Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come chiarisce Parabola_dei_ciechi la sua Descrizione?

Il dipinto raffigura sei uomini ciechi e sfigurati, che camminano in un percorso delimitato da un fiume da un lato e da un villaggio con una chiesa dall'altro. Il primo uomo è già caduto con la schiena in un fossato e, essendo tutti aggrappati l'uno all'altro con i bastoni, sembra trascinare i propri compagni con lui. A guardare la scena, inoltre, vi è un mandriano sullo sfondo.L'opera di Bruegel traduce in immagini la parabola evangelica del cieco che guida un altro cieco, riportata da Matteo 15:14, in cui Cristo si rivolge ai Farisei.Bruegel, tuttavia, rinnova questo concetto portando il numero di ciechi da due a sei; sono tutti ben vestiti, e non presentano l'abbigliamento da contadino, caratteristico delle opere della tarda maturità di Bruegel. La faccia del primo uomo, rovesciato sulla schiena, non è visibile: il secondo gira il capo durante la caduta, forse per evitare di ruzzolare con la faccia per terra. Il terzo uomo condivide il bastone con il secondo, dal quale verrà trascinato. Gli altri devono ancora inciampare, ma seguiranno inevitabilmente lo stesso destino: è solo questione di pochi attimi, di pochi passi. La posizione assunta dal primo uomo già caduto, tra l'altro, evidenzia la padronanza di Bruegel nella tecnica prospettica dello scorcio. Si noti che, sebbene le ambientazioni di Bruegel in genere sono fittizie, quella della Parabola dei ciechi è stata identificata: si tratta del villaggio fiammingo di Sint-Anna-Pede.Charles Bouleau ha sottolineato la tensione nei ritmi compositivi di Bruegel. Il dipinto è diviso in nove parti uguali da un fascio di rette parallele; queste ultime sono a loro volta suddivise da altre linee. La tela invita lo spettatore a seguire l'azione piuttosto che soffermarsi sulle singole figure. Gli uomini ciechi si rassomigliano nell'abbigliamento e nell'espressione somatica, e sembra che si stiano succedendo in un singolo movimento che culmina nella caduta che viene preceduta da varie azioni: «il vagabondare, poi l'esitazione, l'allarme, e l'inciampo». La successione delle teste descrive una linea curva e, andando avanti con la successione, aumenta anche lo spazio fra queste ultime, il che suggerisce allo spettatore la velocità crescente. I tetti spioventi delle case sullo sfondo contribuiscono alla sensazione di movimento dell'intera composizione.Lo storico dell'arte Gustav Glück notò delle incongruenze nell'abbigliamento dei mendicanti, in quanto questi sono ben vestiti e portano con sé doghe e borse piene. Gli accademici Kenneth C. Lindsay e Bernard Huppé hanno sottolineato che i ciechi rappresentano i falsi sacerdoti che hanno ignorato gli ammonimenti di Cristo di non portare oro, borse, o doghe. Il primo della fila, tra l'altro, porta una ghironda, strumento musicale ai tempi di Bruegel suonato dai mendicanti: ciò forse sta a simboleggiare un falso menestrello, uno che non canta le lodi per Dio.L'edificio sullo sfondo, identificato come la chiesa di Sint-Anna, nell'odierna città belga di Dilbeek, ha suscitato molti commenti. Una possibile interpretazione è che il santuario sia la prova dell'intento moralistico della tela: mentre i primi due ciechi inciampano e sono al di là della redenzione, gli altri quattro sono dietro l'edificio religioso, e quindi possono ancora essere salvati. Un'altra esegesi vuole che la chiesa, con un albero appassito piantato nelle circostanze, sia un simbolo anti-cattolico, e che coloro che la seguono cadranno come il primo degli uomini ciechi. Altri, invece, negano ogni simbolismo nel luogo di culto, notando che i dipinti di Bruegel non erano nuovi a chiese inserite nella città come parte integrante del paesaggio urbano. Il ricercatore Zeynel A. Karcioglu, invece, suggerisce che la chiesa alluda all'indifferenza sociale verso la misera condizione dei disabili.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

File:Der Blindensturz (Ausschnitt 2).jpg

:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Parabola_dei_ciechi?

Il dipinto raffigura sei uomini ciechi e sfigurati, che camminano in un percorso delimitato da un fiume da un lato e da un villaggio con una chiesa dall'altro. Il primo uomo è già caduto con la schiena in un fossato e, essendo tutti aggrappati l'uno all'altro con i bastoni, sembra trascinare i propri compagni con lui. A guardare la scena, inoltre, vi è un mandriano sullo sfondo.L'opera di Bruegel traduce in immagini la parabola evangelica del cieco che guida un altro cieco, riportata da Matteo 15:14, in cui Cristo si rivolge ai Farisei.Bruegel, tuttavia, rinnova questo concetto portando il numero di ciechi da due a sei; sono tutti ben vestiti, e non presentano l'abbigliamento da contadino, caratteristico delle opere della tarda maturità di Bruegel. La faccia del primo uomo, rovesciato sulla schiena, non è visibile: il secondo gira il capo durante la caduta, forse per evitare di ruzzolare con la faccia per terra. Il terzo uomo condivide il bastone con il secondo, dal quale verrà trascinato. Gli altri devono ancora inciampare, ma seguiranno inevitabilmente lo stesso destino: è solo questione di pochi attimi, di pochi passi. La posizione assunta dal primo uomo già caduto, tra l'altro, evidenzia la padronanza di Bruegel nella tecnica prospettica dello scorcio. Si noti che, sebbene le ambientazioni di Bruegel in genere sono fittizie, quella della Parabola dei ciechi è stata identificata: si tratta del villaggio fiammingo di Sint-Anna-Pede.Charles Bouleau ha sottolineato la tensione nei ritmi compositivi di Bruegel. Il dipinto è diviso in nove parti uguali da un fascio di rette parallele; queste ultime sono a loro volta suddivise da altre linee. La tela invita lo spettatore a seguire l'azione piuttosto che soffermarsi sulle singole figure. Gli uomini ciechi si rassomigliano nell'abbigliamento e nell'espressione somatica, e sembra che si stiano succedendo in un singolo movimento che culmina nella caduta che viene preceduta da varie azioni: «il vagabondare, poi l'esitazione, l'allarme, e l'inciampo». La successione delle teste descrive una linea curva e, andando avanti con la successione, aumenta anche lo spazio fra queste ultime, il che suggerisce allo spettatore la velocità crescente. I tetti spioventi delle case sullo sfondo contribuiscono alla sensazione di movimento dell'intera composizione.Lo storico dell'arte Gustav Glück notò delle incongruenze nell'abbigliamento dei mendicanti, in quanto questi sono ben vestiti e portano con sé doghe e borse piene. Gli accademici Kenneth C. Lindsay e Bernard Huppé hanno sottolineato che i ciechi rappresentano i falsi sacerdoti che hanno ignorato gli ammonimenti di Cristo di non portare oro, borse, o doghe. Il primo della fila, tra l'altro, porta una ghironda, strumento musicale ai tempi di Bruegel suonato dai mendicanti: ciò forse sta a simboleggiare un falso menestrello, uno che non canta le lodi per Dio.L'edificio sullo sfondo, identificato come la chiesa di Sint-Anna, nell'odierna città belga di Dilbeek, ha suscitato molti commenti. Una possibile interpretazione è che il santuario sia la prova dell'intento moralistico della tela: mentre i primi due ciechi inciampano e sono al di là della redenzione, gli altri quattro sono dietro l'edificio religioso, e quindi possono ancora essere salvati. Un'altra esegesi vuole che la chiesa, con un albero appassito piantato nelle circostanze, sia un simbolo anti-cattolico, e che coloro che la seguono cadranno come il primo degli uomini ciechi. Altri, invece, negano ogni simbolismo nel luogo di culto, notando che i dipinti di Bruegel non erano nuovi a chiese inserite nella città come parte integrante del paesaggio urbano. Il ricercatore Zeynel A. Karcioglu, invece, suggerisce che la chiesa alluda all'indifferenza sociale verso la misera condizione dei disabili.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

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:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Concentrati su Parabola_dei_ciechi ed esplora la Stile.

L'opera, ad oggi una delle quattro tempere sopravvissute di Bruegel, è precisamente un tüchlein, ovvero un dipinto realizzato con un colore preparato mescolando pigmenti con una colla solubile in acqua; questo metodo, tra l'altro, era già consolidato nel campo dei manoscritti miniati prima dell'introduzione del colore ad olio. Non è ancora chiaro da chi Bruegel possa aver assimilato questa tecnica: si pensa alla suocera miniaturista Mayken Verhulst, al maestro Pieter Coecke van Aelst o al pittore Giulio Clovio, che collaborò con l'artista durante la sua permanenza in Italia. A causa della solubilità della colla e dell'alta deperibilità della tela di lino, tuttavia, i tüchlein tendono a degradarsi velocemente, con danni difficili da restaurare: la Parabola dei ciechi. in ogni caso, versa in un ottimo stato di conservazione e non ha presentato danni molto gravi. Il dipinto, firmato e datato Brvegel.M.D.LX.VIII, misura 86 cm × 154 cm (34 in × 61 in) ed è il più grande realizzato nel 1568.Il tono austero dell'opera viene enfatizzato dall'uso di colori spenti e freddi: la tavolozza di Bruegel comprende infatti il grigio, il verde, il nero, il marrone e il rosso. La linea obliqua creata dai corpi, un po' sfasata rispetto al primo piano, taglia diagonalmente la composizione e accentua la loro fragilità e il loro drammatico isolamento. Il paesaggio sullo sfondo è tipicamente fiammingo, al contrario del resto dei dipinti di Bruegel, che era solito introdurre in paesaggi locali anche elementi estranei tratti da altri paesi.La tradizione pittorica di allora era solita raffigurare i ciechi come beneficiari di doni celestiali. Bruegel, invece, prende le distanze da questa concezione, ritraendo i propri uomini abbandonati a sé stessi e in procinto di cadere; avviene addirittura un rovesciamento di questo precetto, nel caso dell'uomo senza occhi che si ritrova tale in seguito a una punizione divina.Bruegel in questa composizione riprende l'oggettività empirica tipica del Rinascimento. Nei dipinti precedenti, i ciechi erano in genere raffigurati con gli occhi chiusi. Qui, invece, a ogni uomo viene assegnata una patologia oculare diversa; ciò avviene con un realismo così crudo da aver permesso l'identificazione delle loro malattie da esperti successivi, anche se continua a persistere qualche disaccordo diagnostico. I primi studi in merito si ebbero nel 1889 con la pubblicazione di Les difformes et les malades dans l'art (La deformazione e la malattia nell'arte), di Jean-Martin Charcot e Paul Richer; seguì il patologista francese Tony-Michel Torrillhon, con ulteriori indagini sulle figure di Bruegel. Gli occhi del primo uomo non sono visibili nel dipinto; i bulbi oculari del secondo sono stati enucleati ed eviscerati; il terzo soffre di leucoma corneale, e il quarto di atrofia del nervo ottico; il quinto sembra essere cieco (con una percezione visiva nulla) o fotofobico; il sesto invece è danneggiato dal pemfigoide bolloso. Charcot e Richer hanno messo in evidenza lo sguardo perso nel nulla dei sei uomini, a indicare il fatto che per orientarsi fanno affidamento sugli altri sensi.

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Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

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:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Esplora la Stile di questa opera d'arte, Parabola_dei_ciechi.

L'opera, ad oggi una delle quattro tempere sopravvissute di Bruegel, è precisamente un tüchlein, ovvero un dipinto realizzato con un colore preparato mescolando pigmenti con una colla solubile in acqua; questo metodo, tra l'altro, era già consolidato nel campo dei manoscritti miniati prima dell'introduzione del colore ad olio. Non è ancora chiaro da chi Bruegel possa aver assimilato questa tecnica: si pensa alla suocera miniaturista Mayken Verhulst, al maestro Pieter Coecke van Aelst o al pittore Giulio Clovio, che collaborò con l'artista durante la sua permanenza in Italia. A causa della solubilità della colla e dell'alta deperibilità della tela di lino, tuttavia, i tüchlein tendono a degradarsi velocemente, con danni difficili da restaurare: la Parabola dei ciechi. in ogni caso, versa in un ottimo stato di conservazione e non ha presentato danni molto gravi. Il dipinto, firmato e datato Brvegel.M.D.LX.VIII, misura 86 cm × 154 cm (34 in × 61 in) ed è il più grande realizzato nel 1568.Il tono austero dell'opera viene enfatizzato dall'uso di colori spenti e freddi: la tavolozza di Bruegel comprende infatti il grigio, il verde, il nero, il marrone e il rosso. La linea obliqua creata dai corpi, un po' sfasata rispetto al primo piano, taglia diagonalmente la composizione e accentua la loro fragilità e il loro drammatico isolamento. Il paesaggio sullo sfondo è tipicamente fiammingo, al contrario del resto dei dipinti di Bruegel, che era solito introdurre in paesaggi locali anche elementi estranei tratti da altri paesi.La tradizione pittorica di allora era solita raffigurare i ciechi come beneficiari di doni celestiali. Bruegel, invece, prende le distanze da questa concezione, ritraendo i propri uomini abbandonati a sé stessi e in procinto di cadere; avviene addirittura un rovesciamento di questo precetto, nel caso dell'uomo senza occhi che si ritrova tale in seguito a una punizione divina.Bruegel in questa composizione riprende l'oggettività empirica tipica del Rinascimento. Nei dipinti precedenti, i ciechi erano in genere raffigurati con gli occhi chiusi. Qui, invece, a ogni uomo viene assegnata una patologia oculare diversa; ciò avviene con un realismo così crudo da aver permesso l'identificazione delle loro malattie da esperti successivi, anche se continua a persistere qualche disaccordo diagnostico. I primi studi in merito si ebbero nel 1889 con la pubblicazione di Les difformes et les malades dans l'art (La deformazione e la malattia nell'arte), di Jean-Martin Charcot e Paul Richer; seguì il patologista francese Tony-Michel Torrillhon, con ulteriori indagini sulle figure di Bruegel. Gli occhi del primo uomo non sono visibili nel dipinto; i bulbi oculari del secondo sono stati enucleati ed eviscerati; il terzo soffre di leucoma corneale, e il quarto di atrofia del nervo ottico; il quinto sembra essere cieco (con una percezione visiva nulla) o fotofobico; il sesto invece è danneggiato dal pemfigoide bolloso. Charcot e Richer hanno messo in evidenza lo sguardo perso nel nulla dei sei uomini, a indicare il fatto che per orientarsi fanno affidamento sugli altri sensi.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

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Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

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:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come chiarisce Parabola_dei_ciechi la sua Stile?

L'opera, ad oggi una delle quattro tempere sopravvissute di Bruegel, è precisamente un tüchlein, ovvero un dipinto realizzato con un colore preparato mescolando pigmenti con una colla solubile in acqua; questo metodo, tra l'altro, era già consolidato nel campo dei manoscritti miniati prima dell'introduzione del colore ad olio. Non è ancora chiaro da chi Bruegel possa aver assimilato questa tecnica: si pensa alla suocera miniaturista Mayken Verhulst, al maestro Pieter Coecke van Aelst o al pittore Giulio Clovio, che collaborò con l'artista durante la sua permanenza in Italia. A causa della solubilità della colla e dell'alta deperibilità della tela di lino, tuttavia, i tüchlein tendono a degradarsi velocemente, con danni difficili da restaurare: la Parabola dei ciechi. in ogni caso, versa in un ottimo stato di conservazione e non ha presentato danni molto gravi. Il dipinto, firmato e datato Brvegel.M.D.LX.VIII, misura 86 cm × 154 cm (34 in × 61 in) ed è il più grande realizzato nel 1568.Il tono austero dell'opera viene enfatizzato dall'uso di colori spenti e freddi: la tavolozza di Bruegel comprende infatti il grigio, il verde, il nero, il marrone e il rosso. La linea obliqua creata dai corpi, un po' sfasata rispetto al primo piano, taglia diagonalmente la composizione e accentua la loro fragilità e il loro drammatico isolamento. Il paesaggio sullo sfondo è tipicamente fiammingo, al contrario del resto dei dipinti di Bruegel, che era solito introdurre in paesaggi locali anche elementi estranei tratti da altri paesi.La tradizione pittorica di allora era solita raffigurare i ciechi come beneficiari di doni celestiali. Bruegel, invece, prende le distanze da questa concezione, ritraendo i propri uomini abbandonati a sé stessi e in procinto di cadere; avviene addirittura un rovesciamento di questo precetto, nel caso dell'uomo senza occhi che si ritrova tale in seguito a una punizione divina.Bruegel in questa composizione riprende l'oggettività empirica tipica del Rinascimento. Nei dipinti precedenti, i ciechi erano in genere raffigurati con gli occhi chiusi. Qui, invece, a ogni uomo viene assegnata una patologia oculare diversa; ciò avviene con un realismo così crudo da aver permesso l'identificazione delle loro malattie da esperti successivi, anche se continua a persistere qualche disaccordo diagnostico. I primi studi in merito si ebbero nel 1889 con la pubblicazione di Les difformes et les malades dans l'art (La deformazione e la malattia nell'arte), di Jean-Martin Charcot e Paul Richer; seguì il patologista francese Tony-Michel Torrillhon, con ulteriori indagini sulle figure di Bruegel. Gli occhi del primo uomo non sono visibili nel dipinto; i bulbi oculari del secondo sono stati enucleati ed eviscerati; il terzo soffre di leucoma corneale, e il quarto di atrofia del nervo ottico; il quinto sembra essere cieco (con una percezione visiva nulla) o fotofobico; il sesto invece è danneggiato dal pemfigoide bolloso. Charcot e Richer hanno messo in evidenza lo sguardo perso nel nulla dei sei uomini, a indicare il fatto che per orientarsi fanno affidamento sugli altri sensi.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

File:Der Blindensturz (Ausschnitt 2).jpg

:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come viene discussa la Stile in Parabola_dei_ciechi?

L'opera, ad oggi una delle quattro tempere sopravvissute di Bruegel, è precisamente un tüchlein, ovvero un dipinto realizzato con un colore preparato mescolando pigmenti con una colla solubile in acqua; questo metodo, tra l'altro, era già consolidato nel campo dei manoscritti miniati prima dell'introduzione del colore ad olio. Non è ancora chiaro da chi Bruegel possa aver assimilato questa tecnica: si pensa alla suocera miniaturista Mayken Verhulst, al maestro Pieter Coecke van Aelst o al pittore Giulio Clovio, che collaborò con l'artista durante la sua permanenza in Italia. A causa della solubilità della colla e dell'alta deperibilità della tela di lino, tuttavia, i tüchlein tendono a degradarsi velocemente, con danni difficili da restaurare: la Parabola dei ciechi. in ogni caso, versa in un ottimo stato di conservazione e non ha presentato danni molto gravi. Il dipinto, firmato e datato Brvegel.M.D.LX.VIII, misura 86 cm × 154 cm (34 in × 61 in) ed è il più grande realizzato nel 1568.Il tono austero dell'opera viene enfatizzato dall'uso di colori spenti e freddi: la tavolozza di Bruegel comprende infatti il grigio, il verde, il nero, il marrone e il rosso. La linea obliqua creata dai corpi, un po' sfasata rispetto al primo piano, taglia diagonalmente la composizione e accentua la loro fragilità e il loro drammatico isolamento. Il paesaggio sullo sfondo è tipicamente fiammingo, al contrario del resto dei dipinti di Bruegel, che era solito introdurre in paesaggi locali anche elementi estranei tratti da altri paesi.La tradizione pittorica di allora era solita raffigurare i ciechi come beneficiari di doni celestiali. Bruegel, invece, prende le distanze da questa concezione, ritraendo i propri uomini abbandonati a sé stessi e in procinto di cadere; avviene addirittura un rovesciamento di questo precetto, nel caso dell'uomo senza occhi che si ritrova tale in seguito a una punizione divina.Bruegel in questa composizione riprende l'oggettività empirica tipica del Rinascimento. Nei dipinti precedenti, i ciechi erano in genere raffigurati con gli occhi chiusi. Qui, invece, a ogni uomo viene assegnata una patologia oculare diversa; ciò avviene con un realismo così crudo da aver permesso l'identificazione delle loro malattie da esperti successivi, anche se continua a persistere qualche disaccordo diagnostico. I primi studi in merito si ebbero nel 1889 con la pubblicazione di Les difformes et les malades dans l'art (La deformazione e la malattia nell'arte), di Jean-Martin Charcot e Paul Richer; seguì il patologista francese Tony-Michel Torrillhon, con ulteriori indagini sulle figure di Bruegel. Gli occhi del primo uomo non sono visibili nel dipinto; i bulbi oculari del secondo sono stati enucleati ed eviscerati; il terzo soffre di leucoma corneale, e il quarto di atrofia del nervo ottico; il quinto sembra essere cieco (con una percezione visiva nulla) o fotofobico; il sesto invece è danneggiato dal pemfigoide bolloso. Charcot e Richer hanno messo in evidenza lo sguardo perso nel nulla dei sei uomini, a indicare il fatto che per orientarsi fanno affidamento sugli altri sensi.

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Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

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''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

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Parabola_dei_ciechi

Prompt: Concentrati su Parabola_dei_ciechi ed esplora la Retaggio.

La Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema (di cui Bruegel era probabilmente a conoscenza), fra le quali una attribuibile a Bosch, e un'altra realizzata da Cornelis Massijs. Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Quest'ultima copia, in particolare, faceva parte della collezione di Ferdinando Gonzaga, duca di Mantova che ospitava alla propria corte il pittore Domenico Fetti, il cui impulso creativo fu probabilmente stimolato proprio dall'opera di Bruegel.La Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi (tra l'altro, il lemma «cieco» è ripetuto tre volte nelle otto terzine della composizione). Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann La parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

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''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

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Parabola_dei_ciechi

Prompt: Esplora la Retaggio di questa opera d'arte, Parabola_dei_ciechi.

La Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema (di cui Bruegel era probabilmente a conoscenza), fra le quali una attribuibile a Bosch, e un'altra realizzata da Cornelis Massijs. Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Quest'ultima copia, in particolare, faceva parte della collezione di Ferdinando Gonzaga, duca di Mantova che ospitava alla propria corte il pittore Domenico Fetti, il cui impulso creativo fu probabilmente stimolato proprio dall'opera di Bruegel.La Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi (tra l'altro, il lemma «cieco» è ripetuto tre volte nelle otto terzine della composizione). Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann La parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

File:Der Blindensturz (Ausschnitt 2).jpg

:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come chiarisce Parabola_dei_ciechi la sua Retaggio?

La Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema (di cui Bruegel era probabilmente a conoscenza), fra le quali una attribuibile a Bosch, e un'altra realizzata da Cornelis Massijs. Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Quest'ultima copia, in particolare, faceva parte della collezione di Ferdinando Gonzaga, duca di Mantova che ospitava alla propria corte il pittore Domenico Fetti, il cui impulso creativo fu probabilmente stimolato proprio dall'opera di Bruegel.La Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi (tra l'altro, il lemma «cieco» è ripetuto tre volte nelle otto terzine della composizione). Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann La parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

File:Der Blindensturz (Ausschnitt 2).jpg

:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

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Parabola_dei_ciechi

Prompt: Come viene discussa la Retaggio in Parabola_dei_ciechi?

La Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema (di cui Bruegel era probabilmente a conoscenza), fra le quali una attribuibile a Bosch, e un'altra realizzata da Cornelis Massijs. Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Quest'ultima copia, in particolare, faceva parte della collezione di Ferdinando Gonzaga, duca di Mantova che ospitava alla propria corte il pittore Domenico Fetti, il cui impulso creativo fu probabilmente stimolato proprio dall'opera di Bruegel.La Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi (tra l'altro, il lemma «cieco» è ripetuto tre volte nelle otto terzine della composizione). Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann La parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

File:Pieter Aertsen, Studio - Still Life with Meat and the Holy Family - Google Art Project.jpg

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Bruegel dimostra tutta la sua competenza nello scorcio con la raffigurazione del primo uomo cieco.<ref name=scorcio/>

Bruegel già raffigura gli uomini ciechi nei suoi ''[[Proverbi fiamminghi

File:Brueghel - Sieben Laster - Gula.jpg

File:Pieter Bruegel the Elder - The Parable of the Blind Leading the Blind (detail) - WGA3516.jpg

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

File:Der Blindensturz (Ausschnitt 2).jpg

:File:Cornelis Massijs - Four Blind Peasants.tiff

''Gola'', Bruegel, 1558. Quest'opera segue la ricchezza inventiva delle opere di Bosch.

Pieter Aertsen fu un pioniere della rappresentazione del quotidiano. ''[[Banco di macelleria

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte

Dettaglio del secondo uomo, in procinto di cadere. Gli oftalmologi hanno confermato che i suoi occhi sono stati rimossi.

File:Pieter Bruegel the Elder - Netherlandish Proverbs - detail of blind men.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Concentrati su I_mucchi_di_fieno ed esplora la abstract.

I mucchi di fieno o I covoni (Les Meules) è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti (W1266-1290, secondo la numerazione adottata da Daniel Wildenstein nel suo catalogo ragionato delle opere di Claude Monet) iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891. La serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia.La particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, I_mucchi_di_fieno.

I mucchi di fieno o I covoni (Les Meules) è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti (W1266-1290, secondo la numerazione adottata da Daniel Wildenstein nel suo catalogo ragionato delle opere di Claude Monet) iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891. La serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia.La particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come chiarisce I_mucchi_di_fieno la sua abstract?

I mucchi di fieno o I covoni (Les Meules) è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti (W1266-1290, secondo la numerazione adottata da Daniel Wildenstein nel suo catalogo ragionato delle opere di Claude Monet) iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891. La serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia.La particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come viene discussa la abstract in I_mucchi_di_fieno?

I mucchi di fieno o I covoni (Les Meules) è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti (W1266-1290, secondo la numerazione adottata da Daniel Wildenstein nel suo catalogo ragionato delle opere di Claude Monet) iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891. La serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia.La particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Concentrati su I_mucchi_di_fieno ed esplora la Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet.

Monet si trasferì a Giverny alla fine dell'aprile 1883. Da allora il tema della campagna circostante divenne uno delle sue costanti iconografiche. Tra il 1883 ed il 1888 dipinse diverse tele con il motivo dei covoni: tre nel 1884 (Covoni, effetto di sera, Covoni, sole velato, Covoni a Giverny, W900-902), tre altri nel 1885 (Covoni a Giverny, Prato à Giverny, W993-994, Il mucchio di fieno, W995), due ancora nel 1886 (Il mucchio di fieno, Vista di Giverny, W1073-1074).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

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I_mucchi_di_fieno

Prompt: Esplora la Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet di questa opera d'arte, I_mucchi_di_fieno.

Monet si trasferì a Giverny alla fine dell'aprile 1883. Da allora il tema della campagna circostante divenne uno delle sue costanti iconografiche. Tra il 1883 ed il 1888 dipinse diverse tele con il motivo dei covoni: tre nel 1884 (Covoni, effetto di sera, Covoni, sole velato, Covoni a Giverny, W900-902), tre altri nel 1885 (Covoni a Giverny, Prato à Giverny, W993-994, Il mucchio di fieno, W995), due ancora nel 1886 (Il mucchio di fieno, Vista di Giverny, W1073-1074).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

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I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come chiarisce I_mucchi_di_fieno la sua Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet?

Monet si trasferì a Giverny alla fine dell'aprile 1883. Da allora il tema della campagna circostante divenne uno delle sue costanti iconografiche. Tra il 1883 ed il 1888 dipinse diverse tele con il motivo dei covoni: tre nel 1884 (Covoni, effetto di sera, Covoni, sole velato, Covoni a Giverny, W900-902), tre altri nel 1885 (Covoni a Giverny, Prato à Giverny, W993-994, Il mucchio di fieno, W995), due ancora nel 1886 (Il mucchio di fieno, Vista di Giverny, W1073-1074).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come viene discussa la Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet in I_mucchi_di_fieno?

Monet si trasferì a Giverny alla fine dell'aprile 1883. Da allora il tema della campagna circostante divenne uno delle sue costanti iconografiche. Tra il 1883 ed il 1888 dipinse diverse tele con il motivo dei covoni: tre nel 1884 (Covoni, effetto di sera, Covoni, sole velato, Covoni a Giverny, W900-902), tre altri nel 1885 (Covoni a Giverny, Prato à Giverny, W993-994, Il mucchio di fieno, W995), due ancora nel 1886 (Il mucchio di fieno, Vista di Giverny, W1073-1074).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Nel contesto di I_mucchi_di_fieno, esplora la Prima bozza della serie dei Covoni nella stagione 1888-1889 e la Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet.

La prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre (W1213-1215) presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due (W1216-17), Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Esplora la Prima bozza della serie dei Covoni nella stagione 1888-1889 sulla Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet di questa opera d'arte, I_mucchi_di_fieno.

La prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre (W1213-1215) presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due (W1216-17), Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: In I_mucchi_di_fieno, come viene chiarita la Prima bozza della serie dei Covoni nella stagione 1888-1889 della Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet?

La prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre (W1213-1215) presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due (W1216-17), Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Prima bozza della serie dei Covoni nella stagione 1888-1889 nella Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet di I_mucchi_di_fieno.

La prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre (W1213-1215) presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due (W1216-17), Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Nel contesto di I_mucchi_di_fieno, esplora la La serie dei Covoni della stagione 1890-1891 e la Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet.

Solo due anni più tardi, dopo il raccolto del 1890, Monet tornò ai mucchi di grano o fieno. L'inizio è attestata dalla lettera del 7 OTTOBRE 1890 inviata a Gustave Geffroy.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Esplora la La serie dei Covoni della stagione 1890-1891 sulla Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet di questa opera d'arte, I_mucchi_di_fieno.

Solo due anni più tardi, dopo il raccolto del 1890, Monet tornò ai mucchi di grano o fieno. L'inizio è attestata dalla lettera del 7 OTTOBRE 1890 inviata a Gustave Geffroy.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: In I_mucchi_di_fieno, come viene chiarita la La serie dei Covoni della stagione 1890-1891 della Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet?

Solo due anni più tardi, dopo il raccolto del 1890, Monet tornò ai mucchi di grano o fieno. L'inizio è attestata dalla lettera del 7 OTTOBRE 1890 inviata a Gustave Geffroy.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Descrivi le caratteristiche della La serie dei Covoni della stagione 1890-1891 nella Il motivo dei covoni a Giverny nell'opera di Claude Monet di I_mucchi_di_fieno.

Solo due anni più tardi, dopo il raccolto del 1890, Monet tornò ai mucchi di grano o fieno. L'inizio è attestata dalla lettera del 7 OTTOBRE 1890 inviata a Gustave Geffroy.

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Concentrati su I_mucchi_di_fieno ed esplora la Interpretazione.

Il motivo dei covoni di grano non è nuovo nella pittura. Jean-François Millet per esempio li rappresenta dietro le spigolatrici (1857), o dietro un gregge di pecore in Covoni: Autunno (verso il 1874).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Esplora la Interpretazione di questa opera d'arte, I_mucchi_di_fieno.

Il motivo dei covoni di grano non è nuovo nella pittura. Jean-François Millet per esempio li rappresenta dietro le spigolatrici (1857), o dietro un gregge di pecore in Covoni: Autunno (verso il 1874).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come chiarisce I_mucchi_di_fieno la sua Interpretazione?

Il motivo dei covoni di grano non è nuovo nella pittura. Jean-François Millet per esempio li rappresenta dietro le spigolatrici (1857), o dietro un gregge di pecore in Covoni: Autunno (verso il 1874).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


I_mucchi_di_fieno

Prompt: Come viene discussa la Interpretazione in I_mucchi_di_fieno?

Il motivo dei covoni di grano non è nuovo nella pittura. Jean-François Millet per esempio li rappresenta dietro le spigolatrici (1857), o dietro un gregge di pecore in Covoni: Autunno (verso il 1874).

File:Claude Monet (French, Paris 1840–1926 Giverny) - Haystacks (Effect of Snow and Sun) - Google Art Project.jpg

File:Poss 1288 Grainstack in Sunshine, 1891, Meule au soleil, Oil on Canvas, 60 x 100 cm, Zurich, Kunsthaus Zurich.jpg

Claude Monet, ''Il mucchio di fieno'' [W1073], 1886, olio su tela, 60,5×81,5 cm, [[Ermitage

Jean-François Millet, ''Covoni: Autunno'', vers 1874, olio su tela, 85 × 100cm, [[Metropolitan Museum of Art

Claude Monet, ''I covoni, effetto di gelata bianca'' [W1215], 1889, olio su tela, 65 × 92 cm, Hill-Stead Museum, Farmington, CT, USA

File:Claude Monet - Meules, milieu du jour (Haystacks, midday) - Google Art Project.jpg


Lattaia

Prompt: Concentrati su Lattaia ed esplora la abstract.

La Lattaia è un dipinto a olio su tela (45,4x40,6 cm) di Jan Vermeer, databile al 1658-1660 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Lattaia.

La Lattaia è un dipinto a olio su tela (45,4x40,6 cm) di Jan Vermeer, databile al 1658-1660 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come chiarisce Lattaia la sua abstract?

La Lattaia è un dipinto a olio su tela (45,4x40,6 cm) di Jan Vermeer, databile al 1658-1660 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come viene discussa la abstract in Lattaia?

La Lattaia è un dipinto a olio su tela (45,4x40,6 cm) di Jan Vermeer, databile al 1658-1660 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Concentrati su Lattaia ed esplora la Storia.

L'opera è certamente quella inventariata nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696) come: «una cameriera che travasa il latte, estremamente ben fatto, dello stesso [Vermeer]; fiorini 175.0». L'alta quotazione raggiunta in quella vendita (seconda solo ai 200 fiorini della Veduta di Delft) testimonia come già all'epoca fosse apprezzata l'opera, oggi ritenuta uno dei capolavori dell'artista e dell'arte dei Seicento europeo in generale.Il dipinto passò per varie collezioni private olandesi, tutte documentate, finché dalla raccolta Six di Amsterdam non fu acquistato dallo Stato nel 1907, arrivando nel museo nel 1908.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Lattaia.

L'opera è certamente quella inventariata nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696) come: «una cameriera che travasa il latte, estremamente ben fatto, dello stesso [Vermeer]; fiorini 175.0». L'alta quotazione raggiunta in quella vendita (seconda solo ai 200 fiorini della Veduta di Delft) testimonia come già all'epoca fosse apprezzata l'opera, oggi ritenuta uno dei capolavori dell'artista e dell'arte dei Seicento europeo in generale.Il dipinto passò per varie collezioni private olandesi, tutte documentate, finché dalla raccolta Six di Amsterdam non fu acquistato dallo Stato nel 1907, arrivando nel museo nel 1908.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come chiarisce Lattaia la sua Storia?

L'opera è certamente quella inventariata nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696) come: «una cameriera che travasa il latte, estremamente ben fatto, dello stesso [Vermeer]; fiorini 175.0». L'alta quotazione raggiunta in quella vendita (seconda solo ai 200 fiorini della Veduta di Delft) testimonia come già all'epoca fosse apprezzata l'opera, oggi ritenuta uno dei capolavori dell'artista e dell'arte dei Seicento europeo in generale.Il dipinto passò per varie collezioni private olandesi, tutte documentate, finché dalla raccolta Six di Amsterdam non fu acquistato dallo Stato nel 1907, arrivando nel museo nel 1908.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come viene discussa la Storia in Lattaia?

L'opera è certamente quella inventariata nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696) come: «una cameriera che travasa il latte, estremamente ben fatto, dello stesso [Vermeer]; fiorini 175.0». L'alta quotazione raggiunta in quella vendita (seconda solo ai 200 fiorini della Veduta di Delft) testimonia come già all'epoca fosse apprezzata l'opera, oggi ritenuta uno dei capolavori dell'artista e dell'arte dei Seicento europeo in generale.Il dipinto passò per varie collezioni private olandesi, tutte documentate, finché dalla raccolta Six di Amsterdam non fu acquistato dallo Stato nel 1907, arrivando nel museo nel 1908.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Concentrati su Lattaia ed esplora la Descrizione e stile.

Il tema delle scene di cucina ebbe una notevole diffusione nei Paesi Bassi fin dal Cinquecento, con le opere di Pieter Aertsen e Joachim Beuckelaer. In seguito l'interesse verso queste rappresentazioni era scemato, restando però vivo a Delft.Vermeer rappresentò una donna robusta, probabilmente una cuoca, intenta a versare il latte in un interno domestico spoglio. A differenza dei suoi predecessori, all'artista non interessava rappresentare una pittoresca scena di genere o una natura morta di cibi e pietanze più o meno arricchita dalla presenza di figure umane di contorno: sebbene infatti questi temi siano riecheggiati e in parte sviluppati nel dipinto (soprattutto la bella descrizione degli oggetti), quello che colpisce soprattutto è l'atmosfera rarefatta e silenziosa, carica di un'acuta osservazione psicologica della realtà quotidiana, senza enfasi retorica.La lattaia è infatti colta mentre fa un gesto quotidiano, eseguito quasi con sacralità silenziosa. Nella stanza, illuminata da una finestra sulla sinistra e caratterizzata da una parete spoglia come sfondo (alla Carel Fabritius), gli oggetti immobili rifrangono la luce svelando le loro diverse caratteristiche materiche: in primo piano, sul tavolo, una brocca con coperchio appare lucida e smaltata, mentre il pane sembra croccante e il cestino di vimini assorbe la luce con maggiore opacità. Questi effetti sono ottenuti variando sapientemente la tecnica pittorica, ora liscia e velata, ora ruvida e fatta di piccoli puntini. Accanto alla finestra un'attenzione analoga è riposta nella rappresentazione di una gerla appesa e un paiolo d'ottone. In basso, sul pavimento, si vede poi uno scaldino, tra briciole sparse sul pavimento, vicino a una fila di mattonelle di Delft sporche che fanno da battiscopa. Anche la parete è resa vibrante da alcune semplici ma efficaci notazioni realistiche dell'ambiente: alcune macchie, un chiodo a cui non sta appeso niente, i segni dell'intonaco scrostato sul lato più umido, che dà all'esterno. Sullo sfondo, come hanno evidenziato le radiografie, l'artista aveva inizialmente dipinto una cartina geografica, eliminandola però, assieme ad altri pentimenti, poiché non consona all'ambientazione. Ad accrescere il senso di modestia di questo angolo di cucina, un vetro della finestra è rotto.Protagonista resta comunque la donna, forte e robusta, leggermente inclinata per bilanciare il peso del contenitore e controllare, con espressione concentrata, la sua azione. Il volto appare inondato di luce e incorniciato dalla cuffia bianca. Il suo busto giallo, il grembiule blu, la gonna rossa, assieme ai colori della brocca e del bacile della terracotta, del bianco del latte, del verdognolo della tovaglia e del drappo azzurro sul tavolo, compongono un mirabile concerto cromatico, in cui le varie note sono fuse senza prevalere l'una sull'altra. Vermeer ha infatti il dono rarissimo di far nascere la pittura, nello stesso istante, come luce e come colore.Non è da escludere che l'artista abbia nascosto dei messaggi simbolici attraverso alcuni oggetti: lo scaldino, per il calore che emana, può essere letto come un simbolo amoroso, metafora possibilmente confermata dalla presenza di piccoli cupido sulle piastrelle dello zoccolo.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Lattaia.

Il tema delle scene di cucina ebbe una notevole diffusione nei Paesi Bassi fin dal Cinquecento, con le opere di Pieter Aertsen e Joachim Beuckelaer. In seguito l'interesse verso queste rappresentazioni era scemato, restando però vivo a Delft.Vermeer rappresentò una donna robusta, probabilmente una cuoca, intenta a versare il latte in un interno domestico spoglio. A differenza dei suoi predecessori, all'artista non interessava rappresentare una pittoresca scena di genere o una natura morta di cibi e pietanze più o meno arricchita dalla presenza di figure umane di contorno: sebbene infatti questi temi siano riecheggiati e in parte sviluppati nel dipinto (soprattutto la bella descrizione degli oggetti), quello che colpisce soprattutto è l'atmosfera rarefatta e silenziosa, carica di un'acuta osservazione psicologica della realtà quotidiana, senza enfasi retorica.La lattaia è infatti colta mentre fa un gesto quotidiano, eseguito quasi con sacralità silenziosa. Nella stanza, illuminata da una finestra sulla sinistra e caratterizzata da una parete spoglia come sfondo (alla Carel Fabritius), gli oggetti immobili rifrangono la luce svelando le loro diverse caratteristiche materiche: in primo piano, sul tavolo, una brocca con coperchio appare lucida e smaltata, mentre il pane sembra croccante e il cestino di vimini assorbe la luce con maggiore opacità. Questi effetti sono ottenuti variando sapientemente la tecnica pittorica, ora liscia e velata, ora ruvida e fatta di piccoli puntini. Accanto alla finestra un'attenzione analoga è riposta nella rappresentazione di una gerla appesa e un paiolo d'ottone. In basso, sul pavimento, si vede poi uno scaldino, tra briciole sparse sul pavimento, vicino a una fila di mattonelle di Delft sporche che fanno da battiscopa. Anche la parete è resa vibrante da alcune semplici ma efficaci notazioni realistiche dell'ambiente: alcune macchie, un chiodo a cui non sta appeso niente, i segni dell'intonaco scrostato sul lato più umido, che dà all'esterno. Sullo sfondo, come hanno evidenziato le radiografie, l'artista aveva inizialmente dipinto una cartina geografica, eliminandola però, assieme ad altri pentimenti, poiché non consona all'ambientazione. Ad accrescere il senso di modestia di questo angolo di cucina, un vetro della finestra è rotto.Protagonista resta comunque la donna, forte e robusta, leggermente inclinata per bilanciare il peso del contenitore e controllare, con espressione concentrata, la sua azione. Il volto appare inondato di luce e incorniciato dalla cuffia bianca. Il suo busto giallo, il grembiule blu, la gonna rossa, assieme ai colori della brocca e del bacile della terracotta, del bianco del latte, del verdognolo della tovaglia e del drappo azzurro sul tavolo, compongono un mirabile concerto cromatico, in cui le varie note sono fuse senza prevalere l'una sull'altra. Vermeer ha infatti il dono rarissimo di far nascere la pittura, nello stesso istante, come luce e come colore.Non è da escludere che l'artista abbia nascosto dei messaggi simbolici attraverso alcuni oggetti: lo scaldino, per il calore che emana, può essere letto come un simbolo amoroso, metafora possibilmente confermata dalla presenza di piccoli cupido sulle piastrelle dello zoccolo.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come chiarisce Lattaia la sua Descrizione e stile?

Il tema delle scene di cucina ebbe una notevole diffusione nei Paesi Bassi fin dal Cinquecento, con le opere di Pieter Aertsen e Joachim Beuckelaer. In seguito l'interesse verso queste rappresentazioni era scemato, restando però vivo a Delft.Vermeer rappresentò una donna robusta, probabilmente una cuoca, intenta a versare il latte in un interno domestico spoglio. A differenza dei suoi predecessori, all'artista non interessava rappresentare una pittoresca scena di genere o una natura morta di cibi e pietanze più o meno arricchita dalla presenza di figure umane di contorno: sebbene infatti questi temi siano riecheggiati e in parte sviluppati nel dipinto (soprattutto la bella descrizione degli oggetti), quello che colpisce soprattutto è l'atmosfera rarefatta e silenziosa, carica di un'acuta osservazione psicologica della realtà quotidiana, senza enfasi retorica.La lattaia è infatti colta mentre fa un gesto quotidiano, eseguito quasi con sacralità silenziosa. Nella stanza, illuminata da una finestra sulla sinistra e caratterizzata da una parete spoglia come sfondo (alla Carel Fabritius), gli oggetti immobili rifrangono la luce svelando le loro diverse caratteristiche materiche: in primo piano, sul tavolo, una brocca con coperchio appare lucida e smaltata, mentre il pane sembra croccante e il cestino di vimini assorbe la luce con maggiore opacità. Questi effetti sono ottenuti variando sapientemente la tecnica pittorica, ora liscia e velata, ora ruvida e fatta di piccoli puntini. Accanto alla finestra un'attenzione analoga è riposta nella rappresentazione di una gerla appesa e un paiolo d'ottone. In basso, sul pavimento, si vede poi uno scaldino, tra briciole sparse sul pavimento, vicino a una fila di mattonelle di Delft sporche che fanno da battiscopa. Anche la parete è resa vibrante da alcune semplici ma efficaci notazioni realistiche dell'ambiente: alcune macchie, un chiodo a cui non sta appeso niente, i segni dell'intonaco scrostato sul lato più umido, che dà all'esterno. Sullo sfondo, come hanno evidenziato le radiografie, l'artista aveva inizialmente dipinto una cartina geografica, eliminandola però, assieme ad altri pentimenti, poiché non consona all'ambientazione. Ad accrescere il senso di modestia di questo angolo di cucina, un vetro della finestra è rotto.Protagonista resta comunque la donna, forte e robusta, leggermente inclinata per bilanciare il peso del contenitore e controllare, con espressione concentrata, la sua azione. Il volto appare inondato di luce e incorniciato dalla cuffia bianca. Il suo busto giallo, il grembiule blu, la gonna rossa, assieme ai colori della brocca e del bacile della terracotta, del bianco del latte, del verdognolo della tovaglia e del drappo azzurro sul tavolo, compongono un mirabile concerto cromatico, in cui le varie note sono fuse senza prevalere l'una sull'altra. Vermeer ha infatti il dono rarissimo di far nascere la pittura, nello stesso istante, come luce e come colore.Non è da escludere che l'artista abbia nascosto dei messaggi simbolici attraverso alcuni oggetti: lo scaldino, per il calore che emana, può essere letto come un simbolo amoroso, metafora possibilmente confermata dalla presenza di piccoli cupido sulle piastrelle dello zoccolo.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Lattaia

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Lattaia?

Il tema delle scene di cucina ebbe una notevole diffusione nei Paesi Bassi fin dal Cinquecento, con le opere di Pieter Aertsen e Joachim Beuckelaer. In seguito l'interesse verso queste rappresentazioni era scemato, restando però vivo a Delft.Vermeer rappresentò una donna robusta, probabilmente una cuoca, intenta a versare il latte in un interno domestico spoglio. A differenza dei suoi predecessori, all'artista non interessava rappresentare una pittoresca scena di genere o una natura morta di cibi e pietanze più o meno arricchita dalla presenza di figure umane di contorno: sebbene infatti questi temi siano riecheggiati e in parte sviluppati nel dipinto (soprattutto la bella descrizione degli oggetti), quello che colpisce soprattutto è l'atmosfera rarefatta e silenziosa, carica di un'acuta osservazione psicologica della realtà quotidiana, senza enfasi retorica.La lattaia è infatti colta mentre fa un gesto quotidiano, eseguito quasi con sacralità silenziosa. Nella stanza, illuminata da una finestra sulla sinistra e caratterizzata da una parete spoglia come sfondo (alla Carel Fabritius), gli oggetti immobili rifrangono la luce svelando le loro diverse caratteristiche materiche: in primo piano, sul tavolo, una brocca con coperchio appare lucida e smaltata, mentre il pane sembra croccante e il cestino di vimini assorbe la luce con maggiore opacità. Questi effetti sono ottenuti variando sapientemente la tecnica pittorica, ora liscia e velata, ora ruvida e fatta di piccoli puntini. Accanto alla finestra un'attenzione analoga è riposta nella rappresentazione di una gerla appesa e un paiolo d'ottone. In basso, sul pavimento, si vede poi uno scaldino, tra briciole sparse sul pavimento, vicino a una fila di mattonelle di Delft sporche che fanno da battiscopa. Anche la parete è resa vibrante da alcune semplici ma efficaci notazioni realistiche dell'ambiente: alcune macchie, un chiodo a cui non sta appeso niente, i segni dell'intonaco scrostato sul lato più umido, che dà all'esterno. Sullo sfondo, come hanno evidenziato le radiografie, l'artista aveva inizialmente dipinto una cartina geografica, eliminandola però, assieme ad altri pentimenti, poiché non consona all'ambientazione. Ad accrescere il senso di modestia di questo angolo di cucina, un vetro della finestra è rotto.Protagonista resta comunque la donna, forte e robusta, leggermente inclinata per bilanciare il peso del contenitore e controllare, con espressione concentrata, la sua azione. Il volto appare inondato di luce e incorniciato dalla cuffia bianca. Il suo busto giallo, il grembiule blu, la gonna rossa, assieme ai colori della brocca e del bacile della terracotta, del bianco del latte, del verdognolo della tovaglia e del drappo azzurro sul tavolo, compongono un mirabile concerto cromatico, in cui le varie note sono fuse senza prevalere l'una sull'altra. Vermeer ha infatti il dono rarissimo di far nascere la pittura, nello stesso istante, come luce e come colore.Non è da escludere che l'artista abbia nascosto dei messaggi simbolici attraverso alcuni oggetti: lo scaldino, per il calore che emana, può essere letto come un simbolo amoroso, metafora possibilmente confermata dalla presenza di piccoli cupido sulle piastrelle dello zoccolo.

File:Johannes Vermeer - The Milkmaid (detail) - WGA24629.jpg

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam

File:Vermeer, Johannes, The Milkmaid (about 1657-58).jpg


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Concentrati su Orologio_astronomico_di_Praga ed esplora la abstract.

L'Orologio astronomico di Praga (in ceco Staroměstský Orloj, "orologio della Città Vecchia"), è un monumento scientifico del periodo medioevale, situato nella capitale della Repubblica Ceca. L'orologio è montato sul lato sud del municipio della Città Vecchia, nella piazza della Città Vecchia ed è una delle più importanti attrazioni turistiche della città.Il meccanismo è composto da tre elementi principali: il quadrante astronomico, sul quale, oltre all'ora, sono rappresentate le posizioni in cielo del Sole e della Luna, insieme ad altre informazioni astronomiche; il "Corteo degli Apostoli", un meccanismo che, allo scoccare di ogni ora, mette in movimento delle figure rappresentanti i dodici apostoli; e un quadrante inferiore composto da 12 medaglioni raffiguranti i mesi dell'anno.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

L'Orologio astronomico di Praga (in ceco Staroměstský Orloj, "orologio della Città Vecchia"), è un monumento scientifico del periodo medioevale, situato nella capitale della Repubblica Ceca. L'orologio è montato sul lato sud del municipio della Città Vecchia, nella piazza della Città Vecchia ed è una delle più importanti attrazioni turistiche della città.Il meccanismo è composto da tre elementi principali: il quadrante astronomico, sul quale, oltre all'ora, sono rappresentate le posizioni in cielo del Sole e della Luna, insieme ad altre informazioni astronomiche; il "Corteo degli Apostoli", un meccanismo che, allo scoccare di ogni ora, mette in movimento delle figure rappresentanti i dodici apostoli; e un quadrante inferiore composto da 12 medaglioni raffiguranti i mesi dell'anno.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come chiarisce Orologio_astronomico_di_Praga la sua abstract?

L'Orologio astronomico di Praga (in ceco Staroměstský Orloj, "orologio della Città Vecchia"), è un monumento scientifico del periodo medioevale, situato nella capitale della Repubblica Ceca. L'orologio è montato sul lato sud del municipio della Città Vecchia, nella piazza della Città Vecchia ed è una delle più importanti attrazioni turistiche della città.Il meccanismo è composto da tre elementi principali: il quadrante astronomico, sul quale, oltre all'ora, sono rappresentate le posizioni in cielo del Sole e della Luna, insieme ad altre informazioni astronomiche; il "Corteo degli Apostoli", un meccanismo che, allo scoccare di ogni ora, mette in movimento delle figure rappresentanti i dodici apostoli; e un quadrante inferiore composto da 12 medaglioni raffiguranti i mesi dell'anno.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come viene discussa la abstract in Orologio_astronomico_di_Praga?

L'Orologio astronomico di Praga (in ceco Staroměstský Orloj, "orologio della Città Vecchia"), è un monumento scientifico del periodo medioevale, situato nella capitale della Repubblica Ceca. L'orologio è montato sul lato sud del municipio della Città Vecchia, nella piazza della Città Vecchia ed è una delle più importanti attrazioni turistiche della città.Il meccanismo è composto da tre elementi principali: il quadrante astronomico, sul quale, oltre all'ora, sono rappresentate le posizioni in cielo del Sole e della Luna, insieme ad altre informazioni astronomiche; il "Corteo degli Apostoli", un meccanismo che, allo scoccare di ogni ora, mette in movimento delle figure rappresentanti i dodici apostoli; e un quadrante inferiore composto da 12 medaglioni raffiguranti i mesi dell'anno.

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File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Concentrati su Orologio_astronomico_di_Praga ed esplora la Storia.

L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

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File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

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L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

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File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come chiarisce Orologio_astronomico_di_Praga la sua Storia?

L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

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