I_piallatori_di_parquet

Prompt: Come viene discussa la abstract in I_piallatori_di_parquet?

I piallatori di parquet (Les raboteurs de parquet) è un dipinto del pittore francese Gustave Caillebotte, realizzato nel 1875 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

File:Gustave Caillebotte - The Floor Planers - Detail of Google Art Project.jpg

''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Concentrati su I_piallatori_di_parquet ed esplora la Storia.

Il dipinto, firmato «G. Caillebotte», venne portato a compimento nel 1875 e presentato al Salon dello stesso anno. Qui, tuttavia, ricevette un'accoglienza assai fredda, tanto che non riuscì neanche a superare il vaglio della commissione giudicatrice, senza dubbio scandalizzata dal fatto che un soggetto così ordinario e «volgare» (i giurì si rivolsero proprio in questi termini) avesse acquisito dignità artistica e dall'audacia sia prospettica che stilistica che il pittore vi si è concesso. Disilluso, Caillebotte accolse dunque l'invito di Renoir e di Henri Rouart di presentare I piallatori di parquet alla seconda mostra degli Impressionisti, insieme a un'altra opera sempre incentrata sul logorante lavoro dei piallatori di parquet. I critici si divisero in due: molti, per esempio, giudicarono assai negativamente l'impianto prospettico dell'opera, come Émile Porchoron («si tratta dell'opera meno orribile dell'Esposizione. Una delle missioni pittoriche distintive dell'Impressionismo è quella di torturare la prospettiva: potete ben vedere, qui, i risultati che hanno ottenuto) e, in maniera assai minore, anche Émile Zola, che pur rimanendo colpito da questa tranche de vie moderne condannò «questa pittura borghese preoccupata in modo spropositato dell'accuratezza dei particolari». Louis Énault, pur tollerando la scelta figurativa di Caillebotte («si tratta di un soggetto indubbiamente volgare, ma possiamo capire quanto tenti un pittore»), si lamentò per quanto concerne la coerenza fisiognomica dei tre rasieratori («mi rammarico che Caillebotte non abbia scelto accuratamente i suoi modelli ... le braccia dei rasieratori sono assurdamente sottili, e il loro busto è decisamente troppo piccolo»).Non mancarono, tuttavia, i ferventi ammiratori, tra cui il poeta Émile Blémont («un voto decisamente negativo per la giuria del Salon!»), Maurice Chaumelin («siamo davanti a una pittura realista cruda quanto un Courbet, ma decisamente più acuta, e violenta tanto quanto un'opera di Manet, ma al contempo ancora più precisa») e Philippe Burty («Le opere di Caillebotte presentano composizioni decisamente originali e, per di più, traboccano di un'energia nel disegno che ricorda i primi Fiorentini»). Il dipinto, malgrado non fu incluso nel lascito testamentario di Caillebotte alle collezioni statali francesi, fu esposto prima al Musèe du Luxembourg e poi al Louvre, per poi pervenire nel 1947 al Jeu de Paume e, infine, al museo d'Orsay, trovando così la sua collocazione definitiva.

File:Gustave Caillebotte - The Floor Planers - Detail of Google Art Project.jpg

''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, I_piallatori_di_parquet.

Il dipinto, firmato «G. Caillebotte», venne portato a compimento nel 1875 e presentato al Salon dello stesso anno. Qui, tuttavia, ricevette un'accoglienza assai fredda, tanto che non riuscì neanche a superare il vaglio della commissione giudicatrice, senza dubbio scandalizzata dal fatto che un soggetto così ordinario e «volgare» (i giurì si rivolsero proprio in questi termini) avesse acquisito dignità artistica e dall'audacia sia prospettica che stilistica che il pittore vi si è concesso. Disilluso, Caillebotte accolse dunque l'invito di Renoir e di Henri Rouart di presentare I piallatori di parquet alla seconda mostra degli Impressionisti, insieme a un'altra opera sempre incentrata sul logorante lavoro dei piallatori di parquet. I critici si divisero in due: molti, per esempio, giudicarono assai negativamente l'impianto prospettico dell'opera, come Émile Porchoron («si tratta dell'opera meno orribile dell'Esposizione. Una delle missioni pittoriche distintive dell'Impressionismo è quella di torturare la prospettiva: potete ben vedere, qui, i risultati che hanno ottenuto) e, in maniera assai minore, anche Émile Zola, che pur rimanendo colpito da questa tranche de vie moderne condannò «questa pittura borghese preoccupata in modo spropositato dell'accuratezza dei particolari». Louis Énault, pur tollerando la scelta figurativa di Caillebotte («si tratta di un soggetto indubbiamente volgare, ma possiamo capire quanto tenti un pittore»), si lamentò per quanto concerne la coerenza fisiognomica dei tre rasieratori («mi rammarico che Caillebotte non abbia scelto accuratamente i suoi modelli ... le braccia dei rasieratori sono assurdamente sottili, e il loro busto è decisamente troppo piccolo»).Non mancarono, tuttavia, i ferventi ammiratori, tra cui il poeta Émile Blémont («un voto decisamente negativo per la giuria del Salon!»), Maurice Chaumelin («siamo davanti a una pittura realista cruda quanto un Courbet, ma decisamente più acuta, e violenta tanto quanto un'opera di Manet, ma al contempo ancora più precisa») e Philippe Burty («Le opere di Caillebotte presentano composizioni decisamente originali e, per di più, traboccano di un'energia nel disegno che ricorda i primi Fiorentini»). Il dipinto, malgrado non fu incluso nel lascito testamentario di Caillebotte alle collezioni statali francesi, fu esposto prima al Musèe du Luxembourg e poi al Louvre, per poi pervenire nel 1947 al Jeu de Paume e, infine, al museo d'Orsay, trovando così la sua collocazione definitiva.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Come chiarisce I_piallatori_di_parquet la sua Storia?

Il dipinto, firmato «G. Caillebotte», venne portato a compimento nel 1875 e presentato al Salon dello stesso anno. Qui, tuttavia, ricevette un'accoglienza assai fredda, tanto che non riuscì neanche a superare il vaglio della commissione giudicatrice, senza dubbio scandalizzata dal fatto che un soggetto così ordinario e «volgare» (i giurì si rivolsero proprio in questi termini) avesse acquisito dignità artistica e dall'audacia sia prospettica che stilistica che il pittore vi si è concesso. Disilluso, Caillebotte accolse dunque l'invito di Renoir e di Henri Rouart di presentare I piallatori di parquet alla seconda mostra degli Impressionisti, insieme a un'altra opera sempre incentrata sul logorante lavoro dei piallatori di parquet. I critici si divisero in due: molti, per esempio, giudicarono assai negativamente l'impianto prospettico dell'opera, come Émile Porchoron («si tratta dell'opera meno orribile dell'Esposizione. Una delle missioni pittoriche distintive dell'Impressionismo è quella di torturare la prospettiva: potete ben vedere, qui, i risultati che hanno ottenuto) e, in maniera assai minore, anche Émile Zola, che pur rimanendo colpito da questa tranche de vie moderne condannò «questa pittura borghese preoccupata in modo spropositato dell'accuratezza dei particolari». Louis Énault, pur tollerando la scelta figurativa di Caillebotte («si tratta di un soggetto indubbiamente volgare, ma possiamo capire quanto tenti un pittore»), si lamentò per quanto concerne la coerenza fisiognomica dei tre rasieratori («mi rammarico che Caillebotte non abbia scelto accuratamente i suoi modelli ... le braccia dei rasieratori sono assurdamente sottili, e il loro busto è decisamente troppo piccolo»).Non mancarono, tuttavia, i ferventi ammiratori, tra cui il poeta Émile Blémont («un voto decisamente negativo per la giuria del Salon!»), Maurice Chaumelin («siamo davanti a una pittura realista cruda quanto un Courbet, ma decisamente più acuta, e violenta tanto quanto un'opera di Manet, ma al contempo ancora più precisa») e Philippe Burty («Le opere di Caillebotte presentano composizioni decisamente originali e, per di più, traboccano di un'energia nel disegno che ricorda i primi Fiorentini»). Il dipinto, malgrado non fu incluso nel lascito testamentario di Caillebotte alle collezioni statali francesi, fu esposto prima al Musèe du Luxembourg e poi al Louvre, per poi pervenire nel 1947 al Jeu de Paume e, infine, al museo d'Orsay, trovando così la sua collocazione definitiva.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Come viene discussa la Storia in I_piallatori_di_parquet?

Il dipinto, firmato «G. Caillebotte», venne portato a compimento nel 1875 e presentato al Salon dello stesso anno. Qui, tuttavia, ricevette un'accoglienza assai fredda, tanto che non riuscì neanche a superare il vaglio della commissione giudicatrice, senza dubbio scandalizzata dal fatto che un soggetto così ordinario e «volgare» (i giurì si rivolsero proprio in questi termini) avesse acquisito dignità artistica e dall'audacia sia prospettica che stilistica che il pittore vi si è concesso. Disilluso, Caillebotte accolse dunque l'invito di Renoir e di Henri Rouart di presentare I piallatori di parquet alla seconda mostra degli Impressionisti, insieme a un'altra opera sempre incentrata sul logorante lavoro dei piallatori di parquet. I critici si divisero in due: molti, per esempio, giudicarono assai negativamente l'impianto prospettico dell'opera, come Émile Porchoron («si tratta dell'opera meno orribile dell'Esposizione. Una delle missioni pittoriche distintive dell'Impressionismo è quella di torturare la prospettiva: potete ben vedere, qui, i risultati che hanno ottenuto) e, in maniera assai minore, anche Émile Zola, che pur rimanendo colpito da questa tranche de vie moderne condannò «questa pittura borghese preoccupata in modo spropositato dell'accuratezza dei particolari». Louis Énault, pur tollerando la scelta figurativa di Caillebotte («si tratta di un soggetto indubbiamente volgare, ma possiamo capire quanto tenti un pittore»), si lamentò per quanto concerne la coerenza fisiognomica dei tre rasieratori («mi rammarico che Caillebotte non abbia scelto accuratamente i suoi modelli ... le braccia dei rasieratori sono assurdamente sottili, e il loro busto è decisamente troppo piccolo»).Non mancarono, tuttavia, i ferventi ammiratori, tra cui il poeta Émile Blémont («un voto decisamente negativo per la giuria del Salon!»), Maurice Chaumelin («siamo davanti a una pittura realista cruda quanto un Courbet, ma decisamente più acuta, e violenta tanto quanto un'opera di Manet, ma al contempo ancora più precisa») e Philippe Burty («Le opere di Caillebotte presentano composizioni decisamente originali e, per di più, traboccano di un'energia nel disegno che ricorda i primi Fiorentini»). Il dipinto, malgrado non fu incluso nel lascito testamentario di Caillebotte alle collezioni statali francesi, fu esposto prima al Musèe du Luxembourg e poi al Louvre, per poi pervenire nel 1947 al Jeu de Paume e, infine, al museo d'Orsay, trovando così la sua collocazione definitiva.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Nel contesto di I_piallatori_di_parquet, esplora la Un pittore accademico, impressionista, naturalista e la Descrizione.

I piallatori di parquet è una delle tele più celebri di Gustave Caillebotte. In essa sono infatti ripresi e portati al massimo grado di raffinatezza tutti gli elementi caratterizzanti della sua pittura: dalla propria formazione accademica Caillebotte attinge a piene mani per il vigore volumetrico dei rasieratori, di ascendenza quasi michelangiolesca, per i delicatissimi passaggi tonali e per il sicuro impianto grafico-compositivo dell'opera, il quale rifiuta con decisione l'estemporaneità della pittura impressionista.L'opera, tuttavia, è al contempo assai distante dalle prescrizioni della scuola accademica. Caillebotte adotta infatti una tavolozza audace, giocata su toni terrosi e sull'abbacinante candore del bianco, accorda una notevole rilevanza alla luce naturale e dispone il punto di vista eccezionalmente in alto, creando una prospettiva quasi «cinematografica» e rendendo il dipinto del tutto simile ad un'istantanea fotografica di un momento unico ed irripetibile. L'impianto compositivo del dipinto, seppur presente, è tutt'altro che accademico e si imposta su uno spazio squilibrato e asimmetrico, movimentato dal contrasto tra le linee dritte dei muri e delle tavole del parquet e quelle curvilinee, individuate nei ghirigori della ringhiera, nei trucioli e negli atteggiamenti corporei degli operai.In questa tela, inoltre, Caillebotte dimostra di essere «un pittore animato da grande coraggio, che non indietreggia davanti a soggetti moderni in grandezza naturale» (a parlare è il celebre letterato Émile Zola). In Caillebotte, per di più, la scelta di argomenti «umili» legati alla vita contemporanea viene accompagnata da una sostanziale impersonalità. Le vicende dei tre piallatori, infatti, sono osservate secondo i più rigidi canoni dell'impersonalità e sono ridotte a un puro fatto che accade, sulla tela così come nella vita vera: analogamente a come Zola faceva in letteratura, Caillebotte lascia emergere in questa tela una visione oggettiva della realtà, al di fuori di ogni preoccupazione di carattere moralistico o politico.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Esplora la Un pittore accademico, impressionista, naturalista sulla Descrizione di questa opera d'arte, I_piallatori_di_parquet.

I piallatori di parquet è una delle tele più celebri di Gustave Caillebotte. In essa sono infatti ripresi e portati al massimo grado di raffinatezza tutti gli elementi caratterizzanti della sua pittura: dalla propria formazione accademica Caillebotte attinge a piene mani per il vigore volumetrico dei rasieratori, di ascendenza quasi michelangiolesca, per i delicatissimi passaggi tonali e per il sicuro impianto grafico-compositivo dell'opera, il quale rifiuta con decisione l'estemporaneità della pittura impressionista.L'opera, tuttavia, è al contempo assai distante dalle prescrizioni della scuola accademica. Caillebotte adotta infatti una tavolozza audace, giocata su toni terrosi e sull'abbacinante candore del bianco, accorda una notevole rilevanza alla luce naturale e dispone il punto di vista eccezionalmente in alto, creando una prospettiva quasi «cinematografica» e rendendo il dipinto del tutto simile ad un'istantanea fotografica di un momento unico ed irripetibile. L'impianto compositivo del dipinto, seppur presente, è tutt'altro che accademico e si imposta su uno spazio squilibrato e asimmetrico, movimentato dal contrasto tra le linee dritte dei muri e delle tavole del parquet e quelle curvilinee, individuate nei ghirigori della ringhiera, nei trucioli e negli atteggiamenti corporei degli operai.In questa tela, inoltre, Caillebotte dimostra di essere «un pittore animato da grande coraggio, che non indietreggia davanti a soggetti moderni in grandezza naturale» (a parlare è il celebre letterato Émile Zola). In Caillebotte, per di più, la scelta di argomenti «umili» legati alla vita contemporanea viene accompagnata da una sostanziale impersonalità. Le vicende dei tre piallatori, infatti, sono osservate secondo i più rigidi canoni dell'impersonalità e sono ridotte a un puro fatto che accade, sulla tela così come nella vita vera: analogamente a come Zola faceva in letteratura, Caillebotte lascia emergere in questa tela una visione oggettiva della realtà, al di fuori di ogni preoccupazione di carattere moralistico o politico.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

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''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: In I_piallatori_di_parquet, come viene chiarita la Un pittore accademico, impressionista, naturalista della Descrizione?

I piallatori di parquet è una delle tele più celebri di Gustave Caillebotte. In essa sono infatti ripresi e portati al massimo grado di raffinatezza tutti gli elementi caratterizzanti della sua pittura: dalla propria formazione accademica Caillebotte attinge a piene mani per il vigore volumetrico dei rasieratori, di ascendenza quasi michelangiolesca, per i delicatissimi passaggi tonali e per il sicuro impianto grafico-compositivo dell'opera, il quale rifiuta con decisione l'estemporaneità della pittura impressionista.L'opera, tuttavia, è al contempo assai distante dalle prescrizioni della scuola accademica. Caillebotte adotta infatti una tavolozza audace, giocata su toni terrosi e sull'abbacinante candore del bianco, accorda una notevole rilevanza alla luce naturale e dispone il punto di vista eccezionalmente in alto, creando una prospettiva quasi «cinematografica» e rendendo il dipinto del tutto simile ad un'istantanea fotografica di un momento unico ed irripetibile. L'impianto compositivo del dipinto, seppur presente, è tutt'altro che accademico e si imposta su uno spazio squilibrato e asimmetrico, movimentato dal contrasto tra le linee dritte dei muri e delle tavole del parquet e quelle curvilinee, individuate nei ghirigori della ringhiera, nei trucioli e negli atteggiamenti corporei degli operai.In questa tela, inoltre, Caillebotte dimostra di essere «un pittore animato da grande coraggio, che non indietreggia davanti a soggetti moderni in grandezza naturale» (a parlare è il celebre letterato Émile Zola). In Caillebotte, per di più, la scelta di argomenti «umili» legati alla vita contemporanea viene accompagnata da una sostanziale impersonalità. Le vicende dei tre piallatori, infatti, sono osservate secondo i più rigidi canoni dell'impersonalità e sono ridotte a un puro fatto che accade, sulla tela così come nella vita vera: analogamente a come Zola faceva in letteratura, Caillebotte lascia emergere in questa tela una visione oggettiva della realtà, al di fuori di ogni preoccupazione di carattere moralistico o politico.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

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''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

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Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


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Prompt: Descrivi le caratteristiche della Un pittore accademico, impressionista, naturalista nella Descrizione di I_piallatori_di_parquet.

I piallatori di parquet è una delle tele più celebri di Gustave Caillebotte. In essa sono infatti ripresi e portati al massimo grado di raffinatezza tutti gli elementi caratterizzanti della sua pittura: dalla propria formazione accademica Caillebotte attinge a piene mani per il vigore volumetrico dei rasieratori, di ascendenza quasi michelangiolesca, per i delicatissimi passaggi tonali e per il sicuro impianto grafico-compositivo dell'opera, il quale rifiuta con decisione l'estemporaneità della pittura impressionista.L'opera, tuttavia, è al contempo assai distante dalle prescrizioni della scuola accademica. Caillebotte adotta infatti una tavolozza audace, giocata su toni terrosi e sull'abbacinante candore del bianco, accorda una notevole rilevanza alla luce naturale e dispone il punto di vista eccezionalmente in alto, creando una prospettiva quasi «cinematografica» e rendendo il dipinto del tutto simile ad un'istantanea fotografica di un momento unico ed irripetibile. L'impianto compositivo del dipinto, seppur presente, è tutt'altro che accademico e si imposta su uno spazio squilibrato e asimmetrico, movimentato dal contrasto tra le linee dritte dei muri e delle tavole del parquet e quelle curvilinee, individuate nei ghirigori della ringhiera, nei trucioli e negli atteggiamenti corporei degli operai.In questa tela, inoltre, Caillebotte dimostra di essere «un pittore animato da grande coraggio, che non indietreggia davanti a soggetti moderni in grandezza naturale» (a parlare è il celebre letterato Émile Zola). In Caillebotte, per di più, la scelta di argomenti «umili» legati alla vita contemporanea viene accompagnata da una sostanziale impersonalità. Le vicende dei tre piallatori, infatti, sono osservate secondo i più rigidi canoni dell'impersonalità e sono ridotte a un puro fatto che accade, sulla tela così come nella vita vera: analogamente a come Zola faceva in letteratura, Caillebotte lascia emergere in questa tela una visione oggettiva della realtà, al di fuori di ogni preoccupazione di carattere moralistico o politico.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

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''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

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Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Nel contesto di I_piallatori_di_parquet, esplora la Raschiando il parquet e la Descrizione.

Se i contadini e i lavoratori agricoli nel corso dell'Ottocento erano stati protagonisti indiscussi di un'intensa elaborazione artistica (si pensi all'Angelus di Millet o a Gli spaccapietre di Courbet), mai gli operai delle città erano stati oggetto di rappresentazione pittorica. I raschiatori di parquet è effettivamente il primo dipinto che conferisce dignità artistica alle vicende del proletariato urbano, il maggiore propulsore della nascente economia borghese. L'opera, infatti, raffigura un gruppo di tre operai mentre rasierano il parquet di un'elegante dimora borghese, con tutta probabilità quella dello stesso Caillebotte a rue de Miromesnil, nell'elegante quartiere parigino di recente costruzione haussmanniana. Si tratta indubbiamente di un'abitazione molto signorile, come ci suggeriscono le ornamentazioni in stucco dorato delle pareti.In fondo al dipinto è raffigurata una finestra cinta da un'inferriata in ferro battuto: è da qui che penetra la luce, la quale - dopo essersi introdotta nell'appartamento - indugia su vari particolari, dai trucioli lignei del parquet alla muscolatura dei tre operai, i quali affrontano il loro lavoro quotidiano virilmente, a torso nudo. Due degli operai, in particolare, sono intenti in una realistica chiacchierata, tanto che presentano persino gli sguardi convergenti: il terzo, invece, è completamente assorbito nel suo faticoso lavoro. L'occhio sollecito di Caillebotte non tralascia neanche il vino bevuto dagli operai per sostenersi, contenuto in una bottiglia e in un bicchiere, e i vari utensili da lavoro cosparsi sul pavimento.

File:Gustave Caillebotte - The Floor Planers - Detail of Google Art Project.jpg

''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

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''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: Esplora la Raschiando il parquet sulla Descrizione di questa opera d'arte, I_piallatori_di_parquet.

Se i contadini e i lavoratori agricoli nel corso dell'Ottocento erano stati protagonisti indiscussi di un'intensa elaborazione artistica (si pensi all'Angelus di Millet o a Gli spaccapietre di Courbet), mai gli operai delle città erano stati oggetto di rappresentazione pittorica. I raschiatori di parquet è effettivamente il primo dipinto che conferisce dignità artistica alle vicende del proletariato urbano, il maggiore propulsore della nascente economia borghese. L'opera, infatti, raffigura un gruppo di tre operai mentre rasierano il parquet di un'elegante dimora borghese, con tutta probabilità quella dello stesso Caillebotte a rue de Miromesnil, nell'elegante quartiere parigino di recente costruzione haussmanniana. Si tratta indubbiamente di un'abitazione molto signorile, come ci suggeriscono le ornamentazioni in stucco dorato delle pareti.In fondo al dipinto è raffigurata una finestra cinta da un'inferriata in ferro battuto: è da qui che penetra la luce, la quale - dopo essersi introdotta nell'appartamento - indugia su vari particolari, dai trucioli lignei del parquet alla muscolatura dei tre operai, i quali affrontano il loro lavoro quotidiano virilmente, a torso nudo. Due degli operai, in particolare, sono intenti in una realistica chiacchierata, tanto che presentano persino gli sguardi convergenti: il terzo, invece, è completamente assorbito nel suo faticoso lavoro. L'occhio sollecito di Caillebotte non tralascia neanche il vino bevuto dagli operai per sostenersi, contenuto in una bottiglia e in un bicchiere, e i vari utensili da lavoro cosparsi sul pavimento.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

Categoria:Dipinti di Gustave Caillebotte

Seconda versione de ''I piallatori di parquet'' (1876)


I_piallatori_di_parquet

Prompt: In I_piallatori_di_parquet, come viene chiarita la Raschiando il parquet della Descrizione?

Se i contadini e i lavoratori agricoli nel corso dell'Ottocento erano stati protagonisti indiscussi di un'intensa elaborazione artistica (si pensi all'Angelus di Millet o a Gli spaccapietre di Courbet), mai gli operai delle città erano stati oggetto di rappresentazione pittorica. I raschiatori di parquet è effettivamente il primo dipinto che conferisce dignità artistica alle vicende del proletariato urbano, il maggiore propulsore della nascente economia borghese. L'opera, infatti, raffigura un gruppo di tre operai mentre rasierano il parquet di un'elegante dimora borghese, con tutta probabilità quella dello stesso Caillebotte a rue de Miromesnil, nell'elegante quartiere parigino di recente costruzione haussmanniana. Si tratta indubbiamente di un'abitazione molto signorile, come ci suggeriscono le ornamentazioni in stucco dorato delle pareti.In fondo al dipinto è raffigurata una finestra cinta da un'inferriata in ferro battuto: è da qui che penetra la luce, la quale - dopo essersi introdotta nell'appartamento - indugia su vari particolari, dai trucioli lignei del parquet alla muscolatura dei tre operai, i quali affrontano il loro lavoro quotidiano virilmente, a torso nudo. Due degli operai, in particolare, sono intenti in una realistica chiacchierata, tanto che presentano persino gli sguardi convergenti: il terzo, invece, è completamente assorbito nel suo faticoso lavoro. L'occhio sollecito di Caillebotte non tralascia neanche il vino bevuto dagli operai per sostenersi, contenuto in una bottiglia e in un bicchiere, e i vari utensili da lavoro cosparsi sul pavimento.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

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''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

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I_piallatori_di_parquet

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Raschiando il parquet nella Descrizione di I_piallatori_di_parquet.

Se i contadini e i lavoratori agricoli nel corso dell'Ottocento erano stati protagonisti indiscussi di un'intensa elaborazione artistica (si pensi all'Angelus di Millet o a Gli spaccapietre di Courbet), mai gli operai delle città erano stati oggetto di rappresentazione pittorica. I raschiatori di parquet è effettivamente il primo dipinto che conferisce dignità artistica alle vicende del proletariato urbano, il maggiore propulsore della nascente economia borghese. L'opera, infatti, raffigura un gruppo di tre operai mentre rasierano il parquet di un'elegante dimora borghese, con tutta probabilità quella dello stesso Caillebotte a rue de Miromesnil, nell'elegante quartiere parigino di recente costruzione haussmanniana. Si tratta indubbiamente di un'abitazione molto signorile, come ci suggeriscono le ornamentazioni in stucco dorato delle pareti.In fondo al dipinto è raffigurata una finestra cinta da un'inferriata in ferro battuto: è da qui che penetra la luce, la quale - dopo essersi introdotta nell'appartamento - indugia su vari particolari, dai trucioli lignei del parquet alla muscolatura dei tre operai, i quali affrontano il loro lavoro quotidiano virilmente, a torso nudo. Due degli operai, in particolare, sono intenti in una realistica chiacchierata, tanto che presentano persino gli sguardi convergenti: il terzo, invece, è completamente assorbito nel suo faticoso lavoro. L'occhio sollecito di Caillebotte non tralascia neanche il vino bevuto dagli operai per sostenersi, contenuto in una bottiglia e in un bicchiere, e i vari utensili da lavoro cosparsi sul pavimento.

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''I piallatori di parquet'', dettaglio della ringhiera

File:Raboteurs de parquet, Gustave Caillebotte, 1875 - Musée d'Orsay May 2015.jpg

''I piallatori di Parquet'' esposti al Museo d'Orsay di Parigi

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Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Concentrati su Adorazione_dei_Magi ed esplora la abstract.

L'Adorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo (Mt 2:1-12) nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene (185-224) e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere. La storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

File:Jacopo Bassano - L'Adorazione dei Magi - NGE.jpg

''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

File:Albrecht Dürer - Adorazione dei Magi - Google Art Project.jpg

La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Adorazione_dei_Magi.

L'Adorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo (Mt 2:1-12) nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene (185-224) e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere. La storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

File:Jacopo Bassano - L'Adorazione dei Magi - NGE.jpg

''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Come chiarisce Adorazione_dei_Magi la sua abstract?

L'Adorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo (Mt 2:1-12) nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene (185-224) e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere. La storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

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''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Come viene discussa la abstract in Adorazione_dei_Magi?

L'Adorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo (Mt 2:1-12) nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene (185-224) e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere. La storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

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''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Concentrati su Adorazione_dei_Magi ed esplora la Iconografia.

La scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella.La scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano (un Moro), Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

File:Jacopo Bassano - L'Adorazione dei Magi - NGE.jpg

''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Esplora la Iconografia di questa opera d'arte, Adorazione_dei_Magi.

La scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella.La scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano (un Moro), Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

File:Jacopo Bassano - L'Adorazione dei Magi - NGE.jpg

''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Come chiarisce Adorazione_dei_Magi la sua Iconografia?

La scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella.La scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano (un Moro), Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

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''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

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La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Adorazione_dei_Magi

Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano)

Prompt: Come viene discussa la Iconografia in Adorazione_dei_Magi?

La scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella.La scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano (un Moro), Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

La Adorazione in un quadro di [[El Greco

File:Jacopo Bassano - L'Adorazione dei Magi - NGE.jpg

''Adorazione dei Magi'', [[Jacopo Bassano

File:7222 Adoración de los Reyes Magos.jpg

File:Albrecht Dürer - Adorazione dei Magi - Google Art Project.jpg

La Adorazione in un quadro di Albrecht Durer.


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Concentrati su Nettuno_e_Tritone ed esplora la abstract.

Nettuno e Tritone è un'opera scultorea realizzata tra il 1622 e il 1623 da Gian Lorenzo Bernini, tra le prime opere dei suoi anni giovanili. Attualmente è conservata presso il Victoria and Albert Museum di Londra.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Nettuno_e_Tritone.

Nettuno e Tritone è un'opera scultorea realizzata tra il 1622 e il 1623 da Gian Lorenzo Bernini, tra le prime opere dei suoi anni giovanili. Attualmente è conservata presso il Victoria and Albert Museum di Londra.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Come chiarisce Nettuno_e_Tritone la sua abstract?

Nettuno e Tritone è un'opera scultorea realizzata tra il 1622 e il 1623 da Gian Lorenzo Bernini, tra le prime opere dei suoi anni giovanili. Attualmente è conservata presso il Victoria and Albert Museum di Londra.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Come viene discussa la abstract in Nettuno_e_Tritone?

Nettuno e Tritone è un'opera scultorea realizzata tra il 1622 e il 1623 da Gian Lorenzo Bernini, tra le prime opere dei suoi anni giovanili. Attualmente è conservata presso il Victoria and Albert Museum di Londra.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Concentrati su Nettuno_e_Tritone ed esplora la Storia.

Il gruppo scultoreo fu originariamente commissionato dal cardinale Alessandro Damasceni Peretti nel 1620, e scolpito dal marzo del 1622 al febbraio dell'anno successivo; fu adoperato come fontana per decorare la peschiera (anche nota come Peschierone) progettata da Domenico Fontana tra il 1579 e il 1581, già presente all'interno dei giardini della villa Montalto Peretti, sul Viminale.Nel 1786 fu acquistato da Thomas Jenkins, dal quale fu a sua volta acquisito dal pittore Joshua Reynolds, lo stesso anno. L'opera fu denominata Nettuno e Glauco, seguendo quanto scrisse Filippo Baldinucci nella biografia di Bernini, ma risulta come "Nettvno, e Tritone" già nell'incisione del 1704 di Domenico De Rossi, ed in seguito anche negli scritti di Reynolds sarà rinominata Nettuno e Tritone.In seguito alla more di Reynolds nel 1792 la scultura fu venduta a Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough, che la espose nel giardino della sua casa, la Walpole House, a Chelsea. I suoi eredi la trasferirono nel 1906 nella dimora di campagna nella contea di Lincolnshire. Fu quindi acquistata dal Victoria and Albert Museum nel 1950, sebbene fosse già stata esposta in una mostra alla Royal Academy nel 1938.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Nettuno_e_Tritone.

Il gruppo scultoreo fu originariamente commissionato dal cardinale Alessandro Damasceni Peretti nel 1620, e scolpito dal marzo del 1622 al febbraio dell'anno successivo; fu adoperato come fontana per decorare la peschiera (anche nota come Peschierone) progettata da Domenico Fontana tra il 1579 e il 1581, già presente all'interno dei giardini della villa Montalto Peretti, sul Viminale.Nel 1786 fu acquistato da Thomas Jenkins, dal quale fu a sua volta acquisito dal pittore Joshua Reynolds, lo stesso anno. L'opera fu denominata Nettuno e Glauco, seguendo quanto scrisse Filippo Baldinucci nella biografia di Bernini, ma risulta come "Nettvno, e Tritone" già nell'incisione del 1704 di Domenico De Rossi, ed in seguito anche negli scritti di Reynolds sarà rinominata Nettuno e Tritone.In seguito alla more di Reynolds nel 1792 la scultura fu venduta a Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough, che la espose nel giardino della sua casa, la Walpole House, a Chelsea. I suoi eredi la trasferirono nel 1906 nella dimora di campagna nella contea di Lincolnshire. Fu quindi acquistata dal Victoria and Albert Museum nel 1950, sebbene fosse già stata esposta in una mostra alla Royal Academy nel 1938.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Come chiarisce Nettuno_e_Tritone la sua Storia?

Il gruppo scultoreo fu originariamente commissionato dal cardinale Alessandro Damasceni Peretti nel 1620, e scolpito dal marzo del 1622 al febbraio dell'anno successivo; fu adoperato come fontana per decorare la peschiera (anche nota come Peschierone) progettata da Domenico Fontana tra il 1579 e il 1581, già presente all'interno dei giardini della villa Montalto Peretti, sul Viminale.Nel 1786 fu acquistato da Thomas Jenkins, dal quale fu a sua volta acquisito dal pittore Joshua Reynolds, lo stesso anno. L'opera fu denominata Nettuno e Glauco, seguendo quanto scrisse Filippo Baldinucci nella biografia di Bernini, ma risulta come "Nettvno, e Tritone" già nell'incisione del 1704 di Domenico De Rossi, ed in seguito anche negli scritti di Reynolds sarà rinominata Nettuno e Tritone.In seguito alla more di Reynolds nel 1792 la scultura fu venduta a Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough, che la espose nel giardino della sua casa, la Walpole House, a Chelsea. I suoi eredi la trasferirono nel 1906 nella dimora di campagna nella contea di Lincolnshire. Fu quindi acquistata dal Victoria and Albert Museum nel 1950, sebbene fosse già stata esposta in una mostra alla Royal Academy nel 1938.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Come viene discussa la Storia in Nettuno_e_Tritone?

Il gruppo scultoreo fu originariamente commissionato dal cardinale Alessandro Damasceni Peretti nel 1620, e scolpito dal marzo del 1622 al febbraio dell'anno successivo; fu adoperato come fontana per decorare la peschiera (anche nota come Peschierone) progettata da Domenico Fontana tra il 1579 e il 1581, già presente all'interno dei giardini della villa Montalto Peretti, sul Viminale.Nel 1786 fu acquistato da Thomas Jenkins, dal quale fu a sua volta acquisito dal pittore Joshua Reynolds, lo stesso anno. L'opera fu denominata Nettuno e Glauco, seguendo quanto scrisse Filippo Baldinucci nella biografia di Bernini, ma risulta come "Nettvno, e Tritone" già nell'incisione del 1704 di Domenico De Rossi, ed in seguito anche negli scritti di Reynolds sarà rinominata Nettuno e Tritone.In seguito alla more di Reynolds nel 1792 la scultura fu venduta a Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough, che la espose nel giardino della sua casa, la Walpole House, a Chelsea. I suoi eredi la trasferirono nel 1906 nella dimora di campagna nella contea di Lincolnshire. Fu quindi acquistata dal Victoria and Albert Museum nel 1950, sebbene fosse già stata esposta in una mostra alla Royal Academy nel 1938.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Nel contesto di Nettuno_e_Tritone, esplora la Soggetto e la Descrizione.

Il soggetto pare far riferimento a Nettuno e Tritone intenti ad assistere le navi troiane, così come riportato da Virgilio, Ovidio o entrambi (oltre a fonti aggiuntive).Nelle Metamorfosi di Ovidio, Nettuno ordina a Tritone di soffiare nella sua conchiglia per calmare le onde; nell'Eneide, Nettuno placa le acque ed in seguito la nereide Cimotoe e Tritone spostano le navi di Enea, aiutati anche da Nettuno con il tuo tridente. Ma nessuno dei due episodi è fedelmente rappresentato nella scultore: si può ipotizzare, quindi, che Bernini abbia deciso di fonderlo ed integrarli con altre fonti.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Soggetto sulla Descrizione di questa opera d'arte, Nettuno_e_Tritone.

Il soggetto pare far riferimento a Nettuno e Tritone intenti ad assistere le navi troiane, così come riportato da Virgilio, Ovidio o entrambi (oltre a fonti aggiuntive).Nelle Metamorfosi di Ovidio, Nettuno ordina a Tritone di soffiare nella sua conchiglia per calmare le onde; nell'Eneide, Nettuno placa le acque ed in seguito la nereide Cimotoe e Tritone spostano le navi di Enea, aiutati anche da Nettuno con il tuo tridente. Ma nessuno dei due episodi è fedelmente rappresentato nella scultore: si può ipotizzare, quindi, che Bernini abbia deciso di fonderlo ed integrarli con altre fonti.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: In Nettuno_e_Tritone, come viene chiarita la Soggetto della Descrizione?

Il soggetto pare far riferimento a Nettuno e Tritone intenti ad assistere le navi troiane, così come riportato da Virgilio, Ovidio o entrambi (oltre a fonti aggiuntive).Nelle Metamorfosi di Ovidio, Nettuno ordina a Tritone di soffiare nella sua conchiglia per calmare le onde; nell'Eneide, Nettuno placa le acque ed in seguito la nereide Cimotoe e Tritone spostano le navi di Enea, aiutati anche da Nettuno con il tuo tridente. Ma nessuno dei due episodi è fedelmente rappresentato nella scultore: si può ipotizzare, quindi, che Bernini abbia deciso di fonderlo ed integrarli con altre fonti.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Soggetto nella Descrizione di Nettuno_e_Tritone.

Il soggetto pare far riferimento a Nettuno e Tritone intenti ad assistere le navi troiane, così come riportato da Virgilio, Ovidio o entrambi (oltre a fonti aggiuntive).Nelle Metamorfosi di Ovidio, Nettuno ordina a Tritone di soffiare nella sua conchiglia per calmare le onde; nell'Eneide, Nettuno placa le acque ed in seguito la nereide Cimotoe e Tritone spostano le navi di Enea, aiutati anche da Nettuno con il tuo tridente. Ma nessuno dei due episodi è fedelmente rappresentato nella scultore: si può ipotizzare, quindi, che Bernini abbia deciso di fonderlo ed integrarli con altre fonti.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Nel contesto di Nettuno_e_Tritone, esplora la Iconografia e la Descrizione.

La composizione del Nettuno e Tritone vede il primo troneggiare - in piedi, a cavalcioni - sul secondo; Tritone è steso in una posa quasi accovacciata. Le due figure si ergono su di un mezzo guscio, che per l'occasione funge da zoccolo.Nettuno punta il tridente verso il mare, mentre Tritone soffia nella conchiglia, originariamente concepita per far sgorgare da essa l'acqua, in virtù dell'utilizzo della scultura come fontana.La posa del Nettuno, lo spazio negativo - che tra le sue gambe forma una V rovesciata - riempito da un'altra figura, il Tritone, furono deviazioni "radicali" del Bernini, trattandosi della sua "prima opera in cui la sagoma è spezzata"; inoltre, è possibile constatare il raggiungimento della "piena libertà barocca", seguendo le parole dello storico dell'arte Rudolf Wittkower. Tuttavia, quest'ultimo riconosce che manca ancora al Bernini quel dinamismo, quel "grande movimento travolgente" che anima e contraddistingue il David, Plutone e Dafne nei suoi lavori successivi.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Iconografia sulla Descrizione di questa opera d'arte, Nettuno_e_Tritone.

La composizione del Nettuno e Tritone vede il primo troneggiare - in piedi, a cavalcioni - sul secondo; Tritone è steso in una posa quasi accovacciata. Le due figure si ergono su di un mezzo guscio, che per l'occasione funge da zoccolo.Nettuno punta il tridente verso il mare, mentre Tritone soffia nella conchiglia, originariamente concepita per far sgorgare da essa l'acqua, in virtù dell'utilizzo della scultura come fontana.La posa del Nettuno, lo spazio negativo - che tra le sue gambe forma una V rovesciata - riempito da un'altra figura, il Tritone, furono deviazioni "radicali" del Bernini, trattandosi della sua "prima opera in cui la sagoma è spezzata"; inoltre, è possibile constatare il raggiungimento della "piena libertà barocca", seguendo le parole dello storico dell'arte Rudolf Wittkower. Tuttavia, quest'ultimo riconosce che manca ancora al Bernini quel dinamismo, quel "grande movimento travolgente" che anima e contraddistingue il David, Plutone e Dafne nei suoi lavori successivi.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: In Nettuno_e_Tritone, come viene chiarita la Iconografia della Descrizione?

La composizione del Nettuno e Tritone vede il primo troneggiare - in piedi, a cavalcioni - sul secondo; Tritone è steso in una posa quasi accovacciata. Le due figure si ergono su di un mezzo guscio, che per l'occasione funge da zoccolo.Nettuno punta il tridente verso il mare, mentre Tritone soffia nella conchiglia, originariamente concepita per far sgorgare da essa l'acqua, in virtù dell'utilizzo della scultura come fontana.La posa del Nettuno, lo spazio negativo - che tra le sue gambe forma una V rovesciata - riempito da un'altra figura, il Tritone, furono deviazioni "radicali" del Bernini, trattandosi della sua "prima opera in cui la sagoma è spezzata"; inoltre, è possibile constatare il raggiungimento della "piena libertà barocca", seguendo le parole dello storico dell'arte Rudolf Wittkower. Tuttavia, quest'ultimo riconosce che manca ancora al Bernini quel dinamismo, quel "grande movimento travolgente" che anima e contraddistingue il David, Plutone e Dafne nei suoi lavori successivi.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Iconografia nella Descrizione di Nettuno_e_Tritone.

La composizione del Nettuno e Tritone vede il primo troneggiare - in piedi, a cavalcioni - sul secondo; Tritone è steso in una posa quasi accovacciata. Le due figure si ergono su di un mezzo guscio, che per l'occasione funge da zoccolo.Nettuno punta il tridente verso il mare, mentre Tritone soffia nella conchiglia, originariamente concepita per far sgorgare da essa l'acqua, in virtù dell'utilizzo della scultura come fontana.La posa del Nettuno, lo spazio negativo - che tra le sue gambe forma una V rovesciata - riempito da un'altra figura, il Tritone, furono deviazioni "radicali" del Bernini, trattandosi della sua "prima opera in cui la sagoma è spezzata"; inoltre, è possibile constatare il raggiungimento della "piena libertà barocca", seguendo le parole dello storico dell'arte Rudolf Wittkower. Tuttavia, quest'ultimo riconosce che manca ancora al Bernini quel dinamismo, quel "grande movimento travolgente" che anima e contraddistingue il David, Plutone e Dafne nei suoi lavori successivi.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Nettuno_e_Tritone, esplora la Nettuno sulla Iconografia.

=Nettuno è rappresentato come un uomo "maturo barbuto", dalla muscolatura pronunciata: elementi, questi, che rimandano ad un'autorevolezza mascolina. La divinità torce il busto, mentre sta per spingere il tridente verso l'acqua; ad eccezione di un mantello, si presenta nuda. La "barba e i capelli arruffati" evidenziano il tumulto di questa scena.Wittkower, che concordava con la tesi della rievocazione virgiliana, apprezzava come in questo gruppo scultoreo Nettuno, grazie al gesto con il tridente e "lo sguardo rabbioso verso le acque", fosse in grado di placare le onde. John Pope-Hennessy sottolineava come Bernini non avesse rappresentato la nereide, inclusa nel passaggio virgiliano, e che quindi dovesse trattarsi di una scultura ispirata a un passo della letteratura ovidiana. In maniera contraria, fu argomentato che il passaggio di Ovidio preso come base fosse manchevole della esplicita menzione al tridente, presente invece nell'opera. William Collier ipotizzò si trattasse di un diverso riferimento da Ovidio, che mostrava Nettuno espressamente in collera (altrimenti tale caratteristica sarebbe stato anomala nella raffigurazione berniniana), ma anche questa tesi fu scartata perché assente la menzione del tridente.Collier sottolineò anche che se Virgilio fosse stato la fonte, Nettuno non avrebbe utilizzato il tridente per calmare le acque, bensì per disincagliare le navi dalle rocce, così come scritto nel poema epico. Tuttavia, non essendovi alcun simbolo riconducibile alle imbarcazioni, questa teoria non pare avvalorata da alcunché.Come nota a margine, è stato anche posto l'accento sul drappeggio di Nettuno, che pare rassomigliare alla testa di un delfino. Questo dettaglio sarebbe un omaggio alle Metamorfosi ovidiane, sia in riferimento a un brano in cui è presente Nettuno con dei delfini (ma non con Tritone), sia al tema della trasformazione, trasversale nell'intero poema. Rosemary Barrow lo ha invece ricondotto alla spensieratezza del tocco artistico, "evocativa dello spirito del Rococò ellenistico".

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Nettuno sulla Iconografia della Descrizione in questa opera, Nettuno_e_Tritone.

=Nettuno è rappresentato come un uomo "maturo barbuto", dalla muscolatura pronunciata: elementi, questi, che rimandano ad un'autorevolezza mascolina. La divinità torce il busto, mentre sta per spingere il tridente verso l'acqua; ad eccezione di un mantello, si presenta nuda. La "barba e i capelli arruffati" evidenziano il tumulto di questa scena.Wittkower, che concordava con la tesi della rievocazione virgiliana, apprezzava come in questo gruppo scultoreo Nettuno, grazie al gesto con il tridente e "lo sguardo rabbioso verso le acque", fosse in grado di placare le onde. John Pope-Hennessy sottolineava come Bernini non avesse rappresentato la nereide, inclusa nel passaggio virgiliano, e che quindi dovesse trattarsi di una scultura ispirata a un passo della letteratura ovidiana. In maniera contraria, fu argomentato che il passaggio di Ovidio preso come base fosse manchevole della esplicita menzione al tridente, presente invece nell'opera. William Collier ipotizzò si trattasse di un diverso riferimento da Ovidio, che mostrava Nettuno espressamente in collera (altrimenti tale caratteristica sarebbe stato anomala nella raffigurazione berniniana), ma anche questa tesi fu scartata perché assente la menzione del tridente.Collier sottolineò anche che se Virgilio fosse stato la fonte, Nettuno non avrebbe utilizzato il tridente per calmare le acque, bensì per disincagliare le navi dalle rocce, così come scritto nel poema epico. Tuttavia, non essendovi alcun simbolo riconducibile alle imbarcazioni, questa teoria non pare avvalorata da alcunché.Come nota a margine, è stato anche posto l'accento sul drappeggio di Nettuno, che pare rassomigliare alla testa di un delfino. Questo dettaglio sarebbe un omaggio alle Metamorfosi ovidiane, sia in riferimento a un brano in cui è presente Nettuno con dei delfini (ma non con Tritone), sia al tema della trasformazione, trasversale nell'intero poema. Rosemary Barrow lo ha invece ricondotto alla spensieratezza del tocco artistico, "evocativa dello spirito del Rococò ellenistico".

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Per quanto riguarda Nettuno_e_Tritone, come la Descrizione incorpora la Iconografia con la Nettuno?

=Nettuno è rappresentato come un uomo "maturo barbuto", dalla muscolatura pronunciata: elementi, questi, che rimandano ad un'autorevolezza mascolina. La divinità torce il busto, mentre sta per spingere il tridente verso l'acqua; ad eccezione di un mantello, si presenta nuda. La "barba e i capelli arruffati" evidenziano il tumulto di questa scena.Wittkower, che concordava con la tesi della rievocazione virgiliana, apprezzava come in questo gruppo scultoreo Nettuno, grazie al gesto con il tridente e "lo sguardo rabbioso verso le acque", fosse in grado di placare le onde. John Pope-Hennessy sottolineava come Bernini non avesse rappresentato la nereide, inclusa nel passaggio virgiliano, e che quindi dovesse trattarsi di una scultura ispirata a un passo della letteratura ovidiana. In maniera contraria, fu argomentato che il passaggio di Ovidio preso come base fosse manchevole della esplicita menzione al tridente, presente invece nell'opera. William Collier ipotizzò si trattasse di un diverso riferimento da Ovidio, che mostrava Nettuno espressamente in collera (altrimenti tale caratteristica sarebbe stato anomala nella raffigurazione berniniana), ma anche questa tesi fu scartata perché assente la menzione del tridente.Collier sottolineò anche che se Virgilio fosse stato la fonte, Nettuno non avrebbe utilizzato il tridente per calmare le acque, bensì per disincagliare le navi dalle rocce, così come scritto nel poema epico. Tuttavia, non essendovi alcun simbolo riconducibile alle imbarcazioni, questa teoria non pare avvalorata da alcunché.Come nota a margine, è stato anche posto l'accento sul drappeggio di Nettuno, che pare rassomigliare alla testa di un delfino. Questo dettaglio sarebbe un omaggio alle Metamorfosi ovidiane, sia in riferimento a un brano in cui è presente Nettuno con dei delfini (ma non con Tritone), sia al tema della trasformazione, trasversale nell'intero poema. Rosemary Barrow lo ha invece ricondotto alla spensieratezza del tocco artistico, "evocativa dello spirito del Rococò ellenistico".

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Osservando la Descrizione di Nettuno_e_Tritone, come discuti la Iconografia della Nettuno?

=Nettuno è rappresentato come un uomo "maturo barbuto", dalla muscolatura pronunciata: elementi, questi, che rimandano ad un'autorevolezza mascolina. La divinità torce il busto, mentre sta per spingere il tridente verso l'acqua; ad eccezione di un mantello, si presenta nuda. La "barba e i capelli arruffati" evidenziano il tumulto di questa scena.Wittkower, che concordava con la tesi della rievocazione virgiliana, apprezzava come in questo gruppo scultoreo Nettuno, grazie al gesto con il tridente e "lo sguardo rabbioso verso le acque", fosse in grado di placare le onde. John Pope-Hennessy sottolineava come Bernini non avesse rappresentato la nereide, inclusa nel passaggio virgiliano, e che quindi dovesse trattarsi di una scultura ispirata a un passo della letteratura ovidiana. In maniera contraria, fu argomentato che il passaggio di Ovidio preso come base fosse manchevole della esplicita menzione al tridente, presente invece nell'opera. William Collier ipotizzò si trattasse di un diverso riferimento da Ovidio, che mostrava Nettuno espressamente in collera (altrimenti tale caratteristica sarebbe stato anomala nella raffigurazione berniniana), ma anche questa tesi fu scartata perché assente la menzione del tridente.Collier sottolineò anche che se Virgilio fosse stato la fonte, Nettuno non avrebbe utilizzato il tridente per calmare le acque, bensì per disincagliare le navi dalle rocce, così come scritto nel poema epico. Tuttavia, non essendovi alcun simbolo riconducibile alle imbarcazioni, questa teoria non pare avvalorata da alcunché.Come nota a margine, è stato anche posto l'accento sul drappeggio di Nettuno, che pare rassomigliare alla testa di un delfino. Questo dettaglio sarebbe un omaggio alle Metamorfosi ovidiane, sia in riferimento a un brano in cui è presente Nettuno con dei delfini (ma non con Tritone), sia al tema della trasformazione, trasversale nell'intero poema. Rosemary Barrow lo ha invece ricondotto alla spensieratezza del tocco artistico, "evocativa dello spirito del Rococò ellenistico".

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Nettuno_e_Tritone, esplora la Tritone sulla Iconografia.

=Tritone, figlio di Nettuno, si trova tra le gambe del padre, mentre si protrae in avanti per soffiare all'interno della conchiglia. È notevolmente più giovane, probabilmente un ragazzo, ma la sua muscolatura è già ben definita. Nel soffiare, annuncia che il re della terra e degli oceani si sta avvicinando. Tritone afferra la gamba di Nettuno e infila la spalla sinistra tra le sue cosce.Bernini sceglie di raffigurare Tritone con due code, simulando le gambe umane; tale scelta sarà successivamente ribadita anche nella Fontana del Tritone a Roma.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Tritone sulla Iconografia della Descrizione in questa opera, Nettuno_e_Tritone.

=Tritone, figlio di Nettuno, si trova tra le gambe del padre, mentre si protrae in avanti per soffiare all'interno della conchiglia. È notevolmente più giovane, probabilmente un ragazzo, ma la sua muscolatura è già ben definita. Nel soffiare, annuncia che il re della terra e degli oceani si sta avvicinando. Tritone afferra la gamba di Nettuno e infila la spalla sinistra tra le sue cosce.Bernini sceglie di raffigurare Tritone con due code, simulando le gambe umane; tale scelta sarà successivamente ribadita anche nella Fontana del Tritone a Roma.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Per quanto riguarda Nettuno_e_Tritone, come la Descrizione incorpora la Iconografia con la Tritone?

=Tritone, figlio di Nettuno, si trova tra le gambe del padre, mentre si protrae in avanti per soffiare all'interno della conchiglia. È notevolmente più giovane, probabilmente un ragazzo, ma la sua muscolatura è già ben definita. Nel soffiare, annuncia che il re della terra e degli oceani si sta avvicinando. Tritone afferra la gamba di Nettuno e infila la spalla sinistra tra le sue cosce.Bernini sceglie di raffigurare Tritone con due code, simulando le gambe umane; tale scelta sarà successivamente ribadita anche nella Fontana del Tritone a Roma.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Osservando la Descrizione di Nettuno_e_Tritone, come discuti la Iconografia della Tritone?

=Tritone, figlio di Nettuno, si trova tra le gambe del padre, mentre si protrae in avanti per soffiare all'interno della conchiglia. È notevolmente più giovane, probabilmente un ragazzo, ma la sua muscolatura è già ben definita. Nel soffiare, annuncia che il re della terra e degli oceani si sta avvicinando. Tritone afferra la gamba di Nettuno e infila la spalla sinistra tra le sue cosce.Bernini sceglie di raffigurare Tritone con due code, simulando le gambe umane; tale scelta sarà successivamente ribadita anche nella Fontana del Tritone a Roma.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Nel contesto di Nettuno_e_Tritone, esplora la Naturalismo e la Descrizione.

Il naturalismo delle figure suggerisce l'intenzione dell'artista di suscitare un'immediata risposta emotiva nello spettatore. Lo sguardo accigliato di Nettuno trasmette un senso di forza feroce.  La sua posa è fiera, scolpita nella pietra, e consolida il suo potere divino. Al contrario, Tritone si presenta come sottomesso, mentre si aggrappa alla coscia del padre. Il suo volto è carico di tensione, come se sapesse di dover obbedire qualunque cosa Nettuno gli ordini di fare. La sua natura timida e la presenza dominante di Nettuno mostrano la realtà delle emozioni umane e riconduce all'idea del Bernini di conferire vita ai miti.Bernini ha dato agli spettatori la possibilità di "vedere" queste divinità dal vivo, in azione. Questa è stata la prima opera scultorea di Bernini "dove la sagoma è spezzata, dove si tocca l'apice dell'azione transitoria, che va oltre i limiti fisici". L'obiettivo della scultura è quello di portare lo spettatore a confrontarsi con un mito o una storia in grado di mostrarsi autentici grazie alla drammatica tensione delle posizioni dei copri e ai sottili accenni di vita naturale. Bernini diede a miti, voci e storie l'opportunità di essere reali, veri e chiese ai suoi spettatori di credere in quelle verità.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Esplora la Naturalismo sulla Descrizione di questa opera d'arte, Nettuno_e_Tritone.

Il naturalismo delle figure suggerisce l'intenzione dell'artista di suscitare un'immediata risposta emotiva nello spettatore. Lo sguardo accigliato di Nettuno trasmette un senso di forza feroce.  La sua posa è fiera, scolpita nella pietra, e consolida il suo potere divino. Al contrario, Tritone si presenta come sottomesso, mentre si aggrappa alla coscia del padre. Il suo volto è carico di tensione, come se sapesse di dover obbedire qualunque cosa Nettuno gli ordini di fare. La sua natura timida e la presenza dominante di Nettuno mostrano la realtà delle emozioni umane e riconduce all'idea del Bernini di conferire vita ai miti.Bernini ha dato agli spettatori la possibilità di "vedere" queste divinità dal vivo, in azione. Questa è stata la prima opera scultorea di Bernini "dove la sagoma è spezzata, dove si tocca l'apice dell'azione transitoria, che va oltre i limiti fisici". L'obiettivo della scultura è quello di portare lo spettatore a confrontarsi con un mito o una storia in grado di mostrarsi autentici grazie alla drammatica tensione delle posizioni dei copri e ai sottili accenni di vita naturale. Bernini diede a miti, voci e storie l'opportunità di essere reali, veri e chiese ai suoi spettatori di credere in quelle verità.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: In Nettuno_e_Tritone, come viene chiarita la Naturalismo della Descrizione?

Il naturalismo delle figure suggerisce l'intenzione dell'artista di suscitare un'immediata risposta emotiva nello spettatore. Lo sguardo accigliato di Nettuno trasmette un senso di forza feroce.  La sua posa è fiera, scolpita nella pietra, e consolida il suo potere divino. Al contrario, Tritone si presenta come sottomesso, mentre si aggrappa alla coscia del padre. Il suo volto è carico di tensione, come se sapesse di dover obbedire qualunque cosa Nettuno gli ordini di fare. La sua natura timida e la presenza dominante di Nettuno mostrano la realtà delle emozioni umane e riconduce all'idea del Bernini di conferire vita ai miti.Bernini ha dato agli spettatori la possibilità di "vedere" queste divinità dal vivo, in azione. Questa è stata la prima opera scultorea di Bernini "dove la sagoma è spezzata, dove si tocca l'apice dell'azione transitoria, che va oltre i limiti fisici". L'obiettivo della scultura è quello di portare lo spettatore a confrontarsi con un mito o una storia in grado di mostrarsi autentici grazie alla drammatica tensione delle posizioni dei copri e ai sottili accenni di vita naturale. Bernini diede a miti, voci e storie l'opportunità di essere reali, veri e chiese ai suoi spettatori di credere in quelle verità.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Nettuno_e_Tritone

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Naturalismo nella Descrizione di Nettuno_e_Tritone.

Il naturalismo delle figure suggerisce l'intenzione dell'artista di suscitare un'immediata risposta emotiva nello spettatore. Lo sguardo accigliato di Nettuno trasmette un senso di forza feroce.  La sua posa è fiera, scolpita nella pietra, e consolida il suo potere divino. Al contrario, Tritone si presenta come sottomesso, mentre si aggrappa alla coscia del padre. Il suo volto è carico di tensione, come se sapesse di dover obbedire qualunque cosa Nettuno gli ordini di fare. La sua natura timida e la presenza dominante di Nettuno mostrano la realtà delle emozioni umane e riconduce all'idea del Bernini di conferire vita ai miti.Bernini ha dato agli spettatori la possibilità di "vedere" queste divinità dal vivo, in azione. Questa è stata la prima opera scultorea di Bernini "dove la sagoma è spezzata, dove si tocca l'apice dell'azione transitoria, che va oltre i limiti fisici". L'obiettivo della scultura è quello di portare lo spettatore a confrontarsi con un mito o una storia in grado di mostrarsi autentici grazie alla drammatica tensione delle posizioni dei copri e ai sottili accenni di vita naturale. Bernini diede a miti, voci e storie l'opportunità di essere reali, veri e chiese ai suoi spettatori di credere in quelle verità.

Categoria:Sculture di Gian Lorenzo Bernini

Charles Anderson-Pelham, I conte di Yarborough

Categoria:Sculture nel Victoria and Albert Museum


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Concentrati su Donna_al_Cafè_Le_Tambourin ed esplora la abstract.

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Donna_al_Cafè_Le_Tambourin.

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Come chiarisce Donna_al_Cafè_Le_Tambourin la sua abstract?

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Come viene discussa la abstract in Donna_al_Cafè_Le_Tambourin?

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Concentrati su Donna_al_Cafè_Le_Tambourin ed esplora la Descrizione.

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale. La portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Donna_al_Cafè_Le_Tambourin.

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale. La portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Come chiarisce Donna_al_Cafè_Le_Tambourin la sua Descrizione?

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale. La portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Donna_al_Cafè_Le_Tambourin

Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Donna_al_Cafè_Le_Tambourin?

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale. La portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:

Louis van Tilborgh, critico d'arte del museo van Gogh, racconta alcuni particolari poco conosciuti sulla ''Donna al Cafè Le Tambourin''.

File:Vincent van Gogh in Paris Agostina Segatori.webm


Madonna_Litta

Prompt: Concentrati su Madonna_Litta ed esplora la abstract.

La Madonna Litta è un dipinto a tempera su tavola (42x33 cm) attribuito generalmente a Leonardo da Vinci, ma eseguito in gran parte da uno dei suoi allievi, forse Giovanni Antonio Boltraffio o Marco d'Oggiono, su un probabile originale perduto del maestro; databile al 1490 circa, è conservato nel Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madonna_Litta.

La Madonna Litta è un dipinto a tempera su tavola (42x33 cm) attribuito generalmente a Leonardo da Vinci, ma eseguito in gran parte da uno dei suoi allievi, forse Giovanni Antonio Boltraffio o Marco d'Oggiono, su un probabile originale perduto del maestro; databile al 1490 circa, è conservato nel Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Come chiarisce Madonna_Litta la sua abstract?

La Madonna Litta è un dipinto a tempera su tavola (42x33 cm) attribuito generalmente a Leonardo da Vinci, ma eseguito in gran parte da uno dei suoi allievi, forse Giovanni Antonio Boltraffio o Marco d'Oggiono, su un probabile originale perduto del maestro; databile al 1490 circa, è conservato nel Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madonna_Litta?

La Madonna Litta è un dipinto a tempera su tavola (42x33 cm) attribuito generalmente a Leonardo da Vinci, ma eseguito in gran parte da uno dei suoi allievi, forse Giovanni Antonio Boltraffio o Marco d'Oggiono, su un probabile originale perduto del maestro; databile al 1490 circa, è conservato nel Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Concentrati su Madonna_Litta ed esplora la Attribuzione.

Al Museo dell'Ermitage il quadro è presentato come opera di Leonardo da Vinci. L'attribuzione a Boltraffio è discussa, benché sia avallata dai maggiori esperti. Un'altra ipotesi è l'attribuzione a Marco d'Oggiono.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Esplora la Attribuzione di questa opera d'arte, Madonna_Litta.

Al Museo dell'Ermitage il quadro è presentato come opera di Leonardo da Vinci. L'attribuzione a Boltraffio è discussa, benché sia avallata dai maggiori esperti. Un'altra ipotesi è l'attribuzione a Marco d'Oggiono.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Come chiarisce Madonna_Litta la sua Attribuzione?

Al Museo dell'Ermitage il quadro è presentato come opera di Leonardo da Vinci. L'attribuzione a Boltraffio è discussa, benché sia avallata dai maggiori esperti. Un'altra ipotesi è l'attribuzione a Marco d'Oggiono.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Come viene discussa la Attribuzione in Madonna_Litta?

Al Museo dell'Ermitage il quadro è presentato come opera di Leonardo da Vinci. L'attribuzione a Boltraffio è discussa, benché sia avallata dai maggiori esperti. Un'altra ipotesi è l'attribuzione a Marco d'Oggiono.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte

Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este


Madonna_Litta

Prompt: Concentrati su Madonna_Litta ed esplora la Storia.

Il periodo di realizzazione della Madonna Litta, relativamente alla biografia di Leonardo da Vinci, corrisponderebbe al suo primo soggiorno in Lombardia, alla corte degli Sforza.Secondo il professor Carlo Pedretti, proprio nella Madonna Litta si vedono le prime tracce del cosiddetto leonardismo, cioè di una vera e propria scuola lombarda di pittura diretta dallo stesso da Vinci e caratterizzata da un modo di rappresentare le figure molto nitide e con colori vivaci rispetto al passato. Della Madonna Litta esistono due bozzetti a mano di Leonardo oggi esposti al museo del Louvre ed al Städel Museum di Francoforte.La storia del dipinto è tracciabile a ritroso fino al 1784, quando fu acquistato da Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este (1725-1813) il 21 gennaio 1784, da Giuseppe Rho.Secondo alcuni la tavola era precedentemente conservata presso il Santuario della Madonna di Campagna di Piacenza.Entrò a far parte della collezione Litta nel 1814, quando fu scelto in legato da Alberto Litta Visconti Arese (1759-1832), a compenso per il suo ruolo di esecutore testamentario dello stesso Alberico XII.Nel 1865 Antonio II Litta Visconti Arese (1819-1866) lo vendette allo zar Alessandro II di Russia, che lo pagò una cifra paragonabile a 2,5 milioni di euro. Inizialmente l'opera fu posta a Mosca, per poi passare all'Ermitage che decise di esporla solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte


Madonna_Litta

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madonna_Litta.

Il periodo di realizzazione della Madonna Litta, relativamente alla biografia di Leonardo da Vinci, corrisponderebbe al suo primo soggiorno in Lombardia, alla corte degli Sforza.Secondo il professor Carlo Pedretti, proprio nella Madonna Litta si vedono le prime tracce del cosiddetto leonardismo, cioè di una vera e propria scuola lombarda di pittura diretta dallo stesso da Vinci e caratterizzata da un modo di rappresentare le figure molto nitide e con colori vivaci rispetto al passato. Della Madonna Litta esistono due bozzetti a mano di Leonardo oggi esposti al museo del Louvre ed al Städel Museum di Francoforte.La storia del dipinto è tracciabile a ritroso fino al 1784, quando fu acquistato da Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este (1725-1813) il 21 gennaio 1784, da Giuseppe Rho.Secondo alcuni la tavola era precedentemente conservata presso il Santuario della Madonna di Campagna di Piacenza.Entrò a far parte della collezione Litta nel 1814, quando fu scelto in legato da Alberto Litta Visconti Arese (1759-1832), a compenso per il suo ruolo di esecutore testamentario dello stesso Alberico XII.Nel 1865 Antonio II Litta Visconti Arese (1819-1866) lo vendette allo zar Alessandro II di Russia, che lo pagò una cifra paragonabile a 2,5 milioni di euro. Inizialmente l'opera fu posta a Mosca, per poi passare all'Ermitage che decise di esporla solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte


Madonna_Litta

Prompt: Come chiarisce Madonna_Litta la sua Storia?

Il periodo di realizzazione della Madonna Litta, relativamente alla biografia di Leonardo da Vinci, corrisponderebbe al suo primo soggiorno in Lombardia, alla corte degli Sforza.Secondo il professor Carlo Pedretti, proprio nella Madonna Litta si vedono le prime tracce del cosiddetto leonardismo, cioè di una vera e propria scuola lombarda di pittura diretta dallo stesso da Vinci e caratterizzata da un modo di rappresentare le figure molto nitide e con colori vivaci rispetto al passato. Della Madonna Litta esistono due bozzetti a mano di Leonardo oggi esposti al museo del Louvre ed al Städel Museum di Francoforte.La storia del dipinto è tracciabile a ritroso fino al 1784, quando fu acquistato da Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este (1725-1813) il 21 gennaio 1784, da Giuseppe Rho.Secondo alcuni la tavola era precedentemente conservata presso il Santuario della Madonna di Campagna di Piacenza.Entrò a far parte della collezione Litta nel 1814, quando fu scelto in legato da Alberto Litta Visconti Arese (1759-1832), a compenso per il suo ruolo di esecutore testamentario dello stesso Alberico XII.Nel 1865 Antonio II Litta Visconti Arese (1819-1866) lo vendette allo zar Alessandro II di Russia, che lo pagò una cifra paragonabile a 2,5 milioni di euro. Inizialmente l'opera fu posta a Mosca, per poi passare all'Ermitage che decise di esporla solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte


Madonna_Litta

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_Litta?

Il periodo di realizzazione della Madonna Litta, relativamente alla biografia di Leonardo da Vinci, corrisponderebbe al suo primo soggiorno in Lombardia, alla corte degli Sforza.Secondo il professor Carlo Pedretti, proprio nella Madonna Litta si vedono le prime tracce del cosiddetto leonardismo, cioè di una vera e propria scuola lombarda di pittura diretta dallo stesso da Vinci e caratterizzata da un modo di rappresentare le figure molto nitide e con colori vivaci rispetto al passato. Della Madonna Litta esistono due bozzetti a mano di Leonardo oggi esposti al museo del Louvre ed al Städel Museum di Francoforte.La storia del dipinto è tracciabile a ritroso fino al 1784, quando fu acquistato da Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este (1725-1813) il 21 gennaio 1784, da Giuseppe Rho.Secondo alcuni la tavola era precedentemente conservata presso il Santuario della Madonna di Campagna di Piacenza.Entrò a far parte della collezione Litta nel 1814, quando fu scelto in legato da Alberto Litta Visconti Arese (1759-1832), a compenso per il suo ruolo di esecutore testamentario dello stesso Alberico XII.Nel 1865 Antonio II Litta Visconti Arese (1819-1866) lo vendette allo zar Alessandro II di Russia, che lo pagò una cifra paragonabile a 2,5 milioni di euro. Inizialmente l'opera fu posta a Mosca, per poi passare all'Ermitage che decise di esporla solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale.

Categoria:Dipinti sulla Madonna del Latte


Banchetto_nuziale

Prompt: Concentrati su Banchetto_nuziale ed esplora la abstract.

Il Banchetto nuziale è un dipinto a olio su tavola (114x164 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, databile al 1568 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

File:Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding (detail) - WGA3497.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Banchetto_nuziale

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Banchetto_nuziale.

Il Banchetto nuziale è un dipinto a olio su tavola (114x164 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, databile al 1568 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

File:Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding (detail) - WGA3497.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum