Portrait_de_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Comment Portrait_de_Ginevra_de'_Benci explique-t-il sa Analyse?

Le tableau a été interprété de deux façons différentes. Il a longtemps été considéré comme un tableau de noce commandé au moment du mariage de Ginevra Benci, à l’âge de dix-sept ans. Mais comme le reconnaît Pietro C. Marani, le modèle semble plus âgé. Désormais, on y voit une commande de Bernardo Bembo, ambassadeur de Venise à Florence en 1475-1476 puis entre 1478 et 1480, et amoureux platonique de Ginevra. Il avait d’ailleurs commandé à deux lettrés florentins, Cristoforo Landino, traducteur de Pline l'Ancien et commentateur de Virgile, et Alessandro Bracessi, un poème célébrant la vertu de Ginevra. Des analyses récentes ont montré que l’inscription prévue initialement au dos du tableau était « virtus et honor », la devise personnelle de Bernardo Bembo, et non « virtutem forma decorat ». Si l’on admet que le tableau est une commande de Bernardo Bembo, le contraste entre l’immobilité du visage et le monde de reflets et d’éclats du paysage peut symboliser la présence éternelle de l’être aimé, dans un monde toujours changeant.Quelle que soit l’hypothèse retenue, c’est une œuvre précoce de Léonard, datée entre 1474 et 1476.Comme le rappelle Cécile Scailliérez, on est encore dans « la tradition du portrait statique et réservé ». Le modèle n’a ni la vivacité de la Dame à l'hermine, ni le mystère de la Joconde, mais il impressionne par sa monumentalité et la précision des détails.On peut y déceler deux influences. D’abord, celle de son maître, Andréa Verrocchio, auteur d’un buste, la Dame au Bouquet, dont Léonard a sans doute repris la pose. On peut en effet reconstituer la partie manquante du tableau grâce à un dessin à la mine d’argent de Léonard conservé à Windsor : mains croisées tenant, soit un bouquet de fleurs, soit une bague de fiançailles. L’impassibilité du visage de Ginevra et la sévérité du modèle de Verrocchio témoignent aussi d’une parenté stylistique. Ensuite, l’influence de la peinture flamande ; l’art du portrait flamand était admiré en Italie depuis les années 1440, comme en témoignent les commandes par des riches marchands italiens à Jan Van Eyck (Les Époux Arnolfini) et Hugo van der Goes (Triptyque Portinari). Les effets de lumière sur les boucles, le modelé du visage, travaillé à la main pour accentuer la ressemblance avec l'épiderme, le fini et l’éclat du paysage reflètent cette inspiration.Le tableau nous frappe par la richesse de son chromatisme (d’autant plus que notre vision de la Joconde est altérée par le noircissement des vernis et que le fond de la Dame à l’Hermine a été repeint tardivement), « une atmosphère de couleurs mélodieuses et de lumière magique ».La présence d'une empreinte digitale laissée par Léonard sur la surface de la peinture, en noir directement à droite de la bouche du modèle parmi les rameaux du buisson, indique que le peintre a utilisé ses doigts, en plus des pinceaux, pour fondre les couleurs et créer des contours adoucis.

Image:Ginevra benci with hands collage.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Image:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG

Image:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Collage avec l'étude des mains, comparé à la Joconde

Le dos du tableau avec la devise ''Virtutem forma decorat''


Portrait_de_Ginevra_de'_Benci

Prompt: Dans Portrait_de_Ginevra_de'_Benci, comment est discutée la Analyse?

Le tableau a été interprété de deux façons différentes. Il a longtemps été considéré comme un tableau de noce commandé au moment du mariage de Ginevra Benci, à l’âge de dix-sept ans. Mais comme le reconnaît Pietro C. Marani, le modèle semble plus âgé. Désormais, on y voit une commande de Bernardo Bembo, ambassadeur de Venise à Florence en 1475-1476 puis entre 1478 et 1480, et amoureux platonique de Ginevra. Il avait d’ailleurs commandé à deux lettrés florentins, Cristoforo Landino, traducteur de Pline l'Ancien et commentateur de Virgile, et Alessandro Bracessi, un poème célébrant la vertu de Ginevra. Des analyses récentes ont montré que l’inscription prévue initialement au dos du tableau était « virtus et honor », la devise personnelle de Bernardo Bembo, et non « virtutem forma decorat ». Si l’on admet que le tableau est une commande de Bernardo Bembo, le contraste entre l’immobilité du visage et le monde de reflets et d’éclats du paysage peut symboliser la présence éternelle de l’être aimé, dans un monde toujours changeant.Quelle que soit l’hypothèse retenue, c’est une œuvre précoce de Léonard, datée entre 1474 et 1476.Comme le rappelle Cécile Scailliérez, on est encore dans « la tradition du portrait statique et réservé ». Le modèle n’a ni la vivacité de la Dame à l'hermine, ni le mystère de la Joconde, mais il impressionne par sa monumentalité et la précision des détails.On peut y déceler deux influences. D’abord, celle de son maître, Andréa Verrocchio, auteur d’un buste, la Dame au Bouquet, dont Léonard a sans doute repris la pose. On peut en effet reconstituer la partie manquante du tableau grâce à un dessin à la mine d’argent de Léonard conservé à Windsor : mains croisées tenant, soit un bouquet de fleurs, soit une bague de fiançailles. L’impassibilité du visage de Ginevra et la sévérité du modèle de Verrocchio témoignent aussi d’une parenté stylistique. Ensuite, l’influence de la peinture flamande ; l’art du portrait flamand était admiré en Italie depuis les années 1440, comme en témoignent les commandes par des riches marchands italiens à Jan Van Eyck (Les Époux Arnolfini) et Hugo van der Goes (Triptyque Portinari). Les effets de lumière sur les boucles, le modelé du visage, travaillé à la main pour accentuer la ressemblance avec l'épiderme, le fini et l’éclat du paysage reflètent cette inspiration.Le tableau nous frappe par la richesse de son chromatisme (d’autant plus que notre vision de la Joconde est altérée par le noircissement des vernis et que le fond de la Dame à l’Hermine a été repeint tardivement), « une atmosphère de couleurs mélodieuses et de lumière magique ».La présence d'une empreinte digitale laissée par Léonard sur la surface de la peinture, en noir directement à droite de la bouche du modèle parmi les rameaux du buisson, indique que le peintre a utilisé ses doigts, en plus des pinceaux, pour fondre les couleurs et créer des contours adoucis.

Image:Ginevra benci with hands collage.jpg

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery of Art

Image:National gallery in washington d.c., leonardo da vinci, verso del ritratto di ginevra de' benci.JPG

Image:Hands Leonardo (Windsor Castle).jpg

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Collage avec l'étude des mains, comparé à la Joconde

Le dos du tableau avec la devise ''Virtutem forma decorat''


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Concentrez-vous sur Amour_sacré_et_Amour_profane et expliquez la abstract.

Amour sacré et Amour profane (Amor sacro e Amor profano) est un tableau de Titien (1488-1576) peint en 1514 représentant deux femmes assises sur un bassin.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

Amour sacré et Amour profane (Amor sacro e Amor profano) est un tableau de Titien (1488-1576) peint en 1514 représentant deux femmes assises sur un bassin.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Comment Amour_sacré_et_Amour_profane explique-t-il sa abstract?

Amour sacré et Amour profane (Amor sacro e Amor profano) est un tableau de Titien (1488-1576) peint en 1514 représentant deux femmes assises sur un bassin.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment est discutée la abstract?

Amour sacré et Amour profane (Amor sacro e Amor profano) est un tableau de Titien (1488-1576) peint en 1514 représentant deux femmes assises sur un bassin.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Concentrez-vous sur Amour_sacré_et_Amour_profane et expliquez la Histoire.

Titien peint ce tableau vers 1514. Ce dernier a probablement été commandé par Niccolò Aurelio, secrétaire vénitien du Conseil des dix, identifié par son blason apparaissant sur le sarcophage ou la fontaine au centre de l'image, pour célébrer son mariage avec une jeune veuve, Laura Bagarotto. La peinture représente probablement la mariée vêtue de blanc, assise à côté de Cupidon et assistée par Vénus en personne.L'œuvre est achetée en 1608 par le mécène Scipione Borghese et est actuellement conservée avec d'autres œuvres de la collection Borghèse à la Galleria Borghese à Rome.En 1899, une offre de la famille de banquiers Rothschild d'acheter les œuvres de la Galerie pour 4 millions de lires (supérieure à la valeur de l'ensemble du bâtiment Galleria Borghese et de ses collections estimée à 3 600 000 lires) a été refusée.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

Titien peint ce tableau vers 1514. Ce dernier a probablement été commandé par Niccolò Aurelio, secrétaire vénitien du Conseil des dix, identifié par son blason apparaissant sur le sarcophage ou la fontaine au centre de l'image, pour célébrer son mariage avec une jeune veuve, Laura Bagarotto. La peinture représente probablement la mariée vêtue de blanc, assise à côté de Cupidon et assistée par Vénus en personne.L'œuvre est achetée en 1608 par le mécène Scipione Borghese et est actuellement conservée avec d'autres œuvres de la collection Borghèse à la Galleria Borghese à Rome.En 1899, une offre de la famille de banquiers Rothschild d'acheter les œuvres de la Galerie pour 4 millions de lires (supérieure à la valeur de l'ensemble du bâtiment Galleria Borghese et de ses collections estimée à 3 600 000 lires) a été refusée.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Comment Amour_sacré_et_Amour_profane explique-t-il sa Histoire?

Titien peint ce tableau vers 1514. Ce dernier a probablement été commandé par Niccolò Aurelio, secrétaire vénitien du Conseil des dix, identifié par son blason apparaissant sur le sarcophage ou la fontaine au centre de l'image, pour célébrer son mariage avec une jeune veuve, Laura Bagarotto. La peinture représente probablement la mariée vêtue de blanc, assise à côté de Cupidon et assistée par Vénus en personne.L'œuvre est achetée en 1608 par le mécène Scipione Borghese et est actuellement conservée avec d'autres œuvres de la collection Borghèse à la Galleria Borghese à Rome.En 1899, une offre de la famille de banquiers Rothschild d'acheter les œuvres de la Galerie pour 4 millions de lires (supérieure à la valeur de l'ensemble du bâtiment Galleria Borghese et de ses collections estimée à 3 600 000 lires) a été refusée.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment est discutée la Histoire?

Titien peint ce tableau vers 1514. Ce dernier a probablement été commandé par Niccolò Aurelio, secrétaire vénitien du Conseil des dix, identifié par son blason apparaissant sur le sarcophage ou la fontaine au centre de l'image, pour célébrer son mariage avec une jeune veuve, Laura Bagarotto. La peinture représente probablement la mariée vêtue de blanc, assise à côté de Cupidon et assistée par Vénus en personne.L'œuvre est achetée en 1608 par le mécène Scipione Borghese et est actuellement conservée avec d'autres œuvres de la collection Borghèse à la Galleria Borghese à Rome.En 1899, une offre de la famille de banquiers Rothschild d'acheter les œuvres de la Galerie pour 4 millions de lires (supérieure à la valeur de l'ensemble du bâtiment Galleria Borghese et de ses collections estimée à 3 600 000 lires) a été refusée.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Concentrez-vous sur Amour_sacré_et_Amour_profane et expliquez la Description.

La femme nue, la Vénus Uranie, représente le bonheur éternel et céleste, ainsi que le principe de l’amour spirituel. La jeune femme habillée est la Venus terrestre, une personnification de l’amour terrestre. La Venus céleste est nue car elle est désincarnée, son corps ne représente aucun désir contrairement à la Vénus terrestre, il n’a donc pas besoin d’être couvert. Toutes deux sont assises aux extrémités d'un bassin. Elles se ressemblent beaucoup, comme deux sœurs jumelles, mais leur comportement et habillement sont très différents. La première porte une robe blanche à manches pourpres, une couronne de myrte et tient dans sa main des roses. Elle est calme et pensive. Elle nous regarde. La seconde est surélevée par rapport à sa voisine et la regarde d’un regard empli de compréhension et de calme. Elle est nue à l’exception d’un linge blanc sur ses cuisses et d’un manteau rouge qui couvre son épaule gauche. Elle tend vers le ciel un pot à feu qu’elle tient dans sa main.Ce tableau est une allégorie du mariage, d'un côté l'épouse habillée avec le symbole de fertilité (les deux lapins), de l'autre le symbole de l'amour sacré représenté par Venus avec en arrière-plan les chiens symbole de la fidélité, l'amour Cupidon au milieu agite l'eau du bassin pour faire le lien entre ces deux formes d'amour, ciment d'un mariage réussi.La femme nue regarde l'autre alors que celle-ci semble regarder ailleurs et l'ignorer.Le tableau comporte une foule de détails :sur le bassin qui a la forme d'un sarcophage romain, il y a un bas-relief ;du côté de l'amour sacré on peut voir une scène de torture (l'amour peut faire souffrir) ;dans le décor à gauche on peut voir un château et des lapins domestiqués ;dans le décor à droite on peut voir deux chiens de chasse.Au second plan, des arbres sombres font ressortir le premier plan, c’est-à-dire les tonalités claires des personnages.A l’arrière-plan, un paysage campagnard tient lieu de décor.Ce tableau est caractéristique de l'école vénitienne grâce au jeu qui se fait sur les ombres et lumières sur les corps des deux femmes. L’œuvre s'intègre dans le courant maniériste.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la Description de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

La femme nue, la Vénus Uranie, représente le bonheur éternel et céleste, ainsi que le principe de l’amour spirituel. La jeune femme habillée est la Venus terrestre, une personnification de l’amour terrestre. La Venus céleste est nue car elle est désincarnée, son corps ne représente aucun désir contrairement à la Vénus terrestre, il n’a donc pas besoin d’être couvert. Toutes deux sont assises aux extrémités d'un bassin. Elles se ressemblent beaucoup, comme deux sœurs jumelles, mais leur comportement et habillement sont très différents. La première porte une robe blanche à manches pourpres, une couronne de myrte et tient dans sa main des roses. Elle est calme et pensive. Elle nous regarde. La seconde est surélevée par rapport à sa voisine et la regarde d’un regard empli de compréhension et de calme. Elle est nue à l’exception d’un linge blanc sur ses cuisses et d’un manteau rouge qui couvre son épaule gauche. Elle tend vers le ciel un pot à feu qu’elle tient dans sa main.Ce tableau est une allégorie du mariage, d'un côté l'épouse habillée avec le symbole de fertilité (les deux lapins), de l'autre le symbole de l'amour sacré représenté par Venus avec en arrière-plan les chiens symbole de la fidélité, l'amour Cupidon au milieu agite l'eau du bassin pour faire le lien entre ces deux formes d'amour, ciment d'un mariage réussi.La femme nue regarde l'autre alors que celle-ci semble regarder ailleurs et l'ignorer.Le tableau comporte une foule de détails :sur le bassin qui a la forme d'un sarcophage romain, il y a un bas-relief ;du côté de l'amour sacré on peut voir une scène de torture (l'amour peut faire souffrir) ;dans le décor à gauche on peut voir un château et des lapins domestiqués ;dans le décor à droite on peut voir deux chiens de chasse.Au second plan, des arbres sombres font ressortir le premier plan, c’est-à-dire les tonalités claires des personnages.A l’arrière-plan, un paysage campagnard tient lieu de décor.Ce tableau est caractéristique de l'école vénitienne grâce au jeu qui se fait sur les ombres et lumières sur les corps des deux femmes. L’œuvre s'intègre dans le courant maniériste.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Comment Amour_sacré_et_Amour_profane explique-t-il sa Description?

La femme nue, la Vénus Uranie, représente le bonheur éternel et céleste, ainsi que le principe de l’amour spirituel. La jeune femme habillée est la Venus terrestre, une personnification de l’amour terrestre. La Venus céleste est nue car elle est désincarnée, son corps ne représente aucun désir contrairement à la Vénus terrestre, il n’a donc pas besoin d’être couvert. Toutes deux sont assises aux extrémités d'un bassin. Elles se ressemblent beaucoup, comme deux sœurs jumelles, mais leur comportement et habillement sont très différents. La première porte une robe blanche à manches pourpres, une couronne de myrte et tient dans sa main des roses. Elle est calme et pensive. Elle nous regarde. La seconde est surélevée par rapport à sa voisine et la regarde d’un regard empli de compréhension et de calme. Elle est nue à l’exception d’un linge blanc sur ses cuisses et d’un manteau rouge qui couvre son épaule gauche. Elle tend vers le ciel un pot à feu qu’elle tient dans sa main.Ce tableau est une allégorie du mariage, d'un côté l'épouse habillée avec le symbole de fertilité (les deux lapins), de l'autre le symbole de l'amour sacré représenté par Venus avec en arrière-plan les chiens symbole de la fidélité, l'amour Cupidon au milieu agite l'eau du bassin pour faire le lien entre ces deux formes d'amour, ciment d'un mariage réussi.La femme nue regarde l'autre alors que celle-ci semble regarder ailleurs et l'ignorer.Le tableau comporte une foule de détails :sur le bassin qui a la forme d'un sarcophage romain, il y a un bas-relief ;du côté de l'amour sacré on peut voir une scène de torture (l'amour peut faire souffrir) ;dans le décor à gauche on peut voir un château et des lapins domestiqués ;dans le décor à droite on peut voir deux chiens de chasse.Au second plan, des arbres sombres font ressortir le premier plan, c’est-à-dire les tonalités claires des personnages.A l’arrière-plan, un paysage campagnard tient lieu de décor.Ce tableau est caractéristique de l'école vénitienne grâce au jeu qui se fait sur les ombres et lumières sur les corps des deux femmes. L’œuvre s'intègre dans le courant maniériste.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment est discutée la Description?

La femme nue, la Vénus Uranie, représente le bonheur éternel et céleste, ainsi que le principe de l’amour spirituel. La jeune femme habillée est la Venus terrestre, une personnification de l’amour terrestre. La Venus céleste est nue car elle est désincarnée, son corps ne représente aucun désir contrairement à la Vénus terrestre, il n’a donc pas besoin d’être couvert. Toutes deux sont assises aux extrémités d'un bassin. Elles se ressemblent beaucoup, comme deux sœurs jumelles, mais leur comportement et habillement sont très différents. La première porte une robe blanche à manches pourpres, une couronne de myrte et tient dans sa main des roses. Elle est calme et pensive. Elle nous regarde. La seconde est surélevée par rapport à sa voisine et la regarde d’un regard empli de compréhension et de calme. Elle est nue à l’exception d’un linge blanc sur ses cuisses et d’un manteau rouge qui couvre son épaule gauche. Elle tend vers le ciel un pot à feu qu’elle tient dans sa main.Ce tableau est une allégorie du mariage, d'un côté l'épouse habillée avec le symbole de fertilité (les deux lapins), de l'autre le symbole de l'amour sacré représenté par Venus avec en arrière-plan les chiens symbole de la fidélité, l'amour Cupidon au milieu agite l'eau du bassin pour faire le lien entre ces deux formes d'amour, ciment d'un mariage réussi.La femme nue regarde l'autre alors que celle-ci semble regarder ailleurs et l'ignorer.Le tableau comporte une foule de détails :sur le bassin qui a la forme d'un sarcophage romain, il y a un bas-relief ;du côté de l'amour sacré on peut voir une scène de torture (l'amour peut faire souffrir) ;dans le décor à gauche on peut voir un château et des lapins domestiqués ;dans le décor à droite on peut voir deux chiens de chasse.Au second plan, des arbres sombres font ressortir le premier plan, c’est-à-dire les tonalités claires des personnages.A l’arrière-plan, un paysage campagnard tient lieu de décor.Ce tableau est caractéristique de l'école vénitienne grâce au jeu qui se fait sur les ombres et lumières sur les corps des deux femmes. L’œuvre s'intègre dans le courant maniériste.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Concentrez-vous sur Amour_sacré_et_Amour_profane et expliquez la Interprétation.

Le cupidon prouve, d’un point de vue iconographique, que le tableau est un dialogue sur l’amour. Et à l’époque de Titien, l’amour était un des grands sujets de conversation avec la beauté dont discutait quotidiennement l’élite sociale et intellectuelle. Ses questions se retrouvaient aussi au centre du courant philosophique du néoplatonisme qui était la philosophie dominante de l’époque.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la Interprétation de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

Le cupidon prouve, d’un point de vue iconographique, que le tableau est un dialogue sur l’amour. Et à l’époque de Titien, l’amour était un des grands sujets de conversation avec la beauté dont discutait quotidiennement l’élite sociale et intellectuelle. Ses questions se retrouvaient aussi au centre du courant philosophique du néoplatonisme qui était la philosophie dominante de l’époque.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Comment Amour_sacré_et_Amour_profane explique-t-il sa Interprétation?

Le cupidon prouve, d’un point de vue iconographique, que le tableau est un dialogue sur l’amour. Et à l’époque de Titien, l’amour était un des grands sujets de conversation avec la beauté dont discutait quotidiennement l’élite sociale et intellectuelle. Ses questions se retrouvaient aussi au centre du courant philosophique du néoplatonisme qui était la philosophie dominante de l’époque.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment est discutée la Interprétation?

Le cupidon prouve, d’un point de vue iconographique, que le tableau est un dialogue sur l’amour. Et à l’époque de Titien, l’amour était un des grands sujets de conversation avec la beauté dont discutait quotidiennement l’élite sociale et intellectuelle. Ses questions se retrouvaient aussi au centre du courant philosophique du néoplatonisme qui était la philosophie dominante de l’époque.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans le contexte de Amour_sacré_et_Amour_profane, expliquez la L'interprétation de Panofsky : la Vénus céleste et la Vénus vulgaire et la Interprétation.

La figure de la nudité devient à la Renaissance une représentation positive qui illustre une valeur comme par exemple la Vérité, l’Amour ou la Beauté par opposition à des notions éphémères. Par la suite, lorsqu’une figure nue est présente avec son homonyme vêtu, cela est symbole de Vérité au sens philosophique du terme. Ensuite, avec la philosophie néoplatonicienne, cette dualité finit par signifier le permanent et l’idéal par opposition au périssable et au sensible. Ainsi, le credo de la Renaissance est que la beauté dépouillée de tout ornement terrestre est supérieur à la beauté vêtue et décorée. Pour Panofsky, cette opposition entre beauté nue et vêtue est applicable à l’œuvre L’Amour sacré et l’Amour profane où ces deux représentations correspondent à deux formes d’amour différentes.Toujours selon Panofsky, il existe aussi, dans cette œuvre, une opposition entre la Vénus céleste et vulgaire comme il est écrit dans Le Banquet de Platon. « Or, il y a deux Vénus, l'une ancienne, fille du Ciel, et qui n'a point de mère : c'est Vénus Uranie ou céleste ; l'autre plus jeune, fille de Jupiter et de Dioné : c'est la Vénus populaire. Il y a donc deux Amours, correspondant aux deux Vénus : le premier, sensuel, brutal, populaire, ne s'adresse qu'aux sens ; c'est un amour honteux et qu'il faut éviter. […] L'autre amour s'adresse à l'intelligence […] Celui-là est digne d'être honoré de tous et recherché. » La Vénus céleste est donc l’incarnation de l’Amour du monde des idées et la Vénus terrestre l’amour sensible et humain dans la philosophie platonicienne et néoplatonicienne.Chacune des Vénus a ses propres attributs. La Vénus terrestre tient dans sa main des roses qui sont indéniablement symbole d’amour, mais elles peuvent aussi symboliser la peine d’amour de par leurs épines. Cette douleur, suggérée par les roses, est attribuée uniquement à la Vénus terrestre comme si la souffrance n’agissait que dans le monde sensible et humain. Cette Vénus porte aussi une couronne de myrte qui symbolise le mariage et rappelle ainsi le but de la commande de cette œuvre, honoré le mariage de Niccolò Aurelio. La seconde Vénus porte, quant à elle, un pot à feu qu’elle élève vers le ciel. Ce dernier peut évoquer l’ascension spirituelle vers le monde des idées d’où elle provient.Les deux Vénus n’entrent pas en altercation. Elles s’opposent uniquement par leur représentation. En effet, la Vénus céleste regarde sa voisine avec un regard empli de compréhension et elles sont assises sur le même siège, bien que la Vénus céleste soit surélevée par rapport à sa voisine. En plus, Cupidon remue l’eau de la fontaine comme s’il voulait homogénéiser le liquide qui se trouve entre les deux femmes. Cupidon, chez les néoplatoniciens, est un principe de mélange cosmique. De ce fait, c’est comme s’il mélangeait les deux Vénus pour rappeler qu’elles sont faites d’une même essence : l’Amour.Le titre, quant à lui, n’est selon Panofsky pas des plus correct, car il implique une dichotomie. Il aurait été plus pertinent de le nommer de manière à mettre en avant une échelle de valeur. Alors que l’une s’incarne comme étant la beauté universelle, éternelle et purement intelligible, l’autre est la Vénus vulgaire, celle dont chacun peut expérimenter l’amour et qui s’illustre par sa beauté périssable et changeante.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la L'interprétation de Panofsky : la Vénus céleste et la Vénus vulgaire concernant la Interprétation de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

La figure de la nudité devient à la Renaissance une représentation positive qui illustre une valeur comme par exemple la Vérité, l’Amour ou la Beauté par opposition à des notions éphémères. Par la suite, lorsqu’une figure nue est présente avec son homonyme vêtu, cela est symbole de Vérité au sens philosophique du terme. Ensuite, avec la philosophie néoplatonicienne, cette dualité finit par signifier le permanent et l’idéal par opposition au périssable et au sensible. Ainsi, le credo de la Renaissance est que la beauté dépouillée de tout ornement terrestre est supérieur à la beauté vêtue et décorée. Pour Panofsky, cette opposition entre beauté nue et vêtue est applicable à l’œuvre L’Amour sacré et l’Amour profane où ces deux représentations correspondent à deux formes d’amour différentes.Toujours selon Panofsky, il existe aussi, dans cette œuvre, une opposition entre la Vénus céleste et vulgaire comme il est écrit dans Le Banquet de Platon. « Or, il y a deux Vénus, l'une ancienne, fille du Ciel, et qui n'a point de mère : c'est Vénus Uranie ou céleste ; l'autre plus jeune, fille de Jupiter et de Dioné : c'est la Vénus populaire. Il y a donc deux Amours, correspondant aux deux Vénus : le premier, sensuel, brutal, populaire, ne s'adresse qu'aux sens ; c'est un amour honteux et qu'il faut éviter. […] L'autre amour s'adresse à l'intelligence […] Celui-là est digne d'être honoré de tous et recherché. » La Vénus céleste est donc l’incarnation de l’Amour du monde des idées et la Vénus terrestre l’amour sensible et humain dans la philosophie platonicienne et néoplatonicienne.Chacune des Vénus a ses propres attributs. La Vénus terrestre tient dans sa main des roses qui sont indéniablement symbole d’amour, mais elles peuvent aussi symboliser la peine d’amour de par leurs épines. Cette douleur, suggérée par les roses, est attribuée uniquement à la Vénus terrestre comme si la souffrance n’agissait que dans le monde sensible et humain. Cette Vénus porte aussi une couronne de myrte qui symbolise le mariage et rappelle ainsi le but de la commande de cette œuvre, honoré le mariage de Niccolò Aurelio. La seconde Vénus porte, quant à elle, un pot à feu qu’elle élève vers le ciel. Ce dernier peut évoquer l’ascension spirituelle vers le monde des idées d’où elle provient.Les deux Vénus n’entrent pas en altercation. Elles s’opposent uniquement par leur représentation. En effet, la Vénus céleste regarde sa voisine avec un regard empli de compréhension et elles sont assises sur le même siège, bien que la Vénus céleste soit surélevée par rapport à sa voisine. En plus, Cupidon remue l’eau de la fontaine comme s’il voulait homogénéiser le liquide qui se trouve entre les deux femmes. Cupidon, chez les néoplatoniciens, est un principe de mélange cosmique. De ce fait, c’est comme s’il mélangeait les deux Vénus pour rappeler qu’elles sont faites d’une même essence : l’Amour.Le titre, quant à lui, n’est selon Panofsky pas des plus correct, car il implique une dichotomie. Il aurait été plus pertinent de le nommer de manière à mettre en avant une échelle de valeur. Alors que l’une s’incarne comme étant la beauté universelle, éternelle et purement intelligible, l’autre est la Vénus vulgaire, celle dont chacun peut expérimenter l’amour et qui s’illustre par sa beauté périssable et changeante.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment la L'interprétation de Panofsky : la Vénus céleste et la Vénus vulgaire de la Interprétation est-elle expliquée?

La figure de la nudité devient à la Renaissance une représentation positive qui illustre une valeur comme par exemple la Vérité, l’Amour ou la Beauté par opposition à des notions éphémères. Par la suite, lorsqu’une figure nue est présente avec son homonyme vêtu, cela est symbole de Vérité au sens philosophique du terme. Ensuite, avec la philosophie néoplatonicienne, cette dualité finit par signifier le permanent et l’idéal par opposition au périssable et au sensible. Ainsi, le credo de la Renaissance est que la beauté dépouillée de tout ornement terrestre est supérieur à la beauté vêtue et décorée. Pour Panofsky, cette opposition entre beauté nue et vêtue est applicable à l’œuvre L’Amour sacré et l’Amour profane où ces deux représentations correspondent à deux formes d’amour différentes.Toujours selon Panofsky, il existe aussi, dans cette œuvre, une opposition entre la Vénus céleste et vulgaire comme il est écrit dans Le Banquet de Platon. « Or, il y a deux Vénus, l'une ancienne, fille du Ciel, et qui n'a point de mère : c'est Vénus Uranie ou céleste ; l'autre plus jeune, fille de Jupiter et de Dioné : c'est la Vénus populaire. Il y a donc deux Amours, correspondant aux deux Vénus : le premier, sensuel, brutal, populaire, ne s'adresse qu'aux sens ; c'est un amour honteux et qu'il faut éviter. […] L'autre amour s'adresse à l'intelligence […] Celui-là est digne d'être honoré de tous et recherché. » La Vénus céleste est donc l’incarnation de l’Amour du monde des idées et la Vénus terrestre l’amour sensible et humain dans la philosophie platonicienne et néoplatonicienne.Chacune des Vénus a ses propres attributs. La Vénus terrestre tient dans sa main des roses qui sont indéniablement symbole d’amour, mais elles peuvent aussi symboliser la peine d’amour de par leurs épines. Cette douleur, suggérée par les roses, est attribuée uniquement à la Vénus terrestre comme si la souffrance n’agissait que dans le monde sensible et humain. Cette Vénus porte aussi une couronne de myrte qui symbolise le mariage et rappelle ainsi le but de la commande de cette œuvre, honoré le mariage de Niccolò Aurelio. La seconde Vénus porte, quant à elle, un pot à feu qu’elle élève vers le ciel. Ce dernier peut évoquer l’ascension spirituelle vers le monde des idées d’où elle provient.Les deux Vénus n’entrent pas en altercation. Elles s’opposent uniquement par leur représentation. En effet, la Vénus céleste regarde sa voisine avec un regard empli de compréhension et elles sont assises sur le même siège, bien que la Vénus céleste soit surélevée par rapport à sa voisine. En plus, Cupidon remue l’eau de la fontaine comme s’il voulait homogénéiser le liquide qui se trouve entre les deux femmes. Cupidon, chez les néoplatoniciens, est un principe de mélange cosmique. De ce fait, c’est comme s’il mélangeait les deux Vénus pour rappeler qu’elles sont faites d’une même essence : l’Amour.Le titre, quant à lui, n’est selon Panofsky pas des plus correct, car il implique une dichotomie. Il aurait été plus pertinent de le nommer de manière à mettre en avant une échelle de valeur. Alors que l’une s’incarne comme étant la beauté universelle, éternelle et purement intelligible, l’autre est la Vénus vulgaire, celle dont chacun peut expérimenter l’amour et qui s’illustre par sa beauté périssable et changeante.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la L'interprétation de Panofsky : la Vénus céleste et la Vénus vulgaire dans la Interprétation de Amour_sacré_et_Amour_profane.

La figure de la nudité devient à la Renaissance une représentation positive qui illustre une valeur comme par exemple la Vérité, l’Amour ou la Beauté par opposition à des notions éphémères. Par la suite, lorsqu’une figure nue est présente avec son homonyme vêtu, cela est symbole de Vérité au sens philosophique du terme. Ensuite, avec la philosophie néoplatonicienne, cette dualité finit par signifier le permanent et l’idéal par opposition au périssable et au sensible. Ainsi, le credo de la Renaissance est que la beauté dépouillée de tout ornement terrestre est supérieur à la beauté vêtue et décorée. Pour Panofsky, cette opposition entre beauté nue et vêtue est applicable à l’œuvre L’Amour sacré et l’Amour profane où ces deux représentations correspondent à deux formes d’amour différentes.Toujours selon Panofsky, il existe aussi, dans cette œuvre, une opposition entre la Vénus céleste et vulgaire comme il est écrit dans Le Banquet de Platon. « Or, il y a deux Vénus, l'une ancienne, fille du Ciel, et qui n'a point de mère : c'est Vénus Uranie ou céleste ; l'autre plus jeune, fille de Jupiter et de Dioné : c'est la Vénus populaire. Il y a donc deux Amours, correspondant aux deux Vénus : le premier, sensuel, brutal, populaire, ne s'adresse qu'aux sens ; c'est un amour honteux et qu'il faut éviter. […] L'autre amour s'adresse à l'intelligence […] Celui-là est digne d'être honoré de tous et recherché. » La Vénus céleste est donc l’incarnation de l’Amour du monde des idées et la Vénus terrestre l’amour sensible et humain dans la philosophie platonicienne et néoplatonicienne.Chacune des Vénus a ses propres attributs. La Vénus terrestre tient dans sa main des roses qui sont indéniablement symbole d’amour, mais elles peuvent aussi symboliser la peine d’amour de par leurs épines. Cette douleur, suggérée par les roses, est attribuée uniquement à la Vénus terrestre comme si la souffrance n’agissait que dans le monde sensible et humain. Cette Vénus porte aussi une couronne de myrte qui symbolise le mariage et rappelle ainsi le but de la commande de cette œuvre, honoré le mariage de Niccolò Aurelio. La seconde Vénus porte, quant à elle, un pot à feu qu’elle élève vers le ciel. Ce dernier peut évoquer l’ascension spirituelle vers le monde des idées d’où elle provient.Les deux Vénus n’entrent pas en altercation. Elles s’opposent uniquement par leur représentation. En effet, la Vénus céleste regarde sa voisine avec un regard empli de compréhension et elles sont assises sur le même siège, bien que la Vénus céleste soit surélevée par rapport à sa voisine. En plus, Cupidon remue l’eau de la fontaine comme s’il voulait homogénéiser le liquide qui se trouve entre les deux femmes. Cupidon, chez les néoplatoniciens, est un principe de mélange cosmique. De ce fait, c’est comme s’il mélangeait les deux Vénus pour rappeler qu’elles sont faites d’une même essence : l’Amour.Le titre, quant à lui, n’est selon Panofsky pas des plus correct, car il implique une dichotomie. Il aurait été plus pertinent de le nommer de manière à mettre en avant une échelle de valeur. Alors que l’une s’incarne comme étant la beauté universelle, éternelle et purement intelligible, l’autre est la Vénus vulgaire, celle dont chacun peut expérimenter l’amour et qui s’illustre par sa beauté périssable et changeante.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans le contexte de Amour_sacré_et_Amour_profane, expliquez la Edgar Wind : l'initiation à l’Amour de la Beauté et la Interprétation.

Un autre historien de l’art, Edgar Wind, s’est intéressé à ce tableau. Il réfute la théorie de Panofsky, car selon lui, ce ne sont pas les deux Vénus qui sont représentées ici, mais deux genres d’amours que l’homme peut connaître.Tout d’abord, il remarque que la figure nue est supérieure à sa voisine de par sa plus grande taille, sa posture plus vigoureuse et son bras tendu vers le ciel. En plus, derrière elle, se trouve une église, tandis que du côté de la femme vêtue, c’est un château qui est représenté. Le château pourrait symboliser ici une vie mondaine opposée à l’église qui représenterait une vie tournée vers la spiritualité. Ces différents éléments donnent donc un caractère plus noble à la figure nue.Pour Wind, le terme de « Vénus », qu’attribue Panofsky à ses deux femmes, est beaucoup trop positif. Wind préférera la dénomination de « figure ». Pour contrer la théorie néoplatonicienne démontrée par Panofsky, Wind explique que ces deux figures portent des attributs qui ne sont pas habituelles pour symboliser Vénus, par exemple le manteau rouge et les vases.En plus, le mouvement des figures du tableau va de la gauche vers la droite. Cela pourrait montrer que les trois figures mettent en avant une progression dans leur représentation de l’amour en passant par le cupidon qui tient, ici, son rôle usuel de médiateur. De ce fait, pour Wind le thème du tableau serait l’initiation à l’Amour de la Beauté (de Pulchritudo à Voluptas) dans une perspective mystique et non plus allégorique.Le bas-relief, représenté sur le devant de la fontaine sur laquelle sont assises les deux femmes, montre une scène de torture. Au centre, un cheval débridé, qu’un personnage tente de maîtriser, pourrait symboliser l’amour bestial. C’était à la Renaissance l’un des symboles les plus populaires pour illustrer la passion débridée. À gauche, un homme tire une femme par les cheveux et la traîne ainsi sur le sol, laissant présager d’autres sévices à venir. À droite, un homme frappe un autre homme couché au sol et deux autres personnes apportent un poteau pour, peut-être, y attacher la victime et continuer à lui porter des coups.Ce bas-relief pourrait montrer une troisième forme d’amour, l’amour bestial. Cette scène n’appartient pas au même domaine que les deux femmes et c’est pour cette raison que Wind pense qu’il ne s’agit pas de la représentation des deux Vénus néoplatoniciennes, mais la représentation de deux sortes d’amours, accompagné de la représentation de l’amour bestial.Le paysage à l’arrière-plan du tableau se distingue du côté de chacune des deux femmes, car il les symbolise. Du côté de la femme vêtue, une citadelle avec un cavalier évoque peut-être une vie mondaine et la présence d’un couple de lapins rappelle l’amour charnel. Du côté de la femme nue, un chien court après un lapin comme s’il chassait l’amour charnel qui n’a rien à faire du côté de la Vénus céleste. Il y a aussi un berger qui fait paître ses moutons entre deux cavaliers et un couple enlacé. Le berger peut symboliser la protection, alors qu’il est peut-être là pour protéger le couple des cavaliers, puisqu’il se trouve entre eux. De ce côté-là, le paysage peut être défini comme étant une pastorale. Ce type de paysage est issu de l’Antiquité et montre un âge d’or où l’homme vivait en harmonie avec la nature et ne l’avait pas encore transformée. C’est donc une forme d’harmonie originelle entre l’homme et la nature.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la Edgar Wind : l'initiation à l’Amour de la Beauté concernant la Interprétation de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

Un autre historien de l’art, Edgar Wind, s’est intéressé à ce tableau. Il réfute la théorie de Panofsky, car selon lui, ce ne sont pas les deux Vénus qui sont représentées ici, mais deux genres d’amours que l’homme peut connaître.Tout d’abord, il remarque que la figure nue est supérieure à sa voisine de par sa plus grande taille, sa posture plus vigoureuse et son bras tendu vers le ciel. En plus, derrière elle, se trouve une église, tandis que du côté de la femme vêtue, c’est un château qui est représenté. Le château pourrait symboliser ici une vie mondaine opposée à l’église qui représenterait une vie tournée vers la spiritualité. Ces différents éléments donnent donc un caractère plus noble à la figure nue.Pour Wind, le terme de « Vénus », qu’attribue Panofsky à ses deux femmes, est beaucoup trop positif. Wind préférera la dénomination de « figure ». Pour contrer la théorie néoplatonicienne démontrée par Panofsky, Wind explique que ces deux figures portent des attributs qui ne sont pas habituelles pour symboliser Vénus, par exemple le manteau rouge et les vases.En plus, le mouvement des figures du tableau va de la gauche vers la droite. Cela pourrait montrer que les trois figures mettent en avant une progression dans leur représentation de l’amour en passant par le cupidon qui tient, ici, son rôle usuel de médiateur. De ce fait, pour Wind le thème du tableau serait l’initiation à l’Amour de la Beauté (de Pulchritudo à Voluptas) dans une perspective mystique et non plus allégorique.Le bas-relief, représenté sur le devant de la fontaine sur laquelle sont assises les deux femmes, montre une scène de torture. Au centre, un cheval débridé, qu’un personnage tente de maîtriser, pourrait symboliser l’amour bestial. C’était à la Renaissance l’un des symboles les plus populaires pour illustrer la passion débridée. À gauche, un homme tire une femme par les cheveux et la traîne ainsi sur le sol, laissant présager d’autres sévices à venir. À droite, un homme frappe un autre homme couché au sol et deux autres personnes apportent un poteau pour, peut-être, y attacher la victime et continuer à lui porter des coups.Ce bas-relief pourrait montrer une troisième forme d’amour, l’amour bestial. Cette scène n’appartient pas au même domaine que les deux femmes et c’est pour cette raison que Wind pense qu’il ne s’agit pas de la représentation des deux Vénus néoplatoniciennes, mais la représentation de deux sortes d’amours, accompagné de la représentation de l’amour bestial.Le paysage à l’arrière-plan du tableau se distingue du côté de chacune des deux femmes, car il les symbolise. Du côté de la femme vêtue, une citadelle avec un cavalier évoque peut-être une vie mondaine et la présence d’un couple de lapins rappelle l’amour charnel. Du côté de la femme nue, un chien court après un lapin comme s’il chassait l’amour charnel qui n’a rien à faire du côté de la Vénus céleste. Il y a aussi un berger qui fait paître ses moutons entre deux cavaliers et un couple enlacé. Le berger peut symboliser la protection, alors qu’il est peut-être là pour protéger le couple des cavaliers, puisqu’il se trouve entre eux. De ce côté-là, le paysage peut être défini comme étant une pastorale. Ce type de paysage est issu de l’Antiquité et montre un âge d’or où l’homme vivait en harmonie avec la nature et ne l’avait pas encore transformée. C’est donc une forme d’harmonie originelle entre l’homme et la nature.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

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Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment la Edgar Wind : l'initiation à l’Amour de la Beauté de la Interprétation est-elle expliquée?

Un autre historien de l’art, Edgar Wind, s’est intéressé à ce tableau. Il réfute la théorie de Panofsky, car selon lui, ce ne sont pas les deux Vénus qui sont représentées ici, mais deux genres d’amours que l’homme peut connaître.Tout d’abord, il remarque que la figure nue est supérieure à sa voisine de par sa plus grande taille, sa posture plus vigoureuse et son bras tendu vers le ciel. En plus, derrière elle, se trouve une église, tandis que du côté de la femme vêtue, c’est un château qui est représenté. Le château pourrait symboliser ici une vie mondaine opposée à l’église qui représenterait une vie tournée vers la spiritualité. Ces différents éléments donnent donc un caractère plus noble à la figure nue.Pour Wind, le terme de « Vénus », qu’attribue Panofsky à ses deux femmes, est beaucoup trop positif. Wind préférera la dénomination de « figure ». Pour contrer la théorie néoplatonicienne démontrée par Panofsky, Wind explique que ces deux figures portent des attributs qui ne sont pas habituelles pour symboliser Vénus, par exemple le manteau rouge et les vases.En plus, le mouvement des figures du tableau va de la gauche vers la droite. Cela pourrait montrer que les trois figures mettent en avant une progression dans leur représentation de l’amour en passant par le cupidon qui tient, ici, son rôle usuel de médiateur. De ce fait, pour Wind le thème du tableau serait l’initiation à l’Amour de la Beauté (de Pulchritudo à Voluptas) dans une perspective mystique et non plus allégorique.Le bas-relief, représenté sur le devant de la fontaine sur laquelle sont assises les deux femmes, montre une scène de torture. Au centre, un cheval débridé, qu’un personnage tente de maîtriser, pourrait symboliser l’amour bestial. C’était à la Renaissance l’un des symboles les plus populaires pour illustrer la passion débridée. À gauche, un homme tire une femme par les cheveux et la traîne ainsi sur le sol, laissant présager d’autres sévices à venir. À droite, un homme frappe un autre homme couché au sol et deux autres personnes apportent un poteau pour, peut-être, y attacher la victime et continuer à lui porter des coups.Ce bas-relief pourrait montrer une troisième forme d’amour, l’amour bestial. Cette scène n’appartient pas au même domaine que les deux femmes et c’est pour cette raison que Wind pense qu’il ne s’agit pas de la représentation des deux Vénus néoplatoniciennes, mais la représentation de deux sortes d’amours, accompagné de la représentation de l’amour bestial.Le paysage à l’arrière-plan du tableau se distingue du côté de chacune des deux femmes, car il les symbolise. Du côté de la femme vêtue, une citadelle avec un cavalier évoque peut-être une vie mondaine et la présence d’un couple de lapins rappelle l’amour charnel. Du côté de la femme nue, un chien court après un lapin comme s’il chassait l’amour charnel qui n’a rien à faire du côté de la Vénus céleste. Il y a aussi un berger qui fait paître ses moutons entre deux cavaliers et un couple enlacé. Le berger peut symboliser la protection, alors qu’il est peut-être là pour protéger le couple des cavaliers, puisqu’il se trouve entre eux. De ce côté-là, le paysage peut être défini comme étant une pastorale. Ce type de paysage est issu de l’Antiquité et montre un âge d’or où l’homme vivait en harmonie avec la nature et ne l’avait pas encore transformée. C’est donc une forme d’harmonie originelle entre l’homme et la nature.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

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Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Edgar Wind : l'initiation à l’Amour de la Beauté dans la Interprétation de Amour_sacré_et_Amour_profane.

Un autre historien de l’art, Edgar Wind, s’est intéressé à ce tableau. Il réfute la théorie de Panofsky, car selon lui, ce ne sont pas les deux Vénus qui sont représentées ici, mais deux genres d’amours que l’homme peut connaître.Tout d’abord, il remarque que la figure nue est supérieure à sa voisine de par sa plus grande taille, sa posture plus vigoureuse et son bras tendu vers le ciel. En plus, derrière elle, se trouve une église, tandis que du côté de la femme vêtue, c’est un château qui est représenté. Le château pourrait symboliser ici une vie mondaine opposée à l’église qui représenterait une vie tournée vers la spiritualité. Ces différents éléments donnent donc un caractère plus noble à la figure nue.Pour Wind, le terme de « Vénus », qu’attribue Panofsky à ses deux femmes, est beaucoup trop positif. Wind préférera la dénomination de « figure ». Pour contrer la théorie néoplatonicienne démontrée par Panofsky, Wind explique que ces deux figures portent des attributs qui ne sont pas habituelles pour symboliser Vénus, par exemple le manteau rouge et les vases.En plus, le mouvement des figures du tableau va de la gauche vers la droite. Cela pourrait montrer que les trois figures mettent en avant une progression dans leur représentation de l’amour en passant par le cupidon qui tient, ici, son rôle usuel de médiateur. De ce fait, pour Wind le thème du tableau serait l’initiation à l’Amour de la Beauté (de Pulchritudo à Voluptas) dans une perspective mystique et non plus allégorique.Le bas-relief, représenté sur le devant de la fontaine sur laquelle sont assises les deux femmes, montre une scène de torture. Au centre, un cheval débridé, qu’un personnage tente de maîtriser, pourrait symboliser l’amour bestial. C’était à la Renaissance l’un des symboles les plus populaires pour illustrer la passion débridée. À gauche, un homme tire une femme par les cheveux et la traîne ainsi sur le sol, laissant présager d’autres sévices à venir. À droite, un homme frappe un autre homme couché au sol et deux autres personnes apportent un poteau pour, peut-être, y attacher la victime et continuer à lui porter des coups.Ce bas-relief pourrait montrer une troisième forme d’amour, l’amour bestial. Cette scène n’appartient pas au même domaine que les deux femmes et c’est pour cette raison que Wind pense qu’il ne s’agit pas de la représentation des deux Vénus néoplatoniciennes, mais la représentation de deux sortes d’amours, accompagné de la représentation de l’amour bestial.Le paysage à l’arrière-plan du tableau se distingue du côté de chacune des deux femmes, car il les symbolise. Du côté de la femme vêtue, une citadelle avec un cavalier évoque peut-être une vie mondaine et la présence d’un couple de lapins rappelle l’amour charnel. Du côté de la femme nue, un chien court après un lapin comme s’il chassait l’amour charnel qui n’a rien à faire du côté de la Vénus céleste. Il y a aussi un berger qui fait paître ses moutons entre deux cavaliers et un couple enlacé. Le berger peut symboliser la protection, alors qu’il est peut-être là pour protéger le couple des cavaliers, puisqu’il se trouve entre eux. De ce côté-là, le paysage peut être défini comme étant une pastorale. Ce type de paysage est issu de l’Antiquité et montre un âge d’or où l’homme vivait en harmonie avec la nature et ne l’avait pas encore transformée. C’est donc une forme d’harmonie originelle entre l’homme et la nature.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

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Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Concentrez-vous sur Amour_sacré_et_Amour_profane et expliquez la Conservation.

Le tableau est conservé à la Galleria Borghese, ancien palais du cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Expliquer la Conservation de cette œuvre d'art, Amour_sacré_et_Amour_profane.

Le tableau est conservé à la Galleria Borghese, ancien palais du cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Comment Amour_sacré_et_Amour_profane explique-t-il sa Conservation?

Le tableau est conservé à la Galleria Borghese, ancien palais du cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Amour_sacré_et_Amour_profane

Prompt: Dans Amour_sacré_et_Amour_profane, comment est discutée la Conservation?

Le tableau est conservé à la Galleria Borghese, ancien palais du cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V.

Catégorie:Lapin ou lièvre dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie Borghèse

Mon musée imaginaire, ou les chefs-d'œuvre de la peinture italienne

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Allégorie_du_triomphe_de_Vénus

Prompt: Concentrez-vous sur Allégorie_du_triomphe_de_Vénus et expliquez la abstract.

L'Allégorie du triomphe de Vénus est un tableau du peintre italien Bronzino réalisé vers 1545-1547. Cette huile sur panneau maniériste est une allégorie qui représente Vénus et Cupidon s'échangeant un baiser entourés par des figurants personnifiant le Plaisir, la Jalousie et autres joies et peines de l'Amour. Elle est conservée à la National Gallery, à Londres, au Royaume-Uni.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Allégorie_du_triomphe_de_Vénus

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Allégorie_du_triomphe_de_Vénus.

L'Allégorie du triomphe de Vénus est un tableau du peintre italien Bronzino réalisé vers 1545-1547. Cette huile sur panneau maniériste est une allégorie qui représente Vénus et Cupidon s'échangeant un baiser entourés par des figurants personnifiant le Plaisir, la Jalousie et autres joies et peines de l'Amour. Elle est conservée à la National Gallery, à Londres, au Royaume-Uni.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Allégorie_du_triomphe_de_Vénus

Prompt: Comment Allégorie_du_triomphe_de_Vénus explique-t-il sa abstract?

L'Allégorie du triomphe de Vénus est un tableau du peintre italien Bronzino réalisé vers 1545-1547. Cette huile sur panneau maniériste est une allégorie qui représente Vénus et Cupidon s'échangeant un baiser entourés par des figurants personnifiant le Plaisir, la Jalousie et autres joies et peines de l'Amour. Elle est conservée à la National Gallery, à Londres, au Royaume-Uni.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Allégorie_du_triomphe_de_Vénus

Prompt: Dans Allégorie_du_triomphe_de_Vénus, comment est discutée la abstract?

L'Allégorie du triomphe de Vénus est un tableau du peintre italien Bronzino réalisé vers 1545-1547. Cette huile sur panneau maniériste est une allégorie qui représente Vénus et Cupidon s'échangeant un baiser entourés par des figurants personnifiant le Plaisir, la Jalousie et autres joies et peines de l'Amour. Elle est conservée à la National Gallery, à Londres, au Royaume-Uni.

Catégorie:Aphrodite ou Vénus dans la peinture

Catégorie:Œuvre conservée à la National Gallery

Catégorie:Éros ou Cupidon dans la peinture


Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_L'Arioste et expliquez la abstract.

Le dit Portrait de L'Arioste est une peinture à l'huile sur toile (81,2 × 66,3 cm) du Titien, datable vers 1510 et conservée à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

''Vita di Tiziano da Cador'' sur  Wikisource.

s:it:Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori (1568)/Tiziano da Cador


Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Portrait_de_L'Arioste.

Le dit Portrait de L'Arioste est une peinture à l'huile sur toile (81,2 × 66,3 cm) du Titien, datable vers 1510 et conservée à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Comment Portrait_de_L'Arioste explique-t-il sa abstract?

Le dit Portrait de L'Arioste est une peinture à l'huile sur toile (81,2 × 66,3 cm) du Titien, datable vers 1510 et conservée à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Dans Portrait_de_L'Arioste, comment est discutée la abstract?

Le dit Portrait de L'Arioste est une peinture à l'huile sur toile (81,2 × 66,3 cm) du Titien, datable vers 1510 et conservée à la National Gallery de Londres.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_L'Arioste et expliquez la Histoire.

L'œuvre était dans les collections d'Alfonso López, puis peut-être dans celle de Antoine van Dyck après être passée sur le marché de l'art d'Amsterdam en 1639 dans la collection d'Alfonso López. Célèbre au XVIIIe siècle, elle était connue par Rembrandt (qui s'en inspire dans  l'Autoportrait à l'âge de 34 ans) et par Joachim von Sandrart.Elle est parvenue au musée en 1904 lors de l'achat de la collection de Lord Darnley. L'identification avec le poète L'Arioste n'est basée que sur une gravure du XVIIe siècle , elle doit donc être considérée comme purement traditionnelle et a souvent été remise en question par les critiques modernes. Certains l'ont lié au portrait d'un gentilhomme de la famille Barbarigo (Girolamo ?) décrit avec précision par Giorgio Vasari : « un gentilhomme de ses amis de la famille Barbarigo, que l'on jugea très beau à cause de la ressemblance parfaite et naturelle du teint, des cheveux si bien spécifiés qu'on pouvait les compter, tout comme les agrafes du pourpoint en satin argent. En somme, ce portrait fut trouvé d'une réalisation si soignée qu'on l'aurait attribué à Giorgione, si Titien ne l'avait signé de son nom en noir. »,.Les lettres « TV » sur le parapet sont généralement considérées comme les initiales du peintre, même si elles sont similaires aux initiales plus mystérieuses « VV » qui peuvent être lues dans diverses œuvres attribuées à Giorgione, telles que le Portrait de Giustiniani ou le Gentilhomme avec un livre.L'attribution et la datation reposent sur des données stylistiques et sur des similitudes avec d'autres œuvres, comme La Schiavona conservée dans le même musée.

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Expliquer la Histoire de cette œuvre d'art, Portrait_de_L'Arioste.

L'œuvre était dans les collections d'Alfonso López, puis peut-être dans celle de Antoine van Dyck après être passée sur le marché de l'art d'Amsterdam en 1639 dans la collection d'Alfonso López. Célèbre au XVIIIe siècle, elle était connue par Rembrandt (qui s'en inspire dans  l'Autoportrait à l'âge de 34 ans) et par Joachim von Sandrart.Elle est parvenue au musée en 1904 lors de l'achat de la collection de Lord Darnley. L'identification avec le poète L'Arioste n'est basée que sur une gravure du XVIIe siècle , elle doit donc être considérée comme purement traditionnelle et a souvent été remise en question par les critiques modernes. Certains l'ont lié au portrait d'un gentilhomme de la famille Barbarigo (Girolamo ?) décrit avec précision par Giorgio Vasari : « un gentilhomme de ses amis de la famille Barbarigo, que l'on jugea très beau à cause de la ressemblance parfaite et naturelle du teint, des cheveux si bien spécifiés qu'on pouvait les compter, tout comme les agrafes du pourpoint en satin argent. En somme, ce portrait fut trouvé d'une réalisation si soignée qu'on l'aurait attribué à Giorgione, si Titien ne l'avait signé de son nom en noir. »,.Les lettres « TV » sur le parapet sont généralement considérées comme les initiales du peintre, même si elles sont similaires aux initiales plus mystérieuses « VV » qui peuvent être lues dans diverses œuvres attribuées à Giorgione, telles que le Portrait de Giustiniani ou le Gentilhomme avec un livre.L'attribution et la datation reposent sur des données stylistiques et sur des similitudes avec d'autres œuvres, comme La Schiavona conservée dans le même musée.

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Comment Portrait_de_L'Arioste explique-t-il sa Histoire?

L'œuvre était dans les collections d'Alfonso López, puis peut-être dans celle de Antoine van Dyck après être passée sur le marché de l'art d'Amsterdam en 1639 dans la collection d'Alfonso López. Célèbre au XVIIIe siècle, elle était connue par Rembrandt (qui s'en inspire dans  l'Autoportrait à l'âge de 34 ans) et par Joachim von Sandrart.Elle est parvenue au musée en 1904 lors de l'achat de la collection de Lord Darnley. L'identification avec le poète L'Arioste n'est basée que sur une gravure du XVIIe siècle , elle doit donc être considérée comme purement traditionnelle et a souvent été remise en question par les critiques modernes. Certains l'ont lié au portrait d'un gentilhomme de la famille Barbarigo (Girolamo ?) décrit avec précision par Giorgio Vasari : « un gentilhomme de ses amis de la famille Barbarigo, que l'on jugea très beau à cause de la ressemblance parfaite et naturelle du teint, des cheveux si bien spécifiés qu'on pouvait les compter, tout comme les agrafes du pourpoint en satin argent. En somme, ce portrait fut trouvé d'une réalisation si soignée qu'on l'aurait attribué à Giorgione, si Titien ne l'avait signé de son nom en noir. »,.Les lettres « TV » sur le parapet sont généralement considérées comme les initiales du peintre, même si elles sont similaires aux initiales plus mystérieuses « VV » qui peuvent être lues dans diverses œuvres attribuées à Giorgione, telles que le Portrait de Giustiniani ou le Gentilhomme avec un livre.L'attribution et la datation reposent sur des données stylistiques et sur des similitudes avec d'autres œuvres, comme La Schiavona conservée dans le même musée.

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Dans Portrait_de_L'Arioste, comment est discutée la Histoire?

L'œuvre était dans les collections d'Alfonso López, puis peut-être dans celle de Antoine van Dyck après être passée sur le marché de l'art d'Amsterdam en 1639 dans la collection d'Alfonso López. Célèbre au XVIIIe siècle, elle était connue par Rembrandt (qui s'en inspire dans  l'Autoportrait à l'âge de 34 ans) et par Joachim von Sandrart.Elle est parvenue au musée en 1904 lors de l'achat de la collection de Lord Darnley. L'identification avec le poète L'Arioste n'est basée que sur une gravure du XVIIe siècle , elle doit donc être considérée comme purement traditionnelle et a souvent été remise en question par les critiques modernes. Certains l'ont lié au portrait d'un gentilhomme de la famille Barbarigo (Girolamo ?) décrit avec précision par Giorgio Vasari : « un gentilhomme de ses amis de la famille Barbarigo, que l'on jugea très beau à cause de la ressemblance parfaite et naturelle du teint, des cheveux si bien spécifiés qu'on pouvait les compter, tout comme les agrafes du pourpoint en satin argent. En somme, ce portrait fut trouvé d'une réalisation si soignée qu'on l'aurait attribué à Giorgione, si Titien ne l'avait signé de son nom en noir. »,.Les lettres « TV » sur le parapet sont généralement considérées comme les initiales du peintre, même si elles sont similaires aux initiales plus mystérieuses « VV » qui peuvent être lues dans diverses œuvres attribuées à Giorgione, telles que le Portrait de Giustiniani ou le Gentilhomme avec un livre.L'attribution et la datation reposent sur des données stylistiques et sur des similitudes avec d'autres œuvres, comme La Schiavona conservée dans le même musée.

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_L'Arioste et expliquez la Descriptif et style.

Sur un fond sombre et uniforme, un homme est représenté à mi-corps avec un bras reposant sur un parapet sur lequel sont gravées les lettres « TV ». Le torse est de profil, tourné vers la droite, et la tête tournée des trois quarts vers le spectateur, dans une pose extrêmement familière et captivante. La robe est riche et élégante, avec la manche en satin large et gonflée qui domine la représentation, véritable chef-d'œuvre chromatique. Les effets de virtuosité dans la composition des reflets de la matière (brillants sur le satin, opaques sur la fourrure qui borde le manteau noir) sont remarquables, ainsi que dans la représentation spécifique et intensément psychologique du portrait. L'homme a une longue barbe et des cheveux noirs coupés court, un nez droit et pointu, des yeux expressifs et une bouche serrée, qui semble trahir un sentiment de dignité calme.Le prototype de l'œuvre remonte certainement au portrait de Giorgione, même si ici Titien s'en détache, évitant la douceur modulée de son collègue et créant une figure d'humanité vive et palpitante. Par l'emploi du petit parapet pour placer le personnage dans le tableau, la douceur du modelé, la lumière enveloppante et l'impression d'espace autour du modèle, l'œuvre dérive toutefois de Giorgione.

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Expliquer la Descriptif et style de cette œuvre d'art, Portrait_de_L'Arioste.

Sur un fond sombre et uniforme, un homme est représenté à mi-corps avec un bras reposant sur un parapet sur lequel sont gravées les lettres « TV ». Le torse est de profil, tourné vers la droite, et la tête tournée des trois quarts vers le spectateur, dans une pose extrêmement familière et captivante. La robe est riche et élégante, avec la manche en satin large et gonflée qui domine la représentation, véritable chef-d'œuvre chromatique. Les effets de virtuosité dans la composition des reflets de la matière (brillants sur le satin, opaques sur la fourrure qui borde le manteau noir) sont remarquables, ainsi que dans la représentation spécifique et intensément psychologique du portrait. L'homme a une longue barbe et des cheveux noirs coupés court, un nez droit et pointu, des yeux expressifs et une bouche serrée, qui semble trahir un sentiment de dignité calme.Le prototype de l'œuvre remonte certainement au portrait de Giorgione, même si ici Titien s'en détache, évitant la douceur modulée de son collègue et créant une figure d'humanité vive et palpitante. Par l'emploi du petit parapet pour placer le personnage dans le tableau, la douceur du modelé, la lumière enveloppante et l'impression d'espace autour du modèle, l'œuvre dérive toutefois de Giorgione.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Comment Portrait_de_L'Arioste explique-t-il sa Descriptif et style?

Sur un fond sombre et uniforme, un homme est représenté à mi-corps avec un bras reposant sur un parapet sur lequel sont gravées les lettres « TV ». Le torse est de profil, tourné vers la droite, et la tête tournée des trois quarts vers le spectateur, dans une pose extrêmement familière et captivante. La robe est riche et élégante, avec la manche en satin large et gonflée qui domine la représentation, véritable chef-d'œuvre chromatique. Les effets de virtuosité dans la composition des reflets de la matière (brillants sur le satin, opaques sur la fourrure qui borde le manteau noir) sont remarquables, ainsi que dans la représentation spécifique et intensément psychologique du portrait. L'homme a une longue barbe et des cheveux noirs coupés court, un nez droit et pointu, des yeux expressifs et une bouche serrée, qui semble trahir un sentiment de dignité calme.Le prototype de l'œuvre remonte certainement au portrait de Giorgione, même si ici Titien s'en détache, évitant la douceur modulée de son collègue et créant une figure d'humanité vive et palpitante. Par l'emploi du petit parapet pour placer le personnage dans le tableau, la douceur du modelé, la lumière enveloppante et l'impression d'espace autour du modèle, l'œuvre dérive toutefois de Giorgione.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Dans Portrait_de_L'Arioste, comment est discutée la Descriptif et style?

Sur un fond sombre et uniforme, un homme est représenté à mi-corps avec un bras reposant sur un parapet sur lequel sont gravées les lettres « TV ». Le torse est de profil, tourné vers la droite, et la tête tournée des trois quarts vers le spectateur, dans une pose extrêmement familière et captivante. La robe est riche et élégante, avec la manche en satin large et gonflée qui domine la représentation, véritable chef-d'œuvre chromatique. Les effets de virtuosité dans la composition des reflets de la matière (brillants sur le satin, opaques sur la fourrure qui borde le manteau noir) sont remarquables, ainsi que dans la représentation spécifique et intensément psychologique du portrait. L'homme a une longue barbe et des cheveux noirs coupés court, un nez droit et pointu, des yeux expressifs et une bouche serrée, qui semble trahir un sentiment de dignité calme.Le prototype de l'œuvre remonte certainement au portrait de Giorgione, même si ici Titien s'en détache, évitant la douceur modulée de son collègue et créant une figure d'humanité vive et palpitante. Par l'emploi du petit parapet pour placer le personnage dans le tableau, la douceur du modelé, la lumière enveloppante et l'impression d'espace autour du modèle, l'œuvre dérive toutefois de Giorgione.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Concentrez-vous sur Portrait_de_L'Arioste et expliquez la Influence.

Alors que les peintres de l'Âge d'or de la peinture néerlandaise cherchent à se démarquer de l'influence de la Renaissance italienne, Rembrandt s'inspire notamment de ce tableau de Titien pour réaliser « ce qui fut peut-être son autoportrait le plus ambitieux », l'Autoportrait à l'âge de 34 ans (1640, National Gallery), qu'il réalise au firmament de sa carrière. Il se présente en effet sûr de lui, adopte la même pose, le bras appuyé sur la balustrade en bois et vêtu selon la mode du XVIe siècle,.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Expliquer la Influence de cette œuvre d'art, Portrait_de_L'Arioste.

Alors que les peintres de l'Âge d'or de la peinture néerlandaise cherchent à se démarquer de l'influence de la Renaissance italienne, Rembrandt s'inspire notamment de ce tableau de Titien pour réaliser « ce qui fut peut-être son autoportrait le plus ambitieux », l'Autoportrait à l'âge de 34 ans (1640, National Gallery), qu'il réalise au firmament de sa carrière. Il se présente en effet sûr de lui, adopte la même pose, le bras appuyé sur la balustrade en bois et vêtu selon la mode du XVIe siècle,.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Comment Portrait_de_L'Arioste explique-t-il sa Influence?

Alors que les peintres de l'Âge d'or de la peinture néerlandaise cherchent à se démarquer de l'influence de la Renaissance italienne, Rembrandt s'inspire notamment de ce tableau de Titien pour réaliser « ce qui fut peut-être son autoportrait le plus ambitieux », l'Autoportrait à l'âge de 34 ans (1640, National Gallery), qu'il réalise au firmament de sa carrière. Il se présente en effet sûr de lui, adopte la même pose, le bras appuyé sur la balustrade en bois et vêtu selon la mode du XVIe siècle,.

Catégorie:Œuvre de Titien à la National Gallery

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Portrait_de_L'Arioste

Prompt: Dans Portrait_de_L'Arioste, comment est discutée la Influence?

Alors que les peintres de l'Âge d'or de la peinture néerlandaise cherchent à se démarquer de l'influence de la Renaissance italienne, Rembrandt s'inspire notamment de ce tableau de Titien pour réaliser « ce qui fut peut-être son autoportrait le plus ambitieux », l'Autoportrait à l'âge de 34 ans (1640, National Gallery), qu'il réalise au firmament de sa carrière. Il se présente en effet sûr de lui, adopte la même pose, le bras appuyé sur la balustrade en bois et vêtu selon la mode du XVIe siècle,.

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Laocoon

Prompt: Concentrez-vous sur Laocoon et expliquez la abstract.

Dans la mythologie grecque, Laocoon (pr. : \la.o.ko.ɔ̃\), du grec ancien Λαοκόων / Laokóôn, « celui qui comprend le peuple », de λαός laos « peuple » et κοέω koêô « entendre, comprendre », est l'un des protagonistes de l'épisode du cheval de Troie.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Expliquer la abstract de cette œuvre d'art, Laocoon.

Dans la mythologie grecque, Laocoon (pr. : \la.o.ko.ɔ̃\), du grec ancien Λαοκόων / Laokóôn, « celui qui comprend le peuple », de λαός laos « peuple » et κοέω koêô « entendre, comprendre », est l'un des protagonistes de l'épisode du cheval de Troie.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Comment Laocoon explique-t-il sa abstract?

Dans la mythologie grecque, Laocoon (pr. : \la.o.ko.ɔ̃\), du grec ancien Λαοκόων / Laokóôn, « celui qui comprend le peuple », de λαός laos « peuple » et κοέω koêô « entendre, comprendre », est l'un des protagonistes de l'épisode du cheval de Troie.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Dans Laocoon, comment est discutée la abstract?

Dans la mythologie grecque, Laocoon (pr. : \la.o.ko.ɔ̃\), du grec ancien Λαοκόων / Laokóôn, « celui qui comprend le peuple », de λαός laos « peuple » et κοέω koêô « entendre, comprendre », est l'un des protagonistes de l'épisode du cheval de Troie.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Concentrez-vous sur Laocoon et expliquez la Mythe.

Fils du roi Priam et d'Hécube, ou bien d'Anténor, ou encore de Capys et de Thémisté suivant d'autres traditions, Laocoon est prêtre de Poséidon (ou d'Apollon). Un matin, les Troyens découvrent, sur la grève désertée, un cheval de bois abandonné, ce qui est censé être une offrande à Poséidon pour garantir à la flotte grecque un bon retour.Les Troyens se divisent sur le sort du cheval : certains veulent le faire entrer dans la ville, en signe de victoire, d'autres sont d'avis de le brûler. Laocoon met obstinément en garde ses compatriotes. C'est la célèbre phrase que Virgile met dans sa bouche (Énéide, II,49) : Timeo Danaos et dona ferentes  (« Je crains les Grecs, même lorsqu'ils apportent des présents »), exprimant cette vérité qu'il faut toujours se défier d'un ennemi quelque généreux qu'il paraisse. Il lance un javelot au flanc du cheval, qui sonne alors creux, mais nul ne le remarque. On amène alors Sinon, espion grec qui encourage les Troyens à faire entrer le cheval dans la cité en le présentant comme une offrande à la déesse Athéna.Comme pour appuyer son récit, deux serpents arrivent de la haute mer alors que Laocoon sacrifie un bœuf à Poséidon. Ils se jettent sur ses deux fils et les démembrent, puis s'attaquent à Laocoon lui-même, qui tentait en vain de les arrêter. Les serpents se réfugient ensuite dans un temple d'Athéna, se lovant au pied de sa statue colossale. Les Troyens pensent alors que c'est la déesse qui se venge de l'outrage fait à une offrande qui lui est consacrée et, rassurés, font entrer le cheval dans leurs murs.Lycophron, qui place la scène de l’attaque des serpents dans le temple d’Apollon, donne à ceux-ci les noms de Charibée et Porcé (ou Porcès). D’autres auteurs leur donnent les noms de Curissis et Péribée.Les deux enfants de Laocoon sont les Laocoontides, Éthron et Mélanthos, qu’on nomme aussi Antiphas et Thymbrée.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Expliquer la Mythe de cette œuvre d'art, Laocoon.

Fils du roi Priam et d'Hécube, ou bien d'Anténor, ou encore de Capys et de Thémisté suivant d'autres traditions, Laocoon est prêtre de Poséidon (ou d'Apollon). Un matin, les Troyens découvrent, sur la grève désertée, un cheval de bois abandonné, ce qui est censé être une offrande à Poséidon pour garantir à la flotte grecque un bon retour.Les Troyens se divisent sur le sort du cheval : certains veulent le faire entrer dans la ville, en signe de victoire, d'autres sont d'avis de le brûler. Laocoon met obstinément en garde ses compatriotes. C'est la célèbre phrase que Virgile met dans sa bouche (Énéide, II,49) : Timeo Danaos et dona ferentes  (« Je crains les Grecs, même lorsqu'ils apportent des présents »), exprimant cette vérité qu'il faut toujours se défier d'un ennemi quelque généreux qu'il paraisse. Il lance un javelot au flanc du cheval, qui sonne alors creux, mais nul ne le remarque. On amène alors Sinon, espion grec qui encourage les Troyens à faire entrer le cheval dans la cité en le présentant comme une offrande à la déesse Athéna.Comme pour appuyer son récit, deux serpents arrivent de la haute mer alors que Laocoon sacrifie un bœuf à Poséidon. Ils se jettent sur ses deux fils et les démembrent, puis s'attaquent à Laocoon lui-même, qui tentait en vain de les arrêter. Les serpents se réfugient ensuite dans un temple d'Athéna, se lovant au pied de sa statue colossale. Les Troyens pensent alors que c'est la déesse qui se venge de l'outrage fait à une offrande qui lui est consacrée et, rassurés, font entrer le cheval dans leurs murs.Lycophron, qui place la scène de l’attaque des serpents dans le temple d’Apollon, donne à ceux-ci les noms de Charibée et Porcé (ou Porcès). D’autres auteurs leur donnent les noms de Curissis et Péribée.Les deux enfants de Laocoon sont les Laocoontides, Éthron et Mélanthos, qu’on nomme aussi Antiphas et Thymbrée.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Comment Laocoon explique-t-il sa Mythe?

Fils du roi Priam et d'Hécube, ou bien d'Anténor, ou encore de Capys et de Thémisté suivant d'autres traditions, Laocoon est prêtre de Poséidon (ou d'Apollon). Un matin, les Troyens découvrent, sur la grève désertée, un cheval de bois abandonné, ce qui est censé être une offrande à Poséidon pour garantir à la flotte grecque un bon retour.Les Troyens se divisent sur le sort du cheval : certains veulent le faire entrer dans la ville, en signe de victoire, d'autres sont d'avis de le brûler. Laocoon met obstinément en garde ses compatriotes. C'est la célèbre phrase que Virgile met dans sa bouche (Énéide, II,49) : Timeo Danaos et dona ferentes  (« Je crains les Grecs, même lorsqu'ils apportent des présents »), exprimant cette vérité qu'il faut toujours se défier d'un ennemi quelque généreux qu'il paraisse. Il lance un javelot au flanc du cheval, qui sonne alors creux, mais nul ne le remarque. On amène alors Sinon, espion grec qui encourage les Troyens à faire entrer le cheval dans la cité en le présentant comme une offrande à la déesse Athéna.Comme pour appuyer son récit, deux serpents arrivent de la haute mer alors que Laocoon sacrifie un bœuf à Poséidon. Ils se jettent sur ses deux fils et les démembrent, puis s'attaquent à Laocoon lui-même, qui tentait en vain de les arrêter. Les serpents se réfugient ensuite dans un temple d'Athéna, se lovant au pied de sa statue colossale. Les Troyens pensent alors que c'est la déesse qui se venge de l'outrage fait à une offrande qui lui est consacrée et, rassurés, font entrer le cheval dans leurs murs.Lycophron, qui place la scène de l’attaque des serpents dans le temple d’Apollon, donne à ceux-ci les noms de Charibée et Porcé (ou Porcès). D’autres auteurs leur donnent les noms de Curissis et Péribée.Les deux enfants de Laocoon sont les Laocoontides, Éthron et Mélanthos, qu’on nomme aussi Antiphas et Thymbrée.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

Fichier:The Discovery of the Laocoon (1834-35), by Pierre-Nolasque Bergeret.jpg

Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

Fichier:Fragmente eines mittel-apulischen Kraters des Nationalmuseums in Ruvo di Puglia.jpg

Fichier:Hector Berlioz – Les Troyens, poster of premiere.JPG

Lexicon Iconographicum Mythologiae Classicae

manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Dans Laocoon, comment est discutée la Mythe?

Fils du roi Priam et d'Hécube, ou bien d'Anténor, ou encore de Capys et de Thémisté suivant d'autres traditions, Laocoon est prêtre de Poséidon (ou d'Apollon). Un matin, les Troyens découvrent, sur la grève désertée, un cheval de bois abandonné, ce qui est censé être une offrande à Poséidon pour garantir à la flotte grecque un bon retour.Les Troyens se divisent sur le sort du cheval : certains veulent le faire entrer dans la ville, en signe de victoire, d'autres sont d'avis de le brûler. Laocoon met obstinément en garde ses compatriotes. C'est la célèbre phrase que Virgile met dans sa bouche (Énéide, II,49) : Timeo Danaos et dona ferentes  (« Je crains les Grecs, même lorsqu'ils apportent des présents »), exprimant cette vérité qu'il faut toujours se défier d'un ennemi quelque généreux qu'il paraisse. Il lance un javelot au flanc du cheval, qui sonne alors creux, mais nul ne le remarque. On amène alors Sinon, espion grec qui encourage les Troyens à faire entrer le cheval dans la cité en le présentant comme une offrande à la déesse Athéna.Comme pour appuyer son récit, deux serpents arrivent de la haute mer alors que Laocoon sacrifie un bœuf à Poséidon. Ils se jettent sur ses deux fils et les démembrent, puis s'attaquent à Laocoon lui-même, qui tentait en vain de les arrêter. Les serpents se réfugient ensuite dans un temple d'Athéna, se lovant au pied de sa statue colossale. Les Troyens pensent alors que c'est la déesse qui se venge de l'outrage fait à une offrande qui lui est consacrée et, rassurés, font entrer le cheval dans leurs murs.Lycophron, qui place la scène de l’attaque des serpents dans le temple d’Apollon, donne à ceux-ci les noms de Charibée et Porcé (ou Porcès). D’autres auteurs leur donnent les noms de Curissis et Péribée.Les deux enfants de Laocoon sont les Laocoontides, Éthron et Mélanthos, qu’on nomme aussi Antiphas et Thymbrée.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

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Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

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manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Dans le contexte de Laocoon, expliquez la Dans l'Énéide et la Mythe.

Cette scène est décrite avec force détails dans le chant II de l’Énéide de Virgile, l'un des plus célèbres passages de toute l'épopée.Le personnage de Laocoon a été illustré par l'une des œuvres les plus célèbres de la sculpture grecque antique, le groupe du Laocoon, le représentant avec ses deux fils aux prises avec les serpents.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

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manuscrit de Virgile de la Bibliothèque vaticane


Laocoon

Prompt: Expliquer la Dans l'Énéide concernant la Mythe de cette œuvre d'art, Laocoon.

Cette scène est décrite avec force détails dans le chant II de l’Énéide de Virgile, l'un des plus célèbres passages de toute l'épopée.Le personnage de Laocoon a été illustré par l'une des œuvres les plus célèbres de la sculpture grecque antique, le groupe du Laocoon, le représentant avec ses deux fils aux prises avec les serpents.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

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Catégorie:Devin de la mythologie grecque

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Laocoon

Prompt: Dans Laocoon, comment la Dans l'Énéide de la Mythe est-elle expliquée?

Cette scène est décrite avec force détails dans le chant II de l’Énéide de Virgile, l'un des plus célèbres passages de toute l'épopée.Le personnage de Laocoon a été illustré par l'une des œuvres les plus célèbres de la sculpture grecque antique, le groupe du Laocoon, le représentant avec ses deux fils aux prises avec les serpents.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

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Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

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Laocoon

Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Dans l'Énéide dans la Mythe de Laocoon.

Cette scène est décrite avec force détails dans le chant II de l’Énéide de Virgile, l'un des plus célèbres passages de toute l'épopée.Le personnage de Laocoon a été illustré par l'une des œuvres les plus célèbres de la sculpture grecque antique, le groupe du Laocoon, le représentant avec ses deux fils aux prises avec les serpents.

Catégorie:Camp troyen dans la guerre de Troie

La Découverte du Laocoon par le peintre Pierre-Nolasque Bergeret (1834/35)

Empire byzantin#Des Comnènes au tournant de 1204

Catégorie:Devin de la mythologie grecque

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Dessin de Michele Jatta d'un fragment de [[Cratère (vase)

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