Disputa_del_Sacramento

Prompt: Nel contesto di Disputa_del_Sacramento, esplora la Studi e la Storia.

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi (coppie di evangelisti e profeti), e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

File:Raffaello, Studio per la Disputa del Sacramento.jpg

''Studio per la Disputa del Sacramento'', [[Windsor Castle

File:Raffaello, Disputa, dettaglio Dante, Stanza della Signatura, Palazzo Pontifici, Vaticano.jpg


Disputa_del_Sacramento

Prompt: Esplora la Studi sulla Storia di questa opera d'arte, Disputa_del_Sacramento.

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi (coppie di evangelisti e profeti), e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

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''Studio per la Disputa del Sacramento'', [[Windsor Castle

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: In Disputa_del_Sacramento, come viene chiarita la Studi della Storia?

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi (coppie di evangelisti e profeti), e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Studi nella Storia di Disputa_del_Sacramento.

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi (coppie di evangelisti e profeti), e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Concentrati su Disputa_del_Sacramento ed esplora la Descrizione.

Il titolo tradizionale dell'affresco deriva da un'erronea interpretazione settecentesca di un passo vasariano; "disputa", cioè "discussione", presupporrebbe una divergenza o contrasto tra coloro che discutono, seppure dalle espressioni e dalle movenze dei personaggi Raffaello volle far trasparire un interesse vivo e un trasporto nel discutere circa il grande mistero cristiano dell'eucaristia.Più appropriato sarebbe quello di Trionfo dell'eucaristia o Trionfo della Chiesa. Su due registri sono infatti raffigurate la Chiesa militante, nella parte inferiore, e la Chiesa trionfante, in quella superiore. Il dipinto è dedicato quindi alla teologia, disciplina attraverso la quale l'anima può arrivare alla verità nel campo della fede.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Disputa_del_Sacramento.

Il titolo tradizionale dell'affresco deriva da un'erronea interpretazione settecentesca di un passo vasariano; "disputa", cioè "discussione", presupporrebbe una divergenza o contrasto tra coloro che discutono, seppure dalle espressioni e dalle movenze dei personaggi Raffaello volle far trasparire un interesse vivo e un trasporto nel discutere circa il grande mistero cristiano dell'eucaristia.Più appropriato sarebbe quello di Trionfo dell'eucaristia o Trionfo della Chiesa. Su due registri sono infatti raffigurate la Chiesa militante, nella parte inferiore, e la Chiesa trionfante, in quella superiore. Il dipinto è dedicato quindi alla teologia, disciplina attraverso la quale l'anima può arrivare alla verità nel campo della fede.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Come chiarisce Disputa_del_Sacramento la sua Descrizione?

Il titolo tradizionale dell'affresco deriva da un'erronea interpretazione settecentesca di un passo vasariano; "disputa", cioè "discussione", presupporrebbe una divergenza o contrasto tra coloro che discutono, seppure dalle espressioni e dalle movenze dei personaggi Raffaello volle far trasparire un interesse vivo e un trasporto nel discutere circa il grande mistero cristiano dell'eucaristia.Più appropriato sarebbe quello di Trionfo dell'eucaristia o Trionfo della Chiesa. Su due registri sono infatti raffigurate la Chiesa militante, nella parte inferiore, e la Chiesa trionfante, in quella superiore. Il dipinto è dedicato quindi alla teologia, disciplina attraverso la quale l'anima può arrivare alla verità nel campo della fede.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Disputa_del_Sacramento?

Il titolo tradizionale dell'affresco deriva da un'erronea interpretazione settecentesca di un passo vasariano; "disputa", cioè "discussione", presupporrebbe una divergenza o contrasto tra coloro che discutono, seppure dalle espressioni e dalle movenze dei personaggi Raffaello volle far trasparire un interesse vivo e un trasporto nel discutere circa il grande mistero cristiano dell'eucaristia.Più appropriato sarebbe quello di Trionfo dell'eucaristia o Trionfo della Chiesa. Su due registri sono infatti raffigurate la Chiesa militante, nella parte inferiore, e la Chiesa trionfante, in quella superiore. Il dipinto è dedicato quindi alla teologia, disciplina attraverso la quale l'anima può arrivare alla verità nel campo della fede.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Nel contesto di Disputa_del_Sacramento, esplora la La Chiesa trionfante e la Descrizione.

La Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture (uno per evangelista, con brani di ciascuno, da sinistra Matteo, Marco, Luca e Giovanni), vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati (con i raggi resi a rilievo con lo stucco), in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nell'Incoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni; anche la posa della Vergine ricorda quella del Ghirlandaio.Tra i santi si riconoscono da sinistra san Pietro, Adamo (senza aureola), Giovanni evangelista, Re David con una cetra, santo Stefano e Geremia; a destra Giuda Maccabeo, san Lorenzo, Mosè con le tavole della Legge, un apostolo (san Matteo o san Giacomo maggiore o san Giacomo minore), Abramo e san Paolo.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Esplora la La Chiesa trionfante sulla Descrizione di questa opera d'arte, Disputa_del_Sacramento.

La Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture (uno per evangelista, con brani di ciascuno, da sinistra Matteo, Marco, Luca e Giovanni), vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati (con i raggi resi a rilievo con lo stucco), in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nell'Incoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni; anche la posa della Vergine ricorda quella del Ghirlandaio.Tra i santi si riconoscono da sinistra san Pietro, Adamo (senza aureola), Giovanni evangelista, Re David con una cetra, santo Stefano e Geremia; a destra Giuda Maccabeo, san Lorenzo, Mosè con le tavole della Legge, un apostolo (san Matteo o san Giacomo maggiore o san Giacomo minore), Abramo e san Paolo.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: In Disputa_del_Sacramento, come viene chiarita la La Chiesa trionfante della Descrizione?

La Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture (uno per evangelista, con brani di ciascuno, da sinistra Matteo, Marco, Luca e Giovanni), vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati (con i raggi resi a rilievo con lo stucco), in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nell'Incoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni; anche la posa della Vergine ricorda quella del Ghirlandaio.Tra i santi si riconoscono da sinistra san Pietro, Adamo (senza aureola), Giovanni evangelista, Re David con una cetra, santo Stefano e Geremia; a destra Giuda Maccabeo, san Lorenzo, Mosè con le tavole della Legge, un apostolo (san Matteo o san Giacomo maggiore o san Giacomo minore), Abramo e san Paolo.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Descrivi le caratteristiche della La Chiesa trionfante nella Descrizione di Disputa_del_Sacramento.

La Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture (uno per evangelista, con brani di ciascuno, da sinistra Matteo, Marco, Luca e Giovanni), vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati (con i raggi resi a rilievo con lo stucco), in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nell'Incoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni; anche la posa della Vergine ricorda quella del Ghirlandaio.Tra i santi si riconoscono da sinistra san Pietro, Adamo (senza aureola), Giovanni evangelista, Re David con una cetra, santo Stefano e Geremia; a destra Giuda Maccabeo, san Lorenzo, Mosè con le tavole della Legge, un apostolo (san Matteo o san Giacomo maggiore o san Giacomo minore), Abramo e san Paolo.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Nel contesto di Disputa_del_Sacramento, esplora la La Chiesa militante e la Descrizione.

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare (ai cui servigi Raffaello doveva forse la venuta a Roma), san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.A destra si vedono sant'Ambrogio, seduto con lo sguardo rivolto all'alto, sant'Agostino, seduto che detta, san Tommaso d'Aquino (dietro il vescovo), Innocenzo III e san Bonaventura (il nome è iscritto nell'aureola); seguono Sisto IV, con un piviale dorato e il De sanguine Christi ai piedi, Dante Alighieri, alle sue spalle con la corona d'alloro. Questo è il volto di Dante che si trova sulla moneta da due euro. Più dietro, seminascosto e con un cappuccio scuro ci sarebbe l'allora controversa figura del Savonarola: il suo inserimento è forse una presa di posizione anti-Borgia (fu scomunicato, infatti, da Alessandro VI) e una sorta di riabilitazione per il suo tentativo di moralizzare Firenze.Dietro i personaggi di destra si trova un enorme blocco marmoreo, che forse allude alla "pietra angolare", nonché al progetto di ricostruzione della basilica vaticana avviato proprio in quegli anni dal pontefice.Per mantenere la simmetria, sull'architrave della porta che si apre a destra Raffaello immaginò un parapetto con un bassorilievo scolpito, che corrisponde sull'altro lato a una balaustra.Sullo sfondo si stende un dolce paesaggio collinare, in cui si vede, a sinistra, la costruzione di una basilica, probabile riferimento all'impresa della ricostruzione della basilica vaticana.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Esplora la La Chiesa militante sulla Descrizione di questa opera d'arte, Disputa_del_Sacramento.

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare (ai cui servigi Raffaello doveva forse la venuta a Roma), san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.A destra si vedono sant'Ambrogio, seduto con lo sguardo rivolto all'alto, sant'Agostino, seduto che detta, san Tommaso d'Aquino (dietro il vescovo), Innocenzo III e san Bonaventura (il nome è iscritto nell'aureola); seguono Sisto IV, con un piviale dorato e il De sanguine Christi ai piedi, Dante Alighieri, alle sue spalle con la corona d'alloro. Questo è il volto di Dante che si trova sulla moneta da due euro. Più dietro, seminascosto e con un cappuccio scuro ci sarebbe l'allora controversa figura del Savonarola: il suo inserimento è forse una presa di posizione anti-Borgia (fu scomunicato, infatti, da Alessandro VI) e una sorta di riabilitazione per il suo tentativo di moralizzare Firenze.Dietro i personaggi di destra si trova un enorme blocco marmoreo, che forse allude alla "pietra angolare", nonché al progetto di ricostruzione della basilica vaticana avviato proprio in quegli anni dal pontefice.Per mantenere la simmetria, sull'architrave della porta che si apre a destra Raffaello immaginò un parapetto con un bassorilievo scolpito, che corrisponde sull'altro lato a una balaustra.Sullo sfondo si stende un dolce paesaggio collinare, in cui si vede, a sinistra, la costruzione di una basilica, probabile riferimento all'impresa della ricostruzione della basilica vaticana.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: In Disputa_del_Sacramento, come viene chiarita la La Chiesa militante della Descrizione?

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare (ai cui servigi Raffaello doveva forse la venuta a Roma), san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.A destra si vedono sant'Ambrogio, seduto con lo sguardo rivolto all'alto, sant'Agostino, seduto che detta, san Tommaso d'Aquino (dietro il vescovo), Innocenzo III e san Bonaventura (il nome è iscritto nell'aureola); seguono Sisto IV, con un piviale dorato e il De sanguine Christi ai piedi, Dante Alighieri, alle sue spalle con la corona d'alloro. Questo è il volto di Dante che si trova sulla moneta da due euro. Più dietro, seminascosto e con un cappuccio scuro ci sarebbe l'allora controversa figura del Savonarola: il suo inserimento è forse una presa di posizione anti-Borgia (fu scomunicato, infatti, da Alessandro VI) e una sorta di riabilitazione per il suo tentativo di moralizzare Firenze.Dietro i personaggi di destra si trova un enorme blocco marmoreo, che forse allude alla "pietra angolare", nonché al progetto di ricostruzione della basilica vaticana avviato proprio in quegli anni dal pontefice.Per mantenere la simmetria, sull'architrave della porta che si apre a destra Raffaello immaginò un parapetto con un bassorilievo scolpito, che corrisponde sull'altro lato a una balaustra.Sullo sfondo si stende un dolce paesaggio collinare, in cui si vede, a sinistra, la costruzione di una basilica, probabile riferimento all'impresa della ricostruzione della basilica vaticana.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Descrivi le caratteristiche della La Chiesa militante nella Descrizione di Disputa_del_Sacramento.

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare (ai cui servigi Raffaello doveva forse la venuta a Roma), san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.A destra si vedono sant'Ambrogio, seduto con lo sguardo rivolto all'alto, sant'Agostino, seduto che detta, san Tommaso d'Aquino (dietro il vescovo), Innocenzo III e san Bonaventura (il nome è iscritto nell'aureola); seguono Sisto IV, con un piviale dorato e il De sanguine Christi ai piedi, Dante Alighieri, alle sue spalle con la corona d'alloro. Questo è il volto di Dante che si trova sulla moneta da due euro. Più dietro, seminascosto e con un cappuccio scuro ci sarebbe l'allora controversa figura del Savonarola: il suo inserimento è forse una presa di posizione anti-Borgia (fu scomunicato, infatti, da Alessandro VI) e una sorta di riabilitazione per il suo tentativo di moralizzare Firenze.Dietro i personaggi di destra si trova un enorme blocco marmoreo, che forse allude alla "pietra angolare", nonché al progetto di ricostruzione della basilica vaticana avviato proprio in quegli anni dal pontefice.Per mantenere la simmetria, sull'architrave della porta che si apre a destra Raffaello immaginò un parapetto con un bassorilievo scolpito, che corrisponde sull'altro lato a una balaustra.Sullo sfondo si stende un dolce paesaggio collinare, in cui si vede, a sinistra, la costruzione di una basilica, probabile riferimento all'impresa della ricostruzione della basilica vaticana.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Concentrati su Disputa_del_Sacramento ed esplora la Stile.

Raffaello trasformò la parata di teologi da una semplice galleria di ritratti, come avevano fatto prima di lui ad esempio Perugino e Pinturicchio, a un vero e proprio consesso, in cui i personaggi sono colti in un'azione generale. Lo studio dei numerosi disegni preparatori permette infatti di osservare una progressiva accentuazione della gestualità e del calore emozionale dei personaggi, coordinati comunque da un punto focale, che è rappresentato dall'ostia consacrata sopra l'altare, verso cui convergono tutte le linee prospettiche. Il mistero dell'eucaristia è infatti il miracolo per eccellenza, che lega cielo e terra.Il tema viene così ad essere rappresentato tramite azioni, in maniera del tutto naturale e diretta. Al posto delle rappresentazioni ermetiche dei suoi predecessori, Raffaello creò scene che dovevano apparire concrete ed eloquenti, familiari grazie alla straordinaria padronanza del mezzo pittorico.La struttura è semplice e armonica, a cui Raffaello arrivò dopo numerosi studi, con riflessioni ed esitazioni, come testimoniano gli studi. Nel dipinto domina la circolarità: dalla particola e nell'ostensorio, che è punto di fuga prospettico, oggetto della disputa e fulcro del mistero eucaristico, si spande una serie di cerchi concentrici che ordina la disposizione dei due gruppi. Il cerchio, forma divina per eccellenza, appare inoltre lungo l'asse centrale del dipinto, quella dove si allinea la Trinità e l'ostia: si vede nel nimbo della colomba, nel trono su cui siede Cristo e nell'aura attorno a Dio Padre.La metà superiore è più tranquilla e serena, impostata a quella solennità di forme grandiose e possenti, quasi immote, già usate dall'artista nell'affresco della cappella di San Severo a Perugia e a loro volta derivate probabilmente da Fra Bartolomeo e l'esempio del suo Giudizio Universale, ripreso però con maggiore monumentalità. Più animata è la parte inferiore. È chiaro che santi e apostoli, che sono saliti in cielo e stanno alla presenza di Dio, siano illuminati e rasserenati dalla sua presenza, a differenza di coloro che, ancora in vita, seppure vivano da buoni cristiani, hanno ancora viva sete di conoscenza e quella inquietudo che è di ogni essere umano non ricongiuntosi a Dio. A tale proposito Raffaello riprese idee già proprie della filosofia platonica ma soprattutto neoplatonica (Sant'Agostino e Plotino); spesso il pittore si era confrontato con il pensiero di queste scuole filosofiche durante la sua formazione giovanile, soprattutto a Firenze.Echi leonardeschi sono ravvisabili in più figure, sia come atteggiamenti che come tipi fisici, come il presunto Francesco Maria della Rovere (che Arslan attribuiva al Sodoma) o il motivo ornamentale a nodi del paliotto dell'altare, che ricorda gli intrecci vegetali della Sala delle Asse a Milano.Le singole figure sono rigorosamente subordinate all'insieme, sia per rispettare il bilanciamento simmetrico dei gruppi, sia per rappresentare l'universo gerarchicamente ordinato della Chiesa e la coralità dello slancio verso l'adorazione. L'affresco diventa così la rappresentazione palpitante della Civitas Dei, alla presenza dei fondatori divini e umani della Chiesa.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Esplora la Stile di questa opera d'arte, Disputa_del_Sacramento.

Raffaello trasformò la parata di teologi da una semplice galleria di ritratti, come avevano fatto prima di lui ad esempio Perugino e Pinturicchio, a un vero e proprio consesso, in cui i personaggi sono colti in un'azione generale. Lo studio dei numerosi disegni preparatori permette infatti di osservare una progressiva accentuazione della gestualità e del calore emozionale dei personaggi, coordinati comunque da un punto focale, che è rappresentato dall'ostia consacrata sopra l'altare, verso cui convergono tutte le linee prospettiche. Il mistero dell'eucaristia è infatti il miracolo per eccellenza, che lega cielo e terra.Il tema viene così ad essere rappresentato tramite azioni, in maniera del tutto naturale e diretta. Al posto delle rappresentazioni ermetiche dei suoi predecessori, Raffaello creò scene che dovevano apparire concrete ed eloquenti, familiari grazie alla straordinaria padronanza del mezzo pittorico.La struttura è semplice e armonica, a cui Raffaello arrivò dopo numerosi studi, con riflessioni ed esitazioni, come testimoniano gli studi. Nel dipinto domina la circolarità: dalla particola e nell'ostensorio, che è punto di fuga prospettico, oggetto della disputa e fulcro del mistero eucaristico, si spande una serie di cerchi concentrici che ordina la disposizione dei due gruppi. Il cerchio, forma divina per eccellenza, appare inoltre lungo l'asse centrale del dipinto, quella dove si allinea la Trinità e l'ostia: si vede nel nimbo della colomba, nel trono su cui siede Cristo e nell'aura attorno a Dio Padre.La metà superiore è più tranquilla e serena, impostata a quella solennità di forme grandiose e possenti, quasi immote, già usate dall'artista nell'affresco della cappella di San Severo a Perugia e a loro volta derivate probabilmente da Fra Bartolomeo e l'esempio del suo Giudizio Universale, ripreso però con maggiore monumentalità. Più animata è la parte inferiore. È chiaro che santi e apostoli, che sono saliti in cielo e stanno alla presenza di Dio, siano illuminati e rasserenati dalla sua presenza, a differenza di coloro che, ancora in vita, seppure vivano da buoni cristiani, hanno ancora viva sete di conoscenza e quella inquietudo che è di ogni essere umano non ricongiuntosi a Dio. A tale proposito Raffaello riprese idee già proprie della filosofia platonica ma soprattutto neoplatonica (Sant'Agostino e Plotino); spesso il pittore si era confrontato con il pensiero di queste scuole filosofiche durante la sua formazione giovanile, soprattutto a Firenze.Echi leonardeschi sono ravvisabili in più figure, sia come atteggiamenti che come tipi fisici, come il presunto Francesco Maria della Rovere (che Arslan attribuiva al Sodoma) o il motivo ornamentale a nodi del paliotto dell'altare, che ricorda gli intrecci vegetali della Sala delle Asse a Milano.Le singole figure sono rigorosamente subordinate all'insieme, sia per rispettare il bilanciamento simmetrico dei gruppi, sia per rappresentare l'universo gerarchicamente ordinato della Chiesa e la coralità dello slancio verso l'adorazione. L'affresco diventa così la rappresentazione palpitante della Civitas Dei, alla presenza dei fondatori divini e umani della Chiesa.

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Disputa_del_Sacramento

Prompt: Come chiarisce Disputa_del_Sacramento la sua Stile?

Raffaello trasformò la parata di teologi da una semplice galleria di ritratti, come avevano fatto prima di lui ad esempio Perugino e Pinturicchio, a un vero e proprio consesso, in cui i personaggi sono colti in un'azione generale. Lo studio dei numerosi disegni preparatori permette infatti di osservare una progressiva accentuazione della gestualità e del calore emozionale dei personaggi, coordinati comunque da un punto focale, che è rappresentato dall'ostia consacrata sopra l'altare, verso cui convergono tutte le linee prospettiche. Il mistero dell'eucaristia è infatti il miracolo per eccellenza, che lega cielo e terra.Il tema viene così ad essere rappresentato tramite azioni, in maniera del tutto naturale e diretta. Al posto delle rappresentazioni ermetiche dei suoi predecessori, Raffaello creò scene che dovevano apparire concrete ed eloquenti, familiari grazie alla straordinaria padronanza del mezzo pittorico.La struttura è semplice e armonica, a cui Raffaello arrivò dopo numerosi studi, con riflessioni ed esitazioni, come testimoniano gli studi. Nel dipinto domina la circolarità: dalla particola e nell'ostensorio, che è punto di fuga prospettico, oggetto della disputa e fulcro del mistero eucaristico, si spande una serie di cerchi concentrici che ordina la disposizione dei due gruppi. Il cerchio, forma divina per eccellenza, appare inoltre lungo l'asse centrale del dipinto, quella dove si allinea la Trinità e l'ostia: si vede nel nimbo della colomba, nel trono su cui siede Cristo e nell'aura attorno a Dio Padre.La metà superiore è più tranquilla e serena, impostata a quella solennità di forme grandiose e possenti, quasi immote, già usate dall'artista nell'affresco della cappella di San Severo a Perugia e a loro volta derivate probabilmente da Fra Bartolomeo e l'esempio del suo Giudizio Universale, ripreso però con maggiore monumentalità. Più animata è la parte inferiore. È chiaro che santi e apostoli, che sono saliti in cielo e stanno alla presenza di Dio, siano illuminati e rasserenati dalla sua presenza, a differenza di coloro che, ancora in vita, seppure vivano da buoni cristiani, hanno ancora viva sete di conoscenza e quella inquietudo che è di ogni essere umano non ricongiuntosi a Dio. A tale proposito Raffaello riprese idee già proprie della filosofia platonica ma soprattutto neoplatonica (Sant'Agostino e Plotino); spesso il pittore si era confrontato con il pensiero di queste scuole filosofiche durante la sua formazione giovanile, soprattutto a Firenze.Echi leonardeschi sono ravvisabili in più figure, sia come atteggiamenti che come tipi fisici, come il presunto Francesco Maria della Rovere (che Arslan attribuiva al Sodoma) o il motivo ornamentale a nodi del paliotto dell'altare, che ricorda gli intrecci vegetali della Sala delle Asse a Milano.Le singole figure sono rigorosamente subordinate all'insieme, sia per rispettare il bilanciamento simmetrico dei gruppi, sia per rappresentare l'universo gerarchicamente ordinato della Chiesa e la coralità dello slancio verso l'adorazione. L'affresco diventa così la rappresentazione palpitante della Civitas Dei, alla presenza dei fondatori divini e umani della Chiesa.

File:Raffaello, Studio per la Disputa del Sacramento.jpg

''Studio per la Disputa del Sacramento'', [[Windsor Castle

File:Raffaello, Disputa, dettaglio Dante, Stanza della Signatura, Palazzo Pontifici, Vaticano.jpg


Disputa_del_Sacramento

Prompt: Come viene discussa la Stile in Disputa_del_Sacramento?

Raffaello trasformò la parata di teologi da una semplice galleria di ritratti, come avevano fatto prima di lui ad esempio Perugino e Pinturicchio, a un vero e proprio consesso, in cui i personaggi sono colti in un'azione generale. Lo studio dei numerosi disegni preparatori permette infatti di osservare una progressiva accentuazione della gestualità e del calore emozionale dei personaggi, coordinati comunque da un punto focale, che è rappresentato dall'ostia consacrata sopra l'altare, verso cui convergono tutte le linee prospettiche. Il mistero dell'eucaristia è infatti il miracolo per eccellenza, che lega cielo e terra.Il tema viene così ad essere rappresentato tramite azioni, in maniera del tutto naturale e diretta. Al posto delle rappresentazioni ermetiche dei suoi predecessori, Raffaello creò scene che dovevano apparire concrete ed eloquenti, familiari grazie alla straordinaria padronanza del mezzo pittorico.La struttura è semplice e armonica, a cui Raffaello arrivò dopo numerosi studi, con riflessioni ed esitazioni, come testimoniano gli studi. Nel dipinto domina la circolarità: dalla particola e nell'ostensorio, che è punto di fuga prospettico, oggetto della disputa e fulcro del mistero eucaristico, si spande una serie di cerchi concentrici che ordina la disposizione dei due gruppi. Il cerchio, forma divina per eccellenza, appare inoltre lungo l'asse centrale del dipinto, quella dove si allinea la Trinità e l'ostia: si vede nel nimbo della colomba, nel trono su cui siede Cristo e nell'aura attorno a Dio Padre.La metà superiore è più tranquilla e serena, impostata a quella solennità di forme grandiose e possenti, quasi immote, già usate dall'artista nell'affresco della cappella di San Severo a Perugia e a loro volta derivate probabilmente da Fra Bartolomeo e l'esempio del suo Giudizio Universale, ripreso però con maggiore monumentalità. Più animata è la parte inferiore. È chiaro che santi e apostoli, che sono saliti in cielo e stanno alla presenza di Dio, siano illuminati e rasserenati dalla sua presenza, a differenza di coloro che, ancora in vita, seppure vivano da buoni cristiani, hanno ancora viva sete di conoscenza e quella inquietudo che è di ogni essere umano non ricongiuntosi a Dio. A tale proposito Raffaello riprese idee già proprie della filosofia platonica ma soprattutto neoplatonica (Sant'Agostino e Plotino); spesso il pittore si era confrontato con il pensiero di queste scuole filosofiche durante la sua formazione giovanile, soprattutto a Firenze.Echi leonardeschi sono ravvisabili in più figure, sia come atteggiamenti che come tipi fisici, come il presunto Francesco Maria della Rovere (che Arslan attribuiva al Sodoma) o il motivo ornamentale a nodi del paliotto dell'altare, che ricorda gli intrecci vegetali della Sala delle Asse a Milano.Le singole figure sono rigorosamente subordinate all'insieme, sia per rispettare il bilanciamento simmetrico dei gruppi, sia per rappresentare l'universo gerarchicamente ordinato della Chiesa e la coralità dello slancio verso l'adorazione. L'affresco diventa così la rappresentazione palpitante della Civitas Dei, alla presenza dei fondatori divini e umani della Chiesa.

File:Raffaello, Studio per la Disputa del Sacramento.jpg

''Studio per la Disputa del Sacramento'', [[Windsor Castle

File:Raffaello, Disputa, dettaglio Dante, Stanza della Signatura, Palazzo Pontifici, Vaticano.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la abstract.

La Madonna della Seggiola è un dipinto a olio su tavola (diametro 71 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.Insieme alla precedente Madonna Sistina, è una delle due sole Madonne raffaellesche in cui Maria guarda direttamente negli occhi dello spettatore . È convenzionalmente considerata la prima opera in cui si usa consapevolmente il formato del tondo per scelta dell'artista e non per usi pratici (come nei deschi da parto) o per richiesta della committenza (come per il Tondo Doni).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

La Madonna della Seggiola è un dipinto a olio su tavola (diametro 71 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.Insieme alla precedente Madonna Sistina, è una delle due sole Madonne raffaellesche in cui Maria guarda direttamente negli occhi dello spettatore . È convenzionalmente considerata la prima opera in cui si usa consapevolmente il formato del tondo per scelta dell'artista e non per usi pratici (come nei deschi da parto) o per richiesta della committenza (come per il Tondo Doni).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua abstract?

La Madonna della Seggiola è un dipinto a olio su tavola (diametro 71 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.Insieme alla precedente Madonna Sistina, è una delle due sole Madonne raffaellesche in cui Maria guarda direttamente negli occhi dello spettatore . È convenzionalmente considerata la prima opera in cui si usa consapevolmente il formato del tondo per scelta dell'artista e non per usi pratici (come nei deschi da parto) o per richiesta della committenza (come per il Tondo Doni).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madonna_della_Seggiola?

La Madonna della Seggiola è un dipinto a olio su tavola (diametro 71 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.Insieme alla precedente Madonna Sistina, è una delle due sole Madonne raffaellesche in cui Maria guarda direttamente negli occhi dello spettatore . È convenzionalmente considerata la prima opera in cui si usa consapevolmente il formato del tondo per scelta dell'artista e non per usi pratici (come nei deschi da parto) o per richiesta della committenza (come per il Tondo Doni).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la Storia.

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola. La presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove (1771) e poi in quella di Marte (1793). Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo.La datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola. La presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove (1771) e poi in quella di Marte (1793). Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo.La datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua Storia?

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola. La presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove (1771) e poi in quella di Marte (1793). Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo.La datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_della_Seggiola?

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola. La presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove (1771) e poi in quella di Marte (1793). Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo.La datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la Descrizione.

L'opera prende il nome dalla sedia camerale su cui è seduta Maria con in braccio il Bambino: entrambi si voltano verso lo spettatore, ma mentre Maria rivolge lo sguardo dritta davanti a sé, il Bambino sembra traguardare verso un punto più lontano. Assiste alla scena san Giovannino, a destra, che affiora dallo sfondo scuro e rivolge un gesto di preghiera a Maria.Per tenere in braccio il Bambino, la Madonna solleva una delle due gambe, coperte da un drappo azzurro, scivolando quasi in avanti: in questo modo il corpo di Maria assume una posizione tale da generare un ritmo visivo circolare che sembra suggerire il dondolio del cullare. Essa china il capo verso il figlio, facendo toccare le due teste, e creando una situazione di intima dolcezza familiare. Dietro la bellezza formale vi è uno schema compositivo geometrico molto complesso, basato su curve e controcurve in rapporto fra loro e con la circolarità del supporto.Estremamente curati sono i dettagli, che ne fanno un'opera di grande ricercatezza formale. Dal brillare delle frange dorate sullo schienale della sedia, ai ricami sullo scialle verde orientale della Vergine, fino allo studiato accostamento di colori caldi nel centro del dipinto e freddi sui bordi. La sua grande ricchezza visiva fanno dell'opera «indubbiamente uno dei maggiori capolavori dell'arte rinascimentale».

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

L'opera prende il nome dalla sedia camerale su cui è seduta Maria con in braccio il Bambino: entrambi si voltano verso lo spettatore, ma mentre Maria rivolge lo sguardo dritta davanti a sé, il Bambino sembra traguardare verso un punto più lontano. Assiste alla scena san Giovannino, a destra, che affiora dallo sfondo scuro e rivolge un gesto di preghiera a Maria.Per tenere in braccio il Bambino, la Madonna solleva una delle due gambe, coperte da un drappo azzurro, scivolando quasi in avanti: in questo modo il corpo di Maria assume una posizione tale da generare un ritmo visivo circolare che sembra suggerire il dondolio del cullare. Essa china il capo verso il figlio, facendo toccare le due teste, e creando una situazione di intima dolcezza familiare. Dietro la bellezza formale vi è uno schema compositivo geometrico molto complesso, basato su curve e controcurve in rapporto fra loro e con la circolarità del supporto.Estremamente curati sono i dettagli, che ne fanno un'opera di grande ricercatezza formale. Dal brillare delle frange dorate sullo schienale della sedia, ai ricami sullo scialle verde orientale della Vergine, fino allo studiato accostamento di colori caldi nel centro del dipinto e freddi sui bordi. La sua grande ricchezza visiva fanno dell'opera «indubbiamente uno dei maggiori capolavori dell'arte rinascimentale».

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua Descrizione?

L'opera prende il nome dalla sedia camerale su cui è seduta Maria con in braccio il Bambino: entrambi si voltano verso lo spettatore, ma mentre Maria rivolge lo sguardo dritta davanti a sé, il Bambino sembra traguardare verso un punto più lontano. Assiste alla scena san Giovannino, a destra, che affiora dallo sfondo scuro e rivolge un gesto di preghiera a Maria.Per tenere in braccio il Bambino, la Madonna solleva una delle due gambe, coperte da un drappo azzurro, scivolando quasi in avanti: in questo modo il corpo di Maria assume una posizione tale da generare un ritmo visivo circolare che sembra suggerire il dondolio del cullare. Essa china il capo verso il figlio, facendo toccare le due teste, e creando una situazione di intima dolcezza familiare. Dietro la bellezza formale vi è uno schema compositivo geometrico molto complesso, basato su curve e controcurve in rapporto fra loro e con la circolarità del supporto.Estremamente curati sono i dettagli, che ne fanno un'opera di grande ricercatezza formale. Dal brillare delle frange dorate sullo schienale della sedia, ai ricami sullo scialle verde orientale della Vergine, fino allo studiato accostamento di colori caldi nel centro del dipinto e freddi sui bordi. La sua grande ricchezza visiva fanno dell'opera «indubbiamente uno dei maggiori capolavori dell'arte rinascimentale».

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Madonna_della_Seggiola?

L'opera prende il nome dalla sedia camerale su cui è seduta Maria con in braccio il Bambino: entrambi si voltano verso lo spettatore, ma mentre Maria rivolge lo sguardo dritta davanti a sé, il Bambino sembra traguardare verso un punto più lontano. Assiste alla scena san Giovannino, a destra, che affiora dallo sfondo scuro e rivolge un gesto di preghiera a Maria.Per tenere in braccio il Bambino, la Madonna solleva una delle due gambe, coperte da un drappo azzurro, scivolando quasi in avanti: in questo modo il corpo di Maria assume una posizione tale da generare un ritmo visivo circolare che sembra suggerire il dondolio del cullare. Essa china il capo verso il figlio, facendo toccare le due teste, e creando una situazione di intima dolcezza familiare. Dietro la bellezza formale vi è uno schema compositivo geometrico molto complesso, basato su curve e controcurve in rapporto fra loro e con la circolarità del supporto.Estremamente curati sono i dettagli, che ne fanno un'opera di grande ricercatezza formale. Dal brillare delle frange dorate sullo schienale della sedia, ai ricami sullo scialle verde orientale della Vergine, fino allo studiato accostamento di colori caldi nel centro del dipinto e freddi sui bordi. La sua grande ricchezza visiva fanno dell'opera «indubbiamente uno dei maggiori capolavori dell'arte rinascimentale».

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la Aneddoti.

Secondo una curiosa leggenda, il quadro raffigurerebbe la figlia di un vinaio ed i suoi figli. Si narra che la ragazza, che viveva in una località sperduta dell' Appennino, soccorse un eremita che si era rifugiato su una quercia lì vicino per sfuggire ad un branco di  lupi, riuscendo a metterli in fuga. Il sant'uomo, grato per la salvezza, benedisse sia lei che la quercia, predicendo che entrambe avrebbero, un giorno, conquistato l'immortalità. Alcuni anni dopo, la ragazza si sposò e divenne madre di due bimbi, e la quercia fu abbattuta dal vinaio che se ne servì per fabbricare  botti e  barili. Un giorno passò di lì Raffaello che, rimasto colpito dalla bellezza della madre e dei figli che giocavano con lei sulla porta di casa, e non avendo con sè tela e pennelli per ritrarli, li disegnò alla meglio con un carboncino sul fondo di una delle botti che si trovavano lì accanto -e che fu, quindi, il motivo della composizione "a tondo". Così, secondo la predizione dell'eremita, tanto la giovane come la quercia, da cui era stata ricavata la botte, raggiunsero l'immortalità attraverso l'opera del grande pittore.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la Aneddoti di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

Secondo una curiosa leggenda, il quadro raffigurerebbe la figlia di un vinaio ed i suoi figli. Si narra che la ragazza, che viveva in una località sperduta dell' Appennino, soccorse un eremita che si era rifugiato su una quercia lì vicino per sfuggire ad un branco di  lupi, riuscendo a metterli in fuga. Il sant'uomo, grato per la salvezza, benedisse sia lei che la quercia, predicendo che entrambe avrebbero, un giorno, conquistato l'immortalità. Alcuni anni dopo, la ragazza si sposò e divenne madre di due bimbi, e la quercia fu abbattuta dal vinaio che se ne servì per fabbricare  botti e  barili. Un giorno passò di lì Raffaello che, rimasto colpito dalla bellezza della madre e dei figli che giocavano con lei sulla porta di casa, e non avendo con sè tela e pennelli per ritrarli, li disegnò alla meglio con un carboncino sul fondo di una delle botti che si trovavano lì accanto -e che fu, quindi, il motivo della composizione "a tondo". Così, secondo la predizione dell'eremita, tanto la giovane come la quercia, da cui era stata ricavata la botte, raggiunsero l'immortalità attraverso l'opera del grande pittore.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua Aneddoti?

Secondo una curiosa leggenda, il quadro raffigurerebbe la figlia di un vinaio ed i suoi figli. Si narra che la ragazza, che viveva in una località sperduta dell' Appennino, soccorse un eremita che si era rifugiato su una quercia lì vicino per sfuggire ad un branco di  lupi, riuscendo a metterli in fuga. Il sant'uomo, grato per la salvezza, benedisse sia lei che la quercia, predicendo che entrambe avrebbero, un giorno, conquistato l'immortalità. Alcuni anni dopo, la ragazza si sposò e divenne madre di due bimbi, e la quercia fu abbattuta dal vinaio che se ne servì per fabbricare  botti e  barili. Un giorno passò di lì Raffaello che, rimasto colpito dalla bellezza della madre e dei figli che giocavano con lei sulla porta di casa, e non avendo con sè tela e pennelli per ritrarli, li disegnò alla meglio con un carboncino sul fondo di una delle botti che si trovavano lì accanto -e che fu, quindi, il motivo della composizione "a tondo". Così, secondo la predizione dell'eremita, tanto la giovane come la quercia, da cui era stata ricavata la botte, raggiunsero l'immortalità attraverso l'opera del grande pittore.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la Aneddoti in Madonna_della_Seggiola?

Secondo una curiosa leggenda, il quadro raffigurerebbe la figlia di un vinaio ed i suoi figli. Si narra che la ragazza, che viveva in una località sperduta dell' Appennino, soccorse un eremita che si era rifugiato su una quercia lì vicino per sfuggire ad un branco di  lupi, riuscendo a metterli in fuga. Il sant'uomo, grato per la salvezza, benedisse sia lei che la quercia, predicendo che entrambe avrebbero, un giorno, conquistato l'immortalità. Alcuni anni dopo, la ragazza si sposò e divenne madre di due bimbi, e la quercia fu abbattuta dal vinaio che se ne servì per fabbricare  botti e  barili. Un giorno passò di lì Raffaello che, rimasto colpito dalla bellezza della madre e dei figli che giocavano con lei sulla porta di casa, e non avendo con sè tela e pennelli per ritrarli, li disegnò alla meglio con un carboncino sul fondo di una delle botti che si trovavano lì accanto -e che fu, quindi, il motivo della composizione "a tondo". Così, secondo la predizione dell'eremita, tanto la giovane come la quercia, da cui era stata ricavata la botte, raggiunsero l'immortalità attraverso l'opera del grande pittore.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la Riferimenti nell'arte.

L'opera appare citata in maniera più o meno esplicita in vari dipinti di Jean-Auguste-Dominique Ingres, grande ammiratore di Raffaello, e in particolare in Raffaello e la Fornarina, appesa sul muro in fondo, e in Napoleone I sul trono imperiale, in cui il dipinto appare ricamato sul tappeto a rappresentare il segno zodiacale della Vergine.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la Riferimenti nell'arte di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

L'opera appare citata in maniera più o meno esplicita in vari dipinti di Jean-Auguste-Dominique Ingres, grande ammiratore di Raffaello, e in particolare in Raffaello e la Fornarina, appesa sul muro in fondo, e in Napoleone I sul trono imperiale, in cui il dipinto appare ricamato sul tappeto a rappresentare il segno zodiacale della Vergine.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua Riferimenti nell'arte?

L'opera appare citata in maniera più o meno esplicita in vari dipinti di Jean-Auguste-Dominique Ingres, grande ammiratore di Raffaello, e in particolare in Raffaello e la Fornarina, appesa sul muro in fondo, e in Napoleone I sul trono imperiale, in cui il dipinto appare ricamato sul tappeto a rappresentare il segno zodiacale della Vergine.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la Riferimenti nell'arte in Madonna_della_Seggiola?

L'opera appare citata in maniera più o meno esplicita in vari dipinti di Jean-Auguste-Dominique Ingres, grande ammiratore di Raffaello, e in particolare in Raffaello e la Fornarina, appesa sul muro in fondo, e in Napoleone I sul trono imperiale, in cui il dipinto appare ricamato sul tappeto a rappresentare il segno zodiacale della Vergine.

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Concentrati su Madonna_della_Seggiola ed esplora la Riferimenti in letteratura.

Attorno a questo dipinto ruota la vicenda del racconto breve di Henry James "La Madonna del futuro" (contenuto nel volume Racconti Italiani, edito da Einaudi).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

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Madonna_della_Seggiola

Prompt: Esplora la Riferimenti in letteratura di questa opera d'arte, Madonna_della_Seggiola.

Attorno a questo dipinto ruota la vicenda del racconto breve di Henry James "La Madonna del futuro" (contenuto nel volume Racconti Italiani, edito da Einaudi).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come chiarisce Madonna_della_Seggiola la sua Riferimenti in letteratura?

Attorno a questo dipinto ruota la vicenda del racconto breve di Henry James "La Madonna del futuro" (contenuto nel volume Racconti Italiani, edito da Einaudi).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

File:Raffaello, madonna della tenda 01.jpg

File:Cornice a decorazioni floreali con miniatura della Madonna della Seggiola.jpg


Madonna_della_Seggiola

Prompt: Come viene discussa la Riferimenti in letteratura in Madonna_della_Seggiola?

Attorno a questo dipinto ruota la vicenda del racconto breve di Henry James "La Madonna del futuro" (contenuto nel volume Racconti Italiani, edito da Einaudi).

Giovanni Battista nelle arti#Il "San Giovannino"

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

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Sposa_ebrea

Prompt: Concentrati su Sposa_ebrea ed esplora la abstract.

La sposa ebrea (Isacco e Rebecca) è un dipinto a olio su tela (121,5x166,5 cm) realizzato nel 1666 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Sposa_ebrea.

La sposa ebrea (Isacco e Rebecca) è un dipinto a olio su tela (121,5x166,5 cm) realizzato nel 1666 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come chiarisce Sposa_ebrea la sua abstract?

La sposa ebrea (Isacco e Rebecca) è un dipinto a olio su tela (121,5x166,5 cm) realizzato nel 1666 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come viene discussa la abstract in Sposa_ebrea?

La sposa ebrea (Isacco e Rebecca) è un dipinto a olio su tela (121,5x166,5 cm) realizzato nel 1666 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Concentrati su Sposa_ebrea ed esplora la Storia.

Il dipinto appartenne al banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi la donò alla città assieme alla Donna in azzurro che legge una lettera. Oggi è conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Sposa_ebrea.

Il dipinto appartenne al banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi la donò alla città assieme alla Donna in azzurro che legge una lettera. Oggi è conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come chiarisce Sposa_ebrea la sua Storia?

Il dipinto appartenne al banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi la donò alla città assieme alla Donna in azzurro che legge una lettera. Oggi è conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come viene discussa la Storia in Sposa_ebrea?

Il dipinto appartenne al banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi la donò alla città assieme alla Donna in azzurro che legge una lettera. Oggi è conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Concentrati su Sposa_ebrea ed esplora la L'opera.

L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 16(..)".Il quadro raffigura un uomo che stringe a sé una donna, in un abbraccio molto intimo, che sembra suggerire un legame amoroso tra i due. Il soggetto è ambiguo e si presta a varie interpretazioni. Nel 1834, l'allora proprietario del dipinto, John Smith, identificò il soggetto come un Augurio di compleanno rivolto dall'uomo alla donna. Il successivo proprietario, invece, un collezionista di Amsterdam, identificò la donna come una sposa ebrea adornata dal padre (sic!) di una collana. Successivamente l'attenzione si è spostata verso un tema biblico, proponendo l'identificazione dei due personaggi con Sara e Tobia, Booz e Ruth, Giacobbe e Rachele, Giuda e Tamar, infine Isacco e Rebecca. Quest'ultima interpretazione si basa anche sul fatto che la fonte a cui si ispirò l'artista è un'opera di Raffaello in cui si narra l'episodio in cui Isacco e sua moglie Rebecca, al tempo in cui fingevano di essere fratello e sorella, furono scoperti amanti dal re Abimelech, l'uomo che nel quadro li spia.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Esplora la L'opera di questa opera d'arte, Sposa_ebrea.

L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 16(..)".Il quadro raffigura un uomo che stringe a sé una donna, in un abbraccio molto intimo, che sembra suggerire un legame amoroso tra i due. Il soggetto è ambiguo e si presta a varie interpretazioni. Nel 1834, l'allora proprietario del dipinto, John Smith, identificò il soggetto come un Augurio di compleanno rivolto dall'uomo alla donna. Il successivo proprietario, invece, un collezionista di Amsterdam, identificò la donna come una sposa ebrea adornata dal padre (sic!) di una collana. Successivamente l'attenzione si è spostata verso un tema biblico, proponendo l'identificazione dei due personaggi con Sara e Tobia, Booz e Ruth, Giacobbe e Rachele, Giuda e Tamar, infine Isacco e Rebecca. Quest'ultima interpretazione si basa anche sul fatto che la fonte a cui si ispirò l'artista è un'opera di Raffaello in cui si narra l'episodio in cui Isacco e sua moglie Rebecca, al tempo in cui fingevano di essere fratello e sorella, furono scoperti amanti dal re Abimelech, l'uomo che nel quadro li spia.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come chiarisce Sposa_ebrea la sua L'opera?

L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 16(..)".Il quadro raffigura un uomo che stringe a sé una donna, in un abbraccio molto intimo, che sembra suggerire un legame amoroso tra i due. Il soggetto è ambiguo e si presta a varie interpretazioni. Nel 1834, l'allora proprietario del dipinto, John Smith, identificò il soggetto come un Augurio di compleanno rivolto dall'uomo alla donna. Il successivo proprietario, invece, un collezionista di Amsterdam, identificò la donna come una sposa ebrea adornata dal padre (sic!) di una collana. Successivamente l'attenzione si è spostata verso un tema biblico, proponendo l'identificazione dei due personaggi con Sara e Tobia, Booz e Ruth, Giacobbe e Rachele, Giuda e Tamar, infine Isacco e Rebecca. Quest'ultima interpretazione si basa anche sul fatto che la fonte a cui si ispirò l'artista è un'opera di Raffaello in cui si narra l'episodio in cui Isacco e sua moglie Rebecca, al tempo in cui fingevano di essere fratello e sorella, furono scoperti amanti dal re Abimelech, l'uomo che nel quadro li spia.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Sposa_ebrea

Prompt: Come viene discussa la L'opera in Sposa_ebrea?

L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 16(..)".Il quadro raffigura un uomo che stringe a sé una donna, in un abbraccio molto intimo, che sembra suggerire un legame amoroso tra i due. Il soggetto è ambiguo e si presta a varie interpretazioni. Nel 1834, l'allora proprietario del dipinto, John Smith, identificò il soggetto come un Augurio di compleanno rivolto dall'uomo alla donna. Il successivo proprietario, invece, un collezionista di Amsterdam, identificò la donna come una sposa ebrea adornata dal padre (sic!) di una collana. Successivamente l'attenzione si è spostata verso un tema biblico, proponendo l'identificazione dei due personaggi con Sara e Tobia, Booz e Ruth, Giacobbe e Rachele, Giuda e Tamar, infine Isacco e Rebecca. Quest'ultima interpretazione si basa anche sul fatto che la fonte a cui si ispirò l'artista è un'opera di Raffaello in cui si narra l'episodio in cui Isacco e sua moglie Rebecca, al tempo in cui fingevano di essere fratello e sorella, furono scoperti amanti dal re Abimelech, l'uomo che nel quadro li spia.

Categoria:Dipinti nel Rijksmuseum di Amsterdam


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Concentrati su Danza_alla_musica_del_Tempo ed esplora la abstract.

La Danza alla musica del Tempo, anche noto con i titoli La danza della vita umana e La danza della Vita al suono del Tempo (La Danse de la vie humaine o Danse à la musique du Temps), è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1634 e il 1635 e conservato nella Collezione Wallace di Londra.Quando il dipinto venne venduto nel 1845 venne chiamato La Danse des Saisons, ou l'Image de la vie humaine (per questo motivo talvolta viene citato in italiano come La danza delle Stagioni alla musica del Tempo).

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Danza_alla_musica_del_Tempo.

La Danza alla musica del Tempo, anche noto con i titoli La danza della vita umana e La danza della Vita al suono del Tempo (La Danse de la vie humaine o Danse à la musique du Temps), è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1634 e il 1635 e conservato nella Collezione Wallace di Londra.Quando il dipinto venne venduto nel 1845 venne chiamato La Danse des Saisons, ou l'Image de la vie humaine (per questo motivo talvolta viene citato in italiano come La danza delle Stagioni alla musica del Tempo).

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come chiarisce Danza_alla_musica_del_Tempo la sua abstract?

La Danza alla musica del Tempo, anche noto con i titoli La danza della vita umana e La danza della Vita al suono del Tempo (La Danse de la vie humaine o Danse à la musique du Temps), è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1634 e il 1635 e conservato nella Collezione Wallace di Londra.Quando il dipinto venne venduto nel 1845 venne chiamato La Danse des Saisons, ou l'Image de la vie humaine (per questo motivo talvolta viene citato in italiano come La danza delle Stagioni alla musica del Tempo).

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come viene discussa la abstract in Danza_alla_musica_del_Tempo?

La Danza alla musica del Tempo, anche noto con i titoli La danza della vita umana e La danza della Vita al suono del Tempo (La Danse de la vie humaine o Danse à la musique du Temps), è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1634 e il 1635 e conservato nella Collezione Wallace di Londra.Quando il dipinto venne venduto nel 1845 venne chiamato La Danse des Saisons, ou l'Image de la vie humaine (per questo motivo talvolta viene citato in italiano come La danza delle Stagioni alla musica del Tempo).

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Concentrati su Danza_alla_musica_del_Tempo ed esplora la Storia.

Il dipinto venne realizzato per il cardinale Giulio Rospigliosi (futuro papa Clemente IX) su un tema da lui definito, secondo Gian Pietro Bellori. Nel 1806 il dipinto passò dalla collezione della famiglia Rospigliosi alla collezione di Joseph Fesch, quando venne portato in Francia. Insieme ad altri dipinti, venne acquistato da Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford nel 1845. Il dipinto venne poi ereditato dal figlio Sir Richard Wallace. Il quadro venne poi esposto alla Art Treasures Exhibition di Manchester del 1857.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Danza_alla_musica_del_Tempo.

Il dipinto venne realizzato per il cardinale Giulio Rospigliosi (futuro papa Clemente IX) su un tema da lui definito, secondo Gian Pietro Bellori. Nel 1806 il dipinto passò dalla collezione della famiglia Rospigliosi alla collezione di Joseph Fesch, quando venne portato in Francia. Insieme ad altri dipinti, venne acquistato da Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford nel 1845. Il dipinto venne poi ereditato dal figlio Sir Richard Wallace. Il quadro venne poi esposto alla Art Treasures Exhibition di Manchester del 1857.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come chiarisce Danza_alla_musica_del_Tempo la sua Storia?

Il dipinto venne realizzato per il cardinale Giulio Rospigliosi (futuro papa Clemente IX) su un tema da lui definito, secondo Gian Pietro Bellori. Nel 1806 il dipinto passò dalla collezione della famiglia Rospigliosi alla collezione di Joseph Fesch, quando venne portato in Francia. Insieme ad altri dipinti, venne acquistato da Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford nel 1845. Il dipinto venne poi ereditato dal figlio Sir Richard Wallace. Il quadro venne poi esposto alla Art Treasures Exhibition di Manchester del 1857.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come viene discussa la Storia in Danza_alla_musica_del_Tempo?

Il dipinto venne realizzato per il cardinale Giulio Rospigliosi (futuro papa Clemente IX) su un tema da lui definito, secondo Gian Pietro Bellori. Nel 1806 il dipinto passò dalla collezione della famiglia Rospigliosi alla collezione di Joseph Fesch, quando venne portato in Francia. Insieme ad altri dipinti, venne acquistato da Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford nel 1845. Il dipinto venne poi ereditato dal figlio Sir Richard Wallace. Il quadro venne poi esposto alla Art Treasures Exhibition di Manchester del 1857.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

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Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Concentrati su Danza_alla_musica_del_Tempo ed esplora la Descrizione.

Quattro figure che si tengono per mano danzano in cerchio, mentre il Tempo suona una lira alla loro destra. La scena è ambientata durante il mattino, dato che Aurora precede il carro solare di Apollo. Le Ore accompagnano il dio del sole, il quale regge un anello che simboleggia lo Zodiaco.Secondo Bellori, il soggetto venne definito da Rospigliosi. L'identificazione precisa dei quattro personaggi che danzano rimane incerta. Le quattro figure danzanti potrebbero rappresentare, partendo da quella vista di spalle: la Povertà, il Lavoro, la Ricchezza e il Piacere o il Lusso. Le figure rappresenterebbero un ciclo della vita umana che inizia e si conclude con la Povertà, passando per la Ricchezza e il Lusso. Se i personaggi fossero le quattro stagioni la Povertà sarebbe l'Autunno, il Lavoro l'Inverno e così via. L'ipotesi di Anthony Blunt, secondo la quale la Povertà/Autunno sarebbe un uomo, oggi viene accettata: il museo tuttavia lo identifica con Bacco. Questa identificazione richiama l'opera Les Dionysiaques di Boitet de Frauville, nella quale Giove, avendo ascoltato i lamenti delle Stagioni e del Tempo, diede al mondo Bacco e il suo vino per compensare le condizioni di vita miserabili dei mortali. André Félibien, amico e biografo di Poussin, descrisse il dipinto con le stesse parole, tranne per un punto: Bellori identificò l'Estate con il Lusso, mentre Félibien la identificò con il Piacere.Queste identificazioni sono contestate da Malcom Bull, almeno nel loro intento originale. Egli fa risalire l'iconografia del dipinto al poeta greco antico Nonno, rifacendosi all'Inno dell'Autunno di Pierre de Ronsard. La descrizione delle quattro stagioni di Nonno, tradotta in francese, è molto simile all'iconografia pussiniana: "A sinistra c'è la Primavera, con una ghirlanda di rose tra i capelli; dietro c'è l'Autunno, i cui capelli sono stati tagliati dai venti e la cui fronte è avvolta da dei rami di ulivo; poi viene l'Inverno, con i capelli raccolti ed il viso in penombra, e davanti c'è l'Estate, vestita di bianco con delle spighe di grano tra le trecce dei capelli." Lo stesso Bacco, con un volto giovane ed uno anziano, appare in un erma a sinistra. Secondo Bull, il Rospigliosi, che era un intellettuale ed un autore con un certo gusto per le allegorie, inventò l'altra interpretazione durante o dopo la realizzazione dell'opera, mentre per Ingamells Poussin non era eccessivamente interessato all'identificazione precisa delle figure.Sono presenti vari pentimenti, come la rimozione di un secondo albero a destra tra l'Inverno/Lavoro e il Tempo.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Danza_alla_musica_del_Tempo.

Quattro figure che si tengono per mano danzano in cerchio, mentre il Tempo suona una lira alla loro destra. La scena è ambientata durante il mattino, dato che Aurora precede il carro solare di Apollo. Le Ore accompagnano il dio del sole, il quale regge un anello che simboleggia lo Zodiaco.Secondo Bellori, il soggetto venne definito da Rospigliosi. L'identificazione precisa dei quattro personaggi che danzano rimane incerta. Le quattro figure danzanti potrebbero rappresentare, partendo da quella vista di spalle: la Povertà, il Lavoro, la Ricchezza e il Piacere o il Lusso. Le figure rappresenterebbero un ciclo della vita umana che inizia e si conclude con la Povertà, passando per la Ricchezza e il Lusso. Se i personaggi fossero le quattro stagioni la Povertà sarebbe l'Autunno, il Lavoro l'Inverno e così via. L'ipotesi di Anthony Blunt, secondo la quale la Povertà/Autunno sarebbe un uomo, oggi viene accettata: il museo tuttavia lo identifica con Bacco. Questa identificazione richiama l'opera Les Dionysiaques di Boitet de Frauville, nella quale Giove, avendo ascoltato i lamenti delle Stagioni e del Tempo, diede al mondo Bacco e il suo vino per compensare le condizioni di vita miserabili dei mortali. André Félibien, amico e biografo di Poussin, descrisse il dipinto con le stesse parole, tranne per un punto: Bellori identificò l'Estate con il Lusso, mentre Félibien la identificò con il Piacere.Queste identificazioni sono contestate da Malcom Bull, almeno nel loro intento originale. Egli fa risalire l'iconografia del dipinto al poeta greco antico Nonno, rifacendosi all'Inno dell'Autunno di Pierre de Ronsard. La descrizione delle quattro stagioni di Nonno, tradotta in francese, è molto simile all'iconografia pussiniana: "A sinistra c'è la Primavera, con una ghirlanda di rose tra i capelli; dietro c'è l'Autunno, i cui capelli sono stati tagliati dai venti e la cui fronte è avvolta da dei rami di ulivo; poi viene l'Inverno, con i capelli raccolti ed il viso in penombra, e davanti c'è l'Estate, vestita di bianco con delle spighe di grano tra le trecce dei capelli." Lo stesso Bacco, con un volto giovane ed uno anziano, appare in un erma a sinistra. Secondo Bull, il Rospigliosi, che era un intellettuale ed un autore con un certo gusto per le allegorie, inventò l'altra interpretazione durante o dopo la realizzazione dell'opera, mentre per Ingamells Poussin non era eccessivamente interessato all'identificazione precisa delle figure.Sono presenti vari pentimenti, come la rimozione di un secondo albero a destra tra l'Inverno/Lavoro e il Tempo.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come chiarisce Danza_alla_musica_del_Tempo la sua Descrizione?

Quattro figure che si tengono per mano danzano in cerchio, mentre il Tempo suona una lira alla loro destra. La scena è ambientata durante il mattino, dato che Aurora precede il carro solare di Apollo. Le Ore accompagnano il dio del sole, il quale regge un anello che simboleggia lo Zodiaco.Secondo Bellori, il soggetto venne definito da Rospigliosi. L'identificazione precisa dei quattro personaggi che danzano rimane incerta. Le quattro figure danzanti potrebbero rappresentare, partendo da quella vista di spalle: la Povertà, il Lavoro, la Ricchezza e il Piacere o il Lusso. Le figure rappresenterebbero un ciclo della vita umana che inizia e si conclude con la Povertà, passando per la Ricchezza e il Lusso. Se i personaggi fossero le quattro stagioni la Povertà sarebbe l'Autunno, il Lavoro l'Inverno e così via. L'ipotesi di Anthony Blunt, secondo la quale la Povertà/Autunno sarebbe un uomo, oggi viene accettata: il museo tuttavia lo identifica con Bacco. Questa identificazione richiama l'opera Les Dionysiaques di Boitet de Frauville, nella quale Giove, avendo ascoltato i lamenti delle Stagioni e del Tempo, diede al mondo Bacco e il suo vino per compensare le condizioni di vita miserabili dei mortali. André Félibien, amico e biografo di Poussin, descrisse il dipinto con le stesse parole, tranne per un punto: Bellori identificò l'Estate con il Lusso, mentre Félibien la identificò con il Piacere.Queste identificazioni sono contestate da Malcom Bull, almeno nel loro intento originale. Egli fa risalire l'iconografia del dipinto al poeta greco antico Nonno, rifacendosi all'Inno dell'Autunno di Pierre de Ronsard. La descrizione delle quattro stagioni di Nonno, tradotta in francese, è molto simile all'iconografia pussiniana: "A sinistra c'è la Primavera, con una ghirlanda di rose tra i capelli; dietro c'è l'Autunno, i cui capelli sono stati tagliati dai venti e la cui fronte è avvolta da dei rami di ulivo; poi viene l'Inverno, con i capelli raccolti ed il viso in penombra, e davanti c'è l'Estate, vestita di bianco con delle spighe di grano tra le trecce dei capelli." Lo stesso Bacco, con un volto giovane ed uno anziano, appare in un erma a sinistra. Secondo Bull, il Rospigliosi, che era un intellettuale ed un autore con un certo gusto per le allegorie, inventò l'altra interpretazione durante o dopo la realizzazione dell'opera, mentre per Ingamells Poussin non era eccessivamente interessato all'identificazione precisa delle figure.Sono presenti vari pentimenti, come la rimozione di un secondo albero a destra tra l'Inverno/Lavoro e il Tempo.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Danza_alla_musica_del_Tempo

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Danza_alla_musica_del_Tempo?

Quattro figure che si tengono per mano danzano in cerchio, mentre il Tempo suona una lira alla loro destra. La scena è ambientata durante il mattino, dato che Aurora precede il carro solare di Apollo. Le Ore accompagnano il dio del sole, il quale regge un anello che simboleggia lo Zodiaco.Secondo Bellori, il soggetto venne definito da Rospigliosi. L'identificazione precisa dei quattro personaggi che danzano rimane incerta. Le quattro figure danzanti potrebbero rappresentare, partendo da quella vista di spalle: la Povertà, il Lavoro, la Ricchezza e il Piacere o il Lusso. Le figure rappresenterebbero un ciclo della vita umana che inizia e si conclude con la Povertà, passando per la Ricchezza e il Lusso. Se i personaggi fossero le quattro stagioni la Povertà sarebbe l'Autunno, il Lavoro l'Inverno e così via. L'ipotesi di Anthony Blunt, secondo la quale la Povertà/Autunno sarebbe un uomo, oggi viene accettata: il museo tuttavia lo identifica con Bacco. Questa identificazione richiama l'opera Les Dionysiaques di Boitet de Frauville, nella quale Giove, avendo ascoltato i lamenti delle Stagioni e del Tempo, diede al mondo Bacco e il suo vino per compensare le condizioni di vita miserabili dei mortali. André Félibien, amico e biografo di Poussin, descrisse il dipinto con le stesse parole, tranne per un punto: Bellori identificò l'Estate con il Lusso, mentre Félibien la identificò con il Piacere.Queste identificazioni sono contestate da Malcom Bull, almeno nel loro intento originale. Egli fa risalire l'iconografia del dipinto al poeta greco antico Nonno, rifacendosi all'Inno dell'Autunno di Pierre de Ronsard. La descrizione delle quattro stagioni di Nonno, tradotta in francese, è molto simile all'iconografia pussiniana: "A sinistra c'è la Primavera, con una ghirlanda di rose tra i capelli; dietro c'è l'Autunno, i cui capelli sono stati tagliati dai venti e la cui fronte è avvolta da dei rami di ulivo; poi viene l'Inverno, con i capelli raccolti ed il viso in penombra, e davanti c'è l'Estate, vestita di bianco con delle spighe di grano tra le trecce dei capelli." Lo stesso Bacco, con un volto giovane ed uno anziano, appare in un erma a sinistra. Secondo Bull, il Rospigliosi, che era un intellettuale ed un autore con un certo gusto per le allegorie, inventò l'altra interpretazione durante o dopo la realizzazione dell'opera, mentre per Ingamells Poussin non era eccessivamente interessato all'identificazione precisa delle figure.Sono presenti vari pentimenti, come la rimozione di un secondo albero a destra tra l'Inverno/Lavoro e il Tempo.

Un'incisione (a specchio) del quadro realizzata da [[Giovanni Dughet

Richard Seymour-Conway, IV marchese di Hertford

Categoria:Dipinti nella Wallace Collection

File:La danse de la vie humaine - Image de la vie humaine - Jean Dughet, d'après Nicolas Poussin CROP.jpg


Giardino_dei_Tarocchi

Prompt: Concentrati su Giardino_dei_Tarocchi ed esplora la abstract.

Il Giardino dei Tarocchi è un parco artistico situato in località Garavicchio, nei pressi di Pescia Fiorentina, frazione comunale di Capalbio in Toscana, ideato dall'artista franco-statunitense Niki de Saint Phalle, popolato di statue ispirate alle figure degli arcani maggiori dei tarocchi.Per volontà dell'artista, nel Giardino dei Tarocchi non si eseguono visite guidate per lasciare all'interpretazione dei visitatori.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

File:Niki de saint-phalle, l'imperatore, razzo 03 interno.jpg

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, vialetto 02.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, ingresso 01.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Motto dell'artista, su una piastrella de ''L'Appeso''

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, l'appeso, motto.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, imperatrice, interno, cucina.JPG

La storia del giardino su una lapide all'ingresso

Categoria:Giardini della provincia di Grosseto

Interno del razzo dell{{'}}''Imperatore'' con mosaico di specchi


Giardino_dei_Tarocchi

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Giardino_dei_Tarocchi.

Il Giardino dei Tarocchi è un parco artistico situato in località Garavicchio, nei pressi di Pescia Fiorentina, frazione comunale di Capalbio in Toscana, ideato dall'artista franco-statunitense Niki de Saint Phalle, popolato di statue ispirate alle figure degli arcani maggiori dei tarocchi.Per volontà dell'artista, nel Giardino dei Tarocchi non si eseguono visite guidate per lasciare all'interpretazione dei visitatori.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

File:Niki de saint-phalle, l'imperatore, razzo 03 interno.jpg

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Motto dell'artista, su una piastrella de ''L'Appeso''

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, l'appeso, motto.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, imperatrice, interno, cucina.JPG

La storia del giardino su una lapide all'ingresso

Categoria:Giardini della provincia di Grosseto

Interno del razzo dell{{'}}''Imperatore'' con mosaico di specchi


Giardino_dei_Tarocchi

Prompt: Come chiarisce Giardino_dei_Tarocchi la sua abstract?

Il Giardino dei Tarocchi è un parco artistico situato in località Garavicchio, nei pressi di Pescia Fiorentina, frazione comunale di Capalbio in Toscana, ideato dall'artista franco-statunitense Niki de Saint Phalle, popolato di statue ispirate alle figure degli arcani maggiori dei tarocchi.Per volontà dell'artista, nel Giardino dei Tarocchi non si eseguono visite guidate per lasciare all'interpretazione dei visitatori.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

File:Niki de saint-phalle, l'imperatore, razzo 03 interno.jpg

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, vialetto 02.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, ingresso 01.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Motto dell'artista, su una piastrella de ''L'Appeso''

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, l'appeso, motto.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, imperatrice, interno, cucina.JPG

La storia del giardino su una lapide all'ingresso

Categoria:Giardini della provincia di Grosseto

Interno del razzo dell{{'}}''Imperatore'' con mosaico di specchi


Giardino_dei_Tarocchi

Prompt: Come viene discussa la abstract in Giardino_dei_Tarocchi?

Il Giardino dei Tarocchi è un parco artistico situato in località Garavicchio, nei pressi di Pescia Fiorentina, frazione comunale di Capalbio in Toscana, ideato dall'artista franco-statunitense Niki de Saint Phalle, popolato di statue ispirate alle figure degli arcani maggiori dei tarocchi.Per volontà dell'artista, nel Giardino dei Tarocchi non si eseguono visite guidate per lasciare all'interpretazione dei visitatori.

Categoria:Sculture moderne e contemporanee

File:Niki de saint-phalle, l'imperatore, razzo 03 interno.jpg

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, vialetto 02.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, ingresso 01.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, la giustizia, chiavistello di Jean Tinguely.jpg

Motto dell'artista, su una piastrella de ''L'Appeso''

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, l'appeso, motto.JPG

File:Niki de saint-phalle, giardino dei tarocchi, imperatrice, interno, cucina.JPG

La storia del giardino su una lapide all'ingresso

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Interno del razzo dell{{'}}''Imperatore'' con mosaico di specchi