Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Come chiarisce Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I la sua Storia?

Nella primavera del 1512, per più di due mesi, il neoeletto Massimiliano I d'Asburgo si era fermato a Norimberga, dove aveva conosciuto Dürer. Per celebrare l'imperatore e la sua casata l'artista aveva concepito un'impresa mai vista, una gigantesca xilografia composta da 193 blocchi stampati separatamente e riuniti insieme a formare un grande Arco trionfale. La straordinaria impresa venne ricompensata  all'artista con un beneficio annuo di cento fiorini.Ancora nel 1518, durante la Dieta di Augusta, Dürer venne chiamato dal sovrano per ritrarlo. L'artista incontrò l'imperatore nel castello e ne fece un disegno a matita dal vero, da cui trasse poi un ritratto su tavola. A margine del foglio annotò con un certo orgoglio: "È l'imperatore Massimiliano che io Albrecht Dürer ho ritratto ad Augusta, su in alto nel palazzo, dentro la sua piccola stanzetta, lunedì 28 giugno 1518".L'opera venne completata quando l'imperatore era già morto, con alcune varianti rispetto al disegno iniziale.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Come viene discussa la Storia in Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I?

Nella primavera del 1512, per più di due mesi, il neoeletto Massimiliano I d'Asburgo si era fermato a Norimberga, dove aveva conosciuto Dürer. Per celebrare l'imperatore e la sua casata l'artista aveva concepito un'impresa mai vista, una gigantesca xilografia composta da 193 blocchi stampati separatamente e riuniti insieme a formare un grande Arco trionfale. La straordinaria impresa venne ricompensata  all'artista con un beneficio annuo di cento fiorini.Ancora nel 1518, durante la Dieta di Augusta, Dürer venne chiamato dal sovrano per ritrarlo. L'artista incontrò l'imperatore nel castello e ne fece un disegno a matita dal vero, da cui trasse poi un ritratto su tavola. A margine del foglio annotò con un certo orgoglio: "È l'imperatore Massimiliano che io Albrecht Dürer ho ritratto ad Augusta, su in alto nel palazzo, dentro la sua piccola stanzetta, lunedì 28 giugno 1518".L'opera venne completata quando l'imperatore era già morto, con alcune varianti rispetto al disegno iniziale.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Concentrati su Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I ed esplora la Descrizione e stile.

Il sovrano è ritratto su sfondo verde girato di tre quarti verso sinistra, con tutto il busto fino ai gomiti e le braccia appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide con il bordo inferiore del dipinto, secondo la maniera fiamminga. La mano destra è infatti appoggiata sul bordo, come faceva Rogier van der Weyden nei suoi ritratti, mentre la sinistra regge una grossa melagrana, simbolo di coesione nelle diversità e quindi dell'Impero stesso: i chicchi del frutto erano infatti i sudditi, che si riconoscevano nella guida del sovrano: Massimiliano, prendendolo dalla simbologia della Chiesa, ne aveva fatto un suo emblema personale.L'imperatore indossa un grande mantello con ampi inserti di pelliccia, e un cappello scuro a larghe falde e con una spilla al centro, degno del suo rango. I capelli grigi cadono a caschetto compiendo alcune onde e incorniciano un volto scavato dagli anni, ma dignitoso e colto da un aristocratico distacco, senza guardare verso lo spettatore; nonostante ciò l'imperatore non è privo di umanità, anzi i segni del tempo ricordano la sua età di 59 anni. Gli occhi sono incavati, il naso aquilino molto pronunciato, la bocca leggermente dischiusa, il mento tondeggiante.In alto a sinistra si trova lo stemma Asburgo con la corona imperiale e la catena del Toson d'Oro, accanto a una lunga scritta in caratteri capitali che riassume i titoli, le qualità e le date salienti della vita dell'imperatore.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I.

Il sovrano è ritratto su sfondo verde girato di tre quarti verso sinistra, con tutto il busto fino ai gomiti e le braccia appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide con il bordo inferiore del dipinto, secondo la maniera fiamminga. La mano destra è infatti appoggiata sul bordo, come faceva Rogier van der Weyden nei suoi ritratti, mentre la sinistra regge una grossa melagrana, simbolo di coesione nelle diversità e quindi dell'Impero stesso: i chicchi del frutto erano infatti i sudditi, che si riconoscevano nella guida del sovrano: Massimiliano, prendendolo dalla simbologia della Chiesa, ne aveva fatto un suo emblema personale.L'imperatore indossa un grande mantello con ampi inserti di pelliccia, e un cappello scuro a larghe falde e con una spilla al centro, degno del suo rango. I capelli grigi cadono a caschetto compiendo alcune onde e incorniciano un volto scavato dagli anni, ma dignitoso e colto da un aristocratico distacco, senza guardare verso lo spettatore; nonostante ciò l'imperatore non è privo di umanità, anzi i segni del tempo ricordano la sua età di 59 anni. Gli occhi sono incavati, il naso aquilino molto pronunciato, la bocca leggermente dischiusa, il mento tondeggiante.In alto a sinistra si trova lo stemma Asburgo con la corona imperiale e la catena del Toson d'Oro, accanto a una lunga scritta in caratteri capitali che riassume i titoli, le qualità e le date salienti della vita dell'imperatore.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Come chiarisce Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I la sua Descrizione e stile?

Il sovrano è ritratto su sfondo verde girato di tre quarti verso sinistra, con tutto il busto fino ai gomiti e le braccia appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide con il bordo inferiore del dipinto, secondo la maniera fiamminga. La mano destra è infatti appoggiata sul bordo, come faceva Rogier van der Weyden nei suoi ritratti, mentre la sinistra regge una grossa melagrana, simbolo di coesione nelle diversità e quindi dell'Impero stesso: i chicchi del frutto erano infatti i sudditi, che si riconoscevano nella guida del sovrano: Massimiliano, prendendolo dalla simbologia della Chiesa, ne aveva fatto un suo emblema personale.L'imperatore indossa un grande mantello con ampi inserti di pelliccia, e un cappello scuro a larghe falde e con una spilla al centro, degno del suo rango. I capelli grigi cadono a caschetto compiendo alcune onde e incorniciano un volto scavato dagli anni, ma dignitoso e colto da un aristocratico distacco, senza guardare verso lo spettatore; nonostante ciò l'imperatore non è privo di umanità, anzi i segni del tempo ricordano la sua età di 59 anni. Gli occhi sono incavati, il naso aquilino molto pronunciato, la bocca leggermente dischiusa, il mento tondeggiante.In alto a sinistra si trova lo stemma Asburgo con la corona imperiale e la catena del Toson d'Oro, accanto a una lunga scritta in caratteri capitali che riassume i titoli, le qualità e le date salienti della vita dell'imperatore.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Ritratto_dell'imperatore_Massimiliano_I?

Il sovrano è ritratto su sfondo verde girato di tre quarti verso sinistra, con tutto il busto fino ai gomiti e le braccia appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide con il bordo inferiore del dipinto, secondo la maniera fiamminga. La mano destra è infatti appoggiata sul bordo, come faceva Rogier van der Weyden nei suoi ritratti, mentre la sinistra regge una grossa melagrana, simbolo di coesione nelle diversità e quindi dell'Impero stesso: i chicchi del frutto erano infatti i sudditi, che si riconoscevano nella guida del sovrano: Massimiliano, prendendolo dalla simbologia della Chiesa, ne aveva fatto un suo emblema personale.L'imperatore indossa un grande mantello con ampi inserti di pelliccia, e un cappello scuro a larghe falde e con una spilla al centro, degno del suo rango. I capelli grigi cadono a caschetto compiendo alcune onde e incorniciano un volto scavato dagli anni, ma dignitoso e colto da un aristocratico distacco, senza guardare verso lo spettatore; nonostante ciò l'imperatore non è privo di umanità, anzi i segni del tempo ricordano la sua età di 59 anni. Gli occhi sono incavati, il naso aquilino molto pronunciato, la bocca leggermente dischiusa, il mento tondeggiante.In alto a sinistra si trova lo stemma Asburgo con la corona imperiale e la catena del Toson d'Oro, accanto a una lunga scritta in caratteri capitali che riassume i titoli, le qualità e le date salienti della vita dell'imperatore.

Il disegno preparatorio all'[[Albertina (museo)

Categoria:Dipinti nel Kunsthistorisches Museum


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Concentrati su Broadway_Boogie-Woogie ed esplora la abstract.

Broadway Boogie-Woogie è un quadro dipinto da Mondrian negli ultimi anni della sua vita, quando si trova a New York (1940-1944). Il quadro è composto da una quantità di quadrati di colore luminoso e brillante, che sembrano quasi luccicare come un mosaico, attirando l'attenzione del fruitore. In questo quadro spariscono i rigidi reticoli neri, gli stessi rettangoli dipinti nei quadri precedenti, non sono più bordati da una linea nera: ora sono accostati uno all'altro. Tutto ciò ha lo scopo di riprodurre il frenetico ritmo del ballo del Boogie-Woogie. Quest'opera trasmette un effetto di vitalità, suggerendo l'atmosfera della città di Broadway, riprendendo il reticolato delle sue strade e lo sfrecciare in esse dei taxi gialli.In queste opere finali, le forme hanno usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "Boogie-Woogie" rappresentano il più radicale sviluppo dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa avvenuto nel 1913. Mentre le opere tra il 1920 e 1930 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci e riflettono la musica ottimista e allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

1942
1943
tela
43
Mondrian
Pittura su tela
Olio
The Museum of Modern Art di New York
De Stijl
Pittura a olio
Theo van Doesburg
Piet Mondrian
Categoria:Dipinti di Piet Mondrian
Museum of Modern Art
Victory Boogie Woogie
Categoria:Dipinti a soggetto astratto
Categoria:Dipinti nel MoMA
New York


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Broadway_Boogie-Woogie.

Broadway Boogie-Woogie è un quadro dipinto da Mondrian negli ultimi anni della sua vita, quando si trova a New York (1940-1944). Il quadro è composto da una quantità di quadrati di colore luminoso e brillante, che sembrano quasi luccicare come un mosaico, attirando l'attenzione del fruitore. In questo quadro spariscono i rigidi reticoli neri, gli stessi rettangoli dipinti nei quadri precedenti, non sono più bordati da una linea nera: ora sono accostati uno all'altro. Tutto ciò ha lo scopo di riprodurre il frenetico ritmo del ballo del Boogie-Woogie. Quest'opera trasmette un effetto di vitalità, suggerendo l'atmosfera della città di Broadway, riprendendo il reticolato delle sue strade e lo sfrecciare in esse dei taxi gialli.In queste opere finali, le forme hanno usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "Boogie-Woogie" rappresentano il più radicale sviluppo dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa avvenuto nel 1913. Mentre le opere tra il 1920 e 1930 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci e riflettono la musica ottimista e allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

1942
1943
tela
43
Mondrian
Pittura su tela
Olio
The Museum of Modern Art di New York
De Stijl
Pittura a olio
Theo van Doesburg
Piet Mondrian
Categoria:Dipinti di Piet Mondrian
Museum of Modern Art
Victory Boogie Woogie
Categoria:Dipinti a soggetto astratto
Categoria:Dipinti nel MoMA
New York


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Come chiarisce Broadway_Boogie-Woogie la sua abstract?

Broadway Boogie-Woogie è un quadro dipinto da Mondrian negli ultimi anni della sua vita, quando si trova a New York (1940-1944). Il quadro è composto da una quantità di quadrati di colore luminoso e brillante, che sembrano quasi luccicare come un mosaico, attirando l'attenzione del fruitore. In questo quadro spariscono i rigidi reticoli neri, gli stessi rettangoli dipinti nei quadri precedenti, non sono più bordati da una linea nera: ora sono accostati uno all'altro. Tutto ciò ha lo scopo di riprodurre il frenetico ritmo del ballo del Boogie-Woogie. Quest'opera trasmette un effetto di vitalità, suggerendo l'atmosfera della città di Broadway, riprendendo il reticolato delle sue strade e lo sfrecciare in esse dei taxi gialli.In queste opere finali, le forme hanno usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "Boogie-Woogie" rappresentano il più radicale sviluppo dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa avvenuto nel 1913. Mentre le opere tra il 1920 e 1930 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci e riflettono la musica ottimista e allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

1942
1943
tela
43
Mondrian
Pittura su tela
Olio
The Museum of Modern Art di New York
De Stijl
Pittura a olio
Theo van Doesburg
Piet Mondrian
Categoria:Dipinti di Piet Mondrian
Museum of Modern Art
Victory Boogie Woogie
Categoria:Dipinti a soggetto astratto
Categoria:Dipinti nel MoMA
New York


Broadway_Boogie-Woogie

Prompt: Come viene discussa la abstract in Broadway_Boogie-Woogie?

Broadway Boogie-Woogie è un quadro dipinto da Mondrian negli ultimi anni della sua vita, quando si trova a New York (1940-1944). Il quadro è composto da una quantità di quadrati di colore luminoso e brillante, che sembrano quasi luccicare come un mosaico, attirando l'attenzione del fruitore. In questo quadro spariscono i rigidi reticoli neri, gli stessi rettangoli dipinti nei quadri precedenti, non sono più bordati da una linea nera: ora sono accostati uno all'altro. Tutto ciò ha lo scopo di riprodurre il frenetico ritmo del ballo del Boogie-Woogie. Quest'opera trasmette un effetto di vitalità, suggerendo l'atmosfera della città di Broadway, riprendendo il reticolato delle sue strade e lo sfrecciare in esse dei taxi gialli.In queste opere finali, le forme hanno usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "Boogie-Woogie" rappresentano il più radicale sviluppo dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa avvenuto nel 1913. Mentre le opere tra il 1920 e 1930 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci e riflettono la musica ottimista e allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

1942
1943
tela
43
Mondrian
Pittura su tela
Olio
The Museum of Modern Art di New York
De Stijl
Pittura a olio
Theo van Doesburg
Piet Mondrian
Categoria:Dipinti di Piet Mondrian
Museum of Modern Art
Victory Boogie Woogie
Categoria:Dipinti a soggetto astratto
Categoria:Dipinti nel MoMA
New York


Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Concentrati su Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae ed esplora la abstract.

Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae (in francese: Mademoiselle Lange en Danaé; in inglese: Portrait of Mlle. Lange as Danae) è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth Lange come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

desin[a]t in piscem mulier formosa superne


Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae.

Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae (in francese: Mademoiselle Lange en Danaé; in inglese: Portrait of Mlle. Lange as Danae) è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth Lange come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come chiarisce Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae la sua abstract?

Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae (in francese: Mademoiselle Lange en Danaé; in inglese: Portrait of Mlle. Lange as Danae) è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth Lange come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come viene discussa la abstract in Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae?

Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae (in francese: Mademoiselle Lange en Danaé; in inglese: Portrait of Mlle. Lange as Danae) è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth Lange come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Concentrati su Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae ed esplora la Storia.

L'artista Girodet e Mademoiselle Lange (come era nota sul palco) si incrociarono per la prima volta al Salone del 1793. Girodet era uno studente di Jacques-Louis David che era divenuto famoso per la sua opera Il sonno di Endimione. Nel 1793, la signorina Lange era già un'attrice di spicco e un membro della società della Comédie-Française. Ella aveva posato per la Sylvie di Jean-François Gilles Colson, che si trovava nella stessa galleria nel 1793.Sei anni dopo (nel 1798), come regalo per il marito sposato da poco, Michel-Jean Simons, la signora Simons commissionò un ritratto a Girodet, che dipinse l'attrice come la dea romana Venere. Ad Anne-Françoise Elisabeth Lange il dipinto piacque così poco che in una lettera scritta all'artista richiese che egli rimuovesse il dipinto dal Salone di Parigi e offrì solo metà del prezzo richiesto da Girodet. Inoltre, scrisse che la sua opera comprometteva non solo la sua reputazione di bellezza, ma anche la sua come artista emergente.Furente, il trentaduenne Girodet iniziò a lavorare a un nuovo dipinto di Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae. Il dipinto è codificato deliberatamente con dei dettagli nascosti della sua vita intima, nel tentativo di diffamarla. Il 2 agosto del 1799, Girodet orchestrò la sua vendetta. Dopo aver liquidato la Venere tagliandola in quattro parti, Girodet fece appendere la sua nuova raffigurazione di Mademoiselle Lange come Danae nel Salon Carré, dopo averci lavorato per diciannove giorni.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae.

L'artista Girodet e Mademoiselle Lange (come era nota sul palco) si incrociarono per la prima volta al Salone del 1793. Girodet era uno studente di Jacques-Louis David che era divenuto famoso per la sua opera Il sonno di Endimione. Nel 1793, la signorina Lange era già un'attrice di spicco e un membro della società della Comédie-Française. Ella aveva posato per la Sylvie di Jean-François Gilles Colson, che si trovava nella stessa galleria nel 1793.Sei anni dopo (nel 1798), come regalo per il marito sposato da poco, Michel-Jean Simons, la signora Simons commissionò un ritratto a Girodet, che dipinse l'attrice come la dea romana Venere. Ad Anne-Françoise Elisabeth Lange il dipinto piacque così poco che in una lettera scritta all'artista richiese che egli rimuovesse il dipinto dal Salone di Parigi e offrì solo metà del prezzo richiesto da Girodet. Inoltre, scrisse che la sua opera comprometteva non solo la sua reputazione di bellezza, ma anche la sua come artista emergente.Furente, il trentaduenne Girodet iniziò a lavorare a un nuovo dipinto di Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae. Il dipinto è codificato deliberatamente con dei dettagli nascosti della sua vita intima, nel tentativo di diffamarla. Il 2 agosto del 1799, Girodet orchestrò la sua vendetta. Dopo aver liquidato la Venere tagliandola in quattro parti, Girodet fece appendere la sua nuova raffigurazione di Mademoiselle Lange come Danae nel Salon Carré, dopo averci lavorato per diciannove giorni.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come chiarisce Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae la sua Storia?

L'artista Girodet e Mademoiselle Lange (come era nota sul palco) si incrociarono per la prima volta al Salone del 1793. Girodet era uno studente di Jacques-Louis David che era divenuto famoso per la sua opera Il sonno di Endimione. Nel 1793, la signorina Lange era già un'attrice di spicco e un membro della società della Comédie-Française. Ella aveva posato per la Sylvie di Jean-François Gilles Colson, che si trovava nella stessa galleria nel 1793.Sei anni dopo (nel 1798), come regalo per il marito sposato da poco, Michel-Jean Simons, la signora Simons commissionò un ritratto a Girodet, che dipinse l'attrice come la dea romana Venere. Ad Anne-Françoise Elisabeth Lange il dipinto piacque così poco che in una lettera scritta all'artista richiese che egli rimuovesse il dipinto dal Salone di Parigi e offrì solo metà del prezzo richiesto da Girodet. Inoltre, scrisse che la sua opera comprometteva non solo la sua reputazione di bellezza, ma anche la sua come artista emergente.Furente, il trentaduenne Girodet iniziò a lavorare a un nuovo dipinto di Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae. Il dipinto è codificato deliberatamente con dei dettagli nascosti della sua vita intima, nel tentativo di diffamarla. Il 2 agosto del 1799, Girodet orchestrò la sua vendetta. Dopo aver liquidato la Venere tagliandola in quattro parti, Girodet fece appendere la sua nuova raffigurazione di Mademoiselle Lange come Danae nel Salon Carré, dopo averci lavorato per diciannove giorni.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come viene discussa la Storia in Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae?

L'artista Girodet e Mademoiselle Lange (come era nota sul palco) si incrociarono per la prima volta al Salone del 1793. Girodet era uno studente di Jacques-Louis David che era divenuto famoso per la sua opera Il sonno di Endimione. Nel 1793, la signorina Lange era già un'attrice di spicco e un membro della società della Comédie-Française. Ella aveva posato per la Sylvie di Jean-François Gilles Colson, che si trovava nella stessa galleria nel 1793.Sei anni dopo (nel 1798), come regalo per il marito sposato da poco, Michel-Jean Simons, la signora Simons commissionò un ritratto a Girodet, che dipinse l'attrice come la dea romana Venere. Ad Anne-Françoise Elisabeth Lange il dipinto piacque così poco che in una lettera scritta all'artista richiese che egli rimuovesse il dipinto dal Salone di Parigi e offrì solo metà del prezzo richiesto da Girodet. Inoltre, scrisse che la sua opera comprometteva non solo la sua reputazione di bellezza, ma anche la sua come artista emergente.Furente, il trentaduenne Girodet iniziò a lavorare a un nuovo dipinto di Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae. Il dipinto è codificato deliberatamente con dei dettagli nascosti della sua vita intima, nel tentativo di diffamarla. Il 2 agosto del 1799, Girodet orchestrò la sua vendetta. Dopo aver liquidato la Venere tagliandola in quattro parti, Girodet fece appendere la sua nuova raffigurazione di Mademoiselle Lange come Danae nel Salon Carré, dopo averci lavorato per diciannove giorni.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Concentrati su Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae ed esplora la Descrizione.

Mademoiselle Lange viene raffigurata mentre raccoglie delle monete d'oro con un lenzuolo. Questa scena tipica dell'episodio della pioggia aurea associato con Danae fu adoperata da Girodet per raffigurare Mademoiselle Lange come una persona avara, se non come una vera prostituta arraffasoldi. La puttina alata che la aiuta a raccogliere le monete d'oro è Palmyre, la figlia illegittima avuta da una relazione con un banchiere. Ella è accompagnata da un tacchino che porta un anello nuziale sulla zampa. Questo simboleggia suo marito, Simons. C'è un bambino, che rappresenta il figlio avuto dal marito, che raccoglie delle piume di pavone (un simbolo di vanità) che crescono sul tacchino. La madre e i bambini hanno le teste abbellite da dei copricapi ricavati dalle piume di pavone.Due colombe bianche sono legate a una bilancia e ognuna ha un'iscrizione latina sul collare. La scritta latina fidelitas ("fedeltà") si trova attorno al collo dell'uccello la cui ala sinistra è stata schiacciata da una delle monete d'oro e perde sangue: è un'allusione all'adulterio. L'altra (constantia, "costanza") è scritta attorno al collo dell'uccello che è fuggito, lasciando intendere nuovamente che il carattere della donna è instabile.Sullo sfondo, una statua dell'Abbondanza è illuminata debolmente da un focherello che ha attirato alcune falene. Alla base della statua si trova un'altra espressione in latino: bonæ spei et. laribus sacrum, ossia "sacro alla buona speranza e ai Lari". Sopra la donna si trova un ragno, la cui ragnatela raccoglie alcune delle monete che cadono dall'alto.Inoltre, i quattro angoli della cornice furono decorati con dei rilievi di cammei ornati, ognuno dei quali contiene delle frasi o motti latini.Il suo specchio, ora rotto e che non produce più alcun riflesso, è un attributo della Vanitas che è usato assieme alla sirena; Elisabeth Lange non riuscirebbe a vedere le proprie colpe. Sul pavimento, un rotolo della commedia Asinaria di Plauto viene bruciato sotto il suo sandalo, a causa di una torcia che cade. La commedia non è scelta a caso, in quanto parla di soldi, amori e asini.Un altro amante di Mademoiselle Lange, rimosso dal suo piedistallo, è raffigurato nell'area scura sotto la sedia di Danae. Definito un satiro da alcuni studiosi, la testa che fa una smorfia è coronata dalle foglie di vite e ha l'aspetto di vignaiolo, un tale Leuthrop Beauregard. Una lumaca si trova su una delle sue foglie. Si dice che Beauregard avesse pagato una grande quantità di denaro per mezza giornata del suo tempo, il che è simboleggiato dalla moneta d'oro conficcata nell'orbita dell'occhio destro della figura.Il piede che sostiene la sedia di Mademoiselle Lange si è frantumato e viene sostenuto da un mattone. Un topo, catturato in una trappola, si trova accanto alla faccia del marchese illegittimo di Beauregard.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae.

Mademoiselle Lange viene raffigurata mentre raccoglie delle monete d'oro con un lenzuolo. Questa scena tipica dell'episodio della pioggia aurea associato con Danae fu adoperata da Girodet per raffigurare Mademoiselle Lange come una persona avara, se non come una vera prostituta arraffasoldi. La puttina alata che la aiuta a raccogliere le monete d'oro è Palmyre, la figlia illegittima avuta da una relazione con un banchiere. Ella è accompagnata da un tacchino che porta un anello nuziale sulla zampa. Questo simboleggia suo marito, Simons. C'è un bambino, che rappresenta il figlio avuto dal marito, che raccoglie delle piume di pavone (un simbolo di vanità) che crescono sul tacchino. La madre e i bambini hanno le teste abbellite da dei copricapi ricavati dalle piume di pavone.Due colombe bianche sono legate a una bilancia e ognuna ha un'iscrizione latina sul collare. La scritta latina fidelitas ("fedeltà") si trova attorno al collo dell'uccello la cui ala sinistra è stata schiacciata da una delle monete d'oro e perde sangue: è un'allusione all'adulterio. L'altra (constantia, "costanza") è scritta attorno al collo dell'uccello che è fuggito, lasciando intendere nuovamente che il carattere della donna è instabile.Sullo sfondo, una statua dell'Abbondanza è illuminata debolmente da un focherello che ha attirato alcune falene. Alla base della statua si trova un'altra espressione in latino: bonæ spei et. laribus sacrum, ossia "sacro alla buona speranza e ai Lari". Sopra la donna si trova un ragno, la cui ragnatela raccoglie alcune delle monete che cadono dall'alto.Inoltre, i quattro angoli della cornice furono decorati con dei rilievi di cammei ornati, ognuno dei quali contiene delle frasi o motti latini.Il suo specchio, ora rotto e che non produce più alcun riflesso, è un attributo della Vanitas che è usato assieme alla sirena; Elisabeth Lange non riuscirebbe a vedere le proprie colpe. Sul pavimento, un rotolo della commedia Asinaria di Plauto viene bruciato sotto il suo sandalo, a causa di una torcia che cade. La commedia non è scelta a caso, in quanto parla di soldi, amori e asini.Un altro amante di Mademoiselle Lange, rimosso dal suo piedistallo, è raffigurato nell'area scura sotto la sedia di Danae. Definito un satiro da alcuni studiosi, la testa che fa una smorfia è coronata dalle foglie di vite e ha l'aspetto di vignaiolo, un tale Leuthrop Beauregard. Una lumaca si trova su una delle sue foglie. Si dice che Beauregard avesse pagato una grande quantità di denaro per mezza giornata del suo tempo, il che è simboleggiato dalla moneta d'oro conficcata nell'orbita dell'occhio destro della figura.Il piede che sostiene la sedia di Mademoiselle Lange si è frantumato e viene sostenuto da un mattone. Un topo, catturato in una trappola, si trova accanto alla faccia del marchese illegittimo di Beauregard.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come chiarisce Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae la sua Descrizione?

Mademoiselle Lange viene raffigurata mentre raccoglie delle monete d'oro con un lenzuolo. Questa scena tipica dell'episodio della pioggia aurea associato con Danae fu adoperata da Girodet per raffigurare Mademoiselle Lange come una persona avara, se non come una vera prostituta arraffasoldi. La puttina alata che la aiuta a raccogliere le monete d'oro è Palmyre, la figlia illegittima avuta da una relazione con un banchiere. Ella è accompagnata da un tacchino che porta un anello nuziale sulla zampa. Questo simboleggia suo marito, Simons. C'è un bambino, che rappresenta il figlio avuto dal marito, che raccoglie delle piume di pavone (un simbolo di vanità) che crescono sul tacchino. La madre e i bambini hanno le teste abbellite da dei copricapi ricavati dalle piume di pavone.Due colombe bianche sono legate a una bilancia e ognuna ha un'iscrizione latina sul collare. La scritta latina fidelitas ("fedeltà") si trova attorno al collo dell'uccello la cui ala sinistra è stata schiacciata da una delle monete d'oro e perde sangue: è un'allusione all'adulterio. L'altra (constantia, "costanza") è scritta attorno al collo dell'uccello che è fuggito, lasciando intendere nuovamente che il carattere della donna è instabile.Sullo sfondo, una statua dell'Abbondanza è illuminata debolmente da un focherello che ha attirato alcune falene. Alla base della statua si trova un'altra espressione in latino: bonæ spei et. laribus sacrum, ossia "sacro alla buona speranza e ai Lari". Sopra la donna si trova un ragno, la cui ragnatela raccoglie alcune delle monete che cadono dall'alto.Inoltre, i quattro angoli della cornice furono decorati con dei rilievi di cammei ornati, ognuno dei quali contiene delle frasi o motti latini.Il suo specchio, ora rotto e che non produce più alcun riflesso, è un attributo della Vanitas che è usato assieme alla sirena; Elisabeth Lange non riuscirebbe a vedere le proprie colpe. Sul pavimento, un rotolo della commedia Asinaria di Plauto viene bruciato sotto il suo sandalo, a causa di una torcia che cade. La commedia non è scelta a caso, in quanto parla di soldi, amori e asini.Un altro amante di Mademoiselle Lange, rimosso dal suo piedistallo, è raffigurato nell'area scura sotto la sedia di Danae. Definito un satiro da alcuni studiosi, la testa che fa una smorfia è coronata dalle foglie di vite e ha l'aspetto di vignaiolo, un tale Leuthrop Beauregard. Una lumaca si trova su una delle sue foglie. Si dice che Beauregard avesse pagato una grande quantità di denaro per mezza giornata del suo tempo, il che è simboleggiato dalla moneta d'oro conficcata nell'orbita dell'occhio destro della figura.Il piede che sostiene la sedia di Mademoiselle Lange si è frantumato e viene sostenuto da un mattone. Un topo, catturato in una trappola, si trova accanto alla faccia del marchese illegittimo di Beauregard.

desin[a]t in piscem mulier formosa superne


Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae?

Mademoiselle Lange viene raffigurata mentre raccoglie delle monete d'oro con un lenzuolo. Questa scena tipica dell'episodio della pioggia aurea associato con Danae fu adoperata da Girodet per raffigurare Mademoiselle Lange come una persona avara, se non come una vera prostituta arraffasoldi. La puttina alata che la aiuta a raccogliere le monete d'oro è Palmyre, la figlia illegittima avuta da una relazione con un banchiere. Ella è accompagnata da un tacchino che porta un anello nuziale sulla zampa. Questo simboleggia suo marito, Simons. C'è un bambino, che rappresenta il figlio avuto dal marito, che raccoglie delle piume di pavone (un simbolo di vanità) che crescono sul tacchino. La madre e i bambini hanno le teste abbellite da dei copricapi ricavati dalle piume di pavone.Due colombe bianche sono legate a una bilancia e ognuna ha un'iscrizione latina sul collare. La scritta latina fidelitas ("fedeltà") si trova attorno al collo dell'uccello la cui ala sinistra è stata schiacciata da una delle monete d'oro e perde sangue: è un'allusione all'adulterio. L'altra (constantia, "costanza") è scritta attorno al collo dell'uccello che è fuggito, lasciando intendere nuovamente che il carattere della donna è instabile.Sullo sfondo, una statua dell'Abbondanza è illuminata debolmente da un focherello che ha attirato alcune falene. Alla base della statua si trova un'altra espressione in latino: bonæ spei et. laribus sacrum, ossia "sacro alla buona speranza e ai Lari". Sopra la donna si trova un ragno, la cui ragnatela raccoglie alcune delle monete che cadono dall'alto.Inoltre, i quattro angoli della cornice furono decorati con dei rilievi di cammei ornati, ognuno dei quali contiene delle frasi o motti latini.Il suo specchio, ora rotto e che non produce più alcun riflesso, è un attributo della Vanitas che è usato assieme alla sirena; Elisabeth Lange non riuscirebbe a vedere le proprie colpe. Sul pavimento, un rotolo della commedia Asinaria di Plauto viene bruciato sotto il suo sandalo, a causa di una torcia che cade. La commedia non è scelta a caso, in quanto parla di soldi, amori e asini.Un altro amante di Mademoiselle Lange, rimosso dal suo piedistallo, è raffigurato nell'area scura sotto la sedia di Danae. Definito un satiro da alcuni studiosi, la testa che fa una smorfia è coronata dalle foglie di vite e ha l'aspetto di vignaiolo, un tale Leuthrop Beauregard. Una lumaca si trova su una delle sue foglie. Si dice che Beauregard avesse pagato una grande quantità di denaro per mezza giornata del suo tempo, il che è simboleggiato dalla moneta d'oro conficcata nell'orbita dell'occhio destro della figura.Il piede che sostiene la sedia di Mademoiselle Lange si è frantumato e viene sostenuto da un mattone. Un topo, catturato in una trappola, si trova accanto alla faccia del marchese illegittimo di Beauregard.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Concentrati su Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae ed esplora la Impatto.

Anche se la Danae venne esposta solo per pochi giorni, venne mostrata al Louvre nel culmine del Direttorio francese. Desiderando essere dimenticata, Mademoiselle Lange lasciò la Francia per l'Italia, dove trovò un nuovo appiglio. Alcuni anni dopo, tornò in Francia per visitare e vedere come era cambiata la città. Lì vide una stampa dalla Danae di Girodet, al che osservò che quel ritratto "l'avrebbe fatta morire di dolore" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange rimase a Firenze fino alla sua morte nel 1816.In seguito, lo stesso Girodet espresse del rimorso nell'aver creato il quadro, e non volle mostrarlo ai suoi amici.

desin[a]t in piscem mulier formosa superne


Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Esplora la Impatto di questa opera d'arte, Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae.

Anche se la Danae venne esposta solo per pochi giorni, venne mostrata al Louvre nel culmine del Direttorio francese. Desiderando essere dimenticata, Mademoiselle Lange lasciò la Francia per l'Italia, dove trovò un nuovo appiglio. Alcuni anni dopo, tornò in Francia per visitare e vedere come era cambiata la città. Lì vide una stampa dalla Danae di Girodet, al che osservò che quel ritratto "l'avrebbe fatta morire di dolore" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange rimase a Firenze fino alla sua morte nel 1816.In seguito, lo stesso Girodet espresse del rimorso nell'aver creato il quadro, e non volle mostrarlo ai suoi amici.

desin[a]t in piscem mulier formosa superne


Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come chiarisce Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae la sua Impatto?

Anche se la Danae venne esposta solo per pochi giorni, venne mostrata al Louvre nel culmine del Direttorio francese. Desiderando essere dimenticata, Mademoiselle Lange lasciò la Francia per l'Italia, dove trovò un nuovo appiglio. Alcuni anni dopo, tornò in Francia per visitare e vedere come era cambiata la città. Lì vide una stampa dalla Danae di Girodet, al che osservò che quel ritratto "l'avrebbe fatta morire di dolore" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange rimase a Firenze fino alla sua morte nel 1816.In seguito, lo stesso Girodet espresse del rimorso nell'aver creato il quadro, e non volle mostrarlo ai suoi amici.

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Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae

Prompt: Come viene discussa la Impatto in Mademoiselle_Lange_nelle_vesti_di_Danae?

Anche se la Danae venne esposta solo per pochi giorni, venne mostrata al Louvre nel culmine del Direttorio francese. Desiderando essere dimenticata, Mademoiselle Lange lasciò la Francia per l'Italia, dove trovò un nuovo appiglio. Alcuni anni dopo, tornò in Francia per visitare e vedere come era cambiata la città. Lì vide una stampa dalla Danae di Girodet, al che osservò che quel ritratto "l'avrebbe fatta morire di dolore" (Ce portrait me fera mourir de chagrin). Mademoiselle Lange rimase a Firenze fino alla sua morte nel 1816.In seguito, lo stesso Girodet espresse del rimorso nell'aver creato il quadro, e non volle mostrarlo ai suoi amici.

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Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Concentrati su Ritratto_del_principe_Baltasar_Carlos_a_cavallo ed esplora la abstract.

Il principe Baltasar Carlos a cavallo è un dipinto a olio su tela (209x173 cm) realizzato nel 1635 circa dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il dipinto fu realizzato intorno al 1635 per il Salón de Reinos nel Palazzo Reale del Buen Retiro.

Categoria:Ritratti pittorici di uomini a cavallo

Categoria:Ritratti pittorici di principi


Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_del_principe_Baltasar_Carlos_a_cavallo.

Il principe Baltasar Carlos a cavallo è un dipinto a olio su tela (209x173 cm) realizzato nel 1635 circa dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il dipinto fu realizzato intorno al 1635 per il Salón de Reinos nel Palazzo Reale del Buen Retiro.

Categoria:Ritratti pittorici di uomini a cavallo

Categoria:Ritratti pittorici di principi


Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Come chiarisce Ritratto_del_principe_Baltasar_Carlos_a_cavallo la sua abstract?

Il principe Baltasar Carlos a cavallo è un dipinto a olio su tela (209x173 cm) realizzato nel 1635 circa dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il dipinto fu realizzato intorno al 1635 per il Salón de Reinos nel Palazzo Reale del Buen Retiro.

Categoria:Ritratti pittorici di uomini a cavallo

Categoria:Ritratti pittorici di principi


Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_del_principe_Baltasar_Carlos_a_cavallo?

Il principe Baltasar Carlos a cavallo è un dipinto a olio su tela (209x173 cm) realizzato nel 1635 circa dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il dipinto fu realizzato intorno al 1635 per il Salón de Reinos nel Palazzo Reale del Buen Retiro.

Categoria:Ritratti pittorici di uomini a cavallo

Categoria:Ritratti pittorici di principi


Messa_di_Bolsena

Prompt: Concentrati su Messa_di_Bolsena ed esplora la abstract.

La Messa di Bolsena è un affresco (circa 500x660 cm) di Raffaello e aiuti, databile al 1512 e situato nella Stanza di Eliodoro, una delle Stanze Vaticane. Raffigura il miracolo eucaristico di Bolsena.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Messa_di_Bolsena.

La Messa di Bolsena è un affresco (circa 500x660 cm) di Raffaello e aiuti, databile al 1512 e situato nella Stanza di Eliodoro, una delle Stanze Vaticane. Raffigura il miracolo eucaristico di Bolsena.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Come chiarisce Messa_di_Bolsena la sua abstract?

La Messa di Bolsena è un affresco (circa 500x660 cm) di Raffaello e aiuti, databile al 1512 e situato nella Stanza di Eliodoro, una delle Stanze Vaticane. Raffigura il miracolo eucaristico di Bolsena.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Come viene discussa la abstract in Messa_di_Bolsena?

La Messa di Bolsena è un affresco (circa 500x660 cm) di Raffaello e aiuti, databile al 1512 e situato nella Stanza di Eliodoro, una delle Stanze Vaticane. Raffigura il miracolo eucaristico di Bolsena.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Concentrati su Messa_di_Bolsena ed esplora la Storia.

I primi disegni per gli affreschi della stanza poi detta di Eliodoro, dal soggetto di questo affresco, vennero approntati da Raffaello già nell'estate del 1511, quando i lavori alla Stanza della Segnatura non erano ancora terminati. In particolare la scelta dei soggetti, legati a interventi miracolosi per la salvaguardia della Chiesa, venne suggerita dal pontefice e rifletteva il duro momento dopo le sconfitte contro i francesi, che avevano portato alla perdita di Bologna e alle minacce continue di eserciti stranieri nella penisola. Il pontefice, tornato a Roma nel giugno di quell'anno, aveva fatto voto di non radersi più la barba finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri, infatti in tutte le nuove scene compare barbuto.La Messa di Bolsena è in genere riconosciuta come la seconda scena ad essere affrescata nella stanza dopo la Cacciata di Eliodoro, nel corso del 1512, come testimonia anche l'iscrizione nello sguancio della finestra: JVLIVS II. LIGVR. PONT. MAX. ANN. CHRIST. MDXII PONTIFICAT. SVI VIII. Su questa parete il Bramantino aveva precedentemente affrescato, qualche anno prima, figure di condottieri. La scena di Raffaello evoca la particolare devozione del papa verso l'eucaristia. Dopo il rovesciamento delle alleanze del 1512, che aveva portato un trionfo momentaneo del pontefice, Giulio II si volle far ritrarre in maniera più evidente negli affreschi, come si nota dal confronto con gli schizzi preparatori. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. Infatti, venne espresso il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musée Napoléon delle spoliazioni napoleoniche, ma questo non venne mai realizzato a causa delle difficoltà tecniche e dei tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.La parte sinistra è interessata da estesi restauri, all'origine di alcuni scadimenti qualitativi.Dell'opera resta uno studio di figura femminile nelle collezioni del duca del Devonshire a Chatsworth.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Messa_di_Bolsena.

I primi disegni per gli affreschi della stanza poi detta di Eliodoro, dal soggetto di questo affresco, vennero approntati da Raffaello già nell'estate del 1511, quando i lavori alla Stanza della Segnatura non erano ancora terminati. In particolare la scelta dei soggetti, legati a interventi miracolosi per la salvaguardia della Chiesa, venne suggerita dal pontefice e rifletteva il duro momento dopo le sconfitte contro i francesi, che avevano portato alla perdita di Bologna e alle minacce continue di eserciti stranieri nella penisola. Il pontefice, tornato a Roma nel giugno di quell'anno, aveva fatto voto di non radersi più la barba finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri, infatti in tutte le nuove scene compare barbuto.La Messa di Bolsena è in genere riconosciuta come la seconda scena ad essere affrescata nella stanza dopo la Cacciata di Eliodoro, nel corso del 1512, come testimonia anche l'iscrizione nello sguancio della finestra: JVLIVS II. LIGVR. PONT. MAX. ANN. CHRIST. MDXII PONTIFICAT. SVI VIII. Su questa parete il Bramantino aveva precedentemente affrescato, qualche anno prima, figure di condottieri. La scena di Raffaello evoca la particolare devozione del papa verso l'eucaristia. Dopo il rovesciamento delle alleanze del 1512, che aveva portato un trionfo momentaneo del pontefice, Giulio II si volle far ritrarre in maniera più evidente negli affreschi, come si nota dal confronto con gli schizzi preparatori. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. Infatti, venne espresso il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musée Napoléon delle spoliazioni napoleoniche, ma questo non venne mai realizzato a causa delle difficoltà tecniche e dei tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.La parte sinistra è interessata da estesi restauri, all'origine di alcuni scadimenti qualitativi.Dell'opera resta uno studio di figura femminile nelle collezioni del duca del Devonshire a Chatsworth.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Come chiarisce Messa_di_Bolsena la sua Storia?

I primi disegni per gli affreschi della stanza poi detta di Eliodoro, dal soggetto di questo affresco, vennero approntati da Raffaello già nell'estate del 1511, quando i lavori alla Stanza della Segnatura non erano ancora terminati. In particolare la scelta dei soggetti, legati a interventi miracolosi per la salvaguardia della Chiesa, venne suggerita dal pontefice e rifletteva il duro momento dopo le sconfitte contro i francesi, che avevano portato alla perdita di Bologna e alle minacce continue di eserciti stranieri nella penisola. Il pontefice, tornato a Roma nel giugno di quell'anno, aveva fatto voto di non radersi più la barba finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri, infatti in tutte le nuove scene compare barbuto.La Messa di Bolsena è in genere riconosciuta come la seconda scena ad essere affrescata nella stanza dopo la Cacciata di Eliodoro, nel corso del 1512, come testimonia anche l'iscrizione nello sguancio della finestra: JVLIVS II. LIGVR. PONT. MAX. ANN. CHRIST. MDXII PONTIFICAT. SVI VIII. Su questa parete il Bramantino aveva precedentemente affrescato, qualche anno prima, figure di condottieri. La scena di Raffaello evoca la particolare devozione del papa verso l'eucaristia. Dopo il rovesciamento delle alleanze del 1512, che aveva portato un trionfo momentaneo del pontefice, Giulio II si volle far ritrarre in maniera più evidente negli affreschi, come si nota dal confronto con gli schizzi preparatori. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. Infatti, venne espresso il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musée Napoléon delle spoliazioni napoleoniche, ma questo non venne mai realizzato a causa delle difficoltà tecniche e dei tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.La parte sinistra è interessata da estesi restauri, all'origine di alcuni scadimenti qualitativi.Dell'opera resta uno studio di figura femminile nelle collezioni del duca del Devonshire a Chatsworth.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
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Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Come viene discussa la Storia in Messa_di_Bolsena?

I primi disegni per gli affreschi della stanza poi detta di Eliodoro, dal soggetto di questo affresco, vennero approntati da Raffaello già nell'estate del 1511, quando i lavori alla Stanza della Segnatura non erano ancora terminati. In particolare la scelta dei soggetti, legati a interventi miracolosi per la salvaguardia della Chiesa, venne suggerita dal pontefice e rifletteva il duro momento dopo le sconfitte contro i francesi, che avevano portato alla perdita di Bologna e alle minacce continue di eserciti stranieri nella penisola. Il pontefice, tornato a Roma nel giugno di quell'anno, aveva fatto voto di non radersi più la barba finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri, infatti in tutte le nuove scene compare barbuto.La Messa di Bolsena è in genere riconosciuta come la seconda scena ad essere affrescata nella stanza dopo la Cacciata di Eliodoro, nel corso del 1512, come testimonia anche l'iscrizione nello sguancio della finestra: JVLIVS II. LIGVR. PONT. MAX. ANN. CHRIST. MDXII PONTIFICAT. SVI VIII. Su questa parete il Bramantino aveva precedentemente affrescato, qualche anno prima, figure di condottieri. La scena di Raffaello evoca la particolare devozione del papa verso l'eucaristia. Dopo il rovesciamento delle alleanze del 1512, che aveva portato un trionfo momentaneo del pontefice, Giulio II si volle far ritrarre in maniera più evidente negli affreschi, come si nota dal confronto con gli schizzi preparatori. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. Infatti, venne espresso il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musée Napoléon delle spoliazioni napoleoniche, ma questo non venne mai realizzato a causa delle difficoltà tecniche e dei tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.La parte sinistra è interessata da estesi restauri, all'origine di alcuni scadimenti qualitativi.Dell'opera resta uno studio di figura femminile nelle collezioni del duca del Devonshire a Chatsworth.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Concentrati su Messa_di_Bolsena ed esplora la Descrizione e stile.

La frattura asimmetrica della finestra (larga 295 cm) che si apre nella parete costrinse Raffaello ad organizzare la scena su un piano rialzato al centro e due gruppi di figure in basso ai lati. Il miracolo eucaristico di Bolsena avvenne nel 1263, quando un sacerdote boemo, dubitante della transustanziazione, vide sgorgare gocce di sangue vivo da un'ostia durante la celebrazione eucaristica, che macchiarono anche il corporale, reliquia da allora custodita nel Duomo di Orvieto, nella cui diocesi ricade anche Bolsena. Vulgata vuole che l'avvenimento fosse stato riconosciuto da Urbano IV, il quale nel 1264 istituì la festa del Corpus Domini con bolla Transiturus dalla sede apostolica in Orvieto. La scena celebrava il culto personale del papa, omaggiando al tempo stesso suo zio Sisto IV, che aveva promosso il culto del Corpus Domini, nonché il trionfo della Chiesa nel concilio Lateranense aperto nel maggio 1512.La scena è impostata in masse equilibrate, ma con una simmetria piuttosto libera, di estrema naturalezza, variando la successione dei gradini che portano alla zona superiore dell'altare e disponendo in maniera diversa le masse ai lati. La tensione appare contenuta, come interiorizzata dagli astanti. Sullo sfondo di una basilica classicheggiante aperta sul cielo (proprio come nella Scuola di Atene), l'artista isolò l'altare attraverso la massa scura di un'esedra lignea, una specie di coro rovesciato, cinquecentesco, da cui si sporgono due curiosi. Al centro si vede il blocco dell'altare, coperto da un telo a righe dorate e con una misurata natura morta di oggetti liturgici sopra, dove il sacerdote boemo sta celebrando la messa, seguito da numerosi chierici inginocchiati con ceri processionali in mano.Davanti a lui è inginocchiato Giulio II, in tutta la pompa della sua posizione, con i gomiti appoggiati su un voluminoso cuscino con nappe agli angoli, retto da un faldistorio con intagli leonini. Ha alle spalle un gruppo di cardinali e più in basso alcuni sediari pontifici attendono seduti. Tra i prelati sono stati riconosciuti i cardinali Gabriele de' Gabrielli di Gubbio, con le braccia incrociate al petto, e Raffaele Riario (o forse il cardinale Sangiorgio), con le mani giunte. Più che un miracolo che accade, è un miracolo che si ripete davanti al papa testimone.A sinistra si trova un gruppo di astanti sorpresi, in piedi o seduti in terra, che ripetono come se fossero attori i loro gesti ammirativi o dimostrativi. Se la ricostruzione storica è ancora una proiezione immaginaria del passato, la ripetizione rituale del fatto si colloca nel presente: l'architettura all'antica, che indica un tempo remoto, è solo uno sfondo.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
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Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Messa_di_Bolsena.

La frattura asimmetrica della finestra (larga 295 cm) che si apre nella parete costrinse Raffaello ad organizzare la scena su un piano rialzato al centro e due gruppi di figure in basso ai lati. Il miracolo eucaristico di Bolsena avvenne nel 1263, quando un sacerdote boemo, dubitante della transustanziazione, vide sgorgare gocce di sangue vivo da un'ostia durante la celebrazione eucaristica, che macchiarono anche il corporale, reliquia da allora custodita nel Duomo di Orvieto, nella cui diocesi ricade anche Bolsena. Vulgata vuole che l'avvenimento fosse stato riconosciuto da Urbano IV, il quale nel 1264 istituì la festa del Corpus Domini con bolla Transiturus dalla sede apostolica in Orvieto. La scena celebrava il culto personale del papa, omaggiando al tempo stesso suo zio Sisto IV, che aveva promosso il culto del Corpus Domini, nonché il trionfo della Chiesa nel concilio Lateranense aperto nel maggio 1512.La scena è impostata in masse equilibrate, ma con una simmetria piuttosto libera, di estrema naturalezza, variando la successione dei gradini che portano alla zona superiore dell'altare e disponendo in maniera diversa le masse ai lati. La tensione appare contenuta, come interiorizzata dagli astanti. Sullo sfondo di una basilica classicheggiante aperta sul cielo (proprio come nella Scuola di Atene), l'artista isolò l'altare attraverso la massa scura di un'esedra lignea, una specie di coro rovesciato, cinquecentesco, da cui si sporgono due curiosi. Al centro si vede il blocco dell'altare, coperto da un telo a righe dorate e con una misurata natura morta di oggetti liturgici sopra, dove il sacerdote boemo sta celebrando la messa, seguito da numerosi chierici inginocchiati con ceri processionali in mano.Davanti a lui è inginocchiato Giulio II, in tutta la pompa della sua posizione, con i gomiti appoggiati su un voluminoso cuscino con nappe agli angoli, retto da un faldistorio con intagli leonini. Ha alle spalle un gruppo di cardinali e più in basso alcuni sediari pontifici attendono seduti. Tra i prelati sono stati riconosciuti i cardinali Gabriele de' Gabrielli di Gubbio, con le braccia incrociate al petto, e Raffaele Riario (o forse il cardinale Sangiorgio), con le mani giunte. Più che un miracolo che accade, è un miracolo che si ripete davanti al papa testimone.A sinistra si trova un gruppo di astanti sorpresi, in piedi o seduti in terra, che ripetono come se fossero attori i loro gesti ammirativi o dimostrativi. Se la ricostruzione storica è ancora una proiezione immaginaria del passato, la ripetizione rituale del fatto si colloca nel presente: l'architettura all'antica, che indica un tempo remoto, è solo uno sfondo.

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corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
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Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
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Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
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1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Come chiarisce Messa_di_Bolsena la sua Descrizione e stile?

La frattura asimmetrica della finestra (larga 295 cm) che si apre nella parete costrinse Raffaello ad organizzare la scena su un piano rialzato al centro e due gruppi di figure in basso ai lati. Il miracolo eucaristico di Bolsena avvenne nel 1263, quando un sacerdote boemo, dubitante della transustanziazione, vide sgorgare gocce di sangue vivo da un'ostia durante la celebrazione eucaristica, che macchiarono anche il corporale, reliquia da allora custodita nel Duomo di Orvieto, nella cui diocesi ricade anche Bolsena. Vulgata vuole che l'avvenimento fosse stato riconosciuto da Urbano IV, il quale nel 1264 istituì la festa del Corpus Domini con bolla Transiturus dalla sede apostolica in Orvieto. La scena celebrava il culto personale del papa, omaggiando al tempo stesso suo zio Sisto IV, che aveva promosso il culto del Corpus Domini, nonché il trionfo della Chiesa nel concilio Lateranense aperto nel maggio 1512.La scena è impostata in masse equilibrate, ma con una simmetria piuttosto libera, di estrema naturalezza, variando la successione dei gradini che portano alla zona superiore dell'altare e disponendo in maniera diversa le masse ai lati. La tensione appare contenuta, come interiorizzata dagli astanti. Sullo sfondo di una basilica classicheggiante aperta sul cielo (proprio come nella Scuola di Atene), l'artista isolò l'altare attraverso la massa scura di un'esedra lignea, una specie di coro rovesciato, cinquecentesco, da cui si sporgono due curiosi. Al centro si vede il blocco dell'altare, coperto da un telo a righe dorate e con una misurata natura morta di oggetti liturgici sopra, dove il sacerdote boemo sta celebrando la messa, seguito da numerosi chierici inginocchiati con ceri processionali in mano.Davanti a lui è inginocchiato Giulio II, in tutta la pompa della sua posizione, con i gomiti appoggiati su un voluminoso cuscino con nappe agli angoli, retto da un faldistorio con intagli leonini. Ha alle spalle un gruppo di cardinali e più in basso alcuni sediari pontifici attendono seduti. Tra i prelati sono stati riconosciuti i cardinali Gabriele de' Gabrielli di Gubbio, con le braccia incrociate al petto, e Raffaele Riario (o forse il cardinale Sangiorgio), con le mani giunte. Più che un miracolo che accade, è un miracolo che si ripete davanti al papa testimone.A sinistra si trova un gruppo di astanti sorpresi, in piedi o seduti in terra, che ripetono come se fossero attori i loro gesti ammirativi o dimostrativi. Se la ricostruzione storica è ancora una proiezione immaginaria del passato, la ripetizione rituale del fatto si colloca nel presente: l'architettura all'antica, che indica un tempo remoto, è solo uno sfondo.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
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Dettaglio: il gruppo dei Sediari
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Dettaglio: papa Giulio II
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Bolsena
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Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
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Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
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Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
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Papa Sisto IV
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Messa_di_Bolsena

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Messa_di_Bolsena?

La frattura asimmetrica della finestra (larga 295 cm) che si apre nella parete costrinse Raffaello ad organizzare la scena su un piano rialzato al centro e due gruppi di figure in basso ai lati. Il miracolo eucaristico di Bolsena avvenne nel 1263, quando un sacerdote boemo, dubitante della transustanziazione, vide sgorgare gocce di sangue vivo da un'ostia durante la celebrazione eucaristica, che macchiarono anche il corporale, reliquia da allora custodita nel Duomo di Orvieto, nella cui diocesi ricade anche Bolsena. Vulgata vuole che l'avvenimento fosse stato riconosciuto da Urbano IV, il quale nel 1264 istituì la festa del Corpus Domini con bolla Transiturus dalla sede apostolica in Orvieto. La scena celebrava il culto personale del papa, omaggiando al tempo stesso suo zio Sisto IV, che aveva promosso il culto del Corpus Domini, nonché il trionfo della Chiesa nel concilio Lateranense aperto nel maggio 1512.La scena è impostata in masse equilibrate, ma con una simmetria piuttosto libera, di estrema naturalezza, variando la successione dei gradini che portano alla zona superiore dell'altare e disponendo in maniera diversa le masse ai lati. La tensione appare contenuta, come interiorizzata dagli astanti. Sullo sfondo di una basilica classicheggiante aperta sul cielo (proprio come nella Scuola di Atene), l'artista isolò l'altare attraverso la massa scura di un'esedra lignea, una specie di coro rovesciato, cinquecentesco, da cui si sporgono due curiosi. Al centro si vede il blocco dell'altare, coperto da un telo a righe dorate e con una misurata natura morta di oggetti liturgici sopra, dove il sacerdote boemo sta celebrando la messa, seguito da numerosi chierici inginocchiati con ceri processionali in mano.Davanti a lui è inginocchiato Giulio II, in tutta la pompa della sua posizione, con i gomiti appoggiati su un voluminoso cuscino con nappe agli angoli, retto da un faldistorio con intagli leonini. Ha alle spalle un gruppo di cardinali e più in basso alcuni sediari pontifici attendono seduti. Tra i prelati sono stati riconosciuti i cardinali Gabriele de' Gabrielli di Gubbio, con le braccia incrociate al petto, e Raffaele Riario (o forse il cardinale Sangiorgio), con le mani giunte. Più che un miracolo che accade, è un miracolo che si ripete davanti al papa testimone.A sinistra si trova un gruppo di astanti sorpresi, in piedi o seduti in terra, che ripetono come se fossero attori i loro gesti ammirativi o dimostrativi. Se la ricostruzione storica è ancora una proiezione immaginaria del passato, la ripetizione rituale del fatto si colloca nel presente: l'architettura all'antica, che indica un tempo remoto, è solo uno sfondo.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
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Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
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Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
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1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Nel contesto di Messa_di_Bolsena, esplora la Il colore e la Descrizione e stile.

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata. La straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel (1909) fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti (1503), il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente (Longhi). Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
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1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Esplora la Il colore sulla Descrizione e stile di questa opera d'arte, Messa_di_Bolsena.

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata. La straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel (1909) fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti (1503), il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente (Longhi). Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
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Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
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Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
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Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
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Sisto IV
Concilio Lateranense V
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Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
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Raffaele Riario
Chatsworth
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Chatsworth House
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Bologna
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Bramantino
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Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: In Messa_di_Bolsena, come viene chiarita la Il colore della Descrizione e stile?

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata. La straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel (1909) fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti (1503), il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente (Longhi). Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

1263
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Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
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Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
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Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
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Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
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Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Messa_di_Bolsena

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Il colore nella Descrizione e stile di Messa_di_Bolsena.

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata. La straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel (1909) fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti (1503), il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente (Longhi). Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

1263
corporale
Gabriele de' Gabrielli
Devon
Longhi
Cacciata di Eliodoro
Transiturus de hoc mundo
Categoria:Dipinti a soggetto religioso
Musei Vaticani
affresco
Raffaello Sanzio
Stanze Vaticane
spoliazioni napoleoniche
Enciclopedia Britannica
Giovanni Antonio Sangiorgio
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Categoria:Stanze di Raffaello
Stanza di Eliodoro
Giulio II
Repubblica Romana (1798-1799)
Stanza della Segnatura
Dettaglio: il gruppo dei Sediari
Raffaello
Cacciata di Eliodoro dal tempio
1511
File:Messa di bolsena 04.jpg
Scuola di Atene
Sebastiano del Piombo
Dettaglio: papa Giulio II
Repubblica Romana
Stanze di Raffaello
Roberto Longhi (storico dell'arte)
Papa Giulio II
Bolsena
cardinale Sangiorgio
Furti napoleonici
Papa Urbano IV
Miracolo eucaristico di Bolsena
File:Messa di bolsena 03.jpg
Sisto IV
Concilio Lateranense V
Gabriele de' Gabrielli di Gubbio
Lorenzo Lotto
Urbano IV
Transiturus
sediari pontifici
miracolo eucaristico di Bolsena
thumb
Raffaele Riario
Chatsworth
Orvieto
Chatsworth House
concilio Lateranense
Città del Vaticano
Duomo di Orvieto
Papa Sisto IV
Bologna
transustanziazione
colorismo veneziano
1512
Bramantino
Corpus Domini
eucaristia
Museo del Louvre
Devonshire
tonalismo
sguancio
File:Messa di bolsena 05.jpg
1264
Musée Napoléon
Dettaglio


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Concentrati su Autoritratto_all'età_di_63_anni ed esplora la abstract.

L'Autoritratto all'età di 63 anni è un dipinto a olio su tela (102x80 cm) di Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, datato 1669 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato e datato, come si scoprì durante la pulitura del 1967: firma e data sono però ormai leggibili solo agli infrarossi.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Autoritratto_all'età_di_63_anni.

L'Autoritratto all'età di 63 anni è un dipinto a olio su tela (102x80 cm) di Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, datato 1669 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato e datato, come si scoprì durante la pulitura del 1967: firma e data sono però ormai leggibili solo agli infrarossi.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_all'età_di_63_anni la sua abstract?

L'Autoritratto all'età di 63 anni è un dipinto a olio su tela (102x80 cm) di Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, datato 1669 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato e datato, come si scoprì durante la pulitura del 1967: firma e data sono però ormai leggibili solo agli infrarossi.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Come viene discussa la abstract in Autoritratto_all'età_di_63_anni?

L'Autoritratto all'età di 63 anni è un dipinto a olio su tela (102x80 cm) di Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, datato 1669 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato e datato, come si scoprì durante la pulitura del 1967: firma e data sono però ormai leggibili solo agli infrarossi.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Concentrati su Autoritratto_all'età_di_63_anni ed esplora la Storia e descrizione.

A pochi mesi prima della morte, in un periodo reso amaro, oltre che dalla tarda età, dalla morte della moglie, dell'amato figlio e del socio di vecchia data, Rembrandt si autoritrasse per l'ennesima volta, in un dipinto dal fondo scuro con il busto di tre quarti, il volto ruotato verso lo spettatore e un gomito poggiato idealmente sul bordo inferiore della tela, autocitandosi da opere giovanili quali l'incisione del 1639 e l'Autoritratto con camicia ricamata del 1640.Nonostante il periodo difficile l'artista dimostrò di non aver certo appannato la sua straordinaria capacità di rendere le emozioni in pittura, pur con economia di mezzi, usando pigmenti semplici. Un raggio di luce colpisce l'artista in pieno volto, rischiarando anche lo sfondo in corrispondenza, e facendo del viso il fulcro incontrastato dell'opera. Con una pennellata ruvida e grezza, con strati di colori spessi e pastosi, che rendono con espressività e suggestione la pelle di una persona anziana, Rembrandt si autoritrasse con uno sguardo ancora sicuro e orgoglioso, indirizzato direttamente verso chi guarda, ma con un senso di mestizia e spossatezza. La particolare tecnica dimostra tutto lo sperimentalismo che l'artista non smise mai di ricercare, pur in tarda età, capace anzi di ottenere effetti ancora più moderni e struggenti.Indossa un cappotto rosso/bruno bordato di pelliccia, un berretto, e incrocia le mani. I raggi X mostrano che nel disegno originale aveva previsto di tenere le mani separate e impugnare un pennello, ma poi questo dettaglio fu eliminato, forse per sottolineare la rappresentazione di se stesso come uomo, più che come artista, o forse semplicemente per non distrarre l'attenzione dal volto. Un altro pentimento sta nella foggia del berretto, inizialmente pensato più ampio e interamente bianco.L'opera entrò nel museo nel 1851.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Esplora la Storia e descrizione di questa opera d'arte, Autoritratto_all'età_di_63_anni.

A pochi mesi prima della morte, in un periodo reso amaro, oltre che dalla tarda età, dalla morte della moglie, dell'amato figlio e del socio di vecchia data, Rembrandt si autoritrasse per l'ennesima volta, in un dipinto dal fondo scuro con il busto di tre quarti, il volto ruotato verso lo spettatore e un gomito poggiato idealmente sul bordo inferiore della tela, autocitandosi da opere giovanili quali l'incisione del 1639 e l'Autoritratto con camicia ricamata del 1640.Nonostante il periodo difficile l'artista dimostrò di non aver certo appannato la sua straordinaria capacità di rendere le emozioni in pittura, pur con economia di mezzi, usando pigmenti semplici. Un raggio di luce colpisce l'artista in pieno volto, rischiarando anche lo sfondo in corrispondenza, e facendo del viso il fulcro incontrastato dell'opera. Con una pennellata ruvida e grezza, con strati di colori spessi e pastosi, che rendono con espressività e suggestione la pelle di una persona anziana, Rembrandt si autoritrasse con uno sguardo ancora sicuro e orgoglioso, indirizzato direttamente verso chi guarda, ma con un senso di mestizia e spossatezza. La particolare tecnica dimostra tutto lo sperimentalismo che l'artista non smise mai di ricercare, pur in tarda età, capace anzi di ottenere effetti ancora più moderni e struggenti.Indossa un cappotto rosso/bruno bordato di pelliccia, un berretto, e incrocia le mani. I raggi X mostrano che nel disegno originale aveva previsto di tenere le mani separate e impugnare un pennello, ma poi questo dettaglio fu eliminato, forse per sottolineare la rappresentazione di se stesso come uomo, più che come artista, o forse semplicemente per non distrarre l'attenzione dal volto. Un altro pentimento sta nella foggia del berretto, inizialmente pensato più ampio e interamente bianco.L'opera entrò nel museo nel 1851.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg


Autoritratto_all'età_di_63_anni

Prompt: Come chiarisce Autoritratto_all'età_di_63_anni la sua Storia e descrizione?

A pochi mesi prima della morte, in un periodo reso amaro, oltre che dalla tarda età, dalla morte della moglie, dell'amato figlio e del socio di vecchia data, Rembrandt si autoritrasse per l'ennesima volta, in un dipinto dal fondo scuro con il busto di tre quarti, il volto ruotato verso lo spettatore e un gomito poggiato idealmente sul bordo inferiore della tela, autocitandosi da opere giovanili quali l'incisione del 1639 e l'Autoritratto con camicia ricamata del 1640.Nonostante il periodo difficile l'artista dimostrò di non aver certo appannato la sua straordinaria capacità di rendere le emozioni in pittura, pur con economia di mezzi, usando pigmenti semplici. Un raggio di luce colpisce l'artista in pieno volto, rischiarando anche lo sfondo in corrispondenza, e facendo del viso il fulcro incontrastato dell'opera. Con una pennellata ruvida e grezza, con strati di colori spessi e pastosi, che rendono con espressività e suggestione la pelle di una persona anziana, Rembrandt si autoritrasse con uno sguardo ancora sicuro e orgoglioso, indirizzato direttamente verso chi guarda, ma con un senso di mestizia e spossatezza. La particolare tecnica dimostra tutto lo sperimentalismo che l'artista non smise mai di ricercare, pur in tarda età, capace anzi di ottenere effetti ancora più moderni e struggenti.Indossa un cappotto rosso/bruno bordato di pelliccia, un berretto, e incrocia le mani. I raggi X mostrano che nel disegno originale aveva previsto di tenere le mani separate e impugnare un pennello, ma poi questo dettaglio fu eliminato, forse per sottolineare la rappresentazione di se stesso come uomo, più che come artista, o forse semplicemente per non distrarre l'attenzione dal volto. Un altro pentimento sta nella foggia del berretto, inizialmente pensato più ampio e interamente bianco.L'opera entrò nel museo nel 1851.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Self-portrait at 34 by Rembrandt (rectangular detail).jpg