Louvre ;au British Museum de Londres (n. 1978-3-4-6).

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Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

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Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Concentrez-vous sur La_Vierge_au_long_cou et expliquez la Description et style.

La peinture effectuée sur un panneau de bois de 60 × 73 cm, représente la Vierge richement vêtue, assise sur un haut piédestal, tenant l’Enfant Jésus sur ses genoux.À sa droite à côté de la Vierge se trouvent six anges adorant le Christ. Le visage de l’ange au fond à droite (du point de vue du spectateur) reste inachevé. L’ange situé au milieu de la rangée du bas se penche sur le vase tenu par l’ange à sa droite.Avant la restauration de l’œuvre, cet ange regardait l’Enfant Jésus. Les modifications apportées pendant la restauration sont susceptibles d’avoir modifié ou conforté la peinture originale, laquelle été modifiée au cours de son histoire.Sur la droite (du point de vue du spectateur) de la Vierge se déroule une scène énigmatique, avec une colonne de marbre et la frêle figure de saint Jérôme dont la représentation a été requise par le commanditaire en raison de la connexion du saint avec l’adoration de la Vierge Marie.Parmigianino rompt avec les canons artistiques de la Renaissance. En effet au lieu de distribuer ses personnages symétriquement et par paires égales des deux côtés de la vierge, il rompt avec la tradition et remplit de manière peu orthodoxe l’espace, privilégiant la disproportion, avec d’un côté les grands anges agglutinés et de l’autre l’unique silhouette longiligne du Prophète, dont la petite taille atteint à peine le genou de la Vierge.Il a probablement voulu montrer que la solution classique de parfaite harmonie n’est pas la seule solution envisageable, cherchant délibérément à créer quelque chose de nouveau et inattendu, même au détriment des canons de la beauté « naturelle », mise en place par les grands maîtres de la Renaissance.En cela Parmigianino fait probablement partie des premiers artistes « modernes ».Parmigianino a ainsi construit ses propres concepts artistiques, créant la typique figura serpentinata maniériste. L’Enfant possède un volume important pour un bébé et sa position est instable sur les genoux de Marie comme s’il allait tomber à tout moment. La Vierge a des proportions humaines, sa taille fait deux fois environ celles des anges à sa droite et son pied droit repose sur les coussins qui semblent être épais de seulement quelques centimètres, elle place son pied de telle sorte qu’il semble être de « notre » côté de la toile.Ses mains minces et ses longs doigts ont également conduit le scientifique médical italien Vito Franco de l’université de Palerme à diagnostiquer que le modèle du Parmigianino avait probablement une maladie génétique affectant son tissu conjonctif : le syndrome de Marfan,. Cette hypothèse semble toutefois contestable, au vu des nombreux autres modèles du Parmigianino qui ont pour la plupart mains et doigts longs.

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Expliquer la Description et style de cette œuvre d'art, La_Vierge_au_long_cou.

La peinture effectuée sur un panneau de bois de 60 × 73 cm, représente la Vierge richement vêtue, assise sur un haut piédestal, tenant l’Enfant Jésus sur ses genoux.À sa droite à côté de la Vierge se trouvent six anges adorant le Christ. Le visage de l’ange au fond à droite (du point de vue du spectateur) reste inachevé. L’ange situé au milieu de la rangée du bas se penche sur le vase tenu par l’ange à sa droite.Avant la restauration de l’œuvre, cet ange regardait l’Enfant Jésus. Les modifications apportées pendant la restauration sont susceptibles d’avoir modifié ou conforté la peinture originale, laquelle été modifiée au cours de son histoire.Sur la droite (du point de vue du spectateur) de la Vierge se déroule une scène énigmatique, avec une colonne de marbre et la frêle figure de saint Jérôme dont la représentation a été requise par le commanditaire en raison de la connexion du saint avec l’adoration de la Vierge Marie.Parmigianino rompt avec les canons artistiques de la Renaissance. En effet au lieu de distribuer ses personnages symétriquement et par paires égales des deux côtés de la vierge, il rompt avec la tradition et remplit de manière peu orthodoxe l’espace, privilégiant la disproportion, avec d’un côté les grands anges agglutinés et de l’autre l’unique silhouette longiligne du Prophète, dont la petite taille atteint à peine le genou de la Vierge.Il a probablement voulu montrer que la solution classique de parfaite harmonie n’est pas la seule solution envisageable, cherchant délibérément à créer quelque chose de nouveau et inattendu, même au détriment des canons de la beauté « naturelle », mise en place par les grands maîtres de la Renaissance.En cela Parmigianino fait probablement partie des premiers artistes « modernes ».Parmigianino a ainsi construit ses propres concepts artistiques, créant la typique figura serpentinata maniériste. L’Enfant possède un volume important pour un bébé et sa position est instable sur les genoux de Marie comme s’il allait tomber à tout moment. La Vierge a des proportions humaines, sa taille fait deux fois environ celles des anges à sa droite et son pied droit repose sur les coussins qui semblent être épais de seulement quelques centimètres, elle place son pied de telle sorte qu’il semble être de « notre » côté de la toile.Ses mains minces et ses longs doigts ont également conduit le scientifique médical italien Vito Franco de l’université de Palerme à diagnostiquer que le modèle du Parmigianino avait probablement une maladie génétique affectant son tissu conjonctif : le syndrome de Marfan,. Cette hypothèse semble toutefois contestable, au vu des nombreux autres modèles du Parmigianino qui ont pour la plupart mains et doigts longs.

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Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

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''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Comment La_Vierge_au_long_cou explique-t-il sa Description et style?

La peinture effectuée sur un panneau de bois de 60 × 73 cm, représente la Vierge richement vêtue, assise sur un haut piédestal, tenant l’Enfant Jésus sur ses genoux.À sa droite à côté de la Vierge se trouvent six anges adorant le Christ. Le visage de l’ange au fond à droite (du point de vue du spectateur) reste inachevé. L’ange situé au milieu de la rangée du bas se penche sur le vase tenu par l’ange à sa droite.Avant la restauration de l’œuvre, cet ange regardait l’Enfant Jésus. Les modifications apportées pendant la restauration sont susceptibles d’avoir modifié ou conforté la peinture originale, laquelle été modifiée au cours de son histoire.Sur la droite (du point de vue du spectateur) de la Vierge se déroule une scène énigmatique, avec une colonne de marbre et la frêle figure de saint Jérôme dont la représentation a été requise par le commanditaire en raison de la connexion du saint avec l’adoration de la Vierge Marie.Parmigianino rompt avec les canons artistiques de la Renaissance. En effet au lieu de distribuer ses personnages symétriquement et par paires égales des deux côtés de la vierge, il rompt avec la tradition et remplit de manière peu orthodoxe l’espace, privilégiant la disproportion, avec d’un côté les grands anges agglutinés et de l’autre l’unique silhouette longiligne du Prophète, dont la petite taille atteint à peine le genou de la Vierge.Il a probablement voulu montrer que la solution classique de parfaite harmonie n’est pas la seule solution envisageable, cherchant délibérément à créer quelque chose de nouveau et inattendu, même au détriment des canons de la beauté « naturelle », mise en place par les grands maîtres de la Renaissance.En cela Parmigianino fait probablement partie des premiers artistes « modernes ».Parmigianino a ainsi construit ses propres concepts artistiques, créant la typique figura serpentinata maniériste. L’Enfant possède un volume important pour un bébé et sa position est instable sur les genoux de Marie comme s’il allait tomber à tout moment. La Vierge a des proportions humaines, sa taille fait deux fois environ celles des anges à sa droite et son pied droit repose sur les coussins qui semblent être épais de seulement quelques centimètres, elle place son pied de telle sorte qu’il semble être de « notre » côté de la toile.Ses mains minces et ses longs doigts ont également conduit le scientifique médical italien Vito Franco de l’université de Palerme à diagnostiquer que le modèle du Parmigianino avait probablement une maladie génétique affectant son tissu conjonctif : le syndrome de Marfan,. Cette hypothèse semble toutefois contestable, au vu des nombreux autres modèles du Parmigianino qui ont pour la plupart mains et doigts longs.

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Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

Fichier:Parmigianino Madonna Long Neck - Detail.jpg

''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Vierge_au_long_cou

Prompt: Dans La_Vierge_au_long_cou, comment est discutée la Description et style?

La peinture effectuée sur un panneau de bois de 60 × 73 cm, représente la Vierge richement vêtue, assise sur un haut piédestal, tenant l’Enfant Jésus sur ses genoux.À sa droite à côté de la Vierge se trouvent six anges adorant le Christ. Le visage de l’ange au fond à droite (du point de vue du spectateur) reste inachevé. L’ange situé au milieu de la rangée du bas se penche sur le vase tenu par l’ange à sa droite.Avant la restauration de l’œuvre, cet ange regardait l’Enfant Jésus. Les modifications apportées pendant la restauration sont susceptibles d’avoir modifié ou conforté la peinture originale, laquelle été modifiée au cours de son histoire.Sur la droite (du point de vue du spectateur) de la Vierge se déroule une scène énigmatique, avec une colonne de marbre et la frêle figure de saint Jérôme dont la représentation a été requise par le commanditaire en raison de la connexion du saint avec l’adoration de la Vierge Marie.Parmigianino rompt avec les canons artistiques de la Renaissance. En effet au lieu de distribuer ses personnages symétriquement et par paires égales des deux côtés de la vierge, il rompt avec la tradition et remplit de manière peu orthodoxe l’espace, privilégiant la disproportion, avec d’un côté les grands anges agglutinés et de l’autre l’unique silhouette longiligne du Prophète, dont la petite taille atteint à peine le genou de la Vierge.Il a probablement voulu montrer que la solution classique de parfaite harmonie n’est pas la seule solution envisageable, cherchant délibérément à créer quelque chose de nouveau et inattendu, même au détriment des canons de la beauté « naturelle », mise en place par les grands maîtres de la Renaissance.En cela Parmigianino fait probablement partie des premiers artistes « modernes ».Parmigianino a ainsi construit ses propres concepts artistiques, créant la typique figura serpentinata maniériste. L’Enfant possède un volume important pour un bébé et sa position est instable sur les genoux de Marie comme s’il allait tomber à tout moment. La Vierge a des proportions humaines, sa taille fait deux fois environ celles des anges à sa droite et son pied droit repose sur les coussins qui semblent être épais de seulement quelques centimètres, elle place son pied de telle sorte qu’il semble être de « notre » côté de la toile.Ses mains minces et ses longs doigts ont également conduit le scientifique médical italien Vito Franco de l’université de Palerme à diagnostiquer que le modèle du Parmigianino avait probablement une maladie génétique affectant son tissu conjonctif : le syndrome de Marfan,. Cette hypothèse semble toutefois contestable, au vu des nombreux autres modèles du Parmigianino qui ont pour la plupart mains et doigts longs.

Fichier:Parmigianino - Madonna and Child with the infant Saint John and Saint Jerome.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie des Offices

Fichier:Parmigianino, madonna dal collo lungo, 03.jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Vierge à l'Enfant dans la peinture

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Parmigianino en Italie

Fichier:Parmigianino Madonna Long Neck - Detail.jpg

''La Vierge et l'Enfant avec le petit saint Jean et saint Jérôme'', dessin préparatoire pour ''La Vierge au long cou'' (Louvre).

Catégorie:Jérôme de Stridon dans la peinture


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Concentrez-vous sur La_Femme_à_la_balance et expliquez la abstract.

La Femme à la balance, autrefois également La Peseuse de perles, ou encore La Peseuse d'or, est une huile sur toile (42,5 × 38 cm) du peintre néerlandais du Siècle d'or Johannes Vermeer, exécutée entre 1662 et 1665, et actuellement conservée à la National Gallery of Art de Washington DC.Si l'attitude pleine de recueillement et de retenue de la jeune femme évoque une sérénité absolue dans l'intimité d'un intérieur privé, l'interprétation allégorique du tableau reste sujette à débat, selon la nature exacte des rapports de sens entre les différents éléments de la composition : le miroir sur le mur de gauche, les bijoux et pièces sur la table, le tableau dans le tableau représentant un Jugement dernier, la balance à main (dont les plateaux sont vides), et la grossesse — contestée par certains critiques — de la jeune femme. Celle-ci serait, tantôt une incarnation de la vanité des plaisirs terrestres, tantôt une incarnation du renoncement à ces mêmes plaisirs, et une incitation au respect des valeurs chrétiennes.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

La Femme à la balance, autrefois également La Peseuse de perles, ou encore La Peseuse d'or, est une huile sur toile (42,5 × 38 cm) du peintre néerlandais du Siècle d'or Johannes Vermeer, exécutée entre 1662 et 1665, et actuellement conservée à la National Gallery of Art de Washington DC.Si l'attitude pleine de recueillement et de retenue de la jeune femme évoque une sérénité absolue dans l'intimité d'un intérieur privé, l'interprétation allégorique du tableau reste sujette à débat, selon la nature exacte des rapports de sens entre les différents éléments de la composition : le miroir sur le mur de gauche, les bijoux et pièces sur la table, le tableau dans le tableau représentant un Jugement dernier, la balance à main (dont les plateaux sont vides), et la grossesse — contestée par certains critiques — de la jeune femme. Celle-ci serait, tantôt une incarnation de la vanité des plaisirs terrestres, tantôt une incarnation du renoncement à ces mêmes plaisirs, et une incitation au respect des valeurs chrétiennes.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Comment La_Femme_à_la_balance explique-t-il sa abstract?

La Femme à la balance, autrefois également La Peseuse de perles, ou encore La Peseuse d'or, est une huile sur toile (42,5 × 38 cm) du peintre néerlandais du Siècle d'or Johannes Vermeer, exécutée entre 1662 et 1665, et actuellement conservée à la National Gallery of Art de Washington DC.Si l'attitude pleine de recueillement et de retenue de la jeune femme évoque une sérénité absolue dans l'intimité d'un intérieur privé, l'interprétation allégorique du tableau reste sujette à débat, selon la nature exacte des rapports de sens entre les différents éléments de la composition : le miroir sur le mur de gauche, les bijoux et pièces sur la table, le tableau dans le tableau représentant un Jugement dernier, la balance à main (dont les plateaux sont vides), et la grossesse — contestée par certains critiques — de la jeune femme. Celle-ci serait, tantôt une incarnation de la vanité des plaisirs terrestres, tantôt une incarnation du renoncement à ces mêmes plaisirs, et une incitation au respect des valeurs chrétiennes.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment est discutée la abstract?

La Femme à la balance, autrefois également La Peseuse de perles, ou encore La Peseuse d'or, est une huile sur toile (42,5 × 38 cm) du peintre néerlandais du Siècle d'or Johannes Vermeer, exécutée entre 1662 et 1665, et actuellement conservée à la National Gallery of Art de Washington DC.Si l'attitude pleine de recueillement et de retenue de la jeune femme évoque une sérénité absolue dans l'intimité d'un intérieur privé, l'interprétation allégorique du tableau reste sujette à débat, selon la nature exacte des rapports de sens entre les différents éléments de la composition : le miroir sur le mur de gauche, les bijoux et pièces sur la table, le tableau dans le tableau représentant un Jugement dernier, la balance à main (dont les plateaux sont vides), et la grossesse — contestée par certains critiques — de la jeune femme. Celle-ci serait, tantôt une incarnation de la vanité des plaisirs terrestres, tantôt une incarnation du renoncement à ces mêmes plaisirs, et une incitation au respect des valeurs chrétiennes.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans le contexte de La_Femme_à_la_balance, expliquez la Le point central: la balance, et la structure d'ensemble et la Description et composition.

La composition de La Femme à la balance s'organise autour du point central que constitue le haut du bras vertical de la balance à main, pincée délicatement entre le pouce et l'index de la jeune femme. Les lignes de fuite — obtenues en prolongeant les bords du cadre du miroir à gauche et le rebord de la table à droite — invitent en effet le regard du spectateur à se poser sur les doigts.Les diagonales du tableau se coupent un peu en dessous, au milieu du fléau de la balance. Elles sont soulignées, à gauche par la lumière tombant de la fenêtre sur le mur blanc du fond, qui rejette la partie inférieure dans l'ombre, et à droite par le regard de la jeune femme, concentré sur la balance, ainsi que par la diagonale du cadre du tableau dans le tableau. L'angle inférieur gauche du liseré doré du cadre noir de ce tableau vient d'ailleurs comme effleurer le revers de la main, tandis que les doigts s'illuminent sous l'effet de la lumière du jour, venant de l'autre côté.La balance est en équilibre, et l'analyse microscopique a révélé que ses deux plateaux étaient vides. Le fléau, le rebord inférieur du cadre du tableau dans le tableau, et l'auriculaire de la peseuse dessinent trois horizontales parallèles au milieu de l'œuvre, alors que les deux plateaux de la balance se répartissent symétriquement à gauche et à droite du centre. Tout concourt donc à concentrer le regard autour du mince carré central matérialisé par la balance, qui joue à la fois comme une zone de jonction et de séparation entre les différentes parties du tableau, composé selon une structure géométrique rigoureuse qui le divise en quatre rectangles  équivalents.Cette structure géométrique est mise en évidence, dans le quart supérieur droit de la composition, par la présence sombre du tableau dans le tableau, à quoi répond symétriquement, dans le quart supérieur droit, le rectangle blanc du mur nu. Ce jeu de lignes qui se croisent perpendiculairement en une origine rappelle à Michel Serres l'axe orthonormé de la géométrie cartésienne, qui partage le plan euclidien en quatre quadrants: selon cette perspective, le tableau correspondrait à un certain idéal de l'équilibre classique.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la Le point central: la balance, et la structure d'ensemble concernant la Description et composition de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

La composition de La Femme à la balance s'organise autour du point central que constitue le haut du bras vertical de la balance à main, pincée délicatement entre le pouce et l'index de la jeune femme. Les lignes de fuite — obtenues en prolongeant les bords du cadre du miroir à gauche et le rebord de la table à droite — invitent en effet le regard du spectateur à se poser sur les doigts.Les diagonales du tableau se coupent un peu en dessous, au milieu du fléau de la balance. Elles sont soulignées, à gauche par la lumière tombant de la fenêtre sur le mur blanc du fond, qui rejette la partie inférieure dans l'ombre, et à droite par le regard de la jeune femme, concentré sur la balance, ainsi que par la diagonale du cadre du tableau dans le tableau. L'angle inférieur gauche du liseré doré du cadre noir de ce tableau vient d'ailleurs comme effleurer le revers de la main, tandis que les doigts s'illuminent sous l'effet de la lumière du jour, venant de l'autre côté.La balance est en équilibre, et l'analyse microscopique a révélé que ses deux plateaux étaient vides. Le fléau, le rebord inférieur du cadre du tableau dans le tableau, et l'auriculaire de la peseuse dessinent trois horizontales parallèles au milieu de l'œuvre, alors que les deux plateaux de la balance se répartissent symétriquement à gauche et à droite du centre. Tout concourt donc à concentrer le regard autour du mince carré central matérialisé par la balance, qui joue à la fois comme une zone de jonction et de séparation entre les différentes parties du tableau, composé selon une structure géométrique rigoureuse qui le divise en quatre rectangles  équivalents.Cette structure géométrique est mise en évidence, dans le quart supérieur droit de la composition, par la présence sombre du tableau dans le tableau, à quoi répond symétriquement, dans le quart supérieur droit, le rectangle blanc du mur nu. Ce jeu de lignes qui se croisent perpendiculairement en une origine rappelle à Michel Serres l'axe orthonormé de la géométrie cartésienne, qui partage le plan euclidien en quatre quadrants: selon cette perspective, le tableau correspondrait à un certain idéal de l'équilibre classique.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment la Le point central: la balance, et la structure d'ensemble de la Description et composition est-elle expliquée?

La composition de La Femme à la balance s'organise autour du point central que constitue le haut du bras vertical de la balance à main, pincée délicatement entre le pouce et l'index de la jeune femme. Les lignes de fuite — obtenues en prolongeant les bords du cadre du miroir à gauche et le rebord de la table à droite — invitent en effet le regard du spectateur à se poser sur les doigts.Les diagonales du tableau se coupent un peu en dessous, au milieu du fléau de la balance. Elles sont soulignées, à gauche par la lumière tombant de la fenêtre sur le mur blanc du fond, qui rejette la partie inférieure dans l'ombre, et à droite par le regard de la jeune femme, concentré sur la balance, ainsi que par la diagonale du cadre du tableau dans le tableau. L'angle inférieur gauche du liseré doré du cadre noir de ce tableau vient d'ailleurs comme effleurer le revers de la main, tandis que les doigts s'illuminent sous l'effet de la lumière du jour, venant de l'autre côté.La balance est en équilibre, et l'analyse microscopique a révélé que ses deux plateaux étaient vides. Le fléau, le rebord inférieur du cadre du tableau dans le tableau, et l'auriculaire de la peseuse dessinent trois horizontales parallèles au milieu de l'œuvre, alors que les deux plateaux de la balance se répartissent symétriquement à gauche et à droite du centre. Tout concourt donc à concentrer le regard autour du mince carré central matérialisé par la balance, qui joue à la fois comme une zone de jonction et de séparation entre les différentes parties du tableau, composé selon une structure géométrique rigoureuse qui le divise en quatre rectangles  équivalents.Cette structure géométrique est mise en évidence, dans le quart supérieur droit de la composition, par la présence sombre du tableau dans le tableau, à quoi répond symétriquement, dans le quart supérieur droit, le rectangle blanc du mur nu. Ce jeu de lignes qui se croisent perpendiculairement en une origine rappelle à Michel Serres l'axe orthonormé de la géométrie cartésienne, qui partage le plan euclidien en quatre quadrants: selon cette perspective, le tableau correspondrait à un certain idéal de l'équilibre classique.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le point central: la balance, et la structure d'ensemble dans la Description et composition de La_Femme_à_la_balance.

La composition de La Femme à la balance s'organise autour du point central que constitue le haut du bras vertical de la balance à main, pincée délicatement entre le pouce et l'index de la jeune femme. Les lignes de fuite — obtenues en prolongeant les bords du cadre du miroir à gauche et le rebord de la table à droite — invitent en effet le regard du spectateur à se poser sur les doigts.Les diagonales du tableau se coupent un peu en dessous, au milieu du fléau de la balance. Elles sont soulignées, à gauche par la lumière tombant de la fenêtre sur le mur blanc du fond, qui rejette la partie inférieure dans l'ombre, et à droite par le regard de la jeune femme, concentré sur la balance, ainsi que par la diagonale du cadre du tableau dans le tableau. L'angle inférieur gauche du liseré doré du cadre noir de ce tableau vient d'ailleurs comme effleurer le revers de la main, tandis que les doigts s'illuminent sous l'effet de la lumière du jour, venant de l'autre côté.La balance est en équilibre, et l'analyse microscopique a révélé que ses deux plateaux étaient vides. Le fléau, le rebord inférieur du cadre du tableau dans le tableau, et l'auriculaire de la peseuse dessinent trois horizontales parallèles au milieu de l'œuvre, alors que les deux plateaux de la balance se répartissent symétriquement à gauche et à droite du centre. Tout concourt donc à concentrer le regard autour du mince carré central matérialisé par la balance, qui joue à la fois comme une zone de jonction et de séparation entre les différentes parties du tableau, composé selon une structure géométrique rigoureuse qui le divise en quatre rectangles  équivalents.Cette structure géométrique est mise en évidence, dans le quart supérieur droit de la composition, par la présence sombre du tableau dans le tableau, à quoi répond symétriquement, dans le quart supérieur droit, le rectangle blanc du mur nu. Ce jeu de lignes qui se croisent perpendiculairement en une origine rappelle à Michel Serres l'axe orthonormé de la géométrie cartésienne, qui partage le plan euclidien en quatre quadrants: selon cette perspective, le tableau correspondrait à un certain idéal de l'équilibre classique.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans le contexte de La_Femme_à_la_balance, expliquez la Le quart supérieur gauche : le mur, la fenêtre et le miroir et la Description et composition.

Le quart supérieur gauche du tableau est en grande partie occupé par le mur vide du fond, blanc, uni, « surface de peinture » pure sur laquelle se réfléchit la lumière tombant de la fenêtre, selon une diagonale qui rejette la partie inférieure dans l'ombre. Un clou cependant, près du tableau dans le tableau — approximativement au même endroit que sur le mur du fond de La Laitière —, et, à sa gauche, un minuscule trou dans le plâtre, viennent perturber cette surface lisse, pour la désigner explicitement comme mur.De la fenêtre située dans l'angle de la toile, qui perce le mur de gauche et que masque un long rideau jaune tombant au sol, on n'aperçoit qu'un mince filet vertical blanc (au-dessus de la surface du miroir); le reste est suggéré par l'étoffe jaune du rideau qui s'illumine sous l'effet de la lumière directe en des teintes orangées, et le halo d'un blanc plus cru sur le mur du fond — selon des couleurs similaires à celles utilisées pour les habits de la peseuse, au niveau de son ventre.Sur le mur de gauche, tout comme dans La Laitière et La Femme au collier de perles, est accroché, représenté en raccourci, un miroir dans un cadre sombre, à la hauteur du visage de la jeune femme qui lui fait face. Sa surface réfléchissante est à peine matérialisée par un trait vertical plus clair. Mais, situé perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur, il ne reflète pour lui rien de visible, non plus que pour la jeune femme, toute absorbée à sa pesée, et qui ne s'y contemple pas.Le choix d'une encoignure, courant chez Vermeer, renforce l'atmosphère d'intimité de la scène, d'autant plus que l'ouverture vers l'extérieur est masquée par la présence du rideau, et que le miroir, tourné vers l'espace intérieur de la représentation, ne réfléchit que celui-ci — sans rien révéler au spectateur.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la Le quart supérieur gauche : le mur, la fenêtre et le miroir concernant la Description et composition de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

Le quart supérieur gauche du tableau est en grande partie occupé par le mur vide du fond, blanc, uni, « surface de peinture » pure sur laquelle se réfléchit la lumière tombant de la fenêtre, selon une diagonale qui rejette la partie inférieure dans l'ombre. Un clou cependant, près du tableau dans le tableau — approximativement au même endroit que sur le mur du fond de La Laitière —, et, à sa gauche, un minuscule trou dans le plâtre, viennent perturber cette surface lisse, pour la désigner explicitement comme mur.De la fenêtre située dans l'angle de la toile, qui perce le mur de gauche et que masque un long rideau jaune tombant au sol, on n'aperçoit qu'un mince filet vertical blanc (au-dessus de la surface du miroir); le reste est suggéré par l'étoffe jaune du rideau qui s'illumine sous l'effet de la lumière directe en des teintes orangées, et le halo d'un blanc plus cru sur le mur du fond — selon des couleurs similaires à celles utilisées pour les habits de la peseuse, au niveau de son ventre.Sur le mur de gauche, tout comme dans La Laitière et La Femme au collier de perles, est accroché, représenté en raccourci, un miroir dans un cadre sombre, à la hauteur du visage de la jeune femme qui lui fait face. Sa surface réfléchissante est à peine matérialisée par un trait vertical plus clair. Mais, situé perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur, il ne reflète pour lui rien de visible, non plus que pour la jeune femme, toute absorbée à sa pesée, et qui ne s'y contemple pas.Le choix d'une encoignure, courant chez Vermeer, renforce l'atmosphère d'intimité de la scène, d'autant plus que l'ouverture vers l'extérieur est masquée par la présence du rideau, et que le miroir, tourné vers l'espace intérieur de la représentation, ne réfléchit que celui-ci — sans rien révéler au spectateur.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment la Le quart supérieur gauche : le mur, la fenêtre et le miroir de la Description et composition est-elle expliquée?

Le quart supérieur gauche du tableau est en grande partie occupé par le mur vide du fond, blanc, uni, « surface de peinture » pure sur laquelle se réfléchit la lumière tombant de la fenêtre, selon une diagonale qui rejette la partie inférieure dans l'ombre. Un clou cependant, près du tableau dans le tableau — approximativement au même endroit que sur le mur du fond de La Laitière —, et, à sa gauche, un minuscule trou dans le plâtre, viennent perturber cette surface lisse, pour la désigner explicitement comme mur.De la fenêtre située dans l'angle de la toile, qui perce le mur de gauche et que masque un long rideau jaune tombant au sol, on n'aperçoit qu'un mince filet vertical blanc (au-dessus de la surface du miroir); le reste est suggéré par l'étoffe jaune du rideau qui s'illumine sous l'effet de la lumière directe en des teintes orangées, et le halo d'un blanc plus cru sur le mur du fond — selon des couleurs similaires à celles utilisées pour les habits de la peseuse, au niveau de son ventre.Sur le mur de gauche, tout comme dans La Laitière et La Femme au collier de perles, est accroché, représenté en raccourci, un miroir dans un cadre sombre, à la hauteur du visage de la jeune femme qui lui fait face. Sa surface réfléchissante est à peine matérialisée par un trait vertical plus clair. Mais, situé perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur, il ne reflète pour lui rien de visible, non plus que pour la jeune femme, toute absorbée à sa pesée, et qui ne s'y contemple pas.Le choix d'une encoignure, courant chez Vermeer, renforce l'atmosphère d'intimité de la scène, d'autant plus que l'ouverture vers l'extérieur est masquée par la présence du rideau, et que le miroir, tourné vers l'espace intérieur de la représentation, ne réfléchit que celui-ci — sans rien révéler au spectateur.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

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Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le quart supérieur gauche : le mur, la fenêtre et le miroir dans la Description et composition de La_Femme_à_la_balance.

Le quart supérieur gauche du tableau est en grande partie occupé par le mur vide du fond, blanc, uni, « surface de peinture » pure sur laquelle se réfléchit la lumière tombant de la fenêtre, selon une diagonale qui rejette la partie inférieure dans l'ombre. Un clou cependant, près du tableau dans le tableau — approximativement au même endroit que sur le mur du fond de La Laitière —, et, à sa gauche, un minuscule trou dans le plâtre, viennent perturber cette surface lisse, pour la désigner explicitement comme mur.De la fenêtre située dans l'angle de la toile, qui perce le mur de gauche et que masque un long rideau jaune tombant au sol, on n'aperçoit qu'un mince filet vertical blanc (au-dessus de la surface du miroir); le reste est suggéré par l'étoffe jaune du rideau qui s'illumine sous l'effet de la lumière directe en des teintes orangées, et le halo d'un blanc plus cru sur le mur du fond — selon des couleurs similaires à celles utilisées pour les habits de la peseuse, au niveau de son ventre.Sur le mur de gauche, tout comme dans La Laitière et La Femme au collier de perles, est accroché, représenté en raccourci, un miroir dans un cadre sombre, à la hauteur du visage de la jeune femme qui lui fait face. Sa surface réfléchissante est à peine matérialisée par un trait vertical plus clair. Mais, situé perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur, il ne reflète pour lui rien de visible, non plus que pour la jeune femme, toute absorbée à sa pesée, et qui ne s'y contemple pas.Le choix d'une encoignure, courant chez Vermeer, renforce l'atmosphère d'intimité de la scène, d'autant plus que l'ouverture vers l'extérieur est masquée par la présence du rideau, et que le miroir, tourné vers l'espace intérieur de la représentation, ne réfléchit que celui-ci — sans rien révéler au spectateur.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

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Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans le contexte de La_Femme_à_la_balance, expliquez la Le quart inférieur gauche : la table, le drap et les objets de valeur et la Description et composition.

Le quart inférieur gauche est occupé par une table massive de bois aux pieds tournés, rappelant, entre autres, celle de La Femme au collier de perles, et située perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur (puisque le pied du premier plan masque entièrement celui de derrière). Elle est coupée en plan rapproché, un peu au-dessus du point de contact entre les pieds et le sol, ce qui donne l'impression qu'elle se prolonge devant l'espace de la toile, en s'avançant vers le spectateur. Le pied, situé dans le prolongement de la verticale matérialisée par le bord extérieur gauche du cadre du tableau dans le tableau, renforce la géométrie de la composition, et reprend, en le décalant légèrement vers la gauche, l'écartement des deux verticales tombant du fléau de la balance.La table est occupée, à gauche, par une lourde draperie bleue qui s'appuie le mur et tombe au sol, en dessinant une ligne correspondant à la diagonale montante, comme en écho à la diagonale descendante de la ligne de partage entre l'ombre et la lumière sur le mur blanc.Devant la draperie sont disposés des objets de valeur. Sur le rebord d'un coffret ouvert tapissé de rouge reposent une chaîne d'or à grosses mailles, ainsi qu'un collier de perles, qui accrochent la lumière figurée par des taches claires, jaunes et blanches. Un second coffret, plus petit, et lui aussi ouvert, fait face à la jeune femme. Devant la main gauche de celle-ci repose, à même la table, un autre collier, composé d'un ruban blanc auquel est accrochée une rangée de perles. Devant ce collier se trouve une petite boîte grise, vraisemblablement de métal ouvragé, dont le couvercle est posé sur la table. Au plus près du bord de la table le plus proche du spectateur sont disposées quatre pièces de monnaie, de celles que les changeurs pèsent habituellement avec la balance à main que tient la jeune femme : une grosse pièce d'argent, deux pièces d'or plus petites, et, dans l'angle de la table, une quatrième, peut-être également d'or, mais plus orangée, et au reflet plus mat.Le sol, à peine visible sous l'ombre de la table, présente une alternance de carreaux noirs et blancs, selon un motif récurrent chez Vermeer (par exemple dans Le Concert, La Lettre d'amour ou encore la Femme écrivant une lettre et servante).

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la Le quart inférieur gauche : la table, le drap et les objets de valeur concernant la Description et composition de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

Le quart inférieur gauche est occupé par une table massive de bois aux pieds tournés, rappelant, entre autres, celle de La Femme au collier de perles, et située perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur (puisque le pied du premier plan masque entièrement celui de derrière). Elle est coupée en plan rapproché, un peu au-dessus du point de contact entre les pieds et le sol, ce qui donne l'impression qu'elle se prolonge devant l'espace de la toile, en s'avançant vers le spectateur. Le pied, situé dans le prolongement de la verticale matérialisée par le bord extérieur gauche du cadre du tableau dans le tableau, renforce la géométrie de la composition, et reprend, en le décalant légèrement vers la gauche, l'écartement des deux verticales tombant du fléau de la balance.La table est occupée, à gauche, par une lourde draperie bleue qui s'appuie le mur et tombe au sol, en dessinant une ligne correspondant à la diagonale montante, comme en écho à la diagonale descendante de la ligne de partage entre l'ombre et la lumière sur le mur blanc.Devant la draperie sont disposés des objets de valeur. Sur le rebord d'un coffret ouvert tapissé de rouge reposent une chaîne d'or à grosses mailles, ainsi qu'un collier de perles, qui accrochent la lumière figurée par des taches claires, jaunes et blanches. Un second coffret, plus petit, et lui aussi ouvert, fait face à la jeune femme. Devant la main gauche de celle-ci repose, à même la table, un autre collier, composé d'un ruban blanc auquel est accrochée une rangée de perles. Devant ce collier se trouve une petite boîte grise, vraisemblablement de métal ouvragé, dont le couvercle est posé sur la table. Au plus près du bord de la table le plus proche du spectateur sont disposées quatre pièces de monnaie, de celles que les changeurs pèsent habituellement avec la balance à main que tient la jeune femme : une grosse pièce d'argent, deux pièces d'or plus petites, et, dans l'angle de la table, une quatrième, peut-être également d'or, mais plus orangée, et au reflet plus mat.Le sol, à peine visible sous l'ombre de la table, présente une alternance de carreaux noirs et blancs, selon un motif récurrent chez Vermeer (par exemple dans Le Concert, La Lettre d'amour ou encore la Femme écrivant une lettre et servante).

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment la Le quart inférieur gauche : la table, le drap et les objets de valeur de la Description et composition est-elle expliquée?

Le quart inférieur gauche est occupé par une table massive de bois aux pieds tournés, rappelant, entre autres, celle de La Femme au collier de perles, et située perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur (puisque le pied du premier plan masque entièrement celui de derrière). Elle est coupée en plan rapproché, un peu au-dessus du point de contact entre les pieds et le sol, ce qui donne l'impression qu'elle se prolonge devant l'espace de la toile, en s'avançant vers le spectateur. Le pied, situé dans le prolongement de la verticale matérialisée par le bord extérieur gauche du cadre du tableau dans le tableau, renforce la géométrie de la composition, et reprend, en le décalant légèrement vers la gauche, l'écartement des deux verticales tombant du fléau de la balance.La table est occupée, à gauche, par une lourde draperie bleue qui s'appuie le mur et tombe au sol, en dessinant une ligne correspondant à la diagonale montante, comme en écho à la diagonale descendante de la ligne de partage entre l'ombre et la lumière sur le mur blanc.Devant la draperie sont disposés des objets de valeur. Sur le rebord d'un coffret ouvert tapissé de rouge reposent une chaîne d'or à grosses mailles, ainsi qu'un collier de perles, qui accrochent la lumière figurée par des taches claires, jaunes et blanches. Un second coffret, plus petit, et lui aussi ouvert, fait face à la jeune femme. Devant la main gauche de celle-ci repose, à même la table, un autre collier, composé d'un ruban blanc auquel est accrochée une rangée de perles. Devant ce collier se trouve une petite boîte grise, vraisemblablement de métal ouvragé, dont le couvercle est posé sur la table. Au plus près du bord de la table le plus proche du spectateur sont disposées quatre pièces de monnaie, de celles que les changeurs pèsent habituellement avec la balance à main que tient la jeune femme : une grosse pièce d'argent, deux pièces d'or plus petites, et, dans l'angle de la table, une quatrième, peut-être également d'or, mais plus orangée, et au reflet plus mat.Le sol, à peine visible sous l'ombre de la table, présente une alternance de carreaux noirs et blancs, selon un motif récurrent chez Vermeer (par exemple dans Le Concert, La Lettre d'amour ou encore la Femme écrivant une lettre et servante).

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


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Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le quart inférieur gauche : la table, le drap et les objets de valeur dans la Description et composition de La_Femme_à_la_balance.

Le quart inférieur gauche est occupé par une table massive de bois aux pieds tournés, rappelant, entre autres, celle de La Femme au collier de perles, et située perpendiculairement à l'axe de vision du spectateur (puisque le pied du premier plan masque entièrement celui de derrière). Elle est coupée en plan rapproché, un peu au-dessus du point de contact entre les pieds et le sol, ce qui donne l'impression qu'elle se prolonge devant l'espace de la toile, en s'avançant vers le spectateur. Le pied, situé dans le prolongement de la verticale matérialisée par le bord extérieur gauche du cadre du tableau dans le tableau, renforce la géométrie de la composition, et reprend, en le décalant légèrement vers la gauche, l'écartement des deux verticales tombant du fléau de la balance.La table est occupée, à gauche, par une lourde draperie bleue qui s'appuie le mur et tombe au sol, en dessinant une ligne correspondant à la diagonale montante, comme en écho à la diagonale descendante de la ligne de partage entre l'ombre et la lumière sur le mur blanc.Devant la draperie sont disposés des objets de valeur. Sur le rebord d'un coffret ouvert tapissé de rouge reposent une chaîne d'or à grosses mailles, ainsi qu'un collier de perles, qui accrochent la lumière figurée par des taches claires, jaunes et blanches. Un second coffret, plus petit, et lui aussi ouvert, fait face à la jeune femme. Devant la main gauche de celle-ci repose, à même la table, un autre collier, composé d'un ruban blanc auquel est accrochée une rangée de perles. Devant ce collier se trouve une petite boîte grise, vraisemblablement de métal ouvragé, dont le couvercle est posé sur la table. Au plus près du bord de la table le plus proche du spectateur sont disposées quatre pièces de monnaie, de celles que les changeurs pèsent habituellement avec la balance à main que tient la jeune femme : une grosse pièce d'argent, deux pièces d'or plus petites, et, dans l'angle de la table, une quatrième, peut-être également d'or, mais plus orangée, et au reflet plus mat.Le sol, à peine visible sous l'ombre de la table, présente une alternance de carreaux noirs et blancs, selon un motif récurrent chez Vermeer (par exemple dans Le Concert, La Lettre d'amour ou encore la Femme écrivant une lettre et servante).

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans le contexte de La_Femme_à_la_balance, expliquez la Le tableau dans le tableau et la Description et composition.

Le quart supérieur droit est occupé par un tableau dans le tableau dans un cadre noir à double rainure dorée — plus frappée par la lumière sur la droite que sur la gauche, qui reste dans la pénombre —, et qui représente un Jugement dernier. On s'est interrogé pour savoir si ce tableau était une copie d'une œuvre existante : on a ainsi pu le rapprocher du panneau central d'un triptyque de Jean Bellegambe (vers 1525, Gemäldegalerie (Berlin), Berlin), ou encore, notamment en raison de la position des bras du Christ — que Michel Serres voit comme une inversion du fléau de la balance de la jeune femme  —, d'une composition de Jacob de Backer (vers 1580, Cathédrale Notre-Dame, Anvers), que Vermeer aurait pu posséder en tant que marchand d'art. L'aspect schématique de cette représentation fait cependant plus généralement avancer l'idée qu'il s'agit d'une invention de Vermeer, sans référent identifiable.Ce Jugement dernier est lui-même composé géométriquement, selon un schéma traditionnel. En haut est représenté le monde céleste: au milieu se tient, en majesté, nimbé d'un halo de lumière, le Christ, les mains levées, distinguant les élus des damnés, respectivement à sa droite et à sa gauche. En bas est figuré le monde terrestre, au jour du Jugement dernier: des hommes nus se dressent vers le Ciel, ou implorent à la gauche de l'œuvre (à la droite du Christ, donc), alors qu'à droite, ceux-ci semblent accablés, précipités vers le sol.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

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La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la Le tableau dans le tableau concernant la Description et composition de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

Le quart supérieur droit est occupé par un tableau dans le tableau dans un cadre noir à double rainure dorée — plus frappée par la lumière sur la droite que sur la gauche, qui reste dans la pénombre —, et qui représente un Jugement dernier. On s'est interrogé pour savoir si ce tableau était une copie d'une œuvre existante : on a ainsi pu le rapprocher du panneau central d'un triptyque de Jean Bellegambe (vers 1525, Gemäldegalerie (Berlin), Berlin), ou encore, notamment en raison de la position des bras du Christ — que Michel Serres voit comme une inversion du fléau de la balance de la jeune femme  —, d'une composition de Jacob de Backer (vers 1580, Cathédrale Notre-Dame, Anvers), que Vermeer aurait pu posséder en tant que marchand d'art. L'aspect schématique de cette représentation fait cependant plus généralement avancer l'idée qu'il s'agit d'une invention de Vermeer, sans référent identifiable.Ce Jugement dernier est lui-même composé géométriquement, selon un schéma traditionnel. En haut est représenté le monde céleste: au milieu se tient, en majesté, nimbé d'un halo de lumière, le Christ, les mains levées, distinguant les élus des damnés, respectivement à sa droite et à sa gauche. En bas est figuré le monde terrestre, au jour du Jugement dernier: des hommes nus se dressent vers le Ciel, ou implorent à la gauche de l'œuvre (à la droite du Christ, donc), alors qu'à droite, ceux-ci semblent accablés, précipités vers le sol.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment la Le tableau dans le tableau de la Description et composition est-elle expliquée?

Le quart supérieur droit est occupé par un tableau dans le tableau dans un cadre noir à double rainure dorée — plus frappée par la lumière sur la droite que sur la gauche, qui reste dans la pénombre —, et qui représente un Jugement dernier. On s'est interrogé pour savoir si ce tableau était une copie d'une œuvre existante : on a ainsi pu le rapprocher du panneau central d'un triptyque de Jean Bellegambe (vers 1525, Gemäldegalerie (Berlin), Berlin), ou encore, notamment en raison de la position des bras du Christ — que Michel Serres voit comme une inversion du fléau de la balance de la jeune femme  —, d'une composition de Jacob de Backer (vers 1580, Cathédrale Notre-Dame, Anvers), que Vermeer aurait pu posséder en tant que marchand d'art. L'aspect schématique de cette représentation fait cependant plus généralement avancer l'idée qu'il s'agit d'une invention de Vermeer, sans référent identifiable.Ce Jugement dernier est lui-même composé géométriquement, selon un schéma traditionnel. En haut est représenté le monde céleste: au milieu se tient, en majesté, nimbé d'un halo de lumière, le Christ, les mains levées, distinguant les élus des damnés, respectivement à sa droite et à sa gauche. En bas est figuré le monde terrestre, au jour du Jugement dernier: des hommes nus se dressent vers le Ciel, ou implorent à la gauche de l'œuvre (à la droite du Christ, donc), alors qu'à droite, ceux-ci semblent accablés, précipités vers le sol.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

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Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le tableau dans le tableau dans la Description et composition de La_Femme_à_la_balance.

Le quart supérieur droit est occupé par un tableau dans le tableau dans un cadre noir à double rainure dorée — plus frappée par la lumière sur la droite que sur la gauche, qui reste dans la pénombre —, et qui représente un Jugement dernier. On s'est interrogé pour savoir si ce tableau était une copie d'une œuvre existante : on a ainsi pu le rapprocher du panneau central d'un triptyque de Jean Bellegambe (vers 1525, Gemäldegalerie (Berlin), Berlin), ou encore, notamment en raison de la position des bras du Christ — que Michel Serres voit comme une inversion du fléau de la balance de la jeune femme  —, d'une composition de Jacob de Backer (vers 1580, Cathédrale Notre-Dame, Anvers), que Vermeer aurait pu posséder en tant que marchand d'art. L'aspect schématique de cette représentation fait cependant plus généralement avancer l'idée qu'il s'agit d'une invention de Vermeer, sans référent identifiable.Ce Jugement dernier est lui-même composé géométriquement, selon un schéma traditionnel. En haut est représenté le monde céleste: au milieu se tient, en majesté, nimbé d'un halo de lumière, le Christ, les mains levées, distinguant les élus des damnés, respectivement à sa droite et à sa gauche. En bas est figuré le monde terrestre, au jour du Jugement dernier: des hommes nus se dressent vers le Ciel, ou implorent à la gauche de l'œuvre (à la droite du Christ, donc), alors qu'à droite, ceux-ci semblent accablés, précipités vers le sol.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans le contexte de La_Femme_à_la_balance, expliquez la La jeune femme et la Description et composition.

La jeune femme située devant le tableau dans le tableau semble s'inscrire dans celui-ci, coupée à la poitrine par son cadre. Sa tête, légèrement penchée vers sa gauche, est au centre de ses diagonales, à l'aplomb du Christ, dans l'espace intermédiaire entre la Terre et le Ciel. De son visage, encadré dans un capuchon blanc qui lui couvre les cheveux (à la manière de celui de la Jeune Femme à l'aiguière), émanent un calme et une sérénité absolus. Tout entière à son activité de pesage, elle baisse pudiquement les yeux vers la balance qu'elle tient avec délicatesse entre les doigts. Son front est frappé par la lumière, ce qui révèle la blancheur de sa carnation, à peine rosie sur la pommette.La jeune femme est représentée, coupée au niveau des tibias, dans un cadrage rapproché qui instaure une relation de proximité avec le spectateur. L'espace relativement restreint, par le choix d'un angle de pièce, par la profondeur très réduite qui vient rapidement buter sur le mur du fond, accentuent l'effet d'intimité, de même que le clair-obscur créé par la présence du rideau qui atténue la lumière du jour.Elle porte une large robe de couleur jaune ocre, et une veste d'intérieur, mantelet bleu bordé de fourrure, à coupe ample, dont les manches s'arrêtent juste en dessous des coudes. Les deux bandes de fourrure d'hermine des pans de sa veste, attachées en haut, mais s'écartant légèrement vers la taille, laissent entrevoir un arc de cercle orange que la lumière éclaircit en jaune, et qui est le plus souvent interprété comme la désignation d'une femme enceinte — tout comme La Femme en bleu lisant une lettre. Marieke de Winckel et Arthur Wheelock cependant contestent ce fait, la première en arguant du fait que la maternité n'était pas un sujet retenu par les peintres néerlandai et flamands de cette époque, le second en comparant le tableau de Vermeer à ceux de ses contemporains, pour montrer que la mode vestimentaire de Delft donnait alors aux femmes une silhouette volumineuse, sans qu'elles soient enceintes pour autant.Quant au modèle de Vermeer, son profil régulier, son front haut, son nez droit l'ont fait rapprocher de celui de La Liseuse à la fenêtre et de La Femme en bleu lisant une lettre, ce qui peut faire penser qu'elle appartenait à la maison du peintre. Certains critiques, dont Arthur Wheelock, ont avancé l'idée — cependant impossible à prouver dans la mesure où il n'existe aucun portrait identifié comme tel — qu'il s'agissait de la propre épouse de Vermeer, Catharina.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

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Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Expliquer la La jeune femme concernant la Description et composition de cette œuvre d'art, La_Femme_à_la_balance.

La jeune femme située devant le tableau dans le tableau semble s'inscrire dans celui-ci, coupée à la poitrine par son cadre. Sa tête, légèrement penchée vers sa gauche, est au centre de ses diagonales, à l'aplomb du Christ, dans l'espace intermédiaire entre la Terre et le Ciel. De son visage, encadré dans un capuchon blanc qui lui couvre les cheveux (à la manière de celui de la Jeune Femme à l'aiguière), émanent un calme et une sérénité absolus. Tout entière à son activité de pesage, elle baisse pudiquement les yeux vers la balance qu'elle tient avec délicatesse entre les doigts. Son front est frappé par la lumière, ce qui révèle la blancheur de sa carnation, à peine rosie sur la pommette.La jeune femme est représentée, coupée au niveau des tibias, dans un cadrage rapproché qui instaure une relation de proximité avec le spectateur. L'espace relativement restreint, par le choix d'un angle de pièce, par la profondeur très réduite qui vient rapidement buter sur le mur du fond, accentuent l'effet d'intimité, de même que le clair-obscur créé par la présence du rideau qui atténue la lumière du jour.Elle porte une large robe de couleur jaune ocre, et une veste d'intérieur, mantelet bleu bordé de fourrure, à coupe ample, dont les manches s'arrêtent juste en dessous des coudes. Les deux bandes de fourrure d'hermine des pans de sa veste, attachées en haut, mais s'écartant légèrement vers la taille, laissent entrevoir un arc de cercle orange que la lumière éclaircit en jaune, et qui est le plus souvent interprété comme la désignation d'une femme enceinte — tout comme La Femme en bleu lisant une lettre. Marieke de Winckel et Arthur Wheelock cependant contestent ce fait, la première en arguant du fait que la maternité n'était pas un sujet retenu par les peintres néerlandai et flamands de cette époque, le second en comparant le tableau de Vermeer à ceux de ses contemporains, pour montrer que la mode vestimentaire de Delft donnait alors aux femmes une silhouette volumineuse, sans qu'elles soient enceintes pour autant.Quant au modèle de Vermeer, son profil régulier, son front haut, son nez droit l'ont fait rapprocher de celui de La Liseuse à la fenêtre et de La Femme en bleu lisant une lettre, ce qui peut faire penser qu'elle appartenait à la maison du peintre. Certains critiques, dont Arthur Wheelock, ont avancé l'idée — cependant impossible à prouver dans la mesure où il n'existe aucun portrait identifié comme tel — qu'il s'agissait de la propre épouse de Vermeer, Catharina.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

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Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

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Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

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''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Dans La_Femme_à_la_balance, comment la La jeune femme de la Description et composition est-elle expliquée?

La jeune femme située devant le tableau dans le tableau semble s'inscrire dans celui-ci, coupée à la poitrine par son cadre. Sa tête, légèrement penchée vers sa gauche, est au centre de ses diagonales, à l'aplomb du Christ, dans l'espace intermédiaire entre la Terre et le Ciel. De son visage, encadré dans un capuchon blanc qui lui couvre les cheveux (à la manière de celui de la Jeune Femme à l'aiguière), émanent un calme et une sérénité absolus. Tout entière à son activité de pesage, elle baisse pudiquement les yeux vers la balance qu'elle tient avec délicatesse entre les doigts. Son front est frappé par la lumière, ce qui révèle la blancheur de sa carnation, à peine rosie sur la pommette.La jeune femme est représentée, coupée au niveau des tibias, dans un cadrage rapproché qui instaure une relation de proximité avec le spectateur. L'espace relativement restreint, par le choix d'un angle de pièce, par la profondeur très réduite qui vient rapidement buter sur le mur du fond, accentuent l'effet d'intimité, de même que le clair-obscur créé par la présence du rideau qui atténue la lumière du jour.Elle porte une large robe de couleur jaune ocre, et une veste d'intérieur, mantelet bleu bordé de fourrure, à coupe ample, dont les manches s'arrêtent juste en dessous des coudes. Les deux bandes de fourrure d'hermine des pans de sa veste, attachées en haut, mais s'écartant légèrement vers la taille, laissent entrevoir un arc de cercle orange que la lumière éclaircit en jaune, et qui est le plus souvent interprété comme la désignation d'une femme enceinte — tout comme La Femme en bleu lisant une lettre. Marieke de Winckel et Arthur Wheelock cependant contestent ce fait, la première en arguant du fait que la maternité n'était pas un sujet retenu par les peintres néerlandai et flamands de cette époque, le second en comparant le tableau de Vermeer à ceux de ses contemporains, pour montrer que la mode vestimentaire de Delft donnait alors aux femmes une silhouette volumineuse, sans qu'elles soient enceintes pour autant.Quant au modèle de Vermeer, son profil régulier, son front haut, son nez droit l'ont fait rapprocher de celui de La Liseuse à la fenêtre et de La Femme en bleu lisant une lettre, ce qui peut faire penser qu'elle appartenait à la maison du peintre. Certains critiques, dont Arthur Wheelock, ont avancé l'idée — cependant impossible à prouver dans la mesure où il n'existe aucun portrait identifié comme tel — qu'il s'agissait de la propre épouse de Vermeer, Catharina.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité


La_Femme_à_la_balance

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la La jeune femme dans la Description et composition de La_Femme_à_la_balance.

La jeune femme située devant le tableau dans le tableau semble s'inscrire dans celui-ci, coupée à la poitrine par son cadre. Sa tête, légèrement penchée vers sa gauche, est au centre de ses diagonales, à l'aplomb du Christ, dans l'espace intermédiaire entre la Terre et le Ciel. De son visage, encadré dans un capuchon blanc qui lui couvre les cheveux (à la manière de celui de la Jeune Femme à l'aiguière), émanent un calme et une sérénité absolus. Tout entière à son activité de pesage, elle baisse pudiquement les yeux vers la balance qu'elle tient avec délicatesse entre les doigts. Son front est frappé par la lumière, ce qui révèle la blancheur de sa carnation, à peine rosie sur la pommette.La jeune femme est représentée, coupée au niveau des tibias, dans un cadrage rapproché qui instaure une relation de proximité avec le spectateur. L'espace relativement restreint, par le choix d'un angle de pièce, par la profondeur très réduite qui vient rapidement buter sur le mur du fond, accentuent l'effet d'intimité, de même que le clair-obscur créé par la présence du rideau qui atténue la lumière du jour.Elle porte une large robe de couleur jaune ocre, et une veste d'intérieur, mantelet bleu bordé de fourrure, à coupe ample, dont les manches s'arrêtent juste en dessous des coudes. Les deux bandes de fourrure d'hermine des pans de sa veste, attachées en haut, mais s'écartant légèrement vers la taille, laissent entrevoir un arc de cercle orange que la lumière éclaircit en jaune, et qui est le plus souvent interprété comme la désignation d'une femme enceinte — tout comme La Femme en bleu lisant une lettre. Marieke de Winckel et Arthur Wheelock cependant contestent ce fait, la première en arguant du fait que la maternité n'était pas un sujet retenu par les peintres néerlandai et flamands de cette époque, le second en comparant le tableau de Vermeer à ceux de ses contemporains, pour montrer que la mode vestimentaire de Delft donnait alors aux femmes une silhouette volumineuse, sans qu'elles soient enceintes pour autant.Quant au modèle de Vermeer, son profil régulier, son front haut, son nez droit l'ont fait rapprocher de celui de La Liseuse à la fenêtre et de La Femme en bleu lisant une lettre, ce qui peut faire penser qu'elle appartenait à la maison du peintre. Certains critiques, dont Arthur Wheelock, ont avancé l'idée — cependant impossible à prouver dans la mesure où il n'existe aucun portrait identifié comme tel — qu'il s'agissait de la propre épouse de Vermeer, Catharina.

''Le Concert'', vers 1664-1667, {{Dunité

Fichier:Johannes Vermeer - De melkmeid.jpg

Fichier:Vermeer, Johannes - Woman reading a letter - ca. 1662-1663.jpg

Jean Bellagambe, ''Le Jugement dernier'', vers 1525, {{Dunité

Fichier:Bellegambe The Last Judgment.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Louis Charles Victor de Riquet de Caraman

Catégorie:Œuvre de Johannes Vermeer aux États-Unis

Jacob de Backer, ''Le Jugement dernier'', vers 1580, {{dunité

Catégorie:Jugement dernier dans la peinture

''La Femme au collier de perles'', vers 1662-1665, {{Dunité

cm}}, anciennement [[musée Isabella Stewart Gardner

Pieter de Hooch, ''La Peseuse d'or'' (1659-1662), huile sur toile, {{Dunité