Washington_attraversa_il_fiume_Delaware

Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

Prompt: Come chiarisce Washington_attraversa_il_fiume_Delaware la sua Storia?

Leutze crebbe negli Stati Uniti e tornò in Germania da adulto, dove concepì l'idea del dipinto durante la rivoluzione del 1848. Sperando così di incoraggiare le rivoluzioni liberali europee attraverso l'esempio americano, e usando i turisti americani e gli studenti di arte come modelli e assistenti, tra di essi Worthington Whittredge e Andreas Achenbach, terminò il suo primo quadro nel 1850. Dopo che fu completato, l'opera fu danneggiata dal fuoco nel suo studio, quindi restaurata e acquistata dalla Kunsthalle di Brema. Nel 1942, durante la seconda guerra mondiale, fu distrutto durante un raid inglese della RAF (il che fece nascere barzellette sul fatto che gli inglesi si fossero finalmente vendicati della guerra d'indipendenza americana).Il secondo dipinto, una replica dello stesso ordine di grandezza del primo, fu iniziato nel 1850 e posto in un'esposizione a New York nell'ottobre del 1851. In tale occasione fu visto da più di 50.000 persone. In origine fu acquistato per 10.000 dollari, per il tempo una somma elevata, dal maresciallo O. Roberts. Dopo vari passaggi di proprietà, fu infine donato al museo d'arte moderna di New York dal filantropo John Stewart Kennedy (1830-1909) nel 1897.Il dipinto fu preso in prestito almeno due volte nel corso della storia. All'inizio degli anni cinquanta fu parte di una mostra a Dallas in Texas. Dal 1952 per molti anni a Washington Crossing in Pennsylvania nella Chiesa Metodista, non lontano dal luogo dove si svolse la scena dipinta. Oggi si trova al museo di arte moderna di New York.Nel 2003 è stato deturpato quando una ex guardia del Museo vi ha incollato sopra una foto degli attacchi terroristici dell'11 settembre 2001. Nessun danno permanente è stato causato.

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

Il dipinto raffigurato nella [[monete del dollaro statunitense

Categoria:Storia degli Stati Uniti d'America (1776-1789)

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum

Scena della firma della Costituzione degli Stati Uniti

Winnie the Pooh - Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri


Washington_attraversa_il_fiume_Delaware

Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

Prompt: Come viene discussa la Storia in Washington_attraversa_il_fiume_Delaware?

Leutze crebbe negli Stati Uniti e tornò in Germania da adulto, dove concepì l'idea del dipinto durante la rivoluzione del 1848. Sperando così di incoraggiare le rivoluzioni liberali europee attraverso l'esempio americano, e usando i turisti americani e gli studenti di arte come modelli e assistenti, tra di essi Worthington Whittredge e Andreas Achenbach, terminò il suo primo quadro nel 1850. Dopo che fu completato, l'opera fu danneggiata dal fuoco nel suo studio, quindi restaurata e acquistata dalla Kunsthalle di Brema. Nel 1942, durante la seconda guerra mondiale, fu distrutto durante un raid inglese della RAF (il che fece nascere barzellette sul fatto che gli inglesi si fossero finalmente vendicati della guerra d'indipendenza americana).Il secondo dipinto, una replica dello stesso ordine di grandezza del primo, fu iniziato nel 1850 e posto in un'esposizione a New York nell'ottobre del 1851. In tale occasione fu visto da più di 50.000 persone. In origine fu acquistato per 10.000 dollari, per il tempo una somma elevata, dal maresciallo O. Roberts. Dopo vari passaggi di proprietà, fu infine donato al museo d'arte moderna di New York dal filantropo John Stewart Kennedy (1830-1909) nel 1897.Il dipinto fu preso in prestito almeno due volte nel corso della storia. All'inizio degli anni cinquanta fu parte di una mostra a Dallas in Texas. Dal 1952 per molti anni a Washington Crossing in Pennsylvania nella Chiesa Metodista, non lontano dal luogo dove si svolse la scena dipinta. Oggi si trova al museo di arte moderna di New York.Nel 2003 è stato deturpato quando una ex guardia del Museo vi ha incollato sopra una foto degli attacchi terroristici dell'11 settembre 2001. Nessun danno permanente è stato causato.

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

Il dipinto raffigurato nella [[monete del dollaro statunitense

Categoria:Storia degli Stati Uniti d'America (1776-1789)

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Washington_attraversa_il_fiume_Delaware

Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

Prompt: Concentrati su Washington_attraversa_il_fiume_Delaware ed esplora la Tema.

Il dipinto si distingue per la composizione artistica. Il Generale Washington è evidenziato in modo innaturale da un cielo luminoso, mentre il suo viso risplende in pieno sole. I colori sono costituiti da toni prevalentemente scuri, come è da aspettarsi all'alba, ma ci sono riflessi rossi ripetuti in tutto il dipinto. Lo scorcio, la prospettiva e le barche lontane, tutto serve per dare profondità al dipinto e far risaltare in primo piano l'imbarcazione su cui si trova Washington.Le persone presenti nell'imbarcazione rappresentano idealmente uno spaccato del popolo delle colonie americane, tra cui un uomo con un berretto scozzese e, accanto a lui, un uomo di origine africana con le spalle rivolte alla prua; due rudi uomini della frontiera in azione a prua e poppa, due agricoltori con cappelli a tesa larga verso il fondo (di cui uno con la testa fasciata) e un vogatore in camicia rossa, con fattezze androgine forse rappresentante una donna in vestiti da uomo. C'è anche un uomo nella parte posteriore della barca che sembra essere un nativo americano.L'uomo in piedi accanto a Washington che tiene la bandiera è il tenente James Monroe, futuro presidente degli Stati Uniti. Inoltre, il generale Edward Hand (1744-1802), colui che ha accettato la spada di resa di Charles Cornwallis durante l'assedio di Yorktown, è rappresentato seduto all'interno dell'imbarcazione tenendosi il cappello.

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

Il dipinto raffigurato nella [[monete del dollaro statunitense

Categoria:Storia degli Stati Uniti d'America (1776-1789)

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum

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attacchi terroristici dell'11 settembre 2001


Washington_attraversa_il_fiume_Delaware

Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

Prompt: Esplora la Tema di questa opera d'arte, Washington_attraversa_il_fiume_Delaware.

Il dipinto si distingue per la composizione artistica. Il Generale Washington è evidenziato in modo innaturale da un cielo luminoso, mentre il suo viso risplende in pieno sole. I colori sono costituiti da toni prevalentemente scuri, come è da aspettarsi all'alba, ma ci sono riflessi rossi ripetuti in tutto il dipinto. Lo scorcio, la prospettiva e le barche lontane, tutto serve per dare profondità al dipinto e far risaltare in primo piano l'imbarcazione su cui si trova Washington.Le persone presenti nell'imbarcazione rappresentano idealmente uno spaccato del popolo delle colonie americane, tra cui un uomo con un berretto scozzese e, accanto a lui, un uomo di origine africana con le spalle rivolte alla prua; due rudi uomini della frontiera in azione a prua e poppa, due agricoltori con cappelli a tesa larga verso il fondo (di cui uno con la testa fasciata) e un vogatore in camicia rossa, con fattezze androgine forse rappresentante una donna in vestiti da uomo. C'è anche un uomo nella parte posteriore della barca che sembra essere un nativo americano.L'uomo in piedi accanto a Washington che tiene la bandiera è il tenente James Monroe, futuro presidente degli Stati Uniti. Inoltre, il generale Edward Hand (1744-1802), colui che ha accettato la spada di resa di Charles Cornwallis durante l'assedio di Yorktown, è rappresentato seduto all'interno dell'imbarcazione tenendosi il cappello.

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Il dipinto si distingue per la composizione artistica. Il Generale Washington è evidenziato in modo innaturale da un cielo luminoso, mentre il suo viso risplende in pieno sole. I colori sono costituiti da toni prevalentemente scuri, come è da aspettarsi all'alba, ma ci sono riflessi rossi ripetuti in tutto il dipinto. Lo scorcio, la prospettiva e le barche lontane, tutto serve per dare profondità al dipinto e far risaltare in primo piano l'imbarcazione su cui si trova Washington.Le persone presenti nell'imbarcazione rappresentano idealmente uno spaccato del popolo delle colonie americane, tra cui un uomo con un berretto scozzese e, accanto a lui, un uomo di origine africana con le spalle rivolte alla prua; due rudi uomini della frontiera in azione a prua e poppa, due agricoltori con cappelli a tesa larga verso il fondo (di cui uno con la testa fasciata) e un vogatore in camicia rossa, con fattezze androgine forse rappresentante una donna in vestiti da uomo. C'è anche un uomo nella parte posteriore della barca che sembra essere un nativo americano.L'uomo in piedi accanto a Washington che tiene la bandiera è il tenente James Monroe, futuro presidente degli Stati Uniti. Inoltre, il generale Edward Hand (1744-1802), colui che ha accettato la spada di resa di Charles Cornwallis durante l'assedio di Yorktown, è rappresentato seduto all'interno dell'imbarcazione tenendosi il cappello.

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Il dipinto si distingue per la composizione artistica. Il Generale Washington è evidenziato in modo innaturale da un cielo luminoso, mentre il suo viso risplende in pieno sole. I colori sono costituiti da toni prevalentemente scuri, come è da aspettarsi all'alba, ma ci sono riflessi rossi ripetuti in tutto il dipinto. Lo scorcio, la prospettiva e le barche lontane, tutto serve per dare profondità al dipinto e far risaltare in primo piano l'imbarcazione su cui si trova Washington.Le persone presenti nell'imbarcazione rappresentano idealmente uno spaccato del popolo delle colonie americane, tra cui un uomo con un berretto scozzese e, accanto a lui, un uomo di origine africana con le spalle rivolte alla prua; due rudi uomini della frontiera in azione a prua e poppa, due agricoltori con cappelli a tesa larga verso il fondo (di cui uno con la testa fasciata) e un vogatore in camicia rossa, con fattezze androgine forse rappresentante una donna in vestiti da uomo. C'è anche un uomo nella parte posteriore della barca che sembra essere un nativo americano.L'uomo in piedi accanto a Washington che tiene la bandiera è il tenente James Monroe, futuro presidente degli Stati Uniti. Inoltre, il generale Edward Hand (1744-1802), colui che ha accettato la spada di resa di Charles Cornwallis durante l'assedio di Yorktown, è rappresentato seduto all'interno dell'imbarcazione tenendosi il cappello.

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

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Washington_attraversa_il_fiume_Delaware

Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

Prompt: Concentrati su Washington_attraversa_il_fiume_Delaware ed esplora la Inesattezze storiche.

La bandiera raffigurata è la bandiera originale degli Stati Uniti (la "Stelle e Strisce"), il cui progetto non esisteva al momento del passaggio di Washington. Il design della bandiera è stato definito solo il 14 giugno 1777, con la Flag Resolution del Secondo congresso continentale, e sventolò per la prima volta il 3 settembre, 1777 e dopo aver attraversato le strade di Washington nel 1776. Una bandiera storicamente accurata sarebbe stata quella Grand Union, ufficialmente issata da Washington stesso il 2 gennaio 1776, a Cambridge, Massachusetts, come lo standard dell'esercito Continentale e la prima bandiera nazionale.Preoccupazioni artistiche sono la fonte di ulteriori errori se rilevati dagli storici. Ad esempio, la barca è del modello sbagliato, in quanto sembra troppo piccola per trasportare tutti gli occupanti rimanendo a galla, ma questo sottolinea la lotta dei soldati ai remi. Esistono fonti di luce misteriose oltre il sole, come si può vedere sulla faccia del vogatore anteriore e si capisce dalle ombre sull'acqua, volute per aggiungere profondità.La traversata ha avuto luogo nel cuore della notte, per cui non avrebbe dovuto esserci che la poca luce naturale, ma questo avrebbe fatto dipingere un quadro ben diverso. Il fiume è modellato sul Reno, dove il ghiaccio tende a formare in blocchi irregolari, come nella foto, non in fogli grandi, come è più comune in Delaware. Tuttavia, si è ipotizzato che il fiume Delaware fosse veramente ghiacciato, come indicato a causa della piccola era glaciale che stava avvenendo in quel momento.  Inoltre, il Delaware nel punto oggi denominato Washington Crossing è molto più stretto del fiume raffigurato nel dipinto. È anche piovuto durante la traversata. Quindi, gli uomini non hanno portato i cavalli o artiglieria da campo attraverso il fiume nelle barche, ma invece li avevano trasportati tramite traghetti.Infine, la posizione di Washington, che ha lo scopo di rappresentarlo in maniera eroica, sarebbe stata molto difficile da mantenere viste le condizioni di tempesta durante la traversata. Considerando che è in piedi in una barca a remi, un tale atteggiamento avrebbe rischiato di far rovesciare la barca. Tuttavia, lo storico David Hackett Fischer ha sostenuto che tutti sarebbero stati in piedi per evitare l'acqua ghiacciata sul fondo della barca (le barche effettivamente utilizzate hanno bordi più alti).

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

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Washington Crossing the Delaware (1851 paintings)

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La bandiera raffigurata è la bandiera originale degli Stati Uniti (la "Stelle e Strisce"), il cui progetto non esisteva al momento del passaggio di Washington. Il design della bandiera è stato definito solo il 14 giugno 1777, con la Flag Resolution del Secondo congresso continentale, e sventolò per la prima volta il 3 settembre, 1777 e dopo aver attraversato le strade di Washington nel 1776. Una bandiera storicamente accurata sarebbe stata quella Grand Union, ufficialmente issata da Washington stesso il 2 gennaio 1776, a Cambridge, Massachusetts, come lo standard dell'esercito Continentale e la prima bandiera nazionale.Preoccupazioni artistiche sono la fonte di ulteriori errori se rilevati dagli storici. Ad esempio, la barca è del modello sbagliato, in quanto sembra troppo piccola per trasportare tutti gli occupanti rimanendo a galla, ma questo sottolinea la lotta dei soldati ai remi. Esistono fonti di luce misteriose oltre il sole, come si può vedere sulla faccia del vogatore anteriore e si capisce dalle ombre sull'acqua, volute per aggiungere profondità.La traversata ha avuto luogo nel cuore della notte, per cui non avrebbe dovuto esserci che la poca luce naturale, ma questo avrebbe fatto dipingere un quadro ben diverso. Il fiume è modellato sul Reno, dove il ghiaccio tende a formare in blocchi irregolari, come nella foto, non in fogli grandi, come è più comune in Delaware. Tuttavia, si è ipotizzato che il fiume Delaware fosse veramente ghiacciato, come indicato a causa della piccola era glaciale che stava avvenendo in quel momento.  Inoltre, il Delaware nel punto oggi denominato Washington Crossing è molto più stretto del fiume raffigurato nel dipinto. È anche piovuto durante la traversata. Quindi, gli uomini non hanno portato i cavalli o artiglieria da campo attraverso il fiume nelle barche, ma invece li avevano trasportati tramite traghetti.Infine, la posizione di Washington, che ha lo scopo di rappresentarlo in maniera eroica, sarebbe stata molto difficile da mantenere viste le condizioni di tempesta durante la traversata. Considerando che è in piedi in una barca a remi, un tale atteggiamento avrebbe rischiato di far rovesciare la barca. Tuttavia, lo storico David Hackett Fischer ha sostenuto che tutti sarebbero stati in piedi per evitare l'acqua ghiacciata sul fondo della barca (le barche effettivamente utilizzate hanno bordi più alti).

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Prompt: Come chiarisce Washington_attraversa_il_fiume_Delaware la sua Inesattezze storiche?

La bandiera raffigurata è la bandiera originale degli Stati Uniti (la "Stelle e Strisce"), il cui progetto non esisteva al momento del passaggio di Washington. Il design della bandiera è stato definito solo il 14 giugno 1777, con la Flag Resolution del Secondo congresso continentale, e sventolò per la prima volta il 3 settembre, 1777 e dopo aver attraversato le strade di Washington nel 1776. Una bandiera storicamente accurata sarebbe stata quella Grand Union, ufficialmente issata da Washington stesso il 2 gennaio 1776, a Cambridge, Massachusetts, come lo standard dell'esercito Continentale e la prima bandiera nazionale.Preoccupazioni artistiche sono la fonte di ulteriori errori se rilevati dagli storici. Ad esempio, la barca è del modello sbagliato, in quanto sembra troppo piccola per trasportare tutti gli occupanti rimanendo a galla, ma questo sottolinea la lotta dei soldati ai remi. Esistono fonti di luce misteriose oltre il sole, come si può vedere sulla faccia del vogatore anteriore e si capisce dalle ombre sull'acqua, volute per aggiungere profondità.La traversata ha avuto luogo nel cuore della notte, per cui non avrebbe dovuto esserci che la poca luce naturale, ma questo avrebbe fatto dipingere un quadro ben diverso. Il fiume è modellato sul Reno, dove il ghiaccio tende a formare in blocchi irregolari, come nella foto, non in fogli grandi, come è più comune in Delaware. Tuttavia, si è ipotizzato che il fiume Delaware fosse veramente ghiacciato, come indicato a causa della piccola era glaciale che stava avvenendo in quel momento.  Inoltre, il Delaware nel punto oggi denominato Washington Crossing è molto più stretto del fiume raffigurato nel dipinto. È anche piovuto durante la traversata. Quindi, gli uomini non hanno portato i cavalli o artiglieria da campo attraverso il fiume nelle barche, ma invece li avevano trasportati tramite traghetti.Infine, la posizione di Washington, che ha lo scopo di rappresentarlo in maniera eroica, sarebbe stata molto difficile da mantenere viste le condizioni di tempesta durante la traversata. Considerando che è in piedi in una barca a remi, un tale atteggiamento avrebbe rischiato di far rovesciare la barca. Tuttavia, lo storico David Hackett Fischer ha sostenuto che tutti sarebbero stati in piedi per evitare l'acqua ghiacciata sul fondo della barca (le barche effettivamente utilizzate hanno bordi più alti).

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

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La bandiera raffigurata è la bandiera originale degli Stati Uniti (la "Stelle e Strisce"), il cui progetto non esisteva al momento del passaggio di Washington. Il design della bandiera è stato definito solo il 14 giugno 1777, con la Flag Resolution del Secondo congresso continentale, e sventolò per la prima volta il 3 settembre, 1777 e dopo aver attraversato le strade di Washington nel 1776. Una bandiera storicamente accurata sarebbe stata quella Grand Union, ufficialmente issata da Washington stesso il 2 gennaio 1776, a Cambridge, Massachusetts, come lo standard dell'esercito Continentale e la prima bandiera nazionale.Preoccupazioni artistiche sono la fonte di ulteriori errori se rilevati dagli storici. Ad esempio, la barca è del modello sbagliato, in quanto sembra troppo piccola per trasportare tutti gli occupanti rimanendo a galla, ma questo sottolinea la lotta dei soldati ai remi. Esistono fonti di luce misteriose oltre il sole, come si può vedere sulla faccia del vogatore anteriore e si capisce dalle ombre sull'acqua, volute per aggiungere profondità.La traversata ha avuto luogo nel cuore della notte, per cui non avrebbe dovuto esserci che la poca luce naturale, ma questo avrebbe fatto dipingere un quadro ben diverso. Il fiume è modellato sul Reno, dove il ghiaccio tende a formare in blocchi irregolari, come nella foto, non in fogli grandi, come è più comune in Delaware. Tuttavia, si è ipotizzato che il fiume Delaware fosse veramente ghiacciato, come indicato a causa della piccola era glaciale che stava avvenendo in quel momento.  Inoltre, il Delaware nel punto oggi denominato Washington Crossing è molto più stretto del fiume raffigurato nel dipinto. È anche piovuto durante la traversata. Quindi, gli uomini non hanno portato i cavalli o artiglieria da campo attraverso il fiume nelle barche, ma invece li avevano trasportati tramite traghetti.Infine, la posizione di Washington, che ha lo scopo di rappresentarlo in maniera eroica, sarebbe stata molto difficile da mantenere viste le condizioni di tempesta durante la traversata. Considerando che è in piedi in una barca a remi, un tale atteggiamento avrebbe rischiato di far rovesciare la barca. Tuttavia, lo storico David Hackett Fischer ha sostenuto che tutti sarebbero stati in piedi per evitare l'acqua ghiacciata sul fondo della barca (le barche effettivamente utilizzate hanno bordi più alti).

Charles Cornwallis, I marchese Cornwallis

Il dipinto raffigurato nella [[monete del dollaro statunitense

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attacchi terroristici dell'11 settembre 2001


Prompt: Concentrati su Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp ed esplora la abstract.

Lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp è un dipinto a olio su tela (169,5x216,5 cm) realizzato da Rembrandt nel 1632, firmato e datato "REMBRANDT. F:1632". Oggi l'opera è conservata al Mauritshuis dell'Aia.

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp.

Lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp è un dipinto a olio su tela (169,5x216,5 cm) realizzato da Rembrandt nel 1632, firmato e datato "REMBRANDT. F:1632". Oggi l'opera è conservata al Mauritshuis dell'Aia.

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Prompt: Come chiarisce Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp la sua abstract?

Lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp è un dipinto a olio su tela (169,5x216,5 cm) realizzato da Rembrandt nel 1632, firmato e datato "REMBRANDT. F:1632". Oggi l'opera è conservata al Mauritshuis dell'Aia.

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
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Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
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Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
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Pittura a olio
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Prompt: Come viene discussa la abstract in Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp?

Lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp è un dipinto a olio su tela (169,5x216,5 cm) realizzato da Rembrandt nel 1632, firmato e datato "REMBRANDT. F:1632". Oggi l'opera è conservata al Mauritshuis dell'Aia.

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
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Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
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Prompt: Concentrati su Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp ed esplora la Analisi dell'opera.

Il dipinto fu commissionato al pittore dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. Rappresenta il professor Nicolaes Tulp, titolare della locale cattedra di anatomia, mentre esegue la dissezione del corpo di un giustiziato del quale, grazie ai documenti, conosciamo l'identità: Adrian Adrianeszoon detto "Het Kindt", famigerato criminale impiccato ad Amsterdam nel gennaio del 1632.In un'epoca in cui non esisteva ancora la refrigerazione elettrica per conservare i cadaveri, le anatomie si potevano tenere solo nei mesi più freddi: conseguenzialmente, possiamo dedurre che l'intervento su Het Kindt sia stato tenuto da Tulp poco dopo la sua impiccagione. Il dipinto, quindi, è databile alla prima metà dell'anno.Come accadrà dieci anni dopo con l'altrettanto celebre La ronda di notte, qui troviamo i nomi dei presenti (in questo caso, medici) scritti su un libro tenuto in mano da un assistente; l'ultimo nome, appartenente al personaggio all'estrema sinistra, sembra aggiunto successivamente, così come la figura nel quadro. Indimenticabili sono le figure, colte in tutto il loro stupore, ribrezzo e curiosità, magnificamente sottolineati dall'illuminazione della scena, che dà al dipinto un'atmosfera assolutamente unica.Il dottor Tulp è ritratto nel momento in cui espone agli astanti il funzionamento dei tendini del braccio sinistro: per maggiore comprensione, li afferra con delle grosse pinze, e a sua volta, con la mano sinistra, mima il movimento delle dita reso possibile dai tendini stessi. Da sottolineare come il gesto del medico sia molto simile a quello di un pittore quando tiene il pennello tra le dita. Il dipinto sottolinea quindi le similitudini tra medicina e pittura, e vuole essere un omaggio per entrambe.Le radiografie e le indagini hanno rivelato la presenza di alcune correzioni, compiute probabilmente da Rembrandt stesso: oltre alla già citata aggiunta del medico all'estrema sinistra, è stata modificata la lista dei presenti sul foglio in mano al medico al centro, è stato cancellato il cappello del medico in piedi in alto, ed è stata aggiunta la mano del cadavere (che sappiamo dai documenti essere mancante, in quanto già amputata in vita al ladro). Inoltre, il corpo non presenta i consueti tagli dell'eviscerazione, fatta per scongiurare sgradevoli miasmi: ma tale mancanza potrebbe essere dovuta ad una questione di "decoro".

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Prompt: Esplora la Analisi dell'opera di questa opera d'arte, Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp.

Il dipinto fu commissionato al pittore dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. Rappresenta il professor Nicolaes Tulp, titolare della locale cattedra di anatomia, mentre esegue la dissezione del corpo di un giustiziato del quale, grazie ai documenti, conosciamo l'identità: Adrian Adrianeszoon detto "Het Kindt", famigerato criminale impiccato ad Amsterdam nel gennaio del 1632.In un'epoca in cui non esisteva ancora la refrigerazione elettrica per conservare i cadaveri, le anatomie si potevano tenere solo nei mesi più freddi: conseguenzialmente, possiamo dedurre che l'intervento su Het Kindt sia stato tenuto da Tulp poco dopo la sua impiccagione. Il dipinto, quindi, è databile alla prima metà dell'anno.Come accadrà dieci anni dopo con l'altrettanto celebre La ronda di notte, qui troviamo i nomi dei presenti (in questo caso, medici) scritti su un libro tenuto in mano da un assistente; l'ultimo nome, appartenente al personaggio all'estrema sinistra, sembra aggiunto successivamente, così come la figura nel quadro. Indimenticabili sono le figure, colte in tutto il loro stupore, ribrezzo e curiosità, magnificamente sottolineati dall'illuminazione della scena, che dà al dipinto un'atmosfera assolutamente unica.Il dottor Tulp è ritratto nel momento in cui espone agli astanti il funzionamento dei tendini del braccio sinistro: per maggiore comprensione, li afferra con delle grosse pinze, e a sua volta, con la mano sinistra, mima il movimento delle dita reso possibile dai tendini stessi. Da sottolineare come il gesto del medico sia molto simile a quello di un pittore quando tiene il pennello tra le dita. Il dipinto sottolinea quindi le similitudini tra medicina e pittura, e vuole essere un omaggio per entrambe.Le radiografie e le indagini hanno rivelato la presenza di alcune correzioni, compiute probabilmente da Rembrandt stesso: oltre alla già citata aggiunta del medico all'estrema sinistra, è stata modificata la lista dei presenti sul foglio in mano al medico al centro, è stato cancellato il cappello del medico in piedi in alto, ed è stata aggiunta la mano del cadavere (che sappiamo dai documenti essere mancante, in quanto già amputata in vita al ladro). Inoltre, il corpo non presenta i consueti tagli dell'eviscerazione, fatta per scongiurare sgradevoli miasmi: ma tale mancanza potrebbe essere dovuta ad una questione di "decoro".

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Prompt: Come chiarisce Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp la sua Analisi dell'opera?

Il dipinto fu commissionato al pittore dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. Rappresenta il professor Nicolaes Tulp, titolare della locale cattedra di anatomia, mentre esegue la dissezione del corpo di un giustiziato del quale, grazie ai documenti, conosciamo l'identità: Adrian Adrianeszoon detto "Het Kindt", famigerato criminale impiccato ad Amsterdam nel gennaio del 1632.In un'epoca in cui non esisteva ancora la refrigerazione elettrica per conservare i cadaveri, le anatomie si potevano tenere solo nei mesi più freddi: conseguenzialmente, possiamo dedurre che l'intervento su Het Kindt sia stato tenuto da Tulp poco dopo la sua impiccagione. Il dipinto, quindi, è databile alla prima metà dell'anno.Come accadrà dieci anni dopo con l'altrettanto celebre La ronda di notte, qui troviamo i nomi dei presenti (in questo caso, medici) scritti su un libro tenuto in mano da un assistente; l'ultimo nome, appartenente al personaggio all'estrema sinistra, sembra aggiunto successivamente, così come la figura nel quadro. Indimenticabili sono le figure, colte in tutto il loro stupore, ribrezzo e curiosità, magnificamente sottolineati dall'illuminazione della scena, che dà al dipinto un'atmosfera assolutamente unica.Il dottor Tulp è ritratto nel momento in cui espone agli astanti il funzionamento dei tendini del braccio sinistro: per maggiore comprensione, li afferra con delle grosse pinze, e a sua volta, con la mano sinistra, mima il movimento delle dita reso possibile dai tendini stessi. Da sottolineare come il gesto del medico sia molto simile a quello di un pittore quando tiene il pennello tra le dita. Il dipinto sottolinea quindi le similitudini tra medicina e pittura, e vuole essere un omaggio per entrambe.Le radiografie e le indagini hanno rivelato la presenza di alcune correzioni, compiute probabilmente da Rembrandt stesso: oltre alla già citata aggiunta del medico all'estrema sinistra, è stata modificata la lista dei presenti sul foglio in mano al medico al centro, è stato cancellato il cappello del medico in piedi in alto, ed è stata aggiunta la mano del cadavere (che sappiamo dai documenti essere mancante, in quanto già amputata in vita al ladro). Inoltre, il corpo non presenta i consueti tagli dell'eviscerazione, fatta per scongiurare sgradevoli miasmi: ma tale mancanza potrebbe essere dovuta ad una questione di "decoro".

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


Prompt: Come viene discussa la Analisi dell'opera in Lezione_di_anatomia_del_dottor_Nicolaes_Tulp?

Il dipinto fu commissionato al pittore dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. Rappresenta il professor Nicolaes Tulp, titolare della locale cattedra di anatomia, mentre esegue la dissezione del corpo di un giustiziato del quale, grazie ai documenti, conosciamo l'identità: Adrian Adrianeszoon detto "Het Kindt", famigerato criminale impiccato ad Amsterdam nel gennaio del 1632.In un'epoca in cui non esisteva ancora la refrigerazione elettrica per conservare i cadaveri, le anatomie si potevano tenere solo nei mesi più freddi: conseguenzialmente, possiamo dedurre che l'intervento su Het Kindt sia stato tenuto da Tulp poco dopo la sua impiccagione. Il dipinto, quindi, è databile alla prima metà dell'anno.Come accadrà dieci anni dopo con l'altrettanto celebre La ronda di notte, qui troviamo i nomi dei presenti (in questo caso, medici) scritti su un libro tenuto in mano da un assistente; l'ultimo nome, appartenente al personaggio all'estrema sinistra, sembra aggiunto successivamente, così come la figura nel quadro. Indimenticabili sono le figure, colte in tutto il loro stupore, ribrezzo e curiosità, magnificamente sottolineati dall'illuminazione della scena, che dà al dipinto un'atmosfera assolutamente unica.Il dottor Tulp è ritratto nel momento in cui espone agli astanti il funzionamento dei tendini del braccio sinistro: per maggiore comprensione, li afferra con delle grosse pinze, e a sua volta, con la mano sinistra, mima il movimento delle dita reso possibile dai tendini stessi. Da sottolineare come il gesto del medico sia molto simile a quello di un pittore quando tiene il pennello tra le dita. Il dipinto sottolinea quindi le similitudini tra medicina e pittura, e vuole essere un omaggio per entrambe.Le radiografie e le indagini hanno rivelato la presenza di alcune correzioni, compiute probabilmente da Rembrandt stesso: oltre alla già citata aggiunta del medico all'estrema sinistra, è stata modificata la lista dei presenti sul foglio in mano al medico al centro, è stato cancellato il cappello del medico in piedi in alto, ed è stata aggiunta la mano del cadavere (che sappiamo dai documenti essere mancante, in quanto già amputata in vita al ladro). Inoltre, il corpo non presenta i consueti tagli dell'eviscerazione, fatta per scongiurare sgradevoli miasmi: ma tale mancanza potrebbe essere dovuta ad una questione di "decoro".

Dissezione (anatomia)
Pittura su tela
Ronda di notte
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
Enciclopedia Britannica
Categoria:Dipinti sull'istruzione
dipinto a olio
Nicolaes Tulp
anatomia umana
anatomia
Categoria:Dipinti di Rembrandt
L'Aia
La ronda di notte
Categoria:Dipinti nella Mauritshuis
tela
pittura a olio
1632
dissezione
olio
Rembrandt
Mauritshuis
pittura su tela
l'Aia
Pittura a olio
Rembrandt Harmenszoon van Rijn


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Concentrati su I_mangiatori_di_patate ed esplora la abstract.

I mangiatori di patate (De Aardappeleters) è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1885 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, I_mangiatori_di_patate.

I mangiatori di patate (De Aardappeleters) è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1885 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come chiarisce I_mangiatori_di_patate la sua abstract?

I mangiatori di patate (De Aardappeleters) è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1885 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come viene discussa la abstract in I_mangiatori_di_patate?

I mangiatori di patate (De Aardappeleters) è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1885 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Concentrati su I_mangiatori_di_patate ed esplora la Storia.

Prima di diventare pittore van Gogh preferì seguire le orme paterne e abbracciare il mestiere di pastore. Il suo fervore religioso, tuttavia, si dissipò completamente dopo i mesi trascorsi tra i minatori del Borinage, una delle regioni più tristi e miserabili dell'intero Belgio: fu questa comunque un'esperienza chiave nella sua maturazione pittorica, grazie alla quale il pittore approfondì il suo amore paterno per i poveri ed i diseredati.Quando finalmente van Gogh decise di votarsi alle Belle Arti, in effetti, il suo primo desiderio fu quello di dare dignità artistica all'austerità della vita e del lavoro dei contadini. La solidarietà con la classe lavoratrice indusse Van Gogh a visitare le povere casupole del villaggio di Nuenen e a ritrarne i vari agricoltori. «Voglio ricavare il soggetto dagli stessi caratteri» scrisse van Gogh al fratello Theo, aggiungendo poi: «ancor più m'interessa la proporzione di un volto e il modo in cui la rotondità della testa si rapporta alla figura intera». In questi quadri Vincent ritrasse infatti le teste dei contadini, cogliendone la rotondità delle cuffie, la curvatura della visiera e, soprattutto, lo sguardo penetrante e misterioso, il quale è sì rivolto verso l'osservatore, ma lo trafigge, lo oltrepassa, come se in realtà stesse guardando altrove. Quando van Gogh si guadagnò una maggiore fiducia da parte degli abitanti di Nuenen i ritratti si fecero meno sfuggenti e i contadini iniziarono a rivolgergli sguardi che, seppur ricolmi di una paziente disperazione, sono comunque più aperti e confidenti. Negli ultimi studi di questo tipo, poi, gli occhi dei contadini diventano veri e propri «specchi dell'anima» e tradiscono non solo la loro sete di dignità interiore, ma anche «tutta l'integrità di un'esistenza legata alla natura che offre un autentico contrappunto all'inevitabile autocompiacimento di un ritratto su commissione» (Metzger). Particolarmente vivi sono i ritratti di Goordina de Groot, una delle poche contadine che è stata riconosciuta con successo dai critici d'arte e che pertanto è riuscita a salvarsi dall'anonimato al quale sarebbe stata obbligata dalla società moderna. Di seguito riportiamo uno stralcio della lettera 384, scritta da Vincent nel novembre 1884 e indirizzata al fratello Theo:Un vigoroso passo avanti fu compiuto dal pittore quando abbandonò la raffigurazione di volti e iniziò a ritrarre contadini e contadine affaccendate nei lavori domestici, nella pelatura di patate, nell'intreccio di cesti, nella riduzione in gomitoli delle matasse di filo, e così via. I tempi erano ormai maturi perché van Gogh operasse un'efficace sintesi di tutti questi studi preliminari: fu così che, nel 1885, Vincent diede vita a I mangiatori di patate, tenendo alla mente non solo la serie delle teste di contadini ma anche diversi schizzi compositivi e bozzetti di preliminari (raffiguranti, ad esempio, le mani callose dei contadini, o il bricco di un caffè). Si trattò, pertanto, di un'opera realizzata dopo un lungo e laborioso lavoro di atelier, e che dunque non serbava affatto quella luminosa accidentalità en plein air che balenava nelle opere impressioniste. Vincent, in ogni caso, amò molto quest'opera, e quest'infatuazione sopravvisse indenne persino al brusco mutamento tematico e cromatico che interessò la sua produzione pittorica dopo il trasferimento da Nuenen a Parigi. «Di tutti i miei lavori, ritengo il quadro dei contadini che mangiano patate, che ho dipinto a Nuenen, decisamente il migliore che abbia fatto»: furono queste le orgogliose parole che van Gogh comunicò alla sorella Wilhelmina nel 1887, due anni dopo aver portato a compimento I mangiatori di patate.Vincent trattò il soggetto dei mangiatori di patate in altri due cimenti pittorici, i quali sono sì propedeutici alla realizzazione della versione definitiva, ma non per questo poco interessanti: la prima redazione, anzi, presenta una notevole struttura compositiva e viene delineata da pennellate veloci che ricolmano la tela di una autenticità tutt'agreste. Meno spontanea, perché più meditata e monumentale, è invece la seconda versione de I mangiatori di patate, con la figura di tergo che si incunea rigidamente nella disposizione asimmetrica degli altri quattro commensali. La versione conclusiva di Amsterdam, terminato come si è già detto nel 1885, riprendeva e portava ad un maggiore grado di raffinatezza formale quei valori che avevano già reso celebre l'arte di Millet e di Breton e, pertanto, era quello più apprezzato da van Gogh, che la firmò e ne fornì persino un ampio commento letterario. Alla descrizione della tela, infatti, Vincent dedicò un'impressionante quantità di lettere, le quali nella loro intimità sostituivano il manifesto programmatico e, anzi, orchestravano un raffinato sincretismo tra passato e presente, letteratura e pittura, cromatismo e critica sociale.Non a caso van Gogh riteneva che la sua fama dipendesse in gran parte dalla sorte di questo quadro, e non esitò a sollecitare il fratello Théo, che ricordiamo essere un abile mercante d'arte, affinché tale opera fosse opportunamente rivelata al grande pubblico. «L'amico del popolo, il contadino per vocazione, l'asceta per empatia» commenta in tal proposito il Metzger «che il suo dipinto avesse avuto successo o meno, sarebbe rimasta la sua vita a dare testimonianza. L'uomo era inscindibile dal pittore: in quest'unico quadro si coagulava la sua concezione del mondo di fronte al destino». Malgrado le insistenze di Vincent l'opera fu accolta assai freddamente: Théo non l'apprezzava affatto, e Anthon van Rappard, amico e collega del pittore, ne criticò l'inadeguatezza compositiva e le pennellate grezze, maldestre: «Devi ammettere che un lavoro come questo non è stato fatto sul serio. Fortunatamente, puoi fare di più: ma perché hai osservato e trattato tutto allo stesso modo, superficialmente? Perché non hai studiato a fondo i movimenti? Così, i personaggi sono in posa». Van Gogh, che in questo dipinto vedeva cristallizzate tutte le sue conquiste estetiche e concettuali, ruppe così indignatamente l'amicizia con il Rappard (« tu ... non avevi nessun diritto a criticare il mio lavoro nel modo con cui lo hai fatto!»). Al di là delle incomprensioni iniziali, si capì alla fine come l'opera riassumesse magistralmente la fede con cui van Gogh si rapportava alla gente semplice, come i contadini, gli «animali da soma della società» (Metzger) i quali, nonostante tutto, erano liberi dalle escrescenze del mondo moderno e, perciò, erano ancora i sublimi cantori di uno stile di vita schietto, sincero, privo di un grande spessore intellettuale ma per questo più autentico. Oggi l'opera è esposta al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, I_mangiatori_di_patate.

Prima di diventare pittore van Gogh preferì seguire le orme paterne e abbracciare il mestiere di pastore. Il suo fervore religioso, tuttavia, si dissipò completamente dopo i mesi trascorsi tra i minatori del Borinage, una delle regioni più tristi e miserabili dell'intero Belgio: fu questa comunque un'esperienza chiave nella sua maturazione pittorica, grazie alla quale il pittore approfondì il suo amore paterno per i poveri ed i diseredati.Quando finalmente van Gogh decise di votarsi alle Belle Arti, in effetti, il suo primo desiderio fu quello di dare dignità artistica all'austerità della vita e del lavoro dei contadini. La solidarietà con la classe lavoratrice indusse Van Gogh a visitare le povere casupole del villaggio di Nuenen e a ritrarne i vari agricoltori. «Voglio ricavare il soggetto dagli stessi caratteri» scrisse van Gogh al fratello Theo, aggiungendo poi: «ancor più m'interessa la proporzione di un volto e il modo in cui la rotondità della testa si rapporta alla figura intera». In questi quadri Vincent ritrasse infatti le teste dei contadini, cogliendone la rotondità delle cuffie, la curvatura della visiera e, soprattutto, lo sguardo penetrante e misterioso, il quale è sì rivolto verso l'osservatore, ma lo trafigge, lo oltrepassa, come se in realtà stesse guardando altrove. Quando van Gogh si guadagnò una maggiore fiducia da parte degli abitanti di Nuenen i ritratti si fecero meno sfuggenti e i contadini iniziarono a rivolgergli sguardi che, seppur ricolmi di una paziente disperazione, sono comunque più aperti e confidenti. Negli ultimi studi di questo tipo, poi, gli occhi dei contadini diventano veri e propri «specchi dell'anima» e tradiscono non solo la loro sete di dignità interiore, ma anche «tutta l'integrità di un'esistenza legata alla natura che offre un autentico contrappunto all'inevitabile autocompiacimento di un ritratto su commissione» (Metzger). Particolarmente vivi sono i ritratti di Goordina de Groot, una delle poche contadine che è stata riconosciuta con successo dai critici d'arte e che pertanto è riuscita a salvarsi dall'anonimato al quale sarebbe stata obbligata dalla società moderna. Di seguito riportiamo uno stralcio della lettera 384, scritta da Vincent nel novembre 1884 e indirizzata al fratello Theo:Un vigoroso passo avanti fu compiuto dal pittore quando abbandonò la raffigurazione di volti e iniziò a ritrarre contadini e contadine affaccendate nei lavori domestici, nella pelatura di patate, nell'intreccio di cesti, nella riduzione in gomitoli delle matasse di filo, e così via. I tempi erano ormai maturi perché van Gogh operasse un'efficace sintesi di tutti questi studi preliminari: fu così che, nel 1885, Vincent diede vita a I mangiatori di patate, tenendo alla mente non solo la serie delle teste di contadini ma anche diversi schizzi compositivi e bozzetti di preliminari (raffiguranti, ad esempio, le mani callose dei contadini, o il bricco di un caffè). Si trattò, pertanto, di un'opera realizzata dopo un lungo e laborioso lavoro di atelier, e che dunque non serbava affatto quella luminosa accidentalità en plein air che balenava nelle opere impressioniste. Vincent, in ogni caso, amò molto quest'opera, e quest'infatuazione sopravvisse indenne persino al brusco mutamento tematico e cromatico che interessò la sua produzione pittorica dopo il trasferimento da Nuenen a Parigi. «Di tutti i miei lavori, ritengo il quadro dei contadini che mangiano patate, che ho dipinto a Nuenen, decisamente il migliore che abbia fatto»: furono queste le orgogliose parole che van Gogh comunicò alla sorella Wilhelmina nel 1887, due anni dopo aver portato a compimento I mangiatori di patate.Vincent trattò il soggetto dei mangiatori di patate in altri due cimenti pittorici, i quali sono sì propedeutici alla realizzazione della versione definitiva, ma non per questo poco interessanti: la prima redazione, anzi, presenta una notevole struttura compositiva e viene delineata da pennellate veloci che ricolmano la tela di una autenticità tutt'agreste. Meno spontanea, perché più meditata e monumentale, è invece la seconda versione de I mangiatori di patate, con la figura di tergo che si incunea rigidamente nella disposizione asimmetrica degli altri quattro commensali. La versione conclusiva di Amsterdam, terminato come si è già detto nel 1885, riprendeva e portava ad un maggiore grado di raffinatezza formale quei valori che avevano già reso celebre l'arte di Millet e di Breton e, pertanto, era quello più apprezzato da van Gogh, che la firmò e ne fornì persino un ampio commento letterario. Alla descrizione della tela, infatti, Vincent dedicò un'impressionante quantità di lettere, le quali nella loro intimità sostituivano il manifesto programmatico e, anzi, orchestravano un raffinato sincretismo tra passato e presente, letteratura e pittura, cromatismo e critica sociale.Non a caso van Gogh riteneva che la sua fama dipendesse in gran parte dalla sorte di questo quadro, e non esitò a sollecitare il fratello Théo, che ricordiamo essere un abile mercante d'arte, affinché tale opera fosse opportunamente rivelata al grande pubblico. «L'amico del popolo, il contadino per vocazione, l'asceta per empatia» commenta in tal proposito il Metzger «che il suo dipinto avesse avuto successo o meno, sarebbe rimasta la sua vita a dare testimonianza. L'uomo era inscindibile dal pittore: in quest'unico quadro si coagulava la sua concezione del mondo di fronte al destino». Malgrado le insistenze di Vincent l'opera fu accolta assai freddamente: Théo non l'apprezzava affatto, e Anthon van Rappard, amico e collega del pittore, ne criticò l'inadeguatezza compositiva e le pennellate grezze, maldestre: «Devi ammettere che un lavoro come questo non è stato fatto sul serio. Fortunatamente, puoi fare di più: ma perché hai osservato e trattato tutto allo stesso modo, superficialmente? Perché non hai studiato a fondo i movimenti? Così, i personaggi sono in posa». Van Gogh, che in questo dipinto vedeva cristallizzate tutte le sue conquiste estetiche e concettuali, ruppe così indignatamente l'amicizia con il Rappard (« tu ... non avevi nessun diritto a criticare il mio lavoro nel modo con cui lo hai fatto!»). Al di là delle incomprensioni iniziali, si capì alla fine come l'opera riassumesse magistralmente la fede con cui van Gogh si rapportava alla gente semplice, come i contadini, gli «animali da soma della società» (Metzger) i quali, nonostante tutto, erano liberi dalle escrescenze del mondo moderno e, perciò, erano ancora i sublimi cantori di uno stile di vita schietto, sincero, privo di un grande spessore intellettuale ma per questo più autentico. Oggi l'opera è esposta al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come chiarisce I_mangiatori_di_patate la sua Storia?

Prima di diventare pittore van Gogh preferì seguire le orme paterne e abbracciare il mestiere di pastore. Il suo fervore religioso, tuttavia, si dissipò completamente dopo i mesi trascorsi tra i minatori del Borinage, una delle regioni più tristi e miserabili dell'intero Belgio: fu questa comunque un'esperienza chiave nella sua maturazione pittorica, grazie alla quale il pittore approfondì il suo amore paterno per i poveri ed i diseredati.Quando finalmente van Gogh decise di votarsi alle Belle Arti, in effetti, il suo primo desiderio fu quello di dare dignità artistica all'austerità della vita e del lavoro dei contadini. La solidarietà con la classe lavoratrice indusse Van Gogh a visitare le povere casupole del villaggio di Nuenen e a ritrarne i vari agricoltori. «Voglio ricavare il soggetto dagli stessi caratteri» scrisse van Gogh al fratello Theo, aggiungendo poi: «ancor più m'interessa la proporzione di un volto e il modo in cui la rotondità della testa si rapporta alla figura intera». In questi quadri Vincent ritrasse infatti le teste dei contadini, cogliendone la rotondità delle cuffie, la curvatura della visiera e, soprattutto, lo sguardo penetrante e misterioso, il quale è sì rivolto verso l'osservatore, ma lo trafigge, lo oltrepassa, come se in realtà stesse guardando altrove. Quando van Gogh si guadagnò una maggiore fiducia da parte degli abitanti di Nuenen i ritratti si fecero meno sfuggenti e i contadini iniziarono a rivolgergli sguardi che, seppur ricolmi di una paziente disperazione, sono comunque più aperti e confidenti. Negli ultimi studi di questo tipo, poi, gli occhi dei contadini diventano veri e propri «specchi dell'anima» e tradiscono non solo la loro sete di dignità interiore, ma anche «tutta l'integrità di un'esistenza legata alla natura che offre un autentico contrappunto all'inevitabile autocompiacimento di un ritratto su commissione» (Metzger). Particolarmente vivi sono i ritratti di Goordina de Groot, una delle poche contadine che è stata riconosciuta con successo dai critici d'arte e che pertanto è riuscita a salvarsi dall'anonimato al quale sarebbe stata obbligata dalla società moderna. Di seguito riportiamo uno stralcio della lettera 384, scritta da Vincent nel novembre 1884 e indirizzata al fratello Theo:Un vigoroso passo avanti fu compiuto dal pittore quando abbandonò la raffigurazione di volti e iniziò a ritrarre contadini e contadine affaccendate nei lavori domestici, nella pelatura di patate, nell'intreccio di cesti, nella riduzione in gomitoli delle matasse di filo, e così via. I tempi erano ormai maturi perché van Gogh operasse un'efficace sintesi di tutti questi studi preliminari: fu così che, nel 1885, Vincent diede vita a I mangiatori di patate, tenendo alla mente non solo la serie delle teste di contadini ma anche diversi schizzi compositivi e bozzetti di preliminari (raffiguranti, ad esempio, le mani callose dei contadini, o il bricco di un caffè). Si trattò, pertanto, di un'opera realizzata dopo un lungo e laborioso lavoro di atelier, e che dunque non serbava affatto quella luminosa accidentalità en plein air che balenava nelle opere impressioniste. Vincent, in ogni caso, amò molto quest'opera, e quest'infatuazione sopravvisse indenne persino al brusco mutamento tematico e cromatico che interessò la sua produzione pittorica dopo il trasferimento da Nuenen a Parigi. «Di tutti i miei lavori, ritengo il quadro dei contadini che mangiano patate, che ho dipinto a Nuenen, decisamente il migliore che abbia fatto»: furono queste le orgogliose parole che van Gogh comunicò alla sorella Wilhelmina nel 1887, due anni dopo aver portato a compimento I mangiatori di patate.Vincent trattò il soggetto dei mangiatori di patate in altri due cimenti pittorici, i quali sono sì propedeutici alla realizzazione della versione definitiva, ma non per questo poco interessanti: la prima redazione, anzi, presenta una notevole struttura compositiva e viene delineata da pennellate veloci che ricolmano la tela di una autenticità tutt'agreste. Meno spontanea, perché più meditata e monumentale, è invece la seconda versione de I mangiatori di patate, con la figura di tergo che si incunea rigidamente nella disposizione asimmetrica degli altri quattro commensali. La versione conclusiva di Amsterdam, terminato come si è già detto nel 1885, riprendeva e portava ad un maggiore grado di raffinatezza formale quei valori che avevano già reso celebre l'arte di Millet e di Breton e, pertanto, era quello più apprezzato da van Gogh, che la firmò e ne fornì persino un ampio commento letterario. Alla descrizione della tela, infatti, Vincent dedicò un'impressionante quantità di lettere, le quali nella loro intimità sostituivano il manifesto programmatico e, anzi, orchestravano un raffinato sincretismo tra passato e presente, letteratura e pittura, cromatismo e critica sociale.Non a caso van Gogh riteneva che la sua fama dipendesse in gran parte dalla sorte di questo quadro, e non esitò a sollecitare il fratello Théo, che ricordiamo essere un abile mercante d'arte, affinché tale opera fosse opportunamente rivelata al grande pubblico. «L'amico del popolo, il contadino per vocazione, l'asceta per empatia» commenta in tal proposito il Metzger «che il suo dipinto avesse avuto successo o meno, sarebbe rimasta la sua vita a dare testimonianza. L'uomo era inscindibile dal pittore: in quest'unico quadro si coagulava la sua concezione del mondo di fronte al destino». Malgrado le insistenze di Vincent l'opera fu accolta assai freddamente: Théo non l'apprezzava affatto, e Anthon van Rappard, amico e collega del pittore, ne criticò l'inadeguatezza compositiva e le pennellate grezze, maldestre: «Devi ammettere che un lavoro come questo non è stato fatto sul serio. Fortunatamente, puoi fare di più: ma perché hai osservato e trattato tutto allo stesso modo, superficialmente? Perché non hai studiato a fondo i movimenti? Così, i personaggi sono in posa». Van Gogh, che in questo dipinto vedeva cristallizzate tutte le sue conquiste estetiche e concettuali, ruppe così indignatamente l'amicizia con il Rappard (« tu ... non avevi nessun diritto a criticare il mio lavoro nel modo con cui lo hai fatto!»). Al di là delle incomprensioni iniziali, si capì alla fine come l'opera riassumesse magistralmente la fede con cui van Gogh si rapportava alla gente semplice, come i contadini, gli «animali da soma della società» (Metzger) i quali, nonostante tutto, erano liberi dalle escrescenze del mondo moderno e, perciò, erano ancora i sublimi cantori di uno stile di vita schietto, sincero, privo di un grande spessore intellettuale ma per questo più autentico. Oggi l'opera è esposta al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come viene discussa la Storia in I_mangiatori_di_patate?

Prima di diventare pittore van Gogh preferì seguire le orme paterne e abbracciare il mestiere di pastore. Il suo fervore religioso, tuttavia, si dissipò completamente dopo i mesi trascorsi tra i minatori del Borinage, una delle regioni più tristi e miserabili dell'intero Belgio: fu questa comunque un'esperienza chiave nella sua maturazione pittorica, grazie alla quale il pittore approfondì il suo amore paterno per i poveri ed i diseredati.Quando finalmente van Gogh decise di votarsi alle Belle Arti, in effetti, il suo primo desiderio fu quello di dare dignità artistica all'austerità della vita e del lavoro dei contadini. La solidarietà con la classe lavoratrice indusse Van Gogh a visitare le povere casupole del villaggio di Nuenen e a ritrarne i vari agricoltori. «Voglio ricavare il soggetto dagli stessi caratteri» scrisse van Gogh al fratello Theo, aggiungendo poi: «ancor più m'interessa la proporzione di un volto e il modo in cui la rotondità della testa si rapporta alla figura intera». In questi quadri Vincent ritrasse infatti le teste dei contadini, cogliendone la rotondità delle cuffie, la curvatura della visiera e, soprattutto, lo sguardo penetrante e misterioso, il quale è sì rivolto verso l'osservatore, ma lo trafigge, lo oltrepassa, come se in realtà stesse guardando altrove. Quando van Gogh si guadagnò una maggiore fiducia da parte degli abitanti di Nuenen i ritratti si fecero meno sfuggenti e i contadini iniziarono a rivolgergli sguardi che, seppur ricolmi di una paziente disperazione, sono comunque più aperti e confidenti. Negli ultimi studi di questo tipo, poi, gli occhi dei contadini diventano veri e propri «specchi dell'anima» e tradiscono non solo la loro sete di dignità interiore, ma anche «tutta l'integrità di un'esistenza legata alla natura che offre un autentico contrappunto all'inevitabile autocompiacimento di un ritratto su commissione» (Metzger). Particolarmente vivi sono i ritratti di Goordina de Groot, una delle poche contadine che è stata riconosciuta con successo dai critici d'arte e che pertanto è riuscita a salvarsi dall'anonimato al quale sarebbe stata obbligata dalla società moderna. Di seguito riportiamo uno stralcio della lettera 384, scritta da Vincent nel novembre 1884 e indirizzata al fratello Theo:Un vigoroso passo avanti fu compiuto dal pittore quando abbandonò la raffigurazione di volti e iniziò a ritrarre contadini e contadine affaccendate nei lavori domestici, nella pelatura di patate, nell'intreccio di cesti, nella riduzione in gomitoli delle matasse di filo, e così via. I tempi erano ormai maturi perché van Gogh operasse un'efficace sintesi di tutti questi studi preliminari: fu così che, nel 1885, Vincent diede vita a I mangiatori di patate, tenendo alla mente non solo la serie delle teste di contadini ma anche diversi schizzi compositivi e bozzetti di preliminari (raffiguranti, ad esempio, le mani callose dei contadini, o il bricco di un caffè). Si trattò, pertanto, di un'opera realizzata dopo un lungo e laborioso lavoro di atelier, e che dunque non serbava affatto quella luminosa accidentalità en plein air che balenava nelle opere impressioniste. Vincent, in ogni caso, amò molto quest'opera, e quest'infatuazione sopravvisse indenne persino al brusco mutamento tematico e cromatico che interessò la sua produzione pittorica dopo il trasferimento da Nuenen a Parigi. «Di tutti i miei lavori, ritengo il quadro dei contadini che mangiano patate, che ho dipinto a Nuenen, decisamente il migliore che abbia fatto»: furono queste le orgogliose parole che van Gogh comunicò alla sorella Wilhelmina nel 1887, due anni dopo aver portato a compimento I mangiatori di patate.Vincent trattò il soggetto dei mangiatori di patate in altri due cimenti pittorici, i quali sono sì propedeutici alla realizzazione della versione definitiva, ma non per questo poco interessanti: la prima redazione, anzi, presenta una notevole struttura compositiva e viene delineata da pennellate veloci che ricolmano la tela di una autenticità tutt'agreste. Meno spontanea, perché più meditata e monumentale, è invece la seconda versione de I mangiatori di patate, con la figura di tergo che si incunea rigidamente nella disposizione asimmetrica degli altri quattro commensali. La versione conclusiva di Amsterdam, terminato come si è già detto nel 1885, riprendeva e portava ad un maggiore grado di raffinatezza formale quei valori che avevano già reso celebre l'arte di Millet e di Breton e, pertanto, era quello più apprezzato da van Gogh, che la firmò e ne fornì persino un ampio commento letterario. Alla descrizione della tela, infatti, Vincent dedicò un'impressionante quantità di lettere, le quali nella loro intimità sostituivano il manifesto programmatico e, anzi, orchestravano un raffinato sincretismo tra passato e presente, letteratura e pittura, cromatismo e critica sociale.Non a caso van Gogh riteneva che la sua fama dipendesse in gran parte dalla sorte di questo quadro, e non esitò a sollecitare il fratello Théo, che ricordiamo essere un abile mercante d'arte, affinché tale opera fosse opportunamente rivelata al grande pubblico. «L'amico del popolo, il contadino per vocazione, l'asceta per empatia» commenta in tal proposito il Metzger «che il suo dipinto avesse avuto successo o meno, sarebbe rimasta la sua vita a dare testimonianza. L'uomo era inscindibile dal pittore: in quest'unico quadro si coagulava la sua concezione del mondo di fronte al destino». Malgrado le insistenze di Vincent l'opera fu accolta assai freddamente: Théo non l'apprezzava affatto, e Anthon van Rappard, amico e collega del pittore, ne criticò l'inadeguatezza compositiva e le pennellate grezze, maldestre: «Devi ammettere che un lavoro come questo non è stato fatto sul serio. Fortunatamente, puoi fare di più: ma perché hai osservato e trattato tutto allo stesso modo, superficialmente? Perché non hai studiato a fondo i movimenti? Così, i personaggi sono in posa». Van Gogh, che in questo dipinto vedeva cristallizzate tutte le sue conquiste estetiche e concettuali, ruppe così indignatamente l'amicizia con il Rappard (« tu ... non avevi nessun diritto a criticare il mio lavoro nel modo con cui lo hai fatto!»). Al di là delle incomprensioni iniziali, si capì alla fine come l'opera riassumesse magistralmente la fede con cui van Gogh si rapportava alla gente semplice, come i contadini, gli «animali da soma della società» (Metzger) i quali, nonostante tutto, erano liberi dalle escrescenze del mondo moderno e, perciò, erano ancora i sublimi cantori di uno stile di vita schietto, sincero, privo di un grande spessore intellettuale ma per questo più autentico. Oggi l'opera è esposta al Museo Van Gogh di Amsterdam.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Concentrati su I_mangiatori_di_patate ed esplora la Descrizione.

Di seguito è riportato lo stralcio di una lettera di Vincent van Gogh, indirizzata al fratello Théo:Si tratta di una citazione che condensa la visione di Van Gogh sull'arte. I mangiatori di patate propone una rappresentazione autentica e non emendata della realtà, dove soggetti generalmente ritenuti indegni di rappresentazione pittorica, come i contadini di Nuenen, non sono discriminati in virtù della loro «bruttezza», ma presentati con stile privo di compiacimenti estetizzanti. Van Gogh porta alle estreme conseguenze la logica del Realismo: se pittori come Millet e Jozef Israëls conferivano ai propri contadini una forte valenza affettiva e sentimentale, van Gogh prende le distanze dall'idillio romantico e approda a un'interpretazione del dato sociale cruda, impietosa, realistica ed esasperata, che culmina nel potenziamento espressivo dei lineamenti dei commensali.L'opera raffigura l'interno di una povera abitazione di Nuenen, appena illuminata da una fioca luce che, sgorgando dalla lampada a petrolio appesa a una delle travi del soffitto, si riflette sulle cuffie bianche, sulle tazzine di caffè, e sul magro pasto dei commensali. Al centro della composizione è presente una famiglia di contadini che, dopo aver trascorso la giornata a lavorare duramente nei campi, si riunisce intorno a un tavolo, per consumare la cena.Un'anziana signora, ricurva per la fatica, versa il caffè nelle tazzine, mentre l'uomo alla sua destra, probabilmente suo marito, reca in mano una tazzina; la donna a sinistra intinge la forchetta nel vassoio delle patate. Lo sguardo della donna è rivolto verso l'uomo accanto a lei, i cui lineamenti sono imbruttiti da fatica e rassegnazione, per un destino che non cambierà. In primo piano, una bambina, di spalle, tiene forse le mani giunte al petto, nell'atto di recitare una preghiera prima del pasto (secondo un'altra interpretazione, si ipotizza che l'autore, nascondendone il volto, abbia voluto «salvarla» dal triste destino che l'attende).Gli sguardi sono sfuggenti, non si incrociano e la bambina in primo piano rafforza l'idea che l'osservatore si stia intrufolando in un momento intimo, agendo come un vero fattore di distanziamento. La bambina, inoltre, tenta di ovviare alla maldestra disposizione della famiglia, raccordando le due parti e, ponendosi in posizione intermedia tra l'osservatore e la sorgente luminosa, dà vita a un forte controluce.Van Gogh stesso sottolinea come le mani nodose che stanno afferrando le patate, sono le stesse che, durante il giorno, le hanno seminate e raccolte:Tutt'intorno si estende la misera abitazione dei contadini, dove troviamo un rudimentale orologio (nell'angolo in alto a sinistra), una teiera (nell'angolo diametralmente opposto), le varie posate logore contenute in un recipiente di legno e, soprattutto, la stampa di un Crocefisso. Si tratta questo di un dettaglio di non poco conto: van Gogh, in questo modo, ribadisce l'intima sacralità del pasto serale, un rito profondamente radicato nel consesso umano e che rinvia a valori primigeni, come l'ethos del lavoro, l'importanza della famiglia, le qualità delle cose semplici, ma fatte col cuore, e perciò vere. Lo stesso van Gogh, intrufolandosi in questo mondo così arcaico ed ancestrale, restituisce dignità artistica a questo momento più che sacro, dove i vari villici accantonano il loro fardello di fatiche quotidiane e ritrovano finalmente un attimo di unione, di solidarietà. Sembrerebbe quasi una cerimonia, con un preciso codice vestiario (gli uomini indossano il berretto, le donne la cuffia) e con una silenziosa gratitudine che aleggia sulle varie figure, le quali - con i gesti lenti, ripetuti ma premurosi e gli sguardi sì segnati, ma appagati - si sentono forti di questa vicinanza, e non si lasciano intimorire neanche dalla notte che tenta invano di penetrare dalle finestre consunte sullo sfondo. «Il cibo, per quanto poco sia, è la giusta ricompensa per chi ha faticato, è una sorta di sacramento amministrato su un tavolo-altare che di sacro ha ben poco, eppure ne reca in sé l’estrema potenza» osserva in tal senso Ginevra Amadio.Sembrerebbe quasi che van Gogh voglia dare vita a un'immagine emotiva, se non idillica: questo proposito, seppur palpabile, viene vigorosamente respinto dal pittore, che ne I mangiatori di patate adotta una tavolozza molto buia, giocata su colori terrosi pastosi, ovvero brunastri, gialli, e neri. L'inquietante monocromia che scaturisce dall'impiego di queste tonalità cupe e sporche conferma infatti gli intenti crudamente realistici di van Gogh, desideroso di rappresentare la povera vita degli operai e lo squallore delle loro condizioni di vita, ma stavolta con la forza espressiva di chi ha assistito di persona a tali scene.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, I_mangiatori_di_patate.

Di seguito è riportato lo stralcio di una lettera di Vincent van Gogh, indirizzata al fratello Théo:Si tratta di una citazione che condensa la visione di Van Gogh sull'arte. I mangiatori di patate propone una rappresentazione autentica e non emendata della realtà, dove soggetti generalmente ritenuti indegni di rappresentazione pittorica, come i contadini di Nuenen, non sono discriminati in virtù della loro «bruttezza», ma presentati con stile privo di compiacimenti estetizzanti. Van Gogh porta alle estreme conseguenze la logica del Realismo: se pittori come Millet e Jozef Israëls conferivano ai propri contadini una forte valenza affettiva e sentimentale, van Gogh prende le distanze dall'idillio romantico e approda a un'interpretazione del dato sociale cruda, impietosa, realistica ed esasperata, che culmina nel potenziamento espressivo dei lineamenti dei commensali.L'opera raffigura l'interno di una povera abitazione di Nuenen, appena illuminata da una fioca luce che, sgorgando dalla lampada a petrolio appesa a una delle travi del soffitto, si riflette sulle cuffie bianche, sulle tazzine di caffè, e sul magro pasto dei commensali. Al centro della composizione è presente una famiglia di contadini che, dopo aver trascorso la giornata a lavorare duramente nei campi, si riunisce intorno a un tavolo, per consumare la cena.Un'anziana signora, ricurva per la fatica, versa il caffè nelle tazzine, mentre l'uomo alla sua destra, probabilmente suo marito, reca in mano una tazzina; la donna a sinistra intinge la forchetta nel vassoio delle patate. Lo sguardo della donna è rivolto verso l'uomo accanto a lei, i cui lineamenti sono imbruttiti da fatica e rassegnazione, per un destino che non cambierà. In primo piano, una bambina, di spalle, tiene forse le mani giunte al petto, nell'atto di recitare una preghiera prima del pasto (secondo un'altra interpretazione, si ipotizza che l'autore, nascondendone il volto, abbia voluto «salvarla» dal triste destino che l'attende).Gli sguardi sono sfuggenti, non si incrociano e la bambina in primo piano rafforza l'idea che l'osservatore si stia intrufolando in un momento intimo, agendo come un vero fattore di distanziamento. La bambina, inoltre, tenta di ovviare alla maldestra disposizione della famiglia, raccordando le due parti e, ponendosi in posizione intermedia tra l'osservatore e la sorgente luminosa, dà vita a un forte controluce.Van Gogh stesso sottolinea come le mani nodose che stanno afferrando le patate, sono le stesse che, durante il giorno, le hanno seminate e raccolte:Tutt'intorno si estende la misera abitazione dei contadini, dove troviamo un rudimentale orologio (nell'angolo in alto a sinistra), una teiera (nell'angolo diametralmente opposto), le varie posate logore contenute in un recipiente di legno e, soprattutto, la stampa di un Crocefisso. Si tratta questo di un dettaglio di non poco conto: van Gogh, in questo modo, ribadisce l'intima sacralità del pasto serale, un rito profondamente radicato nel consesso umano e che rinvia a valori primigeni, come l'ethos del lavoro, l'importanza della famiglia, le qualità delle cose semplici, ma fatte col cuore, e perciò vere. Lo stesso van Gogh, intrufolandosi in questo mondo così arcaico ed ancestrale, restituisce dignità artistica a questo momento più che sacro, dove i vari villici accantonano il loro fardello di fatiche quotidiane e ritrovano finalmente un attimo di unione, di solidarietà. Sembrerebbe quasi una cerimonia, con un preciso codice vestiario (gli uomini indossano il berretto, le donne la cuffia) e con una silenziosa gratitudine che aleggia sulle varie figure, le quali - con i gesti lenti, ripetuti ma premurosi e gli sguardi sì segnati, ma appagati - si sentono forti di questa vicinanza, e non si lasciano intimorire neanche dalla notte che tenta invano di penetrare dalle finestre consunte sullo sfondo. «Il cibo, per quanto poco sia, è la giusta ricompensa per chi ha faticato, è una sorta di sacramento amministrato su un tavolo-altare che di sacro ha ben poco, eppure ne reca in sé l’estrema potenza» osserva in tal senso Ginevra Amadio.Sembrerebbe quasi che van Gogh voglia dare vita a un'immagine emotiva, se non idillica: questo proposito, seppur palpabile, viene vigorosamente respinto dal pittore, che ne I mangiatori di patate adotta una tavolozza molto buia, giocata su colori terrosi pastosi, ovvero brunastri, gialli, e neri. L'inquietante monocromia che scaturisce dall'impiego di queste tonalità cupe e sporche conferma infatti gli intenti crudamente realistici di van Gogh, desideroso di rappresentare la povera vita degli operai e lo squallore delle loro condizioni di vita, ma stavolta con la forza espressiva di chi ha assistito di persona a tali scene.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come chiarisce I_mangiatori_di_patate la sua Descrizione?

Di seguito è riportato lo stralcio di una lettera di Vincent van Gogh, indirizzata al fratello Théo:Si tratta di una citazione che condensa la visione di Van Gogh sull'arte. I mangiatori di patate propone una rappresentazione autentica e non emendata della realtà, dove soggetti generalmente ritenuti indegni di rappresentazione pittorica, come i contadini di Nuenen, non sono discriminati in virtù della loro «bruttezza», ma presentati con stile privo di compiacimenti estetizzanti. Van Gogh porta alle estreme conseguenze la logica del Realismo: se pittori come Millet e Jozef Israëls conferivano ai propri contadini una forte valenza affettiva e sentimentale, van Gogh prende le distanze dall'idillio romantico e approda a un'interpretazione del dato sociale cruda, impietosa, realistica ed esasperata, che culmina nel potenziamento espressivo dei lineamenti dei commensali.L'opera raffigura l'interno di una povera abitazione di Nuenen, appena illuminata da una fioca luce che, sgorgando dalla lampada a petrolio appesa a una delle travi del soffitto, si riflette sulle cuffie bianche, sulle tazzine di caffè, e sul magro pasto dei commensali. Al centro della composizione è presente una famiglia di contadini che, dopo aver trascorso la giornata a lavorare duramente nei campi, si riunisce intorno a un tavolo, per consumare la cena.Un'anziana signora, ricurva per la fatica, versa il caffè nelle tazzine, mentre l'uomo alla sua destra, probabilmente suo marito, reca in mano una tazzina; la donna a sinistra intinge la forchetta nel vassoio delle patate. Lo sguardo della donna è rivolto verso l'uomo accanto a lei, i cui lineamenti sono imbruttiti da fatica e rassegnazione, per un destino che non cambierà. In primo piano, una bambina, di spalle, tiene forse le mani giunte al petto, nell'atto di recitare una preghiera prima del pasto (secondo un'altra interpretazione, si ipotizza che l'autore, nascondendone il volto, abbia voluto «salvarla» dal triste destino che l'attende).Gli sguardi sono sfuggenti, non si incrociano e la bambina in primo piano rafforza l'idea che l'osservatore si stia intrufolando in un momento intimo, agendo come un vero fattore di distanziamento. La bambina, inoltre, tenta di ovviare alla maldestra disposizione della famiglia, raccordando le due parti e, ponendosi in posizione intermedia tra l'osservatore e la sorgente luminosa, dà vita a un forte controluce.Van Gogh stesso sottolinea come le mani nodose che stanno afferrando le patate, sono le stesse che, durante il giorno, le hanno seminate e raccolte:Tutt'intorno si estende la misera abitazione dei contadini, dove troviamo un rudimentale orologio (nell'angolo in alto a sinistra), una teiera (nell'angolo diametralmente opposto), le varie posate logore contenute in un recipiente di legno e, soprattutto, la stampa di un Crocefisso. Si tratta questo di un dettaglio di non poco conto: van Gogh, in questo modo, ribadisce l'intima sacralità del pasto serale, un rito profondamente radicato nel consesso umano e che rinvia a valori primigeni, come l'ethos del lavoro, l'importanza della famiglia, le qualità delle cose semplici, ma fatte col cuore, e perciò vere. Lo stesso van Gogh, intrufolandosi in questo mondo così arcaico ed ancestrale, restituisce dignità artistica a questo momento più che sacro, dove i vari villici accantonano il loro fardello di fatiche quotidiane e ritrovano finalmente un attimo di unione, di solidarietà. Sembrerebbe quasi una cerimonia, con un preciso codice vestiario (gli uomini indossano il berretto, le donne la cuffia) e con una silenziosa gratitudine che aleggia sulle varie figure, le quali - con i gesti lenti, ripetuti ma premurosi e gli sguardi sì segnati, ma appagati - si sentono forti di questa vicinanza, e non si lasciano intimorire neanche dalla notte che tenta invano di penetrare dalle finestre consunte sullo sfondo. «Il cibo, per quanto poco sia, è la giusta ricompensa per chi ha faticato, è una sorta di sacramento amministrato su un tavolo-altare che di sacro ha ben poco, eppure ne reca in sé l’estrema potenza» osserva in tal senso Ginevra Amadio.Sembrerebbe quasi che van Gogh voglia dare vita a un'immagine emotiva, se non idillica: questo proposito, seppur palpabile, viene vigorosamente respinto dal pittore, che ne I mangiatori di patate adotta una tavolozza molto buia, giocata su colori terrosi pastosi, ovvero brunastri, gialli, e neri. L'inquietante monocromia che scaturisce dall'impiego di queste tonalità cupe e sporche conferma infatti gli intenti crudamente realistici di van Gogh, desideroso di rappresentare la povera vita degli operai e lo squallore delle loro condizioni di vita, ma stavolta con la forza espressiva di chi ha assistito di persona a tali scene.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


I_mangiatori_di_patate

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in I_mangiatori_di_patate?

Di seguito è riportato lo stralcio di una lettera di Vincent van Gogh, indirizzata al fratello Théo:Si tratta di una citazione che condensa la visione di Van Gogh sull'arte. I mangiatori di patate propone una rappresentazione autentica e non emendata della realtà, dove soggetti generalmente ritenuti indegni di rappresentazione pittorica, come i contadini di Nuenen, non sono discriminati in virtù della loro «bruttezza», ma presentati con stile privo di compiacimenti estetizzanti. Van Gogh porta alle estreme conseguenze la logica del Realismo: se pittori come Millet e Jozef Israëls conferivano ai propri contadini una forte valenza affettiva e sentimentale, van Gogh prende le distanze dall'idillio romantico e approda a un'interpretazione del dato sociale cruda, impietosa, realistica ed esasperata, che culmina nel potenziamento espressivo dei lineamenti dei commensali.L'opera raffigura l'interno di una povera abitazione di Nuenen, appena illuminata da una fioca luce che, sgorgando dalla lampada a petrolio appesa a una delle travi del soffitto, si riflette sulle cuffie bianche, sulle tazzine di caffè, e sul magro pasto dei commensali. Al centro della composizione è presente una famiglia di contadini che, dopo aver trascorso la giornata a lavorare duramente nei campi, si riunisce intorno a un tavolo, per consumare la cena.Un'anziana signora, ricurva per la fatica, versa il caffè nelle tazzine, mentre l'uomo alla sua destra, probabilmente suo marito, reca in mano una tazzina; la donna a sinistra intinge la forchetta nel vassoio delle patate. Lo sguardo della donna è rivolto verso l'uomo accanto a lei, i cui lineamenti sono imbruttiti da fatica e rassegnazione, per un destino che non cambierà. In primo piano, una bambina, di spalle, tiene forse le mani giunte al petto, nell'atto di recitare una preghiera prima del pasto (secondo un'altra interpretazione, si ipotizza che l'autore, nascondendone il volto, abbia voluto «salvarla» dal triste destino che l'attende).Gli sguardi sono sfuggenti, non si incrociano e la bambina in primo piano rafforza l'idea che l'osservatore si stia intrufolando in un momento intimo, agendo come un vero fattore di distanziamento. La bambina, inoltre, tenta di ovviare alla maldestra disposizione della famiglia, raccordando le due parti e, ponendosi in posizione intermedia tra l'osservatore e la sorgente luminosa, dà vita a un forte controluce.Van Gogh stesso sottolinea come le mani nodose che stanno afferrando le patate, sono le stesse che, durante il giorno, le hanno seminate e raccolte:Tutt'intorno si estende la misera abitazione dei contadini, dove troviamo un rudimentale orologio (nell'angolo in alto a sinistra), una teiera (nell'angolo diametralmente opposto), le varie posate logore contenute in un recipiente di legno e, soprattutto, la stampa di un Crocefisso. Si tratta questo di un dettaglio di non poco conto: van Gogh, in questo modo, ribadisce l'intima sacralità del pasto serale, un rito profondamente radicato nel consesso umano e che rinvia a valori primigeni, come l'ethos del lavoro, l'importanza della famiglia, le qualità delle cose semplici, ma fatte col cuore, e perciò vere. Lo stesso van Gogh, intrufolandosi in questo mondo così arcaico ed ancestrale, restituisce dignità artistica a questo momento più che sacro, dove i vari villici accantonano il loro fardello di fatiche quotidiane e ritrovano finalmente un attimo di unione, di solidarietà. Sembrerebbe quasi una cerimonia, con un preciso codice vestiario (gli uomini indossano il berretto, le donne la cuffia) e con una silenziosa gratitudine che aleggia sulle varie figure, le quali - con i gesti lenti, ripetuti ma premurosi e gli sguardi sì segnati, ma appagati - si sentono forti di questa vicinanza, e non si lasciano intimorire neanche dalla notte che tenta invano di penetrare dalle finestre consunte sullo sfondo. «Il cibo, per quanto poco sia, è la giusta ricompensa per chi ha faticato, è una sorta di sacramento amministrato su un tavolo-altare che di sacro ha ben poco, eppure ne reca in sé l’estrema potenza» osserva in tal senso Ginevra Amadio.Sembrerebbe quasi che van Gogh voglia dare vita a un'immagine emotiva, se non idillica: questo proposito, seppur palpabile, viene vigorosamente respinto dal pittore, che ne I mangiatori di patate adotta una tavolozza molto buia, giocata su colori terrosi pastosi, ovvero brunastri, gialli, e neri. L'inquietante monocromia che scaturisce dall'impiego di queste tonalità cupe e sporche conferma infatti gli intenti crudamente realistici di van Gogh, desideroso di rappresentare la povera vita degli operai e lo squallore delle loro condizioni di vita, ma stavolta con la forza espressiva di chi ha assistito di persona a tali scene.

File:Letter from Vincent Van Gogh to Theo Van Gogh 9 April 1885.jpeg

File:Jozef Israëls - Peasant family at the table - Google Art Project.jpg

Lo stesso tema secondo l'interpretazione datale da Jozef Israëls

Una versione embrionale de ''I mangiatori di patate'' rapidamente disegnata da Vincent su una lettera indirizzata al fratello Théo risalente al 9 aprile 1885

File:Van Gogh - Vier Bauern beim Essen (Erste Studie zu den "Karoffelessern").jpeg

File:Van Gogh 1885-03--1885-04, Nuenen - Study, Three Hands, Two Holding Forks F 1161r JH 746.jpg

Litografia tratta da ''I mangiatori di patate'' del 16 aprile 1885, oggi esposta al Rijksmuseum di Amsterdam

File:The Potato Eaters - Lithography by Vincent van Gogh.jpg


Theotokos_di_Vladimir

Prompt: Concentrati su Theotokos_di_Vladimir ed esplora la abstract.

La Theotokos di Vladimir (in greco Θεοτόκος του Βλαντιμίρ?), nota anche come Madre di Dio della tenerezza, Madonna di Vladimir o Vergine di Vladimir è una delle icone ortodosse più venerate e famose al mondo ed è un tipico esempio di iconografia bizantina della tipologia eleusa. La Theotókos (termine greco che significa "Madre di Dio") è considerata la protettrice della Russia. L'icona è conservata nella Galleria Tret'jakov di Mosca. La Chiesa ortodossa la festeggia il 3 giugno ed il 26 agosto.

Categoria:Opere nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Vladimir (Oblast' di Vladimir)

Categoria:Dipinti sulla Madonna col Bambino


Theotokos_di_Vladimir

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La Theotokos di Vladimir (in greco Θεοτόκος του Βλαντιμίρ?), nota anche come Madre di Dio della tenerezza, Madonna di Vladimir o Vergine di Vladimir è una delle icone ortodosse più venerate e famose al mondo ed è un tipico esempio di iconografia bizantina della tipologia eleusa. La Theotókos (termine greco che significa "Madre di Dio") è considerata la protettrice della Russia. L'icona è conservata nella Galleria Tret'jakov di Mosca. La Chiesa ortodossa la festeggia il 3 giugno ed il 26 agosto.

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Theotokos_di_Vladimir

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La Theotokos di Vladimir (in greco Θεοτόκος του Βλαντιμίρ?), nota anche come Madre di Dio della tenerezza, Madonna di Vladimir o Vergine di Vladimir è una delle icone ortodosse più venerate e famose al mondo ed è un tipico esempio di iconografia bizantina della tipologia eleusa. La Theotókos (termine greco che significa "Madre di Dio") è considerata la protettrice della Russia. L'icona è conservata nella Galleria Tret'jakov di Mosca. La Chiesa ortodossa la festeggia il 3 giugno ed il 26 agosto.

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La Theotokos di Vladimir (in greco Θεοτόκος του Βλαντιμίρ?), nota anche come Madre di Dio della tenerezza, Madonna di Vladimir o Vergine di Vladimir è una delle icone ortodosse più venerate e famose al mondo ed è un tipico esempio di iconografia bizantina della tipologia eleusa. La Theotókos (termine greco che significa "Madre di Dio") è considerata la protettrice della Russia. L'icona è conservata nella Galleria Tret'jakov di Mosca. La Chiesa ortodossa la festeggia il 3 giugno ed il 26 agosto.

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Theotokos_di_Vladimir

Prompt: Concentrati su Theotokos_di_Vladimir ed esplora la Storia.

L'icona fu dipinta a Costantinopoli nel XII secolo, alla corte degli imperatori Comneni.Il patriarca greco di Costantinopoli, Luca Crisoberge, intorno 1131 inviò l'immagine in dono al gran principe di Kiev, Jurij Dolgorukij. L'opera rimase nel Monastero di Mežyhir'ja fino al 1155, quando Andrej Bogoljubskij, figlio di Dolgorukij, distrutto una parte di Vyšhorod e rubato la icona la portò nella città di Vladimir. Secondo la tradizione, i cavalli che trasportavano l'icona, si fermarono vicino alla città e si rifiutarono di andare avanti. Il popolo interpretò l'episodio come un segno secondo cui la Theotokos voleva rimanere a Vladimir. Per ospitare l'immagine, fu costruita la grande cattedrale della Dormizione, cui seguì la costruzione di altre chiese dedicate alla Madonna.Nel 1395, durante l'invasione di Tamerlano, l'icona fu trasportata fino a Mosca. Nel luogo in cui la popolazione ed il principe "incontrarono" la Theotokos fu costruito il monastero Sretenskij. Basilio I di Russia passò una notte intera nel monastero, piangendo e pregando sull'immagine; il giorno successivo l'esercito mongolo si ritirò. I moscoviti si rifiutarono di riportare l'icona a Vladimir e la collocarono nella cattedrale della Dormizione del Cremlino. Per mezzo dell'icona, fu attribuita alla Madonna la salvezza di Mosca durante gli assalti dei soldati tatari nel 1451 e nel 1480.Nel 1917, poche settimane prima dell'inizio della rivoluzione, davanti all'icona si svolse l'elezione del Patriarca di Mosca, Tichon. Poco tempo dopo, le autorità bolsceviche vietarono qualsiasi celebrazione religiosa e l'icona fu rimossa dal tabernacolo in cui si trovava, per essere restaurata e successivamente collocata nella Galleria Tret'jakov, dove è tuttora conservata.Nel dicembre 1941, quando i Tedeschi erano vicini alla capitale, Stalin avrebbe ordinato che l'immagine fosse posta su un aereo e che questo sorvolasse la città. Alcuni giorni dopo, l'esercito tedesco iniziò la ritirata. Così afferma il giornalista Antonio Giuliano [Avvenire, venerdì 25 agosto 2017].

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