La_Fornarina

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, La_Fornarina.

Il dipinto, forse modificato da Giulio Romano, fu conservato da Raffaello nel proprio studio fino alla morte, giunta poco dopo il completamento dell'opera.Menzionato per la prima volta nella collezione di Caterina Nobili Sforza di Santa Fiora in una lettera del vice cancelliere Corasduz all'imperatore Rodolfo II del 1595, viene descritto come "una donna nuda ritratta dal vivo, mezza figura di Raffaele". Alla morte della contessa, nel 1605, raggiunge la collezione del genero Giovanni Buoncompagni, duca di Sora, dove è notato da Fabio Chigi che la definisce "non admodum speciosa". Fu acquistato poi dai Barberini ed è citato nei loro inventari a partire dal 1642. Negli anni sessanta-settanta del Novecento venne trasferito per alcuni anni alla Galleria Borghese.L'identità della modella è controversa. Prevale tuttora l'identificazione con Margherita Luti, figlia di un fornaio di Trastevere in contrada Santa Dorotea, che sarebbe stata in quel periodo la donna amata da Raffaello e passata quindi alla storia col nome di "Fornarina". È bene notare, tuttavia, che Inoltre a inizio Ottocento quattro diversi ritratti erano noti come Fornarina: questo di Raffaello, la cosiddetta Fornarina della Tribuna degli Uffizi (oggi attribuita a Sebastiano del Piombo), la Dorotea dello stesso Sebastiano e una copia di quest'ultima sita in Verona.Non è sicuramente documentabile, ma somiglianze nei lineamenti del volto (fisiognomica) hanno accreditato l'ipotesi che Raffaello abbia usato la stessa modella in varie opere, come il Trionfo di Galatea, La Velata o la Madonna Sistina. La critica rimane oggi divisa, specie nel raffronto con La Velata e la Madonna Sistina. Ad esempio l'Acidini Luchinat parla in proposito di "gentile leggenda", affermando che "L'immagine si collega in realtà a una serie di bellezze muliebri ideali, raffigurate da Raffaello nell'arco della sua attività artistica". Tom Henry e Paul Joannides ritengono che i due quadri - La Velata e La Fornarina - non possano essere dello stesso artista, foss'anche in momenti distinti del suo sviluppo stilistico. Occorre, tuttavia, distinguere le due tesi: la prima, concerne la diversa identità del modello della Velata e della Fornarina; la seconda, concerne la diversa identità del pittore, Raffaello per la Velata e Giulio Romano per la Fornarina.Sulle orme di Giovanni Morelli e, più tardi, di Konrad Oberhuber, la prima tesi sembra vincere l'adesione anche di chi propende per l'autografia della Fornarina. Sulla seconda tesi, invece, il dibattito rimane ancora molto aperto. Infatti, l'attribuzione del dipinto a Raffaello è oggetto di discussione sin dal 1799. Sembra prevalere sin qui l'ipotesi che si tratti di un lavoro a più mani secondo la prassi della bottega romana di Raffaello. In proposito, la critica è divisa sulla presenza di un intervento di Giulio Romano: alcuni critici enfatizzano il ruolo dell'allievo di Raffaello, mentre altri lo considerano marginale.Un accurato studio di Giuliano Pisani ha mostrato come il termine “Fornarina” (usato nel 1772 dall’incisore Domenico Cunego) rimandi a una tradizione linguistica consolidata, attestata già in Anacreonte (VI a.C.) e in numerosi documenti letterari di età antica, medievale, rinascimentale e moderna, in cui “forno” e derivati (“fornaio”, “fornaia”, “infornare”, ecc.) indicano metaforicamente l’organo sessuale femminile e le pratiche connesse all'accoppiamento. La domanda corretta che ci si deve porre, secondo lo studioso, non è “chi sia” la Fornarina (domanda alla quale dovremmo rispondere semplicemente che è una modella, e non la figlia di un fornaio - in tal senso tutta la ricostruzione che porta a Margherita Luti è pura leggenda), ma quale sia il soggetto del dipinto, che cosa rappresenti. Pisani, attraverso opportuni confronti (in particolare con Tiziano, Amor sacro e Amor profano) ipotizza che Raffaello, sulla scorta di Marsilio Ficino e di Pietro Bembo, ritragga nella Fornarina la Venere celeste, l’amore che eleva gli spiriti alla ricerca della verità attraverso l’idea sublimata della bellezza, e che si distingue dall’altra Venere, quella terrestre, forza generatrice della natura, che guarda alla bellezza terrena e ha come fine la procreazione. Alla Fornarina corrisponderebbe in tal senso la Velata, identificata come Venere terrestre, sposa e madre.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come chiarisce La_Fornarina la sua Storia?

Il dipinto, forse modificato da Giulio Romano, fu conservato da Raffaello nel proprio studio fino alla morte, giunta poco dopo il completamento dell'opera.Menzionato per la prima volta nella collezione di Caterina Nobili Sforza di Santa Fiora in una lettera del vice cancelliere Corasduz all'imperatore Rodolfo II del 1595, viene descritto come "una donna nuda ritratta dal vivo, mezza figura di Raffaele". Alla morte della contessa, nel 1605, raggiunge la collezione del genero Giovanni Buoncompagni, duca di Sora, dove è notato da Fabio Chigi che la definisce "non admodum speciosa". Fu acquistato poi dai Barberini ed è citato nei loro inventari a partire dal 1642. Negli anni sessanta-settanta del Novecento venne trasferito per alcuni anni alla Galleria Borghese.L'identità della modella è controversa. Prevale tuttora l'identificazione con Margherita Luti, figlia di un fornaio di Trastevere in contrada Santa Dorotea, che sarebbe stata in quel periodo la donna amata da Raffaello e passata quindi alla storia col nome di "Fornarina". È bene notare, tuttavia, che Inoltre a inizio Ottocento quattro diversi ritratti erano noti come Fornarina: questo di Raffaello, la cosiddetta Fornarina della Tribuna degli Uffizi (oggi attribuita a Sebastiano del Piombo), la Dorotea dello stesso Sebastiano e una copia di quest'ultima sita in Verona.Non è sicuramente documentabile, ma somiglianze nei lineamenti del volto (fisiognomica) hanno accreditato l'ipotesi che Raffaello abbia usato la stessa modella in varie opere, come il Trionfo di Galatea, La Velata o la Madonna Sistina. La critica rimane oggi divisa, specie nel raffronto con La Velata e la Madonna Sistina. Ad esempio l'Acidini Luchinat parla in proposito di "gentile leggenda", affermando che "L'immagine si collega in realtà a una serie di bellezze muliebri ideali, raffigurate da Raffaello nell'arco della sua attività artistica". Tom Henry e Paul Joannides ritengono che i due quadri - La Velata e La Fornarina - non possano essere dello stesso artista, foss'anche in momenti distinti del suo sviluppo stilistico. Occorre, tuttavia, distinguere le due tesi: la prima, concerne la diversa identità del modello della Velata e della Fornarina; la seconda, concerne la diversa identità del pittore, Raffaello per la Velata e Giulio Romano per la Fornarina.Sulle orme di Giovanni Morelli e, più tardi, di Konrad Oberhuber, la prima tesi sembra vincere l'adesione anche di chi propende per l'autografia della Fornarina. Sulla seconda tesi, invece, il dibattito rimane ancora molto aperto. Infatti, l'attribuzione del dipinto a Raffaello è oggetto di discussione sin dal 1799. Sembra prevalere sin qui l'ipotesi che si tratti di un lavoro a più mani secondo la prassi della bottega romana di Raffaello. In proposito, la critica è divisa sulla presenza di un intervento di Giulio Romano: alcuni critici enfatizzano il ruolo dell'allievo di Raffaello, mentre altri lo considerano marginale.Un accurato studio di Giuliano Pisani ha mostrato come il termine “Fornarina” (usato nel 1772 dall’incisore Domenico Cunego) rimandi a una tradizione linguistica consolidata, attestata già in Anacreonte (VI a.C.) e in numerosi documenti letterari di età antica, medievale, rinascimentale e moderna, in cui “forno” e derivati (“fornaio”, “fornaia”, “infornare”, ecc.) indicano metaforicamente l’organo sessuale femminile e le pratiche connesse all'accoppiamento. La domanda corretta che ci si deve porre, secondo lo studioso, non è “chi sia” la Fornarina (domanda alla quale dovremmo rispondere semplicemente che è una modella, e non la figlia di un fornaio - in tal senso tutta la ricostruzione che porta a Margherita Luti è pura leggenda), ma quale sia il soggetto del dipinto, che cosa rappresenti. Pisani, attraverso opportuni confronti (in particolare con Tiziano, Amor sacro e Amor profano) ipotizza che Raffaello, sulla scorta di Marsilio Ficino e di Pietro Bembo, ritragga nella Fornarina la Venere celeste, l’amore che eleva gli spiriti alla ricerca della verità attraverso l’idea sublimata della bellezza, e che si distingue dall’altra Venere, quella terrestre, forza generatrice della natura, che guarda alla bellezza terrena e ha come fine la procreazione. Alla Fornarina corrisponderebbe in tal senso la Velata, identificata come Venere terrestre, sposa e madre.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come viene discussa la Storia in La_Fornarina?

Il dipinto, forse modificato da Giulio Romano, fu conservato da Raffaello nel proprio studio fino alla morte, giunta poco dopo il completamento dell'opera.Menzionato per la prima volta nella collezione di Caterina Nobili Sforza di Santa Fiora in una lettera del vice cancelliere Corasduz all'imperatore Rodolfo II del 1595, viene descritto come "una donna nuda ritratta dal vivo, mezza figura di Raffaele". Alla morte della contessa, nel 1605, raggiunge la collezione del genero Giovanni Buoncompagni, duca di Sora, dove è notato da Fabio Chigi che la definisce "non admodum speciosa". Fu acquistato poi dai Barberini ed è citato nei loro inventari a partire dal 1642. Negli anni sessanta-settanta del Novecento venne trasferito per alcuni anni alla Galleria Borghese.L'identità della modella è controversa. Prevale tuttora l'identificazione con Margherita Luti, figlia di un fornaio di Trastevere in contrada Santa Dorotea, che sarebbe stata in quel periodo la donna amata da Raffaello e passata quindi alla storia col nome di "Fornarina". È bene notare, tuttavia, che Inoltre a inizio Ottocento quattro diversi ritratti erano noti come Fornarina: questo di Raffaello, la cosiddetta Fornarina della Tribuna degli Uffizi (oggi attribuita a Sebastiano del Piombo), la Dorotea dello stesso Sebastiano e una copia di quest'ultima sita in Verona.Non è sicuramente documentabile, ma somiglianze nei lineamenti del volto (fisiognomica) hanno accreditato l'ipotesi che Raffaello abbia usato la stessa modella in varie opere, come il Trionfo di Galatea, La Velata o la Madonna Sistina. La critica rimane oggi divisa, specie nel raffronto con La Velata e la Madonna Sistina. Ad esempio l'Acidini Luchinat parla in proposito di "gentile leggenda", affermando che "L'immagine si collega in realtà a una serie di bellezze muliebri ideali, raffigurate da Raffaello nell'arco della sua attività artistica". Tom Henry e Paul Joannides ritengono che i due quadri - La Velata e La Fornarina - non possano essere dello stesso artista, foss'anche in momenti distinti del suo sviluppo stilistico. Occorre, tuttavia, distinguere le due tesi: la prima, concerne la diversa identità del modello della Velata e della Fornarina; la seconda, concerne la diversa identità del pittore, Raffaello per la Velata e Giulio Romano per la Fornarina.Sulle orme di Giovanni Morelli e, più tardi, di Konrad Oberhuber, la prima tesi sembra vincere l'adesione anche di chi propende per l'autografia della Fornarina. Sulla seconda tesi, invece, il dibattito rimane ancora molto aperto. Infatti, l'attribuzione del dipinto a Raffaello è oggetto di discussione sin dal 1799. Sembra prevalere sin qui l'ipotesi che si tratti di un lavoro a più mani secondo la prassi della bottega romana di Raffaello. In proposito, la critica è divisa sulla presenza di un intervento di Giulio Romano: alcuni critici enfatizzano il ruolo dell'allievo di Raffaello, mentre altri lo considerano marginale.Un accurato studio di Giuliano Pisani ha mostrato come il termine “Fornarina” (usato nel 1772 dall’incisore Domenico Cunego) rimandi a una tradizione linguistica consolidata, attestata già in Anacreonte (VI a.C.) e in numerosi documenti letterari di età antica, medievale, rinascimentale e moderna, in cui “forno” e derivati (“fornaio”, “fornaia”, “infornare”, ecc.) indicano metaforicamente l’organo sessuale femminile e le pratiche connesse all'accoppiamento. La domanda corretta che ci si deve porre, secondo lo studioso, non è “chi sia” la Fornarina (domanda alla quale dovremmo rispondere semplicemente che è una modella, e non la figlia di un fornaio - in tal senso tutta la ricostruzione che porta a Margherita Luti è pura leggenda), ma quale sia il soggetto del dipinto, che cosa rappresenti. Pisani, attraverso opportuni confronti (in particolare con Tiziano, Amor sacro e Amor profano) ipotizza che Raffaello, sulla scorta di Marsilio Ficino e di Pietro Bembo, ritragga nella Fornarina la Venere celeste, l’amore che eleva gli spiriti alla ricerca della verità attraverso l’idea sublimata della bellezza, e che si distingue dall’altra Venere, quella terrestre, forza generatrice della natura, che guarda alla bellezza terrena e ha come fine la procreazione. Alla Fornarina corrisponderebbe in tal senso la Velata, identificata come Venere terrestre, sposa e madre.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Concentrati su La_Fornarina ed esplora la Descrizione.

Il ritratto, di discinta seminudità, doveva essere destinato a una collocazione privata, lontana da sguardi indiscreti. La donna è infatti ritratta a seno scoperto, coperta appena da un velo che regge al petto con la mano destra e da un manto rosso che copre le gambe. Ritratta di tre quarti verso sinistra, la donna guarda a destra, oltre lo spettatore, e il bracciale con la firma dell'artista che porta sul braccio sembra un suggello d'amore.In testa porta un turbante fatto di una seta dorata a righe verdi e azzurre annodata tra i capelli, con una spilla composta di due pietre incastonate con perla pendente, non insolito nella moda dell'epoca. Il gioiello è già documentato nell'opera di Raffaello nel Ritratto di Maddalena Strozzi (1506 circa) e ne La Velata (1512-1518 circa). Il turbante si ritrova nella Sacra Famiglia di Francesco I (1518).Lo sfondo è costituito da un folto cespuglio di mirto, pianta dedicata a Venere.L'effigie è di fresca immediatezza, con una sensualità dolce e rotonda, amplificata dalla luce diretta e fredda che proviene da sinistra, inondandola, e risaltata dallo sfondo scuro.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, La_Fornarina.

Il ritratto, di discinta seminudità, doveva essere destinato a una collocazione privata, lontana da sguardi indiscreti. La donna è infatti ritratta a seno scoperto, coperta appena da un velo che regge al petto con la mano destra e da un manto rosso che copre le gambe. Ritratta di tre quarti verso sinistra, la donna guarda a destra, oltre lo spettatore, e il bracciale con la firma dell'artista che porta sul braccio sembra un suggello d'amore.In testa porta un turbante fatto di una seta dorata a righe verdi e azzurre annodata tra i capelli, con una spilla composta di due pietre incastonate con perla pendente, non insolito nella moda dell'epoca. Il gioiello è già documentato nell'opera di Raffaello nel Ritratto di Maddalena Strozzi (1506 circa) e ne La Velata (1512-1518 circa). Il turbante si ritrova nella Sacra Famiglia di Francesco I (1518).Lo sfondo è costituito da un folto cespuglio di mirto, pianta dedicata a Venere.L'effigie è di fresca immediatezza, con una sensualità dolce e rotonda, amplificata dalla luce diretta e fredda che proviene da sinistra, inondandola, e risaltata dallo sfondo scuro.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come chiarisce La_Fornarina la sua Descrizione?

Il ritratto, di discinta seminudità, doveva essere destinato a una collocazione privata, lontana da sguardi indiscreti. La donna è infatti ritratta a seno scoperto, coperta appena da un velo che regge al petto con la mano destra e da un manto rosso che copre le gambe. Ritratta di tre quarti verso sinistra, la donna guarda a destra, oltre lo spettatore, e il bracciale con la firma dell'artista che porta sul braccio sembra un suggello d'amore.In testa porta un turbante fatto di una seta dorata a righe verdi e azzurre annodata tra i capelli, con una spilla composta di due pietre incastonate con perla pendente, non insolito nella moda dell'epoca. Il gioiello è già documentato nell'opera di Raffaello nel Ritratto di Maddalena Strozzi (1506 circa) e ne La Velata (1512-1518 circa). Il turbante si ritrova nella Sacra Famiglia di Francesco I (1518).Lo sfondo è costituito da un folto cespuglio di mirto, pianta dedicata a Venere.L'effigie è di fresca immediatezza, con una sensualità dolce e rotonda, amplificata dalla luce diretta e fredda che proviene da sinistra, inondandola, e risaltata dallo sfondo scuro.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in La_Fornarina?

Il ritratto, di discinta seminudità, doveva essere destinato a una collocazione privata, lontana da sguardi indiscreti. La donna è infatti ritratta a seno scoperto, coperta appena da un velo che regge al petto con la mano destra e da un manto rosso che copre le gambe. Ritratta di tre quarti verso sinistra, la donna guarda a destra, oltre lo spettatore, e il bracciale con la firma dell'artista che porta sul braccio sembra un suggello d'amore.In testa porta un turbante fatto di una seta dorata a righe verdi e azzurre annodata tra i capelli, con una spilla composta di due pietre incastonate con perla pendente, non insolito nella moda dell'epoca. Il gioiello è già documentato nell'opera di Raffaello nel Ritratto di Maddalena Strozzi (1506 circa) e ne La Velata (1512-1518 circa). Il turbante si ritrova nella Sacra Famiglia di Francesco I (1518).Lo sfondo è costituito da un folto cespuglio di mirto, pianta dedicata a Venere.L'effigie è di fresca immediatezza, con una sensualità dolce e rotonda, amplificata dalla luce diretta e fredda che proviene da sinistra, inondandola, e risaltata dallo sfondo scuro.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Concentrati su La_Fornarina ed esplora la Analisi stilistica.

Il dipinto, come hanno testimoniato gli esami radiografici, fu realizzato in due riprese: in un primo momento sullo sfondo, al posto del cespuglio di mirto sacro a Venere, appariva un paesaggio di ispirazione leonardesca. Pare infatti che il dipinto si rifacesse al modello perduto della Monna Vanna del pittore di Vinci. La posa della mano destra sul seno richiama il gesto della Velata, tuttavia il disegno dell'orecchio differisce da quest'ultima mentre è piuttosto simile a quello della Maddalena che compare nella Estasi di Santa Cecilia (1515-1516 circa). Il diverso disegno dell'orecchio, messo in luce da Cecil Gould, pende a favore di chi refuta la tesi dell'identità tra il modello della Velata e quello della Fornarina. Il dibattito sull'autografia raffaellesca della Fornarina si incentra invece sulla disparità stilistica che si riscontra a prima vista tra il trattamento pittorico del capo della donna e quello del resto del suo corpo.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Esplora la Analisi stilistica di questa opera d'arte, La_Fornarina.

Il dipinto, come hanno testimoniato gli esami radiografici, fu realizzato in due riprese: in un primo momento sullo sfondo, al posto del cespuglio di mirto sacro a Venere, appariva un paesaggio di ispirazione leonardesca. Pare infatti che il dipinto si rifacesse al modello perduto della Monna Vanna del pittore di Vinci. La posa della mano destra sul seno richiama il gesto della Velata, tuttavia il disegno dell'orecchio differisce da quest'ultima mentre è piuttosto simile a quello della Maddalena che compare nella Estasi di Santa Cecilia (1515-1516 circa). Il diverso disegno dell'orecchio, messo in luce da Cecil Gould, pende a favore di chi refuta la tesi dell'identità tra il modello della Velata e quello della Fornarina. Il dibattito sull'autografia raffaellesca della Fornarina si incentra invece sulla disparità stilistica che si riscontra a prima vista tra il trattamento pittorico del capo della donna e quello del resto del suo corpo.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come chiarisce La_Fornarina la sua Analisi stilistica?

Il dipinto, come hanno testimoniato gli esami radiografici, fu realizzato in due riprese: in un primo momento sullo sfondo, al posto del cespuglio di mirto sacro a Venere, appariva un paesaggio di ispirazione leonardesca. Pare infatti che il dipinto si rifacesse al modello perduto della Monna Vanna del pittore di Vinci. La posa della mano destra sul seno richiama il gesto della Velata, tuttavia il disegno dell'orecchio differisce da quest'ultima mentre è piuttosto simile a quello della Maddalena che compare nella Estasi di Santa Cecilia (1515-1516 circa). Il diverso disegno dell'orecchio, messo in luce da Cecil Gould, pende a favore di chi refuta la tesi dell'identità tra il modello della Velata e quello della Fornarina. Il dibattito sull'autografia raffaellesca della Fornarina si incentra invece sulla disparità stilistica che si riscontra a prima vista tra il trattamento pittorico del capo della donna e quello del resto del suo corpo.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come viene discussa la Analisi stilistica in La_Fornarina?

Il dipinto, come hanno testimoniato gli esami radiografici, fu realizzato in due riprese: in un primo momento sullo sfondo, al posto del cespuglio di mirto sacro a Venere, appariva un paesaggio di ispirazione leonardesca. Pare infatti che il dipinto si rifacesse al modello perduto della Monna Vanna del pittore di Vinci. La posa della mano destra sul seno richiama il gesto della Velata, tuttavia il disegno dell'orecchio differisce da quest'ultima mentre è piuttosto simile a quello della Maddalena che compare nella Estasi di Santa Cecilia (1515-1516 circa). Il diverso disegno dell'orecchio, messo in luce da Cecil Gould, pende a favore di chi refuta la tesi dell'identità tra il modello della Velata e quello della Fornarina. Il dibattito sull'autografia raffaellesca della Fornarina si incentra invece sulla disparità stilistica che si riscontra a prima vista tra il trattamento pittorico del capo della donna e quello del resto del suo corpo.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Concentrati su La_Fornarina ed esplora la Retaggio.

L'intrigante personaggio ha ispirato numerosi autori anche nel campo letterario e teatrale.L'opera musicale contemporanea Raffaello e la leggenda della Fornarina scritta e composta da Giancarlo Acquisti è andata in scena nel 2011 con orchestra dal vivo al Teatro Argentina di Roma per la regia e le coreografie di Marcello Sindici; nel 2012 è stata eseguita in versione concerto ai Musei Capitolini in Campidoglio, e a maggio 2014, per due settimane, al Salone Margherita di Roma con un cast composto da Brunella Platania nel ruolo di Fornarina, Enrico D'Amore nel ruolo di Raffaello, e Mino Caprio nel ruolo del giornalista scrittore Shoping.Nel 2017 Giovanni Montanaro si ispirò nel suo romanzo Guardami negli occhi edito da Feltrinelli allo storia tra l'artista e Margherita Luti, detta Ghita. Nel 2020, in occasione del quinto anniversario dalla morte dell'artista è uscito il romanzo di Pierluigi Panza Un amore di Raffaello dedicato alla storia della Fornarina e alla Roma di Leone X.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Esplora la Retaggio di questa opera d'arte, La_Fornarina.

L'intrigante personaggio ha ispirato numerosi autori anche nel campo letterario e teatrale.L'opera musicale contemporanea Raffaello e la leggenda della Fornarina scritta e composta da Giancarlo Acquisti è andata in scena nel 2011 con orchestra dal vivo al Teatro Argentina di Roma per la regia e le coreografie di Marcello Sindici; nel 2012 è stata eseguita in versione concerto ai Musei Capitolini in Campidoglio, e a maggio 2014, per due settimane, al Salone Margherita di Roma con un cast composto da Brunella Platania nel ruolo di Fornarina, Enrico D'Amore nel ruolo di Raffaello, e Mino Caprio nel ruolo del giornalista scrittore Shoping.Nel 2017 Giovanni Montanaro si ispirò nel suo romanzo Guardami negli occhi edito da Feltrinelli allo storia tra l'artista e Margherita Luti, detta Ghita. Nel 2020, in occasione del quinto anniversario dalla morte dell'artista è uscito il romanzo di Pierluigi Panza Un amore di Raffaello dedicato alla storia della Fornarina e alla Roma di Leone X.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come chiarisce La_Fornarina la sua Retaggio?

L'intrigante personaggio ha ispirato numerosi autori anche nel campo letterario e teatrale.L'opera musicale contemporanea Raffaello e la leggenda della Fornarina scritta e composta da Giancarlo Acquisti è andata in scena nel 2011 con orchestra dal vivo al Teatro Argentina di Roma per la regia e le coreografie di Marcello Sindici; nel 2012 è stata eseguita in versione concerto ai Musei Capitolini in Campidoglio, e a maggio 2014, per due settimane, al Salone Margherita di Roma con un cast composto da Brunella Platania nel ruolo di Fornarina, Enrico D'Amore nel ruolo di Raffaello, e Mino Caprio nel ruolo del giornalista scrittore Shoping.Nel 2017 Giovanni Montanaro si ispirò nel suo romanzo Guardami negli occhi edito da Feltrinelli allo storia tra l'artista e Margherita Luti, detta Ghita. Nel 2020, in occasione del quinto anniversario dalla morte dell'artista è uscito il romanzo di Pierluigi Panza Un amore di Raffaello dedicato alla storia della Fornarina e alla Roma di Leone X.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


La_Fornarina

Prompt: Come viene discussa la Retaggio in La_Fornarina?

L'intrigante personaggio ha ispirato numerosi autori anche nel campo letterario e teatrale.L'opera musicale contemporanea Raffaello e la leggenda della Fornarina scritta e composta da Giancarlo Acquisti è andata in scena nel 2011 con orchestra dal vivo al Teatro Argentina di Roma per la regia e le coreografie di Marcello Sindici; nel 2012 è stata eseguita in versione concerto ai Musei Capitolini in Campidoglio, e a maggio 2014, per due settimane, al Salone Margherita di Roma con un cast composto da Brunella Platania nel ruolo di Fornarina, Enrico D'Amore nel ruolo di Raffaello, e Mino Caprio nel ruolo del giornalista scrittore Shoping.Nel 2017 Giovanni Montanaro si ispirò nel suo romanzo Guardami negli occhi edito da Feltrinelli allo storia tra l'artista e Margherita Luti, detta Ghita. Nel 2020, in occasione del quinto anniversario dalla morte dell'artista è uscito il romanzo di Pierluigi Panza Un amore di Raffaello dedicato alla storia della Fornarina e alla Roma di Leone X.

Categoria:Dipinti nella Galleria nazionale d'arte antica


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Concentrati su Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella ed esplora la abstract.

Gabrielle d'Estrées e sua sorella, o Gabrielle d'Estrées e una delle sue sorelle (Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs), è un dipinto di un autore sconosciuto della scuola di Fontainebleau, creato intorno al 1594. Quest'olio su tavola di quercia è conservato dal 1937 al museo del Louvre, che lo acquistò dalla collezione della signora Goubert de Guestre.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella.

Gabrielle d'Estrées e sua sorella, o Gabrielle d'Estrées e una delle sue sorelle (Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs), è un dipinto di un autore sconosciuto della scuola di Fontainebleau, creato intorno al 1594. Quest'olio su tavola di quercia è conservato dal 1937 al museo del Louvre, che lo acquistò dalla collezione della signora Goubert de Guestre.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come chiarisce Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella la sua abstract?

Gabrielle d'Estrées e sua sorella, o Gabrielle d'Estrées e una delle sue sorelle (Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs), è un dipinto di un autore sconosciuto della scuola di Fontainebleau, creato intorno al 1594. Quest'olio su tavola di quercia è conservato dal 1937 al museo del Louvre, che lo acquistò dalla collezione della signora Goubert de Guestre.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come viene discussa la abstract in Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella?

Gabrielle d'Estrées e sua sorella, o Gabrielle d'Estrées e una delle sue sorelle (Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs), è un dipinto di un autore sconosciuto della scuola di Fontainebleau, creato intorno al 1594. Quest'olio su tavola di quercia è conservato dal 1937 al museo del Louvre, che lo acquistò dalla collezione della signora Goubert de Guestre.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Concentrati su Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella ed esplora la Descrizione.

Due grandi tende di seta rossa aperte (probabilmente di un baldacchino) incornicia due giovani donne nude in una vasca da bagno riempita probabilmente di vino o di latte per le loro proprietà ringiovanenti e non d'acqua, perché in quell'epoca della "toeletta secca" la società di corte evitava questo elemento accusato di "trasmettere delle malattie aprendo i pori della pelle". La vasca da bagno è ricoperta da un telo bianco leggero e tradizionale che ammorbidisce il contatto e il cui colore attenua la freddezza della pelle di porcellana delle due donne che mettono in mostra il loro fascino.La donna a sinistra, forse la duchessa di Villars Julienne d'Estrées, come menzionato in un'iscrizione su una copia successiva del quadro, pizzica il seno dal capezzolo roseo di sua sorella Gabrielle d'Estrées, mentre il braccio destro è appoggiato sul bordo della vasca. Gabrielle d'Estrées tiene con la punta delle dita della mano destra quello che potrebbe essere l'anello di incoronazione di Enrico IV, che glielo offrì il 2 marzo 1599 (come promessa di matrimonio, che fece scandalo alla corte), mentre l'altra mano riposa sul bordo della vasca. Le due donne dal volto ovale hanno il collo nudo, senza delle collane, il che rinforza il loro aspetto altezzoso, ma le perle degli orecchini ne sottolineano il rango. Le loro capigliature sono molto simili e differiscono solo per il colore naturale dei capelli (bruni per Julienne, biondi per Gabrielle).Dietro le due donne c'è un'altra tenda rossa che nasconde parzialmente lo sfondo nel quale si trova una sarta, forse una nutrice. Si vedono anche dei mobili ricoperti da un lenzuolo di velluto verde nonché un camino con il fuoco ardente. Sopra il camino è appeso un quadro parzialmente visibile che mostra la parte inferiore del corpo di un uomo nudo con una striscia rossa che nasconde i genitali.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella.

Due grandi tende di seta rossa aperte (probabilmente di un baldacchino) incornicia due giovani donne nude in una vasca da bagno riempita probabilmente di vino o di latte per le loro proprietà ringiovanenti e non d'acqua, perché in quell'epoca della "toeletta secca" la società di corte evitava questo elemento accusato di "trasmettere delle malattie aprendo i pori della pelle". La vasca da bagno è ricoperta da un telo bianco leggero e tradizionale che ammorbidisce il contatto e il cui colore attenua la freddezza della pelle di porcellana delle due donne che mettono in mostra il loro fascino.La donna a sinistra, forse la duchessa di Villars Julienne d'Estrées, come menzionato in un'iscrizione su una copia successiva del quadro, pizzica il seno dal capezzolo roseo di sua sorella Gabrielle d'Estrées, mentre il braccio destro è appoggiato sul bordo della vasca. Gabrielle d'Estrées tiene con la punta delle dita della mano destra quello che potrebbe essere l'anello di incoronazione di Enrico IV, che glielo offrì il 2 marzo 1599 (come promessa di matrimonio, che fece scandalo alla corte), mentre l'altra mano riposa sul bordo della vasca. Le due donne dal volto ovale hanno il collo nudo, senza delle collane, il che rinforza il loro aspetto altezzoso, ma le perle degli orecchini ne sottolineano il rango. Le loro capigliature sono molto simili e differiscono solo per il colore naturale dei capelli (bruni per Julienne, biondi per Gabrielle).Dietro le due donne c'è un'altra tenda rossa che nasconde parzialmente lo sfondo nel quale si trova una sarta, forse una nutrice. Si vedono anche dei mobili ricoperti da un lenzuolo di velluto verde nonché un camino con il fuoco ardente. Sopra il camino è appeso un quadro parzialmente visibile che mostra la parte inferiore del corpo di un uomo nudo con una striscia rossa che nasconde i genitali.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come chiarisce Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella la sua Descrizione?

Due grandi tende di seta rossa aperte (probabilmente di un baldacchino) incornicia due giovani donne nude in una vasca da bagno riempita probabilmente di vino o di latte per le loro proprietà ringiovanenti e non d'acqua, perché in quell'epoca della "toeletta secca" la società di corte evitava questo elemento accusato di "trasmettere delle malattie aprendo i pori della pelle". La vasca da bagno è ricoperta da un telo bianco leggero e tradizionale che ammorbidisce il contatto e il cui colore attenua la freddezza della pelle di porcellana delle due donne che mettono in mostra il loro fascino.La donna a sinistra, forse la duchessa di Villars Julienne d'Estrées, come menzionato in un'iscrizione su una copia successiva del quadro, pizzica il seno dal capezzolo roseo di sua sorella Gabrielle d'Estrées, mentre il braccio destro è appoggiato sul bordo della vasca. Gabrielle d'Estrées tiene con la punta delle dita della mano destra quello che potrebbe essere l'anello di incoronazione di Enrico IV, che glielo offrì il 2 marzo 1599 (come promessa di matrimonio, che fece scandalo alla corte), mentre l'altra mano riposa sul bordo della vasca. Le due donne dal volto ovale hanno il collo nudo, senza delle collane, il che rinforza il loro aspetto altezzoso, ma le perle degli orecchini ne sottolineano il rango. Le loro capigliature sono molto simili e differiscono solo per il colore naturale dei capelli (bruni per Julienne, biondi per Gabrielle).Dietro le due donne c'è un'altra tenda rossa che nasconde parzialmente lo sfondo nel quale si trova una sarta, forse una nutrice. Si vedono anche dei mobili ricoperti da un lenzuolo di velluto verde nonché un camino con il fuoco ardente. Sopra il camino è appeso un quadro parzialmente visibile che mostra la parte inferiore del corpo di un uomo nudo con una striscia rossa che nasconde i genitali.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella?

Due grandi tende di seta rossa aperte (probabilmente di un baldacchino) incornicia due giovani donne nude in una vasca da bagno riempita probabilmente di vino o di latte per le loro proprietà ringiovanenti e non d'acqua, perché in quell'epoca della "toeletta secca" la società di corte evitava questo elemento accusato di "trasmettere delle malattie aprendo i pori della pelle". La vasca da bagno è ricoperta da un telo bianco leggero e tradizionale che ammorbidisce il contatto e il cui colore attenua la freddezza della pelle di porcellana delle due donne che mettono in mostra il loro fascino.La donna a sinistra, forse la duchessa di Villars Julienne d'Estrées, come menzionato in un'iscrizione su una copia successiva del quadro, pizzica il seno dal capezzolo roseo di sua sorella Gabrielle d'Estrées, mentre il braccio destro è appoggiato sul bordo della vasca. Gabrielle d'Estrées tiene con la punta delle dita della mano destra quello che potrebbe essere l'anello di incoronazione di Enrico IV, che glielo offrì il 2 marzo 1599 (come promessa di matrimonio, che fece scandalo alla corte), mentre l'altra mano riposa sul bordo della vasca. Le due donne dal volto ovale hanno il collo nudo, senza delle collane, il che rinforza il loro aspetto altezzoso, ma le perle degli orecchini ne sottolineano il rango. Le loro capigliature sono molto simili e differiscono solo per il colore naturale dei capelli (bruni per Julienne, biondi per Gabrielle).Dietro le due donne c'è un'altra tenda rossa che nasconde parzialmente lo sfondo nel quale si trova una sarta, forse una nutrice. Si vedono anche dei mobili ricoperti da un lenzuolo di velluto verde nonché un camino con il fuoco ardente. Sopra il camino è appeso un quadro parzialmente visibile che mostra la parte inferiore del corpo di un uomo nudo con una striscia rossa che nasconde i genitali.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Concentrati su Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella ed esplora la Significato.

Anche se questo quadro erotico è tanto più sconvolgente quanto è più misterioso, il capezzolo pizzicato di Gabrielle d'Estrées viene spesso interpretato come un segno della sua gravidanza o al fatto che ha appena fatto nascere un bambino. Infatti, ella partorì nel giugno del 1594 Cesare di Vendôme, un bambino presentato come il figlio che avrebbe avuto con Enrico IV. Secondo questa interpretazione, la sarta sta preparando dei vestiti per il bambino e il ritratto del camino potrebbe essere quello del padre. Inoltre il pizzicotto sul capezzolo attira l'attenzione sulla fonte del latte materno per il nascituro o il neonato. L'anello è un regalo di fidanzamento che richiama la promessa di matrimonio di Enrico IV. Lo sfondo presenta un interno sinistro che potrebbe evocare la morte ventura di Gabrielle attraverso la tenda rosso sangue, il camino con una fiamma fioca, lo specchio scuro che non riflette più niente e il mobile ricoperto di velluto verde, il colore preferito di Gabrielle.Un'altra interpretazione sostiene che il quadro è l'ultimo di una serie che rappresenta la successione delle amanti di Enrico IV sul tema identico della "signora al bagno". Dato che l'uomo rappresentato nel quadro al di sopra del camino non sarebbe Enrico IV, solo la parte inferiore del corpo viene mostrata. È in ques'ottica che lo scrittore Wolfram Fleischhauer avanza l'ipotesi nel suo romanzo Un enigma color porpora (Die Purpurlinie) che la donna a sinistra non sia la sorella di Gabrielle, bensì Henriette d'Entragues, la favorita successiva di Enrico IV alla quale anche questi promise il matrimonio.

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Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Esplora la Significato di questa opera d'arte, Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella.

Anche se questo quadro erotico è tanto più sconvolgente quanto è più misterioso, il capezzolo pizzicato di Gabrielle d'Estrées viene spesso interpretato come un segno della sua gravidanza o al fatto che ha appena fatto nascere un bambino. Infatti, ella partorì nel giugno del 1594 Cesare di Vendôme, un bambino presentato come il figlio che avrebbe avuto con Enrico IV. Secondo questa interpretazione, la sarta sta preparando dei vestiti per il bambino e il ritratto del camino potrebbe essere quello del padre. Inoltre il pizzicotto sul capezzolo attira l'attenzione sulla fonte del latte materno per il nascituro o il neonato. L'anello è un regalo di fidanzamento che richiama la promessa di matrimonio di Enrico IV. Lo sfondo presenta un interno sinistro che potrebbe evocare la morte ventura di Gabrielle attraverso la tenda rosso sangue, il camino con una fiamma fioca, lo specchio scuro che non riflette più niente e il mobile ricoperto di velluto verde, il colore preferito di Gabrielle.Un'altra interpretazione sostiene che il quadro è l'ultimo di una serie che rappresenta la successione delle amanti di Enrico IV sul tema identico della "signora al bagno". Dato che l'uomo rappresentato nel quadro al di sopra del camino non sarebbe Enrico IV, solo la parte inferiore del corpo viene mostrata. È in ques'ottica che lo scrittore Wolfram Fleischhauer avanza l'ipotesi nel suo romanzo Un enigma color porpora (Die Purpurlinie) che la donna a sinistra non sia la sorella di Gabrielle, bensì Henriette d'Entragues, la favorita successiva di Enrico IV alla quale anche questi promise il matrimonio.

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come chiarisce Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella la sua Significato?

Anche se questo quadro erotico è tanto più sconvolgente quanto è più misterioso, il capezzolo pizzicato di Gabrielle d'Estrées viene spesso interpretato come un segno della sua gravidanza o al fatto che ha appena fatto nascere un bambino. Infatti, ella partorì nel giugno del 1594 Cesare di Vendôme, un bambino presentato come il figlio che avrebbe avuto con Enrico IV. Secondo questa interpretazione, la sarta sta preparando dei vestiti per il bambino e il ritratto del camino potrebbe essere quello del padre. Inoltre il pizzicotto sul capezzolo attira l'attenzione sulla fonte del latte materno per il nascituro o il neonato. L'anello è un regalo di fidanzamento che richiama la promessa di matrimonio di Enrico IV. Lo sfondo presenta un interno sinistro che potrebbe evocare la morte ventura di Gabrielle attraverso la tenda rosso sangue, il camino con una fiamma fioca, lo specchio scuro che non riflette più niente e il mobile ricoperto di velluto verde, il colore preferito di Gabrielle.Un'altra interpretazione sostiene che il quadro è l'ultimo di una serie che rappresenta la successione delle amanti di Enrico IV sul tema identico della "signora al bagno". Dato che l'uomo rappresentato nel quadro al di sopra del camino non sarebbe Enrico IV, solo la parte inferiore del corpo viene mostrata. È in ques'ottica che lo scrittore Wolfram Fleischhauer avanza l'ipotesi nel suo romanzo Un enigma color porpora (Die Purpurlinie) che la donna a sinistra non sia la sorella di Gabrielle, bensì Henriette d'Entragues, la favorita successiva di Enrico IV alla quale anche questi promise il matrimonio.

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Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come viene discussa la Significato in Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella?

Anche se questo quadro erotico è tanto più sconvolgente quanto è più misterioso, il capezzolo pizzicato di Gabrielle d'Estrées viene spesso interpretato come un segno della sua gravidanza o al fatto che ha appena fatto nascere un bambino. Infatti, ella partorì nel giugno del 1594 Cesare di Vendôme, un bambino presentato come il figlio che avrebbe avuto con Enrico IV. Secondo questa interpretazione, la sarta sta preparando dei vestiti per il bambino e il ritratto del camino potrebbe essere quello del padre. Inoltre il pizzicotto sul capezzolo attira l'attenzione sulla fonte del latte materno per il nascituro o il neonato. L'anello è un regalo di fidanzamento che richiama la promessa di matrimonio di Enrico IV. Lo sfondo presenta un interno sinistro che potrebbe evocare la morte ventura di Gabrielle attraverso la tenda rosso sangue, il camino con una fiamma fioca, lo specchio scuro che non riflette più niente e il mobile ricoperto di velluto verde, il colore preferito di Gabrielle.Un'altra interpretazione sostiene che il quadro è l'ultimo di una serie che rappresenta la successione delle amanti di Enrico IV sul tema identico della "signora al bagno". Dato che l'uomo rappresentato nel quadro al di sopra del camino non sarebbe Enrico IV, solo la parte inferiore del corpo viene mostrata. È in ques'ottica che lo scrittore Wolfram Fleischhauer avanza l'ipotesi nel suo romanzo Un enigma color porpora (Die Purpurlinie) che la donna a sinistra non sia la sorella di Gabrielle, bensì Henriette d'Entragues, la favorita successiva di Enrico IV alla quale anche questi promise il matrimonio.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Concentrati su Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella ed esplora la Opere derivate.

Il tema della "signora al bagno" venne ripreso in una serie di quadri che rappresentano Gabrielle d'Estrées e che si ispirano a quello di François Clouet realizzato nel 1571 circa. Questo primo dipinto, la Dama al bagno, è ritenuto un ritratto presunto di Diana di Poitiers, Maria Stuarda o di Marie Touchet, e raffigura l'effigiata in una vasca da bagno, mentre dietro una nutrice allatta un neonato. Di quest'opera di Clouet esiste anche una seconda versione degli inizi del XVII secolo. Per quanto riguarda il quadro delle sorelle d'Estrées, ne esistono due varianti che si differenziano dal dipinto originale. La prima variazione è conservata nel museo nazionale del castello di Fontainebleau e la seconda alla galleria degli Uffizi di Firenze. Nella prima variazione Gabrielle indossa una collana di perle che ricade sul petto a mo' di rosario e rivolge lo sguardo altrove, mentre la duchessa di Villars è ritratta di schiena, mentre si gira verso lo spettatore. Dietro di loro è inoltre presente la stessa balia del quadro di Clouet del 1571. Nella seconda variazione le tende in secondo piano sono chiuse, cancellando lo sfondo. Gli sguardi di Gabrielle e della sorella sono identici a quelli del dipinto precedente, e sono i gesti che cambiano: Gabrielle d'Estrées tiene tra le dita l'anulare della mano sinistra della sorella, mentre questa non è più a mezzo busto, ma si alza fino all'altezza delle natiche. Data la sua fama, Gabrielle d'Estrées e sua sorella è anche un'opera molto parodiata nell'epoca contemporanea.

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Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Esplora la Opere derivate di questa opera d'arte, Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella.

Il tema della "signora al bagno" venne ripreso in una serie di quadri che rappresentano Gabrielle d'Estrées e che si ispirano a quello di François Clouet realizzato nel 1571 circa. Questo primo dipinto, la Dama al bagno, è ritenuto un ritratto presunto di Diana di Poitiers, Maria Stuarda o di Marie Touchet, e raffigura l'effigiata in una vasca da bagno, mentre dietro una nutrice allatta un neonato. Di quest'opera di Clouet esiste anche una seconda versione degli inizi del XVII secolo. Per quanto riguarda il quadro delle sorelle d'Estrées, ne esistono due varianti che si differenziano dal dipinto originale. La prima variazione è conservata nel museo nazionale del castello di Fontainebleau e la seconda alla galleria degli Uffizi di Firenze. Nella prima variazione Gabrielle indossa una collana di perle che ricade sul petto a mo' di rosario e rivolge lo sguardo altrove, mentre la duchessa di Villars è ritratta di schiena, mentre si gira verso lo spettatore. Dietro di loro è inoltre presente la stessa balia del quadro di Clouet del 1571. Nella seconda variazione le tende in secondo piano sono chiuse, cancellando lo sfondo. Gli sguardi di Gabrielle e della sorella sono identici a quelli del dipinto precedente, e sono i gesti che cambiano: Gabrielle d'Estrées tiene tra le dita l'anulare della mano sinistra della sorella, mentre questa non è più a mezzo busto, ma si alza fino all'altezza delle natiche. Data la sua fama, Gabrielle d'Estrées e sua sorella è anche un'opera molto parodiata nell'epoca contemporanea.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

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Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come chiarisce Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella la sua Opere derivate?

Il tema della "signora al bagno" venne ripreso in una serie di quadri che rappresentano Gabrielle d'Estrées e che si ispirano a quello di François Clouet realizzato nel 1571 circa. Questo primo dipinto, la Dama al bagno, è ritenuto un ritratto presunto di Diana di Poitiers, Maria Stuarda o di Marie Touchet, e raffigura l'effigiata in una vasca da bagno, mentre dietro una nutrice allatta un neonato. Di quest'opera di Clouet esiste anche una seconda versione degli inizi del XVII secolo. Per quanto riguarda il quadro delle sorelle d'Estrées, ne esistono due varianti che si differenziano dal dipinto originale. La prima variazione è conservata nel museo nazionale del castello di Fontainebleau e la seconda alla galleria degli Uffizi di Firenze. Nella prima variazione Gabrielle indossa una collana di perle che ricade sul petto a mo' di rosario e rivolge lo sguardo altrove, mentre la duchessa di Villars è ritratta di schiena, mentre si gira verso lo spettatore. Dietro di loro è inoltre presente la stessa balia del quadro di Clouet del 1571. Nella seconda variazione le tende in secondo piano sono chiuse, cancellando lo sfondo. Gli sguardi di Gabrielle e della sorella sono identici a quelli del dipinto precedente, e sono i gesti che cambiano: Gabrielle d'Estrées tiene tra le dita l'anulare della mano sinistra della sorella, mentre questa non è più a mezzo busto, ma si alza fino all'altezza delle natiche. Data la sua fama, Gabrielle d'Estrées e sua sorella è anche un'opera molto parodiata nell'epoca contemporanea.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella

Prompt: Come viene discussa la Opere derivate in Gabrielle_d'Estrées_e_sua_sorella?

Il tema della "signora al bagno" venne ripreso in una serie di quadri che rappresentano Gabrielle d'Estrées e che si ispirano a quello di François Clouet realizzato nel 1571 circa. Questo primo dipinto, la Dama al bagno, è ritenuto un ritratto presunto di Diana di Poitiers, Maria Stuarda o di Marie Touchet, e raffigura l'effigiata in una vasca da bagno, mentre dietro una nutrice allatta un neonato. Di quest'opera di Clouet esiste anche una seconda versione degli inizi del XVII secolo. Per quanto riguarda il quadro delle sorelle d'Estrées, ne esistono due varianti che si differenziano dal dipinto originale. La prima variazione è conservata nel museo nazionale del castello di Fontainebleau e la seconda alla galleria degli Uffizi di Firenze. Nella prima variazione Gabrielle indossa una collana di perle che ricade sul petto a mo' di rosario e rivolge lo sguardo altrove, mentre la duchessa di Villars è ritratta di schiena, mentre si gira verso lo spettatore. Dietro di loro è inoltre presente la stessa balia del quadro di Clouet del 1571. Nella seconda variazione le tende in secondo piano sono chiuse, cancellando lo sfondo. Gli sguardi di Gabrielle e della sorella sono identici a quelli del dipinto precedente, e sono i gesti che cambiano: Gabrielle d'Estrées tiene tra le dita l'anulare della mano sinistra della sorella, mentre questa non è più a mezzo busto, ma si alza fino all'altezza delle natiche. Data la sua fama, Gabrielle d'Estrées e sua sorella è anche un'opera molto parodiata nell'epoca contemporanea.

File:Gabrielle d'Estrées and one of her sisters, RF 1937-1 & Allegory, RF 1946 22 (36380149033).jpg

Catherine Henriette de Balzac d'Entragues

Categoria:Dipinti di autori rinascimentali


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_père_Tanguy ed esplora la abstract.

Il Ritratto di père Tanguy è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato presso il musée Rodin di Parigi.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_père_Tanguy.

Il Ritratto di père Tanguy è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato presso il musée Rodin di Parigi.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_père_Tanguy la sua abstract?

Il Ritratto di père Tanguy è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato presso il musée Rodin di Parigi.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_père_Tanguy?

Il Ritratto di père Tanguy è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato presso il musée Rodin di Parigi.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_père_Tanguy ed esplora la Descrizione.

La persona ritratta è Julien François Tanguy, affettuosamente soprannominato dai suoi amici père [padre] per il suo spirito caritatevole e generoso. Nato in Bretagna, père Tanguy nel 1870 partecipò alla breve e drammatica esperienza della Comune di Parigi e, quando tale tentativo autogovernativo venne schiacciato dall'intervento armato del presidente Thiers, fu imprigionato proprio perché comunardo. Una volta libero, père Tanguy, anziché inseguire utopistici idealismi, preferì aprire un colorificio e, nella formidabile speranza di contribuire a un mondo migliore, accettò di aiutare tutti quegli artisti squattrinati non apprezzati dall'establishment artistico. Faceva loro credito, dava loro da mangiare, vendeva i loro lavori nel proprio retrobottega e accettava persino i loro dipinti come forma di pagamento per i vari materiali per dipingere.Intorno alla bottega di père Tanguy gravitavano artisti come Pissarro, Gauguin, Cézanne e Vincent van Gogh, il quale si strinse in affettuosa amicizia con quel vecchio sognatore. A Julien Tanguy van Gogh dedicò ben tre dipinti: se il primo è molto convenzionale ed è ancora immerso nei toni terrosi del periodo di Nuenen, gli altri due sono molto più vivaci dal punto di vista cromatico e seguono un'impostazione sostanzialmente simile tra di loro. La seconda versione, oggi appartenente alla collezione Stavros di Parigi, è più famosa rispetto alla prima e perciò di essa tratteremo. In primo piano troviamo raffigurato proprio père Tanguy: le sue mani, grandi, rozze e vitali, sono giunte in grembo, mentre l'espressione fissa, contemplativa, rivela attraverso quegli occhi acquosi, paterni e senescenti la «iconica tranquillità di uno Buddha» (Naomi Maurer). Julien è seduto, indossa una giacca a doppio petto e sul capo presenta un cappello da contadino giallo.Van Gogh si accosta a questa figura benevola e protettrice in maniera quasi commovente. Il suo stile non è ancora giunto pienamente a maturazione, ma già in questo ritratto egli rinuncia ai rapidi tocchi virgolettati impressionisti in favore di una pennellata più corposa, densa, perfettamente in grado di veicolare in maniera energica e penetrante l'emotività e la psicologia del ritrattato. Al di là della figura centrale di Tanguy, «vero monumento a un essere umano con tutte le caratteristiche di una presenza iconica» (Metzger), particolarmente interessante è lo sfondo, composto da un tripudio di stampe giapponesi, a testimoniare il viscerale interesse che alla fine del XIX secolo era suscitato dall'arte del Sol Levante. Nel segno di un'unità sincretica tra arte orientale e occidentale, infatti, il fondale decorativo alle spalle di père Tanguy è foderato di diversi ukiyo-e raffiguranti attori, cortigiane e, ovviamente, la montagna sacra del Fujiyama.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Ritratto_di_père_Tanguy.

La persona ritratta è Julien François Tanguy, affettuosamente soprannominato dai suoi amici père [padre] per il suo spirito caritatevole e generoso. Nato in Bretagna, père Tanguy nel 1870 partecipò alla breve e drammatica esperienza della Comune di Parigi e, quando tale tentativo autogovernativo venne schiacciato dall'intervento armato del presidente Thiers, fu imprigionato proprio perché comunardo. Una volta libero, père Tanguy, anziché inseguire utopistici idealismi, preferì aprire un colorificio e, nella formidabile speranza di contribuire a un mondo migliore, accettò di aiutare tutti quegli artisti squattrinati non apprezzati dall'establishment artistico. Faceva loro credito, dava loro da mangiare, vendeva i loro lavori nel proprio retrobottega e accettava persino i loro dipinti come forma di pagamento per i vari materiali per dipingere.Intorno alla bottega di père Tanguy gravitavano artisti come Pissarro, Gauguin, Cézanne e Vincent van Gogh, il quale si strinse in affettuosa amicizia con quel vecchio sognatore. A Julien Tanguy van Gogh dedicò ben tre dipinti: se il primo è molto convenzionale ed è ancora immerso nei toni terrosi del periodo di Nuenen, gli altri due sono molto più vivaci dal punto di vista cromatico e seguono un'impostazione sostanzialmente simile tra di loro. La seconda versione, oggi appartenente alla collezione Stavros di Parigi, è più famosa rispetto alla prima e perciò di essa tratteremo. In primo piano troviamo raffigurato proprio père Tanguy: le sue mani, grandi, rozze e vitali, sono giunte in grembo, mentre l'espressione fissa, contemplativa, rivela attraverso quegli occhi acquosi, paterni e senescenti la «iconica tranquillità di uno Buddha» (Naomi Maurer). Julien è seduto, indossa una giacca a doppio petto e sul capo presenta un cappello da contadino giallo.Van Gogh si accosta a questa figura benevola e protettrice in maniera quasi commovente. Il suo stile non è ancora giunto pienamente a maturazione, ma già in questo ritratto egli rinuncia ai rapidi tocchi virgolettati impressionisti in favore di una pennellata più corposa, densa, perfettamente in grado di veicolare in maniera energica e penetrante l'emotività e la psicologia del ritrattato. Al di là della figura centrale di Tanguy, «vero monumento a un essere umano con tutte le caratteristiche di una presenza iconica» (Metzger), particolarmente interessante è lo sfondo, composto da un tripudio di stampe giapponesi, a testimoniare il viscerale interesse che alla fine del XIX secolo era suscitato dall'arte del Sol Levante. Nel segno di un'unità sincretica tra arte orientale e occidentale, infatti, il fondale decorativo alle spalle di père Tanguy è foderato di diversi ukiyo-e raffiguranti attori, cortigiane e, ovviamente, la montagna sacra del Fujiyama.

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La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_père_Tanguy la sua Descrizione?

La persona ritratta è Julien François Tanguy, affettuosamente soprannominato dai suoi amici père [padre] per il suo spirito caritatevole e generoso. Nato in Bretagna, père Tanguy nel 1870 partecipò alla breve e drammatica esperienza della Comune di Parigi e, quando tale tentativo autogovernativo venne schiacciato dall'intervento armato del presidente Thiers, fu imprigionato proprio perché comunardo. Una volta libero, père Tanguy, anziché inseguire utopistici idealismi, preferì aprire un colorificio e, nella formidabile speranza di contribuire a un mondo migliore, accettò di aiutare tutti quegli artisti squattrinati non apprezzati dall'establishment artistico. Faceva loro credito, dava loro da mangiare, vendeva i loro lavori nel proprio retrobottega e accettava persino i loro dipinti come forma di pagamento per i vari materiali per dipingere.Intorno alla bottega di père Tanguy gravitavano artisti come Pissarro, Gauguin, Cézanne e Vincent van Gogh, il quale si strinse in affettuosa amicizia con quel vecchio sognatore. A Julien Tanguy van Gogh dedicò ben tre dipinti: se il primo è molto convenzionale ed è ancora immerso nei toni terrosi del periodo di Nuenen, gli altri due sono molto più vivaci dal punto di vista cromatico e seguono un'impostazione sostanzialmente simile tra di loro. La seconda versione, oggi appartenente alla collezione Stavros di Parigi, è più famosa rispetto alla prima e perciò di essa tratteremo. In primo piano troviamo raffigurato proprio père Tanguy: le sue mani, grandi, rozze e vitali, sono giunte in grembo, mentre l'espressione fissa, contemplativa, rivela attraverso quegli occhi acquosi, paterni e senescenti la «iconica tranquillità di uno Buddha» (Naomi Maurer). Julien è seduto, indossa una giacca a doppio petto e sul capo presenta un cappello da contadino giallo.Van Gogh si accosta a questa figura benevola e protettrice in maniera quasi commovente. Il suo stile non è ancora giunto pienamente a maturazione, ma già in questo ritratto egli rinuncia ai rapidi tocchi virgolettati impressionisti in favore di una pennellata più corposa, densa, perfettamente in grado di veicolare in maniera energica e penetrante l'emotività e la psicologia del ritrattato. Al di là della figura centrale di Tanguy, «vero monumento a un essere umano con tutte le caratteristiche di una presenza iconica» (Metzger), particolarmente interessante è lo sfondo, composto da un tripudio di stampe giapponesi, a testimoniare il viscerale interesse che alla fine del XIX secolo era suscitato dall'arte del Sol Levante. Nel segno di un'unità sincretica tra arte orientale e occidentale, infatti, il fondale decorativo alle spalle di père Tanguy è foderato di diversi ukiyo-e raffiguranti attori, cortigiane e, ovviamente, la montagna sacra del Fujiyama.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Ritratto_di_père_Tanguy

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Ritratto_di_père_Tanguy?

La persona ritratta è Julien François Tanguy, affettuosamente soprannominato dai suoi amici père [padre] per il suo spirito caritatevole e generoso. Nato in Bretagna, père Tanguy nel 1870 partecipò alla breve e drammatica esperienza della Comune di Parigi e, quando tale tentativo autogovernativo venne schiacciato dall'intervento armato del presidente Thiers, fu imprigionato proprio perché comunardo. Una volta libero, père Tanguy, anziché inseguire utopistici idealismi, preferì aprire un colorificio e, nella formidabile speranza di contribuire a un mondo migliore, accettò di aiutare tutti quegli artisti squattrinati non apprezzati dall'establishment artistico. Faceva loro credito, dava loro da mangiare, vendeva i loro lavori nel proprio retrobottega e accettava persino i loro dipinti come forma di pagamento per i vari materiali per dipingere.Intorno alla bottega di père Tanguy gravitavano artisti come Pissarro, Gauguin, Cézanne e Vincent van Gogh, il quale si strinse in affettuosa amicizia con quel vecchio sognatore. A Julien Tanguy van Gogh dedicò ben tre dipinti: se il primo è molto convenzionale ed è ancora immerso nei toni terrosi del periodo di Nuenen, gli altri due sono molto più vivaci dal punto di vista cromatico e seguono un'impostazione sostanzialmente simile tra di loro. La seconda versione, oggi appartenente alla collezione Stavros di Parigi, è più famosa rispetto alla prima e perciò di essa tratteremo. In primo piano troviamo raffigurato proprio père Tanguy: le sue mani, grandi, rozze e vitali, sono giunte in grembo, mentre l'espressione fissa, contemplativa, rivela attraverso quegli occhi acquosi, paterni e senescenti la «iconica tranquillità di uno Buddha» (Naomi Maurer). Julien è seduto, indossa una giacca a doppio petto e sul capo presenta un cappello da contadino giallo.Van Gogh si accosta a questa figura benevola e protettrice in maniera quasi commovente. Il suo stile non è ancora giunto pienamente a maturazione, ma già in questo ritratto egli rinuncia ai rapidi tocchi virgolettati impressionisti in favore di una pennellata più corposa, densa, perfettamente in grado di veicolare in maniera energica e penetrante l'emotività e la psicologia del ritrattato. Al di là della figura centrale di Tanguy, «vero monumento a un essere umano con tutte le caratteristiche di una presenza iconica» (Metzger), particolarmente interessante è lo sfondo, composto da un tripudio di stampe giapponesi, a testimoniare il viscerale interesse che alla fine del XIX secolo era suscitato dall'arte del Sol Levante. Nel segno di un'unità sincretica tra arte orientale e occidentale, infatti, il fondale decorativo alle spalle di père Tanguy è foderato di diversi ukiyo-e raffiguranti attori, cortigiane e, ovviamente, la montagna sacra del Fujiyama.

Categoria:Ritratti pittorici di collezionisti

La primissima versione del ritratto di père Tanguy

File:Van Gogh - Bildnis Père Tanguy.jpeg


Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Concentrati su Cento_vedute_famose_di_Edo ed esplora la abstract.

Le Cento vedute famose di Edo (名所江戸百景?, Meisho Edo Hyakkei) costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia (incisione su legno). La serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo (1603-1868). Più precisamente, essa appartiene al genere meisho-e (名所絵?, pittura di vedute famose) che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie.

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif


Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Cento_vedute_famose_di_Edo.

Le Cento vedute famose di Edo (名所江戸百景?, Meisho Edo Hyakkei) costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia (incisione su legno). La serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo (1603-1868). Più precisamente, essa appartiene al genere meisho-e (名所絵?, pittura di vedute famose) che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie.

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

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Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Come chiarisce Cento_vedute_famose_di_Edo la sua abstract?

Le Cento vedute famose di Edo (名所江戸百景?, Meisho Edo Hyakkei) costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia (incisione su legno). La serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo (1603-1868). Più precisamente, essa appartiene al genere meisho-e (名所絵?, pittura di vedute famose) che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie.

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif


Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Come viene discussa la abstract in Cento_vedute_famose_di_Edo?

Le Cento vedute famose di Edo (名所江戸百景?, Meisho Edo Hyakkei) costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia (incisione su legno). La serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo (1603-1868). Più precisamente, essa appartiene al genere meisho-e (名所絵?, pittura di vedute famose) che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie.

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

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Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Nel contesto di Cento_vedute_famose_di_Edo, esplora la Edo e la I meisho e Edo nella cultura giapponese.

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 (periodo Azuchi-Momoyama). Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō (signori-guerrieri feudali) e crearono uno Stato centralizzato. La capitale fu fissata ad Edo (江戸?), l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km². La città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese (i chōnin) sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione (nishiki-e »).

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif


Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: Esplora la Edo sulla I meisho e Edo nella cultura giapponese di questa opera d'arte, Cento_vedute_famose_di_Edo.

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 (periodo Azuchi-Momoyama). Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō (signori-guerrieri feudali) e crearono uno Stato centralizzato. La capitale fu fissata ad Edo (江戸?), l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km². La città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese (i chōnin) sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione (nishiki-e »).

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif


Cento_vedute_famose_di_Edo

Prompt: In Cento_vedute_famose_di_Edo, come viene chiarita la Edo della I meisho e Edo nella cultura giapponese?

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 (periodo Azuchi-Momoyama). Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō (signori-guerrieri feudali) e crearono uno Stato centralizzato. La capitale fu fissata ad Edo (江戸?), l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km². La città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese (i chōnin) sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione (nishiki-e »).

File:Hiroshige, Sumiyoshi festival, Tsukudajima, 1857.jpg

File:Hiroshige, Kumanojūnisha Shrine, 1856.jpg

Vedute famose di oltre sessanta province

Ritratto postumo di Hiroshige, dipinto dal suo amico [[Utagawa Kunisada

File:Hiroshige Hundred views Edo 3 Yamashita chō hibiya Soto sakurada (山下町日比谷外さくら田).tif

File:Hiroshige Hundred views Edo 36 Massaki-hen yori Suijin no mori uchigawa sekiya no sato o miru zu (真崎辺より水神の森内川関屋の里を見る図).tiff

File:Hiroshige Hundred views Edo 14 Higurashi no sato jiin no rinsen (日暮里寺院の林泉).tif

File:Hiroshige, Horikiri iris garden, 1857.jpg

A sinistra, ''Il giardino dei prugni a Kamedo'' (stampa30), a destra la copia realizzata da [[Vincent van Gogh

Trentasei vedute del Monte Fuji (Hiroshige)

Notturno in blu e oro - Il vecchio ponte di Battersea

File:Hiroshige, Night View of Saruwaka-machi.jpg

File:Brooklyn Museum - Ryogoku Bridge and the Great Riverbank No 59 from One Hundred Views of Edo - Utagawa Hiroshige (Ando).jpg

Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea

File:Hiroshige Hundred views Edo 111 Meguro taikobashi yūhinooka (目黒太鼓橋夕日の岡).tif

File:Portrait à la mémoire d'Hiroshige par Kunisada.jpg

''All'interno del santuario Kameido Tenjin'' ([[1857

File:Hiroshige, Sudden shower over Shin-Ōhashi bridge and Atake, 1857.jpg

File:Hiroshige, Minowa, Kanasugi, Mikawashima, 1857.jpg

:File:Sunset across the Ryogoku bridge from the bank of the Sumida river at Onmagayashi.jpg

Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi

File:Namazu-e - Kashima absent-minded.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 8 Suruga-chō (する賀てふ).tif

Albero di prugna in fioritura (dopo Hiroshige)

:File:James Abbot McNeill Whistler 006.jpg

:File:Van Gogh - Die Brücke im Regen (nach Hiroshige).jpeg

:File:Van Gogh the blooming plumtree (after Hiroshige), 1887.jpg

File:Hiroshige Le quartier des teinturiers de Kanda.jpg

File:Hiroshige Hundred views Edo 109 Minami-shinagawa samezu kaigan (南品川鮫洲海岸).tif