Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre

Prompt: Comment Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre explique-t-il sa abstract?

Les Mangeurs de pommes de terre (en néerlandais, De Aardappeleters) est un tableau de Vincent van Gogh peint en avril 1885 à Nuenen, aux Pays-Bas.D'abord confiée à Théo Van Gogh pour une éventuelle vente, cette huile sur toile fait partie de l'exposition permanente du musée van Gogh à Amsterdam. Le peintre y a consacré de nombreuses études préliminaires. Bien qu'il n'ait rien laissé à ce sujet, il a cherché systématiquement à renouveler la composition et l'expression :« Je sens tellement bien ce tableau que je peux littéralement le voir en rêve. »— Bruce Bernard, Vincent Van Gogh, la passion de voir

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

Image:Peasant and peasant woman planting potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:Van Gogh - Potato planters - KM.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans un panier'', septembre 1885, Amsterdam, {{lang

''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

Image:Still life with a basket of vegetables by Vincent Van Gogh.jpg

''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

:File:Charles de Groux - The blessing.jpg

Image:Peasant woman peeling potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:Woman lifting Potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

Image:Basket of Potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre

Prompt: Dans Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre, comment est discutée la abstract?

Les Mangeurs de pommes de terre (en néerlandais, De Aardappeleters) est un tableau de Vincent van Gogh peint en avril 1885 à Nuenen, aux Pays-Bas.D'abord confiée à Théo Van Gogh pour une éventuelle vente, cette huile sur toile fait partie de l'exposition permanente du musée van Gogh à Amsterdam. Le peintre y a consacré de nombreuses études préliminaires. Bien qu'il n'ait rien laissé à ce sujet, il a cherché systématiquement à renouveler la composition et l'expression :« Je sens tellement bien ce tableau que je peux littéralement le voir en rêve. »— Bruce Bernard, Vincent Van Gogh, la passion de voir

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

Image:Peasant and peasant woman planting potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:Van Gogh - Potato planters - KM.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans un panier'', septembre 1885, Amsterdam, {{lang

''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

Image:Still life with a basket of vegetables by Vincent Van Gogh.jpg

''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

:File:Charles de Groux - The blessing.jpg

Image:Peasant woman peeling potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

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Image:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

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''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre

Prompt: Concentrez-vous sur Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre et expliquez la Composition.

En mars et au début d'avril 1885, van Gogh esquissa des études pour le tableau et correspondit avec son frère Théo, qui n'était pas impressionné par son travail en cours, ni par les croquis que Van Gogh lui avait envoyés à Paris.  Vincent a travaillé sur la peinture du 13 avril au début du mois de mai, date à laquelle elle a été principalement réalisée, à l'exception de modifications mineures qu'il a apportées au pinceau fin plus tard la même année.Van Gogh dit qu'il voulait peindre les paysans tels qu'ils étaient vraiment. Il a délibérément choisi des modèles grossiers et laids, pensant qu'ils seraient naturels et intacts dans son travail fini.Écrivant à sa sœur Willemina deux ans plus tard à Paris, Van Gogh considérait toujours Les Mangeurs de pommes de terre comme son tableau le plus réussi : « Ce que je pense de mon propre travail, c'est que le tableau des paysans mangeant des pommes de terre que j'ai fait à Nuenen est après tout la meilleur chose que j'ai faite ».Ce tableau est une étude sociologique détaillée, un reportage sur la vie des paysans pauvres du sud Brabant à la fin du dix-neuvième siècle.C’est aussi le Journal d’un apprentissage de la couleur, du clair-obscur, une préparation intense.Cependant, l'œuvre fut critiquée par son ami Anthon van Rappard peu de temps après qu'elle eut été peinte. Ce fut un coup porté à la confiance de Van Gogh en tant qu'artiste émergent, et il écrivit à son ami : « Tu n'avais pas le droit de condamner mon travail comme tu l'as fait. » (juillet 1885), et plus tard, « Je suis toujours à faire ce que je ne sais pas encore faire pour apprendre à le faire. » (août 1885)Vincent van Gogh est connu pour avoir admiré le peintre belge Charles de Groux et notamment son œuvre La Bénédiction avant le souper. L'œuvre de De Groux est une représentation solennelle d'une famille paysanne disant la grâce avant le souper. La peinture était étroitement liée aux représentations chrétiennes de la Cène. Les Mangeurs de pommes de terre de Van Gogh ont été inspirés par ce travail de De Groux, et des connotations religieuses similaires peuvent être identifiées dans le travail de Van Gogh,.

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

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''Nature morte avec pommes de terre dans un panier'', septembre 1885, Amsterdam, {{lang

''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

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''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

:File:Charles de Groux - The blessing.jpg

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''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

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''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre

Prompt: Expliquer la Composition de cette œuvre d'art, Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre.

En mars et au début d'avril 1885, van Gogh esquissa des études pour le tableau et correspondit avec son frère Théo, qui n'était pas impressionné par son travail en cours, ni par les croquis que Van Gogh lui avait envoyés à Paris.  Vincent a travaillé sur la peinture du 13 avril au début du mois de mai, date à laquelle elle a été principalement réalisée, à l'exception de modifications mineures qu'il a apportées au pinceau fin plus tard la même année.Van Gogh dit qu'il voulait peindre les paysans tels qu'ils étaient vraiment. Il a délibérément choisi des modèles grossiers et laids, pensant qu'ils seraient naturels et intacts dans son travail fini.Écrivant à sa sœur Willemina deux ans plus tard à Paris, Van Gogh considérait toujours Les Mangeurs de pommes de terre comme son tableau le plus réussi : « Ce que je pense de mon propre travail, c'est que le tableau des paysans mangeant des pommes de terre que j'ai fait à Nuenen est après tout la meilleur chose que j'ai faite ».Ce tableau est une étude sociologique détaillée, un reportage sur la vie des paysans pauvres du sud Brabant à la fin du dix-neuvième siècle.C’est aussi le Journal d’un apprentissage de la couleur, du clair-obscur, une préparation intense.Cependant, l'œuvre fut critiquée par son ami Anthon van Rappard peu de temps après qu'elle eut été peinte. Ce fut un coup porté à la confiance de Van Gogh en tant qu'artiste émergent, et il écrivit à son ami : « Tu n'avais pas le droit de condamner mon travail comme tu l'as fait. » (juillet 1885), et plus tard, « Je suis toujours à faire ce que je ne sais pas encore faire pour apprendre à le faire. » (août 1885)Vincent van Gogh est connu pour avoir admiré le peintre belge Charles de Groux et notamment son œuvre La Bénédiction avant le souper. L'œuvre de De Groux est une représentation solennelle d'une famille paysanne disant la grâce avant le souper. La peinture était étroitement liée aux représentations chrétiennes de la Cène. Les Mangeurs de pommes de terre de Van Gogh ont été inspirés par ce travail de De Groux, et des connotations religieuses similaires peuvent être identifiées dans le travail de Van Gogh,.

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

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''Nature morte avec pommes de terre dans un panier'', septembre 1885, Amsterdam, {{lang

''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

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''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

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''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

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''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre

Prompt: Comment Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre explique-t-il sa Composition?

En mars et au début d'avril 1885, van Gogh esquissa des études pour le tableau et correspondit avec son frère Théo, qui n'était pas impressionné par son travail en cours, ni par les croquis que Van Gogh lui avait envoyés à Paris.  Vincent a travaillé sur la peinture du 13 avril au début du mois de mai, date à laquelle elle a été principalement réalisée, à l'exception de modifications mineures qu'il a apportées au pinceau fin plus tard la même année.Van Gogh dit qu'il voulait peindre les paysans tels qu'ils étaient vraiment. Il a délibérément choisi des modèles grossiers et laids, pensant qu'ils seraient naturels et intacts dans son travail fini.Écrivant à sa sœur Willemina deux ans plus tard à Paris, Van Gogh considérait toujours Les Mangeurs de pommes de terre comme son tableau le plus réussi : « Ce que je pense de mon propre travail, c'est que le tableau des paysans mangeant des pommes de terre que j'ai fait à Nuenen est après tout la meilleur chose que j'ai faite ».Ce tableau est une étude sociologique détaillée, un reportage sur la vie des paysans pauvres du sud Brabant à la fin du dix-neuvième siècle.C’est aussi le Journal d’un apprentissage de la couleur, du clair-obscur, une préparation intense.Cependant, l'œuvre fut critiquée par son ami Anthon van Rappard peu de temps après qu'elle eut été peinte. Ce fut un coup porté à la confiance de Van Gogh en tant qu'artiste émergent, et il écrivit à son ami : « Tu n'avais pas le droit de condamner mon travail comme tu l'as fait. » (juillet 1885), et plus tard, « Je suis toujours à faire ce que je ne sais pas encore faire pour apprendre à le faire. » (août 1885)Vincent van Gogh est connu pour avoir admiré le peintre belge Charles de Groux et notamment son œuvre La Bénédiction avant le souper. L'œuvre de De Groux est une représentation solennelle d'une famille paysanne disant la grâce avant le souper. La peinture était étroitement liée aux représentations chrétiennes de la Cène. Les Mangeurs de pommes de terre de Van Gogh ont été inspirés par ce travail de De Groux, et des connotations religieuses similaires peuvent être identifiées dans le travail de Van Gogh,.

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

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''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

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''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

:File:Charles de Groux - The blessing.jpg

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Image:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

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''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


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Prompt: Dans Les_Mangeurs_de_pommes_de_terre, comment est discutée la Composition?

En mars et au début d'avril 1885, van Gogh esquissa des études pour le tableau et correspondit avec son frère Théo, qui n'était pas impressionné par son travail en cours, ni par les croquis que Van Gogh lui avait envoyés à Paris.  Vincent a travaillé sur la peinture du 13 avril au début du mois de mai, date à laquelle elle a été principalement réalisée, à l'exception de modifications mineures qu'il a apportées au pinceau fin plus tard la même année.Van Gogh dit qu'il voulait peindre les paysans tels qu'ils étaient vraiment. Il a délibérément choisi des modèles grossiers et laids, pensant qu'ils seraient naturels et intacts dans son travail fini.Écrivant à sa sœur Willemina deux ans plus tard à Paris, Van Gogh considérait toujours Les Mangeurs de pommes de terre comme son tableau le plus réussi : « Ce que je pense de mon propre travail, c'est que le tableau des paysans mangeant des pommes de terre que j'ai fait à Nuenen est après tout la meilleur chose que j'ai faite ».Ce tableau est une étude sociologique détaillée, un reportage sur la vie des paysans pauvres du sud Brabant à la fin du dix-neuvième siècle.C’est aussi le Journal d’un apprentissage de la couleur, du clair-obscur, une préparation intense.Cependant, l'œuvre fut critiquée par son ami Anthon van Rappard peu de temps après qu'elle eut été peinte. Ce fut un coup porté à la confiance de Van Gogh en tant qu'artiste émergent, et il écrivit à son ami : « Tu n'avais pas le droit de condamner mon travail comme tu l'as fait. » (juillet 1885), et plus tard, « Je suis toujours à faire ce que je ne sais pas encore faire pour apprendre à le faire. » (août 1885)Vincent van Gogh est connu pour avoir admiré le peintre belge Charles de Groux et notamment son œuvre La Bénédiction avant le souper. L'œuvre de De Groux est une représentation solennelle d'une famille paysanne disant la grâce avant le souper. La peinture était étroitement liée aux représentations chrétiennes de la Cène. Les Mangeurs de pommes de terre de Van Gogh ont été inspirés par ce travail de De Groux, et des connotations religieuses similaires peuvent être identifiées dans le travail de Van Gogh,.

Image:Still Life with an Earthen Bowl and Potatoes by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec légumes dans un panier'', septembre 1885 Landsberch/Lech (Allemagne), collection Anneliese Brand.

''Le Cottage'', 1885. Musée Van Gogh , Amsterdam (F83). Le cottage abritait deux familles, dont l'une était les De Groots, modèles des ''Mangeurs de pommes de terre''<ref>{{lien web

''Les Planteurs de pommes de terre'', août-septembre 1884, [[Musée Kröller-Müller

Rijkmuseum Vincent Van Gogh}}, Fondation Van Gogh.

''Die Kartoffelesser''}}, lithographie de 1885.

''Paysan et paysanne plantant des pommes de terre'', ou ''Le Travail des champs'', avril 1885, {{lang

Catégorie:Œuvre de Vincent van Gogh au musée Van Gogh

Image:Peasant and peasant woman planting potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:Van Gogh - Potato planters - KM.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans un panier'', septembre 1885, Amsterdam, {{lang

''Paysanne arrachant des pommes de terre'', août 1885, Anvers, {{lang

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''Les Mangeurs de pommes de terre'', avril 1885, version définitive. Musée Van-Gogh (s0005V1962).

:File:Charles de Groux - The blessing.jpg

Image:Peasant woman peeling potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:Woman lifting Potatoes by Vincent Van Gogh.jpg

Image:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg

''Nature morte avec pommes de terre dans une écuelle'', septembre 1885, collection privée.

Koninklijk Museum voor Schone Kunsten}}.

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''Paysanne pelant des pommes de terre'', février 1885, collection privée.

Catégorie:Pomme de terre dans la peinture


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Concentrez-vous sur Notre-Dame_de_Vladimir et expliquez la abstract.

La Mère de Dieu de Vladimir, également connue sous les noms de Notre-Dame de Vladimir, Vierge de Vladimir ou Vladimirskaïa (en russe : Владимирская Богоматерь), est une des icônes orthodoxes les plus vénérées de Russie. La Mère de Dieu (en grec Théotokos), la Vierge Marie, est considérée comme la sainte protectrice de la Russie. L'icône est exposée dans la galerie Tretiakov de Moscou (église Saint-Nicolas de Tolmatchi annexe au musée). Sa fête est fixée le 3 juin.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Notre-Dame_de_Vladimir.

La Mère de Dieu de Vladimir, également connue sous les noms de Notre-Dame de Vladimir, Vierge de Vladimir ou Vladimirskaïa (en russe : Владимирская Богоматерь), est une des icônes orthodoxes les plus vénérées de Russie. La Mère de Dieu (en grec Théotokos), la Vierge Marie, est considérée comme la sainte protectrice de la Russie. L'icône est exposée dans la galerie Tretiakov de Moscou (église Saint-Nicolas de Tolmatchi annexe au musée). Sa fête est fixée le 3 juin.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Comment Notre-Dame_de_Vladimir explique-t-il sa abstract?

La Mère de Dieu de Vladimir, également connue sous les noms de Notre-Dame de Vladimir, Vierge de Vladimir ou Vladimirskaïa (en russe : Владимирская Богоматерь), est une des icônes orthodoxes les plus vénérées de Russie. La Mère de Dieu (en grec Théotokos), la Vierge Marie, est considérée comme la sainte protectrice de la Russie. L'icône est exposée dans la galerie Tretiakov de Moscou (église Saint-Nicolas de Tolmatchi annexe au musée). Sa fête est fixée le 3 juin.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Dans Notre-Dame_de_Vladimir, comment est discutée la abstract?

La Mère de Dieu de Vladimir, également connue sous les noms de Notre-Dame de Vladimir, Vierge de Vladimir ou Vladimirskaïa (en russe : Владимирская Богоматерь), est une des icônes orthodoxes les plus vénérées de Russie. La Mère de Dieu (en grec Théotokos), la Vierge Marie, est considérée comme la sainte protectrice de la Russie. L'icône est exposée dans la galerie Tretiakov de Moscou (église Saint-Nicolas de Tolmatchi annexe au musée). Sa fête est fixée le 3 juin.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Concentrez-vous sur Notre-Dame_de_Vladimir et expliquez la Histoire.

Luc Chrysobergès, patriarche de Constantinople, envoya l'icône comme cadeau au grand-prince Youri Dolgorouki de Kiev vers 1131. Cette icône a été réalisée par le peintre Grégoire en utilisant le calque inversé (copie spéculaire) de l'icône de la Vierge, peinte par l'évangéliste saint Luc et qui, selon la tradition de Théodorus lecteur à la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, avait été envoyée avant 439 depuis Jérusalem par Eudoxie, la femme de l'empereur Théodose II, à sainte Pulchérie, la sœur de l'empereur. L'original de saint Luc serait actuellement la partie ronde du visage de l'icône de la Vierge du sanctuaire Montevirgine à Mercogliano en Italie. Il existe d'autres copies de cet original:  La plus ancienne copie et sans doute la plus proche de l’original a été découverte à l’église Sainte-Françoise-Romaine sur le Forum par Pico Cellini en 1950, cette icône peinte à l’encaustique est la copie spéculaire – comme dans un miroir - (idem de celle de Vladimir) exécutée entre 438 et 439 à Constantinople, puis envoyée à la fille de l’empereur Théodose II et d’Eudoxie qui avait épousé l’empereur d’Occident Valentinien III et apportée à Rome sur le Palatin à l'automne 439. La seconde copie est celle de Notre-Dame du Perpétuel Secours aujourd’hui à l’église Saint-Alphonse de Rome, exécutée par le moine saint Lazare qui eut les mains brûlées par ordre de l’empereur iconoclaste Théophile (empereur de 829 à 842) pour avoir peint cette image de la mère de Jésus.La belle icône convoitée par le fils de Youri fut placée dans le monastère Mejihirski à Vichgorod (Vychgorod) jusqu'à ce qu'Andreï Bogolioubsky la portât dans sa ville préférée, Vladimir, en 1155. Lorsque les chevaux qui transportaient l'icône s'arrêtèrent près de Vladimir et refusèrent d'aller plus loin, ceci fut interprété comme un signe que la Theotokos voulait que l'icône reste à Vladimir. L'on fit construire la grande cathédrale de la Dormition pour abriter l'icône et d'autres églises consacrées à la Vierge dans tout le nord-ouest de la Russie.Plus tard, en 1395, l'icône fut transportée de Vladimir dans la nouvelle capitale, Moscou, pour protéger la Russie de l'invasion de Tamerlan. L'endroit où la population et le prince régnant rencontrèrent l'icône fut commémoré par la construction du monastère Sretensky (de la « Rencontre »). Vassili Ier de Moscou passa une nuit à pleurer devant l'icône et les armées de Tamerlan se retirèrent le même jour. Les Moscovites refusèrent alors de restituer l'icône à Vladimir et la placèrent dans la cathédrale de la Dormition du Kremlin de Moscou. Selon la tradition populaire, l'intercession de la Mère de Dieu, à travers l'icône, sauva également Moscou des hordes tatares en 1451 et en 1480.L'icône était vénérée pendant le couronnement des tsars, les élections des patriarches et à l'occasion d'autres cérémonies d'État. La Mère de Dieu de Vladimir était à l'origine une icône-étendard. Sur le bord inférieur subsiste la trace de l'encoche pour la hampe.En octobre-novembre 1917, elle présida lors de l'élection du saint patriarche Tikhon de Moscou.En décembre 1941, alors que les Allemands approchaient de Moscou, Staline aurait ordonné que l'icône fût placée dans un avion qui fît le tour de la capitale assiégée. L'armée allemande commença à se retirer quelques jours après[réf. nécessaire].

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Notre-Dame_de_Vladimir.

Luc Chrysobergès, patriarche de Constantinople, envoya l'icône comme cadeau au grand-prince Youri Dolgorouki de Kiev vers 1131. Cette icône a été réalisée par le peintre Grégoire en utilisant le calque inversé (copie spéculaire) de l'icône de la Vierge, peinte par l'évangéliste saint Luc et qui, selon la tradition de Théodorus lecteur à la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, avait été envoyée avant 439 depuis Jérusalem par Eudoxie, la femme de l'empereur Théodose II, à sainte Pulchérie, la sœur de l'empereur. L'original de saint Luc serait actuellement la partie ronde du visage de l'icône de la Vierge du sanctuaire Montevirgine à Mercogliano en Italie. Il existe d'autres copies de cet original:  La plus ancienne copie et sans doute la plus proche de l’original a été découverte à l’église Sainte-Françoise-Romaine sur le Forum par Pico Cellini en 1950, cette icône peinte à l’encaustique est la copie spéculaire – comme dans un miroir - (idem de celle de Vladimir) exécutée entre 438 et 439 à Constantinople, puis envoyée à la fille de l’empereur Théodose II et d’Eudoxie qui avait épousé l’empereur d’Occident Valentinien III et apportée à Rome sur le Palatin à l'automne 439. La seconde copie est celle de Notre-Dame du Perpétuel Secours aujourd’hui à l’église Saint-Alphonse de Rome, exécutée par le moine saint Lazare qui eut les mains brûlées par ordre de l’empereur iconoclaste Théophile (empereur de 829 à 842) pour avoir peint cette image de la mère de Jésus.La belle icône convoitée par le fils de Youri fut placée dans le monastère Mejihirski à Vichgorod (Vychgorod) jusqu'à ce qu'Andreï Bogolioubsky la portât dans sa ville préférée, Vladimir, en 1155. Lorsque les chevaux qui transportaient l'icône s'arrêtèrent près de Vladimir et refusèrent d'aller plus loin, ceci fut interprété comme un signe que la Theotokos voulait que l'icône reste à Vladimir. L'on fit construire la grande cathédrale de la Dormition pour abriter l'icône et d'autres églises consacrées à la Vierge dans tout le nord-ouest de la Russie.Plus tard, en 1395, l'icône fut transportée de Vladimir dans la nouvelle capitale, Moscou, pour protéger la Russie de l'invasion de Tamerlan. L'endroit où la population et le prince régnant rencontrèrent l'icône fut commémoré par la construction du monastère Sretensky (de la « Rencontre »). Vassili Ier de Moscou passa une nuit à pleurer devant l'icône et les armées de Tamerlan se retirèrent le même jour. Les Moscovites refusèrent alors de restituer l'icône à Vladimir et la placèrent dans la cathédrale de la Dormition du Kremlin de Moscou. Selon la tradition populaire, l'intercession de la Mère de Dieu, à travers l'icône, sauva également Moscou des hordes tatares en 1451 et en 1480.L'icône était vénérée pendant le couronnement des tsars, les élections des patriarches et à l'occasion d'autres cérémonies d'État. La Mère de Dieu de Vladimir était à l'origine une icône-étendard. Sur le bord inférieur subsiste la trace de l'encoche pour la hampe.En octobre-novembre 1917, elle présida lors de l'élection du saint patriarche Tikhon de Moscou.En décembre 1941, alors que les Allemands approchaient de Moscou, Staline aurait ordonné que l'icône fût placée dans un avion qui fît le tour de la capitale assiégée. L'armée allemande commença à se retirer quelques jours après[réf. nécessaire].

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Comment Notre-Dame_de_Vladimir explique-t-il sa Histoire?

Luc Chrysobergès, patriarche de Constantinople, envoya l'icône comme cadeau au grand-prince Youri Dolgorouki de Kiev vers 1131. Cette icône a été réalisée par le peintre Grégoire en utilisant le calque inversé (copie spéculaire) de l'icône de la Vierge, peinte par l'évangéliste saint Luc et qui, selon la tradition de Théodorus lecteur à la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, avait été envoyée avant 439 depuis Jérusalem par Eudoxie, la femme de l'empereur Théodose II, à sainte Pulchérie, la sœur de l'empereur. L'original de saint Luc serait actuellement la partie ronde du visage de l'icône de la Vierge du sanctuaire Montevirgine à Mercogliano en Italie. Il existe d'autres copies de cet original:  La plus ancienne copie et sans doute la plus proche de l’original a été découverte à l’église Sainte-Françoise-Romaine sur le Forum par Pico Cellini en 1950, cette icône peinte à l’encaustique est la copie spéculaire – comme dans un miroir - (idem de celle de Vladimir) exécutée entre 438 et 439 à Constantinople, puis envoyée à la fille de l’empereur Théodose II et d’Eudoxie qui avait épousé l’empereur d’Occident Valentinien III et apportée à Rome sur le Palatin à l'automne 439. La seconde copie est celle de Notre-Dame du Perpétuel Secours aujourd’hui à l’église Saint-Alphonse de Rome, exécutée par le moine saint Lazare qui eut les mains brûlées par ordre de l’empereur iconoclaste Théophile (empereur de 829 à 842) pour avoir peint cette image de la mère de Jésus.La belle icône convoitée par le fils de Youri fut placée dans le monastère Mejihirski à Vichgorod (Vychgorod) jusqu'à ce qu'Andreï Bogolioubsky la portât dans sa ville préférée, Vladimir, en 1155. Lorsque les chevaux qui transportaient l'icône s'arrêtèrent près de Vladimir et refusèrent d'aller plus loin, ceci fut interprété comme un signe que la Theotokos voulait que l'icône reste à Vladimir. L'on fit construire la grande cathédrale de la Dormition pour abriter l'icône et d'autres églises consacrées à la Vierge dans tout le nord-ouest de la Russie.Plus tard, en 1395, l'icône fut transportée de Vladimir dans la nouvelle capitale, Moscou, pour protéger la Russie de l'invasion de Tamerlan. L'endroit où la population et le prince régnant rencontrèrent l'icône fut commémoré par la construction du monastère Sretensky (de la « Rencontre »). Vassili Ier de Moscou passa une nuit à pleurer devant l'icône et les armées de Tamerlan se retirèrent le même jour. Les Moscovites refusèrent alors de restituer l'icône à Vladimir et la placèrent dans la cathédrale de la Dormition du Kremlin de Moscou. Selon la tradition populaire, l'intercession de la Mère de Dieu, à travers l'icône, sauva également Moscou des hordes tatares en 1451 et en 1480.L'icône était vénérée pendant le couronnement des tsars, les élections des patriarches et à l'occasion d'autres cérémonies d'État. La Mère de Dieu de Vladimir était à l'origine une icône-étendard. Sur le bord inférieur subsiste la trace de l'encoche pour la hampe.En octobre-novembre 1917, elle présida lors de l'élection du saint patriarche Tikhon de Moscou.En décembre 1941, alors que les Allemands approchaient de Moscou, Staline aurait ordonné que l'icône fût placée dans un avion qui fît le tour de la capitale assiégée. L'armée allemande commença à se retirer quelques jours après[réf. nécessaire].

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Dans Notre-Dame_de_Vladimir, comment est discutée la Histoire?

Luc Chrysobergès, patriarche de Constantinople, envoya l'icône comme cadeau au grand-prince Youri Dolgorouki de Kiev vers 1131. Cette icône a été réalisée par le peintre Grégoire en utilisant le calque inversé (copie spéculaire) de l'icône de la Vierge, peinte par l'évangéliste saint Luc et qui, selon la tradition de Théodorus lecteur à la basilique Sainte-Sophie de Constantinople, avait été envoyée avant 439 depuis Jérusalem par Eudoxie, la femme de l'empereur Théodose II, à sainte Pulchérie, la sœur de l'empereur. L'original de saint Luc serait actuellement la partie ronde du visage de l'icône de la Vierge du sanctuaire Montevirgine à Mercogliano en Italie. Il existe d'autres copies de cet original:  La plus ancienne copie et sans doute la plus proche de l’original a été découverte à l’église Sainte-Françoise-Romaine sur le Forum par Pico Cellini en 1950, cette icône peinte à l’encaustique est la copie spéculaire – comme dans un miroir - (idem de celle de Vladimir) exécutée entre 438 et 439 à Constantinople, puis envoyée à la fille de l’empereur Théodose II et d’Eudoxie qui avait épousé l’empereur d’Occident Valentinien III et apportée à Rome sur le Palatin à l'automne 439. La seconde copie est celle de Notre-Dame du Perpétuel Secours aujourd’hui à l’église Saint-Alphonse de Rome, exécutée par le moine saint Lazare qui eut les mains brûlées par ordre de l’empereur iconoclaste Théophile (empereur de 829 à 842) pour avoir peint cette image de la mère de Jésus.La belle icône convoitée par le fils de Youri fut placée dans le monastère Mejihirski à Vichgorod (Vychgorod) jusqu'à ce qu'Andreï Bogolioubsky la portât dans sa ville préférée, Vladimir, en 1155. Lorsque les chevaux qui transportaient l'icône s'arrêtèrent près de Vladimir et refusèrent d'aller plus loin, ceci fut interprété comme un signe que la Theotokos voulait que l'icône reste à Vladimir. L'on fit construire la grande cathédrale de la Dormition pour abriter l'icône et d'autres églises consacrées à la Vierge dans tout le nord-ouest de la Russie.Plus tard, en 1395, l'icône fut transportée de Vladimir dans la nouvelle capitale, Moscou, pour protéger la Russie de l'invasion de Tamerlan. L'endroit où la population et le prince régnant rencontrèrent l'icône fut commémoré par la construction du monastère Sretensky (de la « Rencontre »). Vassili Ier de Moscou passa une nuit à pleurer devant l'icône et les armées de Tamerlan se retirèrent le même jour. Les Moscovites refusèrent alors de restituer l'icône à Vladimir et la placèrent dans la cathédrale de la Dormition du Kremlin de Moscou. Selon la tradition populaire, l'intercession de la Mère de Dieu, à travers l'icône, sauva également Moscou des hordes tatares en 1451 et en 1480.L'icône était vénérée pendant le couronnement des tsars, les élections des patriarches et à l'occasion d'autres cérémonies d'État. La Mère de Dieu de Vladimir était à l'origine une icône-étendard. Sur le bord inférieur subsiste la trace de l'encoche pour la hampe.En octobre-novembre 1917, elle présida lors de l'élection du saint patriarche Tikhon de Moscou.En décembre 1941, alors que les Allemands approchaient de Moscou, Staline aurait ordonné que l'icône fût placée dans un avion qui fît le tour de la capitale assiégée. L'armée allemande commença à se retirer quelques jours après[réf. nécessaire].

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Concentrez-vous sur Notre-Dame_de_Vladimir et expliquez la Une icône exceptionnelle.

Plus encore que les icônes les plus célèbres, l'original a été maintes fois copié au cours des siècles, et de nombreuses copies ont acquis une signification artistique et religieuse considérable. L'icône est une version du type Éléousa (Vierge de « Tendresse »), portant l'Enfant-Jésus se blottissant contre la joue maternelle. La Mère incline son visage sur l'enfant qui lève vers elle un visage anxieux. Pourtant elle ne regarde pas l'enfant, mais celui qui regarde l'icône. Ce type est devenu par la suite très populaire.Le maforii, d'un rouge cerise, qui couvre le front et les épaules, est orné de l'Étoile de la Mère de Dieu , l'étoile des vierges de l'Orient antique appelée Spica.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est parfois décrite comme exprimant le sentiment universel de l'amour maternel et l'anxiété vis-à-vis de son enfant. Au XVIe siècle, la Vladimirskaïa — comme l'appellent les Russes — devint objet de légende. La tradition de l'Église affirme que la première icône de la Mère de Dieu fut peinte par saint Luc ce qui a parfois amené à penser que l'icône de Vladimir avait été peinte au Ier siècle par l'évangéliste.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est considérée par les historiens de l'art comme l'icône la plus importante de la période comnénienne d'un point de vue artistique. Elle exprime une humanité et une émotion plus profondes que les œuvres typiques de l'art byzantin de la période précédente. David Talbot Rice affirme, dans la dernière édition de l' Encyclopédie Britannica : « Elle est d'une importance considérable dans l'histoire de la peinture, car il s'agit non seulement d'un travail de très haute qualité, mais également d'une icône plus humaine d'un style nouveau qui anticipe sur la fin du style byzantin qui connut son apogée entre 1204 et 1453 ».Au cours des temps, l'icône a été de nombreuses fois repeinte et restaurée. En 1918, la restauration de main de maître par Tchirikov a fait réapparaître la peinture initiale.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Expliquer la Une icône exceptionnelle de cette œuvre d'art, Notre-Dame_de_Vladimir.

Plus encore que les icônes les plus célèbres, l'original a été maintes fois copié au cours des siècles, et de nombreuses copies ont acquis une signification artistique et religieuse considérable. L'icône est une version du type Éléousa (Vierge de « Tendresse »), portant l'Enfant-Jésus se blottissant contre la joue maternelle. La Mère incline son visage sur l'enfant qui lève vers elle un visage anxieux. Pourtant elle ne regarde pas l'enfant, mais celui qui regarde l'icône. Ce type est devenu par la suite très populaire.Le maforii, d'un rouge cerise, qui couvre le front et les épaules, est orné de l'Étoile de la Mère de Dieu , l'étoile des vierges de l'Orient antique appelée Spica.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est parfois décrite comme exprimant le sentiment universel de l'amour maternel et l'anxiété vis-à-vis de son enfant. Au XVIe siècle, la Vladimirskaïa — comme l'appellent les Russes — devint objet de légende. La tradition de l'Église affirme que la première icône de la Mère de Dieu fut peinte par saint Luc ce qui a parfois amené à penser que l'icône de Vladimir avait été peinte au Ier siècle par l'évangéliste.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est considérée par les historiens de l'art comme l'icône la plus importante de la période comnénienne d'un point de vue artistique. Elle exprime une humanité et une émotion plus profondes que les œuvres typiques de l'art byzantin de la période précédente. David Talbot Rice affirme, dans la dernière édition de l' Encyclopédie Britannica : « Elle est d'une importance considérable dans l'histoire de la peinture, car il s'agit non seulement d'un travail de très haute qualité, mais également d'une icône plus humaine d'un style nouveau qui anticipe sur la fin du style byzantin qui connut son apogée entre 1204 et 1453 ».Au cours des temps, l'icône a été de nombreuses fois repeinte et restaurée. En 1918, la restauration de main de maître par Tchirikov a fait réapparaître la peinture initiale.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Comment Notre-Dame_de_Vladimir explique-t-il sa Une icône exceptionnelle?

Plus encore que les icônes les plus célèbres, l'original a été maintes fois copié au cours des siècles, et de nombreuses copies ont acquis une signification artistique et religieuse considérable. L'icône est une version du type Éléousa (Vierge de « Tendresse »), portant l'Enfant-Jésus se blottissant contre la joue maternelle. La Mère incline son visage sur l'enfant qui lève vers elle un visage anxieux. Pourtant elle ne regarde pas l'enfant, mais celui qui regarde l'icône. Ce type est devenu par la suite très populaire.Le maforii, d'un rouge cerise, qui couvre le front et les épaules, est orné de l'Étoile de la Mère de Dieu , l'étoile des vierges de l'Orient antique appelée Spica.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est parfois décrite comme exprimant le sentiment universel de l'amour maternel et l'anxiété vis-à-vis de son enfant. Au XVIe siècle, la Vladimirskaïa — comme l'appellent les Russes — devint objet de légende. La tradition de l'Église affirme que la première icône de la Mère de Dieu fut peinte par saint Luc ce qui a parfois amené à penser que l'icône de Vladimir avait été peinte au Ier siècle par l'évangéliste.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est considérée par les historiens de l'art comme l'icône la plus importante de la période comnénienne d'un point de vue artistique. Elle exprime une humanité et une émotion plus profondes que les œuvres typiques de l'art byzantin de la période précédente. David Talbot Rice affirme, dans la dernière édition de l' Encyclopédie Britannica : « Elle est d'une importance considérable dans l'histoire de la peinture, car il s'agit non seulement d'un travail de très haute qualité, mais également d'une icône plus humaine d'un style nouveau qui anticipe sur la fin du style byzantin qui connut son apogée entre 1204 et 1453 ».Au cours des temps, l'icône a été de nombreuses fois repeinte et restaurée. En 1918, la restauration de main de maître par Tchirikov a fait réapparaître la peinture initiale.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Dans Notre-Dame_de_Vladimir, comment est discutée la Une icône exceptionnelle?

Plus encore que les icônes les plus célèbres, l'original a été maintes fois copié au cours des siècles, et de nombreuses copies ont acquis une signification artistique et religieuse considérable. L'icône est une version du type Éléousa (Vierge de « Tendresse »), portant l'Enfant-Jésus se blottissant contre la joue maternelle. La Mère incline son visage sur l'enfant qui lève vers elle un visage anxieux. Pourtant elle ne regarde pas l'enfant, mais celui qui regarde l'icône. Ce type est devenu par la suite très populaire.Le maforii, d'un rouge cerise, qui couvre le front et les épaules, est orné de l'Étoile de la Mère de Dieu , l'étoile des vierges de l'Orient antique appelée Spica.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est parfois décrite comme exprimant le sentiment universel de l'amour maternel et l'anxiété vis-à-vis de son enfant. Au XVIe siècle, la Vladimirskaïa — comme l'appellent les Russes — devint objet de légende. La tradition de l'Église affirme que la première icône de la Mère de Dieu fut peinte par saint Luc ce qui a parfois amené à penser que l'icône de Vladimir avait été peinte au Ier siècle par l'évangéliste.L'icône de Notre-Dame de Vladimir est considérée par les historiens de l'art comme l'icône la plus importante de la période comnénienne d'un point de vue artistique. Elle exprime une humanité et une émotion plus profondes que les œuvres typiques de l'art byzantin de la période précédente. David Talbot Rice affirme, dans la dernière édition de l' Encyclopédie Britannica : « Elle est d'une importance considérable dans l'histoire de la peinture, car il s'agit non seulement d'un travail de très haute qualité, mais également d'une icône plus humaine d'un style nouveau qui anticipe sur la fin du style byzantin qui connut son apogée entre 1204 et 1453 ».Au cours des temps, l'icône a été de nombreuses fois repeinte et restaurée. En 1918, la restauration de main de maître par Tchirikov a fait réapparaître la peinture initiale.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Concentrez-vous sur Notre-Dame_de_Vladimir et expliquez la Verso de l'icône.

L'iconographie de la préparation du trône (en grec: hétimassia / ἑτοιμασία) est liée à des conceptions antiques du trône-tabernacle de l'empereur considéré comme un dieu. Ce trône est symbolisé par l'autel recouvert d'une nappe bordée d'une bande bleu foncé.À Byzance, au XIe siècle, les instruments de la Passion du Christ sont ajoutés à l'autel : la couronne d'épines à droite et les quatre clous à gauche. Dressées derrière l'autel, à gauche, une lance et, à droite, une longue branche droite, avec au-dessus l'éponge de vinaigre, qui complètent la composition. Une colombe est posée sur l'évangéliaire. L'ensemble forme une symbolisation concentrée et stylisée du sacrifice du Christ  sur la croix.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Expliquer la Verso de l'icône de cette œuvre d'art, Notre-Dame_de_Vladimir.

L'iconographie de la préparation du trône (en grec: hétimassia / ἑτοιμασία) est liée à des conceptions antiques du trône-tabernacle de l'empereur considéré comme un dieu. Ce trône est symbolisé par l'autel recouvert d'une nappe bordée d'une bande bleu foncé.À Byzance, au XIe siècle, les instruments de la Passion du Christ sont ajoutés à l'autel : la couronne d'épines à droite et les quatre clous à gauche. Dressées derrière l'autel, à gauche, une lance et, à droite, une longue branche droite, avec au-dessus l'éponge de vinaigre, qui complètent la composition. Une colombe est posée sur l'évangéliaire. L'ensemble forme une symbolisation concentrée et stylisée du sacrifice du Christ  sur la croix.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Comment Notre-Dame_de_Vladimir explique-t-il sa Verso de l'icône?

L'iconographie de la préparation du trône (en grec: hétimassia / ἑτοιμασία) est liée à des conceptions antiques du trône-tabernacle de l'empereur considéré comme un dieu. Ce trône est symbolisé par l'autel recouvert d'une nappe bordée d'une bande bleu foncé.À Byzance, au XIe siècle, les instruments de la Passion du Christ sont ajoutés à l'autel : la couronne d'épines à droite et les quatre clous à gauche. Dressées derrière l'autel, à gauche, une lance et, à droite, une longue branche droite, avec au-dessus l'éponge de vinaigre, qui complètent la composition. Une colombe est posée sur l'évangéliaire. L'ensemble forme une symbolisation concentrée et stylisée du sacrifice du Christ  sur la croix.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Dans Notre-Dame_de_Vladimir, comment est discutée la Verso de l'icône?

L'iconographie de la préparation du trône (en grec: hétimassia / ἑτοιμασία) est liée à des conceptions antiques du trône-tabernacle de l'empereur considéré comme un dieu. Ce trône est symbolisé par l'autel recouvert d'une nappe bordée d'une bande bleu foncé.À Byzance, au XIe siècle, les instruments de la Passion du Christ sont ajoutés à l'autel : la couronne d'épines à droite et les quatre clous à gauche. Dressées derrière l'autel, à gauche, une lance et, à droite, une longue branche droite, avec au-dessus l'éponge de vinaigre, qui complètent la composition. Une colombe est posée sur l'évangéliaire. L'ensemble forme une symbolisation concentrée et stylisée du sacrifice du Christ  sur la croix.

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Concentrez-vous sur Notre-Dame_de_Vladimir et expliquez la Source.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Theotokos of Vladimir » (voir la liste des auteurs).Konrad Onasch, Icônes, Genève, René Kister, 1961  Portail de la culture russe   Portail de Moscou   Portail du christianisme orthodoxe

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Expliquer la Source de cette œuvre d'art, Notre-Dame_de_Vladimir.

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Theotokos of Vladimir » (voir la liste des auteurs).Konrad Onasch, Icônes, Genève, René Kister, 1961  Portail de la culture russe   Portail de Moscou   Portail du christianisme orthodoxe

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Comment Notre-Dame_de_Vladimir explique-t-il sa Source?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Theotokos of Vladimir » (voir la liste des auteurs).Konrad Onasch, Icônes, Genève, René Kister, 1961  Portail de la culture russe   Portail de Moscou   Portail du christianisme orthodoxe

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Notre-Dame_de_Vladimir

Prompt: Dans Notre-Dame_de_Vladimir, comment est discutée la Source?

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Theotokos of Vladimir » (voir la liste des auteurs).Konrad Onasch, Icônes, Genève, René Kister, 1961  Portail de la culture russe   Portail de Moscou   Portail du christianisme orthodoxe

Catégorie:Christianisme orthodoxe en Russie

Catégorie:Religion dans l'oblast de Vladimir

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Concentrez-vous sur Carré_noir_sur_fond_blanc et expliquez la abstract.

Le Quadrangle, appelé aussi Quadrilatère, Carré noir ou Carré noir sur fond blanc, est une huile sur toile peinte par Kasimir Malevitch en 1915.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Carré_noir_sur_fond_blanc.

Le Quadrangle, appelé aussi Quadrilatère, Carré noir ou Carré noir sur fond blanc, est une huile sur toile peinte par Kasimir Malevitch en 1915.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Comment Carré_noir_sur_fond_blanc explique-t-il sa abstract?

Le Quadrangle, appelé aussi Quadrilatère, Carré noir ou Carré noir sur fond blanc, est une huile sur toile peinte par Kasimir Malevitch en 1915.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Dans Carré_noir_sur_fond_blanc, comment est discutée la abstract?

Le Quadrangle, appelé aussi Quadrilatère, Carré noir ou Carré noir sur fond blanc, est une huile sur toile peinte par Kasimir Malevitch en 1915.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Concentrez-vous sur Carré_noir_sur_fond_blanc et expliquez la Précurseur.

Dans son ouvrage Arts incohérents, découvertes et nouvelles perspectives, l'expert Johann Naldi explore l'hypothèse d'une connaissance par Kasimir Malevitch du Combat de nègres pendant la nuit, le monochrome de Paul Bilhaud ayant pu constituer l'une des sources probables du Carré noir sur fond blanc. Récemment, l'historien Andrew Spira, diplômé du Courtauld Institute et ancien conservateur au Victoria and Albert Museum de Londres, a également soutenu cette hypothèse en reproduisant dans un essai le tableau de Paul Bilhaud.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Expliquer la Précurseur de cette œuvre d'art, Carré_noir_sur_fond_blanc.

Dans son ouvrage Arts incohérents, découvertes et nouvelles perspectives, l'expert Johann Naldi explore l'hypothèse d'une connaissance par Kasimir Malevitch du Combat de nègres pendant la nuit, le monochrome de Paul Bilhaud ayant pu constituer l'une des sources probables du Carré noir sur fond blanc. Récemment, l'historien Andrew Spira, diplômé du Courtauld Institute et ancien conservateur au Victoria and Albert Museum de Londres, a également soutenu cette hypothèse en reproduisant dans un essai le tableau de Paul Bilhaud.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Comment Carré_noir_sur_fond_blanc explique-t-il sa Précurseur?

Dans son ouvrage Arts incohérents, découvertes et nouvelles perspectives, l'expert Johann Naldi explore l'hypothèse d'une connaissance par Kasimir Malevitch du Combat de nègres pendant la nuit, le monochrome de Paul Bilhaud ayant pu constituer l'une des sources probables du Carré noir sur fond blanc. Récemment, l'historien Andrew Spira, diplômé du Courtauld Institute et ancien conservateur au Victoria and Albert Museum de Londres, a également soutenu cette hypothèse en reproduisant dans un essai le tableau de Paul Bilhaud.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Carré_noir_sur_fond_blanc

Prompt: Dans Carré_noir_sur_fond_blanc, comment est discutée la Précurseur?

Dans son ouvrage Arts incohérents, découvertes et nouvelles perspectives, l'expert Johann Naldi explore l'hypothèse d'une connaissance par Kasimir Malevitch du Combat de nègres pendant la nuit, le monochrome de Paul Bilhaud ayant pu constituer l'une des sources probables du Carré noir sur fond blanc. Récemment, l'historien Andrew Spira, diplômé du Courtauld Institute et ancien conservateur au Victoria and Albert Museum de Londres, a également soutenu cette hypothèse en reproduisant dans un essai le tableau de Paul Bilhaud.

Catégorie:Œuvre de Kasimir Malevitch en Russie

Catégorie:Œuvre conservée à la galerie Tretiakov

Dernière exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro-dix)


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la abstract.

Bacchus et Ariane est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien entre 1520 et 1523. Elle fait partie du cycle de peintures à sujet mythologiques commandé par Alphonse Ier d'Este, duc de Ferrare, pour la chambre d'albâtre de son palazzo de Ferrare.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

Bacchus et Ariane est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien entre 1520 et 1523. Elle fait partie du cycle de peintures à sujet mythologiques commandé par Alphonse Ier d'Este, duc de Ferrare, pour la chambre d'albâtre de son palazzo de Ferrare.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa abstract?

Bacchus et Ariane est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien entre 1520 et 1523. Elle fait partie du cycle de peintures à sujet mythologiques commandé par Alphonse Ier d'Este, duc de Ferrare, pour la chambre d'albâtre de son palazzo de Ferrare.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la abstract?

Bacchus et Ariane est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien entre 1520 et 1523. Elle fait partie du cycle de peintures à sujet mythologiques commandé par Alphonse Ier d'Este, duc de Ferrare, pour la chambre d'albâtre de son palazzo de Ferrare.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la Histoire.

La commande initiale de cette toile avait été faite à Raphaël mais, à la mort de celui-ci en 1520, seul un dessin préliminaire avait été réalisé et la commande passa alors à Titien. Le thème de la peinture est inspiré des œuvres des poètes latins Catulle et Ovide. La toile, œuvre majeure du cycle, est désormais exposée à la National Gallery de Londres. Les autres peintures importantes du cycle sont Le Festin des dieux de Giovanni Bellini (1514, National Gallery of Art de Washington), La Bacchanale des Andriens et L'Offrande à Vénus (1518-1525, toutes deux exposées au musée du Prado à Madrid).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

La commande initiale de cette toile avait été faite à Raphaël mais, à la mort de celui-ci en 1520, seul un dessin préliminaire avait été réalisé et la commande passa alors à Titien. Le thème de la peinture est inspiré des œuvres des poètes latins Catulle et Ovide. La toile, œuvre majeure du cycle, est désormais exposée à la National Gallery de Londres. Les autres peintures importantes du cycle sont Le Festin des dieux de Giovanni Bellini (1514, National Gallery of Art de Washington), La Bacchanale des Andriens et L'Offrande à Vénus (1518-1525, toutes deux exposées au musée du Prado à Madrid).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa Histoire?

La commande initiale de cette toile avait été faite à Raphaël mais, à la mort de celui-ci en 1520, seul un dessin préliminaire avait été réalisé et la commande passa alors à Titien. Le thème de la peinture est inspiré des œuvres des poètes latins Catulle et Ovide. La toile, œuvre majeure du cycle, est désormais exposée à la National Gallery de Londres. Les autres peintures importantes du cycle sont Le Festin des dieux de Giovanni Bellini (1514, National Gallery of Art de Washington), La Bacchanale des Andriens et L'Offrande à Vénus (1518-1525, toutes deux exposées au musée du Prado à Madrid).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la Histoire?

La commande initiale de cette toile avait été faite à Raphaël mais, à la mort de celui-ci en 1520, seul un dessin préliminaire avait été réalisé et la commande passa alors à Titien. Le thème de la peinture est inspiré des œuvres des poètes latins Catulle et Ovide. La toile, œuvre majeure du cycle, est désormais exposée à la National Gallery de Londres. Les autres peintures importantes du cycle sont Le Festin des dieux de Giovanni Bellini (1514, National Gallery of Art de Washington), La Bacchanale des Andriens et L'Offrande à Vénus (1518-1525, toutes deux exposées au musée du Prado à Madrid).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la Description.

Ariane a été abandonnée sur le rivage de l'île de Naxos par son amant Thésée, dont on voit le navire s'éloigner sur la gauche. Elle est découverte par le dieu Bacchus qui mène une procession de ménades et de satyres dans un char tiré par deux guépards (qui étaient des léopards dans le texte originel de Catulle, et dont les modèles ont probablement été les guépards de la ménagerie du duc). Bacchus bondit dans les airs vers Ariane, effrayée, dans l'intention de l'emporter avec lui pour en faire son épouse. Dans le ciel, au-dessus d'Ariane, on voit la couronne que Bacchus vient de jeter et qui est devenu la constellation de la couronne boréale.  La composition est divisée de façon diagonale en deux triangles, l'un de ciel bleu (peint avec le couteux pigment extrait du lapis-lazuli) et incluant Ariane, et l'autre à prédominance de brun et de vert où la suite de Bacchus est lancée dans des danses effrénées. Bacchus, quant à lui, traverse cette diagonale en faisant mouvement vers Ariane. Le suivant de Bacchus autour duquel s'enroulent des serpents est inspiré de la sculpture grecque antique du groupe du Laocoon, alors récemment redécouverte à Rome. L'épagneul King Charles qui aboie au petit satyre est un motif récurrent dans les œuvres de Titien et était probablement un animal de compagnie de la Cour du duc. Dans l'urne d'or en bas à gauche est inscrite la signature de l'artiste (TICIANVS).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

Ariane a été abandonnée sur le rivage de l'île de Naxos par son amant Thésée, dont on voit le navire s'éloigner sur la gauche. Elle est découverte par le dieu Bacchus qui mène une procession de ménades et de satyres dans un char tiré par deux guépards (qui étaient des léopards dans le texte originel de Catulle, et dont les modèles ont probablement été les guépards de la ménagerie du duc). Bacchus bondit dans les airs vers Ariane, effrayée, dans l'intention de l'emporter avec lui pour en faire son épouse. Dans le ciel, au-dessus d'Ariane, on voit la couronne que Bacchus vient de jeter et qui est devenu la constellation de la couronne boréale.  La composition est divisée de façon diagonale en deux triangles, l'un de ciel bleu (peint avec le couteux pigment extrait du lapis-lazuli) et incluant Ariane, et l'autre à prédominance de brun et de vert où la suite de Bacchus est lancée dans des danses effrénées. Bacchus, quant à lui, traverse cette diagonale en faisant mouvement vers Ariane. Le suivant de Bacchus autour duquel s'enroulent des serpents est inspiré de la sculpture grecque antique du groupe du Laocoon, alors récemment redécouverte à Rome. L'épagneul King Charles qui aboie au petit satyre est un motif récurrent dans les œuvres de Titien et était probablement un animal de compagnie de la Cour du duc. Dans l'urne d'or en bas à gauche est inscrite la signature de l'artiste (TICIANVS).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa Description?

Ariane a été abandonnée sur le rivage de l'île de Naxos par son amant Thésée, dont on voit le navire s'éloigner sur la gauche. Elle est découverte par le dieu Bacchus qui mène une procession de ménades et de satyres dans un char tiré par deux guépards (qui étaient des léopards dans le texte originel de Catulle, et dont les modèles ont probablement été les guépards de la ménagerie du duc). Bacchus bondit dans les airs vers Ariane, effrayée, dans l'intention de l'emporter avec lui pour en faire son épouse. Dans le ciel, au-dessus d'Ariane, on voit la couronne que Bacchus vient de jeter et qui est devenu la constellation de la couronne boréale.  La composition est divisée de façon diagonale en deux triangles, l'un de ciel bleu (peint avec le couteux pigment extrait du lapis-lazuli) et incluant Ariane, et l'autre à prédominance de brun et de vert où la suite de Bacchus est lancée dans des danses effrénées. Bacchus, quant à lui, traverse cette diagonale en faisant mouvement vers Ariane. Le suivant de Bacchus autour duquel s'enroulent des serpents est inspiré de la sculpture grecque antique du groupe du Laocoon, alors récemment redécouverte à Rome. L'épagneul King Charles qui aboie au petit satyre est un motif récurrent dans les œuvres de Titien et était probablement un animal de compagnie de la Cour du duc. Dans l'urne d'or en bas à gauche est inscrite la signature de l'artiste (TICIANVS).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la Description?

Ariane a été abandonnée sur le rivage de l'île de Naxos par son amant Thésée, dont on voit le navire s'éloigner sur la gauche. Elle est découverte par le dieu Bacchus qui mène une procession de ménades et de satyres dans un char tiré par deux guépards (qui étaient des léopards dans le texte originel de Catulle, et dont les modèles ont probablement été les guépards de la ménagerie du duc). Bacchus bondit dans les airs vers Ariane, effrayée, dans l'intention de l'emporter avec lui pour en faire son épouse. Dans le ciel, au-dessus d'Ariane, on voit la couronne que Bacchus vient de jeter et qui est devenu la constellation de la couronne boréale.  La composition est divisée de façon diagonale en deux triangles, l'un de ciel bleu (peint avec le couteux pigment extrait du lapis-lazuli) et incluant Ariane, et l'autre à prédominance de brun et de vert où la suite de Bacchus est lancée dans des danses effrénées. Bacchus, quant à lui, traverse cette diagonale en faisant mouvement vers Ariane. Le suivant de Bacchus autour duquel s'enroulent des serpents est inspiré de la sculpture grecque antique du groupe du Laocoon, alors récemment redécouverte à Rome. L'épagneul King Charles qui aboie au petit satyre est un motif récurrent dans les œuvres de Titien et était probablement un animal de compagnie de la Cour du duc. Dans l'urne d'or en bas à gauche est inscrite la signature de l'artiste (TICIANVS).

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la Analyse.

Comme dans Le Triomphe de Galatée de Raphaël, Titien, avec seulement sept personnages, suggère une foule bruyante s'avançant vers Ariane surprise, alors que le mouvement de Bacchus, pris en pleine course, évoque le pouvoir divin de lévitation. Entre les deux personnages, on aperçoit au loin des villages et des côtes paisibles. Dans toute la série, le paysage, aussi important dans la composition que les figures, baigne dans la lumière, non pas un arrière-plan , mais un paysage où sont placés les personnages. Des citations subtiles prouvent que Titien sait ce qui se fait ailleurs en Italie, comme ici le Groupe du Laocoon. Le traitement de la bacchante derrière Bacchus est plein de tendresse dans l'emploi de la lumière et de l'effet moucheté de l'ombre qui passe.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

Comme dans Le Triomphe de Galatée de Raphaël, Titien, avec seulement sept personnages, suggère une foule bruyante s'avançant vers Ariane surprise, alors que le mouvement de Bacchus, pris en pleine course, évoque le pouvoir divin de lévitation. Entre les deux personnages, on aperçoit au loin des villages et des côtes paisibles. Dans toute la série, le paysage, aussi important dans la composition que les figures, baigne dans la lumière, non pas un arrière-plan , mais un paysage où sont placés les personnages. Des citations subtiles prouvent que Titien sait ce qui se fait ailleurs en Italie, comme ici le Groupe du Laocoon. Le traitement de la bacchante derrière Bacchus est plein de tendresse dans l'emploi de la lumière et de l'effet moucheté de l'ombre qui passe.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa Analyse?

Comme dans Le Triomphe de Galatée de Raphaël, Titien, avec seulement sept personnages, suggère une foule bruyante s'avançant vers Ariane surprise, alors que le mouvement de Bacchus, pris en pleine course, évoque le pouvoir divin de lévitation. Entre les deux personnages, on aperçoit au loin des villages et des côtes paisibles. Dans toute la série, le paysage, aussi important dans la composition que les figures, baigne dans la lumière, non pas un arrière-plan , mais un paysage où sont placés les personnages. Des citations subtiles prouvent que Titien sait ce qui se fait ailleurs en Italie, comme ici le Groupe du Laocoon. Le traitement de la bacchante derrière Bacchus est plein de tendresse dans l'emploi de la lumière et de l'effet moucheté de l'ombre qui passe.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la Analyse?

Comme dans Le Triomphe de Galatée de Raphaël, Titien, avec seulement sept personnages, suggère une foule bruyante s'avançant vers Ariane surprise, alors que le mouvement de Bacchus, pris en pleine course, évoque le pouvoir divin de lévitation. Entre les deux personnages, on aperçoit au loin des villages et des côtes paisibles. Dans toute la série, le paysage, aussi important dans la composition que les figures, baigne dans la lumière, non pas un arrière-plan , mais un paysage où sont placés les personnages. Des citations subtiles prouvent que Titien sait ce qui se fait ailleurs en Italie, comme ici le Groupe du Laocoon. Le traitement de la bacchante derrière Bacchus est plein de tendresse dans l'emploi de la lumière et de l'effet moucheté de l'ombre qui passe.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la Restauration.

La toile sur laquelle Bacchus et Ariane a été peinte a été enroulée vers le haut deux fois dans le premier siècle de son existence, avec des conséquences désastreuses pour la peinture. À partir du XIXe siècle, elle a été fréquemment restaurée pour arrêter l'écaillement de la peinture, la dernière et la plus controversée de ces restaurations ayant été celle effectuée à la National Gallery en 1967 et 1968. Quand le vernis décoloré se trouvant directement sur la surface de peinture a été enlevé, une grande partie de la peinture elle-même est partie avec et il a fallu repeindre une partie importante du tableau. Quelques critiques ont alors noté que l'étendue du ciel bleu du côté gauche, un des endroits les plus touchés de la peinture, semble blafarde et sans relief. Il a été également reproché que le déplacement du vernis a affecté l'équilibre tonal de la peinture, puisque Titien avait sans doute ajouté quelques touches subtiles de vernis à la surface de peinture afin d'atténuer certaines des couleurs qui juraient le plus. La National Gallery maintient que c'était une perte inévitable, car les couches accrues de vernis postérieur avaient rendu la peinture brune et boueuse et devaient être enlevées.Pour Philip Ball, la restauration restitue à la toile son caractère original, qui témoignage du goût vénitien pour les couleurs fortes, tandis que les interventions précédentes, à partir de 1806, tendaient à la ramener vers l'esthétique anglaise de teintes atténuées à la Constable.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la Restauration de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

La toile sur laquelle Bacchus et Ariane a été peinte a été enroulée vers le haut deux fois dans le premier siècle de son existence, avec des conséquences désastreuses pour la peinture. À partir du XIXe siècle, elle a été fréquemment restaurée pour arrêter l'écaillement de la peinture, la dernière et la plus controversée de ces restaurations ayant été celle effectuée à la National Gallery en 1967 et 1968. Quand le vernis décoloré se trouvant directement sur la surface de peinture a été enlevé, une grande partie de la peinture elle-même est partie avec et il a fallu repeindre une partie importante du tableau. Quelques critiques ont alors noté que l'étendue du ciel bleu du côté gauche, un des endroits les plus touchés de la peinture, semble blafarde et sans relief. Il a été également reproché que le déplacement du vernis a affecté l'équilibre tonal de la peinture, puisque Titien avait sans doute ajouté quelques touches subtiles de vernis à la surface de peinture afin d'atténuer certaines des couleurs qui juraient le plus. La National Gallery maintient que c'était une perte inévitable, car les couches accrues de vernis postérieur avaient rendu la peinture brune et boueuse et devaient être enlevées.Pour Philip Ball, la restauration restitue à la toile son caractère original, qui témoignage du goût vénitien pour les couleurs fortes, tandis que les interventions précédentes, à partir de 1806, tendaient à la ramener vers l'esthétique anglaise de teintes atténuées à la Constable.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa Restauration?

La toile sur laquelle Bacchus et Ariane a été peinte a été enroulée vers le haut deux fois dans le premier siècle de son existence, avec des conséquences désastreuses pour la peinture. À partir du XIXe siècle, elle a été fréquemment restaurée pour arrêter l'écaillement de la peinture, la dernière et la plus controversée de ces restaurations ayant été celle effectuée à la National Gallery en 1967 et 1968. Quand le vernis décoloré se trouvant directement sur la surface de peinture a été enlevé, une grande partie de la peinture elle-même est partie avec et il a fallu repeindre une partie importante du tableau. Quelques critiques ont alors noté que l'étendue du ciel bleu du côté gauche, un des endroits les plus touchés de la peinture, semble blafarde et sans relief. Il a été également reproché que le déplacement du vernis a affecté l'équilibre tonal de la peinture, puisque Titien avait sans doute ajouté quelques touches subtiles de vernis à la surface de peinture afin d'atténuer certaines des couleurs qui juraient le plus. La National Gallery maintient que c'était une perte inévitable, car les couches accrues de vernis postérieur avaient rendu la peinture brune et boueuse et devaient être enlevées.Pour Philip Ball, la restauration restitue à la toile son caractère original, qui témoignage du goût vénitien pour les couleurs fortes, tandis que les interventions précédentes, à partir de 1806, tendaient à la ramener vers l'esthétique anglaise de teintes atténuées à la Constable.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la Restauration?

La toile sur laquelle Bacchus et Ariane a été peinte a été enroulée vers le haut deux fois dans le premier siècle de son existence, avec des conséquences désastreuses pour la peinture. À partir du XIXe siècle, elle a été fréquemment restaurée pour arrêter l'écaillement de la peinture, la dernière et la plus controversée de ces restaurations ayant été celle effectuée à la National Gallery en 1967 et 1968. Quand le vernis décoloré se trouvant directement sur la surface de peinture a été enlevé, une grande partie de la peinture elle-même est partie avec et il a fallu repeindre une partie importante du tableau. Quelques critiques ont alors noté que l'étendue du ciel bleu du côté gauche, un des endroits les plus touchés de la peinture, semble blafarde et sans relief. Il a été également reproché que le déplacement du vernis a affecté l'équilibre tonal de la peinture, puisque Titien avait sans doute ajouté quelques touches subtiles de vernis à la surface de peinture afin d'atténuer certaines des couleurs qui juraient le plus. La National Gallery maintient que c'était une perte inévitable, car les couches accrues de vernis postérieur avaient rendu la peinture brune et boueuse et devaient être enlevées.Pour Philip Ball, la restauration restitue à la toile son caractère original, qui témoignage du goût vénitien pour les couleurs fortes, tandis que les interventions précédentes, à partir de 1806, tendaient à la ramener vers l'esthétique anglaise de teintes atténuées à la Constable.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Concentrez-vous sur Bacchus_et_Ariane et expliquez la Références culturelles postérieures.

Le poète John Keats fait une allusion à la peinture (qui a été emmenée en Angleterre en 1806) dans Ode to a Nightingale (« Away! away! for I will fly to thee, Not charioted by Bacchus and his pards »).La peinture a été parodiée pour la jaquette de l'album God Shuffled His Feet des Crash Test Dummies, sur laquelle les visages des membres du groupe remplacent ceux de Bacchus et de quatre de ses suivants.La peinture fait partie du musée imaginaire de l'historien français Paul Veyne, qui le décrit dans son ouvrage justement intitulé Mon musée imaginaire.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Expliquer la Références culturelles postérieures de cette œuvre d'art, Bacchus_et_Ariane.

Le poète John Keats fait une allusion à la peinture (qui a été emmenée en Angleterre en 1806) dans Ode to a Nightingale (« Away! away! for I will fly to thee, Not charioted by Bacchus and his pards »).La peinture a été parodiée pour la jaquette de l'album God Shuffled His Feet des Crash Test Dummies, sur laquelle les visages des membres du groupe remplacent ceux de Bacchus et de quatre de ses suivants.La peinture fait partie du musée imaginaire de l'historien français Paul Veyne, qui le décrit dans son ouvrage justement intitulé Mon musée imaginaire.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Comment Bacchus_et_Ariane explique-t-il sa Références culturelles postérieures?

Le poète John Keats fait une allusion à la peinture (qui a été emmenée en Angleterre en 1806) dans Ode to a Nightingale (« Away! away! for I will fly to thee, Not charioted by Bacchus and his pards »).La peinture a été parodiée pour la jaquette de l'album God Shuffled His Feet des Crash Test Dummies, sur laquelle les visages des membres du groupe remplacent ceux de Bacchus et de quatre de ses suivants.La peinture fait partie du musée imaginaire de l'historien français Paul Veyne, qui le décrit dans son ouvrage justement intitulé Mon musée imaginaire.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Bacchus_et_Ariane

Prompt: Dans Bacchus_et_Ariane, comment est discutée la Références culturelles postérieures?

Le poète John Keats fait une allusion à la peinture (qui a été emmenée en Angleterre en 1806) dans Ode to a Nightingale (« Away! away! for I will fly to thee, Not charioted by Bacchus and his pards »).La peinture a été parodiée pour la jaquette de l'album God Shuffled His Feet des Crash Test Dummies, sur laquelle les visages des membres du groupe remplacent ceux de Bacchus et de quatre de ses suivants.La peinture fait partie du musée imaginaire de l'historien français Paul Veyne, qui le décrit dans son ouvrage justement intitulé Mon musée imaginaire.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Dionysos ou Bacchus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Concentrez-vous sur Vénus_d'Urbin et expliquez la abstract.

La Vénus d'Urbin (en italien Venere di Urbino et donc quelquefois Vénus d'Urbino en français) est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien en 1538.La toile, exposée à la galerie des Offices de Florence, fut au départ conçue pour être transportable, selon les vœux d'un noble italien de l'époque (dimensions 119 × 165 cm).Le peintre a alors 50 ans et c'est la première fois qu'on lui passe commande d'un tel nu.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Vénus_d'Urbin.

La Vénus d'Urbin (en italien Venere di Urbino et donc quelquefois Vénus d'Urbino en français) est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien en 1538.La toile, exposée à la galerie des Offices de Florence, fut au départ conçue pour être transportable, selon les vœux d'un noble italien de l'époque (dimensions 119 × 165 cm).Le peintre a alors 50 ans et c'est la première fois qu'on lui passe commande d'un tel nu.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Comment Vénus_d'Urbin explique-t-il sa abstract?

La Vénus d'Urbin (en italien Venere di Urbino et donc quelquefois Vénus d'Urbino en français) est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien en 1538.La toile, exposée à la galerie des Offices de Florence, fut au départ conçue pour être transportable, selon les vœux d'un noble italien de l'époque (dimensions 119 × 165 cm).Le peintre a alors 50 ans et c'est la première fois qu'on lui passe commande d'un tel nu.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Dans Vénus_d'Urbin, comment est discutée la abstract?

La Vénus d'Urbin (en italien Venere di Urbino et donc quelquefois Vénus d'Urbino en français) est une peinture de la Renaissance réalisée par Titien en 1538.La toile, exposée à la galerie des Offices de Florence, fut au départ conçue pour être transportable, selon les vœux d'un noble italien de l'époque (dimensions 119 × 165 cm).Le peintre a alors 50 ans et c'est la première fois qu'on lui passe commande d'un tel nu.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Concentrez-vous sur Vénus_d'Urbin et expliquez la Titre conventionnel.

Le titre conventionnel de l'œuvre, Vénus d'Urbin, est dû à Giorgio Vasari qui, ayant vu le tableau lors d'un voyage à Urbino en 1548, a qualifié la femme nue de « vénus » dans la seconde édition de son grand œuvre, Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes : « Il y a de Titien, dans la garde-robe du duc d'Urbin, deux têtes de femmes très gracieuses ; une Vénus représentée sous la forme d'une jeune femme couchée, tenant des fleurs, et entourée de draperies d'une légèreté et d'un fini extraordinaires ; et une tête de sainte Marie-Madeleine aux cheveux épars, qui est une œuvre remarquable. »— Giorgio Vasari, trad. de l'italien par Léopold Leclanché et Charles Weiss, revue par Véronique Gerard Powell.

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prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Expliquer la Titre conventionnel de cette œuvre d'art, Vénus_d'Urbin.

Le titre conventionnel de l'œuvre, Vénus d'Urbin, est dû à Giorgio Vasari qui, ayant vu le tableau lors d'un voyage à Urbino en 1548, a qualifié la femme nue de « vénus » dans la seconde édition de son grand œuvre, Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes : « Il y a de Titien, dans la garde-robe du duc d'Urbin, deux têtes de femmes très gracieuses ; une Vénus représentée sous la forme d'une jeune femme couchée, tenant des fleurs, et entourée de draperies d'une légèreté et d'un fini extraordinaires ; et une tête de sainte Marie-Madeleine aux cheveux épars, qui est une œuvre remarquable. »— Giorgio Vasari, trad. de l'italien par Léopold Leclanché et Charles Weiss, revue par Véronique Gerard Powell.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Comment Vénus_d'Urbin explique-t-il sa Titre conventionnel?

Le titre conventionnel de l'œuvre, Vénus d'Urbin, est dû à Giorgio Vasari qui, ayant vu le tableau lors d'un voyage à Urbino en 1548, a qualifié la femme nue de « vénus » dans la seconde édition de son grand œuvre, Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes : « Il y a de Titien, dans la garde-robe du duc d'Urbin, deux têtes de femmes très gracieuses ; une Vénus représentée sous la forme d'une jeune femme couchée, tenant des fleurs, et entourée de draperies d'une légèreté et d'un fini extraordinaires ; et une tête de sainte Marie-Madeleine aux cheveux épars, qui est une œuvre remarquable. »— Giorgio Vasari, trad. de l'italien par Léopold Leclanché et Charles Weiss, revue par Véronique Gerard Powell.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Dans Vénus_d'Urbin, comment est discutée la Titre conventionnel?

Le titre conventionnel de l'œuvre, Vénus d'Urbin, est dû à Giorgio Vasari qui, ayant vu le tableau lors d'un voyage à Urbino en 1548, a qualifié la femme nue de « vénus » dans la seconde édition de son grand œuvre, Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes : « Il y a de Titien, dans la garde-robe du duc d'Urbin, deux têtes de femmes très gracieuses ; une Vénus représentée sous la forme d'une jeune femme couchée, tenant des fleurs, et entourée de draperies d'une légèreté et d'un fini extraordinaires ; et une tête de sainte Marie-Madeleine aux cheveux épars, qui est une œuvre remarquable. »— Giorgio Vasari, trad. de l'italien par Léopold Leclanché et Charles Weiss, revue par Véronique Gerard Powell.

Éditions Grasset & Fasquelle#Les Cahiers Rouges

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prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Concentrez-vous sur Vénus_d'Urbin et expliquez la Une œuvre de commande.

Guidobaldo II della Rovere, duc d'Urbino, commande cette toile à Titien,auquel il a, deux ans plus tôt, acheté La Bella (galerie palatine, Florence), portrait du même modèle.Le duc parle, dans une lettre, de donna nuda: on comprend que le sujet mythologique est ici un prétexte à montrer le corps nu de la femme.Cette toile de Titien est sans doute inspirée de la Vénus endormie de Giorgione, la Vénus de Dresde.La femme est allongée, un petit chien à ses pieds. Sa main droite tient quelques roses, sa main gauche est posée, naturelle et pudique, sur son sexe.En arrière-plan, deux servantes, dans un palazzo contemporain de la toile, s’affairent autour d’un cassone.

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Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Expliquer la Une œuvre de commande de cette œuvre d'art, Vénus_d'Urbin.

Guidobaldo II della Rovere, duc d'Urbino, commande cette toile à Titien,auquel il a, deux ans plus tôt, acheté La Bella (galerie palatine, Florence), portrait du même modèle.Le duc parle, dans une lettre, de donna nuda: on comprend que le sujet mythologique est ici un prétexte à montrer le corps nu de la femme.Cette toile de Titien est sans doute inspirée de la Vénus endormie de Giorgione, la Vénus de Dresde.La femme est allongée, un petit chien à ses pieds. Sa main droite tient quelques roses, sa main gauche est posée, naturelle et pudique, sur son sexe.En arrière-plan, deux servantes, dans un palazzo contemporain de la toile, s’affairent autour d’un cassone.

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Vénus_d'Urbin

Prompt: Comment Vénus_d'Urbin explique-t-il sa Une œuvre de commande?

Guidobaldo II della Rovere, duc d'Urbino, commande cette toile à Titien,auquel il a, deux ans plus tôt, acheté La Bella (galerie palatine, Florence), portrait du même modèle.Le duc parle, dans une lettre, de donna nuda: on comprend que le sujet mythologique est ici un prétexte à montrer le corps nu de la femme.Cette toile de Titien est sans doute inspirée de la Vénus endormie de Giorgione, la Vénus de Dresde.La femme est allongée, un petit chien à ses pieds. Sa main droite tient quelques roses, sa main gauche est posée, naturelle et pudique, sur son sexe.En arrière-plan, deux servantes, dans un palazzo contemporain de la toile, s’affairent autour d’un cassone.

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Vénus_d'Urbin

Prompt: Dans Vénus_d'Urbin, comment est discutée la Une œuvre de commande?

Guidobaldo II della Rovere, duc d'Urbino, commande cette toile à Titien,auquel il a, deux ans plus tôt, acheté La Bella (galerie palatine, Florence), portrait du même modèle.Le duc parle, dans une lettre, de donna nuda: on comprend que le sujet mythologique est ici un prétexte à montrer le corps nu de la femme.Cette toile de Titien est sans doute inspirée de la Vénus endormie de Giorgione, la Vénus de Dresde.La femme est allongée, un petit chien à ses pieds. Sa main droite tient quelques roses, sa main gauche est posée, naturelle et pudique, sur son sexe.En arrière-plan, deux servantes, dans un palazzo contemporain de la toile, s’affairent autour d’un cassone.

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Concentrez-vous sur Vénus_d'Urbin et expliquez la Analyse.

La Vénus d’Urbin affirme sans détour sa sensualité et sa séduction dans une œuvre qui montre le naturalisme tout en nuance de Titien. Le peintre révèle encore une fois au spectateur sa capacité à représenter une réalité concrète, un moment et un climat particuliers. Construit sur le modèle de la Vénus de Giorgione, il s'en détache grâce à l'environnement somptueux, aux servantes et surtout au regard de la femme qui se pose sur le spectateur. Ces éléments permettent de briser l'isolement mythique dans lequel Giorgione avait placé son idéal de la beauté.

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Expliquer la Analyse de cette œuvre d'art, Vénus_d'Urbin.

La Vénus d’Urbin affirme sans détour sa sensualité et sa séduction dans une œuvre qui montre le naturalisme tout en nuance de Titien. Le peintre révèle encore une fois au spectateur sa capacité à représenter une réalité concrète, un moment et un climat particuliers. Construit sur le modèle de la Vénus de Giorgione, il s'en détache grâce à l'environnement somptueux, aux servantes et surtout au regard de la femme qui se pose sur le spectateur. Ces éléments permettent de briser l'isolement mythique dans lequel Giorgione avait placé son idéal de la beauté.

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Vénus_d'Urbin

Prompt: Comment Vénus_d'Urbin explique-t-il sa Analyse?

La Vénus d’Urbin affirme sans détour sa sensualité et sa séduction dans une œuvre qui montre le naturalisme tout en nuance de Titien. Le peintre révèle encore une fois au spectateur sa capacité à représenter une réalité concrète, un moment et un climat particuliers. Construit sur le modèle de la Vénus de Giorgione, il s'en détache grâce à l'environnement somptueux, aux servantes et surtout au regard de la femme qui se pose sur le spectateur. Ces éléments permettent de briser l'isolement mythique dans lequel Giorgione avait placé son idéal de la beauté.

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prétexte à montrer le corps nu de la femme

Catégorie:Œuvre de Titien à la galerie des Offices

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture


Vénus_d'Urbin

Prompt: Dans Vénus_d'Urbin, comment est discutée la Analyse?

La Vénus d’Urbin affirme sans détour sa sensualité et sa séduction dans une œuvre qui montre le naturalisme tout en nuance de Titien. Le peintre révèle encore une fois au spectateur sa capacité à représenter une réalité concrète, un moment et un climat particuliers. Construit sur le modèle de la Vénus de Giorgione, il s'en détache grâce à l'environnement somptueux, aux servantes et surtout au regard de la femme qui se pose sur le spectateur. Ces éléments permettent de briser l'isolement mythique dans lequel Giorgione avait placé son idéal de la beauté.

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Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes

prétexte à montrer le corps nu de la femme

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