La_marchesa_di_Santa_Cruz

Portrait of the Marchioness of Santa Cruz

Prompt: Come chiarisce La_marchesa_di_Santa_Cruz la sua Analisi?

È uno dei quadri in cui maggiormente Goya subisce l'influenza neoclassica del tempo, soprattutto dei contemporanei David o di Canova, ma anche l'influenza dei più lontani Guercino o Rembrandt.Si noti, comunque, come la postura della marchesa risulti la stessa della Maja desnuda e della Maja vestida, ma in questo caso, in obbedienza ai canoni prima rinascimentali e poi accademici, il componimento è inserito nel grande filone dei riferimenti iconografici mitologici: le fogli di vite e i grappoli d'uva, la cetra attributo della Musa, sono tutti elementi di scuola classica che Goya sta per abbandonare definitivamente.Tuttavia nella rappresentazione della donna Goya è ancora una volta insuperato maestro: la posa seducente e sensuale colpisce ancora oggi e lo sguardo trasognato conserva un che di infantile e di affettuoso, come se un filo invisibile unisse questo ritratto a quello della bambina di anni prima e, insieme, al pittore, che a quella famiglia portava sincero affetto.

File:Rembrandt Harmensz. van Rijn 026.jpg


La_marchesa_di_Santa_Cruz

Portrait of the Marchioness of Santa Cruz

Prompt: Come viene discussa la Analisi in La_marchesa_di_Santa_Cruz?

È uno dei quadri in cui maggiormente Goya subisce l'influenza neoclassica del tempo, soprattutto dei contemporanei David o di Canova, ma anche l'influenza dei più lontani Guercino o Rembrandt.Si noti, comunque, come la postura della marchesa risulti la stessa della Maja desnuda e della Maja vestida, ma in questo caso, in obbedienza ai canoni prima rinascimentali e poi accademici, il componimento è inserito nel grande filone dei riferimenti iconografici mitologici: le fogli di vite e i grappoli d'uva, la cetra attributo della Musa, sono tutti elementi di scuola classica che Goya sta per abbandonare definitivamente.Tuttavia nella rappresentazione della donna Goya è ancora una volta insuperato maestro: la posa seducente e sensuale colpisce ancora oggi e lo sguardo trasognato conserva un che di infantile e di affettuoso, come se un filo invisibile unisse questo ritratto a quello della bambina di anni prima e, insieme, al pittore, che a quella famiglia portava sincero affetto.

File:Rembrandt Harmensz. van Rijn 026.jpg


Madonna_della_Scodella

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Scodella ed esplora la abstract.

La Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola (216,7x137,3 cm) di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madonna_della_Scodella.

La Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola (216,7x137,3 cm) di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

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Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

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Madonna_della_Scodella

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Scodella la sua abstract?

La Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola (216,7x137,3 cm) di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madonna_della_Scodella?

La Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola (216,7x137,3 cm) di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Scodella ed esplora la Storia.

La tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice (forse eseguita su disegno del pittore stesso): DIVO IOSEPPO DEIPARAE VIRGINIS CUSTODI / FIDISS COELITUSQ DESTINATO HVIVSCE / ARAE COMUNI AERE ERECTORES DEVOTI / ALACRESQ EREXERE / DIE II IVNII.Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da Lanfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madonna_della_Scodella.

La tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice (forse eseguita su disegno del pittore stesso): DIVO IOSEPPO DEIPARAE VIRGINIS CUSTODI / FIDISS COELITUSQ DESTINATO HVIVSCE / ARAE COMUNI AERE ERECTORES DEVOTI / ALACRESQ EREXERE / DIE II IVNII.Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da Lanfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

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Madonna_della_Scodella

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Scodella la sua Storia?

La tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice (forse eseguita su disegno del pittore stesso): DIVO IOSEPPO DEIPARAE VIRGINIS CUSTODI / FIDISS COELITUSQ DESTINATO HVIVSCE / ARAE COMUNI AERE ERECTORES DEVOTI / ALACRESQ EREXERE / DIE II IVNII.Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da Lanfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_della_Scodella?

La tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice (forse eseguita su disegno del pittore stesso): DIVO IOSEPPO DEIPARAE VIRGINIS CUSTODI / FIDISS COELITUSQ DESTINATO HVIVSCE / ARAE COMUNI AERE ERECTORES DEVOTI / ALACRESQ EREXERE / DIE II IVNII.Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da Lanfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

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Madonna_della_Scodella

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Scodella ed esplora la Descrizione e stile.

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori.La Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe. La posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Madonna_della_Scodella.

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori.La Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe. La posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

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Madonna_della_Scodella

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Scodella la sua Descrizione e stile?

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori.La Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe. La posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

Le Vite de' più eccellenti pittori scultori e architettori


Madonna_della_Scodella

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Madonna_della_Scodella?

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori.La Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe. La posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale di Parma

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Ritratto_di_Giulio_Clovio

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Giulio_Clovio ed esplora la abstract.

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola (58×86 cm) di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Categoria:Ritratti pittorici di letterati

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte


Ritratto_di_Giulio_Clovio

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_Giulio_Clovio.

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola (58×86 cm) di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Categoria:Ritratti pittorici di letterati

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte


Ritratto_di_Giulio_Clovio

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Giulio_Clovio la sua abstract?

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola (58×86 cm) di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Categoria:Ritratti pittorici di letterati

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte


Ritratto_di_Giulio_Clovio

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_Giulio_Clovio?

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola (58×86 cm) di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Categoria:Ritratti pittorici di letterati

Categoria:Dipinti nel Museo nazionale di Capodimonte


Prompt: Concentrati su Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna ed esplora la abstract.

Il Ritratto dell'infanta María Teresa di Spagna è un dipinto di Diego Velazquez, realizzato nel biennio 1652-53 ed esposto nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. Raffigura la principessa  Maria Teresa d'Asburgo, figlia di primo letto di Filippo IV di Spagna, andata poi sposa a Luigi XIV di Francia. All'epoca del ritratto, l'infanta aveva quattordici-quindici anni.Il dipinto è considerato uno dei più riusciti della maturità del pittore spagnolo.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna.

Il Ritratto dell'infanta María Teresa di Spagna è un dipinto di Diego Velazquez, realizzato nel biennio 1652-53 ed esposto nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. Raffigura la principessa  Maria Teresa d'Asburgo, figlia di primo letto di Filippo IV di Spagna, andata poi sposa a Luigi XIV di Francia. All'epoca del ritratto, l'infanta aveva quattordici-quindici anni.Il dipinto è considerato uno dei più riusciti della maturità del pittore spagnolo.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Come chiarisce Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna la sua abstract?

Il Ritratto dell'infanta María Teresa di Spagna è un dipinto di Diego Velazquez, realizzato nel biennio 1652-53 ed esposto nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. Raffigura la principessa  Maria Teresa d'Asburgo, figlia di primo letto di Filippo IV di Spagna, andata poi sposa a Luigi XIV di Francia. All'epoca del ritratto, l'infanta aveva quattordici-quindici anni.Il dipinto è considerato uno dei più riusciti della maturità del pittore spagnolo.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna?

Il Ritratto dell'infanta María Teresa di Spagna è un dipinto di Diego Velazquez, realizzato nel biennio 1652-53 ed esposto nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. Raffigura la principessa  Maria Teresa d'Asburgo, figlia di primo letto di Filippo IV di Spagna, andata poi sposa a Luigi XIV di Francia. All'epoca del ritratto, l'infanta aveva quattordici-quindici anni.Il dipinto è considerato uno dei più riusciti della maturità del pittore spagnolo.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Concentrati su Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna ed esplora la Descrizione.

La figura dell'infanta, autorevole nonostante la giovanissima età, appare fortemente illuminata, in contrasto con lo sfondo scuro. Il colore dell'abito stride con quello dei tendaggi.Elementi notevoli sono i due orologi applicati al vestito dell'infanta e il foulard da lei impugnato nella mano sinistra.L'opera è stata parzialmente tagliata sia nella sua parte inferiore sia in quella superiore.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna.

La figura dell'infanta, autorevole nonostante la giovanissima età, appare fortemente illuminata, in contrasto con lo sfondo scuro. Il colore dell'abito stride con quello dei tendaggi.Elementi notevoli sono i due orologi applicati al vestito dell'infanta e il foulard da lei impugnato nella mano sinistra.L'opera è stata parzialmente tagliata sia nella sua parte inferiore sia in quella superiore.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Come chiarisce Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna la sua Descrizione?

La figura dell'infanta, autorevole nonostante la giovanissima età, appare fortemente illuminata, in contrasto con lo sfondo scuro. Il colore dell'abito stride con quello dei tendaggi.Elementi notevoli sono i due orologi applicati al vestito dell'infanta e il foulard da lei impugnato nella mano sinistra.L'opera è stata parzialmente tagliata sia nella sua parte inferiore sia in quella superiore.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Ritratto_dell'infanta_María_Teresa_di_Spagna?

La figura dell'infanta, autorevole nonostante la giovanissima età, appare fortemente illuminata, in contrasto con lo sfondo scuro. Il colore dell'abito stride con quello dei tendaggi.Elementi notevoli sono i due orologi applicati al vestito dell'infanta e il foulard da lei impugnato nella mano sinistra.L'opera è stata parzialmente tagliata sia nella sua parte inferiore sia in quella superiore.

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Duello_tra_donne

Prompt: Concentrati su Duello_tra_donne ed esplora la abstract.

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Duello_tra_donne.

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Come chiarisce Duello_tra_donne la sua abstract?

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Come viene discussa la abstract in Duello_tra_donne?

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Concentrati su Duello_tra_donne ed esplora la Soggetto.

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Esplora la Soggetto di questa opera d'arte, Duello_tra_donne.

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Come chiarisce Duello_tra_donne la sua Soggetto?

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Duello_tra_donne

Prompt: Come viene discussa la Soggetto in Duello_tra_donne?

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Spagnoletto
Categoria:Dipinti di Jusepe de Ribera
1636
Madrid
Napoli
Categoria:Dipinti a soggetto storico
tela
allegoria
pittura a olio
Museo del Prado
Virtù
marchese del Vasto
Alfonso III d'Avalos
1552
Vizio
olio
pittura su tela
Categoria:Dipinti nel Prado
Jusepe de Ribera


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Concentrati su Autoritratto_con_cane_nero ed esplora la abstract.

L'Autoritratto con cane nero (Autoportrait au chien noir), anche noto come Courbet con il cane nero (Portrait de l'artiste, dit Courbet au chien noir), è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Autoritratto_con_cane_nero.

L'Autoritratto con cane nero (Autoportrait au chien noir), anche noto come Courbet con il cane nero (Portrait de l'artiste, dit Courbet au chien noir), è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_con_cane_nero la sua abstract?

L'Autoritratto con cane nero (Autoportrait au chien noir), anche noto come Courbet con il cane nero (Portrait de l'artiste, dit Courbet au chien noir), è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come viene discussa la abstract in Autoritratto_con_cane_nero?

L'Autoritratto con cane nero (Autoportrait au chien noir), anche noto come Courbet con il cane nero (Portrait de l'artiste, dit Courbet au chien noir), è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Concentrati su Autoritratto_con_cane_nero ed esplora la Storia.

Questo dipinto è uno dei primi di Courbet a essere accettato al Salone di Parigi. Nel catalogo ufficiale della mostra aperta nel marzo del 1844 che si tenne al palazzo del Louvre figurava al numero 414 con il titolo Ritratto dell'autore (Portrait de l'auteur).Una lettera scritta dal pittore ai genitori il 21 febbraio 1844 menziona che, seguendo i consigli del pittore Nicolas-Auguste Hesse, che aveva visitato il suo studio nella rue de la Harpe, situato presso l'antico collège de Narbonne, il giovane Courbet si recava per la quarta volta per sottoporre una serie di dipinti alla giuria del Salone. Oltre all'autoritratto inviò Lot e le sue figlie, così come uno Studio di un paesaggio. Solo l'autoritratto venne accettato un mese dopo. In questa lettera Courbet disse che il dipinto risaliva al 1842. In quell'anno aveva realizzato un altro autoritratto, più piccolo, sempre con un cane (Piccolo ritratto dell'artista con cane nero, al museo di Pontarlier). Il cane in questione era stato ricevuto in regalo in quel periodo, poco prima del mese di maggio.L'analisi della tela rivela che quest'ultima è il risultato di un riutilizzo e che il motivo finale è stato ripreso. Si vedono così nei contorni le tracce di una cornice arrotondata. Si suppone che il quadro fosse stato presentato al pubblico del Salone con una forma leggermente arrotondata. L'artista è visto da sotto, implicando che lo spettatore si trovi in basso, il che suggerisce che il dipinto potrebbe essere stato destinato a un sopraporta.Dopo il 1844, il quadro riapparve nel 1882 per la mostra di Castagnary; appartenne a Juliette Courbet, che lo offrì alla città di Parigi nel 1909.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Autoritratto_con_cane_nero.

Questo dipinto è uno dei primi di Courbet a essere accettato al Salone di Parigi. Nel catalogo ufficiale della mostra aperta nel marzo del 1844 che si tenne al palazzo del Louvre figurava al numero 414 con il titolo Ritratto dell'autore (Portrait de l'auteur).Una lettera scritta dal pittore ai genitori il 21 febbraio 1844 menziona che, seguendo i consigli del pittore Nicolas-Auguste Hesse, che aveva visitato il suo studio nella rue de la Harpe, situato presso l'antico collège de Narbonne, il giovane Courbet si recava per la quarta volta per sottoporre una serie di dipinti alla giuria del Salone. Oltre all'autoritratto inviò Lot e le sue figlie, così come uno Studio di un paesaggio. Solo l'autoritratto venne accettato un mese dopo. In questa lettera Courbet disse che il dipinto risaliva al 1842. In quell'anno aveva realizzato un altro autoritratto, più piccolo, sempre con un cane (Piccolo ritratto dell'artista con cane nero, al museo di Pontarlier). Il cane in questione era stato ricevuto in regalo in quel periodo, poco prima del mese di maggio.L'analisi della tela rivela che quest'ultima è il risultato di un riutilizzo e che il motivo finale è stato ripreso. Si vedono così nei contorni le tracce di una cornice arrotondata. Si suppone che il quadro fosse stato presentato al pubblico del Salone con una forma leggermente arrotondata. L'artista è visto da sotto, implicando che lo spettatore si trovi in basso, il che suggerisce che il dipinto potrebbe essere stato destinato a un sopraporta.Dopo il 1844, il quadro riapparve nel 1882 per la mostra di Castagnary; appartenne a Juliette Courbet, che lo offrì alla città di Parigi nel 1909.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_con_cane_nero la sua Storia?

Questo dipinto è uno dei primi di Courbet a essere accettato al Salone di Parigi. Nel catalogo ufficiale della mostra aperta nel marzo del 1844 che si tenne al palazzo del Louvre figurava al numero 414 con il titolo Ritratto dell'autore (Portrait de l'auteur).Una lettera scritta dal pittore ai genitori il 21 febbraio 1844 menziona che, seguendo i consigli del pittore Nicolas-Auguste Hesse, che aveva visitato il suo studio nella rue de la Harpe, situato presso l'antico collège de Narbonne, il giovane Courbet si recava per la quarta volta per sottoporre una serie di dipinti alla giuria del Salone. Oltre all'autoritratto inviò Lot e le sue figlie, così come uno Studio di un paesaggio. Solo l'autoritratto venne accettato un mese dopo. In questa lettera Courbet disse che il dipinto risaliva al 1842. In quell'anno aveva realizzato un altro autoritratto, più piccolo, sempre con un cane (Piccolo ritratto dell'artista con cane nero, al museo di Pontarlier). Il cane in questione era stato ricevuto in regalo in quel periodo, poco prima del mese di maggio.L'analisi della tela rivela che quest'ultima è il risultato di un riutilizzo e che il motivo finale è stato ripreso. Si vedono così nei contorni le tracce di una cornice arrotondata. Si suppone che il quadro fosse stato presentato al pubblico del Salone con una forma leggermente arrotondata. L'artista è visto da sotto, implicando che lo spettatore si trovi in basso, il che suggerisce che il dipinto potrebbe essere stato destinato a un sopraporta.Dopo il 1844, il quadro riapparve nel 1882 per la mostra di Castagnary; appartenne a Juliette Courbet, che lo offrì alla città di Parigi nel 1909.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come viene discussa la Storia in Autoritratto_con_cane_nero?

Questo dipinto è uno dei primi di Courbet a essere accettato al Salone di Parigi. Nel catalogo ufficiale della mostra aperta nel marzo del 1844 che si tenne al palazzo del Louvre figurava al numero 414 con il titolo Ritratto dell'autore (Portrait de l'auteur).Una lettera scritta dal pittore ai genitori il 21 febbraio 1844 menziona che, seguendo i consigli del pittore Nicolas-Auguste Hesse, che aveva visitato il suo studio nella rue de la Harpe, situato presso l'antico collège de Narbonne, il giovane Courbet si recava per la quarta volta per sottoporre una serie di dipinti alla giuria del Salone. Oltre all'autoritratto inviò Lot e le sue figlie, così come uno Studio di un paesaggio. Solo l'autoritratto venne accettato un mese dopo. In questa lettera Courbet disse che il dipinto risaliva al 1842. In quell'anno aveva realizzato un altro autoritratto, più piccolo, sempre con un cane (Piccolo ritratto dell'artista con cane nero, al museo di Pontarlier). Il cane in questione era stato ricevuto in regalo in quel periodo, poco prima del mese di maggio.L'analisi della tela rivela che quest'ultima è il risultato di un riutilizzo e che il motivo finale è stato ripreso. Si vedono così nei contorni le tracce di una cornice arrotondata. Si suppone che il quadro fosse stato presentato al pubblico del Salone con una forma leggermente arrotondata. L'artista è visto da sotto, implicando che lo spettatore si trovi in basso, il che suggerisce che il dipinto potrebbe essere stato destinato a un sopraporta.Dopo il 1844, il quadro riapparve nel 1882 per la mostra di Castagnary; appartenne a Juliette Courbet, che lo offrì alla città di Parigi nel 1909.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Concentrati su Autoritratto_con_cane_nero ed esplora la Descrizione.

Un giovane che porta un cappello si siede per terra, a fianco di un cane nero. Il personaggio, appoggiato a un grande masso, guarda lo spettatore e tiene in mano una pipa. Dietro di lui sono poggiati nell'erba un libro e un bastone. In lontananza si osserva un paesaggio, una vallata, degli alberi e delle colline, sovrastati da un cielo blu e nuvoloso. Il contrasto tra il nero dei vestiti e del cane e la roccia ocra e biancastra rileva la padronanza della tavolozza di un artista all'inizio della sua carriera.A destra sono scritte in blu la firma (Gustave Courbet) e una data (1842).

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Autoritratto_con_cane_nero.

Un giovane che porta un cappello si siede per terra, a fianco di un cane nero. Il personaggio, appoggiato a un grande masso, guarda lo spettatore e tiene in mano una pipa. Dietro di lui sono poggiati nell'erba un libro e un bastone. In lontananza si osserva un paesaggio, una vallata, degli alberi e delle colline, sovrastati da un cielo blu e nuvoloso. Il contrasto tra il nero dei vestiti e del cane e la roccia ocra e biancastra rileva la padronanza della tavolozza di un artista all'inizio della sua carriera.A destra sono scritte in blu la firma (Gustave Courbet) e una data (1842).

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_con_cane_nero la sua Descrizione?

Un giovane che porta un cappello si siede per terra, a fianco di un cane nero. Il personaggio, appoggiato a un grande masso, guarda lo spettatore e tiene in mano una pipa. Dietro di lui sono poggiati nell'erba un libro e un bastone. In lontananza si osserva un paesaggio, una vallata, degli alberi e delle colline, sovrastati da un cielo blu e nuvoloso. Il contrasto tra il nero dei vestiti e del cane e la roccia ocra e biancastra rileva la padronanza della tavolozza di un artista all'inizio della sua carriera.A destra sono scritte in blu la firma (Gustave Courbet) e una data (1842).

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Autoritratto_con_cane_nero?

Un giovane che porta un cappello si siede per terra, a fianco di un cane nero. Il personaggio, appoggiato a un grande masso, guarda lo spettatore e tiene in mano una pipa. Dietro di lui sono poggiati nell'erba un libro e un bastone. In lontananza si osserva un paesaggio, una vallata, degli alberi e delle colline, sovrastati da un cielo blu e nuvoloso. Il contrasto tra il nero dei vestiti e del cane e la roccia ocra e biancastra rileva la padronanza della tavolozza di un artista all'inizio della sua carriera.A destra sono scritte in blu la firma (Gustave Courbet) e una data (1842).

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Concentrati su Autoritratto_con_cane_nero ed esplora la Analisi.

Courbet si rappresenta secondo la moda del tempo che caratterizzava i bohémien (mantello nero con fodera chiara, pantaloni a strisce, capelli lunghi), in un paesaggio del suo territorio d'origine, che si è ipotizzato essere la valle di Bonnevaux nel Doubs, ma che indubbiamente è in parte fittizio. Mostrandosi all'aperto, egli riprese il procedimento dei ritrattisti inglesi del diciottesimo secolo, che in età romantica era divenuta di moda.Lo stile della composizione e del motivo sono segnati notevolmente da Géricault, ma anche dalla "linea serpentina" di Hogarth, inscritta nel paesaggio francontese.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Esplora la Analisi di questa opera d'arte, Autoritratto_con_cane_nero.

Courbet si rappresenta secondo la moda del tempo che caratterizzava i bohémien (mantello nero con fodera chiara, pantaloni a strisce, capelli lunghi), in un paesaggio del suo territorio d'origine, che si è ipotizzato essere la valle di Bonnevaux nel Doubs, ma che indubbiamente è in parte fittizio. Mostrandosi all'aperto, egli riprese il procedimento dei ritrattisti inglesi del diciottesimo secolo, che in età romantica era divenuta di moda.Lo stile della composizione e del motivo sono segnati notevolmente da Géricault, ma anche dalla "linea serpentina" di Hogarth, inscritta nel paesaggio francontese.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_con_cane_nero la sua Analisi?

Courbet si rappresenta secondo la moda del tempo che caratterizzava i bohémien (mantello nero con fodera chiara, pantaloni a strisce, capelli lunghi), in un paesaggio del suo territorio d'origine, che si è ipotizzato essere la valle di Bonnevaux nel Doubs, ma che indubbiamente è in parte fittizio. Mostrandosi all'aperto, egli riprese il procedimento dei ritrattisti inglesi del diciottesimo secolo, che in età romantica era divenuta di moda.Lo stile della composizione e del motivo sono segnati notevolmente da Géricault, ma anche dalla "linea serpentina" di Hogarth, inscritta nel paesaggio francontese.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Autoritratto_con_cane_nero

Prompt: Come viene discussa la Analisi in Autoritratto_con_cane_nero?

Courbet si rappresenta secondo la moda del tempo che caratterizzava i bohémien (mantello nero con fodera chiara, pantaloni a strisce, capelli lunghi), in un paesaggio del suo territorio d'origine, che si è ipotizzato essere la valle di Bonnevaux nel Doubs, ma che indubbiamente è in parte fittizio. Mostrandosi all'aperto, egli riprese il procedimento dei ritrattisti inglesi del diciottesimo secolo, che in età romantica era divenuta di moda.Lo stile della composizione e del motivo sono segnati notevolmente da Géricault, ma anche dalla "linea serpentina" di Hogarth, inscritta nel paesaggio francontese.

Gustave Courbet, ''Piccolo ritratto dell'artista con cane nero'', 1842

File:Gustave Courbet - Self-Portrait (Courbet with Black Dog) - WGA05478.jpg


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la abstract.

Venere che benda amore è un dipinto in olio su tela (116x184 cm) realizzato da Tiziano attorno al 1565. Il dipinto è conservato nella Galleria Borghese, a Roma.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

Venere che benda amore è un dipinto in olio su tela (116x184 cm) realizzato da Tiziano attorno al 1565. Il dipinto è conservato nella Galleria Borghese, a Roma.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua abstract?

Venere che benda amore è un dipinto in olio su tela (116x184 cm) realizzato da Tiziano attorno al 1565. Il dipinto è conservato nella Galleria Borghese, a Roma.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la abstract in Venere_che_benda_amore?

Venere che benda amore è un dipinto in olio su tela (116x184 cm) realizzato da Tiziano attorno al 1565. Il dipinto è conservato nella Galleria Borghese, a Roma.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Storia.

L'identità del committente e la data di inizio realizzazione dell'opera non sono note; è stato ipotizzato che il committente fosse Antonio Pérez, segretario di stato di Filippo II di Spagna, ma il rapporto non è dimostrato con sicurezza.  L'opera può comunque essere datata al periodo compreso tra il 1560 e il 1565, in quanto presenta i tratti distintivi di questa fase del lavoro di Tiziano.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

L'identità del committente e la data di inizio realizzazione dell'opera non sono note; è stato ipotizzato che il committente fosse Antonio Pérez, segretario di stato di Filippo II di Spagna, ma il rapporto non è dimostrato con sicurezza.  L'opera può comunque essere datata al periodo compreso tra il 1560 e il 1565, in quanto presenta i tratti distintivi di questa fase del lavoro di Tiziano.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Storia?

L'identità del committente e la data di inizio realizzazione dell'opera non sono note; è stato ipotizzato che il committente fosse Antonio Pérez, segretario di stato di Filippo II di Spagna, ma il rapporto non è dimostrato con sicurezza.  L'opera può comunque essere datata al periodo compreso tra il 1560 e il 1565, in quanto presenta i tratti distintivi di questa fase del lavoro di Tiziano.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Storia in Venere_che_benda_amore?

L'identità del committente e la data di inizio realizzazione dell'opera non sono note; è stato ipotizzato che il committente fosse Antonio Pérez, segretario di stato di Filippo II di Spagna, ma il rapporto non è dimostrato con sicurezza.  L'opera può comunque essere datata al periodo compreso tra il 1560 e il 1565, in quanto presenta i tratti distintivi di questa fase del lavoro di Tiziano.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Descrizione.

La composizione del quadro si svolge in orizzontale; il centro non è occupato da nessuno dei personaggi, ma da una visuale su un tramonto. La composizione è quasi simmetrica, con due figure sulla destra e due a sinistra. La figura in primo piano in basso a destra è l'unico soggetto a voltare le spalle a chi guarda.  All'osservatore si mostra una scena prevalentemente al femminile. A sinistra si trova la figura identificata come Venere: una donna seduta, mostrata solo di tre quarti, come la maggior parte delle altre figure. La donna è agghindata con un leggero drappo bianco che, insieme al mantello azzurro che porta sulle spalle, crea contrasto con lo sfondo scuro. Come nella Venere di Urbino, i capelli sono biondi e in parte sono sciolti e in parte raccolti da una corona d'oro. La figura si volge, senza però guardarlo veramente, verso un putto che, collocato all'estrema sinistra del dipinto e appoggiato delicatamente sulla spalla, è l'unica figura intera di tutto il dipinto. Il putto rivolge l'attenzione alla mano con cui Venere tiene il lembo più in alto della fascia con cui viene bendato il putto collocato al centro della scena. Del putto che viene bendato è visibile solo la schiena. In primo piano si trovano due leggerissime ali che lo caratterizzano; il volto è nascosto tra le gambe della Venere che gli copre gli occhi con una benda gialla.A destra si trovano altre due figure femminili. Quella all'estrema destra sembra arrivare improvvisamente, come suggerisce il movimento del drappo rosso che porta sulla spalla. Questa figura è anche l'unica ad avere i capelli completamente raccolti; con la mano sinistra tiene saldamente un arco, come se lo stesse offrendo alle figure principali, a cui rivolge il suo sguardo. La seconda figura a destra appare invece in attaggiamento sensuale; a differenza delle altre ha i capelli sciolti e l'abito, retto solamente dal braccio, porta fino alla nudità verso il seno sinistro. La donna si rivolge completamente con lo sguardo e il corpo verso il centro del dipinto.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

La composizione del quadro si svolge in orizzontale; il centro non è occupato da nessuno dei personaggi, ma da una visuale su un tramonto. La composizione è quasi simmetrica, con due figure sulla destra e due a sinistra. La figura in primo piano in basso a destra è l'unico soggetto a voltare le spalle a chi guarda.  All'osservatore si mostra una scena prevalentemente al femminile. A sinistra si trova la figura identificata come Venere: una donna seduta, mostrata solo di tre quarti, come la maggior parte delle altre figure. La donna è agghindata con un leggero drappo bianco che, insieme al mantello azzurro che porta sulle spalle, crea contrasto con lo sfondo scuro. Come nella Venere di Urbino, i capelli sono biondi e in parte sono sciolti e in parte raccolti da una corona d'oro. La figura si volge, senza però guardarlo veramente, verso un putto che, collocato all'estrema sinistra del dipinto e appoggiato delicatamente sulla spalla, è l'unica figura intera di tutto il dipinto. Il putto rivolge l'attenzione alla mano con cui Venere tiene il lembo più in alto della fascia con cui viene bendato il putto collocato al centro della scena. Del putto che viene bendato è visibile solo la schiena. In primo piano si trovano due leggerissime ali che lo caratterizzano; il volto è nascosto tra le gambe della Venere che gli copre gli occhi con una benda gialla.A destra si trovano altre due figure femminili. Quella all'estrema destra sembra arrivare improvvisamente, come suggerisce il movimento del drappo rosso che porta sulla spalla. Questa figura è anche l'unica ad avere i capelli completamente raccolti; con la mano sinistra tiene saldamente un arco, come se lo stesse offrendo alle figure principali, a cui rivolge il suo sguardo. La seconda figura a destra appare invece in attaggiamento sensuale; a differenza delle altre ha i capelli sciolti e l'abito, retto solamente dal braccio, porta fino alla nudità verso il seno sinistro. La donna si rivolge completamente con lo sguardo e il corpo verso il centro del dipinto.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Descrizione?

La composizione del quadro si svolge in orizzontale; il centro non è occupato da nessuno dei personaggi, ma da una visuale su un tramonto. La composizione è quasi simmetrica, con due figure sulla destra e due a sinistra. La figura in primo piano in basso a destra è l'unico soggetto a voltare le spalle a chi guarda.  All'osservatore si mostra una scena prevalentemente al femminile. A sinistra si trova la figura identificata come Venere: una donna seduta, mostrata solo di tre quarti, come la maggior parte delle altre figure. La donna è agghindata con un leggero drappo bianco che, insieme al mantello azzurro che porta sulle spalle, crea contrasto con lo sfondo scuro. Come nella Venere di Urbino, i capelli sono biondi e in parte sono sciolti e in parte raccolti da una corona d'oro. La figura si volge, senza però guardarlo veramente, verso un putto che, collocato all'estrema sinistra del dipinto e appoggiato delicatamente sulla spalla, è l'unica figura intera di tutto il dipinto. Il putto rivolge l'attenzione alla mano con cui Venere tiene il lembo più in alto della fascia con cui viene bendato il putto collocato al centro della scena. Del putto che viene bendato è visibile solo la schiena. In primo piano si trovano due leggerissime ali che lo caratterizzano; il volto è nascosto tra le gambe della Venere che gli copre gli occhi con una benda gialla.A destra si trovano altre due figure femminili. Quella all'estrema destra sembra arrivare improvvisamente, come suggerisce il movimento del drappo rosso che porta sulla spalla. Questa figura è anche l'unica ad avere i capelli completamente raccolti; con la mano sinistra tiene saldamente un arco, come se lo stesse offrendo alle figure principali, a cui rivolge il suo sguardo. La seconda figura a destra appare invece in attaggiamento sensuale; a differenza delle altre ha i capelli sciolti e l'abito, retto solamente dal braccio, porta fino alla nudità verso il seno sinistro. La donna si rivolge completamente con lo sguardo e il corpo verso il centro del dipinto.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Venere_che_benda_amore?

La composizione del quadro si svolge in orizzontale; il centro non è occupato da nessuno dei personaggi, ma da una visuale su un tramonto. La composizione è quasi simmetrica, con due figure sulla destra e due a sinistra. La figura in primo piano in basso a destra è l'unico soggetto a voltare le spalle a chi guarda.  All'osservatore si mostra una scena prevalentemente al femminile. A sinistra si trova la figura identificata come Venere: una donna seduta, mostrata solo di tre quarti, come la maggior parte delle altre figure. La donna è agghindata con un leggero drappo bianco che, insieme al mantello azzurro che porta sulle spalle, crea contrasto con lo sfondo scuro. Come nella Venere di Urbino, i capelli sono biondi e in parte sono sciolti e in parte raccolti da una corona d'oro. La figura si volge, senza però guardarlo veramente, verso un putto che, collocato all'estrema sinistra del dipinto e appoggiato delicatamente sulla spalla, è l'unica figura intera di tutto il dipinto. Il putto rivolge l'attenzione alla mano con cui Venere tiene il lembo più in alto della fascia con cui viene bendato il putto collocato al centro della scena. Del putto che viene bendato è visibile solo la schiena. In primo piano si trovano due leggerissime ali che lo caratterizzano; il volto è nascosto tra le gambe della Venere che gli copre gli occhi con una benda gialla.A destra si trovano altre due figure femminili. Quella all'estrema destra sembra arrivare improvvisamente, come suggerisce il movimento del drappo rosso che porta sulla spalla. Questa figura è anche l'unica ad avere i capelli completamente raccolti; con la mano sinistra tiene saldamente un arco, come se lo stesse offrendo alle figure principali, a cui rivolge il suo sguardo. La seconda figura a destra appare invece in attaggiamento sensuale; a differenza delle altre ha i capelli sciolti e l'abito, retto solamente dal braccio, porta fino alla nudità verso il seno sinistro. La donna si rivolge completamente con lo sguardo e il corpo verso il centro del dipinto.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Interpretazione.

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Interpretazione di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Interpretazione?

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Interpretazione in Venere_che_benda_amore?

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

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Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Tecnica.

La tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori. La scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura. La padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Tecnica di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

La tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori. La scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura. La padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Tecnica?

La tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori. La scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura. La padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Tecnica in Venere_che_benda_amore?

La tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori. La scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura. La padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Retaggio.

Il dipinto ha avuto diverse copie totali o parziali. Una copia seicentesca su tela, di alta qualità e probabilmente realizzata a Roma, è ospitata al Museo del Prado di Madrid.Il dipinto è stato ripreso anche da incisioni come Omnia Vincit Amor di Hendrick Danckerts e da un'acquaforte di Louis de Boulogne, basata sulla tela del Prado.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Retaggio di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

Il dipinto ha avuto diverse copie totali o parziali. Una copia seicentesca su tela, di alta qualità e probabilmente realizzata a Roma, è ospitata al Museo del Prado di Madrid.Il dipinto è stato ripreso anche da incisioni come Omnia Vincit Amor di Hendrick Danckerts e da un'acquaforte di Louis de Boulogne, basata sulla tela del Prado.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Retaggio?

Il dipinto ha avuto diverse copie totali o parziali. Una copia seicentesca su tela, di alta qualità e probabilmente realizzata a Roma, è ospitata al Museo del Prado di Madrid.Il dipinto è stato ripreso anche da incisioni come Omnia Vincit Amor di Hendrick Danckerts e da un'acquaforte di Louis de Boulogne, basata sulla tela del Prado.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Retaggio in Venere_che_benda_amore?

Il dipinto ha avuto diverse copie totali o parziali. Una copia seicentesca su tela, di alta qualità e probabilmente realizzata a Roma, è ospitata al Museo del Prado di Madrid.Il dipinto è stato ripreso anche da incisioni come Omnia Vincit Amor di Hendrick Danckerts e da un'acquaforte di Louis de Boulogne, basata sulla tela del Prado.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Concentrati su Venere_che_benda_amore ed esplora la Restauro.

Il restauro più importante del dipinto è stato svolto tra il 1992 e il 1993 presso il Laboratorio della Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini. L'intervento è consistito nella rimozione di “vernice e sostanze oleose” che riducevano il valore cromatico del dipinto, mentre non sono stati eseguiti interventi sul supporto o sul telaio, considerati in buone condizioni.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Esplora la Restauro di questa opera d'arte, Venere_che_benda_amore.

Il restauro più importante del dipinto è stato svolto tra il 1992 e il 1993 presso il Laboratorio della Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini. L'intervento è consistito nella rimozione di “vernice e sostanze oleose” che riducevano il valore cromatico del dipinto, mentre non sono stati eseguiti interventi sul supporto o sul telaio, considerati in buone condizioni.

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Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come chiarisce Venere_che_benda_amore la sua Restauro?

Il restauro più importante del dipinto è stato svolto tra il 1992 e il 1993 presso il Laboratorio della Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini. L'intervento è consistito nella rimozione di “vernice e sostanze oleose” che riducevano il valore cromatico del dipinto, mentre non sono stati eseguiti interventi sul supporto o sul telaio, considerati in buone condizioni.

File:Tiziano, venere che benda amore, 1565 circa 03.jpg

Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Venere_che_benda_amore

Prompt: Come viene discussa la Restauro in Venere_che_benda_amore?

Il restauro più importante del dipinto è stato svolto tra il 1992 e il 1993 presso il Laboratorio della Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini. L'intervento è consistito nella rimozione di “vernice e sostanze oleose” che riducevano il valore cromatico del dipinto, mentre non sono stati eseguiti interventi sul supporto o sul telaio, considerati in buone condizioni.

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Categoria:Dipinti nella Galleria Borghese


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Concentrati su Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma ed esplora la abstract.

L'Introduzione del culto di Cibele a Roma è un dipinto tempera a colla su tela (73,5 × 268 cm) di Andrea Mantegna, datato al 1505-1506 e conservato nella National Gallery di Londra. Fa probabilmente della stessa serie con la Continenza di Scipione di Giovanni Bellini.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma.

L'Introduzione del culto di Cibele a Roma è un dipinto tempera a colla su tela (73,5 × 268 cm) di Andrea Mantegna, datato al 1505-1506 e conservato nella National Gallery di Londra. Fa probabilmente della stessa serie con la Continenza di Scipione di Giovanni Bellini.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Come chiarisce Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma la sua abstract?

L'Introduzione del culto di Cibele a Roma è un dipinto tempera a colla su tela (73,5 × 268 cm) di Andrea Mantegna, datato al 1505-1506 e conservato nella National Gallery di Londra. Fa probabilmente della stessa serie con la Continenza di Scipione di Giovanni Bellini.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Come viene discussa la abstract in Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma?

L'Introduzione del culto di Cibele a Roma è un dipinto tempera a colla su tela (73,5 × 268 cm) di Andrea Mantegna, datato al 1505-1506 e conservato nella National Gallery di Londra. Fa probabilmente della stessa serie con la Continenza di Scipione di Giovanni Bellini.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Concentrati su Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma ed esplora la Storia.

Il dipinto venne commissionato nel 1505 dal cardinale Marco Cornaro per lo studiolo del fratello Francesco, patrizio veneziano. Il soggetto venne scelto per celebrare la gens Cornelia, da cui i Cornaro dicevano di discendere: lo stesso cardinale si firmò come "Marcus Cardinalis Cornelius" nella lettera in cui chiedeva a Francesco II Gonzaga di ricorrere al suo pittore di corte.La produzione di Mantegna dopo il 1495 circa presenta numerose opere a monocromo, che si riallacciavano alla scultura contemporanea ed erano saggi di illusionismo altamente apprezzati dalla corte mantovana, soprattutto, pare, da Isabella d'Este.Nel 1505 una lettera di Pietro Bembo a Isabella Gonzaga informa di dissensi circa il pagamento tra artista e committente, a causa dei quali il monocromo era stato consegnato al Cornaro, ma giunse alla famiglia solo in un secondo momento. Alla morte dell'artista (1506), si trovava ancora nella bottega dell'artista, segno che la controversia non era stata risolta e il ciclo interrotto. L'opera infatti è citata nell'inventario della bottega di Mantegna dopo la sua scomparsa, ed è indicata come "principiata", cioè avviata e non finita. Non sappiamo chi si occupò del completamento, se lo stesso Francesco, figlio di Andrea Mantegna, o un altro pittore, magari Giovanni Bellini che eseguì anche il pendant per lo studiolo della Continenza di Scipione (Washington, National Gallery of Art), mentre altre due tele previste non vennero mai eseguite. Come altre opere situate nella bottega dopo la morte del maestro, anche la lunga tela fu acquistata dal cardinale Sigismondo Gonzaga, che lo consegnò nel 1507 al legittimo committente, Francesco Cornaro.Roberto Longhi in maniera orale, citato da Garavaglia, suggerì che la tavola potesse essere corredata delle due opere a monocromo più piccole ma di uguale altezza di Sofonisba e Tuccia, ma oltre a mancare riscontri documentari c'è la differenza di supporto (tela la prima, tavola le seconde) a rendere l'ipotesi improbabile.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma.

Il dipinto venne commissionato nel 1505 dal cardinale Marco Cornaro per lo studiolo del fratello Francesco, patrizio veneziano. Il soggetto venne scelto per celebrare la gens Cornelia, da cui i Cornaro dicevano di discendere: lo stesso cardinale si firmò come "Marcus Cardinalis Cornelius" nella lettera in cui chiedeva a Francesco II Gonzaga di ricorrere al suo pittore di corte.La produzione di Mantegna dopo il 1495 circa presenta numerose opere a monocromo, che si riallacciavano alla scultura contemporanea ed erano saggi di illusionismo altamente apprezzati dalla corte mantovana, soprattutto, pare, da Isabella d'Este.Nel 1505 una lettera di Pietro Bembo a Isabella Gonzaga informa di dissensi circa il pagamento tra artista e committente, a causa dei quali il monocromo era stato consegnato al Cornaro, ma giunse alla famiglia solo in un secondo momento. Alla morte dell'artista (1506), si trovava ancora nella bottega dell'artista, segno che la controversia non era stata risolta e il ciclo interrotto. L'opera infatti è citata nell'inventario della bottega di Mantegna dopo la sua scomparsa, ed è indicata come "principiata", cioè avviata e non finita. Non sappiamo chi si occupò del completamento, se lo stesso Francesco, figlio di Andrea Mantegna, o un altro pittore, magari Giovanni Bellini che eseguì anche il pendant per lo studiolo della Continenza di Scipione (Washington, National Gallery of Art), mentre altre due tele previste non vennero mai eseguite. Come altre opere situate nella bottega dopo la morte del maestro, anche la lunga tela fu acquistata dal cardinale Sigismondo Gonzaga, che lo consegnò nel 1507 al legittimo committente, Francesco Cornaro.Roberto Longhi in maniera orale, citato da Garavaglia, suggerì che la tavola potesse essere corredata delle due opere a monocromo più piccole ma di uguale altezza di Sofonisba e Tuccia, ma oltre a mancare riscontri documentari c'è la differenza di supporto (tela la prima, tavola le seconde) a rendere l'ipotesi improbabile.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Come chiarisce Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma la sua Storia?

Il dipinto venne commissionato nel 1505 dal cardinale Marco Cornaro per lo studiolo del fratello Francesco, patrizio veneziano. Il soggetto venne scelto per celebrare la gens Cornelia, da cui i Cornaro dicevano di discendere: lo stesso cardinale si firmò come "Marcus Cardinalis Cornelius" nella lettera in cui chiedeva a Francesco II Gonzaga di ricorrere al suo pittore di corte.La produzione di Mantegna dopo il 1495 circa presenta numerose opere a monocromo, che si riallacciavano alla scultura contemporanea ed erano saggi di illusionismo altamente apprezzati dalla corte mantovana, soprattutto, pare, da Isabella d'Este.Nel 1505 una lettera di Pietro Bembo a Isabella Gonzaga informa di dissensi circa il pagamento tra artista e committente, a causa dei quali il monocromo era stato consegnato al Cornaro, ma giunse alla famiglia solo in un secondo momento. Alla morte dell'artista (1506), si trovava ancora nella bottega dell'artista, segno che la controversia non era stata risolta e il ciclo interrotto. L'opera infatti è citata nell'inventario della bottega di Mantegna dopo la sua scomparsa, ed è indicata come "principiata", cioè avviata e non finita. Non sappiamo chi si occupò del completamento, se lo stesso Francesco, figlio di Andrea Mantegna, o un altro pittore, magari Giovanni Bellini che eseguì anche il pendant per lo studiolo della Continenza di Scipione (Washington, National Gallery of Art), mentre altre due tele previste non vennero mai eseguite. Come altre opere situate nella bottega dopo la morte del maestro, anche la lunga tela fu acquistata dal cardinale Sigismondo Gonzaga, che lo consegnò nel 1507 al legittimo committente, Francesco Cornaro.Roberto Longhi in maniera orale, citato da Garavaglia, suggerì che la tavola potesse essere corredata delle due opere a monocromo più piccole ma di uguale altezza di Sofonisba e Tuccia, ma oltre a mancare riscontri documentari c'è la differenza di supporto (tela la prima, tavola le seconde) a rendere l'ipotesi improbabile.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Come viene discussa la Storia in Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma?

Il dipinto venne commissionato nel 1505 dal cardinale Marco Cornaro per lo studiolo del fratello Francesco, patrizio veneziano. Il soggetto venne scelto per celebrare la gens Cornelia, da cui i Cornaro dicevano di discendere: lo stesso cardinale si firmò come "Marcus Cardinalis Cornelius" nella lettera in cui chiedeva a Francesco II Gonzaga di ricorrere al suo pittore di corte.La produzione di Mantegna dopo il 1495 circa presenta numerose opere a monocromo, che si riallacciavano alla scultura contemporanea ed erano saggi di illusionismo altamente apprezzati dalla corte mantovana, soprattutto, pare, da Isabella d'Este.Nel 1505 una lettera di Pietro Bembo a Isabella Gonzaga informa di dissensi circa il pagamento tra artista e committente, a causa dei quali il monocromo era stato consegnato al Cornaro, ma giunse alla famiglia solo in un secondo momento. Alla morte dell'artista (1506), si trovava ancora nella bottega dell'artista, segno che la controversia non era stata risolta e il ciclo interrotto. L'opera infatti è citata nell'inventario della bottega di Mantegna dopo la sua scomparsa, ed è indicata come "principiata", cioè avviata e non finita. Non sappiamo chi si occupò del completamento, se lo stesso Francesco, figlio di Andrea Mantegna, o un altro pittore, magari Giovanni Bellini che eseguì anche il pendant per lo studiolo della Continenza di Scipione (Washington, National Gallery of Art), mentre altre due tele previste non vennero mai eseguite. Come altre opere situate nella bottega dopo la morte del maestro, anche la lunga tela fu acquistata dal cardinale Sigismondo Gonzaga, che lo consegnò nel 1507 al legittimo committente, Francesco Cornaro.Roberto Longhi in maniera orale, citato da Garavaglia, suggerì che la tavola potesse essere corredata delle due opere a monocromo più piccole ma di uguale altezza di Sofonisba e Tuccia, ma oltre a mancare riscontri documentari c'è la differenza di supporto (tela la prima, tavola le seconde) a rendere l'ipotesi improbabile.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Concentrati su Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma ed esplora la Descrizione e stile.

La tela si basa su un episodio della seconda guerra punica. Publio Cornelio Scipione, noto come Scipione l'Africano, vincitore di Annibale in Africa, dopo la consultazione dei libri sibillini, decise di portare il simulacro della dea Cibele, madre degli dei, dal monte Ida, presso Pergamo, a Roma. Il Senato inviò allora suo cugino Scipione Nasica, ritenuto il romano più degno, come richiesto dall'oracolo di Delfi, ad accogliere il simulacro divino, ma la nave che lo trasportava si incagliò nelle secche del Tevere. Per disincagliarla intervenne la vestale Claudia Quinta, che dimostrò così con l'evento prodigioso (un'ordalia) anche la propria verginità. L'intero episodio viene narrato da diverse fonti antiche, tra cui Livio, Ovidio e Appiano.L'opera di Mantegna si ispira nella composizione ai bassorilievi sui sarcofagi romani, ricreata a monocromo su uno sfondo che riproduce due lastre di marmi screziati. La portantina con simulacro di Cibele è mostrata nel suo arrivo a Roma, accolta dalla cittadinza. Da sinistra si vedono due tombe a piramide tronca con iscrizioni sulla sommità che ricordano il fratelli Gneo Cornelio Scipione e Publio Cornelio Scipione, padri rispettivamente del Nasica e dell'Africano. La portantina è retta da quattro inservienti abbigliati con abiti esotici: quelli davanti sono dei mori con turbante, quelli dietro sono barbuti e indossano un cappello che ricorda una tiara. Uno di loro tiene in mano un ramo di alloro, usato nelle processioni trionfali, come ne regge anche il giovane inserviente che viaggia sulla portantina accanto al busto della dea. Il busto di Cibele ha il capo cinto dalla corona turrita e viaggia su un prezioso tappeto, disegnato con un motivo che imita il rilievo con grande virtuosismo. Davanti alla statua si trova una sfera, simbolo di universalità, e dietro una fiaccola rituale.Davanti al simulacro un gruppo di dignitari indica un giovane nell'atto di inginocchiarsi, rappresentato con un'illuminazione più incisiva che lo fa risaltare: si tratta infatti del protagonista della scena, Scipione Nasica, le cui parole di ospitalità verso la divinità originaria della Frigia sono riportate sotto di lui sul basamento grigio. Il senatore che lo indica è probabilmente l'Africano, che parla con un uomo paffuto, forse il console Licinio Crasso, suo collega nel consolato.A destra una scalinata simula il punto di arrivo del corteo, un tempio dove la dea troverà dimora e da cui sta uscendo un trombicino, mentre un pastore col cappello frigio sta suonando il flauto e il tamburo.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)


Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma

The Introduction of the Cult of Cybele at Rome

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Introduzione_del_culto_di_Cibele_a_Roma.

La tela si basa su un episodio della seconda guerra punica. Publio Cornelio Scipione, noto come Scipione l'Africano, vincitore di Annibale in Africa, dopo la consultazione dei libri sibillini, decise di portare il simulacro della dea Cibele, madre degli dei, dal monte Ida, presso Pergamo, a Roma. Il Senato inviò allora suo cugino Scipione Nasica, ritenuto il romano più degno, come richiesto dall'oracolo di Delfi, ad accogliere il simulacro divino, ma la nave che lo trasportava si incagliò nelle secche del Tevere. Per disincagliarla intervenne la vestale Claudia Quinta, che dimostrò così con l'evento prodigioso (un'ordalia) anche la propria verginità. L'intero episodio viene narrato da diverse fonti antiche, tra cui Livio, Ovidio e Appiano.L'opera di Mantegna si ispira nella composizione ai bassorilievi sui sarcofagi romani, ricreata a monocromo su uno sfondo che riproduce due lastre di marmi screziati. La portantina con simulacro di Cibele è mostrata nel suo arrivo a Roma, accolta dalla cittadinza. Da sinistra si vedono due tombe a piramide tronca con iscrizioni sulla sommità che ricordano il fratelli Gneo Cornelio Scipione e Publio Cornelio Scipione, padri rispettivamente del Nasica e dell'Africano. La portantina è retta da quattro inservienti abbigliati con abiti esotici: quelli davanti sono dei mori con turbante, quelli dietro sono barbuti e indossano un cappello che ricorda una tiara. Uno di loro tiene in mano un ramo di alloro, usato nelle processioni trionfali, come ne regge anche il giovane inserviente che viaggia sulla portantina accanto al busto della dea. Il busto di Cibele ha il capo cinto dalla corona turrita e viaggia su un prezioso tappeto, disegnato con un motivo che imita il rilievo con grande virtuosismo. Davanti alla statua si trova una sfera, simbolo di universalità, e dietro una fiaccola rituale.Davanti al simulacro un gruppo di dignitari indica un giovane nell'atto di inginocchiarsi, rappresentato con un'illuminazione più incisiva che lo fa risaltare: si tratta infatti del protagonista della scena, Scipione Nasica, le cui parole di ospitalità verso la divinità originaria della Frigia sono riportate sotto di lui sul basamento grigio. Il senatore che lo indica è probabilmente l'Africano, che parla con un uomo paffuto, forse il console Licinio Crasso, suo collega nel consolato.A destra una scalinata simula il punto di arrivo del corteo, un tempio dove la dea troverà dimora e da cui sta uscendo un trombicino, mentre un pastore col cappello frigio sta suonando il flauto e il tamburo.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Publio Cornelio Scipione (console 218 a.C.)