Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Concentrati su Jacopo_de'_Barbari ed esplora la Biografia.

Il luogo e la data di nascita dell'artista sono incerte, ma fu descritto come veneziano dai contemporanei, compreso Albrecht Dürer (van Venedig geporn), sicuramente il più autorevole testimone, e come ‘'vecchio e stanco'’ nel 1511. Per l'anno di nascita si può quindi dedurre una data compresa tra il 1445 e il 1470. Vi furono anche ipotesi che fosse di origine tedesca, ma ora sembra chiarito che nacque a Venezia ed era italiano. Vi sono anche dei suoi documenti scritti in italiano ed indirizzati a corrispondenti tedeschi. A conferma della nascita veneziana vi è la fonte di Marcantonio Michiel del 1521 indica la presenza di alcune opere dell'artista nella collezione veneziana dei Grimani: “Sono ancora ivi opere de Iacomo de Barberino Veneziano che andò in Alemagna e Borgogna, e prese quella maniera, fece molte cose, zoè […]”. Tra queste viene indicata la quadro di una donna col petto scoperto et un vecchio, conosciuto come Copia disuguale di amanti realizzato nel 1503.Firmò la maggior parte delle sue incisioni con un caduceo, venendo conosciuto anche come “Maestro del caduceo” il simbolo di Mercurio, e la natura morta (in alto a destra) con la seguente dicitura: "Jac.o de barbarj p 1504" nel pezzo di carta raffigurato nel dipinto..  Se ne deduce che non apparteneva all'importante famiglia dei Barbaro, anche considerando che non fu mai elencato nella genealogia di questa famiglia. La difficile ricostruzione biografica dell'artista, nasce anche dalle poche fonti e citazioni presenti in Italia, contrariamente molte fonti presenti all'estero anche se viene indicato con nomi differenti. L'artista viene dimenticato anche da Giorgio Vasari, malgrado la presenza a Venezia della sua grande opera veduta di Venezia che viene assegnata a personaggi al tempo più illustri.Non si conosce nulla dei suoi primi decenni, nonostante Alvise Vivarini sia stato indicato come suo maestro, questo è stato indicato di Bernard Berenson nel 1894, vi sono infatti assonanze stilistiche non solo con il Vivarini ma anche con Antonello da Messina con cui il Vivarini aveva avuto un importante collegamento, e quindi l'opera del de' Barbari ne è la conferma.  Lasciò Venezia per la Germania nel 1500, dove risulta pienamente inseritoe molto estimato, e da allora vi sono maggiori informazioni sulla sua vita. In Germania lavorò per l'Imperatore Massimiliano I di Norimberga per un anno, poi in varie località per Federico il Saggio di Sassonia tra gli anni 1503 e 1505, prima di spostarsi presso la corte di Gioacchino I di Brandeburgo, verso gli anni 1506-1508. In Germania fu conosciuto anche come Jacopo Walch, probabilmente da Wälsch, straniero, un termine spesso usato per gli italiani. Nell'Ottocento uno studio di Harzen collega i nomi con cui viene chiamato il personaggio poi riconducibile all'artista: «Jaconus Barbarus Venetur», «Barberino venezian»o, «der Meister mit dem Schalangestabe», «Jacob Walch», e «maistre Jacques». Questo conferma quanto fosse più famosa la sua presenza nei paesi nordici che nella sua città d'origine.Pare che abbia fatto ritorno a Venezia con Filippo I di Castiglia, per il quale successivamente lavorò in Olanda. Nel marzo del 1510 lavorò per il successore di Filippo, Margherita d'Asburgo a Bruxelles e Malines. Nel gennaio del 1511 si ammalò e fece testamento; a marzo l'Arciduchessa gli concesse una pensione a vita, vista la sua vecchiaia e debolezza (debilitation et vieillesse). Morì nel 1516, lasciando all'Arciduchessa ventitré splendidi piatti cesellati.Malgrado i suoi lavori, in particolar modo, le incisioni, Jacopo de' Barbari, ebbe poca considerazione dalla critica fino alla seconda metà dell'Ottocento, quando viene indicato da Paul Kristeller un: pioniere dell'arte italiana in Europa, questo studio è uno dei migliori riguardanti l'inquadramento geografico e stilistico dell'artista. Questo studio è rimasto importante traccia per l'approfondimento delle opere dell'artista. Del Novecento importante è lo studio di J. A. Levenson del 1978 che ricostruisce attraverso le fonti e i documenti la complessa storiografia dell'artista.

File:(Venice) View of Venice by Jacopo de' Barbari - Museo Correr.jpg

Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Esplora la Biografia di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

Il luogo e la data di nascita dell'artista sono incerte, ma fu descritto come veneziano dai contemporanei, compreso Albrecht Dürer (van Venedig geporn), sicuramente il più autorevole testimone, e come ‘'vecchio e stanco'’ nel 1511. Per l'anno di nascita si può quindi dedurre una data compresa tra il 1445 e il 1470. Vi furono anche ipotesi che fosse di origine tedesca, ma ora sembra chiarito che nacque a Venezia ed era italiano. Vi sono anche dei suoi documenti scritti in italiano ed indirizzati a corrispondenti tedeschi. A conferma della nascita veneziana vi è la fonte di Marcantonio Michiel del 1521 indica la presenza di alcune opere dell'artista nella collezione veneziana dei Grimani: “Sono ancora ivi opere de Iacomo de Barberino Veneziano che andò in Alemagna e Borgogna, e prese quella maniera, fece molte cose, zoè […]”. Tra queste viene indicata la quadro di una donna col petto scoperto et un vecchio, conosciuto come Copia disuguale di amanti realizzato nel 1503.Firmò la maggior parte delle sue incisioni con un caduceo, venendo conosciuto anche come “Maestro del caduceo” il simbolo di Mercurio, e la natura morta (in alto a destra) con la seguente dicitura: "Jac.o de barbarj p 1504" nel pezzo di carta raffigurato nel dipinto..  Se ne deduce che non apparteneva all'importante famiglia dei Barbaro, anche considerando che non fu mai elencato nella genealogia di questa famiglia. La difficile ricostruzione biografica dell'artista, nasce anche dalle poche fonti e citazioni presenti in Italia, contrariamente molte fonti presenti all'estero anche se viene indicato con nomi differenti. L'artista viene dimenticato anche da Giorgio Vasari, malgrado la presenza a Venezia della sua grande opera veduta di Venezia che viene assegnata a personaggi al tempo più illustri.Non si conosce nulla dei suoi primi decenni, nonostante Alvise Vivarini sia stato indicato come suo maestro, questo è stato indicato di Bernard Berenson nel 1894, vi sono infatti assonanze stilistiche non solo con il Vivarini ma anche con Antonello da Messina con cui il Vivarini aveva avuto un importante collegamento, e quindi l'opera del de' Barbari ne è la conferma.  Lasciò Venezia per la Germania nel 1500, dove risulta pienamente inseritoe molto estimato, e da allora vi sono maggiori informazioni sulla sua vita. In Germania lavorò per l'Imperatore Massimiliano I di Norimberga per un anno, poi in varie località per Federico il Saggio di Sassonia tra gli anni 1503 e 1505, prima di spostarsi presso la corte di Gioacchino I di Brandeburgo, verso gli anni 1506-1508. In Germania fu conosciuto anche come Jacopo Walch, probabilmente da Wälsch, straniero, un termine spesso usato per gli italiani. Nell'Ottocento uno studio di Harzen collega i nomi con cui viene chiamato il personaggio poi riconducibile all'artista: «Jaconus Barbarus Venetur», «Barberino venezian»o, «der Meister mit dem Schalangestabe», «Jacob Walch», e «maistre Jacques». Questo conferma quanto fosse più famosa la sua presenza nei paesi nordici che nella sua città d'origine.Pare che abbia fatto ritorno a Venezia con Filippo I di Castiglia, per il quale successivamente lavorò in Olanda. Nel marzo del 1510 lavorò per il successore di Filippo, Margherita d'Asburgo a Bruxelles e Malines. Nel gennaio del 1511 si ammalò e fece testamento; a marzo l'Arciduchessa gli concesse una pensione a vita, vista la sua vecchiaia e debolezza (debilitation et vieillesse). Morì nel 1516, lasciando all'Arciduchessa ventitré splendidi piatti cesellati.Malgrado i suoi lavori, in particolar modo, le incisioni, Jacopo de' Barbari, ebbe poca considerazione dalla critica fino alla seconda metà dell'Ottocento, quando viene indicato da Paul Kristeller un: pioniere dell'arte italiana in Europa, questo studio è uno dei migliori riguardanti l'inquadramento geografico e stilistico dell'artista. Questo studio è rimasto importante traccia per l'approfondimento delle opere dell'artista. Del Novecento importante è lo studio di J. A. Levenson del 1978 che ricostruisce attraverso le fonti e i documenti la complessa storiografia dell'artista.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Come chiarisce Jacopo_de'_Barbari la sua Biografia?

Il luogo e la data di nascita dell'artista sono incerte, ma fu descritto come veneziano dai contemporanei, compreso Albrecht Dürer (van Venedig geporn), sicuramente il più autorevole testimone, e come ‘'vecchio e stanco'’ nel 1511. Per l'anno di nascita si può quindi dedurre una data compresa tra il 1445 e il 1470. Vi furono anche ipotesi che fosse di origine tedesca, ma ora sembra chiarito che nacque a Venezia ed era italiano. Vi sono anche dei suoi documenti scritti in italiano ed indirizzati a corrispondenti tedeschi. A conferma della nascita veneziana vi è la fonte di Marcantonio Michiel del 1521 indica la presenza di alcune opere dell'artista nella collezione veneziana dei Grimani: “Sono ancora ivi opere de Iacomo de Barberino Veneziano che andò in Alemagna e Borgogna, e prese quella maniera, fece molte cose, zoè […]”. Tra queste viene indicata la quadro di una donna col petto scoperto et un vecchio, conosciuto come Copia disuguale di amanti realizzato nel 1503.Firmò la maggior parte delle sue incisioni con un caduceo, venendo conosciuto anche come “Maestro del caduceo” il simbolo di Mercurio, e la natura morta (in alto a destra) con la seguente dicitura: "Jac.o de barbarj p 1504" nel pezzo di carta raffigurato nel dipinto..  Se ne deduce che non apparteneva all'importante famiglia dei Barbaro, anche considerando che non fu mai elencato nella genealogia di questa famiglia. La difficile ricostruzione biografica dell'artista, nasce anche dalle poche fonti e citazioni presenti in Italia, contrariamente molte fonti presenti all'estero anche se viene indicato con nomi differenti. L'artista viene dimenticato anche da Giorgio Vasari, malgrado la presenza a Venezia della sua grande opera veduta di Venezia che viene assegnata a personaggi al tempo più illustri.Non si conosce nulla dei suoi primi decenni, nonostante Alvise Vivarini sia stato indicato come suo maestro, questo è stato indicato di Bernard Berenson nel 1894, vi sono infatti assonanze stilistiche non solo con il Vivarini ma anche con Antonello da Messina con cui il Vivarini aveva avuto un importante collegamento, e quindi l'opera del de' Barbari ne è la conferma.  Lasciò Venezia per la Germania nel 1500, dove risulta pienamente inseritoe molto estimato, e da allora vi sono maggiori informazioni sulla sua vita. In Germania lavorò per l'Imperatore Massimiliano I di Norimberga per un anno, poi in varie località per Federico il Saggio di Sassonia tra gli anni 1503 e 1505, prima di spostarsi presso la corte di Gioacchino I di Brandeburgo, verso gli anni 1506-1508. In Germania fu conosciuto anche come Jacopo Walch, probabilmente da Wälsch, straniero, un termine spesso usato per gli italiani. Nell'Ottocento uno studio di Harzen collega i nomi con cui viene chiamato il personaggio poi riconducibile all'artista: «Jaconus Barbarus Venetur», «Barberino venezian»o, «der Meister mit dem Schalangestabe», «Jacob Walch», e «maistre Jacques». Questo conferma quanto fosse più famosa la sua presenza nei paesi nordici che nella sua città d'origine.Pare che abbia fatto ritorno a Venezia con Filippo I di Castiglia, per il quale successivamente lavorò in Olanda. Nel marzo del 1510 lavorò per il successore di Filippo, Margherita d'Asburgo a Bruxelles e Malines. Nel gennaio del 1511 si ammalò e fece testamento; a marzo l'Arciduchessa gli concesse una pensione a vita, vista la sua vecchiaia e debolezza (debilitation et vieillesse). Morì nel 1516, lasciando all'Arciduchessa ventitré splendidi piatti cesellati.Malgrado i suoi lavori, in particolar modo, le incisioni, Jacopo de' Barbari, ebbe poca considerazione dalla critica fino alla seconda metà dell'Ottocento, quando viene indicato da Paul Kristeller un: pioniere dell'arte italiana in Europa, questo studio è uno dei migliori riguardanti l'inquadramento geografico e stilistico dell'artista. Questo studio è rimasto importante traccia per l'approfondimento delle opere dell'artista. Del Novecento importante è lo studio di J. A. Levenson del 1978 che ricostruisce attraverso le fonti e i documenti la complessa storiografia dell'artista.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Come viene discussa la Biografia in Jacopo_de'_Barbari?

Il luogo e la data di nascita dell'artista sono incerte, ma fu descritto come veneziano dai contemporanei, compreso Albrecht Dürer (van Venedig geporn), sicuramente il più autorevole testimone, e come ‘'vecchio e stanco'’ nel 1511. Per l'anno di nascita si può quindi dedurre una data compresa tra il 1445 e il 1470. Vi furono anche ipotesi che fosse di origine tedesca, ma ora sembra chiarito che nacque a Venezia ed era italiano. Vi sono anche dei suoi documenti scritti in italiano ed indirizzati a corrispondenti tedeschi. A conferma della nascita veneziana vi è la fonte di Marcantonio Michiel del 1521 indica la presenza di alcune opere dell'artista nella collezione veneziana dei Grimani: “Sono ancora ivi opere de Iacomo de Barberino Veneziano che andò in Alemagna e Borgogna, e prese quella maniera, fece molte cose, zoè […]”. Tra queste viene indicata la quadro di una donna col petto scoperto et un vecchio, conosciuto come Copia disuguale di amanti realizzato nel 1503.Firmò la maggior parte delle sue incisioni con un caduceo, venendo conosciuto anche come “Maestro del caduceo” il simbolo di Mercurio, e la natura morta (in alto a destra) con la seguente dicitura: "Jac.o de barbarj p 1504" nel pezzo di carta raffigurato nel dipinto..  Se ne deduce che non apparteneva all'importante famiglia dei Barbaro, anche considerando che non fu mai elencato nella genealogia di questa famiglia. La difficile ricostruzione biografica dell'artista, nasce anche dalle poche fonti e citazioni presenti in Italia, contrariamente molte fonti presenti all'estero anche se viene indicato con nomi differenti. L'artista viene dimenticato anche da Giorgio Vasari, malgrado la presenza a Venezia della sua grande opera veduta di Venezia che viene assegnata a personaggi al tempo più illustri.Non si conosce nulla dei suoi primi decenni, nonostante Alvise Vivarini sia stato indicato come suo maestro, questo è stato indicato di Bernard Berenson nel 1894, vi sono infatti assonanze stilistiche non solo con il Vivarini ma anche con Antonello da Messina con cui il Vivarini aveva avuto un importante collegamento, e quindi l'opera del de' Barbari ne è la conferma.  Lasciò Venezia per la Germania nel 1500, dove risulta pienamente inseritoe molto estimato, e da allora vi sono maggiori informazioni sulla sua vita. In Germania lavorò per l'Imperatore Massimiliano I di Norimberga per un anno, poi in varie località per Federico il Saggio di Sassonia tra gli anni 1503 e 1505, prima di spostarsi presso la corte di Gioacchino I di Brandeburgo, verso gli anni 1506-1508. In Germania fu conosciuto anche come Jacopo Walch, probabilmente da Wälsch, straniero, un termine spesso usato per gli italiani. Nell'Ottocento uno studio di Harzen collega i nomi con cui viene chiamato il personaggio poi riconducibile all'artista: «Jaconus Barbarus Venetur», «Barberino venezian»o, «der Meister mit dem Schalangestabe», «Jacob Walch», e «maistre Jacques». Questo conferma quanto fosse più famosa la sua presenza nei paesi nordici che nella sua città d'origine.Pare che abbia fatto ritorno a Venezia con Filippo I di Castiglia, per il quale successivamente lavorò in Olanda. Nel marzo del 1510 lavorò per il successore di Filippo, Margherita d'Asburgo a Bruxelles e Malines. Nel gennaio del 1511 si ammalò e fece testamento; a marzo l'Arciduchessa gli concesse una pensione a vita, vista la sua vecchiaia e debolezza (debilitation et vieillesse). Morì nel 1516, lasciando all'Arciduchessa ventitré splendidi piatti cesellati.Malgrado i suoi lavori, in particolar modo, le incisioni, Jacopo de' Barbari, ebbe poca considerazione dalla critica fino alla seconda metà dell'Ottocento, quando viene indicato da Paul Kristeller un: pioniere dell'arte italiana in Europa, questo studio è uno dei migliori riguardanti l'inquadramento geografico e stilistico dell'artista. Questo studio è rimasto importante traccia per l'approfondimento delle opere dell'artista. Del Novecento importante è lo studio di J. A. Levenson del 1978 che ricostruisce attraverso le fonti e i documenti la complessa storiografia dell'artista.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Nel contesto di Jacopo_de'_Barbari, esplora la Veduta di Venezia e altre incisioni e la Opere.

La sua prima opera documentata è l'immensa (1,315 x 2,818 metri, composta da sei pannelli) e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città. La matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro (tre pannelli) e la Battaglia fra uomini e satiri (due pannelli), entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Esplora la Veduta di Venezia e altre incisioni sulla Opere di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

La sua prima opera documentata è l'immensa (1,315 x 2,818 metri, composta da sei pannelli) e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città. La matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro (tre pannelli) e la Battaglia fra uomini e satiri (due pannelli), entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: In Jacopo_de'_Barbari, come viene chiarita la Veduta di Venezia e altre incisioni della Opere?

La sua prima opera documentata è l'immensa (1,315 x 2,818 metri, composta da sei pannelli) e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città. La matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro (tre pannelli) e la Battaglia fra uomini e satiri (due pannelli), entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Veduta di Venezia e altre incisioni nella Opere di Jacopo_de'_Barbari.

La sua prima opera documentata è l'immensa (1,315 x 2,818 metri, composta da sei pannelli) e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città. La matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro (tre pannelli) e la Battaglia fra uomini e satiri (due pannelli), entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Nel contesto di Jacopo_de'_Barbari, esplora la Incontri con Dürer e la Opere.

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco (un passaggio in una lettera di Dürer è ambiguo). Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

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Prompt: Esplora la Incontri con Dürer sulla Opere di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco (un passaggio in una lettera di Dürer è ambiguo). Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

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Jacopo_de'_Barbari

Prompt: In Jacopo_de'_Barbari, come viene chiarita la Incontri con Dürer della Opere?

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco (un passaggio in una lettera di Dürer è ambiguo). Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

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Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Incontri con Dürer nella Opere di Jacopo_de'_Barbari.

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco (un passaggio in una lettera di Dürer è ambiguo). Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Nel contesto di Jacopo_de'_Barbari, esplora la Datazione delle opere e la Opere.

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

File:(Venice) View of Venice by Jacopo de' Barbari - Museo Correr.jpg

Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Esplora la Datazione delle opere sulla Opere di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: In Jacopo_de'_Barbari, come viene chiarita la Datazione delle opere della Opere?

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Datazione delle opere nella Opere di Jacopo_de'_Barbari.

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Nel contesto di Jacopo_de'_Barbari, esplora la Incisioni e la Opere.

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. Di un periodo intermedio sono probabilmente numerosi nudi, di cui i più celebri sono Apollo e Diana e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Esplora la Incisioni sulla Opere di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. Di un periodo intermedio sono probabilmente numerosi nudi, di cui i più celebri sono Apollo e Diana e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: In Jacopo_de'_Barbari, come viene chiarita la Incisioni della Opere?

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. Di un periodo intermedio sono probabilmente numerosi nudi, di cui i più celebri sono Apollo e Diana e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Incisioni nella Opere di Jacopo_de'_Barbari.

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. Di un periodo intermedio sono probabilmente numerosi nudi, di cui i più celebri sono Apollo e Diana e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate

Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Nel contesto di Jacopo_de'_Barbari, esplora la Dipinti e la Opere.

Dipinse dal vivo Uno sparviero (National Gallery, Londra), probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.  La giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, (forse Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino), si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

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Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

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''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Esplora la Dipinti sulla Opere di questa opera d'arte, Jacopo_de'_Barbari.

Dipinse dal vivo Uno sparviero (National Gallery, Londra), probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.  La giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, (forse Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino), si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

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''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: In Jacopo_de'_Barbari, come viene chiarita la Dipinti della Opere?

Dipinse dal vivo Uno sparviero (National Gallery, Londra), probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.  La giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, (forse Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino), si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

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Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Jacopo_de'_Barbari

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Dipinti nella Opere di Jacopo_de'_Barbari.

Dipinse dal vivo Uno sparviero (National Gallery, Londra), probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.  La giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, (forse Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino), si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

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Categoria:Pittori italiani del Rinascimento

''Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra'', olio su legno, [[Alte Pinakothek

''Veduta di Venezia'', particolare, Museo Correr, Venezia


Prompt: Concentrati su Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio ed esplora la abstract.

Forme uniche della continuità nello spazio è una celebre scultura dell'artista futurista Umberto Boccioni. Rappresenta simbolicamente il movimento e la fluidità. Boccioni respinge la scultura tradizionale per creare questo pezzo, considerato uno dei capolavori del Futurismo.La scultura è raffigurata sul retro delle monete da 20 centesimi di euro coniate in Italia e se ne conoscono varie versioni, tra cui una al Museo del Novecento di Milano, una alla Kunsthalle di Mannheim, una alla Tate Modern di Londra, una al MoMA di New York, una al Metropolitan Museum di New York, una al Museo Kröller-Müller di Otterlo (Paesi Bassi) e una alla Galleria nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio.

Forme uniche della continuità nello spazio è una celebre scultura dell'artista futurista Umberto Boccioni. Rappresenta simbolicamente il movimento e la fluidità. Boccioni respinge la scultura tradizionale per creare questo pezzo, considerato uno dei capolavori del Futurismo.La scultura è raffigurata sul retro delle monete da 20 centesimi di euro coniate in Italia e se ne conoscono varie versioni, tra cui una al Museo del Novecento di Milano, una alla Kunsthalle di Mannheim, una alla Tate Modern di Londra, una al MoMA di New York, una al Metropolitan Museum di New York, una al Museo Kröller-Müller di Otterlo (Paesi Bassi) e una alla Galleria nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come chiarisce Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio la sua abstract?

Forme uniche della continuità nello spazio è una celebre scultura dell'artista futurista Umberto Boccioni. Rappresenta simbolicamente il movimento e la fluidità. Boccioni respinge la scultura tradizionale per creare questo pezzo, considerato uno dei capolavori del Futurismo.La scultura è raffigurata sul retro delle monete da 20 centesimi di euro coniate in Italia e se ne conoscono varie versioni, tra cui una al Museo del Novecento di Milano, una alla Kunsthalle di Mannheim, una alla Tate Modern di Londra, una al MoMA di New York, una al Metropolitan Museum di New York, una al Museo Kröller-Müller di Otterlo (Paesi Bassi) e una alla Galleria nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come viene discussa la abstract in Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio?

Forme uniche della continuità nello spazio è una celebre scultura dell'artista futurista Umberto Boccioni. Rappresenta simbolicamente il movimento e la fluidità. Boccioni respinge la scultura tradizionale per creare questo pezzo, considerato uno dei capolavori del Futurismo.La scultura è raffigurata sul retro delle monete da 20 centesimi di euro coniate in Italia e se ne conoscono varie versioni, tra cui una al Museo del Novecento di Milano, una alla Kunsthalle di Mannheim, una alla Tate Modern di Londra, una al MoMA di New York, una al Metropolitan Museum di New York, una al Museo Kröller-Müller di Otterlo (Paesi Bassi) e una alla Galleria nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Concentrati su Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio ed esplora la Storia.

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura (Dinamismo di un corpo umano in due copie litografiche). L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi:due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milanodue nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art di New Yorkdue nel 1972, di cui una in mostra alla Tate Modern di Londraotto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio.

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura (Dinamismo di un corpo umano in due copie litografiche). L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi:due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milanodue nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art di New Yorkdue nel 1972, di cui una in mostra alla Tate Modern di Londraotto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come chiarisce Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio la sua Storia?

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura (Dinamismo di un corpo umano in due copie litografiche). L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi:due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milanodue nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art di New Yorkdue nel 1972, di cui una in mostra alla Tate Modern di Londraotto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come viene discussa la Storia in Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio?

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura (Dinamismo di un corpo umano in due copie litografiche). L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi:due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milanodue nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art di New Yorkdue nel 1972, di cui una in mostra alla Tate Modern di Londraotto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Concentrati su Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio ed esplora la Descrizione.

Se si osserva lateralmente la scultura, si può riconoscere facilmente una figura umana in cammino priva però di alcune parti (ad esempio le braccia) e, per così dire, del suo "involucro" esterno. La figura appare quindi per un verso come uno "scorticato" anatomico (si riconoscono distintamente alcuni muscoli, come i polpacci, e l'articolazione del ginocchio), per un altro come una "macchina", come un ingranaggio in movimento. L'opera inoltre si sviluppa mediante l'alternarsi di cavità, rilievi, pieni e vuoti che generano un frammentato e discontinuo chiaroscuro fatto di frequenti e repentini passaggi dalla luce all'ombra. Osservando la figura da destra, il torso ad esempio pare essere pieno ma se si gira intorno alla statua e la si osserva da sinistra esso si trasforma in una cavità vuota. In tale modo sembra che la figura si modelli a seconda dello spazio circostante ed assume così la funzione per così dire di plasmare le forme.Anche la linea di contorno si sviluppa come una sequenza di curve ora concave, ora convesse: in tal modo i contorni irregolari non limitano la figura come di consueto ma la dilatano espandendola nello spazio. L'interno stesso della statua è attraversato da solchi e spigoli che "tagliano" i piani, come se le figure fossero più di una e si sovrapponessero di continuo.Se vista lateralmente, la statua dà l'impressione di un movimento avanzante che si proietta energicamente in avanti. Tuttavia se la si guarda frontalmente o a tre quarti si può notare una torsione o avvitamento delle forme nello spazio: più di una linea infatti si avvolge attorno alla figura in un moto a spirale, coinvolgendo i diversi piani in una rotazione che suggerisce un'ulteriore espansione delle forme. La figura viene modellata dall'aria creando così un corpo aerodinamico.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio.

Se si osserva lateralmente la scultura, si può riconoscere facilmente una figura umana in cammino priva però di alcune parti (ad esempio le braccia) e, per così dire, del suo "involucro" esterno. La figura appare quindi per un verso come uno "scorticato" anatomico (si riconoscono distintamente alcuni muscoli, come i polpacci, e l'articolazione del ginocchio), per un altro come una "macchina", come un ingranaggio in movimento. L'opera inoltre si sviluppa mediante l'alternarsi di cavità, rilievi, pieni e vuoti che generano un frammentato e discontinuo chiaroscuro fatto di frequenti e repentini passaggi dalla luce all'ombra. Osservando la figura da destra, il torso ad esempio pare essere pieno ma se si gira intorno alla statua e la si osserva da sinistra esso si trasforma in una cavità vuota. In tale modo sembra che la figura si modelli a seconda dello spazio circostante ed assume così la funzione per così dire di plasmare le forme.Anche la linea di contorno si sviluppa come una sequenza di curve ora concave, ora convesse: in tal modo i contorni irregolari non limitano la figura come di consueto ma la dilatano espandendola nello spazio. L'interno stesso della statua è attraversato da solchi e spigoli che "tagliano" i piani, come se le figure fossero più di una e si sovrapponessero di continuo.Se vista lateralmente, la statua dà l'impressione di un movimento avanzante che si proietta energicamente in avanti. Tuttavia se la si guarda frontalmente o a tre quarti si può notare una torsione o avvitamento delle forme nello spazio: più di una linea infatti si avvolge attorno alla figura in un moto a spirale, coinvolgendo i diversi piani in una rotazione che suggerisce un'ulteriore espansione delle forme. La figura viene modellata dall'aria creando così un corpo aerodinamico.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come chiarisce Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio la sua Descrizione?

Se si osserva lateralmente la scultura, si può riconoscere facilmente una figura umana in cammino priva però di alcune parti (ad esempio le braccia) e, per così dire, del suo "involucro" esterno. La figura appare quindi per un verso come uno "scorticato" anatomico (si riconoscono distintamente alcuni muscoli, come i polpacci, e l'articolazione del ginocchio), per un altro come una "macchina", come un ingranaggio in movimento. L'opera inoltre si sviluppa mediante l'alternarsi di cavità, rilievi, pieni e vuoti che generano un frammentato e discontinuo chiaroscuro fatto di frequenti e repentini passaggi dalla luce all'ombra. Osservando la figura da destra, il torso ad esempio pare essere pieno ma se si gira intorno alla statua e la si osserva da sinistra esso si trasforma in una cavità vuota. In tale modo sembra che la figura si modelli a seconda dello spazio circostante ed assume così la funzione per così dire di plasmare le forme.Anche la linea di contorno si sviluppa come una sequenza di curve ora concave, ora convesse: in tal modo i contorni irregolari non limitano la figura come di consueto ma la dilatano espandendola nello spazio. L'interno stesso della statua è attraversato da solchi e spigoli che "tagliano" i piani, come se le figure fossero più di una e si sovrapponessero di continuo.Se vista lateralmente, la statua dà l'impressione di un movimento avanzante che si proietta energicamente in avanti. Tuttavia se la si guarda frontalmente o a tre quarti si può notare una torsione o avvitamento delle forme nello spazio: più di una linea infatti si avvolge attorno alla figura in un moto a spirale, coinvolgendo i diversi piani in una rotazione che suggerisce un'ulteriore espansione delle forme. La figura viene modellata dall'aria creando così un corpo aerodinamico.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Forme_uniche_della_continuità_nello_spazio?

Se si osserva lateralmente la scultura, si può riconoscere facilmente una figura umana in cammino priva però di alcune parti (ad esempio le braccia) e, per così dire, del suo "involucro" esterno. La figura appare quindi per un verso come uno "scorticato" anatomico (si riconoscono distintamente alcuni muscoli, come i polpacci, e l'articolazione del ginocchio), per un altro come una "macchina", come un ingranaggio in movimento. L'opera inoltre si sviluppa mediante l'alternarsi di cavità, rilievi, pieni e vuoti che generano un frammentato e discontinuo chiaroscuro fatto di frequenti e repentini passaggi dalla luce all'ombra. Osservando la figura da destra, il torso ad esempio pare essere pieno ma se si gira intorno alla statua e la si osserva da sinistra esso si trasforma in una cavità vuota. In tale modo sembra che la figura si modelli a seconda dello spazio circostante ed assume così la funzione per così dire di plasmare le forme.Anche la linea di contorno si sviluppa come una sequenza di curve ora concave, ora convesse: in tal modo i contorni irregolari non limitano la figura come di consueto ma la dilatano espandendola nello spazio. L'interno stesso della statua è attraversato da solchi e spigoli che "tagliano" i piani, come se le figure fossero più di una e si sovrapponessero di continuo.Se vista lateralmente, la statua dà l'impressione di un movimento avanzante che si proietta energicamente in avanti. Tuttavia se la si guarda frontalmente o a tre quarti si può notare una torsione o avvitamento delle forme nello spazio: più di una linea infatti si avvolge attorno alla figura in un moto a spirale, coinvolgendo i diversi piani in una rotazione che suggerisce un'ulteriore espansione delle forme. La figura viene modellata dall'aria creando così un corpo aerodinamico.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

Una moneta da 20 centesimi italiana. Sul verso appare la scultura di Boccioni.


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Concentrati su La_famiglia_di_Carlo_IV ed esplora la abstract.

La famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela (280 × 336 cm), realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, La_famiglia_di_Carlo_IV.

La famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela (280 × 336 cm), realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Come chiarisce La_famiglia_di_Carlo_IV la sua abstract?

La famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela (280 × 336 cm), realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Come viene discussa la abstract in La_famiglia_di_Carlo_IV?

La famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela (280 × 336 cm), realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Concentrati su La_famiglia_di_Carlo_IV ed esplora la Storia.

Nel 1789 Goya fu nominato «Pintor de Cámera del rey» dal nuovo sovrano Carlo IV, salito al trono spagnolo proprio in quell'anno. Già prima di questa qualifica il pittore aveva avuto l'opportunità di ritrarre i re - si pensi al Ritratto di Carlo III in abito di corte - ma sempre individualmente e mai in gruppo. Nell'aprile 1800, invece, Carlo IV commissionò a Goya l'esecuzione di un ritratto di famiglia.Grazie al denso carteggio tra Maria Luisa di Parma, consorte del sovrano, e il suo amante Manuel Godoy, possiamo ricostruire con grande precisione le varie tappe della gestazione dell'opera. Goya vi iniziò a lavorare nel maggio del 1800, spostandosi per quell'occasione nel palazzo di Aranjuez, dove la famiglia reale stava risiedendo in quel periodo dell'anno. Proseguì poi realizzando un totale di dieci studi parziali di ognuno dei personaggi da comporre poi globalmente nel ritratto finale. Goya presentò questi dieci studi di fisionomie singole al sovrano il 23 luglio: dopo varie vicissitudini, tuttavia, a noi ce ne sono giunte cinque, nella fattispecie La infanta María Josefa, El infante Carlos María Isidro, El infante Francisco de Paula, El infante Antonio Pascual e Luis, rey de Etruria.Goya completò quindi La famiglia di Carlo IV nel giugno del 1801. L'opera non suscitò apprezzamenti particolarmente entusiastici da parte dei sovrani, che si aspettavano un dipinto più grandioso, conforme alla maniera di van Loo: a suscitare molte perplessità fu soprattutto la nudità ascetica dello sfondo, ornato con due soli dipinti che tra l'altro è impossibile identificare a causa della scarsità di dettagli. Malgrado ciò l'opera non risultò sgradita, anzi, piacque particolarmente alla regina Maria Luisa (che prontamente inoltrò i suoi commenti all'amante Godoy). Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel museo del Prado.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, La_famiglia_di_Carlo_IV.

Nel 1789 Goya fu nominato «Pintor de Cámera del rey» dal nuovo sovrano Carlo IV, salito al trono spagnolo proprio in quell'anno. Già prima di questa qualifica il pittore aveva avuto l'opportunità di ritrarre i re - si pensi al Ritratto di Carlo III in abito di corte - ma sempre individualmente e mai in gruppo. Nell'aprile 1800, invece, Carlo IV commissionò a Goya l'esecuzione di un ritratto di famiglia.Grazie al denso carteggio tra Maria Luisa di Parma, consorte del sovrano, e il suo amante Manuel Godoy, possiamo ricostruire con grande precisione le varie tappe della gestazione dell'opera. Goya vi iniziò a lavorare nel maggio del 1800, spostandosi per quell'occasione nel palazzo di Aranjuez, dove la famiglia reale stava risiedendo in quel periodo dell'anno. Proseguì poi realizzando un totale di dieci studi parziali di ognuno dei personaggi da comporre poi globalmente nel ritratto finale. Goya presentò questi dieci studi di fisionomie singole al sovrano il 23 luglio: dopo varie vicissitudini, tuttavia, a noi ce ne sono giunte cinque, nella fattispecie La infanta María Josefa, El infante Carlos María Isidro, El infante Francisco de Paula, El infante Antonio Pascual e Luis, rey de Etruria.Goya completò quindi La famiglia di Carlo IV nel giugno del 1801. L'opera non suscitò apprezzamenti particolarmente entusiastici da parte dei sovrani, che si aspettavano un dipinto più grandioso, conforme alla maniera di van Loo: a suscitare molte perplessità fu soprattutto la nudità ascetica dello sfondo, ornato con due soli dipinti che tra l'altro è impossibile identificare a causa della scarsità di dettagli. Malgrado ciò l'opera non risultò sgradita, anzi, piacque particolarmente alla regina Maria Luisa (che prontamente inoltrò i suoi commenti all'amante Godoy). Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel museo del Prado.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

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Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Come chiarisce La_famiglia_di_Carlo_IV la sua Storia?

Nel 1789 Goya fu nominato «Pintor de Cámera del rey» dal nuovo sovrano Carlo IV, salito al trono spagnolo proprio in quell'anno. Già prima di questa qualifica il pittore aveva avuto l'opportunità di ritrarre i re - si pensi al Ritratto di Carlo III in abito di corte - ma sempre individualmente e mai in gruppo. Nell'aprile 1800, invece, Carlo IV commissionò a Goya l'esecuzione di un ritratto di famiglia.Grazie al denso carteggio tra Maria Luisa di Parma, consorte del sovrano, e il suo amante Manuel Godoy, possiamo ricostruire con grande precisione le varie tappe della gestazione dell'opera. Goya vi iniziò a lavorare nel maggio del 1800, spostandosi per quell'occasione nel palazzo di Aranjuez, dove la famiglia reale stava risiedendo in quel periodo dell'anno. Proseguì poi realizzando un totale di dieci studi parziali di ognuno dei personaggi da comporre poi globalmente nel ritratto finale. Goya presentò questi dieci studi di fisionomie singole al sovrano il 23 luglio: dopo varie vicissitudini, tuttavia, a noi ce ne sono giunte cinque, nella fattispecie La infanta María Josefa, El infante Carlos María Isidro, El infante Francisco de Paula, El infante Antonio Pascual e Luis, rey de Etruria.Goya completò quindi La famiglia di Carlo IV nel giugno del 1801. L'opera non suscitò apprezzamenti particolarmente entusiastici da parte dei sovrani, che si aspettavano un dipinto più grandioso, conforme alla maniera di van Loo: a suscitare molte perplessità fu soprattutto la nudità ascetica dello sfondo, ornato con due soli dipinti che tra l'altro è impossibile identificare a causa della scarsità di dettagli. Malgrado ciò l'opera non risultò sgradita, anzi, piacque particolarmente alla regina Maria Luisa (che prontamente inoltrò i suoi commenti all'amante Godoy). Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel museo del Prado.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

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Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Come viene discussa la Storia in La_famiglia_di_Carlo_IV?

Nel 1789 Goya fu nominato «Pintor de Cámera del rey» dal nuovo sovrano Carlo IV, salito al trono spagnolo proprio in quell'anno. Già prima di questa qualifica il pittore aveva avuto l'opportunità di ritrarre i re - si pensi al Ritratto di Carlo III in abito di corte - ma sempre individualmente e mai in gruppo. Nell'aprile 1800, invece, Carlo IV commissionò a Goya l'esecuzione di un ritratto di famiglia.Grazie al denso carteggio tra Maria Luisa di Parma, consorte del sovrano, e il suo amante Manuel Godoy, possiamo ricostruire con grande precisione le varie tappe della gestazione dell'opera. Goya vi iniziò a lavorare nel maggio del 1800, spostandosi per quell'occasione nel palazzo di Aranjuez, dove la famiglia reale stava risiedendo in quel periodo dell'anno. Proseguì poi realizzando un totale di dieci studi parziali di ognuno dei personaggi da comporre poi globalmente nel ritratto finale. Goya presentò questi dieci studi di fisionomie singole al sovrano il 23 luglio: dopo varie vicissitudini, tuttavia, a noi ce ne sono giunte cinque, nella fattispecie La infanta María Josefa, El infante Carlos María Isidro, El infante Francisco de Paula, El infante Antonio Pascual e Luis, rey de Etruria.Goya completò quindi La famiglia di Carlo IV nel giugno del 1801. L'opera non suscitò apprezzamenti particolarmente entusiastici da parte dei sovrani, che si aspettavano un dipinto più grandioso, conforme alla maniera di van Loo: a suscitare molte perplessità fu soprattutto la nudità ascetica dello sfondo, ornato con due soli dipinti che tra l'altro è impossibile identificare a causa della scarsità di dettagli. Malgrado ciò l'opera non risultò sgradita, anzi, piacque particolarmente alla regina Maria Luisa (che prontamente inoltrò i suoi commenti all'amante Godoy). Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel museo del Prado.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Nel contesto di La_famiglia_di_Carlo_IV, esplora la Schema identificativo e la Descrizione.

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de La famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo VAutoritratto di GoyaS.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di SpagnaS.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IVS.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VIIS.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due SicilieS.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IVS.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di CadiceS.M re Carlo IVS.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IVS.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'AlgarveS.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e GuastallaS.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico IS.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Esplora la Schema identificativo sulla Descrizione di questa opera d'arte, La_famiglia_di_Carlo_IV.

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de La famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo VAutoritratto di GoyaS.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di SpagnaS.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IVS.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VIIS.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due SicilieS.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IVS.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di CadiceS.M re Carlo IVS.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IVS.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'AlgarveS.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e GuastallaS.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico IS.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: In La_famiglia_di_Carlo_IV, come viene chiarita la Schema identificativo della Descrizione?

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de La famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo VAutoritratto di GoyaS.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di SpagnaS.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IVS.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VIIS.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due SicilieS.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IVS.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di CadiceS.M re Carlo IVS.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IVS.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'AlgarveS.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e GuastallaS.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico IS.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Schema identificativo nella Descrizione di La_famiglia_di_Carlo_IV.

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de La famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo VAutoritratto di GoyaS.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di SpagnaS.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IVS.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VIIS.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due SicilieS.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IVS.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di CadiceS.M re Carlo IVS.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IVS.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'AlgarveS.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e GuastallaS.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico IS.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

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Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Nel contesto di La_famiglia_di_Carlo_IV, esplora la Analisi e la Descrizione.

L'opera, come già detto, ritrae la famiglia di Carlo IV di Borbone. Notevole è la perizia tecnica del dipinto, che presenta un raffinato dialogo cromatico tra i bruni, i rossi, i bianchi e i gialli oro, e una stesura pittorica a grandi macchie e strappi cromatici, tecnica molto audace ripresa dal seicentesco Diego Velázquez. Goya si dimostrò assai sensibile all'influenza esercitata da Las Meninas di Velázquez, dal quale riprende la presenza di quadri alle pareti, la centralità della figura femminile e, soprattutto, l'autoritratto sul margine sinistro della tela, dove nella penombra scorgiamo un uomo impegnato ai pennelli (Goya, per l'appunto). Assente, invece, è il complesso gioco di specchi e prospettive che caratterizzava l'opera di Velázquez, sostituito da Goya con una parete frontale che comprime gli spazi; sembrerebbe, comunque, che durante l'esecuzione del dipinto Goya abbia comunque fatto ricorso allo specchio, ponendolo dinanzi alla famiglia reale e guardandovi dentro.Questo dipinto, tuttavia, colpisce soprattutto per l'occulto proposito espressivo di Goya, che scruta i vari membri della famiglia reale con grandissima tensione psicologica e spietatezza d'occhio. Lo sguardo indagatore di Goya, infatti, guarda oltre l'apparente dignità della famiglia reale e vi scorge uno stato di grande ottusità e miseria morale, nonostante le varie onorificenze e le mise ricercate ed eleganti. È in questo modo che Goya, andando oltre la loro pompa superficiale, pone in risalto il loro lato più miserabile e mette così a nudo il loro animo. Carlo IV, figura emergente del gruppo di destra, viene ritratto con un volto ordinario, di persona sciocca, insignificante e non sembra mostrare la sua potenza di re. È infatti Maria Luisa di Borbone-Parma, la moglie di Carlo IV, al centro del secondo gruppo, tra i due figli minori, la figura dominante nonché la potenza della famiglia; tuttavia ella appare sgradevole, animalesca, inutilmente provocante, restituendo l'effetto grottesco di una scimmia vestita da donna. Tra i due, inoltre, vi è l'infante Francesco; la pubblica voce attribuiva la paternità del piccolo a Manuel Godoy, onnipotente primo ministro, dato che Maria Luisa era molto screditata agli occhi dell'opinione pubblica e Carlo IV passava per un marito compiacente. Analogamente don Ferdinando presenta il busto rigido e il petto sporgente in fuori e, pur volendo trasmettere una sensazione di boria, presenta una fisionomia inespressiva; l'infante Carlo e l'infanta Maria Giuseppina, invece, hanno le sembianze di un «bambino precocemente invecchiato» e di una «vecchia megera ingioiellata» (Nifosì). Alle spalle di Carlo, infine, troviamo il fratello don Antonio, che scruta l'osservatore con uno sguardo fisso, lievemente straniante. Il primo a notare i connotati ironici de La famiglia di Carlo IV fu Théophile Gautier, romanziere francese in visita a Madrid nel 1840; nessuno, prima di lui, prese mai consapevolezza dello spietato realismo del dipinto. Particolarmente interessante, in tal senso, è il commento di Silvia Borghesi:Gli unici a salvarsi dallo spietato verdetto di Goya sono i bambini più piccoli e la coppia di destra, formata da Maria Luisa di Borbone e dal piccolo Carlo, i quali «apportano una nota di freschezza in questa polverosa famiglia reale» (Nifosì). Ben distanti dalle figure adulte, stereotipate e cacofoniche, i bambini rappresentano per Goya uno stato ideale non ancora corrotto, simbolo dell'innocenza e della purezza e quindi incolpevoli della sconvolgente situazione della Spagna di quegli anni. Molto particolare, infine, il ruolo assegnato da Goya alla luce, il vero elemento unificante del dipinto: alla luce, infatti, viene assegnato il duplice compito di sottolineare il lusso degli abiti e il brillio dei gioielli e delle decorazioni, ma anche di far risaltare, che l'artista l'abbia voluto o no, la bruttezza, la follia e la presunzione degli illustri effigiati.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie


La_famiglia_di_Carlo_IV

Prompt: Esplora la Analisi sulla Descrizione di questa opera d'arte, La_famiglia_di_Carlo_IV.

L'opera, come già detto, ritrae la famiglia di Carlo IV di Borbone. Notevole è la perizia tecnica del dipinto, che presenta un raffinato dialogo cromatico tra i bruni, i rossi, i bianchi e i gialli oro, e una stesura pittorica a grandi macchie e strappi cromatici, tecnica molto audace ripresa dal seicentesco Diego Velázquez. Goya si dimostrò assai sensibile all'influenza esercitata da Las Meninas di Velázquez, dal quale riprende la presenza di quadri alle pareti, la centralità della figura femminile e, soprattutto, l'autoritratto sul margine sinistro della tela, dove nella penombra scorgiamo un uomo impegnato ai pennelli (Goya, per l'appunto). Assente, invece, è il complesso gioco di specchi e prospettive che caratterizzava l'opera di Velázquez, sostituito da Goya con una parete frontale che comprime gli spazi; sembrerebbe, comunque, che durante l'esecuzione del dipinto Goya abbia comunque fatto ricorso allo specchio, ponendolo dinanzi alla famiglia reale e guardandovi dentro.Questo dipinto, tuttavia, colpisce soprattutto per l'occulto proposito espressivo di Goya, che scruta i vari membri della famiglia reale con grandissima tensione psicologica e spietatezza d'occhio. Lo sguardo indagatore di Goya, infatti, guarda oltre l'apparente dignità della famiglia reale e vi scorge uno stato di grande ottusità e miseria morale, nonostante le varie onorificenze e le mise ricercate ed eleganti. È in questo modo che Goya, andando oltre la loro pompa superficiale, pone in risalto il loro lato più miserabile e mette così a nudo il loro animo. Carlo IV, figura emergente del gruppo di destra, viene ritratto con un volto ordinario, di persona sciocca, insignificante e non sembra mostrare la sua potenza di re. È infatti Maria Luisa di Borbone-Parma, la moglie di Carlo IV, al centro del secondo gruppo, tra i due figli minori, la figura dominante nonché la potenza della famiglia; tuttavia ella appare sgradevole, animalesca, inutilmente provocante, restituendo l'effetto grottesco di una scimmia vestita da donna. Tra i due, inoltre, vi è l'infante Francesco; la pubblica voce attribuiva la paternità del piccolo a Manuel Godoy, onnipotente primo ministro, dato che Maria Luisa era molto screditata agli occhi dell'opinione pubblica e Carlo IV passava per un marito compiacente. Analogamente don Ferdinando presenta il busto rigido e il petto sporgente in fuori e, pur volendo trasmettere una sensazione di boria, presenta una fisionomia inespressiva; l'infante Carlo e l'infanta Maria Giuseppina, invece, hanno le sembianze di un «bambino precocemente invecchiato» e di una «vecchia megera ingioiellata» (Nifosì). Alle spalle di Carlo, infine, troviamo il fratello don Antonio, che scruta l'osservatore con uno sguardo fisso, lievemente straniante. Il primo a notare i connotati ironici de La famiglia di Carlo IV fu Théophile Gautier, romanziere francese in visita a Madrid nel 1840; nessuno, prima di lui, prese mai consapevolezza dello spietato realismo del dipinto. Particolarmente interessante, in tal senso, è il commento di Silvia Borghesi:Gli unici a salvarsi dallo spietato verdetto di Goya sono i bambini più piccoli e la coppia di destra, formata da Maria Luisa di Borbone e dal piccolo Carlo, i quali «apportano una nota di freschezza in questa polverosa famiglia reale» (Nifosì). Ben distanti dalle figure adulte, stereotipate e cacofoniche, i bambini rappresentano per Goya uno stato ideale non ancora corrotto, simbolo dell'innocenza e della purezza e quindi incolpevoli della sconvolgente situazione della Spagna di quegli anni. Molto particolare, infine, il ruolo assegnato da Goya alla luce, il vero elemento unificante del dipinto: alla luce, infatti, viene assegnato il duplice compito di sottolineare il lusso degli abiti e il brillio dei gioielli e delle decorazioni, ma anche di far risaltare, che l'artista l'abbia voluto o no, la bruttezza, la follia e la presunzione degli illustri effigiati.

Maria Luisa di Borbone-Spagna (1782-1824)

File:La familia de Carlos IV, Francisco de Goya (detail).jpg

File:Goya - Charles IV of Spain and His Family (with numbers).jpg

Maria Antonia di Borbone-Due Sicilie (1784-1806)

Il nucleo centrale del dipinto: Carlo IV e la consorte Maria Luisa con i piccoli Francesco di Paola e Maria Isabella

Categoria:Ritratti pittorici di famiglie