Maestà_di_Ognissanti

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Maestà_di_Ognissanti.

Il confronto con le opere precedenti dà un valido metro di come l'arte di Giotto si muovesse ormai verso un radicale rinnovamento della pittura, anche se non mancano stilemi arcaici come il fondo oro e le proporzioni gerarchiche, queste ultime dovute forse alla necessità di mostrare il maggior numero possibile di fedeli attorno alla Vergine. Il tema della Maestà è reinterpretato con grande originalità, incentrato sul recupero della spazialità tridimensionale degli antichi e sul superamento della frontalità bizantina.La Madonna e il Bambino hanno un volume solido, ben sviluppato in plasticità, dal netto contrasto tra ombre e lumeggiature, molto più che nella vicina opera di Cimabue (la Maestà di Santa Trinita) di circa dieci anni anteriore. Il peso così terreno delle figure è evidenziato dalla gracilità delle strutture architettoniche del trono che è di gusto gotico francese con decorazioni di gusto geometrico alla base. Raffinati sono i colori, come il bianco madreperlaceo della veste, il blu di lapislazzuli del manto, il rosso intenso della fodera. Maria è una matrona che, in maniera del tutto originale, accenna quasi un sorriso, dischiudendo appena le labbra e mostrando da uno spiraglio i denti bianchi.Le figure sono incorniciate da un raffinato trono cuspidato, creato secondo una prospettiva intuitiva ma efficace, che accentua la profondità spaziale, nonostante il fondo oro. Esso si ispira a Cimabue, ma ha anche una straordinaria somiglianza con quello della Giustizia della Cappella degli Scrovegni. Originalissima è poi la disposizione dei due santi nell'ultima fila, visibili solo attraverso il traforo del trono, che assomiglia a un trittico richiuso o a un ciborio ornato di incrostazioni marmoree.Tutti gli sguardi degli angeli convergono verso il centro del dipinto, con l'innovativa rappresentazione di profilo di alcuni di essi, una posizione riservata solo alle figure sinistre (Giuda, i diavoli...) nell'arte bizantina. Essi hanno in mano doni per la Madonna: una corona, un cofanetto prezioso e vasi con gigli (simboli di purezza) e rose (fiore mariano): i vasi sono tra i primi esempi in ambito medievale di "natura morta", già sperimentata da Giotto nella Cappella degli Scrovegni.A differenza delle opere più antiche, Giotto ricava uno spazio pittorico nel quale dispone con verosimiglianza gli angeli e i santi: essi sono ancora rigidamente simmetrici, ma non lievitano ormai più uno sull'altro, né sono appiattiti, ma si collocano con ordine uno dietro all'altro, ciascuno diversificato nella propria fisionomia, finemente umanizzata rivelando un'inedita attenzione al dato reale.La tecnica pittorica è molto avanzata ed ha completamente sorpassato la schematica stesura tratteggiata del Duecento, preferendo una sfumatura delicata ma incisiva e regolare, che dà un volume nuovo alle figure. Il senso del volume ottenuto col chiaroscuro, le forme scultoree, quasi dilatate, e la semplificazione delle forme saranno il punto di partenza per le ricerche di Masaccio.

Categoria:Chiesa di Ognissanti (Firenze)

Categoria:Dipinti sulla Madonna in trono col Bambino

File:Giotto di Bondone - No. 43 The Seven Virtues - Justice - WGA09270.jpg

File:Giotto di Bondone - Ognissanti Madonna (detail) - WGA09335.jpg


Maestà_di_Ognissanti

Prompt: Come chiarisce Maestà_di_Ognissanti la sua Descrizione e stile?

Il confronto con le opere precedenti dà un valido metro di come l'arte di Giotto si muovesse ormai verso un radicale rinnovamento della pittura, anche se non mancano stilemi arcaici come il fondo oro e le proporzioni gerarchiche, queste ultime dovute forse alla necessità di mostrare il maggior numero possibile di fedeli attorno alla Vergine. Il tema della Maestà è reinterpretato con grande originalità, incentrato sul recupero della spazialità tridimensionale degli antichi e sul superamento della frontalità bizantina.La Madonna e il Bambino hanno un volume solido, ben sviluppato in plasticità, dal netto contrasto tra ombre e lumeggiature, molto più che nella vicina opera di Cimabue (la Maestà di Santa Trinita) di circa dieci anni anteriore. Il peso così terreno delle figure è evidenziato dalla gracilità delle strutture architettoniche del trono che è di gusto gotico francese con decorazioni di gusto geometrico alla base. Raffinati sono i colori, come il bianco madreperlaceo della veste, il blu di lapislazzuli del manto, il rosso intenso della fodera. Maria è una matrona che, in maniera del tutto originale, accenna quasi un sorriso, dischiudendo appena le labbra e mostrando da uno spiraglio i denti bianchi.Le figure sono incorniciate da un raffinato trono cuspidato, creato secondo una prospettiva intuitiva ma efficace, che accentua la profondità spaziale, nonostante il fondo oro. Esso si ispira a Cimabue, ma ha anche una straordinaria somiglianza con quello della Giustizia della Cappella degli Scrovegni. Originalissima è poi la disposizione dei due santi nell'ultima fila, visibili solo attraverso il traforo del trono, che assomiglia a un trittico richiuso o a un ciborio ornato di incrostazioni marmoree.Tutti gli sguardi degli angeli convergono verso il centro del dipinto, con l'innovativa rappresentazione di profilo di alcuni di essi, una posizione riservata solo alle figure sinistre (Giuda, i diavoli...) nell'arte bizantina. Essi hanno in mano doni per la Madonna: una corona, un cofanetto prezioso e vasi con gigli (simboli di purezza) e rose (fiore mariano): i vasi sono tra i primi esempi in ambito medievale di "natura morta", già sperimentata da Giotto nella Cappella degli Scrovegni.A differenza delle opere più antiche, Giotto ricava uno spazio pittorico nel quale dispone con verosimiglianza gli angeli e i santi: essi sono ancora rigidamente simmetrici, ma non lievitano ormai più uno sull'altro, né sono appiattiti, ma si collocano con ordine uno dietro all'altro, ciascuno diversificato nella propria fisionomia, finemente umanizzata rivelando un'inedita attenzione al dato reale.La tecnica pittorica è molto avanzata ed ha completamente sorpassato la schematica stesura tratteggiata del Duecento, preferendo una sfumatura delicata ma incisiva e regolare, che dà un volume nuovo alle figure. Il senso del volume ottenuto col chiaroscuro, le forme scultoree, quasi dilatate, e la semplificazione delle forme saranno il punto di partenza per le ricerche di Masaccio.

Categoria:Chiesa di Ognissanti (Firenze)

Categoria:Dipinti sulla Madonna in trono col Bambino

File:Giotto di Bondone - No. 43 The Seven Virtues - Justice - WGA09270.jpg

File:Giotto di Bondone - Ognissanti Madonna (detail) - WGA09335.jpg


Maestà_di_Ognissanti

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Maestà_di_Ognissanti?

Il confronto con le opere precedenti dà un valido metro di come l'arte di Giotto si muovesse ormai verso un radicale rinnovamento della pittura, anche se non mancano stilemi arcaici come il fondo oro e le proporzioni gerarchiche, queste ultime dovute forse alla necessità di mostrare il maggior numero possibile di fedeli attorno alla Vergine. Il tema della Maestà è reinterpretato con grande originalità, incentrato sul recupero della spazialità tridimensionale degli antichi e sul superamento della frontalità bizantina.La Madonna e il Bambino hanno un volume solido, ben sviluppato in plasticità, dal netto contrasto tra ombre e lumeggiature, molto più che nella vicina opera di Cimabue (la Maestà di Santa Trinita) di circa dieci anni anteriore. Il peso così terreno delle figure è evidenziato dalla gracilità delle strutture architettoniche del trono che è di gusto gotico francese con decorazioni di gusto geometrico alla base. Raffinati sono i colori, come il bianco madreperlaceo della veste, il blu di lapislazzuli del manto, il rosso intenso della fodera. Maria è una matrona che, in maniera del tutto originale, accenna quasi un sorriso, dischiudendo appena le labbra e mostrando da uno spiraglio i denti bianchi.Le figure sono incorniciate da un raffinato trono cuspidato, creato secondo una prospettiva intuitiva ma efficace, che accentua la profondità spaziale, nonostante il fondo oro. Esso si ispira a Cimabue, ma ha anche una straordinaria somiglianza con quello della Giustizia della Cappella degli Scrovegni. Originalissima è poi la disposizione dei due santi nell'ultima fila, visibili solo attraverso il traforo del trono, che assomiglia a un trittico richiuso o a un ciborio ornato di incrostazioni marmoree.Tutti gli sguardi degli angeli convergono verso il centro del dipinto, con l'innovativa rappresentazione di profilo di alcuni di essi, una posizione riservata solo alle figure sinistre (Giuda, i diavoli...) nell'arte bizantina. Essi hanno in mano doni per la Madonna: una corona, un cofanetto prezioso e vasi con gigli (simboli di purezza) e rose (fiore mariano): i vasi sono tra i primi esempi in ambito medievale di "natura morta", già sperimentata da Giotto nella Cappella degli Scrovegni.A differenza delle opere più antiche, Giotto ricava uno spazio pittorico nel quale dispone con verosimiglianza gli angeli e i santi: essi sono ancora rigidamente simmetrici, ma non lievitano ormai più uno sull'altro, né sono appiattiti, ma si collocano con ordine uno dietro all'altro, ciascuno diversificato nella propria fisionomia, finemente umanizzata rivelando un'inedita attenzione al dato reale.La tecnica pittorica è molto avanzata ed ha completamente sorpassato la schematica stesura tratteggiata del Duecento, preferendo una sfumatura delicata ma incisiva e regolare, che dà un volume nuovo alle figure. Il senso del volume ottenuto col chiaroscuro, le forme scultoree, quasi dilatate, e la semplificazione delle forme saranno il punto di partenza per le ricerche di Masaccio.

Categoria:Chiesa di Ognissanti (Firenze)

Categoria:Dipinti sulla Madonna in trono col Bambino

File:Giotto di Bondone - No. 43 The Seven Virtues - Justice - WGA09270.jpg

File:Giotto di Bondone - Ognissanti Madonna (detail) - WGA09335.jpg


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Concentrati su Passaggio_agli_Inferi ed esplora la abstract.

Il Passaggio agli Inferi è un dipinto a olio su tavola (64x103 cm) di Joachim Patinir, databile al 1515-1524 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Passaggio_agli_Inferi.

Il Passaggio agli Inferi è un dipinto a olio su tavola (64x103 cm) di Joachim Patinir, databile al 1515-1524 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Come chiarisce Passaggio_agli_Inferi la sua abstract?

Il Passaggio agli Inferi è un dipinto a olio su tavola (64x103 cm) di Joachim Patinir, databile al 1515-1524 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Come viene discussa la abstract in Passaggio_agli_Inferi?

Il Passaggio agli Inferi è un dipinto a olio su tavola (64x103 cm) di Joachim Patinir, databile al 1515-1524 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Concentrati su Passaggio_agli_Inferi ed esplora la Descrizione e stile.

L'opera è una delle poche sicuramente attribuibili all'artista fiammingo, nonché uno dei migliori esempi della sua nuova sensibilità al paesaggio, che arriva a dominare la scena relegando in secondo piano il soggetto religioso, quasi ormai un puro pretesto. Al centro un piccolo Caronte sta attraversando un fiume infernale, lo Stige, per portare un'anima malvagia nel Tartaro. A sinistra un angelo appare più volte vicino a un'anima, simboleggiando il difficile cammino verso la salvezza, mentre a destra si vede la città infernale in fiamme, il cui ingresso è sorvegliato da Cerbero, il cane a tre teste. La rappresentazione fantastica del paradiso a sinistra, con la sua architettura di vetro nel lontano sfondo, e quella dell'inferno rimandano con evidenza a Hieronymus Bosch.La scena è però soprattutto dominata dall'ampia veduta paesistica, riprodotta a volo d'uccello e con un punto di vista lontano, che fa apparire immenso l'orizzonte. Tipico è il ricorso ai densi toni blu e verde, che compongono un lirico paesaggio accordato con acuta sensibilità nonostante i voluti contrasti interni. La parte sinistra è infatti serena e placida, il centro è pausato dall'ampio bacino del fiume, dalle sapienti variazioni cromatiche, e quella destra è intonata all'inquietante visione infernale, con toni cupi e dettagli grotteschi.Elementi fantastici e reali appaiono così fusi e la stessa natura mostra qua e là accenti inquietanti e bizzarri.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Passaggio_agli_Inferi.

L'opera è una delle poche sicuramente attribuibili all'artista fiammingo, nonché uno dei migliori esempi della sua nuova sensibilità al paesaggio, che arriva a dominare la scena relegando in secondo piano il soggetto religioso, quasi ormai un puro pretesto. Al centro un piccolo Caronte sta attraversando un fiume infernale, lo Stige, per portare un'anima malvagia nel Tartaro. A sinistra un angelo appare più volte vicino a un'anima, simboleggiando il difficile cammino verso la salvezza, mentre a destra si vede la città infernale in fiamme, il cui ingresso è sorvegliato da Cerbero, il cane a tre teste. La rappresentazione fantastica del paradiso a sinistra, con la sua architettura di vetro nel lontano sfondo, e quella dell'inferno rimandano con evidenza a Hieronymus Bosch.La scena è però soprattutto dominata dall'ampia veduta paesistica, riprodotta a volo d'uccello e con un punto di vista lontano, che fa apparire immenso l'orizzonte. Tipico è il ricorso ai densi toni blu e verde, che compongono un lirico paesaggio accordato con acuta sensibilità nonostante i voluti contrasti interni. La parte sinistra è infatti serena e placida, il centro è pausato dall'ampio bacino del fiume, dalle sapienti variazioni cromatiche, e quella destra è intonata all'inquietante visione infernale, con toni cupi e dettagli grotteschi.Elementi fantastici e reali appaiono così fusi e la stessa natura mostra qua e là accenti inquietanti e bizzarri.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Come chiarisce Passaggio_agli_Inferi la sua Descrizione e stile?

L'opera è una delle poche sicuramente attribuibili all'artista fiammingo, nonché uno dei migliori esempi della sua nuova sensibilità al paesaggio, che arriva a dominare la scena relegando in secondo piano il soggetto religioso, quasi ormai un puro pretesto. Al centro un piccolo Caronte sta attraversando un fiume infernale, lo Stige, per portare un'anima malvagia nel Tartaro. A sinistra un angelo appare più volte vicino a un'anima, simboleggiando il difficile cammino verso la salvezza, mentre a destra si vede la città infernale in fiamme, il cui ingresso è sorvegliato da Cerbero, il cane a tre teste. La rappresentazione fantastica del paradiso a sinistra, con la sua architettura di vetro nel lontano sfondo, e quella dell'inferno rimandano con evidenza a Hieronymus Bosch.La scena è però soprattutto dominata dall'ampia veduta paesistica, riprodotta a volo d'uccello e con un punto di vista lontano, che fa apparire immenso l'orizzonte. Tipico è il ricorso ai densi toni blu e verde, che compongono un lirico paesaggio accordato con acuta sensibilità nonostante i voluti contrasti interni. La parte sinistra è infatti serena e placida, il centro è pausato dall'ampio bacino del fiume, dalle sapienti variazioni cromatiche, e quella destra è intonata all'inquietante visione infernale, con toni cupi e dettagli grotteschi.Elementi fantastici e reali appaiono così fusi e la stessa natura mostra qua e là accenti inquietanti e bizzarri.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Passaggio_agli_Inferi

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Passaggio_agli_Inferi?

L'opera è una delle poche sicuramente attribuibili all'artista fiammingo, nonché uno dei migliori esempi della sua nuova sensibilità al paesaggio, che arriva a dominare la scena relegando in secondo piano il soggetto religioso, quasi ormai un puro pretesto. Al centro un piccolo Caronte sta attraversando un fiume infernale, lo Stige, per portare un'anima malvagia nel Tartaro. A sinistra un angelo appare più volte vicino a un'anima, simboleggiando il difficile cammino verso la salvezza, mentre a destra si vede la città infernale in fiamme, il cui ingresso è sorvegliato da Cerbero, il cane a tre teste. La rappresentazione fantastica del paradiso a sinistra, con la sua architettura di vetro nel lontano sfondo, e quella dell'inferno rimandano con evidenza a Hieronymus Bosch.La scena è però soprattutto dominata dall'ampia veduta paesistica, riprodotta a volo d'uccello e con un punto di vista lontano, che fa apparire immenso l'orizzonte. Tipico è il ricorso ai densi toni blu e verde, che compongono un lirico paesaggio accordato con acuta sensibilità nonostante i voluti contrasti interni. La parte sinistra è infatti serena e placida, il centro è pausato dall'ampio bacino del fiume, dalle sapienti variazioni cromatiche, e quella destra è intonata all'inquietante visione infernale, con toni cupi e dettagli grotteschi.Elementi fantastici e reali appaiono così fusi e la stessa natura mostra qua e là accenti inquietanti e bizzarri.

Categoria:Dipinti di autori del Rinascimento fiammingo


Prove_di_Mosè

Prompt: Concentrati su Prove_di_Mosè ed esplora la abstract.

Le Prove di Mosè sono un affresco (348,5x558 cm) di Sandro Botticelli e aiuti, realizzato tra il 1481 e il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Prove_di_Mosè.

Le Prove di Mosè sono un affresco (348,5x558 cm) di Sandro Botticelli e aiuti, realizzato tra il 1481 e il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come chiarisce Prove_di_Mosè la sua abstract?

Le Prove di Mosè sono un affresco (348,5x558 cm) di Sandro Botticelli e aiuti, realizzato tra il 1481 e il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come viene discussa la abstract in Prove_di_Mosè?

Le Prove di Mosè sono un affresco (348,5x558 cm) di Sandro Botticelli e aiuti, realizzato tra il 1481 e il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Concentrati su Prove_di_Mosè ed esplora la Storia.

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi. Botticelli, con numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Prove_di_Mosè.

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi. Botticelli, con numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come chiarisce Prove_di_Mosè la sua Storia?

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi. Botticelli, con numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come viene discussa la Storia in Prove_di_Mosè?

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi. Botticelli, con numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Concentrati su Prove_di_Mosè ed esplora la Descrizione.

La scena delle Prove di Mosè raffigura vari episodi della giovinezza di Mosè tratti dal Libro dell'Esodo ed ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Gesù. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS".Da destra si vede Mosè che uccide l'egiziano che aveva maltrattato un israelita e fugge nel deserto (per cui può essere visto come prefigurazione di Cristo che sconfigge il demonio); nell'episodio successivo combatte con i pastori che volevano impedire alle figlie di Ietro, tra cui è la sua futura moglie Sefora, di abbeverare il gregge al pozzo e attinge per loro l'acqua; nel terzo in alto a sinistra Mosè si toglie i calzari, poi si avvicina al roveto ardente e riceve da Dio la missione di tornare in Egitto e liberare il suo popolo; infine in basso a sinistra, egli guida il suo popolo verso la Terra Promessa.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Prove_di_Mosè.

La scena delle Prove di Mosè raffigura vari episodi della giovinezza di Mosè tratti dal Libro dell'Esodo ed ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Gesù. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS".Da destra si vede Mosè che uccide l'egiziano che aveva maltrattato un israelita e fugge nel deserto (per cui può essere visto come prefigurazione di Cristo che sconfigge il demonio); nell'episodio successivo combatte con i pastori che volevano impedire alle figlie di Ietro, tra cui è la sua futura moglie Sefora, di abbeverare il gregge al pozzo e attinge per loro l'acqua; nel terzo in alto a sinistra Mosè si toglie i calzari, poi si avvicina al roveto ardente e riceve da Dio la missione di tornare in Egitto e liberare il suo popolo; infine in basso a sinistra, egli guida il suo popolo verso la Terra Promessa.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come chiarisce Prove_di_Mosè la sua Descrizione?

La scena delle Prove di Mosè raffigura vari episodi della giovinezza di Mosè tratti dal Libro dell'Esodo ed ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Gesù. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS".Da destra si vede Mosè che uccide l'egiziano che aveva maltrattato un israelita e fugge nel deserto (per cui può essere visto come prefigurazione di Cristo che sconfigge il demonio); nell'episodio successivo combatte con i pastori che volevano impedire alle figlie di Ietro, tra cui è la sua futura moglie Sefora, di abbeverare il gregge al pozzo e attinge per loro l'acqua; nel terzo in alto a sinistra Mosè si toglie i calzari, poi si avvicina al roveto ardente e riceve da Dio la missione di tornare in Egitto e liberare il suo popolo; infine in basso a sinistra, egli guida il suo popolo verso la Terra Promessa.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Prove_di_Mosè?

La scena delle Prove di Mosè raffigura vari episodi della giovinezza di Mosè tratti dal Libro dell'Esodo ed ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Gesù. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "TEMPTATIO MOISI LEGIS SCRIPTAE LATORIS".Da destra si vede Mosè che uccide l'egiziano che aveva maltrattato un israelita e fugge nel deserto (per cui può essere visto come prefigurazione di Cristo che sconfigge il demonio); nell'episodio successivo combatte con i pastori che volevano impedire alle figlie di Ietro, tra cui è la sua futura moglie Sefora, di abbeverare il gregge al pozzo e attinge per loro l'acqua; nel terzo in alto a sinistra Mosè si toglie i calzari, poi si avvicina al roveto ardente e riceve da Dio la missione di tornare in Egitto e liberare il suo popolo; infine in basso a sinistra, egli guida il suo popolo verso la Terra Promessa.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Concentrati su Prove_di_Mosè ed esplora la Stile.

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo, come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Dei tre episodi affrescati da Botticelli questo è il più coordinato nello svolgimento dei numerosi episodi che compongono la scena narrata. Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde. Il tratto migliore resta però la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, che però in alcuni casi formano un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Esplora la Stile di questa opera d'arte, Prove_di_Mosè.

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo, come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Dei tre episodi affrescati da Botticelli questo è il più coordinato nello svolgimento dei numerosi episodi che compongono la scena narrata. Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde. Il tratto migliore resta però la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, che però in alcuni casi formano un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come chiarisce Prove_di_Mosè la sua Stile?

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo, come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Dei tre episodi affrescati da Botticelli questo è il più coordinato nello svolgimento dei numerosi episodi che compongono la scena narrata. Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde. Il tratto migliore resta però la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, che però in alcuni casi formano un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


Prove_di_Mosè

Prompt: Come viene discussa la Stile in Prove_di_Mosè?

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo, come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Dei tre episodi affrescati da Botticelli questo è il più coordinato nello svolgimento dei numerosi episodi che compongono la scena narrata. Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde. Il tratto migliore resta però la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, che però in alcuni casi formano un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.

File:Botticelli, Scenes from the Life of Moses (detail 3).jpg

Volto femminile, forse [[Simonetta Vespucci


La_Muta

Prompt: Concentrati su La_Muta ed esplora la abstract.

La Muta è un dipinto a olio su tavola (64x48 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1507 e conservato nella Galleria Nazionale delle Marche a Urbino.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, La_Muta.

La Muta è un dipinto a olio su tavola (64x48 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1507 e conservato nella Galleria Nazionale delle Marche a Urbino.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Come chiarisce La_Muta la sua abstract?

La Muta è un dipinto a olio su tavola (64x48 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1507 e conservato nella Galleria Nazionale delle Marche a Urbino.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Come viene discussa la abstract in La_Muta?

La Muta è un dipinto a olio su tavola (64x48 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1507 e conservato nella Galleria Nazionale delle Marche a Urbino.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Concentrati su La_Muta ed esplora la Storia.

Il dipinto è annoverato nell'inventario dell'eredità del cardinale decano Carlo de' Medici nel 1666. Dopo essere stato trasferito a Palazzo Pitti e quindi nella villa di Poggio a Caiano, raggiunse gli Uffizi il 23 dicembre 1773. Nel 1927 la tavola venne concessa al museo di Urbino per completare il suo percorso espositivo con almeno un'opera significativa del Sanzio, nativo di Urbino e molto attivo anche nella sua città: tutti i Raffaello ad Urbino erano infatti finiti a Firenze con l'eredità di Vittoria Della Rovere, nel XVII secolo. L'opera venne trafugata il 6 febbraio del 1975, insieme alla Madonna di Senigallia e alla Flagellazione di Cristo di Piero della Francesca: tutte le opere, compresa La Muta, vennero recuperate dai Carabinieri a Locarno il 23 marzo 1976.L'originaria provenienza come pure la committenza non sono finora attestate su base documentaria sicché non si può escludere con certezza che l'opera, databile alla fine del periodo fiorentino dell'artista, non provenga proprio da Firenze, commissionata da una famiglia locale (magari gli Strozzi), invece che da Urbino, commissionata dai Della Rovere. Quest'ultima ipotesi è tuttavia accreditata dall'identificazione della raffigurata con Giovanna Feltria, figlia di Federico da Montefeltro e moglie di Giovanni della Rovere, patrocinatrice nel 1504 del soggiorno fiorentino dell'Urbinate o eventualmente con la figlia di lei, Maria della Rovere Varano.L'autografia raffaellesca, che risale all'inventario della raccolta di palazzo Pitti del 1702-1710, è tuttora pressoché indiscussa, anche se ha subito alcune oscillazioni, il ritratto essendo stato inizialmente identificato come copia di un originale di Andrea del Sarto, quindi nel XX secolo di volta in volta attribuito al Perugino, al Bugiardini o all'Albertinelli. Il dipinto è considerato fra i migliori esempi della ritrattistica raffaellesca nel periodo della prima maturità.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, La_Muta.

Il dipinto è annoverato nell'inventario dell'eredità del cardinale decano Carlo de' Medici nel 1666. Dopo essere stato trasferito a Palazzo Pitti e quindi nella villa di Poggio a Caiano, raggiunse gli Uffizi il 23 dicembre 1773. Nel 1927 la tavola venne concessa al museo di Urbino per completare il suo percorso espositivo con almeno un'opera significativa del Sanzio, nativo di Urbino e molto attivo anche nella sua città: tutti i Raffaello ad Urbino erano infatti finiti a Firenze con l'eredità di Vittoria Della Rovere, nel XVII secolo. L'opera venne trafugata il 6 febbraio del 1975, insieme alla Madonna di Senigallia e alla Flagellazione di Cristo di Piero della Francesca: tutte le opere, compresa La Muta, vennero recuperate dai Carabinieri a Locarno il 23 marzo 1976.L'originaria provenienza come pure la committenza non sono finora attestate su base documentaria sicché non si può escludere con certezza che l'opera, databile alla fine del periodo fiorentino dell'artista, non provenga proprio da Firenze, commissionata da una famiglia locale (magari gli Strozzi), invece che da Urbino, commissionata dai Della Rovere. Quest'ultima ipotesi è tuttavia accreditata dall'identificazione della raffigurata con Giovanna Feltria, figlia di Federico da Montefeltro e moglie di Giovanni della Rovere, patrocinatrice nel 1504 del soggiorno fiorentino dell'Urbinate o eventualmente con la figlia di lei, Maria della Rovere Varano.L'autografia raffaellesca, che risale all'inventario della raccolta di palazzo Pitti del 1702-1710, è tuttora pressoché indiscussa, anche se ha subito alcune oscillazioni, il ritratto essendo stato inizialmente identificato come copia di un originale di Andrea del Sarto, quindi nel XX secolo di volta in volta attribuito al Perugino, al Bugiardini o all'Albertinelli. Il dipinto è considerato fra i migliori esempi della ritrattistica raffaellesca nel periodo della prima maturità.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Come chiarisce La_Muta la sua Storia?

Il dipinto è annoverato nell'inventario dell'eredità del cardinale decano Carlo de' Medici nel 1666. Dopo essere stato trasferito a Palazzo Pitti e quindi nella villa di Poggio a Caiano, raggiunse gli Uffizi il 23 dicembre 1773. Nel 1927 la tavola venne concessa al museo di Urbino per completare il suo percorso espositivo con almeno un'opera significativa del Sanzio, nativo di Urbino e molto attivo anche nella sua città: tutti i Raffaello ad Urbino erano infatti finiti a Firenze con l'eredità di Vittoria Della Rovere, nel XVII secolo. L'opera venne trafugata il 6 febbraio del 1975, insieme alla Madonna di Senigallia e alla Flagellazione di Cristo di Piero della Francesca: tutte le opere, compresa La Muta, vennero recuperate dai Carabinieri a Locarno il 23 marzo 1976.L'originaria provenienza come pure la committenza non sono finora attestate su base documentaria sicché non si può escludere con certezza che l'opera, databile alla fine del periodo fiorentino dell'artista, non provenga proprio da Firenze, commissionata da una famiglia locale (magari gli Strozzi), invece che da Urbino, commissionata dai Della Rovere. Quest'ultima ipotesi è tuttavia accreditata dall'identificazione della raffigurata con Giovanna Feltria, figlia di Federico da Montefeltro e moglie di Giovanni della Rovere, patrocinatrice nel 1504 del soggiorno fiorentino dell'Urbinate o eventualmente con la figlia di lei, Maria della Rovere Varano.L'autografia raffaellesca, che risale all'inventario della raccolta di palazzo Pitti del 1702-1710, è tuttora pressoché indiscussa, anche se ha subito alcune oscillazioni, il ritratto essendo stato inizialmente identificato come copia di un originale di Andrea del Sarto, quindi nel XX secolo di volta in volta attribuito al Perugino, al Bugiardini o all'Albertinelli. Il dipinto è considerato fra i migliori esempi della ritrattistica raffaellesca nel periodo della prima maturità.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Come viene discussa la Storia in La_Muta?

Il dipinto è annoverato nell'inventario dell'eredità del cardinale decano Carlo de' Medici nel 1666. Dopo essere stato trasferito a Palazzo Pitti e quindi nella villa di Poggio a Caiano, raggiunse gli Uffizi il 23 dicembre 1773. Nel 1927 la tavola venne concessa al museo di Urbino per completare il suo percorso espositivo con almeno un'opera significativa del Sanzio, nativo di Urbino e molto attivo anche nella sua città: tutti i Raffaello ad Urbino erano infatti finiti a Firenze con l'eredità di Vittoria Della Rovere, nel XVII secolo. L'opera venne trafugata il 6 febbraio del 1975, insieme alla Madonna di Senigallia e alla Flagellazione di Cristo di Piero della Francesca: tutte le opere, compresa La Muta, vennero recuperate dai Carabinieri a Locarno il 23 marzo 1976.L'originaria provenienza come pure la committenza non sono finora attestate su base documentaria sicché non si può escludere con certezza che l'opera, databile alla fine del periodo fiorentino dell'artista, non provenga proprio da Firenze, commissionata da una famiglia locale (magari gli Strozzi), invece che da Urbino, commissionata dai Della Rovere. Quest'ultima ipotesi è tuttavia accreditata dall'identificazione della raffigurata con Giovanna Feltria, figlia di Federico da Montefeltro e moglie di Giovanni della Rovere, patrocinatrice nel 1504 del soggiorno fiorentino dell'Urbinate o eventualmente con la figlia di lei, Maria della Rovere Varano.L'autografia raffaellesca, che risale all'inventario della raccolta di palazzo Pitti del 1702-1710, è tuttora pressoché indiscussa, anche se ha subito alcune oscillazioni, il ritratto essendo stato inizialmente identificato come copia di un originale di Andrea del Sarto, quindi nel XX secolo di volta in volta attribuito al Perugino, al Bugiardini o all'Albertinelli. Il dipinto è considerato fra i migliori esempi della ritrattistica raffaellesca nel periodo della prima maturità.

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Concentrati su La_Muta ed esplora la Descrizione e stile.

Su uno sfondo scuro uniforme una donna è ritratta a mezza figura leggermente di tre quarti, voltata verso sinistra. L'opera mostra l'ispirazione leonardesca, con una posa simile a quella della Gioconda e con il graduale affiorare della figura dall'ombra, ma se ne distacca per una definizione più netta dei lineamenti fisici e dell'abbigliamento. Originale è il dettaglio delle mani appoggiate sul bordo inferiore, come se combaciasse con un ipotetico parapetto, colte in un gesto inquieto, che tradisce l'ispirazione fiamminga, presa da opere a Firenze come il Ritratto di Folco Portinari di Hans Memling. La posa delle mani ricorda quella del Ritratto di Maddalena Strozzi, mentre lo sfondo neutro quello della Gravida. L'influenza fiamminga, forse mediata dall'esempio della ritrattistica del Ghirlandaio, si manifesta anche nella generale lucentezza della superficie pittorica, come pure nel trattamento dei particolari, quali i motivi ricamati sulla veste. Quest'ultima è una gamurra di panno verde con bande di velluto rosso. Le maniche sono di panno castagnino allacciate con nastri rossi che lasciano apparire lo sbuffo della sottoveste, una camicia di lino con ricami in nero. Al livello della vita un grembiule di tela bianca è annodato alla veste con una fettuccia rossa, secondo la moda del tempo illustrata, ad esempio, dalla scena della Natività di san Giovanni affrescata dal Pinturicchio nella cappella di San Giovanni Battista del Duomo di Siena. Tra i gioielli che impreziosiscono le dita della donna, quello della mano destra è il più originale per via della forma rialzata di probabile influenza nordica, mentre il rubino dell'anulare sinistro (simbolo di prosperità) come lo zaffiro dell'indice sinistro (simbolo di castità) sono modelli ancorati nella tradizione orafa fiorentina. Il pendente con croce è costituito da una catena d'oro a maglie fitte e appiattite. La catena è annodata a metà del busto, come nella Dama col liocorno. La croce ha nel mezzo una pietra a cabochon (forse uno smeraldo), mentre i bracci sono decorati con un motivo formato da volute di tralci vegetali (racemi) che terminano con un fiore rosso.Le indagini diagnostiche pubblicate nel 1983 non hanno consentito di escludere la possibilità che il pendente sia un'aggiunta posteriore. Tuttavia, esse hanno messo in evidenza diversi pentimenti, visibili in parte anche ad occhio nudo, che toccano in particolare il disegno dell'occhio destro, quello della spalla, del velo e della manica sinistra, il profilo sinistro dell'acconciatura dei capelli e, soprattutto, il disegno della mano destra. Nella prima stesura il dorso della mano era visibile ed il pollice destro era disteso lungo il polso sinistro con le altre dita leggermente più corte ed orientate verso la sinistra parallelamente all'attuale disegno del mignolo. Se è lecito ricondurre le varianti ad una correzione della torsione della figura, alcuni studiosi attribuiscono tali pentimenti ad un aggiornamento parziale del dipinto dettato dalla sopraggiunta vedovanza della donna raffigurata. A distanza di alcuni anni dalla versione iniziale, la seconda stesura avrebbe dunque perseguito lo scopo di rendere più severa la composizione. Senza dover necessariamente sottoscrivere alla tesi della duplice versione, va notato che il fazzoletto che la donna stringe nella mano sinistra come pure il colore verde dominante della sua tenuta vestimentaria sono entrambi «simbolo di lutto e vedovanza» sicché si può «affermare abbastanza tranquillamente [...] che siamo di fronte ad una vedova, anche se non in lutto stretto».La determinazione espressiva del personaggio per quanto intensa è stata a lungo considerata indecifrabile. Tale opacità interpretativa è pertanto all'origine del titolo di Muta attribuitole dalla tradizione insieme a quello di Donna in verde o di Donna dalla catena d'oro. La fissità dello sguardo, caratterizzato anche da un leggero strabismo legato alla dislocazione a sinistra dell'iride destra, in associazione con l'austerità della figura e con l'enigmatico significato dell'indice teso della mano sinistra accrescono tuttora, con il loro carico interrogativo, il fascino del dipinto. Tuttavia, il recupero del contesto storico-iconografico che attribuisce una probabile identità al soggetto ed un motivo, il lutto, al suo atteggiamento espressivo rendono meno impenetrabile l'atmosfera sentimentale del quadro e danno ragione alle perspicue proiezioni psicologiche non esenti da accenti romantici che illustri critici hanno espresso nel commentare l'opera. È il caso del Müntz per il quale :  del Venturi che sottolineava :  e sulla sua scia, dell'Alazard che osservava come :

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, La_Muta.

Su uno sfondo scuro uniforme una donna è ritratta a mezza figura leggermente di tre quarti, voltata verso sinistra. L'opera mostra l'ispirazione leonardesca, con una posa simile a quella della Gioconda e con il graduale affiorare della figura dall'ombra, ma se ne distacca per una definizione più netta dei lineamenti fisici e dell'abbigliamento. Originale è il dettaglio delle mani appoggiate sul bordo inferiore, come se combaciasse con un ipotetico parapetto, colte in un gesto inquieto, che tradisce l'ispirazione fiamminga, presa da opere a Firenze come il Ritratto di Folco Portinari di Hans Memling. La posa delle mani ricorda quella del Ritratto di Maddalena Strozzi, mentre lo sfondo neutro quello della Gravida. L'influenza fiamminga, forse mediata dall'esempio della ritrattistica del Ghirlandaio, si manifesta anche nella generale lucentezza della superficie pittorica, come pure nel trattamento dei particolari, quali i motivi ricamati sulla veste. Quest'ultima è una gamurra di panno verde con bande di velluto rosso. Le maniche sono di panno castagnino allacciate con nastri rossi che lasciano apparire lo sbuffo della sottoveste, una camicia di lino con ricami in nero. Al livello della vita un grembiule di tela bianca è annodato alla veste con una fettuccia rossa, secondo la moda del tempo illustrata, ad esempio, dalla scena della Natività di san Giovanni affrescata dal Pinturicchio nella cappella di San Giovanni Battista del Duomo di Siena. Tra i gioielli che impreziosiscono le dita della donna, quello della mano destra è il più originale per via della forma rialzata di probabile influenza nordica, mentre il rubino dell'anulare sinistro (simbolo di prosperità) come lo zaffiro dell'indice sinistro (simbolo di castità) sono modelli ancorati nella tradizione orafa fiorentina. Il pendente con croce è costituito da una catena d'oro a maglie fitte e appiattite. La catena è annodata a metà del busto, come nella Dama col liocorno. La croce ha nel mezzo una pietra a cabochon (forse uno smeraldo), mentre i bracci sono decorati con un motivo formato da volute di tralci vegetali (racemi) che terminano con un fiore rosso.Le indagini diagnostiche pubblicate nel 1983 non hanno consentito di escludere la possibilità che il pendente sia un'aggiunta posteriore. Tuttavia, esse hanno messo in evidenza diversi pentimenti, visibili in parte anche ad occhio nudo, che toccano in particolare il disegno dell'occhio destro, quello della spalla, del velo e della manica sinistra, il profilo sinistro dell'acconciatura dei capelli e, soprattutto, il disegno della mano destra. Nella prima stesura il dorso della mano era visibile ed il pollice destro era disteso lungo il polso sinistro con le altre dita leggermente più corte ed orientate verso la sinistra parallelamente all'attuale disegno del mignolo. Se è lecito ricondurre le varianti ad una correzione della torsione della figura, alcuni studiosi attribuiscono tali pentimenti ad un aggiornamento parziale del dipinto dettato dalla sopraggiunta vedovanza della donna raffigurata. A distanza di alcuni anni dalla versione iniziale, la seconda stesura avrebbe dunque perseguito lo scopo di rendere più severa la composizione. Senza dover necessariamente sottoscrivere alla tesi della duplice versione, va notato che il fazzoletto che la donna stringe nella mano sinistra come pure il colore verde dominante della sua tenuta vestimentaria sono entrambi «simbolo di lutto e vedovanza» sicché si può «affermare abbastanza tranquillamente [...] che siamo di fronte ad una vedova, anche se non in lutto stretto».La determinazione espressiva del personaggio per quanto intensa è stata a lungo considerata indecifrabile. Tale opacità interpretativa è pertanto all'origine del titolo di Muta attribuitole dalla tradizione insieme a quello di Donna in verde o di Donna dalla catena d'oro. La fissità dello sguardo, caratterizzato anche da un leggero strabismo legato alla dislocazione a sinistra dell'iride destra, in associazione con l'austerità della figura e con l'enigmatico significato dell'indice teso della mano sinistra accrescono tuttora, con il loro carico interrogativo, il fascino del dipinto. Tuttavia, il recupero del contesto storico-iconografico che attribuisce una probabile identità al soggetto ed un motivo, il lutto, al suo atteggiamento espressivo rendono meno impenetrabile l'atmosfera sentimentale del quadro e danno ragione alle perspicue proiezioni psicologiche non esenti da accenti romantici che illustri critici hanno espresso nel commentare l'opera. È il caso del Müntz per il quale :  del Venturi che sottolineava :  e sulla sua scia, dell'Alazard che osservava come :

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

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La_Muta

Prompt: Come chiarisce La_Muta la sua Descrizione e stile?

Su uno sfondo scuro uniforme una donna è ritratta a mezza figura leggermente di tre quarti, voltata verso sinistra. L'opera mostra l'ispirazione leonardesca, con una posa simile a quella della Gioconda e con il graduale affiorare della figura dall'ombra, ma se ne distacca per una definizione più netta dei lineamenti fisici e dell'abbigliamento. Originale è il dettaglio delle mani appoggiate sul bordo inferiore, come se combaciasse con un ipotetico parapetto, colte in un gesto inquieto, che tradisce l'ispirazione fiamminga, presa da opere a Firenze come il Ritratto di Folco Portinari di Hans Memling. La posa delle mani ricorda quella del Ritratto di Maddalena Strozzi, mentre lo sfondo neutro quello della Gravida. L'influenza fiamminga, forse mediata dall'esempio della ritrattistica del Ghirlandaio, si manifesta anche nella generale lucentezza della superficie pittorica, come pure nel trattamento dei particolari, quali i motivi ricamati sulla veste. Quest'ultima è una gamurra di panno verde con bande di velluto rosso. Le maniche sono di panno castagnino allacciate con nastri rossi che lasciano apparire lo sbuffo della sottoveste, una camicia di lino con ricami in nero. Al livello della vita un grembiule di tela bianca è annodato alla veste con una fettuccia rossa, secondo la moda del tempo illustrata, ad esempio, dalla scena della Natività di san Giovanni affrescata dal Pinturicchio nella cappella di San Giovanni Battista del Duomo di Siena. Tra i gioielli che impreziosiscono le dita della donna, quello della mano destra è il più originale per via della forma rialzata di probabile influenza nordica, mentre il rubino dell'anulare sinistro (simbolo di prosperità) come lo zaffiro dell'indice sinistro (simbolo di castità) sono modelli ancorati nella tradizione orafa fiorentina. Il pendente con croce è costituito da una catena d'oro a maglie fitte e appiattite. La catena è annodata a metà del busto, come nella Dama col liocorno. La croce ha nel mezzo una pietra a cabochon (forse uno smeraldo), mentre i bracci sono decorati con un motivo formato da volute di tralci vegetali (racemi) che terminano con un fiore rosso.Le indagini diagnostiche pubblicate nel 1983 non hanno consentito di escludere la possibilità che il pendente sia un'aggiunta posteriore. Tuttavia, esse hanno messo in evidenza diversi pentimenti, visibili in parte anche ad occhio nudo, che toccano in particolare il disegno dell'occhio destro, quello della spalla, del velo e della manica sinistra, il profilo sinistro dell'acconciatura dei capelli e, soprattutto, il disegno della mano destra. Nella prima stesura il dorso della mano era visibile ed il pollice destro era disteso lungo il polso sinistro con le altre dita leggermente più corte ed orientate verso la sinistra parallelamente all'attuale disegno del mignolo. Se è lecito ricondurre le varianti ad una correzione della torsione della figura, alcuni studiosi attribuiscono tali pentimenti ad un aggiornamento parziale del dipinto dettato dalla sopraggiunta vedovanza della donna raffigurata. A distanza di alcuni anni dalla versione iniziale, la seconda stesura avrebbe dunque perseguito lo scopo di rendere più severa la composizione. Senza dover necessariamente sottoscrivere alla tesi della duplice versione, va notato che il fazzoletto che la donna stringe nella mano sinistra come pure il colore verde dominante della sua tenuta vestimentaria sono entrambi «simbolo di lutto e vedovanza» sicché si può «affermare abbastanza tranquillamente [...] che siamo di fronte ad una vedova, anche se non in lutto stretto».La determinazione espressiva del personaggio per quanto intensa è stata a lungo considerata indecifrabile. Tale opacità interpretativa è pertanto all'origine del titolo di Muta attribuitole dalla tradizione insieme a quello di Donna in verde o di Donna dalla catena d'oro. La fissità dello sguardo, caratterizzato anche da un leggero strabismo legato alla dislocazione a sinistra dell'iride destra, in associazione con l'austerità della figura e con l'enigmatico significato dell'indice teso della mano sinistra accrescono tuttora, con il loro carico interrogativo, il fascino del dipinto. Tuttavia, il recupero del contesto storico-iconografico che attribuisce una probabile identità al soggetto ed un motivo, il lutto, al suo atteggiamento espressivo rendono meno impenetrabile l'atmosfera sentimentale del quadro e danno ragione alle perspicue proiezioni psicologiche non esenti da accenti romantici che illustri critici hanno espresso nel commentare l'opera. È il caso del Müntz per il quale :  del Venturi che sottolineava :  e sulla sua scia, dell'Alazard che osservava come :

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


La_Muta

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in La_Muta?

Su uno sfondo scuro uniforme una donna è ritratta a mezza figura leggermente di tre quarti, voltata verso sinistra. L'opera mostra l'ispirazione leonardesca, con una posa simile a quella della Gioconda e con il graduale affiorare della figura dall'ombra, ma se ne distacca per una definizione più netta dei lineamenti fisici e dell'abbigliamento. Originale è il dettaglio delle mani appoggiate sul bordo inferiore, come se combaciasse con un ipotetico parapetto, colte in un gesto inquieto, che tradisce l'ispirazione fiamminga, presa da opere a Firenze come il Ritratto di Folco Portinari di Hans Memling. La posa delle mani ricorda quella del Ritratto di Maddalena Strozzi, mentre lo sfondo neutro quello della Gravida. L'influenza fiamminga, forse mediata dall'esempio della ritrattistica del Ghirlandaio, si manifesta anche nella generale lucentezza della superficie pittorica, come pure nel trattamento dei particolari, quali i motivi ricamati sulla veste. Quest'ultima è una gamurra di panno verde con bande di velluto rosso. Le maniche sono di panno castagnino allacciate con nastri rossi che lasciano apparire lo sbuffo della sottoveste, una camicia di lino con ricami in nero. Al livello della vita un grembiule di tela bianca è annodato alla veste con una fettuccia rossa, secondo la moda del tempo illustrata, ad esempio, dalla scena della Natività di san Giovanni affrescata dal Pinturicchio nella cappella di San Giovanni Battista del Duomo di Siena. Tra i gioielli che impreziosiscono le dita della donna, quello della mano destra è il più originale per via della forma rialzata di probabile influenza nordica, mentre il rubino dell'anulare sinistro (simbolo di prosperità) come lo zaffiro dell'indice sinistro (simbolo di castità) sono modelli ancorati nella tradizione orafa fiorentina. Il pendente con croce è costituito da una catena d'oro a maglie fitte e appiattite. La catena è annodata a metà del busto, come nella Dama col liocorno. La croce ha nel mezzo una pietra a cabochon (forse uno smeraldo), mentre i bracci sono decorati con un motivo formato da volute di tralci vegetali (racemi) che terminano con un fiore rosso.Le indagini diagnostiche pubblicate nel 1983 non hanno consentito di escludere la possibilità che il pendente sia un'aggiunta posteriore. Tuttavia, esse hanno messo in evidenza diversi pentimenti, visibili in parte anche ad occhio nudo, che toccano in particolare il disegno dell'occhio destro, quello della spalla, del velo e della manica sinistra, il profilo sinistro dell'acconciatura dei capelli e, soprattutto, il disegno della mano destra. Nella prima stesura il dorso della mano era visibile ed il pollice destro era disteso lungo il polso sinistro con le altre dita leggermente più corte ed orientate verso la sinistra parallelamente all'attuale disegno del mignolo. Se è lecito ricondurre le varianti ad una correzione della torsione della figura, alcuni studiosi attribuiscono tali pentimenti ad un aggiornamento parziale del dipinto dettato dalla sopraggiunta vedovanza della donna raffigurata. A distanza di alcuni anni dalla versione iniziale, la seconda stesura avrebbe dunque perseguito lo scopo di rendere più severa la composizione. Senza dover necessariamente sottoscrivere alla tesi della duplice versione, va notato che il fazzoletto che la donna stringe nella mano sinistra come pure il colore verde dominante della sua tenuta vestimentaria sono entrambi «simbolo di lutto e vedovanza» sicché si può «affermare abbastanza tranquillamente [...] che siamo di fronte ad una vedova, anche se non in lutto stretto».La determinazione espressiva del personaggio per quanto intensa è stata a lungo considerata indecifrabile. Tale opacità interpretativa è pertanto all'origine del titolo di Muta attribuitole dalla tradizione insieme a quello di Donna in verde o di Donna dalla catena d'oro. La fissità dello sguardo, caratterizzato anche da un leggero strabismo legato alla dislocazione a sinistra dell'iride destra, in associazione con l'austerità della figura e con l'enigmatico significato dell'indice teso della mano sinistra accrescono tuttora, con il loro carico interrogativo, il fascino del dipinto. Tuttavia, il recupero del contesto storico-iconografico che attribuisce una probabile identità al soggetto ed un motivo, il lutto, al suo atteggiamento espressivo rendono meno impenetrabile l'atmosfera sentimentale del quadro e danno ragione alle perspicue proiezioni psicologiche non esenti da accenti romantici che illustri critici hanno espresso nel commentare l'opera. È il caso del Müntz per il quale :  del Venturi che sottolineava :  e sulla sua scia, dell'Alazard che osservava come :

Cappella di San Giovanni Battista (Siena)

Flagellazione di Cristo (Piero della Francesca)

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale delle Marche


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Concentrati su Castello_di_Dolbadarn ed esplora la abstract.

Il castello di Dolbadarn è stato costruito per volere del sovrano gallese Llywelyn il Grande fra il 1220 ed il 1230, alla base del passo di Llanberis nel Galles settentrionale.Il castello divenne importante sia dal punto di vista militare che come simbolo del potere del sovrano gallese. Nel 1284 venne conquistato da Edoardo I d'Inghilterra, che ne trasse alcune travi perché fossero utilizzate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon.In abbandono dal XVIII secolo, nel XIX secolo venne usato come fonte d'ispirazione per i pittori che s'interessavano del Sublime e del Pittoresco. Attualmente è di proprietà del Cadw ed è aperto al pubblico.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Castello_di_Dolbadarn.

Il castello di Dolbadarn è stato costruito per volere del sovrano gallese Llywelyn il Grande fra il 1220 ed il 1230, alla base del passo di Llanberis nel Galles settentrionale.Il castello divenne importante sia dal punto di vista militare che come simbolo del potere del sovrano gallese. Nel 1284 venne conquistato da Edoardo I d'Inghilterra, che ne trasse alcune travi perché fossero utilizzate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon.In abbandono dal XVIII secolo, nel XIX secolo venne usato come fonte d'ispirazione per i pittori che s'interessavano del Sublime e del Pittoresco. Attualmente è di proprietà del Cadw ed è aperto al pubblico.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come chiarisce Castello_di_Dolbadarn la sua abstract?

Il castello di Dolbadarn è stato costruito per volere del sovrano gallese Llywelyn il Grande fra il 1220 ed il 1230, alla base del passo di Llanberis nel Galles settentrionale.Il castello divenne importante sia dal punto di vista militare che come simbolo del potere del sovrano gallese. Nel 1284 venne conquistato da Edoardo I d'Inghilterra, che ne trasse alcune travi perché fossero utilizzate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon.In abbandono dal XVIII secolo, nel XIX secolo venne usato come fonte d'ispirazione per i pittori che s'interessavano del Sublime e del Pittoresco. Attualmente è di proprietà del Cadw ed è aperto al pubblico.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come viene discussa la abstract in Castello_di_Dolbadarn?

Il castello di Dolbadarn è stato costruito per volere del sovrano gallese Llywelyn il Grande fra il 1220 ed il 1230, alla base del passo di Llanberis nel Galles settentrionale.Il castello divenne importante sia dal punto di vista militare che come simbolo del potere del sovrano gallese. Nel 1284 venne conquistato da Edoardo I d'Inghilterra, che ne trasse alcune travi perché fossero utilizzate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon.In abbandono dal XVIII secolo, nel XIX secolo venne usato come fonte d'ispirazione per i pittori che s'interessavano del Sublime e del Pittoresco. Attualmente è di proprietà del Cadw ed è aperto al pubblico.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Concentrati su Castello_di_Dolbadarn ed esplora la Dolbadarn sotto la guida di Llywelyn il Grande.

Il castello venne costruito per volere di Llywelyn il Grande. Llywleyn aveva iniziato il proprio regno controllando soltanto il Gwynedd, ma presto il suo potere crebbe e il re estese la sua influenza su buona parte del Galles nei primi anni del XIII secolo. Il sovrano doveva confrontarsi sia la minaccia rappresentata dal re d'Inghilterra sia con la necessità di mantenere il controllo sopra i gallesi: come parte di questa strategia costruì all'inizio del 1220 Castell y Bere, con un'innovativa struttura in pietra, e subito dopo iniziò la costruzione del castello di Dolbadarn, con due grosse torri di pietra. È possibile che il castello sia stato edificato sopra i resti di un'antica fortificazione voluta da Maelgwn ap Cadwallon un antico sovrano del Gwynedd, anche se tali resti non sono mai stati rinvenuti.Il castello venne costruito ai piedi del passo di Llanberis in modo che guardasse il lago di Llyn Padarn, nel Galles del nord. La posizione scelta permetteva il controllo di un importante passo di montagna e di proclamare la propria autorità di signore sopra le montagne e le coste gallesi.Llywelyn fece sposare il proprio figlio Dafydd ap Llywelyn con Isabella de Braose (1222 circa-1248 circa), figlia di Guglielmo di Braose potente signore normanno delle Marche gallesi, che aveva il dominio di Brecon, Builth ed Abergavenny. I castelli dei signori delle Marche erano in pietra e comprendevano maschi circolari integrati in un sistema di mura: a seguito del matrimonio del figlio sembra che Llywelyn abbia iniziato una nuova fase di costruzione del castello di Dolbadarn attorno al 1240, aggiungendo questi elementi le aggiunte furono probabilmente determinate dal desiderio sia di applicare le nuove tecnologie militari in campo architettonico, sia di eguagliare il prestigio dei suoi nuovi alleati del sud.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Esplora la Dolbadarn sotto la guida di Llywelyn il Grande di questa opera d'arte, Castello_di_Dolbadarn.

Il castello venne costruito per volere di Llywelyn il Grande. Llywleyn aveva iniziato il proprio regno controllando soltanto il Gwynedd, ma presto il suo potere crebbe e il re estese la sua influenza su buona parte del Galles nei primi anni del XIII secolo. Il sovrano doveva confrontarsi sia la minaccia rappresentata dal re d'Inghilterra sia con la necessità di mantenere il controllo sopra i gallesi: come parte di questa strategia costruì all'inizio del 1220 Castell y Bere, con un'innovativa struttura in pietra, e subito dopo iniziò la costruzione del castello di Dolbadarn, con due grosse torri di pietra. È possibile che il castello sia stato edificato sopra i resti di un'antica fortificazione voluta da Maelgwn ap Cadwallon un antico sovrano del Gwynedd, anche se tali resti non sono mai stati rinvenuti.Il castello venne costruito ai piedi del passo di Llanberis in modo che guardasse il lago di Llyn Padarn, nel Galles del nord. La posizione scelta permetteva il controllo di un importante passo di montagna e di proclamare la propria autorità di signore sopra le montagne e le coste gallesi.Llywelyn fece sposare il proprio figlio Dafydd ap Llywelyn con Isabella de Braose (1222 circa-1248 circa), figlia di Guglielmo di Braose potente signore normanno delle Marche gallesi, che aveva il dominio di Brecon, Builth ed Abergavenny. I castelli dei signori delle Marche erano in pietra e comprendevano maschi circolari integrati in un sistema di mura: a seguito del matrimonio del figlio sembra che Llywelyn abbia iniziato una nuova fase di costruzione del castello di Dolbadarn attorno al 1240, aggiungendo questi elementi le aggiunte furono probabilmente determinate dal desiderio sia di applicare le nuove tecnologie militari in campo architettonico, sia di eguagliare il prestigio dei suoi nuovi alleati del sud.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come chiarisce Castello_di_Dolbadarn la sua Dolbadarn sotto la guida di Llywelyn il Grande?

Il castello venne costruito per volere di Llywelyn il Grande. Llywleyn aveva iniziato il proprio regno controllando soltanto il Gwynedd, ma presto il suo potere crebbe e il re estese la sua influenza su buona parte del Galles nei primi anni del XIII secolo. Il sovrano doveva confrontarsi sia la minaccia rappresentata dal re d'Inghilterra sia con la necessità di mantenere il controllo sopra i gallesi: come parte di questa strategia costruì all'inizio del 1220 Castell y Bere, con un'innovativa struttura in pietra, e subito dopo iniziò la costruzione del castello di Dolbadarn, con due grosse torri di pietra. È possibile che il castello sia stato edificato sopra i resti di un'antica fortificazione voluta da Maelgwn ap Cadwallon un antico sovrano del Gwynedd, anche se tali resti non sono mai stati rinvenuti.Il castello venne costruito ai piedi del passo di Llanberis in modo che guardasse il lago di Llyn Padarn, nel Galles del nord. La posizione scelta permetteva il controllo di un importante passo di montagna e di proclamare la propria autorità di signore sopra le montagne e le coste gallesi.Llywelyn fece sposare il proprio figlio Dafydd ap Llywelyn con Isabella de Braose (1222 circa-1248 circa), figlia di Guglielmo di Braose potente signore normanno delle Marche gallesi, che aveva il dominio di Brecon, Builth ed Abergavenny. I castelli dei signori delle Marche erano in pietra e comprendevano maschi circolari integrati in un sistema di mura: a seguito del matrimonio del figlio sembra che Llywelyn abbia iniziato una nuova fase di costruzione del castello di Dolbadarn attorno al 1240, aggiungendo questi elementi le aggiunte furono probabilmente determinate dal desiderio sia di applicare le nuove tecnologie militari in campo architettonico, sia di eguagliare il prestigio dei suoi nuovi alleati del sud.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come viene discussa la Dolbadarn sotto la guida di Llywelyn il Grande in Castello_di_Dolbadarn?

Il castello venne costruito per volere di Llywelyn il Grande. Llywleyn aveva iniziato il proprio regno controllando soltanto il Gwynedd, ma presto il suo potere crebbe e il re estese la sua influenza su buona parte del Galles nei primi anni del XIII secolo. Il sovrano doveva confrontarsi sia la minaccia rappresentata dal re d'Inghilterra sia con la necessità di mantenere il controllo sopra i gallesi: come parte di questa strategia costruì all'inizio del 1220 Castell y Bere, con un'innovativa struttura in pietra, e subito dopo iniziò la costruzione del castello di Dolbadarn, con due grosse torri di pietra. È possibile che il castello sia stato edificato sopra i resti di un'antica fortificazione voluta da Maelgwn ap Cadwallon un antico sovrano del Gwynedd, anche se tali resti non sono mai stati rinvenuti.Il castello venne costruito ai piedi del passo di Llanberis in modo che guardasse il lago di Llyn Padarn, nel Galles del nord. La posizione scelta permetteva il controllo di un importante passo di montagna e di proclamare la propria autorità di signore sopra le montagne e le coste gallesi.Llywelyn fece sposare il proprio figlio Dafydd ap Llywelyn con Isabella de Braose (1222 circa-1248 circa), figlia di Guglielmo di Braose potente signore normanno delle Marche gallesi, che aveva il dominio di Brecon, Builth ed Abergavenny. I castelli dei signori delle Marche erano in pietra e comprendevano maschi circolari integrati in un sistema di mura: a seguito del matrimonio del figlio sembra che Llywelyn abbia iniziato una nuova fase di costruzione del castello di Dolbadarn attorno al 1240, aggiungendo questi elementi le aggiunte furono probabilmente determinate dal desiderio sia di applicare le nuove tecnologie militari in campo architettonico, sia di eguagliare il prestigio dei suoi nuovi alleati del sud.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Concentrati su Castello_di_Dolbadarn ed esplora la Conquista inglese.

Con la morte di Llywelyn l'11 aprile 1240 il potere del Gwynedd cominciò a declinare rapidamente e molte delle sue terre più orientali furono prese da Enrico III d'Inghilterra nel 1247. Il nipote di Llywelyn, Llywelyn III, prese il potere nel 1255 ed imprigionò il fratello Owain II prima di iniziare una campagna che lo portò a riconquistare parti del paese che erano state perse. Owain venne rilasciato solo nel 1277. Il poeta gallese Hywel Foel ap Griffri ap Pwyll Wyddel scrisse che il principe era stato imprigionato in una torre rotonda e gli storici credono che si tratti del maschio di Dolbadarn.Nella prosecuzione del conflitto fra gallesi e inglesi, Llywelyn trovò la morte l'11 dicembre del 1282 presso Builth; gli successe Dafydd ap Gruffydd, ma nel 1283 fu spinto verso sud nello Snowdonia e dal mese di maggio il suo governo fece base al castello di Dolbadarn.Edoardo, allo scopo di prevenire future ribellioni nel paese, fece costruire altri castelli e dotò le città di mura, rimpiazzando il vecchio sistema di governo gallese con uno nuovo che faceva capo alla città di Caernarfon. Dolbadarn perse dunque di importanza e nel giro di pochi anni alcune delle sue travi vennero prelevate e usate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon, un'azione al contempo pratica e simbolica perché gli inglesi si erano dimostrati in grado di distruggere uno dei più antichi simboli di potere gallesi.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Esplora la Conquista inglese di questa opera d'arte, Castello_di_Dolbadarn.

Con la morte di Llywelyn l'11 aprile 1240 il potere del Gwynedd cominciò a declinare rapidamente e molte delle sue terre più orientali furono prese da Enrico III d'Inghilterra nel 1247. Il nipote di Llywelyn, Llywelyn III, prese il potere nel 1255 ed imprigionò il fratello Owain II prima di iniziare una campagna che lo portò a riconquistare parti del paese che erano state perse. Owain venne rilasciato solo nel 1277. Il poeta gallese Hywel Foel ap Griffri ap Pwyll Wyddel scrisse che il principe era stato imprigionato in una torre rotonda e gli storici credono che si tratti del maschio di Dolbadarn.Nella prosecuzione del conflitto fra gallesi e inglesi, Llywelyn trovò la morte l'11 dicembre del 1282 presso Builth; gli successe Dafydd ap Gruffydd, ma nel 1283 fu spinto verso sud nello Snowdonia e dal mese di maggio il suo governo fece base al castello di Dolbadarn.Edoardo, allo scopo di prevenire future ribellioni nel paese, fece costruire altri castelli e dotò le città di mura, rimpiazzando il vecchio sistema di governo gallese con uno nuovo che faceva capo alla città di Caernarfon. Dolbadarn perse dunque di importanza e nel giro di pochi anni alcune delle sue travi vennero prelevate e usate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon, un'azione al contempo pratica e simbolica perché gli inglesi si erano dimostrati in grado di distruggere uno dei più antichi simboli di potere gallesi.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come chiarisce Castello_di_Dolbadarn la sua Conquista inglese?

Con la morte di Llywelyn l'11 aprile 1240 il potere del Gwynedd cominciò a declinare rapidamente e molte delle sue terre più orientali furono prese da Enrico III d'Inghilterra nel 1247. Il nipote di Llywelyn, Llywelyn III, prese il potere nel 1255 ed imprigionò il fratello Owain II prima di iniziare una campagna che lo portò a riconquistare parti del paese che erano state perse. Owain venne rilasciato solo nel 1277. Il poeta gallese Hywel Foel ap Griffri ap Pwyll Wyddel scrisse che il principe era stato imprigionato in una torre rotonda e gli storici credono che si tratti del maschio di Dolbadarn.Nella prosecuzione del conflitto fra gallesi e inglesi, Llywelyn trovò la morte l'11 dicembre del 1282 presso Builth; gli successe Dafydd ap Gruffydd, ma nel 1283 fu spinto verso sud nello Snowdonia e dal mese di maggio il suo governo fece base al castello di Dolbadarn.Edoardo, allo scopo di prevenire future ribellioni nel paese, fece costruire altri castelli e dotò le città di mura, rimpiazzando il vecchio sistema di governo gallese con uno nuovo che faceva capo alla città di Caernarfon. Dolbadarn perse dunque di importanza e nel giro di pochi anni alcune delle sue travi vennero prelevate e usate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon, un'azione al contempo pratica e simbolica perché gli inglesi si erano dimostrati in grado di distruggere uno dei più antichi simboli di potere gallesi.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come viene discussa la Conquista inglese in Castello_di_Dolbadarn?

Con la morte di Llywelyn l'11 aprile 1240 il potere del Gwynedd cominciò a declinare rapidamente e molte delle sue terre più orientali furono prese da Enrico III d'Inghilterra nel 1247. Il nipote di Llywelyn, Llywelyn III, prese il potere nel 1255 ed imprigionò il fratello Owain II prima di iniziare una campagna che lo portò a riconquistare parti del paese che erano state perse. Owain venne rilasciato solo nel 1277. Il poeta gallese Hywel Foel ap Griffri ap Pwyll Wyddel scrisse che il principe era stato imprigionato in una torre rotonda e gli storici credono che si tratti del maschio di Dolbadarn.Nella prosecuzione del conflitto fra gallesi e inglesi, Llywelyn trovò la morte l'11 dicembre del 1282 presso Builth; gli successe Dafydd ap Gruffydd, ma nel 1283 fu spinto verso sud nello Snowdonia e dal mese di maggio il suo governo fece base al castello di Dolbadarn.Edoardo, allo scopo di prevenire future ribellioni nel paese, fece costruire altri castelli e dotò le città di mura, rimpiazzando il vecchio sistema di governo gallese con uno nuovo che faceva capo alla città di Caernarfon. Dolbadarn perse dunque di importanza e nel giro di pochi anni alcune delle sue travi vennero prelevate e usate per la costruzione del nuovo castello di Caernarfon, un'azione al contempo pratica e simbolica perché gli inglesi si erano dimostrati in grado di distruggere uno dei più antichi simboli di potere gallesi.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Concentrati su Castello_di_Dolbadarn ed esplora la Abbandono.

Nei secoli successivi il castello venne usato come maniero per tutto il XIV secolo.Dal XVIII secolo rimase disabitato e cadde in rovina.Dal 1760 in poi divenne un punto di attrazione per i pittori dello stile del Sublime e del Pittoresco: il castello offriva il contrasto fra il profilo delle sue rovine sullo sfondo del lago e dei monti. Tra i pittori che lo rappresentarono sono William Turner, Richard Wilson (pittore)Richard Wilson e Paul Sandby.Nel 1943 l'ultimo proprietario, sir Michael Duff (1907-1980), donò le rovine al cadw che ne detiene ancora oggi la proprietà.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Esplora la Abbandono di questa opera d'arte, Castello_di_Dolbadarn.

Nei secoli successivi il castello venne usato come maniero per tutto il XIV secolo.Dal XVIII secolo rimase disabitato e cadde in rovina.Dal 1760 in poi divenne un punto di attrazione per i pittori dello stile del Sublime e del Pittoresco: il castello offriva il contrasto fra il profilo delle sue rovine sullo sfondo del lago e dei monti. Tra i pittori che lo rappresentarono sono William Turner, Richard Wilson (pittore)Richard Wilson e Paul Sandby.Nel 1943 l'ultimo proprietario, sir Michael Duff (1907-1980), donò le rovine al cadw che ne detiene ancora oggi la proprietà.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come chiarisce Castello_di_Dolbadarn la sua Abbandono?

Nei secoli successivi il castello venne usato come maniero per tutto il XIV secolo.Dal XVIII secolo rimase disabitato e cadde in rovina.Dal 1760 in poi divenne un punto di attrazione per i pittori dello stile del Sublime e del Pittoresco: il castello offriva il contrasto fra il profilo delle sue rovine sullo sfondo del lago e dei monti. Tra i pittori che lo rappresentarono sono William Turner, Richard Wilson (pittore)Richard Wilson e Paul Sandby.Nel 1943 l'ultimo proprietario, sir Michael Duff (1907-1980), donò le rovine al cadw che ne detiene ancora oggi la proprietà.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Come viene discussa la Abbandono in Castello_di_Dolbadarn?

Nei secoli successivi il castello venne usato come maniero per tutto il XIV secolo.Dal XVIII secolo rimase disabitato e cadde in rovina.Dal 1760 in poi divenne un punto di attrazione per i pittori dello stile del Sublime e del Pittoresco: il castello offriva il contrasto fra il profilo delle sue rovine sullo sfondo del lago e dei monti. Tra i pittori che lo rappresentarono sono William Turner, Richard Wilson (pittore)Richard Wilson e Paul Sandby.Nel 1943 l'ultimo proprietario, sir Michael Duff (1907-1980), donò le rovine al cadw che ne detiene ancora oggi la proprietà.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
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maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn


Castello_di_Dolbadarn

Prompt: Concentrati su Castello_di_Dolbadarn ed esplora la Architettura.

Il castello di Dolbadarn comprende un cortile circondato da numerose torri e un maschio. È stato costruito in ardesia di color verde e viola, a secco, per lo più senza malta, ad eccezione del maschio.Il cortile segue la forma naturale della collina ed è protetto da un muro di cortina che in origine aveva circa 5 m d'altezza e conserva oggi l'altezza di circa 1 m).Della costruzione originale solo il maschio ha conservato un'altezza ragguardevole, di circa 14 m. In origine era dotato di un parapetto con merlatura. Secondo lo stile di costruzione del Galles meridionale nel XIII secolo, l'entrata è posta al primo piano ed in origine doveva essere stata protetta da un portico. Il maschio era dotato anche di una saracinesca che poteva essere sollevata attraverso la finestra posta al secondo piano dell'edificio.Gli ambienti interni del maschio hanno perso i pavimenti, ma si conservano le scale interne che portavano ai piani superiori. Il secondo piano era costituito da una grande sala, dotata di focolare e latrina.La torre rettangolare posta ad ovest era una struttura difensiva relativamente piccola, progettata per proteggere la pendenza occidentale del crinale, un'altra torre simile era stata posta a sorvegliare l'entrata del castello, a sud.

XIV secolo
Edoardo I d'Inghilterra
Ardesia
cadw
Torre
XI secolo
Marche gallesi
1247
Maschio (architettura)
re d'Inghilterra
merlatura
XVIII secolo
1220
1240
Owain II
Richard Wilson (pittore)Richard Wilson
1248
Merlo (architettura)
Snowdonia
Normanni
1943
Dolbadarn
ardesia
Enrico III d'Inghilterra
Regno d'Inghilterra
malta
1230
XIX secolo
Llywelyn III
1222
Sublime
Galles
Paul Sandby
Pittoresco
maschi
1282
Castell y Bere
1284
Gwynedd
galles
Categoria:Castelli del Galles in rovina
parapetto
Cadw
Guglielmo di Braose
Abergavenny
Llywelyn il Grande
William Turner
Caernarfon
Categoria:Castelli del Gwynedd
1283
castello di Caernarfon
lago di Llyn Padarn
1277
Dafydd ap Gruffydd
torri
Owain Goch ap Gruffydd
Brecon
Gran Bretagna
1255
1760
passo di Llanberis
maniero
Muro a secco
a secco
Maelgwn ap Cadwallon
maschio
muro di cortina
maschio (architettura)
Llywelyn Ein Llyw Olaf ap Gruffydd
Builth
Dafydd ap Llywelyn