Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la La composition, le point de vue et le point de fuite et la Manière, lumière et composition.

La Femme écrivant une lettre et sa servante est le troisième tableau de Vermeer dans lequel la scène et la dynamique ne sont pas concentrées sur une figure féminine unique, mais sur une maîtresse et sa servante. La maîtresse peut évidemment être considérée comme le sujet principal de cette scène épistolaire,. Il s'agit cependant de la première œuvre de l'artiste à expérimenter une composition centrifuge, où la mise au point n'est pas faite au centre de la toile, mais à la droite du cadre. La jeune femme écrivant est en effet située à l'angle d'un triangle qui commence par l'angle supérieur gauche de la toile. Les lignes de fuite mettent également en avant la jeune femme écrivant, puisqu'elles se rejoignent exactement au niveau de son œil gauche. Daniel Arasse fait remarquer que, à la manière de la majorité des autres compositions de l'artiste, la toile met en œuvre un point de vue en très légère « contre-plongée » par rapport au personnage principal, combiné à une ligne d'horizon située juste au-dessus du milieu de la toile. Ceci produit un effet contradictoire, à la fois de monumentalisation des personnages, vus d'en dessous, mais aussi de proximité, avec le relèvement de la ligne d'horizon. À la manière de La Dentellière, quoiqu'en ordre inversé, les lignes renvoient à la concentration de la jeune femme, et à la feuille qu'elle remplit : son regard, ses deux mains, sa plume. Le peintre nous invite par conséquent à partager sa concentration intérieure, tout en dérobant le contenu de la lettre. Plusieurs éléments mettent en outre en valeur la relation entre la scène représentée, et celle figurée dans le tableau-dans-le-tableau du mur du fond. Les deux compositions, tout d'abord, adoptent une composition triangulaire similaire, avec le personnage principal en partie éclairé, même si ce triangle est interrompu par le personnage de droite dans la toile accrochée au mur. La forme de la maîtresse fait écho à celle du groupe constitué par les trois personnages principaux, et l'interstice entre la maîtresse et sa servante est repris dans le tableau-dans-le-tableau, entre le groupe principal et le personnage de gauche qui se tient debout. Lisa Vergara note par ailleurs un alignement vertical de la fille de Pharaon, de la jeune femme écrivant, du pied de la chaise devant la table, et de l'angle éclairé du papier à terre, ce qui incite le spectateur à établir une analogie entre les deux scènes, et les deux personnages féminins principaux.Quand bien même la maîtresse constituerait le personnage principal de la scène, « le spectateur en revient toujours à la servante », située au milieu géométrique de la toile, et représentée avec une forme de monumentalité qui l'a fait parfois comparer à une sorte de « sculpture antique », notamment en raison des plis de sa robe, semblables aux cannelures d'une colonne classique. Elle s'inscrit également au milieu d'un jeu d'obliques qui vient zébrer la toile de bas en haut : selon une ligne montante figurée par le rideau vert, puis descendante avec le rideau translucide blanc, puis à nouveau montante avec le bord du tapis, à gauche de la table. Les lignes de fuite renvoient également à sa présence : que ce soit celles orthogonales de la fenêtre à gauche ou celles obliques qui mènent le regard de la droite vers la gauche : les barres de la chaise de travers au premier plan, la ligne des épaules de sa maîtresse écrivant, jusqu'au tablier bleu qu'elle porte noué à la taille. Mais le plus spectaculaire reste peut-être l'inscription de sa tête exactement dans l'angle inférieur gauche du tableau-dans-le-tableau, ce qui est souligné par les larges verticale et horizontale noires du cadre.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

Fichier:Monsieur Eugene Secretan art sale catalogue Sedelmayer Paris 1889.jpg

Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

Fichier:Johannes Vermeer - The Astronomer - 1668.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Lady at the Virginal with a Gentleman, 'The Music Lesson' - Google Art Project.jpg

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Fichier:Vermeer - Woman with a Lute near a window.jpg


Prompt: Expliquer la La composition, le point de vue et le point de fuite concernant la Manière, lumière et composition de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La Femme écrivant une lettre et sa servante est le troisième tableau de Vermeer dans lequel la scène et la dynamique ne sont pas concentrées sur une figure féminine unique, mais sur une maîtresse et sa servante. La maîtresse peut évidemment être considérée comme le sujet principal de cette scène épistolaire,. Il s'agit cependant de la première œuvre de l'artiste à expérimenter une composition centrifuge, où la mise au point n'est pas faite au centre de la toile, mais à la droite du cadre. La jeune femme écrivant est en effet située à l'angle d'un triangle qui commence par l'angle supérieur gauche de la toile. Les lignes de fuite mettent également en avant la jeune femme écrivant, puisqu'elles se rejoignent exactement au niveau de son œil gauche. Daniel Arasse fait remarquer que, à la manière de la majorité des autres compositions de l'artiste, la toile met en œuvre un point de vue en très légère « contre-plongée » par rapport au personnage principal, combiné à une ligne d'horizon située juste au-dessus du milieu de la toile. Ceci produit un effet contradictoire, à la fois de monumentalisation des personnages, vus d'en dessous, mais aussi de proximité, avec le relèvement de la ligne d'horizon. À la manière de La Dentellière, quoiqu'en ordre inversé, les lignes renvoient à la concentration de la jeune femme, et à la feuille qu'elle remplit : son regard, ses deux mains, sa plume. Le peintre nous invite par conséquent à partager sa concentration intérieure, tout en dérobant le contenu de la lettre. Plusieurs éléments mettent en outre en valeur la relation entre la scène représentée, et celle figurée dans le tableau-dans-le-tableau du mur du fond. Les deux compositions, tout d'abord, adoptent une composition triangulaire similaire, avec le personnage principal en partie éclairé, même si ce triangle est interrompu par le personnage de droite dans la toile accrochée au mur. La forme de la maîtresse fait écho à celle du groupe constitué par les trois personnages principaux, et l'interstice entre la maîtresse et sa servante est repris dans le tableau-dans-le-tableau, entre le groupe principal et le personnage de gauche qui se tient debout. Lisa Vergara note par ailleurs un alignement vertical de la fille de Pharaon, de la jeune femme écrivant, du pied de la chaise devant la table, et de l'angle éclairé du papier à terre, ce qui incite le spectateur à établir une analogie entre les deux scènes, et les deux personnages féminins principaux.Quand bien même la maîtresse constituerait le personnage principal de la scène, « le spectateur en revient toujours à la servante », située au milieu géométrique de la toile, et représentée avec une forme de monumentalité qui l'a fait parfois comparer à une sorte de « sculpture antique », notamment en raison des plis de sa robe, semblables aux cannelures d'une colonne classique. Elle s'inscrit également au milieu d'un jeu d'obliques qui vient zébrer la toile de bas en haut : selon une ligne montante figurée par le rideau vert, puis descendante avec le rideau translucide blanc, puis à nouveau montante avec le bord du tapis, à gauche de la table. Les lignes de fuite renvoient également à sa présence : que ce soit celles orthogonales de la fenêtre à gauche ou celles obliques qui mènent le regard de la droite vers la gauche : les barres de la chaise de travers au premier plan, la ligne des épaules de sa maîtresse écrivant, jusqu'au tablier bleu qu'elle porte noué à la taille. Mais le plus spectaculaire reste peut-être l'inscription de sa tête exactement dans l'angle inférieur gauche du tableau-dans-le-tableau, ce qui est souligné par les larges verticale et horizontale noires du cadre.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment la La composition, le point de vue et le point de fuite de la Manière, lumière et composition est-elle expliquée?

La Femme écrivant une lettre et sa servante est le troisième tableau de Vermeer dans lequel la scène et la dynamique ne sont pas concentrées sur une figure féminine unique, mais sur une maîtresse et sa servante. La maîtresse peut évidemment être considérée comme le sujet principal de cette scène épistolaire,. Il s'agit cependant de la première œuvre de l'artiste à expérimenter une composition centrifuge, où la mise au point n'est pas faite au centre de la toile, mais à la droite du cadre. La jeune femme écrivant est en effet située à l'angle d'un triangle qui commence par l'angle supérieur gauche de la toile. Les lignes de fuite mettent également en avant la jeune femme écrivant, puisqu'elles se rejoignent exactement au niveau de son œil gauche. Daniel Arasse fait remarquer que, à la manière de la majorité des autres compositions de l'artiste, la toile met en œuvre un point de vue en très légère « contre-plongée » par rapport au personnage principal, combiné à une ligne d'horizon située juste au-dessus du milieu de la toile. Ceci produit un effet contradictoire, à la fois de monumentalisation des personnages, vus d'en dessous, mais aussi de proximité, avec le relèvement de la ligne d'horizon. À la manière de La Dentellière, quoiqu'en ordre inversé, les lignes renvoient à la concentration de la jeune femme, et à la feuille qu'elle remplit : son regard, ses deux mains, sa plume. Le peintre nous invite par conséquent à partager sa concentration intérieure, tout en dérobant le contenu de la lettre. Plusieurs éléments mettent en outre en valeur la relation entre la scène représentée, et celle figurée dans le tableau-dans-le-tableau du mur du fond. Les deux compositions, tout d'abord, adoptent une composition triangulaire similaire, avec le personnage principal en partie éclairé, même si ce triangle est interrompu par le personnage de droite dans la toile accrochée au mur. La forme de la maîtresse fait écho à celle du groupe constitué par les trois personnages principaux, et l'interstice entre la maîtresse et sa servante est repris dans le tableau-dans-le-tableau, entre le groupe principal et le personnage de gauche qui se tient debout. Lisa Vergara note par ailleurs un alignement vertical de la fille de Pharaon, de la jeune femme écrivant, du pied de la chaise devant la table, et de l'angle éclairé du papier à terre, ce qui incite le spectateur à établir une analogie entre les deux scènes, et les deux personnages féminins principaux.Quand bien même la maîtresse constituerait le personnage principal de la scène, « le spectateur en revient toujours à la servante », située au milieu géométrique de la toile, et représentée avec une forme de monumentalité qui l'a fait parfois comparer à une sorte de « sculpture antique », notamment en raison des plis de sa robe, semblables aux cannelures d'une colonne classique. Elle s'inscrit également au milieu d'un jeu d'obliques qui vient zébrer la toile de bas en haut : selon une ligne montante figurée par le rideau vert, puis descendante avec le rideau translucide blanc, puis à nouveau montante avec le bord du tapis, à gauche de la table. Les lignes de fuite renvoient également à sa présence : que ce soit celles orthogonales de la fenêtre à gauche ou celles obliques qui mènent le regard de la droite vers la gauche : les barres de la chaise de travers au premier plan, la ligne des épaules de sa maîtresse écrivant, jusqu'au tablier bleu qu'elle porte noué à la taille. Mais le plus spectaculaire reste peut-être l'inscription de sa tête exactement dans l'angle inférieur gauche du tableau-dans-le-tableau, ce qui est souligné par les larges verticale et horizontale noires du cadre.

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Prompt: Décrivez les caractéristiques de la La composition, le point de vue et le point de fuite dans la Manière, lumière et composition de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La Femme écrivant une lettre et sa servante est le troisième tableau de Vermeer dans lequel la scène et la dynamique ne sont pas concentrées sur une figure féminine unique, mais sur une maîtresse et sa servante. La maîtresse peut évidemment être considérée comme le sujet principal de cette scène épistolaire,. Il s'agit cependant de la première œuvre de l'artiste à expérimenter une composition centrifuge, où la mise au point n'est pas faite au centre de la toile, mais à la droite du cadre. La jeune femme écrivant est en effet située à l'angle d'un triangle qui commence par l'angle supérieur gauche de la toile. Les lignes de fuite mettent également en avant la jeune femme écrivant, puisqu'elles se rejoignent exactement au niveau de son œil gauche. Daniel Arasse fait remarquer que, à la manière de la majorité des autres compositions de l'artiste, la toile met en œuvre un point de vue en très légère « contre-plongée » par rapport au personnage principal, combiné à une ligne d'horizon située juste au-dessus du milieu de la toile. Ceci produit un effet contradictoire, à la fois de monumentalisation des personnages, vus d'en dessous, mais aussi de proximité, avec le relèvement de la ligne d'horizon. À la manière de La Dentellière, quoiqu'en ordre inversé, les lignes renvoient à la concentration de la jeune femme, et à la feuille qu'elle remplit : son regard, ses deux mains, sa plume. Le peintre nous invite par conséquent à partager sa concentration intérieure, tout en dérobant le contenu de la lettre. Plusieurs éléments mettent en outre en valeur la relation entre la scène représentée, et celle figurée dans le tableau-dans-le-tableau du mur du fond. Les deux compositions, tout d'abord, adoptent une composition triangulaire similaire, avec le personnage principal en partie éclairé, même si ce triangle est interrompu par le personnage de droite dans la toile accrochée au mur. La forme de la maîtresse fait écho à celle du groupe constitué par les trois personnages principaux, et l'interstice entre la maîtresse et sa servante est repris dans le tableau-dans-le-tableau, entre le groupe principal et le personnage de gauche qui se tient debout. Lisa Vergara note par ailleurs un alignement vertical de la fille de Pharaon, de la jeune femme écrivant, du pied de la chaise devant la table, et de l'angle éclairé du papier à terre, ce qui incite le spectateur à établir une analogie entre les deux scènes, et les deux personnages féminins principaux.Quand bien même la maîtresse constituerait le personnage principal de la scène, « le spectateur en revient toujours à la servante », située au milieu géométrique de la toile, et représentée avec une forme de monumentalité qui l'a fait parfois comparer à une sorte de « sculpture antique », notamment en raison des plis de sa robe, semblables aux cannelures d'une colonne classique. Elle s'inscrit également au milieu d'un jeu d'obliques qui vient zébrer la toile de bas en haut : selon une ligne montante figurée par le rideau vert, puis descendante avec le rideau translucide blanc, puis à nouveau montante avec le bord du tapis, à gauche de la table. Les lignes de fuite renvoient également à sa présence : que ce soit celles orthogonales de la fenêtre à gauche ou celles obliques qui mènent le regard de la droite vers la gauche : les barres de la chaise de travers au premier plan, la ligne des épaules de sa maîtresse écrivant, jusqu'au tablier bleu qu'elle porte noué à la taille. Mais le plus spectaculaire reste peut-être l'inscription de sa tête exactement dans l'angle inférieur gauche du tableau-dans-le-tableau, ce qui est souligné par les larges verticale et horizontale noires du cadre.

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

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Prompt: Concentrez-vous sur Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante et expliquez la Identification (hasardeuse) des modèles.

En l'absence de toute forme de preuve vérifiable, on a parfois proposé de voir dans le modèle pour la femme écrivant la lettre la propre femme de Vermeer, Catharina Bolnes. On a également pu suggérer que la servante était Tanneke Everpoel, au service de la belle-mère du peintre, Maria Thins, et qui aurait également pu servir de modèle à la maîtresse de La Lettre d'amour, et à La Laitière

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

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Prompt: Expliquer la Identification (hasardeuse) des modèles de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

En l'absence de toute forme de preuve vérifiable, on a parfois proposé de voir dans le modèle pour la femme écrivant la lettre la propre femme de Vermeer, Catharina Bolnes. On a également pu suggérer que la servante était Tanneke Everpoel, au service de la belle-mère du peintre, Maria Thins, et qui aurait également pu servir de modèle à la maîtresse de La Lettre d'amour, et à La Laitière

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Prompt: Comment Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante explique-t-il sa Identification (hasardeuse) des modèles?

En l'absence de toute forme de preuve vérifiable, on a parfois proposé de voir dans le modèle pour la femme écrivant la lettre la propre femme de Vermeer, Catharina Bolnes. On a également pu suggérer que la servante était Tanneke Everpoel, au service de la belle-mère du peintre, Maria Thins, et qui aurait également pu servir de modèle à la maîtresse de La Lettre d'amour, et à La Laitière

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''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment est discutée la Identification (hasardeuse) des modèles?

En l'absence de toute forme de preuve vérifiable, on a parfois proposé de voir dans le modèle pour la femme écrivant la lettre la propre femme de Vermeer, Catharina Bolnes. On a également pu suggérer que la servante était Tanneke Everpoel, au service de la belle-mère du peintre, Maria Thins, et qui aurait également pu servir de modèle à la maîtresse de La Lettre d'amour, et à La Laitière

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Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la Le motif de la lettre et la Analyse.

L’importance donnée à la lettre n’est pas surprenante chez les peintres des Pays-Bas, où l'écriture tenait une place importante dans l'éducation, et où la correspondance était un loisir prisé par les couches les plus hautes de la population, et tendant à se diffuser parmi la classe moyenne.Vecteur privilégié de la relation amoureuse et du jeu de la séduction, la lettre est un motif fréquent de la peinture de genre hollandaise, illustré par des contemporains de Vermeer tels que Gerard ter Borch, Gabriel Metsu ou Jan Steen, particulièrement dans les années 1650-1660, où il devient l'un des sujets à la mode, notamment en raison de ses potentialités évocatrices, puisqu'il « rend présent ce qui est absent ». Il est le plus souvent représenté du point de vue féminin, même si ce choix n'est absolument pas exclusif. Elle est également présente dans six des toiles de Vermeer parvenues jusqu'à nous, toujours associée à une jeune femme d'un statut social privilégié, comme le révèlent sa tenue élégante et l'intérieur servant de décor à la scène. Il ne fait aucun doute, dans chacun de ces six tableaux, que les lettres renvoient à une correspondance amoureuse. Outre la Femme écrivant une lettre et sa servante (vers 1670-1671), deux autres scènes épistolaires présentent une servante aux côtés de la maîtresse : La Maîtresse et sa servante (vers 1666-1667) et La Lettre d'amour (vers 1669). Les trois autres toiles représentent des jeunes femmes seules, soit lisant une lettre, dans La Liseuse à la fenêtre (vers 1657-1659) et La Femme en bleu lisant une lettre (vers 1662-1665), soit écrivant celle-ci, dans Jeune femme écrivant une lettre (vers 1665-1666).La Femme écrivant une lettre et sa servante a parfois été rapproché d'un tableau de Gabriel Metsu en particulier, la Femme lisant une lettre (Dublin, National Gallery of Ireland), en raison de la tenue très proche, ainsi que le rôle similaire des servantes des deux toiles, bien que celle de Metsu tourne le dos au spectateur. On a ainsi pu supposer que le peintre d'Amsterdam ait voyagé à Delft et étudié l'œuvre de Vermeer pour préparer la sienne, à moins que l'influence se soit produite dans l'autre sens, et que Vermeer ait dérivé sa servante de celle de Metsu. Autre source d'inspiration possible, la Femme scellant une lettre de Gerard ter Borch (1658-1659, 56,5 × 43,8 cm, New York, collection privée).

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Prompt: Expliquer la Le motif de la lettre concernant la Analyse de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

L’importance donnée à la lettre n’est pas surprenante chez les peintres des Pays-Bas, où l'écriture tenait une place importante dans l'éducation, et où la correspondance était un loisir prisé par les couches les plus hautes de la population, et tendant à se diffuser parmi la classe moyenne.Vecteur privilégié de la relation amoureuse et du jeu de la séduction, la lettre est un motif fréquent de la peinture de genre hollandaise, illustré par des contemporains de Vermeer tels que Gerard ter Borch, Gabriel Metsu ou Jan Steen, particulièrement dans les années 1650-1660, où il devient l'un des sujets à la mode, notamment en raison de ses potentialités évocatrices, puisqu'il « rend présent ce qui est absent ». Il est le plus souvent représenté du point de vue féminin, même si ce choix n'est absolument pas exclusif. Elle est également présente dans six des toiles de Vermeer parvenues jusqu'à nous, toujours associée à une jeune femme d'un statut social privilégié, comme le révèlent sa tenue élégante et l'intérieur servant de décor à la scène. Il ne fait aucun doute, dans chacun de ces six tableaux, que les lettres renvoient à une correspondance amoureuse. Outre la Femme écrivant une lettre et sa servante (vers 1670-1671), deux autres scènes épistolaires présentent une servante aux côtés de la maîtresse : La Maîtresse et sa servante (vers 1666-1667) et La Lettre d'amour (vers 1669). Les trois autres toiles représentent des jeunes femmes seules, soit lisant une lettre, dans La Liseuse à la fenêtre (vers 1657-1659) et La Femme en bleu lisant une lettre (vers 1662-1665), soit écrivant celle-ci, dans Jeune femme écrivant une lettre (vers 1665-1666).La Femme écrivant une lettre et sa servante a parfois été rapproché d'un tableau de Gabriel Metsu en particulier, la Femme lisant une lettre (Dublin, National Gallery of Ireland), en raison de la tenue très proche, ainsi que le rôle similaire des servantes des deux toiles, bien que celle de Metsu tourne le dos au spectateur. On a ainsi pu supposer que le peintre d'Amsterdam ait voyagé à Delft et étudié l'œuvre de Vermeer pour préparer la sienne, à moins que l'influence se soit produite dans l'autre sens, et que Vermeer ait dérivé sa servante de celle de Metsu. Autre source d'inspiration possible, la Femme scellant une lettre de Gerard ter Borch (1658-1659, 56,5 × 43,8 cm, New York, collection privée).

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Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Fichier:Johannes Vermeer - Lady at the Virginal with a Gentleman, 'The Music Lesson' - Google Art Project.jpg

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment la Le motif de la lettre de la Analyse est-elle expliquée?

L’importance donnée à la lettre n’est pas surprenante chez les peintres des Pays-Bas, où l'écriture tenait une place importante dans l'éducation, et où la correspondance était un loisir prisé par les couches les plus hautes de la population, et tendant à se diffuser parmi la classe moyenne.Vecteur privilégié de la relation amoureuse et du jeu de la séduction, la lettre est un motif fréquent de la peinture de genre hollandaise, illustré par des contemporains de Vermeer tels que Gerard ter Borch, Gabriel Metsu ou Jan Steen, particulièrement dans les années 1650-1660, où il devient l'un des sujets à la mode, notamment en raison de ses potentialités évocatrices, puisqu'il « rend présent ce qui est absent ». Il est le plus souvent représenté du point de vue féminin, même si ce choix n'est absolument pas exclusif. Elle est également présente dans six des toiles de Vermeer parvenues jusqu'à nous, toujours associée à une jeune femme d'un statut social privilégié, comme le révèlent sa tenue élégante et l'intérieur servant de décor à la scène. Il ne fait aucun doute, dans chacun de ces six tableaux, que les lettres renvoient à une correspondance amoureuse. Outre la Femme écrivant une lettre et sa servante (vers 1670-1671), deux autres scènes épistolaires présentent une servante aux côtés de la maîtresse : La Maîtresse et sa servante (vers 1666-1667) et La Lettre d'amour (vers 1669). Les trois autres toiles représentent des jeunes femmes seules, soit lisant une lettre, dans La Liseuse à la fenêtre (vers 1657-1659) et La Femme en bleu lisant une lettre (vers 1662-1665), soit écrivant celle-ci, dans Jeune femme écrivant une lettre (vers 1665-1666).La Femme écrivant une lettre et sa servante a parfois été rapproché d'un tableau de Gabriel Metsu en particulier, la Femme lisant une lettre (Dublin, National Gallery of Ireland), en raison de la tenue très proche, ainsi que le rôle similaire des servantes des deux toiles, bien que celle de Metsu tourne le dos au spectateur. On a ainsi pu supposer que le peintre d'Amsterdam ait voyagé à Delft et étudié l'œuvre de Vermeer pour préparer la sienne, à moins que l'influence se soit produite dans l'autre sens, et que Vermeer ait dérivé sa servante de celle de Metsu. Autre source d'inspiration possible, la Femme scellant une lettre de Gerard ter Borch (1658-1659, 56,5 × 43,8 cm, New York, collection privée).

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

Fichier:Monsieur Eugene Secretan art sale catalogue Sedelmayer Paris 1889.jpg

Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

Fichier:Woman Reading a Letter by Gabriël Metsu.jpg

''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

Fichier:Johannes Vermeer - The Astronomer - 1668.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Lady at the Virginal with a Gentleman, 'The Music Lesson' - Google Art Project.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg

Fichier:Vermeer - Woman with a Lute near a window.jpg


Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le motif de la lettre dans la Analyse de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

L’importance donnée à la lettre n’est pas surprenante chez les peintres des Pays-Bas, où l'écriture tenait une place importante dans l'éducation, et où la correspondance était un loisir prisé par les couches les plus hautes de la population, et tendant à se diffuser parmi la classe moyenne.Vecteur privilégié de la relation amoureuse et du jeu de la séduction, la lettre est un motif fréquent de la peinture de genre hollandaise, illustré par des contemporains de Vermeer tels que Gerard ter Borch, Gabriel Metsu ou Jan Steen, particulièrement dans les années 1650-1660, où il devient l'un des sujets à la mode, notamment en raison de ses potentialités évocatrices, puisqu'il « rend présent ce qui est absent ». Il est le plus souvent représenté du point de vue féminin, même si ce choix n'est absolument pas exclusif. Elle est également présente dans six des toiles de Vermeer parvenues jusqu'à nous, toujours associée à une jeune femme d'un statut social privilégié, comme le révèlent sa tenue élégante et l'intérieur servant de décor à la scène. Il ne fait aucun doute, dans chacun de ces six tableaux, que les lettres renvoient à une correspondance amoureuse. Outre la Femme écrivant une lettre et sa servante (vers 1670-1671), deux autres scènes épistolaires présentent une servante aux côtés de la maîtresse : La Maîtresse et sa servante (vers 1666-1667) et La Lettre d'amour (vers 1669). Les trois autres toiles représentent des jeunes femmes seules, soit lisant une lettre, dans La Liseuse à la fenêtre (vers 1657-1659) et La Femme en bleu lisant une lettre (vers 1662-1665), soit écrivant celle-ci, dans Jeune femme écrivant une lettre (vers 1665-1666).La Femme écrivant une lettre et sa servante a parfois été rapproché d'un tableau de Gabriel Metsu en particulier, la Femme lisant une lettre (Dublin, National Gallery of Ireland), en raison de la tenue très proche, ainsi que le rôle similaire des servantes des deux toiles, bien que celle de Metsu tourne le dos au spectateur. On a ainsi pu supposer que le peintre d'Amsterdam ait voyagé à Delft et étudié l'œuvre de Vermeer pour préparer la sienne, à moins que l'influence se soit produite dans l'autre sens, et que Vermeer ait dérivé sa servante de celle de Metsu. Autre source d'inspiration possible, la Femme scellant une lettre de Gerard ter Borch (1658-1659, 56,5 × 43,8 cm, New York, collection privée).

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la La relation entre les deux femmes et la Analyse.

La présence de la servante est, tout d'abord, un marqueur social évident désignant la haute condition de la jeune femme écrivant. Cet écart social est rendu évident par les tenues — par exemple le tablier de la servante, par opposition aux bijoux de la maîtresse —, par la position dans la pièce — la domestique se tenant en retrait, prête à servir —, mais aussi par l'activité d'écriture, à une époque où la majorité du peuple demeurait illettrée.La servante joue de plus un rôle fonctionnel essentiel dans la scène représentée : placée en attente, elle servira bientôt de messagère pour transmettre la lettre qu'est en train d'écrire sa maîtresse, et visualise sa tâche à venir en regardant par la fenêtre. Elle représente donc, tout comme la lettre, le lien entre sa maîtresse et le destinataire, que l’on peut supposer être un homme. Ceci renvoie à une fonction traditionnelle des servantes, dans la peinture de genre comme la littérature populaire et le théâtre, comme femme de confiance, voire confidente, notamment dans les intrigues amoureuses des maîtres. En ce sens, la servante est certes étrangère au contenu de la lettre, mais demeure l'agent essentiel de mise en contact entre la maîtresse et son amoureux.La critique (notamment féminine, avec Annie Leclerc, Jane Gallop et Carolyn Steedman) a en outre fait remarquer que l'intérêt du tableau se déplaçait de la relation entre la jeune femme et la lettre qu'elle écrivait, représentant le jeune homme absent, à la relation entre celle-ci et sa servante. En effet, le tableau montre deux femmes, non une femme et son amoureux, et place celle qui est inférieure socialement, certes en retrait d'un point de vue de la profondeur de l'espace figuré, mais bel et bien au centre de la composition.  Le rapport émotionnel et sentimental entre les deux femmes reste cependant ouvert à l'interprétation. Certains ont insisté sur l'opposition entre la servante et la maîtresse qui sont « sur le plan psychologique et émotionnel […] dans deux mondes différents », en notant par exemple que la position des corps traduisait une absence de communication entre les deux femmes, et que les bras croisées de la servante exprimaient extérieurement un sentiment de maîtrise de soi, alors que la maîtresse était visiblement en proie à une agitation amoureuse. D'autres voient dans l'expression, l'attitude et le regard par la fenêtre de la servante, soit l'expression de l'ennui liée à l'attente, soit celle de la discrétion qui sied à une confidente. D'autres encore ont essayé de rapprocher les deux femmes, en voyant dans le regard vers l'extérieur la traduction d'une rêverie qui, à l'instar du sentiment qui agite la maîtresse, ne peut manquer d'être amoureuse, même si cette interprétation est contestée par ceux qui trouvent un air sérieux à cette même servante. Peut-être que ces hésitations tiennent au caractère contradictoire des signes représentées sur la toile : même si « la complicité ne passe ni par le regard, ni par le sourire », la simple présence de la servante lors d'un acte aussi intime que l'écriture d'une lettre d'amour suppose un haut degré de confiance entre les deux femmes. Et celles-ci peuvent paraître davantage complémentaires qu'opposées : si la jeune maîtresse a la faculté d'écrire, elle jouit cependant d’une liberté réduite qui la confine dans l'espace de son intérieur domestique. Au contraire, la servante peut s'échapper de cette intériorité, et rejoindre physiquement le destinataire de la lettre, afin d'apporter la réponse, dans l'espace extérieur de la rue qu'elle contemple par la fenêtre.Finalement, tout comme le contenu de la lettre qu'écrit la maîtresse, l'intériorité de la servante reste opaque, voire inaccessible au spectateur, et acquiert une autonomie équivalente à celle de sa maîtresse — la seule différence résidant dans la maîtrise ou non de l'écrit, marqueur d'opposition sociale entre les deux femmes.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

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Prompt: Expliquer la La relation entre les deux femmes concernant la Analyse de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La présence de la servante est, tout d'abord, un marqueur social évident désignant la haute condition de la jeune femme écrivant. Cet écart social est rendu évident par les tenues — par exemple le tablier de la servante, par opposition aux bijoux de la maîtresse —, par la position dans la pièce — la domestique se tenant en retrait, prête à servir —, mais aussi par l'activité d'écriture, à une époque où la majorité du peuple demeurait illettrée.La servante joue de plus un rôle fonctionnel essentiel dans la scène représentée : placée en attente, elle servira bientôt de messagère pour transmettre la lettre qu'est en train d'écrire sa maîtresse, et visualise sa tâche à venir en regardant par la fenêtre. Elle représente donc, tout comme la lettre, le lien entre sa maîtresse et le destinataire, que l’on peut supposer être un homme. Ceci renvoie à une fonction traditionnelle des servantes, dans la peinture de genre comme la littérature populaire et le théâtre, comme femme de confiance, voire confidente, notamment dans les intrigues amoureuses des maîtres. En ce sens, la servante est certes étrangère au contenu de la lettre, mais demeure l'agent essentiel de mise en contact entre la maîtresse et son amoureux.La critique (notamment féminine, avec Annie Leclerc, Jane Gallop et Carolyn Steedman) a en outre fait remarquer que l'intérêt du tableau se déplaçait de la relation entre la jeune femme et la lettre qu'elle écrivait, représentant le jeune homme absent, à la relation entre celle-ci et sa servante. En effet, le tableau montre deux femmes, non une femme et son amoureux, et place celle qui est inférieure socialement, certes en retrait d'un point de vue de la profondeur de l'espace figuré, mais bel et bien au centre de la composition.  Le rapport émotionnel et sentimental entre les deux femmes reste cependant ouvert à l'interprétation. Certains ont insisté sur l'opposition entre la servante et la maîtresse qui sont « sur le plan psychologique et émotionnel […] dans deux mondes différents », en notant par exemple que la position des corps traduisait une absence de communication entre les deux femmes, et que les bras croisées de la servante exprimaient extérieurement un sentiment de maîtrise de soi, alors que la maîtresse était visiblement en proie à une agitation amoureuse. D'autres voient dans l'expression, l'attitude et le regard par la fenêtre de la servante, soit l'expression de l'ennui liée à l'attente, soit celle de la discrétion qui sied à une confidente. D'autres encore ont essayé de rapprocher les deux femmes, en voyant dans le regard vers l'extérieur la traduction d'une rêverie qui, à l'instar du sentiment qui agite la maîtresse, ne peut manquer d'être amoureuse, même si cette interprétation est contestée par ceux qui trouvent un air sérieux à cette même servante. Peut-être que ces hésitations tiennent au caractère contradictoire des signes représentées sur la toile : même si « la complicité ne passe ni par le regard, ni par le sourire », la simple présence de la servante lors d'un acte aussi intime que l'écriture d'une lettre d'amour suppose un haut degré de confiance entre les deux femmes. Et celles-ci peuvent paraître davantage complémentaires qu'opposées : si la jeune maîtresse a la faculté d'écrire, elle jouit cependant d’une liberté réduite qui la confine dans l'espace de son intérieur domestique. Au contraire, la servante peut s'échapper de cette intériorité, et rejoindre physiquement le destinataire de la lettre, afin d'apporter la réponse, dans l'espace extérieur de la rue qu'elle contemple par la fenêtre.Finalement, tout comme le contenu de la lettre qu'écrit la maîtresse, l'intériorité de la servante reste opaque, voire inaccessible au spectateur, et acquiert une autonomie équivalente à celle de sa maîtresse — la seule différence résidant dans la maîtrise ou non de l'écrit, marqueur d'opposition sociale entre les deux femmes.

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alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment la La relation entre les deux femmes de la Analyse est-elle expliquée?

La présence de la servante est, tout d'abord, un marqueur social évident désignant la haute condition de la jeune femme écrivant. Cet écart social est rendu évident par les tenues — par exemple le tablier de la servante, par opposition aux bijoux de la maîtresse —, par la position dans la pièce — la domestique se tenant en retrait, prête à servir —, mais aussi par l'activité d'écriture, à une époque où la majorité du peuple demeurait illettrée.La servante joue de plus un rôle fonctionnel essentiel dans la scène représentée : placée en attente, elle servira bientôt de messagère pour transmettre la lettre qu'est en train d'écrire sa maîtresse, et visualise sa tâche à venir en regardant par la fenêtre. Elle représente donc, tout comme la lettre, le lien entre sa maîtresse et le destinataire, que l’on peut supposer être un homme. Ceci renvoie à une fonction traditionnelle des servantes, dans la peinture de genre comme la littérature populaire et le théâtre, comme femme de confiance, voire confidente, notamment dans les intrigues amoureuses des maîtres. En ce sens, la servante est certes étrangère au contenu de la lettre, mais demeure l'agent essentiel de mise en contact entre la maîtresse et son amoureux.La critique (notamment féminine, avec Annie Leclerc, Jane Gallop et Carolyn Steedman) a en outre fait remarquer que l'intérêt du tableau se déplaçait de la relation entre la jeune femme et la lettre qu'elle écrivait, représentant le jeune homme absent, à la relation entre celle-ci et sa servante. En effet, le tableau montre deux femmes, non une femme et son amoureux, et place celle qui est inférieure socialement, certes en retrait d'un point de vue de la profondeur de l'espace figuré, mais bel et bien au centre de la composition.  Le rapport émotionnel et sentimental entre les deux femmes reste cependant ouvert à l'interprétation. Certains ont insisté sur l'opposition entre la servante et la maîtresse qui sont « sur le plan psychologique et émotionnel […] dans deux mondes différents », en notant par exemple que la position des corps traduisait une absence de communication entre les deux femmes, et que les bras croisées de la servante exprimaient extérieurement un sentiment de maîtrise de soi, alors que la maîtresse était visiblement en proie à une agitation amoureuse. D'autres voient dans l'expression, l'attitude et le regard par la fenêtre de la servante, soit l'expression de l'ennui liée à l'attente, soit celle de la discrétion qui sied à une confidente. D'autres encore ont essayé de rapprocher les deux femmes, en voyant dans le regard vers l'extérieur la traduction d'une rêverie qui, à l'instar du sentiment qui agite la maîtresse, ne peut manquer d'être amoureuse, même si cette interprétation est contestée par ceux qui trouvent un air sérieux à cette même servante. Peut-être que ces hésitations tiennent au caractère contradictoire des signes représentées sur la toile : même si « la complicité ne passe ni par le regard, ni par le sourire », la simple présence de la servante lors d'un acte aussi intime que l'écriture d'une lettre d'amour suppose un haut degré de confiance entre les deux femmes. Et celles-ci peuvent paraître davantage complémentaires qu'opposées : si la jeune maîtresse a la faculté d'écrire, elle jouit cependant d’une liberté réduite qui la confine dans l'espace de son intérieur domestique. Au contraire, la servante peut s'échapper de cette intériorité, et rejoindre physiquement le destinataire de la lettre, afin d'apporter la réponse, dans l'espace extérieur de la rue qu'elle contemple par la fenêtre.Finalement, tout comme le contenu de la lettre qu'écrit la maîtresse, l'intériorité de la servante reste opaque, voire inaccessible au spectateur, et acquiert une autonomie équivalente à celle de sa maîtresse — la seule différence résidant dans la maîtrise ou non de l'écrit, marqueur d'opposition sociale entre les deux femmes.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

Fichier:Monsieur Eugene Secretan art sale catalogue Sedelmayer Paris 1889.jpg

Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Décrivez les caractéristiques de la La relation entre les deux femmes dans la Analyse de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La présence de la servante est, tout d'abord, un marqueur social évident désignant la haute condition de la jeune femme écrivant. Cet écart social est rendu évident par les tenues — par exemple le tablier de la servante, par opposition aux bijoux de la maîtresse —, par la position dans la pièce — la domestique se tenant en retrait, prête à servir —, mais aussi par l'activité d'écriture, à une époque où la majorité du peuple demeurait illettrée.La servante joue de plus un rôle fonctionnel essentiel dans la scène représentée : placée en attente, elle servira bientôt de messagère pour transmettre la lettre qu'est en train d'écrire sa maîtresse, et visualise sa tâche à venir en regardant par la fenêtre. Elle représente donc, tout comme la lettre, le lien entre sa maîtresse et le destinataire, que l’on peut supposer être un homme. Ceci renvoie à une fonction traditionnelle des servantes, dans la peinture de genre comme la littérature populaire et le théâtre, comme femme de confiance, voire confidente, notamment dans les intrigues amoureuses des maîtres. En ce sens, la servante est certes étrangère au contenu de la lettre, mais demeure l'agent essentiel de mise en contact entre la maîtresse et son amoureux.La critique (notamment féminine, avec Annie Leclerc, Jane Gallop et Carolyn Steedman) a en outre fait remarquer que l'intérêt du tableau se déplaçait de la relation entre la jeune femme et la lettre qu'elle écrivait, représentant le jeune homme absent, à la relation entre celle-ci et sa servante. En effet, le tableau montre deux femmes, non une femme et son amoureux, et place celle qui est inférieure socialement, certes en retrait d'un point de vue de la profondeur de l'espace figuré, mais bel et bien au centre de la composition.  Le rapport émotionnel et sentimental entre les deux femmes reste cependant ouvert à l'interprétation. Certains ont insisté sur l'opposition entre la servante et la maîtresse qui sont « sur le plan psychologique et émotionnel […] dans deux mondes différents », en notant par exemple que la position des corps traduisait une absence de communication entre les deux femmes, et que les bras croisées de la servante exprimaient extérieurement un sentiment de maîtrise de soi, alors que la maîtresse était visiblement en proie à une agitation amoureuse. D'autres voient dans l'expression, l'attitude et le regard par la fenêtre de la servante, soit l'expression de l'ennui liée à l'attente, soit celle de la discrétion qui sied à une confidente. D'autres encore ont essayé de rapprocher les deux femmes, en voyant dans le regard vers l'extérieur la traduction d'une rêverie qui, à l'instar du sentiment qui agite la maîtresse, ne peut manquer d'être amoureuse, même si cette interprétation est contestée par ceux qui trouvent un air sérieux à cette même servante. Peut-être que ces hésitations tiennent au caractère contradictoire des signes représentées sur la toile : même si « la complicité ne passe ni par le regard, ni par le sourire », la simple présence de la servante lors d'un acte aussi intime que l'écriture d'une lettre d'amour suppose un haut degré de confiance entre les deux femmes. Et celles-ci peuvent paraître davantage complémentaires qu'opposées : si la jeune maîtresse a la faculté d'écrire, elle jouit cependant d’une liberté réduite qui la confine dans l'espace de son intérieur domestique. Au contraire, la servante peut s'échapper de cette intériorité, et rejoindre physiquement le destinataire de la lettre, afin d'apporter la réponse, dans l'espace extérieur de la rue qu'elle contemple par la fenêtre.Finalement, tout comme le contenu de la lettre qu'écrit la maîtresse, l'intériorité de la servante reste opaque, voire inaccessible au spectateur, et acquiert une autonomie équivalente à celle de sa maîtresse — la seule différence résidant dans la maîtrise ou non de l'écrit, marqueur d'opposition sociale entre les deux femmes.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la L'intérieur et l'extérieur et la Analyse.

La scène présente une dynamique entre intérieur et extérieur, chez un peintre qui a l'habitude d'exclure l'extérieur pour le réintroduire de façon allusive dans la représentation d'un intérieur clos et feutrée. Daniel Arasse a noté que les objets-relais évoquant l'extérieur sont, dans l'ensemble de l'œuvre de Vermeer, au nombre de trois : la lettre, la carte, et le tableau-dans-le-tableau, mais n'apparaissent que par deux — ici la lettre et le tableau. Cette réduction des éléments, combinée au fait que le premier plan soit encombré — par la table à droite et un rideau à gauche —, empêche en quelque sorte le spectateur de pénétrer directement, non dans la toile, mais, métaphoriquement, dans son contenu explicite, en insistant sur la sphère de l'intime et du privé, qui se joue entre la jeune femme et sa lettre. Il y aurait donc une relation ambiguë, entre le dévoilement quasi voyeur d'une scène intime, et préservation du secret de cette scène.D'autres éléments cependant peuvent renvoyer, dans ce tableau précis, au monde extérieur. La lettre froissée à terre, ainsi que le sceau rouge qui semble indiquer qu'il s'agit d'une lettre qui vient d'être décachetée, renvoient tout d'abord à la communication avec l'extérieur, en suggérant une correspondance, amoureuse selon toute vraisemblance. Dena Goodman insiste également sur la présence, dans les intérieurs de Vermeer, de fenêtres évoquant le monde extérieur. Certes, celle de la Femme écrivant une lettre et sa servante est fermée, à la différence de celle de La Liseuse à la fenêtre. Mais le regard de la servante est clairement dirigé vers l'espace du dehors, et renvoie à son rôle de messagère, de lien entre l'intérieur et l'extérieur, et finalement d'intermédiaire, redoublant en quelque sorte la fonction de la lettre qu'elle devra porter à l'amant de sa maîtresse.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Expliquer la L'intérieur et l'extérieur concernant la Analyse de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La scène présente une dynamique entre intérieur et extérieur, chez un peintre qui a l'habitude d'exclure l'extérieur pour le réintroduire de façon allusive dans la représentation d'un intérieur clos et feutrée. Daniel Arasse a noté que les objets-relais évoquant l'extérieur sont, dans l'ensemble de l'œuvre de Vermeer, au nombre de trois : la lettre, la carte, et le tableau-dans-le-tableau, mais n'apparaissent que par deux — ici la lettre et le tableau. Cette réduction des éléments, combinée au fait que le premier plan soit encombré — par la table à droite et un rideau à gauche —, empêche en quelque sorte le spectateur de pénétrer directement, non dans la toile, mais, métaphoriquement, dans son contenu explicite, en insistant sur la sphère de l'intime et du privé, qui se joue entre la jeune femme et sa lettre. Il y aurait donc une relation ambiguë, entre le dévoilement quasi voyeur d'une scène intime, et préservation du secret de cette scène.D'autres éléments cependant peuvent renvoyer, dans ce tableau précis, au monde extérieur. La lettre froissée à terre, ainsi que le sceau rouge qui semble indiquer qu'il s'agit d'une lettre qui vient d'être décachetée, renvoient tout d'abord à la communication avec l'extérieur, en suggérant une correspondance, amoureuse selon toute vraisemblance. Dena Goodman insiste également sur la présence, dans les intérieurs de Vermeer, de fenêtres évoquant le monde extérieur. Certes, celle de la Femme écrivant une lettre et sa servante est fermée, à la différence de celle de La Liseuse à la fenêtre. Mais le regard de la servante est clairement dirigé vers l'espace du dehors, et renvoie à son rôle de messagère, de lien entre l'intérieur et l'extérieur, et finalement d'intermédiaire, redoublant en quelque sorte la fonction de la lettre qu'elle devra porter à l'amant de sa maîtresse.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

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alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment la L'intérieur et l'extérieur de la Analyse est-elle expliquée?

La scène présente une dynamique entre intérieur et extérieur, chez un peintre qui a l'habitude d'exclure l'extérieur pour le réintroduire de façon allusive dans la représentation d'un intérieur clos et feutrée. Daniel Arasse a noté que les objets-relais évoquant l'extérieur sont, dans l'ensemble de l'œuvre de Vermeer, au nombre de trois : la lettre, la carte, et le tableau-dans-le-tableau, mais n'apparaissent que par deux — ici la lettre et le tableau. Cette réduction des éléments, combinée au fait que le premier plan soit encombré — par la table à droite et un rideau à gauche —, empêche en quelque sorte le spectateur de pénétrer directement, non dans la toile, mais, métaphoriquement, dans son contenu explicite, en insistant sur la sphère de l'intime et du privé, qui se joue entre la jeune femme et sa lettre. Il y aurait donc une relation ambiguë, entre le dévoilement quasi voyeur d'une scène intime, et préservation du secret de cette scène.D'autres éléments cependant peuvent renvoyer, dans ce tableau précis, au monde extérieur. La lettre froissée à terre, ainsi que le sceau rouge qui semble indiquer qu'il s'agit d'une lettre qui vient d'être décachetée, renvoient tout d'abord à la communication avec l'extérieur, en suggérant une correspondance, amoureuse selon toute vraisemblance. Dena Goodman insiste également sur la présence, dans les intérieurs de Vermeer, de fenêtres évoquant le monde extérieur. Certes, celle de la Femme écrivant une lettre et sa servante est fermée, à la différence de celle de La Liseuse à la fenêtre. Mais le regard de la servante est clairement dirigé vers l'espace du dehors, et renvoie à son rôle de messagère, de lien entre l'intérieur et l'extérieur, et finalement d'intermédiaire, redoublant en quelque sorte la fonction de la lettre qu'elle devra porter à l'amant de sa maîtresse.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

Fichier:Monsieur Eugene Secretan art sale catalogue Sedelmayer Paris 1889.jpg

Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

Fichier:Woman Reading a Letter by Gabriël Metsu.jpg

''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

Fichier:Johannes Vermeer - The Astronomer - 1668.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Lady at the Virginal with a Gentleman, 'The Music Lesson' - Google Art Project.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg

Fichier:Vermeer - Woman with a Lute near a window.jpg


Prompt: Décrivez les caractéristiques de la L'intérieur et l'extérieur dans la Analyse de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

La scène présente une dynamique entre intérieur et extérieur, chez un peintre qui a l'habitude d'exclure l'extérieur pour le réintroduire de façon allusive dans la représentation d'un intérieur clos et feutrée. Daniel Arasse a noté que les objets-relais évoquant l'extérieur sont, dans l'ensemble de l'œuvre de Vermeer, au nombre de trois : la lettre, la carte, et le tableau-dans-le-tableau, mais n'apparaissent que par deux — ici la lettre et le tableau. Cette réduction des éléments, combinée au fait que le premier plan soit encombré — par la table à droite et un rideau à gauche —, empêche en quelque sorte le spectateur de pénétrer directement, non dans la toile, mais, métaphoriquement, dans son contenu explicite, en insistant sur la sphère de l'intime et du privé, qui se joue entre la jeune femme et sa lettre. Il y aurait donc une relation ambiguë, entre le dévoilement quasi voyeur d'une scène intime, et préservation du secret de cette scène.D'autres éléments cependant peuvent renvoyer, dans ce tableau précis, au monde extérieur. La lettre froissée à terre, ainsi que le sceau rouge qui semble indiquer qu'il s'agit d'une lettre qui vient d'être décachetée, renvoient tout d'abord à la communication avec l'extérieur, en suggérant une correspondance, amoureuse selon toute vraisemblance. Dena Goodman insiste également sur la présence, dans les intérieurs de Vermeer, de fenêtres évoquant le monde extérieur. Certes, celle de la Femme écrivant une lettre et sa servante est fermée, à la différence de celle de La Liseuse à la fenêtre. Mais le regard de la servante est clairement dirigé vers l'espace du dehors, et renvoie à son rôle de messagère, de lien entre l'intérieur et l'extérieur, et finalement d'intermédiaire, redoublant en quelque sorte la fonction de la lettre qu'elle devra porter à l'amant de sa maîtresse.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la Le tableau dans le tableau et la Analyse.

Le tableau qui apparaît dans la partie supérieure droite de la toile, et qui est en partie coupé par le cadre, prend comme sujet Moïse sauvé des eaux. Il illustre le passage du Livre de l'Exode de la Bible dans lequel la fille de Pharaon recueille Moïse confié au Nil par sa mère. Il s'agit vraisemblablement d'un tableau que possédait Vermeer ou sa famille, même s'il n'a pas encore été formellement identifié. Certains y voient le Moïse sauvé des eaux de Jacob van Loo, d'autres celui de Christiaen van Couwenbergh, d'autres encore un tableau de jeunesse de Peter Lely. L'hypothèse selon laquelle le tableau-dans-le-tableau serait une œuvre de Vermeer lui-même, qu'il faudrait par conséquent ajouter à la liste de ses œuvres, ne repose sur aucun fondement réel, dans la mesure où aucun autre tableau du peintre ne reproduit cette éventuelle pratique de l'autocitation.Le même tableau apparaît dans une autre œuvre de Vermeer, L'Astronome, daté de 1668, mais selon un cadrage et dans une taille nettement différents, ce qui a pu faire dire que le peintre soumettait le tableau-dans-le-tableau aux nécessités de sa composition. Dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, le Moïse sauvé des eaux, de très grand format, est beaucoup plus imposant, et la part occupée par le paysage est plus importante, à gauche, à droite, comme au-dessus du groupe de personnages. La scène est de plus tronquée différemment par le cadre : dans L'Astronome, le tableau est coupé au niveau de la fille de Pharaon agenouillée, ce qui occulte le personnage de Moïse sur ses genoux, alors que dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, l'enfant nu est bel et bien représenté, avec deux autres adultes à sa droite. La « parenté formelle » entre les deux compositions est frappante. Dans les deux tableaux, le personnage principal, l'épistolière d'un côté, la fille de Pharaon de l'autre, est située dans la lumière, au sommet d'un triangle partant de l'angle supérieur gauche des deux toiles, et interrompu par un personnage debout, la servante dans un cas, le personnage se tenant derrière la fille de Pharaon de l'autre.La présence imposante de ce tableau-dans-le-tableau, au sujet religieux issu de l'Ancien Testament, semble commander la signification de la scène, même si aucune interprétation définitive ne s'est encore imposée. Le motif de la découverte de Moïse a par exemple été mis en relation avec l’abandon d’enfants — pratique encore relativement fréquente au XVIIe siècle —, ce qui constituerait une mise en garde contre les liaisons extraconjugales qu'évoquerait la correspondance épistolaire. Le tableau pourrait également perdre de sa connotation religieuse et renvoyer, selon une analogie assez lâche, à la correspondance de la jeune femme dont le contenu reste secret à celle qui devra la transmettre, à la manière de Moïse, futur sauveur du peuple d'Israël, confié bébé au Nil et recueilli par la fille de Pharaon. Lisa Vergara propose une analogie bien plus étroite entre les deux scènes, en notant un alignement vertical de différents motifs essentiels : la fille de Pharaon tenant Moïse sur le tableau-dans-le-tableau, la jeune femme au-dessous d'elle, la lettre que celle-ci est en train d'écrire, un pied de la chaise du premier plan, et enfin, au sol, le papier froissé de la lettre qui vient d'être reçue. Ceci inciterait à voir dans la fille de Pharaon, incarnant « la sollicitude, la compassion, la noblesse et l'indépendance », un modèle de vertu pour la femme hollandaise. En poursuivant l'analogie, l'historienne de l'art relie également la servante en retrait et la femme debout dans la toile, derrière la fille de Pharaon, qui pourrait être la « sœur » aînée de Moïse, Myriam, envoyée pour le suivre, et qui anticiperait le futur rôle de messager de la servante. Peter Sutton fait remarquer que l'histoire de Moïse avait été largement popularisée par un ouvrage bien connu des peintres d'Histoire hollandais, les Antiquités judaïques de Flavius Josèphe, et était interprétée comme la preuve de la Providence divine, ainsi que la faculté de Dieu de rassembler des factions opposées. dans ces circonstances, le tableau-dans-le-tableau pourrait renvoyer au contenu de la lettre, et suggérer, en passant du plan divin au plan domestique, les bonnes intentions de sa rédactrice : salut, réconciliation, et sérénité.Walter Liedtke cependant refuse cette analogie entre les deux scènes, qui, selon lui, s'opposeraient bien plutôt : d'un côté, il y aurait les préoccupations profondes des temps anciens, quand il s'agissait de sauver un peuple, de l'autre, les occupations futiles des temps modernes, les « frémissement[s] [du] cœur et de [l']esprit ». Plus que de fixer définitivement la signification de la scène principale, le tableau-dans-le-tableau rappellerait donc les « capacités "polysémiques" de la représentation de la peinture », en affirmant le caractère fondamentalement ouvert à l'interprétation de celle-ci.

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Prompt: Expliquer la Le tableau dans le tableau concernant la Analyse de cette œuvre d'art, Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

Le tableau qui apparaît dans la partie supérieure droite de la toile, et qui est en partie coupé par le cadre, prend comme sujet Moïse sauvé des eaux. Il illustre le passage du Livre de l'Exode de la Bible dans lequel la fille de Pharaon recueille Moïse confié au Nil par sa mère. Il s'agit vraisemblablement d'un tableau que possédait Vermeer ou sa famille, même s'il n'a pas encore été formellement identifié. Certains y voient le Moïse sauvé des eaux de Jacob van Loo, d'autres celui de Christiaen van Couwenbergh, d'autres encore un tableau de jeunesse de Peter Lely. L'hypothèse selon laquelle le tableau-dans-le-tableau serait une œuvre de Vermeer lui-même, qu'il faudrait par conséquent ajouter à la liste de ses œuvres, ne repose sur aucun fondement réel, dans la mesure où aucun autre tableau du peintre ne reproduit cette éventuelle pratique de l'autocitation.Le même tableau apparaît dans une autre œuvre de Vermeer, L'Astronome, daté de 1668, mais selon un cadrage et dans une taille nettement différents, ce qui a pu faire dire que le peintre soumettait le tableau-dans-le-tableau aux nécessités de sa composition. Dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, le Moïse sauvé des eaux, de très grand format, est beaucoup plus imposant, et la part occupée par le paysage est plus importante, à gauche, à droite, comme au-dessus du groupe de personnages. La scène est de plus tronquée différemment par le cadre : dans L'Astronome, le tableau est coupé au niveau de la fille de Pharaon agenouillée, ce qui occulte le personnage de Moïse sur ses genoux, alors que dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, l'enfant nu est bel et bien représenté, avec deux autres adultes à sa droite. La « parenté formelle » entre les deux compositions est frappante. Dans les deux tableaux, le personnage principal, l'épistolière d'un côté, la fille de Pharaon de l'autre, est située dans la lumière, au sommet d'un triangle partant de l'angle supérieur gauche des deux toiles, et interrompu par un personnage debout, la servante dans un cas, le personnage se tenant derrière la fille de Pharaon de l'autre.La présence imposante de ce tableau-dans-le-tableau, au sujet religieux issu de l'Ancien Testament, semble commander la signification de la scène, même si aucune interprétation définitive ne s'est encore imposée. Le motif de la découverte de Moïse a par exemple été mis en relation avec l’abandon d’enfants — pratique encore relativement fréquente au XVIIe siècle —, ce qui constituerait une mise en garde contre les liaisons extraconjugales qu'évoquerait la correspondance épistolaire. Le tableau pourrait également perdre de sa connotation religieuse et renvoyer, selon une analogie assez lâche, à la correspondance de la jeune femme dont le contenu reste secret à celle qui devra la transmettre, à la manière de Moïse, futur sauveur du peuple d'Israël, confié bébé au Nil et recueilli par la fille de Pharaon. Lisa Vergara propose une analogie bien plus étroite entre les deux scènes, en notant un alignement vertical de différents motifs essentiels : la fille de Pharaon tenant Moïse sur le tableau-dans-le-tableau, la jeune femme au-dessous d'elle, la lettre que celle-ci est en train d'écrire, un pied de la chaise du premier plan, et enfin, au sol, le papier froissé de la lettre qui vient d'être reçue. Ceci inciterait à voir dans la fille de Pharaon, incarnant « la sollicitude, la compassion, la noblesse et l'indépendance », un modèle de vertu pour la femme hollandaise. En poursuivant l'analogie, l'historienne de l'art relie également la servante en retrait et la femme debout dans la toile, derrière la fille de Pharaon, qui pourrait être la « sœur » aînée de Moïse, Myriam, envoyée pour le suivre, et qui anticiperait le futur rôle de messager de la servante. Peter Sutton fait remarquer que l'histoire de Moïse avait été largement popularisée par un ouvrage bien connu des peintres d'Histoire hollandais, les Antiquités judaïques de Flavius Josèphe, et était interprétée comme la preuve de la Providence divine, ainsi que la faculté de Dieu de rassembler des factions opposées. dans ces circonstances, le tableau-dans-le-tableau pourrait renvoyer au contenu de la lettre, et suggérer, en passant du plan divin au plan domestique, les bonnes intentions de sa rédactrice : salut, réconciliation, et sérénité.Walter Liedtke cependant refuse cette analogie entre les deux scènes, qui, selon lui, s'opposeraient bien plutôt : d'un côté, il y aurait les préoccupations profondes des temps anciens, quand il s'agissait de sauver un peuple, de l'autre, les occupations futiles des temps modernes, les « frémissement[s] [du] cœur et de [l']esprit ». Plus que de fixer définitivement la signification de la scène principale, le tableau-dans-le-tableau rappellerait donc les « capacités "polysémiques" de la représentation de la peinture », en affirmant le caractère fondamentalement ouvert à l'interprétation de celle-ci.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Prompt: Dans Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, comment la Le tableau dans le tableau de la Analyse est-elle expliquée?

Le tableau qui apparaît dans la partie supérieure droite de la toile, et qui est en partie coupé par le cadre, prend comme sujet Moïse sauvé des eaux. Il illustre le passage du Livre de l'Exode de la Bible dans lequel la fille de Pharaon recueille Moïse confié au Nil par sa mère. Il s'agit vraisemblablement d'un tableau que possédait Vermeer ou sa famille, même s'il n'a pas encore été formellement identifié. Certains y voient le Moïse sauvé des eaux de Jacob van Loo, d'autres celui de Christiaen van Couwenbergh, d'autres encore un tableau de jeunesse de Peter Lely. L'hypothèse selon laquelle le tableau-dans-le-tableau serait une œuvre de Vermeer lui-même, qu'il faudrait par conséquent ajouter à la liste de ses œuvres, ne repose sur aucun fondement réel, dans la mesure où aucun autre tableau du peintre ne reproduit cette éventuelle pratique de l'autocitation.Le même tableau apparaît dans une autre œuvre de Vermeer, L'Astronome, daté de 1668, mais selon un cadrage et dans une taille nettement différents, ce qui a pu faire dire que le peintre soumettait le tableau-dans-le-tableau aux nécessités de sa composition. Dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, le Moïse sauvé des eaux, de très grand format, est beaucoup plus imposant, et la part occupée par le paysage est plus importante, à gauche, à droite, comme au-dessus du groupe de personnages. La scène est de plus tronquée différemment par le cadre : dans L'Astronome, le tableau est coupé au niveau de la fille de Pharaon agenouillée, ce qui occulte le personnage de Moïse sur ses genoux, alors que dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, l'enfant nu est bel et bien représenté, avec deux autres adultes à sa droite. La « parenté formelle » entre les deux compositions est frappante. Dans les deux tableaux, le personnage principal, l'épistolière d'un côté, la fille de Pharaon de l'autre, est située dans la lumière, au sommet d'un triangle partant de l'angle supérieur gauche des deux toiles, et interrompu par un personnage debout, la servante dans un cas, le personnage se tenant derrière la fille de Pharaon de l'autre.La présence imposante de ce tableau-dans-le-tableau, au sujet religieux issu de l'Ancien Testament, semble commander la signification de la scène, même si aucune interprétation définitive ne s'est encore imposée. Le motif de la découverte de Moïse a par exemple été mis en relation avec l’abandon d’enfants — pratique encore relativement fréquente au XVIIe siècle —, ce qui constituerait une mise en garde contre les liaisons extraconjugales qu'évoquerait la correspondance épistolaire. Le tableau pourrait également perdre de sa connotation religieuse et renvoyer, selon une analogie assez lâche, à la correspondance de la jeune femme dont le contenu reste secret à celle qui devra la transmettre, à la manière de Moïse, futur sauveur du peuple d'Israël, confié bébé au Nil et recueilli par la fille de Pharaon. Lisa Vergara propose une analogie bien plus étroite entre les deux scènes, en notant un alignement vertical de différents motifs essentiels : la fille de Pharaon tenant Moïse sur le tableau-dans-le-tableau, la jeune femme au-dessous d'elle, la lettre que celle-ci est en train d'écrire, un pied de la chaise du premier plan, et enfin, au sol, le papier froissé de la lettre qui vient d'être reçue. Ceci inciterait à voir dans la fille de Pharaon, incarnant « la sollicitude, la compassion, la noblesse et l'indépendance », un modèle de vertu pour la femme hollandaise. En poursuivant l'analogie, l'historienne de l'art relie également la servante en retrait et la femme debout dans la toile, derrière la fille de Pharaon, qui pourrait être la « sœur » aînée de Moïse, Myriam, envoyée pour le suivre, et qui anticiperait le futur rôle de messager de la servante. Peter Sutton fait remarquer que l'histoire de Moïse avait été largement popularisée par un ouvrage bien connu des peintres d'Histoire hollandais, les Antiquités judaïques de Flavius Josèphe, et était interprétée comme la preuve de la Providence divine, ainsi que la faculté de Dieu de rassembler des factions opposées. dans ces circonstances, le tableau-dans-le-tableau pourrait renvoyer au contenu de la lettre, et suggérer, en passant du plan divin au plan domestique, les bonnes intentions de sa rédactrice : salut, réconciliation, et sérénité.Walter Liedtke cependant refuse cette analogie entre les deux scènes, qui, selon lui, s'opposeraient bien plutôt : d'un côté, il y aurait les préoccupations profondes des temps anciens, quand il s'agissait de sauver un peuple, de l'autre, les occupations futiles des temps modernes, les « frémissement[s] [du] cœur et de [l']esprit ». Plus que de fixer définitivement la signification de la scène principale, le tableau-dans-le-tableau rappellerait donc les « capacités "polysémiques" de la représentation de la peinture », en affirmant le caractère fondamentalement ouvert à l'interprétation de celle-ci.

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

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Prompt: Décrivez les caractéristiques de la Le tableau dans le tableau dans la Analyse de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante.

Le tableau qui apparaît dans la partie supérieure droite de la toile, et qui est en partie coupé par le cadre, prend comme sujet Moïse sauvé des eaux. Il illustre le passage du Livre de l'Exode de la Bible dans lequel la fille de Pharaon recueille Moïse confié au Nil par sa mère. Il s'agit vraisemblablement d'un tableau que possédait Vermeer ou sa famille, même s'il n'a pas encore été formellement identifié. Certains y voient le Moïse sauvé des eaux de Jacob van Loo, d'autres celui de Christiaen van Couwenbergh, d'autres encore un tableau de jeunesse de Peter Lely. L'hypothèse selon laquelle le tableau-dans-le-tableau serait une œuvre de Vermeer lui-même, qu'il faudrait par conséquent ajouter à la liste de ses œuvres, ne repose sur aucun fondement réel, dans la mesure où aucun autre tableau du peintre ne reproduit cette éventuelle pratique de l'autocitation.Le même tableau apparaît dans une autre œuvre de Vermeer, L'Astronome, daté de 1668, mais selon un cadrage et dans une taille nettement différents, ce qui a pu faire dire que le peintre soumettait le tableau-dans-le-tableau aux nécessités de sa composition. Dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, le Moïse sauvé des eaux, de très grand format, est beaucoup plus imposant, et la part occupée par le paysage est plus importante, à gauche, à droite, comme au-dessus du groupe de personnages. La scène est de plus tronquée différemment par le cadre : dans L'Astronome, le tableau est coupé au niveau de la fille de Pharaon agenouillée, ce qui occulte le personnage de Moïse sur ses genoux, alors que dans la Femme écrivant une lettre et sa servante, l'enfant nu est bel et bien représenté, avec deux autres adultes à sa droite. La « parenté formelle » entre les deux compositions est frappante. Dans les deux tableaux, le personnage principal, l'épistolière d'un côté, la fille de Pharaon de l'autre, est située dans la lumière, au sommet d'un triangle partant de l'angle supérieur gauche des deux toiles, et interrompu par un personnage debout, la servante dans un cas, le personnage se tenant derrière la fille de Pharaon de l'autre.La présence imposante de ce tableau-dans-le-tableau, au sujet religieux issu de l'Ancien Testament, semble commander la signification de la scène, même si aucune interprétation définitive ne s'est encore imposée. Le motif de la découverte de Moïse a par exemple été mis en relation avec l’abandon d’enfants — pratique encore relativement fréquente au XVIIe siècle —, ce qui constituerait une mise en garde contre les liaisons extraconjugales qu'évoquerait la correspondance épistolaire. Le tableau pourrait également perdre de sa connotation religieuse et renvoyer, selon une analogie assez lâche, à la correspondance de la jeune femme dont le contenu reste secret à celle qui devra la transmettre, à la manière de Moïse, futur sauveur du peuple d'Israël, confié bébé au Nil et recueilli par la fille de Pharaon. Lisa Vergara propose une analogie bien plus étroite entre les deux scènes, en notant un alignement vertical de différents motifs essentiels : la fille de Pharaon tenant Moïse sur le tableau-dans-le-tableau, la jeune femme au-dessous d'elle, la lettre que celle-ci est en train d'écrire, un pied de la chaise du premier plan, et enfin, au sol, le papier froissé de la lettre qui vient d'être reçue. Ceci inciterait à voir dans la fille de Pharaon, incarnant « la sollicitude, la compassion, la noblesse et l'indépendance », un modèle de vertu pour la femme hollandaise. En poursuivant l'analogie, l'historienne de l'art relie également la servante en retrait et la femme debout dans la toile, derrière la fille de Pharaon, qui pourrait être la « sœur » aînée de Moïse, Myriam, envoyée pour le suivre, et qui anticiperait le futur rôle de messager de la servante. Peter Sutton fait remarquer que l'histoire de Moïse avait été largement popularisée par un ouvrage bien connu des peintres d'Histoire hollandais, les Antiquités judaïques de Flavius Josèphe, et était interprétée comme la preuve de la Providence divine, ainsi que la faculté de Dieu de rassembler des factions opposées. dans ces circonstances, le tableau-dans-le-tableau pourrait renvoyer au contenu de la lettre, et suggérer, en passant du plan divin au plan domestique, les bonnes intentions de sa rédactrice : salut, réconciliation, et sérénité.Walter Liedtke cependant refuse cette analogie entre les deux scènes, qui, selon lui, s'opposeraient bien plutôt : d'un côté, il y aurait les préoccupations profondes des temps anciens, quand il s'agissait de sauver un peuple, de l'autre, les occupations futiles des temps modernes, les « frémissement[s] [du] cœur et de [l']esprit ». Plus que de fixer définitivement la signification de la scène principale, le tableau-dans-le-tableau rappellerait donc les « capacités "polysémiques" de la représentation de la peinture », en affirmant le caractère fondamentalement ouvert à l'interprétation de celle-ci.

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Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

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''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

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Prompt: Dans le contexte de Femme_écrivant_une_lettre_et_sa_servante, expliquez la Tentative de restitution de la narration et la Analyse.

À la différence de certains de ses contemporains qui composent leurs tableaux comme de véritables narrations que le spectateur peut reconstituer de façon plausible à partir des éléments représentés, Vermeer est beaucoup plus allusif, et rend souvent « indécidable la “ lisibilité ” de ce qui est visible ».En apparence, on pourrait s'accorder, avec Lisa Vergara, sur les étapes suivantes d'une narration minimale : 1/ une jeune femme vient de recevoir une lettre ; 2/ elle écrit sa réponse en retour ; 3/ la servante en retrait attend la fin de la lettre pour la porter à son destinataire, situé à l'extérieur. Mais plusieurs éléments de la scène, qui baigne dans une atmosphère à la fois solennelle et mystérieuse, viennent en opacifier les circonstances, à tel point que bien peu de critiques osent encore juger la composition « explicite ». La « nature morte » à la droite du premier plan, devant la table, a tout d'abord été identifiée de manière parfois contradictoire. Le papier froissé est le plus souvent considéré comme une lettre décachetée, que la jeune femme vient de recevoir, et dont elle vient de détacher en hâte le cachet rouge avant de se mettre à écrire la réponse,,. Le bâton de cire, qui sert à cacheter les lettres, non à les décacheter, paraît dans ces circonstances incongru : il aurait donc pu se trouver sur la table et tomber de celle-ci dans l'agitation de la réception de la lettre, ce qui indiquerait une perturbation s'opposant au calme apparent et à la concentration de la jeune femme écrivant. Il en résulterait une « note d’urgence, animant cet intérieur feutré, et faisant de cette scène un sublime mystère de petit salon ». D'autres font de ce papier à terre, non une lettre reçue, mais une première version, ou un brouillon de la lettre que la jeune femme est en train d'écrire, qu'elle aurait froissé et jeté, insatisfaite. Ceci rendrait mieux compte de la présence du pain à cacheter, mais moins de celle du sceau défait, qui suppose une lettre ouverte. Après avoir identifié le papier à terre comme un brouillon de lettre raté et froissé, Albert Blankert propose par la suite d'y voir un mince manuel de rédaction de lettres, comme il pouvait en exister à cette époque. Le fait qu'il soit à terre signifierait que la jeune femme l'a délaissé, voire repoussé, n'ayant pas trouvé de modèle correspondant à son cas précis, ou ayant rejeté ceux-ci pour s'épancher plus sincèrement dans sa missive. Arthur Wheelock enfin voit dans la lettre à terre moins un signe d'urgence et d'impatience qu'une preuve de la colère de la jeune fille, rappelée à la « foi constante sur le plan divin » par la vaste scène religieuse qui occupe le mur du fond de la pièce.La chaise devant la table, ensuite, semble suggérer, dans la mesure où elle est légèrement retirée, qu'elle vient tout juste d'être occupée. Les chaises de ce type étaient en effet, à cette époque-là, non disposées autour des tables, mais contre les murs, et il ne fait guère de doute que la servante en attente se soit occupée du rangement du mobilier si elle n'avait reçu une autre mission, bien plus urgente, de la part de sa maîtresse. Mais qui se trouvait sur cette chaise vide ? L'hypothèse la plus prudente propose que la jeune femme ait reçu la lettre de ce côté-ci de la table, comme le confirmerait le papier devant cette chaise, dépassant du bord de la table. La jeune femme aurait donc quitté cette chaise pour s'installer en face, et profiter d'un meilleur éclairage pour écrire sa réponse. Lisa Vergara avance une hypothèse plus audacieuse et originale : l'homme qu'attend la jeune femme ne serait autre que Vermeer lui-même, ce que désignerait la position de la chaise, qui assure la transition entre l'espace privé (matérialisé par le rideau vert) et l'espace du peintre, mais aussi en raison du parallélisme entre les barreaux de cette chaise et le papier débordant de la table, sur lequel se trouve la signature de l'artiste.Le sujet de la lettre qu'écrit la jeune femme n'est pas non plus totalement assuré. Si les peintures de genre hollandaises contemporaines de Vermeer permettent d'envisager avec un très haut degré de probabilité une correspondance amoureuse, aucun signe explicite ne vient confirmer le fait. Bien plus, alors que les tableaux-dans-le-tableau des scènes privées avaient généralement, outre leur fonction de marqueur social, une fonction « emblématique », de commentaire le plus souvent moral de la scène représentée, la présence du Moïse sauvé des eaux ajoute ici à l'opacité de la scène, dans la mesure où le rapport thématique entre les deux scènes est à première vue assez peu évident. Reste l'opposition entre le transport dans lequel se trouve la jeune femme, et la concentration, voire la maîtrise admirable de soi qui l'anime pour écrire sa lettre, qui pourrait constituer le véritable sujet de la toile.L'attitude de la servante, et sa relation avec sa maîtresse, enfin, ont été diversement interprétées. Pour certains, elle s'impatiente derrière sa maîtresse, qui tarde à achever sa lettre d'amour, à moins qu'elle ne détourne le regard par discrétion, eu égard au caractère intime de la correspondance de sa maîtresse. Pour d'autres, elle guette par la fenêtre l'arrivée d'un messager. On a par ailleurs pu proposer de voir dans le motif de la fenêtre, à l'instar de l'emblème ornant les fenêtres du Verre de vin et de La Jeune Fille au verre de vin, une allégorie de la tempérance, ce qui donnerait à la servante placée en retrait un rôle nettement moral, incitant tacitement sa maîtresse à agir avec modération en maîtrisant ses sentiments. Cette proposition s'avère néanmoins très hasardeuse, dans la mesure où la nature exacte de l'emblème est indécidable, et même diffère notablement de celui des deux toiles précédentes. Elle pourrait donc bien plutôt suivre l'exemple de sa maîtresse, et s'engager sur la pente de la rêverie pour elle aussi « se prêter à des perspectives amoureuses », en dépit de son air que certains qualifient de « sérieux ».

Gabriel Metsu, ''[[Femme lisant une lettre

Fichier:Monsieur Eugene Secretan art sale catalogue Sedelmayer Paris 1889.jpg

Catalogue de la vente Secrétan tenue à Paris le {{date

Catégorie:Œuvre conservée à la Galerie nationale d'Irlande

Fichier:Woman Reading a Letter by Gabriël Metsu.jpg

''La Leçon de Musique'' (vers 1662–1665, {{Dunité

''La Joueuse de guitare'', vers 1670-1672, {{Dunité

''La Femme au luth'', vers 1663, {{Dunité

alt=Signature d'artiste de Johannes Vermeer

Fichier:Johannes Vermeer - The Astronomer - 1668.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Lady at the Virginal with a Gentleman, 'The Music Lesson' - Google Art Project.jpg

Fichier:Johannes Vermeer - Girl Reading a Letter by an Open Window - Google Art Project.jpg

Fichier:Vermeer - Woman with a Lute near a window.jpg