Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

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Per molto tempo, ma erroneamente, si è ritenuto che questo fosse stato l'ultimo quadro dipinto da Van Gogh prima di morire. Gli storici dell'arte sono infatti incerti su quale sia l'ultimo dipinto di Van Gogh, dal momento che non esistono fonti documentate al riguardo.Generalmente critici e storici dell'arte vedono in questo quadro una rappresentazione dello stato d'animo tormentato e angosciato dell'artista: la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate, mediante le quali il pittore proietta il proprio stato d'animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.Una tempesta, quasi come un presentimento di lutto, si sta per abbattere su un campo di grano dal quale si leva, cupo e tenebroso, uno stormo di corvi neri in un basso volo disordinato, quasi come se fossero avvoltoi su un cadavere. È noto che l'artista nutriva un profondo rispetto nei confronti delle forze della natura, e questo spiega perché dipinse cieli agitati in molte delle sue opere: egli infatti riteneva che il soggetto fosse dotato di un incalcolabile potenziale artistico se riprodotto su tela. Il campo di grano, sconquassato senza pietà dal vento, è stato realizzato mediante vere e proprie frustate di giallo, mentre il cielo, inizialmente terso, è ora foriero di burrasca, a tal punto da essere offuscato dall'intenso colore nero delle nubi che, inesorabilmente, si calano ostili e minacciose.Il campo di grano è inoltre solcato da tre sentieri serpeggianti: il primo nell'angolo in basso a sinistra, il secondo al centro e il terzo nell'angolo in basso a destra. Si noti come i due sentieri laterali sembrano non avere né un punto d'origine né tanto meno sembrano condurre ad un punto preciso del quadro. Questa triplice diramazione, infatti, allude metaforicamente alle alternative annientatrici e terribili che hanno gravato incessantemente sulla vita di van Gogh, il quale - da vero e proprio «discepolo dell'angoscia», nel senso kierkegaardiano del termine - ha faticato a scegliere tra le inconciliabili alternative esistenziali e professionali che ha avuto davanti, le quali spesso conducevano a direzioni diametralmente opposte e inconcludenti, per poi riconoscersi e attuarsi nella possibilità artistica, con la quale ha smesso di reprimere e soffocare le sue tensioni interiori. Il viottolo al centro, che nel corso degli anni è risultato essere il più gravido di interpretazioni, rappresenta una strada senza via d'uscita, potenzialmente percorsa da chi non ha alcuna meta ove andare e non sa nemmeno cosa cercare e che, proprio per questo, rappresenta al meglio la forte angoscia esistenziale che inquietava il pittore. Così egli stesso descrisse la tela in una delle lettere al fratello Théo: «Sono campi estesi di grano sotto cieli agitati e non avevo bisogno di uscire dalla mia condizione per esprimere tristezza e solitudine estrema». Ritorna qui il contrasto tra il giallo, colore della fertilità e della vita, e il blu cobalto. Quest'accoppiamento cromatico, tuttavia, ha ormai perso ogni nota giubilante e assume toni drammaticamente tenebrosi, carichi di presagio, per nulla alleggeriti dal funereo turbinare dei corvi. I colori, sono depositati sulla tela con pennellate impazienti, frante, appuntite, quasi rabbiose, che rendono quest'opera «la più grande sinfonia coloristica mai realizzata sul dolore di vivere» (Francesco Morante). La luminosità sta ormai per soccombere, vinta dall'oscurità del colore nero che, implacabile, la avvolgerà completamente. All'artista non rimane altro da fare che contemplare, impotente, la tempesta che da lì a poco si scatenerà, proprio come l'uccellino in gabbia già descritto in una lettera a Théo nel 1880: «a guardare fuori il cielo turgido, carico di tempesta, e sente in sé la rivolta contro la propria fatalità». Infatti, nonostante la sua anima continuasse ad ardere di quel fuoco divoratore che da sempre lo aveva caratterizzato, l'artista non vedeva un futuro per la propria esistenza:

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


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Il monumento a Wikipedia (in polacco Pomnik Wikipedii) sorge a Słubice, in Polonia, ed è il primo monumento al mondo a essere dedicato a tutti gli utenti dell'enciclopedia Wikipedia. L'inaugurazione è avvenuta il 22 ottobre 2014.

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I Proverbi fiamminghi è un dipinto a olio su tavola (117x163 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1559 e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra "BRVEGEL 1559".

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I Proverbi fiamminghi è un dipinto a olio su tavola (117x163 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1559 e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra "BRVEGEL 1559".

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I Proverbi fiamminghi è un dipinto a olio su tavola (117x163 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1559 e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra "BRVEGEL 1559".

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I Proverbi fiamminghi è un dipinto a olio su tavola (117x163 cm) di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1559 e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra "BRVEGEL 1559".

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La prima menzione certa del dipinto risale al 1668, quando venne inventariato tra i beni del collezionista Pieter Stevans di Anversa con titolo Le Monde reversé, représenté par plusieurs proverbes et Moralités; passato a una collezione privata inglese, nel 1914 venne acquistato dal museo di Berlino.

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La prima menzione certa del dipinto risale al 1668, quando venne inventariato tra i beni del collezionista Pieter Stevans di Anversa con titolo Le Monde reversé, représenté par plusieurs proverbes et Moralités; passato a una collezione privata inglese, nel 1914 venne acquistato dal museo di Berlino.

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Prompt: Come chiarisce Proverbi_fiamminghi la sua Storia?

La prima menzione certa del dipinto risale al 1668, quando venne inventariato tra i beni del collezionista Pieter Stevans di Anversa con titolo Le Monde reversé, représenté par plusieurs proverbes et Moralités; passato a una collezione privata inglese, nel 1914 venne acquistato dal museo di Berlino.

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Prompt: Come viene discussa la Storia in Proverbi_fiamminghi?

La prima menzione certa del dipinto risale al 1668, quando venne inventariato tra i beni del collezionista Pieter Stevans di Anversa con titolo Le Monde reversé, représenté par plusieurs proverbes et Moralités; passato a una collezione privata inglese, nel 1914 venne acquistato dal museo di Berlino.

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Prompt: Concentrati su Proverbi_fiamminghi ed esplora la Descrizione.

Il tema della rappresentazione moraleggiante dei vari proverbi popolari della cultura fiamminga era già stato praticato da Bosch (come nelle scenette della tavola dei Sette peccati capitali) o dallo stesso Bruegel (Dodici proverbi), ma mai così tanti episodi, circa 120, erano stati radunati in un'unica ambientazione. Con la precisione del cartografo, Bruegel compose le varie scene in un vero e proprio "paese dei proverbi", dove le varie attività umane rispecchiano una serie di azioni legate a una riflessione sulla follia e i vizi. Ma gli intenti dell'artista non dovevano essere esclusivamente negativi, come critica della società, ma anzi era un omaggio e un riconoscimento all'immediatezza, l'ironia e la ricchezza della saggezza popolare.Come fonte il maestro dovette consultare gli Adagia Collectanea, repertorio di circa 800 detti popolari pubblicato nel 1500 da Erasmo da Rotterdam, in cui si parla del precario equilibrio degli uomini fra saggezza e follia.

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Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Proverbi_fiamminghi.

Il tema della rappresentazione moraleggiante dei vari proverbi popolari della cultura fiamminga era già stato praticato da Bosch (come nelle scenette della tavola dei Sette peccati capitali) o dallo stesso Bruegel (Dodici proverbi), ma mai così tanti episodi, circa 120, erano stati radunati in un'unica ambientazione. Con la precisione del cartografo, Bruegel compose le varie scene in un vero e proprio "paese dei proverbi", dove le varie attività umane rispecchiano una serie di azioni legate a una riflessione sulla follia e i vizi. Ma gli intenti dell'artista non dovevano essere esclusivamente negativi, come critica della società, ma anzi era un omaggio e un riconoscimento all'immediatezza, l'ironia e la ricchezza della saggezza popolare.Come fonte il maestro dovette consultare gli Adagia Collectanea, repertorio di circa 800 detti popolari pubblicato nel 1500 da Erasmo da Rotterdam, in cui si parla del precario equilibrio degli uomini fra saggezza e follia.

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Prompt: Come chiarisce Proverbi_fiamminghi la sua Descrizione?

Il tema della rappresentazione moraleggiante dei vari proverbi popolari della cultura fiamminga era già stato praticato da Bosch (come nelle scenette della tavola dei Sette peccati capitali) o dallo stesso Bruegel (Dodici proverbi), ma mai così tanti episodi, circa 120, erano stati radunati in un'unica ambientazione. Con la precisione del cartografo, Bruegel compose le varie scene in un vero e proprio "paese dei proverbi", dove le varie attività umane rispecchiano una serie di azioni legate a una riflessione sulla follia e i vizi. Ma gli intenti dell'artista non dovevano essere esclusivamente negativi, come critica della società, ma anzi era un omaggio e un riconoscimento all'immediatezza, l'ironia e la ricchezza della saggezza popolare.Come fonte il maestro dovette consultare gli Adagia Collectanea, repertorio di circa 800 detti popolari pubblicato nel 1500 da Erasmo da Rotterdam, in cui si parla del precario equilibrio degli uomini fra saggezza e follia.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Proverbi_fiamminghi?

Il tema della rappresentazione moraleggiante dei vari proverbi popolari della cultura fiamminga era già stato praticato da Bosch (come nelle scenette della tavola dei Sette peccati capitali) o dallo stesso Bruegel (Dodici proverbi), ma mai così tanti episodi, circa 120, erano stati radunati in un'unica ambientazione. Con la precisione del cartografo, Bruegel compose le varie scene in un vero e proprio "paese dei proverbi", dove le varie attività umane rispecchiano una serie di azioni legate a una riflessione sulla follia e i vizi. Ma gli intenti dell'artista non dovevano essere esclusivamente negativi, come critica della società, ma anzi era un omaggio e un riconoscimento all'immediatezza, l'ironia e la ricchezza della saggezza popolare.Come fonte il maestro dovette consultare gli Adagia Collectanea, repertorio di circa 800 detti popolari pubblicato nel 1500 da Erasmo da Rotterdam, in cui si parla del precario equilibrio degli uomini fra saggezza e follia.

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Prompt: Nel contesto di Proverbi_fiamminghi, esplora la I proverbi e la Descrizione.

Seguendo l'illustrazione numerata si possono elencare almeno 80 scene principali, spesso affiancate a ulteriori modi di dire collegati.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Esplora la I proverbi sulla Descrizione di questa opera d'arte, Proverbi_fiamminghi.

Seguendo l'illustrazione numerata si possono elencare almeno 80 scene principali, spesso affiancate a ulteriori modi di dire collegati.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: In Proverbi_fiamminghi, come viene chiarita la I proverbi della Descrizione?

Seguendo l'illustrazione numerata si possono elencare almeno 80 scene principali, spesso affiancate a ulteriori modi di dire collegati.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Descrivi le caratteristiche della I proverbi nella Descrizione di Proverbi_fiamminghi.

Seguendo l'illustrazione numerata si possono elencare almeno 80 scene principali, spesso affiancate a ulteriori modi di dire collegati.

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Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 01-18 sulla I proverbi.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Esplora la 01-18 sulla I proverbi della Descrizione in questa opera, Proverbi_fiamminghi.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Per quanto riguarda Proverbi_fiamminghi, come la Descrizione incorpora la I proverbi con la 01-18?

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Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 01-18?

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 19-29 sulla I proverbi.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

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Prompt: Esplora la 19-29 sulla I proverbi della Descrizione in questa opera, Proverbi_fiamminghi.

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Prompt: Per quanto riguarda Proverbi_fiamminghi, come la Descrizione incorpora la I proverbi con la 19-29?

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Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 19-29?

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Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 30-38 sulla I proverbi.

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Prompt: Esplora la 30-38 sulla I proverbi della Descrizione in questa opera, Proverbi_fiamminghi.

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Prompt: Per quanto riguarda Proverbi_fiamminghi, come la Descrizione incorpora la I proverbi con la 30-38?

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Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 30-38?

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Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 39-49 sulla I proverbi.

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Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 39-49?

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Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 50-62 sulla I proverbi.

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Prompt: Esplora la 50-62 sulla I proverbi della Descrizione in questa opera, Proverbi_fiamminghi.

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Per quanto riguarda Proverbi_fiamminghi, come la Descrizione incorpora la I proverbi con la 50-62?

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Proverbi_fiamminghi

Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 50-62?

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Proverbi_fiamminghi

Prompt: Concentrandosi sulla Descrizione di Proverbi_fiamminghi, esplora la 63-80 sulla I proverbi.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Esplora la 63-80 sulla I proverbi della Descrizione in questa opera, Proverbi_fiamminghi.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Per quanto riguarda Proverbi_fiamminghi, come la Descrizione incorpora la I proverbi con la 63-80?

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Osservando la Descrizione di Proverbi_fiamminghi, come discuti la I proverbi della 63-80?

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

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Proverbi_fiamminghi

Prompt: Concentrati su Proverbi_fiamminghi ed esplora la Stile.

Nell'intera composizione risaltano soprattutto i colori rosso e blu, che evidenziano i vizi peggiori e le scelte meno razionali. Il rosso rappresenta infatti il peccato mentre l'azzurro l'inganno oppure la follia.La maggior parte dei personaggi ha quell'espressione attonita, senza vita, che si ritrova anche in altre opere dell'artista. L'orchestrazione spaziale è condotta con maestria anche grazie all'uso del colore, che schiarisce all'allontanarsi dei piani, per effetto della foschia, come si vede nell'apertura marina in alto a destra.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Proverbi_fiamminghi

Prompt: Esplora la Stile di questa opera d'arte, Proverbi_fiamminghi.

Nell'intera composizione risaltano soprattutto i colori rosso e blu, che evidenziano i vizi peggiori e le scelte meno razionali. Il rosso rappresenta infatti il peccato mentre l'azzurro l'inganno oppure la follia.La maggior parte dei personaggi ha quell'espressione attonita, senza vita, che si ritrova anche in altre opere dell'artista. L'orchestrazione spaziale è condotta con maestria anche grazie all'uso del colore, che schiarisce all'allontanarsi dei piani, per effetto della foschia, come si vede nell'apertura marina in alto a destra.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Proverbi_fiamminghi

Prompt: Come chiarisce Proverbi_fiamminghi la sua Stile?

Nell'intera composizione risaltano soprattutto i colori rosso e blu, che evidenziano i vizi peggiori e le scelte meno razionali. Il rosso rappresenta infatti il peccato mentre l'azzurro l'inganno oppure la follia.La maggior parte dei personaggi ha quell'espressione attonita, senza vita, che si ritrova anche in altre opere dell'artista. L'orchestrazione spaziale è condotta con maestria anche grazie all'uso del colore, che schiarisce all'allontanarsi dei piani, per effetto della foschia, come si vede nell'apertura marina in alto a destra.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Proverbi_fiamminghi

Prompt: Come viene discussa la Stile in Proverbi_fiamminghi?

Nell'intera composizione risaltano soprattutto i colori rosso e blu, che evidenziano i vizi peggiori e le scelte meno razionali. Il rosso rappresenta infatti il peccato mentre l'azzurro l'inganno oppure la follia.La maggior parte dei personaggi ha quell'espressione attonita, senza vita, che si ritrova anche in altre opere dell'artista. L'orchestrazione spaziale è condotta con maestria anche grazie all'uso del colore, che schiarisce all'allontanarsi dei piani, per effetto della foschia, come si vede nell'apertura marina in alto a destra.

Categoria:Dipinti di Pieter Bruegel il Vecchio

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Berlino


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Concentrati su Il_bar_delle_Folies-Bergère ed esplora la abstract.

ll bar delle Folies-Bergère (Un bar aux Folies Bergère) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1881-1882 e conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_bar_delle_Folies-Bergère.

ll bar delle Folies-Bergère (Un bar aux Folies Bergère) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1881-1882 e conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Come chiarisce Il_bar_delle_Folies-Bergère la sua abstract?

ll bar delle Folies-Bergère (Un bar aux Folies Bergère) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1881-1882 e conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_bar_delle_Folies-Bergère?

ll bar delle Folies-Bergère (Un bar aux Folies Bergère) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1881-1882 e conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Nel contesto di Il_bar_delle_Folies-Bergère, esplora la Una tranche de vie ottocentesca e un'elegante natura morta e la Descrizione.

Il bar delle Folies-Bergère, l'ultimo grande quadro realizzato nel 1881-1882 da Manet prima della morte, può essere considerato il suo testamento artistico e spirituale. Esso, infatti, riunisce con grande coerenza e integrazione i vari dati stilistici che hanno caratterizzato l'universo artistico di Manet: l'utilizzo del nero, l'amore per i temi quotidiani, la composizione calibrata che ricorda i grandi maestri del passato, l'utilizzo di colori piatti e omogenei, il gusto per le nature morte.Manet, pur tra immani sofferenze fisiche, portò il dipinto a termine nel 1882 e lo espose al Salon dello stesso anno, dove conobbe un'accoglienza piuttosto tiepida. L'artista fu ancora una volta deluso da come il pubblico, ottusamente conservatore, avesse interpretato Il bar delle Folies-Bergère in maniera erronea, a tal punto che quando il critico Wolff gli comunicò le proprie perplessità, egli rispose: «Non mi spiacerebbe leggere finalmente, da vivo, l'articolo strabiliante che mi consacrerà dopo morto», probabilmente riferendosi anche al sottile gioco prospettico sviluppato nel dipinto, sfuggito alla critica per più di cent'anni. L'attività artistica di Manet, tuttavia, volgeva ormai a una fine, e l'artista sarebbe morto l'anno successivo.A essere ritratto nel dipinto è il bancone del bar delle Folies-Bergère, un caffè-concerto di Parigi, a pochi passi da rue la Fayette, celebre ritrovo della borghesia parigina che qui si svagava assistendo ai concerti, dimenticando la noia e le seccature quotidiane. Lo stesso Manet faceva parte del cenacolo degli habitué di questo locale, tanto che nonostante il dipinto sia stato eseguito in studio il locale è descritto a memoria con grande realismo. Il dipinto raffigura una cameriera del bar in attesa dell'ordinazione: si tratta di una tranche de vie molto moderna, nella quale Manet si mostra perfettamente abile di «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come si auspicava il suo amico Baudelaire, il quale asseriva tra l'altro che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide»; a essere raffigurato, infatti, è il momento qualunque di un luogo qualunque contemporaneo al pittore, non certo uno di quegli episodi storici o mitologici tanto popolari nei Salon dell'epoca.Il ristretto spazio di rappresentazione de Il bar delle Folies-Bergère viene delimitato all'esterno dal bancone. Su di esso Manet colloca una natura morta, cui accorda notevole importanza e spazio: Manet, d'altronde, era uno specialista delle nature morte, e amava inserirle all'interno dei propri dipinti, anche se ne eseguì poche come opere indipendenti, la maggior parte delle quali (circa una ventina) dipinte proprio nel periodo fra quest'opera e la sua morte. Sulla superficie marmorea del banco si rincorrono bottiglie di champagne e di liquori di vari i tipi, fra cui una di Bass Pale Ale66, un tipo di birra inglese molto popolare in quei tempi a Parigi, contrassegnata dal tipico triangolo rosso: si pensa che con questo particolare Manet intendesse inserire una nota di spiccato realismo nella propria opera. Molti critici notano (oltre alla presenza della firma dello stesso Manet sulla prima bottiglia da sinistra) come il riflesso della seconda bottiglia nello specchio appaia loro alquanto impreciso, dato che secondo loro essa dovrebbe trovarsi in fila con le altre, e non in secondo piano. Sempre sul banco troviamo disposte anche una fruttiera di cristallo ricolma di arance, un calice con delicati fiori dalle tonalità rosate e aranciate, e altri banali oggetti d'uso che, pur ravvicinati, sono descritti assai sinteticamente, e intendono solo suggerirci la collocazione geografica dell'avvenimento. La trattazione pittorica della natura morta rimane in ogni caso molto interessante, poiché qui Manet impiega colori brillanti e raffinati e una luce che, colpendo le superfici scabre dei vari oggetti, si fa viva e palpitante, lasciando presagire futuri sviluppi impressionisti interrotti poi dalla morte.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Esplora la Una tranche de vie ottocentesca e un'elegante natura morta sulla Descrizione di questa opera d'arte, Il_bar_delle_Folies-Bergère.

Il bar delle Folies-Bergère, l'ultimo grande quadro realizzato nel 1881-1882 da Manet prima della morte, può essere considerato il suo testamento artistico e spirituale. Esso, infatti, riunisce con grande coerenza e integrazione i vari dati stilistici che hanno caratterizzato l'universo artistico di Manet: l'utilizzo del nero, l'amore per i temi quotidiani, la composizione calibrata che ricorda i grandi maestri del passato, l'utilizzo di colori piatti e omogenei, il gusto per le nature morte.Manet, pur tra immani sofferenze fisiche, portò il dipinto a termine nel 1882 e lo espose al Salon dello stesso anno, dove conobbe un'accoglienza piuttosto tiepida. L'artista fu ancora una volta deluso da come il pubblico, ottusamente conservatore, avesse interpretato Il bar delle Folies-Bergère in maniera erronea, a tal punto che quando il critico Wolff gli comunicò le proprie perplessità, egli rispose: «Non mi spiacerebbe leggere finalmente, da vivo, l'articolo strabiliante che mi consacrerà dopo morto», probabilmente riferendosi anche al sottile gioco prospettico sviluppato nel dipinto, sfuggito alla critica per più di cent'anni. L'attività artistica di Manet, tuttavia, volgeva ormai a una fine, e l'artista sarebbe morto l'anno successivo.A essere ritratto nel dipinto è il bancone del bar delle Folies-Bergère, un caffè-concerto di Parigi, a pochi passi da rue la Fayette, celebre ritrovo della borghesia parigina che qui si svagava assistendo ai concerti, dimenticando la noia e le seccature quotidiane. Lo stesso Manet faceva parte del cenacolo degli habitué di questo locale, tanto che nonostante il dipinto sia stato eseguito in studio il locale è descritto a memoria con grande realismo. Il dipinto raffigura una cameriera del bar in attesa dell'ordinazione: si tratta di una tranche de vie molto moderna, nella quale Manet si mostra perfettamente abile di «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come si auspicava il suo amico Baudelaire, il quale asseriva tra l'altro che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide»; a essere raffigurato, infatti, è il momento qualunque di un luogo qualunque contemporaneo al pittore, non certo uno di quegli episodi storici o mitologici tanto popolari nei Salon dell'epoca.Il ristretto spazio di rappresentazione de Il bar delle Folies-Bergère viene delimitato all'esterno dal bancone. Su di esso Manet colloca una natura morta, cui accorda notevole importanza e spazio: Manet, d'altronde, era uno specialista delle nature morte, e amava inserirle all'interno dei propri dipinti, anche se ne eseguì poche come opere indipendenti, la maggior parte delle quali (circa una ventina) dipinte proprio nel periodo fra quest'opera e la sua morte. Sulla superficie marmorea del banco si rincorrono bottiglie di champagne e di liquori di vari i tipi, fra cui una di Bass Pale Ale66, un tipo di birra inglese molto popolare in quei tempi a Parigi, contrassegnata dal tipico triangolo rosso: si pensa che con questo particolare Manet intendesse inserire una nota di spiccato realismo nella propria opera. Molti critici notano (oltre alla presenza della firma dello stesso Manet sulla prima bottiglia da sinistra) come il riflesso della seconda bottiglia nello specchio appaia loro alquanto impreciso, dato che secondo loro essa dovrebbe trovarsi in fila con le altre, e non in secondo piano. Sempre sul banco troviamo disposte anche una fruttiera di cristallo ricolma di arance, un calice con delicati fiori dalle tonalità rosate e aranciate, e altri banali oggetti d'uso che, pur ravvicinati, sono descritti assai sinteticamente, e intendono solo suggerirci la collocazione geografica dell'avvenimento. La trattazione pittorica della natura morta rimane in ogni caso molto interessante, poiché qui Manet impiega colori brillanti e raffinati e una luce che, colpendo le superfici scabre dei vari oggetti, si fa viva e palpitante, lasciando presagire futuri sviluppi impressionisti interrotti poi dalla morte.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: In Il_bar_delle_Folies-Bergère, come viene chiarita la Una tranche de vie ottocentesca e un'elegante natura morta della Descrizione?

Il bar delle Folies-Bergère, l'ultimo grande quadro realizzato nel 1881-1882 da Manet prima della morte, può essere considerato il suo testamento artistico e spirituale. Esso, infatti, riunisce con grande coerenza e integrazione i vari dati stilistici che hanno caratterizzato l'universo artistico di Manet: l'utilizzo del nero, l'amore per i temi quotidiani, la composizione calibrata che ricorda i grandi maestri del passato, l'utilizzo di colori piatti e omogenei, il gusto per le nature morte.Manet, pur tra immani sofferenze fisiche, portò il dipinto a termine nel 1882 e lo espose al Salon dello stesso anno, dove conobbe un'accoglienza piuttosto tiepida. L'artista fu ancora una volta deluso da come il pubblico, ottusamente conservatore, avesse interpretato Il bar delle Folies-Bergère in maniera erronea, a tal punto che quando il critico Wolff gli comunicò le proprie perplessità, egli rispose: «Non mi spiacerebbe leggere finalmente, da vivo, l'articolo strabiliante che mi consacrerà dopo morto», probabilmente riferendosi anche al sottile gioco prospettico sviluppato nel dipinto, sfuggito alla critica per più di cent'anni. L'attività artistica di Manet, tuttavia, volgeva ormai a una fine, e l'artista sarebbe morto l'anno successivo.A essere ritratto nel dipinto è il bancone del bar delle Folies-Bergère, un caffè-concerto di Parigi, a pochi passi da rue la Fayette, celebre ritrovo della borghesia parigina che qui si svagava assistendo ai concerti, dimenticando la noia e le seccature quotidiane. Lo stesso Manet faceva parte del cenacolo degli habitué di questo locale, tanto che nonostante il dipinto sia stato eseguito in studio il locale è descritto a memoria con grande realismo. Il dipinto raffigura una cameriera del bar in attesa dell'ordinazione: si tratta di una tranche de vie molto moderna, nella quale Manet si mostra perfettamente abile di «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come si auspicava il suo amico Baudelaire, il quale asseriva tra l'altro che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide»; a essere raffigurato, infatti, è il momento qualunque di un luogo qualunque contemporaneo al pittore, non certo uno di quegli episodi storici o mitologici tanto popolari nei Salon dell'epoca.Il ristretto spazio di rappresentazione de Il bar delle Folies-Bergère viene delimitato all'esterno dal bancone. Su di esso Manet colloca una natura morta, cui accorda notevole importanza e spazio: Manet, d'altronde, era uno specialista delle nature morte, e amava inserirle all'interno dei propri dipinti, anche se ne eseguì poche come opere indipendenti, la maggior parte delle quali (circa una ventina) dipinte proprio nel periodo fra quest'opera e la sua morte. Sulla superficie marmorea del banco si rincorrono bottiglie di champagne e di liquori di vari i tipi, fra cui una di Bass Pale Ale66, un tipo di birra inglese molto popolare in quei tempi a Parigi, contrassegnata dal tipico triangolo rosso: si pensa che con questo particolare Manet intendesse inserire una nota di spiccato realismo nella propria opera. Molti critici notano (oltre alla presenza della firma dello stesso Manet sulla prima bottiglia da sinistra) come il riflesso della seconda bottiglia nello specchio appaia loro alquanto impreciso, dato che secondo loro essa dovrebbe trovarsi in fila con le altre, e non in secondo piano. Sempre sul banco troviamo disposte anche una fruttiera di cristallo ricolma di arance, un calice con delicati fiori dalle tonalità rosate e aranciate, e altri banali oggetti d'uso che, pur ravvicinati, sono descritti assai sinteticamente, e intendono solo suggerirci la collocazione geografica dell'avvenimento. La trattazione pittorica della natura morta rimane in ogni caso molto interessante, poiché qui Manet impiega colori brillanti e raffinati e una luce che, colpendo le superfici scabre dei vari oggetti, si fa viva e palpitante, lasciando presagire futuri sviluppi impressionisti interrotti poi dalla morte.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Una tranche de vie ottocentesca e un'elegante natura morta nella Descrizione di Il_bar_delle_Folies-Bergère.

Il bar delle Folies-Bergère, l'ultimo grande quadro realizzato nel 1881-1882 da Manet prima della morte, può essere considerato il suo testamento artistico e spirituale. Esso, infatti, riunisce con grande coerenza e integrazione i vari dati stilistici che hanno caratterizzato l'universo artistico di Manet: l'utilizzo del nero, l'amore per i temi quotidiani, la composizione calibrata che ricorda i grandi maestri del passato, l'utilizzo di colori piatti e omogenei, il gusto per le nature morte.Manet, pur tra immani sofferenze fisiche, portò il dipinto a termine nel 1882 e lo espose al Salon dello stesso anno, dove conobbe un'accoglienza piuttosto tiepida. L'artista fu ancora una volta deluso da come il pubblico, ottusamente conservatore, avesse interpretato Il bar delle Folies-Bergère in maniera erronea, a tal punto che quando il critico Wolff gli comunicò le proprie perplessità, egli rispose: «Non mi spiacerebbe leggere finalmente, da vivo, l'articolo strabiliante che mi consacrerà dopo morto», probabilmente riferendosi anche al sottile gioco prospettico sviluppato nel dipinto, sfuggito alla critica per più di cent'anni. L'attività artistica di Manet, tuttavia, volgeva ormai a una fine, e l'artista sarebbe morto l'anno successivo.A essere ritratto nel dipinto è il bancone del bar delle Folies-Bergère, un caffè-concerto di Parigi, a pochi passi da rue la Fayette, celebre ritrovo della borghesia parigina che qui si svagava assistendo ai concerti, dimenticando la noia e le seccature quotidiane. Lo stesso Manet faceva parte del cenacolo degli habitué di questo locale, tanto che nonostante il dipinto sia stato eseguito in studio il locale è descritto a memoria con grande realismo. Il dipinto raffigura una cameriera del bar in attesa dell'ordinazione: si tratta di una tranche de vie molto moderna, nella quale Manet si mostra perfettamente abile di «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come si auspicava il suo amico Baudelaire, il quale asseriva tra l'altro che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide»; a essere raffigurato, infatti, è il momento qualunque di un luogo qualunque contemporaneo al pittore, non certo uno di quegli episodi storici o mitologici tanto popolari nei Salon dell'epoca.Il ristretto spazio di rappresentazione de Il bar delle Folies-Bergère viene delimitato all'esterno dal bancone. Su di esso Manet colloca una natura morta, cui accorda notevole importanza e spazio: Manet, d'altronde, era uno specialista delle nature morte, e amava inserirle all'interno dei propri dipinti, anche se ne eseguì poche come opere indipendenti, la maggior parte delle quali (circa una ventina) dipinte proprio nel periodo fra quest'opera e la sua morte. Sulla superficie marmorea del banco si rincorrono bottiglie di champagne e di liquori di vari i tipi, fra cui una di Bass Pale Ale66, un tipo di birra inglese molto popolare in quei tempi a Parigi, contrassegnata dal tipico triangolo rosso: si pensa che con questo particolare Manet intendesse inserire una nota di spiccato realismo nella propria opera. Molti critici notano (oltre alla presenza della firma dello stesso Manet sulla prima bottiglia da sinistra) come il riflesso della seconda bottiglia nello specchio appaia loro alquanto impreciso, dato che secondo loro essa dovrebbe trovarsi in fila con le altre, e non in secondo piano. Sempre sul banco troviamo disposte anche una fruttiera di cristallo ricolma di arance, un calice con delicati fiori dalle tonalità rosate e aranciate, e altri banali oggetti d'uso che, pur ravvicinati, sono descritti assai sinteticamente, e intendono solo suggerirci la collocazione geografica dell'avvenimento. La trattazione pittorica della natura morta rimane in ogni caso molto interessante, poiché qui Manet impiega colori brillanti e raffinati e una luce che, colpendo le superfici scabre dei vari oggetti, si fa viva e palpitante, lasciando presagire futuri sviluppi impressionisti interrotti poi dalla morte.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Nel contesto di Il_bar_delle_Folies-Bergère, esplora la La protagonista, Suzon e la Descrizione.

La vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile. La donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» (Giordano), si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto.Si noti inoltre come nel riflesso del suo volto, (secondo molti critici "diversamente dal reale") ella sembri in procinto di interloquire con l'uomo di fronte a lei al bancone. (Secondo molti critici, "azione che, di fatto, non sembra stia compiendo") Manet indaga il caleidoscopio di emozioni che scaturisce dai suoi occhi mesti con grande sottigliezza psicologica e con disincantata semplicità.Nonostante la malizia della divisa, infatti, il viso di Suzon «ha la grazia di una ragazzotta di paese ancora paffutella, evidentemente abituata alla semplicità» (RaiArte), e quindi impreparata agli intrighi della grande città. La donna ha un atteggiamento enigmatico e innegabilmente malinconico, e guarda l'osservatore oltrepassandolo, persa com'è nei suoi pensieri, certamente saturi di tristezza e di afflizione. Suzon è imprigionata in un vortice di stanchezza e di alienazione: non le piace il lavoro che si ritrova costretta a fare per guadagnarsi da vivere, così come non le piace il mondo ambiguo e inquietante degli avventori del bar, nel quale si è ritrovata suo malgrado. Come osservato da Laura Corchia, «forse Suzon sognava un avvenire diverso, forse avrebbe voluto prendere il posto di quelle dame dell'alta società sedute ai tavolini delle Folies-Bergère. Quegli occhi dicono tutto, raccontano di sogni svaniti e di speranze attaccate a un filo». Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

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''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Esplora la La protagonista, Suzon sulla Descrizione di questa opera d'arte, Il_bar_delle_Folies-Bergère.

La vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile. La donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» (Giordano), si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto.Si noti inoltre come nel riflesso del suo volto, (secondo molti critici "diversamente dal reale") ella sembri in procinto di interloquire con l'uomo di fronte a lei al bancone. (Secondo molti critici, "azione che, di fatto, non sembra stia compiendo") Manet indaga il caleidoscopio di emozioni che scaturisce dai suoi occhi mesti con grande sottigliezza psicologica e con disincantata semplicità.Nonostante la malizia della divisa, infatti, il viso di Suzon «ha la grazia di una ragazzotta di paese ancora paffutella, evidentemente abituata alla semplicità» (RaiArte), e quindi impreparata agli intrighi della grande città. La donna ha un atteggiamento enigmatico e innegabilmente malinconico, e guarda l'osservatore oltrepassandolo, persa com'è nei suoi pensieri, certamente saturi di tristezza e di afflizione. Suzon è imprigionata in un vortice di stanchezza e di alienazione: non le piace il lavoro che si ritrova costretta a fare per guadagnarsi da vivere, così come non le piace il mondo ambiguo e inquietante degli avventori del bar, nel quale si è ritrovata suo malgrado. Come osservato da Laura Corchia, «forse Suzon sognava un avvenire diverso, forse avrebbe voluto prendere il posto di quelle dame dell'alta società sedute ai tavolini delle Folies-Bergère. Quegli occhi dicono tutto, raccontano di sogni svaniti e di speranze attaccate a un filo». Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: In Il_bar_delle_Folies-Bergère, come viene chiarita la La protagonista, Suzon della Descrizione?

La vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile. La donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» (Giordano), si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto.Si noti inoltre come nel riflesso del suo volto, (secondo molti critici "diversamente dal reale") ella sembri in procinto di interloquire con l'uomo di fronte a lei al bancone. (Secondo molti critici, "azione che, di fatto, non sembra stia compiendo") Manet indaga il caleidoscopio di emozioni che scaturisce dai suoi occhi mesti con grande sottigliezza psicologica e con disincantata semplicità.Nonostante la malizia della divisa, infatti, il viso di Suzon «ha la grazia di una ragazzotta di paese ancora paffutella, evidentemente abituata alla semplicità» (RaiArte), e quindi impreparata agli intrighi della grande città. La donna ha un atteggiamento enigmatico e innegabilmente malinconico, e guarda l'osservatore oltrepassandolo, persa com'è nei suoi pensieri, certamente saturi di tristezza e di afflizione. Suzon è imprigionata in un vortice di stanchezza e di alienazione: non le piace il lavoro che si ritrova costretta a fare per guadagnarsi da vivere, così come non le piace il mondo ambiguo e inquietante degli avventori del bar, nel quale si è ritrovata suo malgrado. Come osservato da Laura Corchia, «forse Suzon sognava un avvenire diverso, forse avrebbe voluto prendere il posto di quelle dame dell'alta società sedute ai tavolini delle Folies-Bergère. Quegli occhi dicono tutto, raccontano di sogni svaniti e di speranze attaccate a un filo». Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Descrivi le caratteristiche della La protagonista, Suzon nella Descrizione di Il_bar_delle_Folies-Bergère.

La vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile. La donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» (Giordano), si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto.Si noti inoltre come nel riflesso del suo volto, (secondo molti critici "diversamente dal reale") ella sembri in procinto di interloquire con l'uomo di fronte a lei al bancone. (Secondo molti critici, "azione che, di fatto, non sembra stia compiendo") Manet indaga il caleidoscopio di emozioni che scaturisce dai suoi occhi mesti con grande sottigliezza psicologica e con disincantata semplicità.Nonostante la malizia della divisa, infatti, il viso di Suzon «ha la grazia di una ragazzotta di paese ancora paffutella, evidentemente abituata alla semplicità» (RaiArte), e quindi impreparata agli intrighi della grande città. La donna ha un atteggiamento enigmatico e innegabilmente malinconico, e guarda l'osservatore oltrepassandolo, persa com'è nei suoi pensieri, certamente saturi di tristezza e di afflizione. Suzon è imprigionata in un vortice di stanchezza e di alienazione: non le piace il lavoro che si ritrova costretta a fare per guadagnarsi da vivere, così come non le piace il mondo ambiguo e inquietante degli avventori del bar, nel quale si è ritrovata suo malgrado. Come osservato da Laura Corchia, «forse Suzon sognava un avvenire diverso, forse avrebbe voluto prendere il posto di quelle dame dell'alta società sedute ai tavolini delle Folies-Bergère. Quegli occhi dicono tutto, raccontano di sogni svaniti e di speranze attaccate a un filo». Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Nel contesto di Il_bar_delle_Folies-Bergère, esplora la Lo specchio e le Folies-Bergère e la Descrizione.

Suzon, malgrado sia l'indiscussa protagonista della composizione, non esaurisce affatto le possibilità di godimento dell'opera. Dietro di lei, infatti, si estende uno specchio, il quale riflette l'immagine del vasto salone delle Folies-Bergère. Lo specchio dilata lo spazio dipinto (secondo molti critici, "mostrando all'osservatore ciò che è davanti alla zona frontale del dipinto: in questo modo, quanto tecnicamente giacerebbe all'esterno del dipinto verrebbe calamitato al suo interno, espandendo imprevedibilmente le possibilità di visione e intessendo un raffinato quanto complicato gioco tra parvenza e realtà"). Si capisce con chiarezza che è uno specchio guardando a destra, dove si vedono riflessi il dorso della cameriera e il volto di un misterioso assertore con la tuba che sta dandole l'ordinazione. A una rapida osservazione, potrebbe sembrare che la posizione di quest'uomo coincida con quella dell'osservatore del dipinto.Con lo specchio, popolato da una fantasmagoria di luci e di pennellate, Manet ci suggerisce la festosa presenza del pubblico delle Folies-Bergère, illuminato dall'incandescente luce dei lampadari. Anche questa volta i colori sono depositati sulla tela senza alcuna velatura per dar loro l'effetto chiaroscurale, con una tecnica che è già quasi impressionista: in questo modo quelle che viste da vicino sembrano macchie disordinate e incoerenti di colore a una visione distanziata acquistano un suggestivo quanto palpitante effetto di realismo. Quest'effetto, che pure fu criticato, in realtà si sposa benissimo con l'impressione sonora della folla riunita che parla, che ascolta, che guarda e che si gode la vita. Il salone, infatti, è un moltiplicarsi di tavolini attorno ai quali siedono uomini dagli eleganti cilindri neri e donne munite di binocolo, intente a guardare uno spettacolo. Di che spettacolo si tratta lo si capisce guardando in alto a sinistra, dove si scorgono le gambe di una trapezista che compie le sue acrobazie, offrendo il proprio talento agli occhi del pubblico divertito. Tra gli spettatori si riconosce Méry Laurent, galante e spiritosa amica di artisti e poeti, vestita in bianco e col viso appoggiato alle mani guantate, identica posa nella quale Manet l’aveva ritratta in un pastello su carta nel 1881.La soluzione ottica dello specchio fu impiegata già al 1434, anno di esecuzione del Ritratto dei coniugi Arnolfini, e in numerosi altri dipinti degli anni a venire, come Las Meninas di Diego Velázquez, e L'assenzio di Edgar Degas, due opere che Manet conosceva e che probabilmente gli servirono da spunto per Il bar delle Folies-Bergère. È interessante notare, inoltre, come molti critici siano molto convinti che lo specchio dipinto da Manet presenti "un'incongruenza, che segna un definitivo distacco dai convenzionalismi accademici, aprendo una strada di sperimentazione che verrà intrapresa da numerosi altri pittori (basti per tutti l'esempio di Cézanne)". Essi sostengono che " la prospettiva offerta dallo specchio infatti è falsa, siccome la rigorosa frontalità con cui la donna si erge dietro al bancone dovrebbe nascondere il suo riflesso nello specchio, cosa che tuttavia non avviene." Tuttavia, alcuni studi effettuati nel 2001 da Malcom Park sostengono che la prospettiva è corretta e lo specchio è inclinato in profondità, è vicino a destra e si allontana dall'osservatore a sinistra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Esplora la Lo specchio e le Folies-Bergère sulla Descrizione di questa opera d'arte, Il_bar_delle_Folies-Bergère.

Suzon, malgrado sia l'indiscussa protagonista della composizione, non esaurisce affatto le possibilità di godimento dell'opera. Dietro di lei, infatti, si estende uno specchio, il quale riflette l'immagine del vasto salone delle Folies-Bergère. Lo specchio dilata lo spazio dipinto (secondo molti critici, "mostrando all'osservatore ciò che è davanti alla zona frontale del dipinto: in questo modo, quanto tecnicamente giacerebbe all'esterno del dipinto verrebbe calamitato al suo interno, espandendo imprevedibilmente le possibilità di visione e intessendo un raffinato quanto complicato gioco tra parvenza e realtà"). Si capisce con chiarezza che è uno specchio guardando a destra, dove si vedono riflessi il dorso della cameriera e il volto di un misterioso assertore con la tuba che sta dandole l'ordinazione. A una rapida osservazione, potrebbe sembrare che la posizione di quest'uomo coincida con quella dell'osservatore del dipinto.Con lo specchio, popolato da una fantasmagoria di luci e di pennellate, Manet ci suggerisce la festosa presenza del pubblico delle Folies-Bergère, illuminato dall'incandescente luce dei lampadari. Anche questa volta i colori sono depositati sulla tela senza alcuna velatura per dar loro l'effetto chiaroscurale, con una tecnica che è già quasi impressionista: in questo modo quelle che viste da vicino sembrano macchie disordinate e incoerenti di colore a una visione distanziata acquistano un suggestivo quanto palpitante effetto di realismo. Quest'effetto, che pure fu criticato, in realtà si sposa benissimo con l'impressione sonora della folla riunita che parla, che ascolta, che guarda e che si gode la vita. Il salone, infatti, è un moltiplicarsi di tavolini attorno ai quali siedono uomini dagli eleganti cilindri neri e donne munite di binocolo, intente a guardare uno spettacolo. Di che spettacolo si tratta lo si capisce guardando in alto a sinistra, dove si scorgono le gambe di una trapezista che compie le sue acrobazie, offrendo il proprio talento agli occhi del pubblico divertito. Tra gli spettatori si riconosce Méry Laurent, galante e spiritosa amica di artisti e poeti, vestita in bianco e col viso appoggiato alle mani guantate, identica posa nella quale Manet l’aveva ritratta in un pastello su carta nel 1881.La soluzione ottica dello specchio fu impiegata già al 1434, anno di esecuzione del Ritratto dei coniugi Arnolfini, e in numerosi altri dipinti degli anni a venire, come Las Meninas di Diego Velázquez, e L'assenzio di Edgar Degas, due opere che Manet conosceva e che probabilmente gli servirono da spunto per Il bar delle Folies-Bergère. È interessante notare, inoltre, come molti critici siano molto convinti che lo specchio dipinto da Manet presenti "un'incongruenza, che segna un definitivo distacco dai convenzionalismi accademici, aprendo una strada di sperimentazione che verrà intrapresa da numerosi altri pittori (basti per tutti l'esempio di Cézanne)". Essi sostengono che " la prospettiva offerta dallo specchio infatti è falsa, siccome la rigorosa frontalità con cui la donna si erge dietro al bancone dovrebbe nascondere il suo riflesso nello specchio, cosa che tuttavia non avviene." Tuttavia, alcuni studi effettuati nel 2001 da Malcom Park sostengono che la prospettiva è corretta e lo specchio è inclinato in profondità, è vicino a destra e si allontana dall'osservatore a sinistra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: In Il_bar_delle_Folies-Bergère, come viene chiarita la Lo specchio e le Folies-Bergère della Descrizione?

Suzon, malgrado sia l'indiscussa protagonista della composizione, non esaurisce affatto le possibilità di godimento dell'opera. Dietro di lei, infatti, si estende uno specchio, il quale riflette l'immagine del vasto salone delle Folies-Bergère. Lo specchio dilata lo spazio dipinto (secondo molti critici, "mostrando all'osservatore ciò che è davanti alla zona frontale del dipinto: in questo modo, quanto tecnicamente giacerebbe all'esterno del dipinto verrebbe calamitato al suo interno, espandendo imprevedibilmente le possibilità di visione e intessendo un raffinato quanto complicato gioco tra parvenza e realtà"). Si capisce con chiarezza che è uno specchio guardando a destra, dove si vedono riflessi il dorso della cameriera e il volto di un misterioso assertore con la tuba che sta dandole l'ordinazione. A una rapida osservazione, potrebbe sembrare che la posizione di quest'uomo coincida con quella dell'osservatore del dipinto.Con lo specchio, popolato da una fantasmagoria di luci e di pennellate, Manet ci suggerisce la festosa presenza del pubblico delle Folies-Bergère, illuminato dall'incandescente luce dei lampadari. Anche questa volta i colori sono depositati sulla tela senza alcuna velatura per dar loro l'effetto chiaroscurale, con una tecnica che è già quasi impressionista: in questo modo quelle che viste da vicino sembrano macchie disordinate e incoerenti di colore a una visione distanziata acquistano un suggestivo quanto palpitante effetto di realismo. Quest'effetto, che pure fu criticato, in realtà si sposa benissimo con l'impressione sonora della folla riunita che parla, che ascolta, che guarda e che si gode la vita. Il salone, infatti, è un moltiplicarsi di tavolini attorno ai quali siedono uomini dagli eleganti cilindri neri e donne munite di binocolo, intente a guardare uno spettacolo. Di che spettacolo si tratta lo si capisce guardando in alto a sinistra, dove si scorgono le gambe di una trapezista che compie le sue acrobazie, offrendo il proprio talento agli occhi del pubblico divertito. Tra gli spettatori si riconosce Méry Laurent, galante e spiritosa amica di artisti e poeti, vestita in bianco e col viso appoggiato alle mani guantate, identica posa nella quale Manet l’aveva ritratta in un pastello su carta nel 1881.La soluzione ottica dello specchio fu impiegata già al 1434, anno di esecuzione del Ritratto dei coniugi Arnolfini, e in numerosi altri dipinti degli anni a venire, come Las Meninas di Diego Velázquez, e L'assenzio di Edgar Degas, due opere che Manet conosceva e che probabilmente gli servirono da spunto per Il bar delle Folies-Bergère. È interessante notare, inoltre, come molti critici siano molto convinti che lo specchio dipinto da Manet presenti "un'incongruenza, che segna un definitivo distacco dai convenzionalismi accademici, aprendo una strada di sperimentazione che verrà intrapresa da numerosi altri pittori (basti per tutti l'esempio di Cézanne)". Essi sostengono che " la prospettiva offerta dallo specchio infatti è falsa, siccome la rigorosa frontalità con cui la donna si erge dietro al bancone dovrebbe nascondere il suo riflesso nello specchio, cosa che tuttavia non avviene." Tuttavia, alcuni studi effettuati nel 2001 da Malcom Park sostengono che la prospettiva è corretta e lo specchio è inclinato in profondità, è vicino a destra e si allontana dall'osservatore a sinistra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Il_bar_delle_Folies-Bergère

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Lo specchio e le Folies-Bergère nella Descrizione di Il_bar_delle_Folies-Bergère.

Suzon, malgrado sia l'indiscussa protagonista della composizione, non esaurisce affatto le possibilità di godimento dell'opera. Dietro di lei, infatti, si estende uno specchio, il quale riflette l'immagine del vasto salone delle Folies-Bergère. Lo specchio dilata lo spazio dipinto (secondo molti critici, "mostrando all'osservatore ciò che è davanti alla zona frontale del dipinto: in questo modo, quanto tecnicamente giacerebbe all'esterno del dipinto verrebbe calamitato al suo interno, espandendo imprevedibilmente le possibilità di visione e intessendo un raffinato quanto complicato gioco tra parvenza e realtà"). Si capisce con chiarezza che è uno specchio guardando a destra, dove si vedono riflessi il dorso della cameriera e il volto di un misterioso assertore con la tuba che sta dandole l'ordinazione. A una rapida osservazione, potrebbe sembrare che la posizione di quest'uomo coincida con quella dell'osservatore del dipinto.Con lo specchio, popolato da una fantasmagoria di luci e di pennellate, Manet ci suggerisce la festosa presenza del pubblico delle Folies-Bergère, illuminato dall'incandescente luce dei lampadari. Anche questa volta i colori sono depositati sulla tela senza alcuna velatura per dar loro l'effetto chiaroscurale, con una tecnica che è già quasi impressionista: in questo modo quelle che viste da vicino sembrano macchie disordinate e incoerenti di colore a una visione distanziata acquistano un suggestivo quanto palpitante effetto di realismo. Quest'effetto, che pure fu criticato, in realtà si sposa benissimo con l'impressione sonora della folla riunita che parla, che ascolta, che guarda e che si gode la vita. Il salone, infatti, è un moltiplicarsi di tavolini attorno ai quali siedono uomini dagli eleganti cilindri neri e donne munite di binocolo, intente a guardare uno spettacolo. Di che spettacolo si tratta lo si capisce guardando in alto a sinistra, dove si scorgono le gambe di una trapezista che compie le sue acrobazie, offrendo il proprio talento agli occhi del pubblico divertito. Tra gli spettatori si riconosce Méry Laurent, galante e spiritosa amica di artisti e poeti, vestita in bianco e col viso appoggiato alle mani guantate, identica posa nella quale Manet l’aveva ritratta in un pastello su carta nel 1881.La soluzione ottica dello specchio fu impiegata già al 1434, anno di esecuzione del Ritratto dei coniugi Arnolfini, e in numerosi altri dipinti degli anni a venire, come Las Meninas di Diego Velázquez, e L'assenzio di Edgar Degas, due opere che Manet conosceva e che probabilmente gli servirono da spunto per Il bar delle Folies-Bergère. È interessante notare, inoltre, come molti critici siano molto convinti che lo specchio dipinto da Manet presenti "un'incongruenza, che segna un definitivo distacco dai convenzionalismi accademici, aprendo una strada di sperimentazione che verrà intrapresa da numerosi altri pittori (basti per tutti l'esempio di Cézanne)". Essi sostengono che " la prospettiva offerta dallo specchio infatti è falsa, siccome la rigorosa frontalità con cui la donna si erge dietro al bancone dovrebbe nascondere il suo riflesso nello specchio, cosa che tuttavia non avviene." Tuttavia, alcuni studi effettuati nel 2001 da Malcom Park sostengono che la prospettiva è corretta e lo specchio è inclinato in profondità, è vicino a destra e si allontana dall'osservatore a sinistra.

Categoria:Dipinti nella Courtauld Gallery

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della sala vista attraverso lo specchio

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail I.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio della natura morta

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail II.png

File:A Bar at the Folies-Bergère, detail III.png

''Il bar delle Folies-Bergère'', dettaglio di Suzon


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Concentrati su Madonna_dei_Fusi ed esplora la abstract.

La Madonna dei Fusi (o dell'Aspo) è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela e incollato su tavola (50,2x36,4 cm) attribuito a Leonardo da Vinci e aiuti, databile al 1501 e conservato in una collezione privata a New York.

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madonna_dei_Fusi.

La Madonna dei Fusi (o dell'Aspo) è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela e incollato su tavola (50,2x36,4 cm) attribuito a Leonardo da Vinci e aiuti, databile al 1501 e conservato in una collezione privata a New York.

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Come chiarisce Madonna_dei_Fusi la sua abstract?

La Madonna dei Fusi (o dell'Aspo) è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela e incollato su tavola (50,2x36,4 cm) attribuito a Leonardo da Vinci e aiuti, databile al 1501 e conservato in una collezione privata a New York.

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madonna_dei_Fusi?

La Madonna dei Fusi (o dell'Aspo) è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela e incollato su tavola (50,2x36,4 cm) attribuito a Leonardo da Vinci e aiuti, databile al 1501 e conservato in una collezione privata a New York.

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Concentrati su Madonna_dei_Fusi ed esplora la Storia.

Isabella d'Este si interessò sempre molto a Leonardo da Vinci, prima e dopo il suo breve soggiorno a Mantova nel 1499-1500. Cercando di ottenere i suoi servigi per il suo studiolo e per un ritratto, aveva inviato un suo agente, il carmelitano Pietro da Novellara, a informarsi su quello che l'artista faceva.Proprio in una lettera del frate inviata ad Isabella e datata 14 aprile 1501, si comunicava che Leonardo, carico di impegni a Firenze, stava eseguendo un "quadrettino" per il segretario del re di Francia Florimond Robertet, che raffigurava la Vergine nell'atto di "inaspare i fusi" e il Bambino mentre afferra l'aspo come se fosse una croce.Si tratta sicuramente della Madonna dei Fusi, della quale esistono molte versioni, nessuna pienamente autografa. Le più vicine alla mano leonardesca sono ritenute quella in una collezione privata a New York e quella (48,3x36,9 cm) nella collezione del duca di Buccleuch, nel Drumlaring Castle presso Edimburgo, in prestito alla National Gallery of Scotland (trafugata nel 2003 e ritrovata nel 2007), in entrambi i dipinti non è da escludersi qualche intervento diretto di Leonardo, la cui entità è tuttora in corso di approfondimento fra gli studiosi di riferimento. Entrambe le opere corrispondono a questa descrizione, sebbene divergano in un dettaglio: il piede del bambino si trovava in un cestino con i fusi. Sono note inoltre altre versioni esposte in musei, tutte provenienti dalla bottega di Leonardo da Vinci, la cui attribuzione a singoli allievi e collaboratori del maestro non è ancora pienamente definita. Fra di esse ricordiamo quella della National Gallery of Scotland di Edimburgo, quella del Musées des Beaux -Arts di Digione, quella del museo di Palazzo Costa a Piacenza, quella del Worcester Art Museum e quella del Louvre a Parigi (quest'ultima però realizzata da un tardo imitatore).

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madonna_dei_Fusi.

Isabella d'Este si interessò sempre molto a Leonardo da Vinci, prima e dopo il suo breve soggiorno a Mantova nel 1499-1500. Cercando di ottenere i suoi servigi per il suo studiolo e per un ritratto, aveva inviato un suo agente, il carmelitano Pietro da Novellara, a informarsi su quello che l'artista faceva.Proprio in una lettera del frate inviata ad Isabella e datata 14 aprile 1501, si comunicava che Leonardo, carico di impegni a Firenze, stava eseguendo un "quadrettino" per il segretario del re di Francia Florimond Robertet, che raffigurava la Vergine nell'atto di "inaspare i fusi" e il Bambino mentre afferra l'aspo come se fosse una croce.Si tratta sicuramente della Madonna dei Fusi, della quale esistono molte versioni, nessuna pienamente autografa. Le più vicine alla mano leonardesca sono ritenute quella in una collezione privata a New York e quella (48,3x36,9 cm) nella collezione del duca di Buccleuch, nel Drumlaring Castle presso Edimburgo, in prestito alla National Gallery of Scotland (trafugata nel 2003 e ritrovata nel 2007), in entrambi i dipinti non è da escludersi qualche intervento diretto di Leonardo, la cui entità è tuttora in corso di approfondimento fra gli studiosi di riferimento. Entrambe le opere corrispondono a questa descrizione, sebbene divergano in un dettaglio: il piede del bambino si trovava in un cestino con i fusi. Sono note inoltre altre versioni esposte in musei, tutte provenienti dalla bottega di Leonardo da Vinci, la cui attribuzione a singoli allievi e collaboratori del maestro non è ancora pienamente definita. Fra di esse ricordiamo quella della National Gallery of Scotland di Edimburgo, quella del Musées des Beaux -Arts di Digione, quella del museo di Palazzo Costa a Piacenza, quella del Worcester Art Museum e quella del Louvre a Parigi (quest'ultima però realizzata da un tardo imitatore).

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Come chiarisce Madonna_dei_Fusi la sua Storia?

Isabella d'Este si interessò sempre molto a Leonardo da Vinci, prima e dopo il suo breve soggiorno a Mantova nel 1499-1500. Cercando di ottenere i suoi servigi per il suo studiolo e per un ritratto, aveva inviato un suo agente, il carmelitano Pietro da Novellara, a informarsi su quello che l'artista faceva.Proprio in una lettera del frate inviata ad Isabella e datata 14 aprile 1501, si comunicava che Leonardo, carico di impegni a Firenze, stava eseguendo un "quadrettino" per il segretario del re di Francia Florimond Robertet, che raffigurava la Vergine nell'atto di "inaspare i fusi" e il Bambino mentre afferra l'aspo come se fosse una croce.Si tratta sicuramente della Madonna dei Fusi, della quale esistono molte versioni, nessuna pienamente autografa. Le più vicine alla mano leonardesca sono ritenute quella in una collezione privata a New York e quella (48,3x36,9 cm) nella collezione del duca di Buccleuch, nel Drumlaring Castle presso Edimburgo, in prestito alla National Gallery of Scotland (trafugata nel 2003 e ritrovata nel 2007), in entrambi i dipinti non è da escludersi qualche intervento diretto di Leonardo, la cui entità è tuttora in corso di approfondimento fra gli studiosi di riferimento. Entrambe le opere corrispondono a questa descrizione, sebbene divergano in un dettaglio: il piede del bambino si trovava in un cestino con i fusi. Sono note inoltre altre versioni esposte in musei, tutte provenienti dalla bottega di Leonardo da Vinci, la cui attribuzione a singoli allievi e collaboratori del maestro non è ancora pienamente definita. Fra di esse ricordiamo quella della National Gallery of Scotland di Edimburgo, quella del Musées des Beaux -Arts di Digione, quella del museo di Palazzo Costa a Piacenza, quella del Worcester Art Museum e quella del Louvre a Parigi (quest'ultima però realizzata da un tardo imitatore).

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_dei_Fusi?

Isabella d'Este si interessò sempre molto a Leonardo da Vinci, prima e dopo il suo breve soggiorno a Mantova nel 1499-1500. Cercando di ottenere i suoi servigi per il suo studiolo e per un ritratto, aveva inviato un suo agente, il carmelitano Pietro da Novellara, a informarsi su quello che l'artista faceva.Proprio in una lettera del frate inviata ad Isabella e datata 14 aprile 1501, si comunicava che Leonardo, carico di impegni a Firenze, stava eseguendo un "quadrettino" per il segretario del re di Francia Florimond Robertet, che raffigurava la Vergine nell'atto di "inaspare i fusi" e il Bambino mentre afferra l'aspo come se fosse una croce.Si tratta sicuramente della Madonna dei Fusi, della quale esistono molte versioni, nessuna pienamente autografa. Le più vicine alla mano leonardesca sono ritenute quella in una collezione privata a New York e quella (48,3x36,9 cm) nella collezione del duca di Buccleuch, nel Drumlaring Castle presso Edimburgo, in prestito alla National Gallery of Scotland (trafugata nel 2003 e ritrovata nel 2007), in entrambi i dipinti non è da escludersi qualche intervento diretto di Leonardo, la cui entità è tuttora in corso di approfondimento fra gli studiosi di riferimento. Entrambe le opere corrispondono a questa descrizione, sebbene divergano in un dettaglio: il piede del bambino si trovava in un cestino con i fusi. Sono note inoltre altre versioni esposte in musei, tutte provenienti dalla bottega di Leonardo da Vinci, la cui attribuzione a singoli allievi e collaboratori del maestro non è ancora pienamente definita. Fra di esse ricordiamo quella della National Gallery of Scotland di Edimburgo, quella del Musées des Beaux -Arts di Digione, quella del museo di Palazzo Costa a Piacenza, quella del Worcester Art Museum e quella del Louvre a Parigi (quest'ultima però realizzata da un tardo imitatore).

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg


Madonna_dei_Fusi

Prompt: Concentrati su Madonna_dei_Fusi ed esplora la Descrizione e stile.

Il dipinto mostra la Madonna seduta su una roccia in una sciolta posizione con le gambe verso sinistra, il busto frontale e la testa voltata verso destra, dove si trova il Bambino che, pure semisdraiato lungo la diagonale, gioca sorridente con un aspo (un bastone con due assicelle perpendicolari alle estremità per avvolgervi le matasse di lana filata), tenendolo e fissandolo con intensità come se fosse una croce. Nonostante il tema che prefigura la Passione, Leonardo, rinnovando la tradizione iconografica, inserì nel soggetto una certa serenità, che sottintende la piena accettazione di Gesù del suo futuro sacrificio. Inediti sono i rapporti espressivi tra madre e figlio, con un gesto a metà tra la sorpresa e la protettività rappresentato dalla mano di Maria che, come in altri celebri capolavori vinciani, è proiettata in avanti con un ardito scorcio, quasi come a uscire dal dipinto. Il volume dei protagonisti (il "modellato") e reso grazie ai delicati trapassi di luci e ombre, tipici del morbido stile "sfumato" di Leonardo.Straordinaria è poi la fusione atmosferica tra le figure in primo piano e l'amplissimo paesaggio sullo sfondo, in cui si intravedono un fiume e una serie di picchi rocciosi in sequenza, da alcuni identificati con i Calanchi del Basso Valdarno, vicino alla zona di origine del pittore.Nella versione in collezione privata a New York, lo sfondo assomiglia alla valle dell'Adda, da Lecco a Vaprio.

File:Leonardo da Vinci, Madonna of the Yarnwinder, Buccleuch version.jpg

File:Leonardo da vinci, Study for Madonna with the Yarnwinder.jpg

Leonardo, Studio per la Madonna dei Fusi, Gallerie dell'Accademia (Venezia)

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Scotland

Pietro da Novellara, Lettera a Isabella d'Este, 3 aprile 1501, Archivio di Stato di Mantova, Archivio Gonzaga, E, XXVIII, 3. b. 1103, C. 272.

File:Pietro da Novellara, Lettre à Isabelle d'Este, 3 avril 1501.jpg