Edmonia_Lewis

Prompt: Come chiarisce Edmonia_Lewis la sua Biografia?

Di padre di discendenza afro-haitiana e madre di Mississauga Ojibwe (uno dei più grandi popoli nativi del Nord America, ora Canada), l'artista rimase orfana nella sua prima infanzia e andò a vivere con le sue zie materne. Suo fratello lasciò la tribù nomade di sua madre e divenne un minatore d'oro in California durante la Febbre dell'oro. All'età di 15 anni, Lewis si iscrisse all'Oberlin College, dove si appassionò all'arte. Tuttavia, durante il suo soggiorno in questo centro, il primo negli Stati Uniti ad ammettere studenti afro-americani, subì numerosi episodi di discriminazione. Dopo la sua permanenza a Oberlin, si trasferì a Boston nel 1864, dove cercò di intraprendere la carriera di scultrice. Dopo aver ricevuto vari rifiuti, incontrò Edward A. Brackett, uno scultore i cui clienti includevano alcuni dei più famosi abolizionisti dell'epoca. Lewis lavorò con Brackett fino al 1864. Il suo lavoro rese omaggio agli abolizionisti e agli eroi della Guerra Civile del suo tempo, inclusi John Brown e il colonnello Robert Gould Shaw. Il successo la portò così a Roma. In Italia, Edmonia Lewis si unì a una cerchia di artisti espatriati e aprì il suo studio. Durante questo periodo, iniziò a scolpire nel marmo, concentrandosi sul naturalismo e sui temi relativi agli afro-americani e ai nativi americani. Un altro punto culminante della sua carriera fu la sua partecipazione nel 1876 alla "Centennial Exposition" di Philadelphia, per la quale creò un pezzo monumentale di circa 1400 kg, che intitolò "La Morte di Cleopatra". Edmonia Lewis scrisse nel 1864: "Non c'è nulla di così bello come la foresta libera: prendi un pesce quando hai fame, tagli i rami di un albero, fai un fuoco per arrostirlo e mangiarlo all'aperto, è il più grande di tutti i lussi. Non starei una settimana rinchiusa nelle città, se non fosse per la mia passione per l'arte" (citata in Letter From L. Maria Child, National Anti-Slavery Standard, 27 Feb. 1864).

1844
Abolizionismo
Edward A. Brackett
Robert Gould Shaw
Ojibway
Ojibwe
Nativi americani
Enciclopedia Britannica
4 luglio
abolizionisti
California
Canada
Roma
Categoria:Afroamericani
Stati Uniti d'America
popoli nativi del Nord America
Febbre dell'oro
1907
Stati Uniti
John Brown (attivista)
Igiaba Scego
Guerra di secessione americana
John Brown
17 settembre
Boston
Oberlin College
Corsa all'oro
Guerra Civile
Molefi Kete Asante
Londra
Sarah Parker Remond


Edmonia_Lewis

Prompt: Come viene discussa la Biografia in Edmonia_Lewis?

Di padre di discendenza afro-haitiana e madre di Mississauga Ojibwe (uno dei più grandi popoli nativi del Nord America, ora Canada), l'artista rimase orfana nella sua prima infanzia e andò a vivere con le sue zie materne. Suo fratello lasciò la tribù nomade di sua madre e divenne un minatore d'oro in California durante la Febbre dell'oro. All'età di 15 anni, Lewis si iscrisse all'Oberlin College, dove si appassionò all'arte. Tuttavia, durante il suo soggiorno in questo centro, il primo negli Stati Uniti ad ammettere studenti afro-americani, subì numerosi episodi di discriminazione. Dopo la sua permanenza a Oberlin, si trasferì a Boston nel 1864, dove cercò di intraprendere la carriera di scultrice. Dopo aver ricevuto vari rifiuti, incontrò Edward A. Brackett, uno scultore i cui clienti includevano alcuni dei più famosi abolizionisti dell'epoca. Lewis lavorò con Brackett fino al 1864. Il suo lavoro rese omaggio agli abolizionisti e agli eroi della Guerra Civile del suo tempo, inclusi John Brown e il colonnello Robert Gould Shaw. Il successo la portò così a Roma. In Italia, Edmonia Lewis si unì a una cerchia di artisti espatriati e aprì il suo studio. Durante questo periodo, iniziò a scolpire nel marmo, concentrandosi sul naturalismo e sui temi relativi agli afro-americani e ai nativi americani. Un altro punto culminante della sua carriera fu la sua partecipazione nel 1876 alla "Centennial Exposition" di Philadelphia, per la quale creò un pezzo monumentale di circa 1400 kg, che intitolò "La Morte di Cleopatra". Edmonia Lewis scrisse nel 1864: "Non c'è nulla di così bello come la foresta libera: prendi un pesce quando hai fame, tagli i rami di un albero, fai un fuoco per arrostirlo e mangiarlo all'aperto, è il più grande di tutti i lussi. Non starei una settimana rinchiusa nelle città, se non fosse per la mia passione per l'arte" (citata in Letter From L. Maria Child, National Anti-Slavery Standard, 27 Feb. 1864).

1844
Abolizionismo
Edward A. Brackett
Robert Gould Shaw
Ojibway
Ojibwe
Nativi americani
Enciclopedia Britannica
4 luglio
abolizionisti
California
Canada
Roma
Categoria:Afroamericani
Stati Uniti d'America
popoli nativi del Nord America
Febbre dell'oro
1907
Stati Uniti
John Brown (attivista)
Igiaba Scego
Guerra di secessione americana
John Brown
17 settembre
Boston
Oberlin College
Corsa all'oro
Guerra Civile
Molefi Kete Asante
Londra
Sarah Parker Remond


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la abstract.

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua abstract?

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la abstract in Quadrato_nero?

Quadrato nero o Quadrato nero di Malevič è un dipinto emblematico di Kazimir Malevič. La prima versione venne fatta nel 1915. Malevic ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi anni trenta. Il Quadrato Nero venne mostrato per la prima volta alla Ultima mostra futurista «0,10» (in russo Последняя футуристическая выставка картин «0,10»?) tenutasi a Pietrogrado nel 1915. L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto e parafrasando Malevič.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Storia.

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Storia?

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Storia in Quadrato_nero?

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla Last Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Contesto storico.

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Contesto storico di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

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Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Contesto storico?

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

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Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Contesto storico in Quadrato_nero?

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

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Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Percezione.

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

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Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Percezione di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Percezione?

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Percezione in Quadrato_nero?

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto:“È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.”"Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva.""[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Peter Schjeldahl scrisse:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Concentrati su Quadrato_nero ed esplora la Conservazione.

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Esplora la Conservazione di questa opera d'arte, Quadrato_nero.

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come chiarisce Quadrato_nero la sua Conservazione?

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Quadrato_nero

Prompt: Come viene discussa la Conservazione in Quadrato_nero?

La negligenza e il disprezzo da parte del governo sovietico, con il quale fu mantenuto per decenni l'originale Quadrato Nero, portò al considerevole degrado del dipinto.Peter Schjeldahl scrive:

Il quadro nella sala della Ultima mostra futurista «0,10

''Quadrato nero'', 1915, olio su lino, 79.5 x 79.5 cm, [[Galleria Tret'jakov


Il_caffè_di_notte

Prompt: Concentrati su Il_caffè_di_notte ed esplora la abstract.

Il caffè di notte è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato all'Art Gallery dell'Università di Yale.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_caffè_di_notte.

Il caffè di notte è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato all'Art Gallery dell'Università di Yale.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Come chiarisce Il_caffè_di_notte la sua abstract?

Il caffè di notte è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato all'Art Gallery dell'Università di Yale.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_caffè_di_notte?

Il caffè di notte è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato all'Art Gallery dell'Università di Yale.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Concentrati su Il_caffè_di_notte ed esplora la Descrizione.

Il locale raffigurato è il Café de la Gare, un locale ubicato presso la place Lamartine di Arles dove van Gogh era solito pranzare o trascorrere le serate. La proprietaria di tale bar, madame Ginoux, fu ritratta in vari dipinti vangoghiani, tra cui L'Arlesiana del Metropolitan Museum of Art. Il dipinto, uno dei più riusciti a giudizio dello stesso van Gogh, fu acquistato dopo la morte dell'artista dal facoltoso mercante tessile russo Ivan Morozov: dopo varie peregrinazioni collezionistiche, per le quali nel 1933 il dipinto è stato venduto dalle autorità sovietiche a una galleria di Berlino, per poi approdare in una galleria di New York, Il caffè di notte entrò nelle collezioni del magnate americano Stephen Clark. Nel 1961, alla morte di quest'ultimo, l'opera ha trovato la sua collocazione definitiva nella galleria d'arte dell'università di Yale , sempre negli Stati Uniti.Uno stridente gioco di richiami cromatici interni carica l'opera di un'atmosfera allucinata e tremenda, di profondo disagio: van Gogh, infatti, voleva esprimere con Il caffè di notte la violenza delle passioni umane, che degeneravano soprattutto nei caffè. Lo stesso Vincent fornì una descrizione molto dettagliata dell'opera e delle sue finalità:I bar e i locali notturni erano un soggetto ampiamente frequentato dagli Impressionisti, che ne celebrarono lo status di luogo di ritrovo della «vita moderna»: Il caffè di notte, tuttavia, è assai lontano dalle atmosfere festose e dalle gamme cromatiche allegre di quei dipinti. Lo spazio del Café de l'Alcazar è allucinatorio, angoscioso, e sembra scivolare e dissolversi inesorabilmente. Lo stesso Vincent era soddisfatto di come quest'opera si ponesse al labile confine tra coscienza e deragliamento sensoriale, assumendo i sinistri toni di un incubo particolarmente inquietante. La marginalità delle figure in questa sorta di fornace infernale viene sottolineata dalla loro collocazione: tutti gli avventori del bar, infatti, sono imprigionati nel poco spazio tra i tavolini e le pareti, e nessun cameriere si appresta a raccogliere le ordinazioni di quest'umanità così smunta e decadente (bohémien, barboni addormentati o in procinto di esserlo, prostitute, emarginati istupiditi dall'alcol). I personaggi raffigurati, anzi, sono isolati, come chiusi in sé stessi. Si noti, in tal proposito, la coppia in fondo a sinistra, l'unica a non essere sopraffatta dall'abuso di alcolici: c'è da dire, tuttavia, che il loro atteggiamento «non è certo quello di due innamorati e dà al contrario un'impressione di brutalità» (Armiraglio).Il padrone del locale veste un camice bianco ed è appoggiato, con una posa che denota stanchezza, al tavolo da biliardo, la cui profondità prospettica e la stecca abbandonatavi sopra concorrono a rendere l'atmosfera ancora più opprimente. La sedia vuota in primo piano, simile a quella dipinta da Van Gogh nello stesso periodo, vuole sottintendere il significato dell'assenza. Lo specchio visibile a destra è torbido, offuscato, persino sulfureo: nulla potrebbe essere più distante dalla vivace esuberanza degli specchi impressionisti (si veda, in tal senso, Il bar delle Folies-Bergère di Édouard Manet). L'orologio in alto denota la tarda ora notturna e, oltre a richiamare il modello colto dei memento mori, segna le ore fuggevoli di questa notte di atroce solitudine. Persino le bottiglie di alcolici, ammassate sul bancone in fondo, sembrano soffrire della vertiginosa irruenza che distorce prospetticamente e psicologicamente questo bar, rendendolo del tutto simile a un girone dantesco.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Il_caffè_di_notte.

Il locale raffigurato è il Café de la Gare, un locale ubicato presso la place Lamartine di Arles dove van Gogh era solito pranzare o trascorrere le serate. La proprietaria di tale bar, madame Ginoux, fu ritratta in vari dipinti vangoghiani, tra cui L'Arlesiana del Metropolitan Museum of Art. Il dipinto, uno dei più riusciti a giudizio dello stesso van Gogh, fu acquistato dopo la morte dell'artista dal facoltoso mercante tessile russo Ivan Morozov: dopo varie peregrinazioni collezionistiche, per le quali nel 1933 il dipinto è stato venduto dalle autorità sovietiche a una galleria di Berlino, per poi approdare in una galleria di New York, Il caffè di notte entrò nelle collezioni del magnate americano Stephen Clark. Nel 1961, alla morte di quest'ultimo, l'opera ha trovato la sua collocazione definitiva nella galleria d'arte dell'università di Yale , sempre negli Stati Uniti.Uno stridente gioco di richiami cromatici interni carica l'opera di un'atmosfera allucinata e tremenda, di profondo disagio: van Gogh, infatti, voleva esprimere con Il caffè di notte la violenza delle passioni umane, che degeneravano soprattutto nei caffè. Lo stesso Vincent fornì una descrizione molto dettagliata dell'opera e delle sue finalità:I bar e i locali notturni erano un soggetto ampiamente frequentato dagli Impressionisti, che ne celebrarono lo status di luogo di ritrovo della «vita moderna»: Il caffè di notte, tuttavia, è assai lontano dalle atmosfere festose e dalle gamme cromatiche allegre di quei dipinti. Lo spazio del Café de l'Alcazar è allucinatorio, angoscioso, e sembra scivolare e dissolversi inesorabilmente. Lo stesso Vincent era soddisfatto di come quest'opera si ponesse al labile confine tra coscienza e deragliamento sensoriale, assumendo i sinistri toni di un incubo particolarmente inquietante. La marginalità delle figure in questa sorta di fornace infernale viene sottolineata dalla loro collocazione: tutti gli avventori del bar, infatti, sono imprigionati nel poco spazio tra i tavolini e le pareti, e nessun cameriere si appresta a raccogliere le ordinazioni di quest'umanità così smunta e decadente (bohémien, barboni addormentati o in procinto di esserlo, prostitute, emarginati istupiditi dall'alcol). I personaggi raffigurati, anzi, sono isolati, come chiusi in sé stessi. Si noti, in tal proposito, la coppia in fondo a sinistra, l'unica a non essere sopraffatta dall'abuso di alcolici: c'è da dire, tuttavia, che il loro atteggiamento «non è certo quello di due innamorati e dà al contrario un'impressione di brutalità» (Armiraglio).Il padrone del locale veste un camice bianco ed è appoggiato, con una posa che denota stanchezza, al tavolo da biliardo, la cui profondità prospettica e la stecca abbandonatavi sopra concorrono a rendere l'atmosfera ancora più opprimente. La sedia vuota in primo piano, simile a quella dipinta da Van Gogh nello stesso periodo, vuole sottintendere il significato dell'assenza. Lo specchio visibile a destra è torbido, offuscato, persino sulfureo: nulla potrebbe essere più distante dalla vivace esuberanza degli specchi impressionisti (si veda, in tal senso, Il bar delle Folies-Bergère di Édouard Manet). L'orologio in alto denota la tarda ora notturna e, oltre a richiamare il modello colto dei memento mori, segna le ore fuggevoli di questa notte di atroce solitudine. Persino le bottiglie di alcolici, ammassate sul bancone in fondo, sembrano soffrire della vertiginosa irruenza che distorce prospetticamente e psicologicamente questo bar, rendendolo del tutto simile a un girone dantesco.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Come chiarisce Il_caffè_di_notte la sua Descrizione?

Il locale raffigurato è il Café de la Gare, un locale ubicato presso la place Lamartine di Arles dove van Gogh era solito pranzare o trascorrere le serate. La proprietaria di tale bar, madame Ginoux, fu ritratta in vari dipinti vangoghiani, tra cui L'Arlesiana del Metropolitan Museum of Art. Il dipinto, uno dei più riusciti a giudizio dello stesso van Gogh, fu acquistato dopo la morte dell'artista dal facoltoso mercante tessile russo Ivan Morozov: dopo varie peregrinazioni collezionistiche, per le quali nel 1933 il dipinto è stato venduto dalle autorità sovietiche a una galleria di Berlino, per poi approdare in una galleria di New York, Il caffè di notte entrò nelle collezioni del magnate americano Stephen Clark. Nel 1961, alla morte di quest'ultimo, l'opera ha trovato la sua collocazione definitiva nella galleria d'arte dell'università di Yale , sempre negli Stati Uniti.Uno stridente gioco di richiami cromatici interni carica l'opera di un'atmosfera allucinata e tremenda, di profondo disagio: van Gogh, infatti, voleva esprimere con Il caffè di notte la violenza delle passioni umane, che degeneravano soprattutto nei caffè. Lo stesso Vincent fornì una descrizione molto dettagliata dell'opera e delle sue finalità:I bar e i locali notturni erano un soggetto ampiamente frequentato dagli Impressionisti, che ne celebrarono lo status di luogo di ritrovo della «vita moderna»: Il caffè di notte, tuttavia, è assai lontano dalle atmosfere festose e dalle gamme cromatiche allegre di quei dipinti. Lo spazio del Café de l'Alcazar è allucinatorio, angoscioso, e sembra scivolare e dissolversi inesorabilmente. Lo stesso Vincent era soddisfatto di come quest'opera si ponesse al labile confine tra coscienza e deragliamento sensoriale, assumendo i sinistri toni di un incubo particolarmente inquietante. La marginalità delle figure in questa sorta di fornace infernale viene sottolineata dalla loro collocazione: tutti gli avventori del bar, infatti, sono imprigionati nel poco spazio tra i tavolini e le pareti, e nessun cameriere si appresta a raccogliere le ordinazioni di quest'umanità così smunta e decadente (bohémien, barboni addormentati o in procinto di esserlo, prostitute, emarginati istupiditi dall'alcol). I personaggi raffigurati, anzi, sono isolati, come chiusi in sé stessi. Si noti, in tal proposito, la coppia in fondo a sinistra, l'unica a non essere sopraffatta dall'abuso di alcolici: c'è da dire, tuttavia, che il loro atteggiamento «non è certo quello di due innamorati e dà al contrario un'impressione di brutalità» (Armiraglio).Il padrone del locale veste un camice bianco ed è appoggiato, con una posa che denota stanchezza, al tavolo da biliardo, la cui profondità prospettica e la stecca abbandonatavi sopra concorrono a rendere l'atmosfera ancora più opprimente. La sedia vuota in primo piano, simile a quella dipinta da Van Gogh nello stesso periodo, vuole sottintendere il significato dell'assenza. Lo specchio visibile a destra è torbido, offuscato, persino sulfureo: nulla potrebbe essere più distante dalla vivace esuberanza degli specchi impressionisti (si veda, in tal senso, Il bar delle Folies-Bergère di Édouard Manet). L'orologio in alto denota la tarda ora notturna e, oltre a richiamare il modello colto dei memento mori, segna le ore fuggevoli di questa notte di atroce solitudine. Persino le bottiglie di alcolici, ammassate sul bancone in fondo, sembrano soffrire della vertiginosa irruenza che distorce prospetticamente e psicologicamente questo bar, rendendolo del tutto simile a un girone dantesco.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_caffè_di_notte

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Il_caffè_di_notte?

Il locale raffigurato è il Café de la Gare, un locale ubicato presso la place Lamartine di Arles dove van Gogh era solito pranzare o trascorrere le serate. La proprietaria di tale bar, madame Ginoux, fu ritratta in vari dipinti vangoghiani, tra cui L'Arlesiana del Metropolitan Museum of Art. Il dipinto, uno dei più riusciti a giudizio dello stesso van Gogh, fu acquistato dopo la morte dell'artista dal facoltoso mercante tessile russo Ivan Morozov: dopo varie peregrinazioni collezionistiche, per le quali nel 1933 il dipinto è stato venduto dalle autorità sovietiche a una galleria di Berlino, per poi approdare in una galleria di New York, Il caffè di notte entrò nelle collezioni del magnate americano Stephen Clark. Nel 1961, alla morte di quest'ultimo, l'opera ha trovato la sua collocazione definitiva nella galleria d'arte dell'università di Yale , sempre negli Stati Uniti.Uno stridente gioco di richiami cromatici interni carica l'opera di un'atmosfera allucinata e tremenda, di profondo disagio: van Gogh, infatti, voleva esprimere con Il caffè di notte la violenza delle passioni umane, che degeneravano soprattutto nei caffè. Lo stesso Vincent fornì una descrizione molto dettagliata dell'opera e delle sue finalità:I bar e i locali notturni erano un soggetto ampiamente frequentato dagli Impressionisti, che ne celebrarono lo status di luogo di ritrovo della «vita moderna»: Il caffè di notte, tuttavia, è assai lontano dalle atmosfere festose e dalle gamme cromatiche allegre di quei dipinti. Lo spazio del Café de l'Alcazar è allucinatorio, angoscioso, e sembra scivolare e dissolversi inesorabilmente. Lo stesso Vincent era soddisfatto di come quest'opera si ponesse al labile confine tra coscienza e deragliamento sensoriale, assumendo i sinistri toni di un incubo particolarmente inquietante. La marginalità delle figure in questa sorta di fornace infernale viene sottolineata dalla loro collocazione: tutti gli avventori del bar, infatti, sono imprigionati nel poco spazio tra i tavolini e le pareti, e nessun cameriere si appresta a raccogliere le ordinazioni di quest'umanità così smunta e decadente (bohémien, barboni addormentati o in procinto di esserlo, prostitute, emarginati istupiditi dall'alcol). I personaggi raffigurati, anzi, sono isolati, come chiusi in sé stessi. Si noti, in tal proposito, la coppia in fondo a sinistra, l'unica a non essere sopraffatta dall'abuso di alcolici: c'è da dire, tuttavia, che il loro atteggiamento «non è certo quello di due innamorati e dà al contrario un'impressione di brutalità» (Armiraglio).Il padrone del locale veste un camice bianco ed è appoggiato, con una posa che denota stanchezza, al tavolo da biliardo, la cui profondità prospettica e la stecca abbandonatavi sopra concorrono a rendere l'atmosfera ancora più opprimente. La sedia vuota in primo piano, simile a quella dipinta da Van Gogh nello stesso periodo, vuole sottintendere il significato dell'assenza. Lo specchio visibile a destra è torbido, offuscato, persino sulfureo: nulla potrebbe essere più distante dalla vivace esuberanza degli specchi impressionisti (si veda, in tal senso, Il bar delle Folies-Bergère di Édouard Manet). L'orologio in alto denota la tarda ora notturna e, oltre a richiamare il modello colto dei memento mori, segna le ore fuggevoli di questa notte di atroce solitudine. Persino le bottiglie di alcolici, ammassate sul bancone in fondo, sembrano soffrire della vertiginosa irruenza che distorce prospetticamente e psicologicamente questo bar, rendendolo del tutto simile a un girone dantesco.

Vincent van Gogh, ''Il caffè di notte'' (Arles, 1888); acquerello, collezione privata. F 1463, JH 1576.

Categoria:Dipinti nella Yale University Art Gallery


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Concentrati su Il_sogno_della_moglie_del_pescatore ed esplora la abstract.

Il sogno della moglie del pescatore è il titolo con cui è nota in Occidente una xilografia in stile ukiyo-e, realizzata dall'artista giapponese Hokusai, conosciuta in patria come Tako to ama  (蛸と海女?), ossia, in giapponese: "I polpi e la ama". La xilografia è inclusa all'interno dell'opera Kinoe no Komatsu (in giapponese: "I Giovani Pini"), costituita da tre volumi di shunga, ossia di stampe erotiche, e pubblicata per la prima volta nel 1814, ed è diventata lo shunga più famoso di tutti quelli realizzati da Hokusai. Giocando con molti temi propri dell'arte giapponese popolare, l'artista ha ritratto una giovane ama, ossia una pescatrice subacquea (soprattutto di perle), intenta in un rapporto sessuale con due polpi.

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_sogno_della_moglie_del_pescatore.

Il sogno della moglie del pescatore è il titolo con cui è nota in Occidente una xilografia in stile ukiyo-e, realizzata dall'artista giapponese Hokusai, conosciuta in patria come Tako to ama  (蛸と海女?), ossia, in giapponese: "I polpi e la ama". La xilografia è inclusa all'interno dell'opera Kinoe no Komatsu (in giapponese: "I Giovani Pini"), costituita da tre volumi di shunga, ossia di stampe erotiche, e pubblicata per la prima volta nel 1814, ed è diventata lo shunga più famoso di tutti quelli realizzati da Hokusai. Giocando con molti temi propri dell'arte giapponese popolare, l'artista ha ritratto una giovane ama, ossia una pescatrice subacquea (soprattutto di perle), intenta in un rapporto sessuale con due polpi.

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come chiarisce Il_sogno_della_moglie_del_pescatore la sua abstract?

Il sogno della moglie del pescatore è il titolo con cui è nota in Occidente una xilografia in stile ukiyo-e, realizzata dall'artista giapponese Hokusai, conosciuta in patria come Tako to ama  (蛸と海女?), ossia, in giapponese: "I polpi e la ama". La xilografia è inclusa all'interno dell'opera Kinoe no Komatsu (in giapponese: "I Giovani Pini"), costituita da tre volumi di shunga, ossia di stampe erotiche, e pubblicata per la prima volta nel 1814, ed è diventata lo shunga più famoso di tutti quelli realizzati da Hokusai. Giocando con molti temi propri dell'arte giapponese popolare, l'artista ha ritratto una giovane ama, ossia una pescatrice subacquea (soprattutto di perle), intenta in un rapporto sessuale con due polpi.

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_sogno_della_moglie_del_pescatore?

Il sogno della moglie del pescatore è il titolo con cui è nota in Occidente una xilografia in stile ukiyo-e, realizzata dall'artista giapponese Hokusai, conosciuta in patria come Tako to ama  (蛸と海女?), ossia, in giapponese: "I polpi e la ama". La xilografia è inclusa all'interno dell'opera Kinoe no Komatsu (in giapponese: "I Giovani Pini"), costituita da tre volumi di shunga, ossia di stampe erotiche, e pubblicata per la prima volta nel 1814, ed è diventata lo shunga più famoso di tutti quelli realizzati da Hokusai. Giocando con molti temi propri dell'arte giapponese popolare, l'artista ha ritratto una giovane ama, ossia una pescatrice subacquea (soprattutto di perle), intenta in un rapporto sessuale con due polpi.

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Concentrati su Il_sogno_della_moglie_del_pescatore ed esplora la Storia e descrizione.

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna (il cui organo genitale, come accade sempre negli shunga è sproporzionatamente grande), mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Esplora la Storia e descrizione di questa opera d'arte, Il_sogno_della_moglie_del_pescatore.

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna (il cui organo genitale, come accade sempre negli shunga è sproporzionatamente grande), mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come chiarisce Il_sogno_della_moglie_del_pescatore la sua Storia e descrizione?

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna (il cui organo genitale, come accade sempre negli shunga è sproporzionatamente grande), mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come viene discussa la Storia e descrizione in Il_sogno_della_moglie_del_pescatore?

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna (il cui organo genitale, come accade sempre negli shunga è sproporzionatamente grande), mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Concentrati su Il_sogno_della_moglie_del_pescatore ed esplora la Interpretazioni.

Secondo la studiosa Danielle Talerico l'immagine vuole richiamare alla mente dei contemporanei la storia della principessa Tamatori, assai popolare nel periodo Edo. In questa storia, facente parte delle leggende sui gioielli delle maree del dio del mare, Tamatori è una modesta pescatrice di conchiglie che sposa Fujiwara no Fuhito, del clan Fujiwara, il quale sta cercando una perla rubata alla sua famiglia da Ryūjin, il dio del mare dall'aspetto di dragone marino. Avendo giurato di aiutare il marito, Tamatori si immerge fino a raggiungere il palazzo sottomarino chiamato Ryūgū-jō, dimora di Ryūjin, dove riesce a recuperare la perla ma viene scoperta e inseguita dal dio e dal suo esercito di creature marine, inclusi i polpi. Per poter nuotare più veloce e riuscire a scappare, Tamatori si apre il petto e vi nasconde dentro il gioiello, morendo infine per le ferite poco dopo aver raggiunto la superficie.La storia di Tamatori è sempre stata un soggetto molto popolare dell'arte ukiyo-e, ispirando molti artisti, tra cui ad esempio Utagawa Kuniyoshi, che ha realizzato diverse opere basate sulla storia della principessa includendo spesso dei polpi tra le creature da cui la donna, talvolta rappresentata a seno nudo, deve fuggire. Nel testo al di sopra dell'immagine di Hokusai, il polpo grande dice, tra le altre cose, che porterà la ragazza nel palazzo sottomarino di Ryūjin, rafforzando quindi la connessione tra l'opera e la leggenda della principessa Tamatori. Il sogno della moglie del pescatore non è peraltro l'unica opera del periodo Edo che ritragga relazioni erotiche tra donne e polpi. Yanagawa Shigenobu, un artista contemporaneo di Hokusai, ha infatti realizzato un'opera molto simile a quella di Hokusai, in cui una donna riceve un cunnilingus da un polpo, includendola nella sua raccolta Suetsumuhana del 1830, e anche alcuni netsuke antecedenti al periodo Edo raffiguravano cefalopodi intenti ad accarezzare donne nude. Il motivo di una tale passione per i tentacoli da parte degli autori shunga è da ricercarsi nel fatto che lo shogunato Tokugawa, l'ultimo governo feudale del Giappone, censurò parzialmente l'arte erotica, e quindi gli autori utilizzarono l'espediente delle creature marine e dei tentacoli per alludere agli uomini e ai loro falli, aggirando in parte la censura. I due polpi sono utilizzati da Hokusai per affrontare diverse perversioni all'interno della sua opera, di cui alcune hanno per protagonista il polpo più piccolo e più giovane: la prima è quella del rapporto a tre, in cui il polpo più giovane appare anche in una certa misura impaziente di sostituirsi al padre, un'altra è quella della folta peluria, particolarmente gradita proprio al polpo più giovane, e infine un'ultima è rappresentata dal tentacolo costrittivo che, stritolando il capezzolo sinistro della donna, fa sì che il dolore fisico si confonda con quello sessuale e lo amplifichi.Talerico fa inoltre notare come i primi critici Occidentali dell'opera, come Edmond de Goncourt e Jack Hillier, avessero inteso la scena come la rappresentazione di uno stupro. Secondo la studiosa, ciò fu dovuto al fatto che tali critici avevano visto Il sogno della moglie del pescatore separatamente dal resto della raccolta Kinoe no Komatsu e peraltro senza capirne i riferimenti testuali e visivi, quindi, di fatto, al di fuori del proprio contesto. Tuttavia, questa affermazione cozza quantomeno con il fatto che Goncourt conoscesse il contesto originale dell'opera, avendolo egli stesso descritto in un passaggio di una sua monografia su Hokusai.Un altro esempio è quello del critico francese Joris-Karl Huysmans, che nel 1889 scrisse: In definitiva, secondo Chris Uhlenbeck e Margarita Winkel, "Questa stampa è una chiara testimonianza di come la nostra interpretazione di un'immagine possa essere distorta se vediamo l'immagine isolata e senza comprenderne il testo."

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Esplora la Interpretazioni di questa opera d'arte, Il_sogno_della_moglie_del_pescatore.

Secondo la studiosa Danielle Talerico l'immagine vuole richiamare alla mente dei contemporanei la storia della principessa Tamatori, assai popolare nel periodo Edo. In questa storia, facente parte delle leggende sui gioielli delle maree del dio del mare, Tamatori è una modesta pescatrice di conchiglie che sposa Fujiwara no Fuhito, del clan Fujiwara, il quale sta cercando una perla rubata alla sua famiglia da Ryūjin, il dio del mare dall'aspetto di dragone marino. Avendo giurato di aiutare il marito, Tamatori si immerge fino a raggiungere il palazzo sottomarino chiamato Ryūgū-jō, dimora di Ryūjin, dove riesce a recuperare la perla ma viene scoperta e inseguita dal dio e dal suo esercito di creature marine, inclusi i polpi. Per poter nuotare più veloce e riuscire a scappare, Tamatori si apre il petto e vi nasconde dentro il gioiello, morendo infine per le ferite poco dopo aver raggiunto la superficie.La storia di Tamatori è sempre stata un soggetto molto popolare dell'arte ukiyo-e, ispirando molti artisti, tra cui ad esempio Utagawa Kuniyoshi, che ha realizzato diverse opere basate sulla storia della principessa includendo spesso dei polpi tra le creature da cui la donna, talvolta rappresentata a seno nudo, deve fuggire. Nel testo al di sopra dell'immagine di Hokusai, il polpo grande dice, tra le altre cose, che porterà la ragazza nel palazzo sottomarino di Ryūjin, rafforzando quindi la connessione tra l'opera e la leggenda della principessa Tamatori. Il sogno della moglie del pescatore non è peraltro l'unica opera del periodo Edo che ritragga relazioni erotiche tra donne e polpi. Yanagawa Shigenobu, un artista contemporaneo di Hokusai, ha infatti realizzato un'opera molto simile a quella di Hokusai, in cui una donna riceve un cunnilingus da un polpo, includendola nella sua raccolta Suetsumuhana del 1830, e anche alcuni netsuke antecedenti al periodo Edo raffiguravano cefalopodi intenti ad accarezzare donne nude. Il motivo di una tale passione per i tentacoli da parte degli autori shunga è da ricercarsi nel fatto che lo shogunato Tokugawa, l'ultimo governo feudale del Giappone, censurò parzialmente l'arte erotica, e quindi gli autori utilizzarono l'espediente delle creature marine e dei tentacoli per alludere agli uomini e ai loro falli, aggirando in parte la censura. I due polpi sono utilizzati da Hokusai per affrontare diverse perversioni all'interno della sua opera, di cui alcune hanno per protagonista il polpo più piccolo e più giovane: la prima è quella del rapporto a tre, in cui il polpo più giovane appare anche in una certa misura impaziente di sostituirsi al padre, un'altra è quella della folta peluria, particolarmente gradita proprio al polpo più giovane, e infine un'ultima è rappresentata dal tentacolo costrittivo che, stritolando il capezzolo sinistro della donna, fa sì che il dolore fisico si confonda con quello sessuale e lo amplifichi.Talerico fa inoltre notare come i primi critici Occidentali dell'opera, come Edmond de Goncourt e Jack Hillier, avessero inteso la scena come la rappresentazione di uno stupro. Secondo la studiosa, ciò fu dovuto al fatto che tali critici avevano visto Il sogno della moglie del pescatore separatamente dal resto della raccolta Kinoe no Komatsu e peraltro senza capirne i riferimenti testuali e visivi, quindi, di fatto, al di fuori del proprio contesto. Tuttavia, questa affermazione cozza quantomeno con il fatto che Goncourt conoscesse il contesto originale dell'opera, avendolo egli stesso descritto in un passaggio di una sua monografia su Hokusai.Un altro esempio è quello del critico francese Joris-Karl Huysmans, che nel 1889 scrisse: In definitiva, secondo Chris Uhlenbeck e Margarita Winkel, "Questa stampa è una chiara testimonianza di come la nostra interpretazione di un'immagine possa essere distorta se vediamo l'immagine isolata e senza comprenderne il testo."

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come chiarisce Il_sogno_della_moglie_del_pescatore la sua Interpretazioni?

Secondo la studiosa Danielle Talerico l'immagine vuole richiamare alla mente dei contemporanei la storia della principessa Tamatori, assai popolare nel periodo Edo. In questa storia, facente parte delle leggende sui gioielli delle maree del dio del mare, Tamatori è una modesta pescatrice di conchiglie che sposa Fujiwara no Fuhito, del clan Fujiwara, il quale sta cercando una perla rubata alla sua famiglia da Ryūjin, il dio del mare dall'aspetto di dragone marino. Avendo giurato di aiutare il marito, Tamatori si immerge fino a raggiungere il palazzo sottomarino chiamato Ryūgū-jō, dimora di Ryūjin, dove riesce a recuperare la perla ma viene scoperta e inseguita dal dio e dal suo esercito di creature marine, inclusi i polpi. Per poter nuotare più veloce e riuscire a scappare, Tamatori si apre il petto e vi nasconde dentro il gioiello, morendo infine per le ferite poco dopo aver raggiunto la superficie.La storia di Tamatori è sempre stata un soggetto molto popolare dell'arte ukiyo-e, ispirando molti artisti, tra cui ad esempio Utagawa Kuniyoshi, che ha realizzato diverse opere basate sulla storia della principessa includendo spesso dei polpi tra le creature da cui la donna, talvolta rappresentata a seno nudo, deve fuggire. Nel testo al di sopra dell'immagine di Hokusai, il polpo grande dice, tra le altre cose, che porterà la ragazza nel palazzo sottomarino di Ryūjin, rafforzando quindi la connessione tra l'opera e la leggenda della principessa Tamatori. Il sogno della moglie del pescatore non è peraltro l'unica opera del periodo Edo che ritragga relazioni erotiche tra donne e polpi. Yanagawa Shigenobu, un artista contemporaneo di Hokusai, ha infatti realizzato un'opera molto simile a quella di Hokusai, in cui una donna riceve un cunnilingus da un polpo, includendola nella sua raccolta Suetsumuhana del 1830, e anche alcuni netsuke antecedenti al periodo Edo raffiguravano cefalopodi intenti ad accarezzare donne nude. Il motivo di una tale passione per i tentacoli da parte degli autori shunga è da ricercarsi nel fatto che lo shogunato Tokugawa, l'ultimo governo feudale del Giappone, censurò parzialmente l'arte erotica, e quindi gli autori utilizzarono l'espediente delle creature marine e dei tentacoli per alludere agli uomini e ai loro falli, aggirando in parte la censura. I due polpi sono utilizzati da Hokusai per affrontare diverse perversioni all'interno della sua opera, di cui alcune hanno per protagonista il polpo più piccolo e più giovane: la prima è quella del rapporto a tre, in cui il polpo più giovane appare anche in una certa misura impaziente di sostituirsi al padre, un'altra è quella della folta peluria, particolarmente gradita proprio al polpo più giovane, e infine un'ultima è rappresentata dal tentacolo costrittivo che, stritolando il capezzolo sinistro della donna, fa sì che il dolore fisico si confonda con quello sessuale e lo amplifichi.Talerico fa inoltre notare come i primi critici Occidentali dell'opera, come Edmond de Goncourt e Jack Hillier, avessero inteso la scena come la rappresentazione di uno stupro. Secondo la studiosa, ciò fu dovuto al fatto che tali critici avevano visto Il sogno della moglie del pescatore separatamente dal resto della raccolta Kinoe no Komatsu e peraltro senza capirne i riferimenti testuali e visivi, quindi, di fatto, al di fuori del proprio contesto. Tuttavia, questa affermazione cozza quantomeno con il fatto che Goncourt conoscesse il contesto originale dell'opera, avendolo egli stesso descritto in un passaggio di una sua monografia su Hokusai.Un altro esempio è quello del critico francese Joris-Karl Huysmans, che nel 1889 scrisse: In definitiva, secondo Chris Uhlenbeck e Margarita Winkel, "Questa stampa è una chiara testimonianza di come la nostra interpretazione di un'immagine possa essere distorta se vediamo l'immagine isolata e senza comprenderne il testo."

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come viene discussa la Interpretazioni in Il_sogno_della_moglie_del_pescatore?

Secondo la studiosa Danielle Talerico l'immagine vuole richiamare alla mente dei contemporanei la storia della principessa Tamatori, assai popolare nel periodo Edo. In questa storia, facente parte delle leggende sui gioielli delle maree del dio del mare, Tamatori è una modesta pescatrice di conchiglie che sposa Fujiwara no Fuhito, del clan Fujiwara, il quale sta cercando una perla rubata alla sua famiglia da Ryūjin, il dio del mare dall'aspetto di dragone marino. Avendo giurato di aiutare il marito, Tamatori si immerge fino a raggiungere il palazzo sottomarino chiamato Ryūgū-jō, dimora di Ryūjin, dove riesce a recuperare la perla ma viene scoperta e inseguita dal dio e dal suo esercito di creature marine, inclusi i polpi. Per poter nuotare più veloce e riuscire a scappare, Tamatori si apre il petto e vi nasconde dentro il gioiello, morendo infine per le ferite poco dopo aver raggiunto la superficie.La storia di Tamatori è sempre stata un soggetto molto popolare dell'arte ukiyo-e, ispirando molti artisti, tra cui ad esempio Utagawa Kuniyoshi, che ha realizzato diverse opere basate sulla storia della principessa includendo spesso dei polpi tra le creature da cui la donna, talvolta rappresentata a seno nudo, deve fuggire. Nel testo al di sopra dell'immagine di Hokusai, il polpo grande dice, tra le altre cose, che porterà la ragazza nel palazzo sottomarino di Ryūjin, rafforzando quindi la connessione tra l'opera e la leggenda della principessa Tamatori. Il sogno della moglie del pescatore non è peraltro l'unica opera del periodo Edo che ritragga relazioni erotiche tra donne e polpi. Yanagawa Shigenobu, un artista contemporaneo di Hokusai, ha infatti realizzato un'opera molto simile a quella di Hokusai, in cui una donna riceve un cunnilingus da un polpo, includendola nella sua raccolta Suetsumuhana del 1830, e anche alcuni netsuke antecedenti al periodo Edo raffiguravano cefalopodi intenti ad accarezzare donne nude. Il motivo di una tale passione per i tentacoli da parte degli autori shunga è da ricercarsi nel fatto che lo shogunato Tokugawa, l'ultimo governo feudale del Giappone, censurò parzialmente l'arte erotica, e quindi gli autori utilizzarono l'espediente delle creature marine e dei tentacoli per alludere agli uomini e ai loro falli, aggirando in parte la censura. I due polpi sono utilizzati da Hokusai per affrontare diverse perversioni all'interno della sua opera, di cui alcune hanno per protagonista il polpo più piccolo e più giovane: la prima è quella del rapporto a tre, in cui il polpo più giovane appare anche in una certa misura impaziente di sostituirsi al padre, un'altra è quella della folta peluria, particolarmente gradita proprio al polpo più giovane, e infine un'ultima è rappresentata dal tentacolo costrittivo che, stritolando il capezzolo sinistro della donna, fa sì che il dolore fisico si confonda con quello sessuale e lo amplifichi.Talerico fa inoltre notare come i primi critici Occidentali dell'opera, come Edmond de Goncourt e Jack Hillier, avessero inteso la scena come la rappresentazione di uno stupro. Secondo la studiosa, ciò fu dovuto al fatto che tali critici avevano visto Il sogno della moglie del pescatore separatamente dal resto della raccolta Kinoe no Komatsu e peraltro senza capirne i riferimenti testuali e visivi, quindi, di fatto, al di fuori del proprio contesto. Tuttavia, questa affermazione cozza quantomeno con il fatto che Goncourt conoscesse il contesto originale dell'opera, avendolo egli stesso descritto in un passaggio di una sua monografia su Hokusai.Un altro esempio è quello del critico francese Joris-Karl Huysmans, che nel 1889 scrisse: In definitiva, secondo Chris Uhlenbeck e Margarita Winkel, "Questa stampa è una chiara testimonianza di come la nostra interpretazione di un'immagine possa essere distorta se vediamo l'immagine isolata e senza comprenderne il testo."

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

File:Tamakatzura Tamatori attacked by the octopus.jpg

Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Concentrati su Il_sogno_della_moglie_del_pescatore ed esplora la Influenza.

L'immagine è spesso citata tra gli antesignani dello stupro tentacolare, un concetto presente sia in hentai horror che in film a sfondo horror/pornografico, divenuto comune nell'animazione e nella fumettistica giapponese alla fine del XX secolo, grazie ad autori come Toshio Maeda. Diversamente da quanto rappresentato nell'opera di Hokusai, però, le immagini moderne rappresentano rapporti sessuali tra donne e animali tentacolati che appaiono solitamente forzati e non consensuali e con un muto scambio di piacere. Proprio in virtù di quest'ultimo aspetto, lo psicologo e critico Jerry S. Piven si è dichiarato scettico circa l'accostamento tra la giocosa scena dipinta da Hokusai e le scene violente presenti nei media moderni, affermando che queste ultime sarebbero piuttosto il prodotto del tumulto sperimentato dalla società giapponese a seguito della seconda guerra mondiale, il quale a sua volta rifletteva l'esistenza di sottostanti correnti di traumi culturali. Di parere opposto è invece Holger Briel, studioso di comunicazione e media, il quale, citando l'opera di Hokusai come uno tra i primi esemplari di quella che sarebbe diventata una tradizione, riguardo alle violente rappresentazioni moderne sostiene che "certe immagini possono comparire solamente in una società che ha già una predilezione per i mostri ed è solita interagire con gli ottopodi".L'opera ha comunque influenzato non solo altri artisti giapponesi, ma anche Occidentali, tra cui si possono ricordare Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucoc, Fernand Khnopff e Pablo Picasso. Nel 1903, quest'ultimo disegnò anche una propria versione privata de Il sogno della moglie del pescatore che intitolò Dona i Pop (in catalano: "La donna e il polpo") e che nel 2009 fu poi anche esposta al Museo Picasso di Barcellona all'interno della mostra intitolata Secret Images, la quale includeva altri 26 tra disegni e sculture di Picasso posti accanto all'opera originale di Hokusai e ad altre 16 stampe giapponesi, al fine di evidenziare l'influenza dell'arte giapponese del XIX secolo sull'opera del pittore spagnolo. Quasi trent'anni dopo i lavori di Picasso risentiranno ancora dell'influenza dell'opera di Hokusai, ne è un esempio il dipinto Reclining Nude del 1932, in cui la donna che prova piacere è allo stesso tempo anche il polpo, ed è quindi capace di dare piacere a sé stessa. Nel 2003, il pittore australiano David Laity, ha presentato un'opera derivata dalla xilografia di Hokusai e intitolata The Dream of the Fisherman's Wife, innescando anche una piccola polemica riguardo all'oscenità del disegno dopo la sua esposizione alla galleria d'arte di Melbourne; sollecitata da alcuni cittadini, la polizia aprì un'indagine il cui risultato fu però che l'opera non infrangeva alcuna legge anti-pornografia della città. La stampa di Hokusai ha avuto grande influenza anche su Masami Teraoka, odierno artista nippo-americano, il quale ha creato tutta una serie di immagini raffiguranti donne (tra cui c'è anche il personaggio ricorrente della cercatrice di perle) che si intrattengono in rapporti sessuali con cefalopodi come simbolo di potere sessuale femminile.La cosiddetta "aria della piovra" Un dì, ero piccina dell'opera Iris di Pietro Mascagni, che il compositore creò nel 1898, con libretto di Luigi Illica, potrebbe essere stata ispirata dalla stampa di Hokusai. Il personaggio principale, Iris, descrive infatti una scena, che aveva visto in un tempio Buddista quando era bambina, raffigurante un polpo che avvolgeva i suoi tentacoli attorno a una giovane donna sorridente, uccidendola. Iris ricorda anche che un bonzo le aveva spiegato: "Quella piovra è il piacere...quella piovra è la morte!".

File:Tamatori being pursued bya dragon.jpg

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Esplora la Influenza di questa opera d'arte, Il_sogno_della_moglie_del_pescatore.

L'immagine è spesso citata tra gli antesignani dello stupro tentacolare, un concetto presente sia in hentai horror che in film a sfondo horror/pornografico, divenuto comune nell'animazione e nella fumettistica giapponese alla fine del XX secolo, grazie ad autori come Toshio Maeda. Diversamente da quanto rappresentato nell'opera di Hokusai, però, le immagini moderne rappresentano rapporti sessuali tra donne e animali tentacolati che appaiono solitamente forzati e non consensuali e con un muto scambio di piacere. Proprio in virtù di quest'ultimo aspetto, lo psicologo e critico Jerry S. Piven si è dichiarato scettico circa l'accostamento tra la giocosa scena dipinta da Hokusai e le scene violente presenti nei media moderni, affermando che queste ultime sarebbero piuttosto il prodotto del tumulto sperimentato dalla società giapponese a seguito della seconda guerra mondiale, il quale a sua volta rifletteva l'esistenza di sottostanti correnti di traumi culturali. Di parere opposto è invece Holger Briel, studioso di comunicazione e media, il quale, citando l'opera di Hokusai come uno tra i primi esemplari di quella che sarebbe diventata una tradizione, riguardo alle violente rappresentazioni moderne sostiene che "certe immagini possono comparire solamente in una società che ha già una predilezione per i mostri ed è solita interagire con gli ottopodi".L'opera ha comunque influenzato non solo altri artisti giapponesi, ma anche Occidentali, tra cui si possono ricordare Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucoc, Fernand Khnopff e Pablo Picasso. Nel 1903, quest'ultimo disegnò anche una propria versione privata de Il sogno della moglie del pescatore che intitolò Dona i Pop (in catalano: "La donna e il polpo") e che nel 2009 fu poi anche esposta al Museo Picasso di Barcellona all'interno della mostra intitolata Secret Images, la quale includeva altri 26 tra disegni e sculture di Picasso posti accanto all'opera originale di Hokusai e ad altre 16 stampe giapponesi, al fine di evidenziare l'influenza dell'arte giapponese del XIX secolo sull'opera del pittore spagnolo. Quasi trent'anni dopo i lavori di Picasso risentiranno ancora dell'influenza dell'opera di Hokusai, ne è un esempio il dipinto Reclining Nude del 1932, in cui la donna che prova piacere è allo stesso tempo anche il polpo, ed è quindi capace di dare piacere a sé stessa. Nel 2003, il pittore australiano David Laity, ha presentato un'opera derivata dalla xilografia di Hokusai e intitolata The Dream of the Fisherman's Wife, innescando anche una piccola polemica riguardo all'oscenità del disegno dopo la sua esposizione alla galleria d'arte di Melbourne; sollecitata da alcuni cittadini, la polizia aprì un'indagine il cui risultato fu però che l'opera non infrangeva alcuna legge anti-pornografia della città. La stampa di Hokusai ha avuto grande influenza anche su Masami Teraoka, odierno artista nippo-americano, il quale ha creato tutta una serie di immagini raffiguranti donne (tra cui c'è anche il personaggio ricorrente della cercatrice di perle) che si intrattengono in rapporti sessuali con cefalopodi come simbolo di potere sessuale femminile.La cosiddetta "aria della piovra" Un dì, ero piccina dell'opera Iris di Pietro Mascagni, che il compositore creò nel 1898, con libretto di Luigi Illica, potrebbe essere stata ispirata dalla stampa di Hokusai. Il personaggio principale, Iris, descrive infatti una scena, che aveva visto in un tempio Buddista quando era bambina, raffigurante un polpo che avvolgeva i suoi tentacoli attorno a una giovane donna sorridente, uccidendola. Iris ricorda anche che un bonzo le aveva spiegato: "Quella piovra è il piacere...quella piovra è la morte!".

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come chiarisce Il_sogno_della_moglie_del_pescatore la sua Influenza?

L'immagine è spesso citata tra gli antesignani dello stupro tentacolare, un concetto presente sia in hentai horror che in film a sfondo horror/pornografico, divenuto comune nell'animazione e nella fumettistica giapponese alla fine del XX secolo, grazie ad autori come Toshio Maeda. Diversamente da quanto rappresentato nell'opera di Hokusai, però, le immagini moderne rappresentano rapporti sessuali tra donne e animali tentacolati che appaiono solitamente forzati e non consensuali e con un muto scambio di piacere. Proprio in virtù di quest'ultimo aspetto, lo psicologo e critico Jerry S. Piven si è dichiarato scettico circa l'accostamento tra la giocosa scena dipinta da Hokusai e le scene violente presenti nei media moderni, affermando che queste ultime sarebbero piuttosto il prodotto del tumulto sperimentato dalla società giapponese a seguito della seconda guerra mondiale, il quale a sua volta rifletteva l'esistenza di sottostanti correnti di traumi culturali. Di parere opposto è invece Holger Briel, studioso di comunicazione e media, il quale, citando l'opera di Hokusai come uno tra i primi esemplari di quella che sarebbe diventata una tradizione, riguardo alle violente rappresentazioni moderne sostiene che "certe immagini possono comparire solamente in una società che ha già una predilezione per i mostri ed è solita interagire con gli ottopodi".L'opera ha comunque influenzato non solo altri artisti giapponesi, ma anche Occidentali, tra cui si possono ricordare Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucoc, Fernand Khnopff e Pablo Picasso. Nel 1903, quest'ultimo disegnò anche una propria versione privata de Il sogno della moglie del pescatore che intitolò Dona i Pop (in catalano: "La donna e il polpo") e che nel 2009 fu poi anche esposta al Museo Picasso di Barcellona all'interno della mostra intitolata Secret Images, la quale includeva altri 26 tra disegni e sculture di Picasso posti accanto all'opera originale di Hokusai e ad altre 16 stampe giapponesi, al fine di evidenziare l'influenza dell'arte giapponese del XIX secolo sull'opera del pittore spagnolo. Quasi trent'anni dopo i lavori di Picasso risentiranno ancora dell'influenza dell'opera di Hokusai, ne è un esempio il dipinto Reclining Nude del 1932, in cui la donna che prova piacere è allo stesso tempo anche il polpo, ed è quindi capace di dare piacere a sé stessa. Nel 2003, il pittore australiano David Laity, ha presentato un'opera derivata dalla xilografia di Hokusai e intitolata The Dream of the Fisherman's Wife, innescando anche una piccola polemica riguardo all'oscenità del disegno dopo la sua esposizione alla galleria d'arte di Melbourne; sollecitata da alcuni cittadini, la polizia aprì un'indagine il cui risultato fu però che l'opera non infrangeva alcuna legge anti-pornografia della città. La stampa di Hokusai ha avuto grande influenza anche su Masami Teraoka, odierno artista nippo-americano, il quale ha creato tutta una serie di immagini raffiguranti donne (tra cui c'è anche il personaggio ricorrente della cercatrice di perle) che si intrattengono in rapporti sessuali con cefalopodi come simbolo di potere sessuale femminile.La cosiddetta "aria della piovra" Un dì, ero piccina dell'opera Iris di Pietro Mascagni, che il compositore creò nel 1898, con libretto di Luigi Illica, potrebbe essere stata ispirata dalla stampa di Hokusai. Il personaggio principale, Iris, descrive infatti una scena, che aveva visto in un tempio Buddista quando era bambina, raffigurante un polpo che avvolgeva i suoi tentacoli attorno a una giovane donna sorridente, uccidendola. Iris ricorda anche che un bonzo le aveva spiegato: "Quella piovra è il piacere...quella piovra è la morte!".

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_sogno_della_moglie_del_pescatore

Prompt: Come viene discussa la Influenza in Il_sogno_della_moglie_del_pescatore?

L'immagine è spesso citata tra gli antesignani dello stupro tentacolare, un concetto presente sia in hentai horror che in film a sfondo horror/pornografico, divenuto comune nell'animazione e nella fumettistica giapponese alla fine del XX secolo, grazie ad autori come Toshio Maeda. Diversamente da quanto rappresentato nell'opera di Hokusai, però, le immagini moderne rappresentano rapporti sessuali tra donne e animali tentacolati che appaiono solitamente forzati e non consensuali e con un muto scambio di piacere. Proprio in virtù di quest'ultimo aspetto, lo psicologo e critico Jerry S. Piven si è dichiarato scettico circa l'accostamento tra la giocosa scena dipinta da Hokusai e le scene violente presenti nei media moderni, affermando che queste ultime sarebbero piuttosto il prodotto del tumulto sperimentato dalla società giapponese a seguito della seconda guerra mondiale, il quale a sua volta rifletteva l'esistenza di sottostanti correnti di traumi culturali. Di parere opposto è invece Holger Briel, studioso di comunicazione e media, il quale, citando l'opera di Hokusai come uno tra i primi esemplari di quella che sarebbe diventata una tradizione, riguardo alle violente rappresentazioni moderne sostiene che "certe immagini possono comparire solamente in una società che ha già una predilezione per i mostri ed è solita interagire con gli ottopodi".L'opera ha comunque influenzato non solo altri artisti giapponesi, ma anche Occidentali, tra cui si possono ricordare Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucoc, Fernand Khnopff e Pablo Picasso. Nel 1903, quest'ultimo disegnò anche una propria versione privata de Il sogno della moglie del pescatore che intitolò Dona i Pop (in catalano: "La donna e il polpo") e che nel 2009 fu poi anche esposta al Museo Picasso di Barcellona all'interno della mostra intitolata Secret Images, la quale includeva altri 26 tra disegni e sculture di Picasso posti accanto all'opera originale di Hokusai e ad altre 16 stampe giapponesi, al fine di evidenziare l'influenza dell'arte giapponese del XIX secolo sull'opera del pittore spagnolo. Quasi trent'anni dopo i lavori di Picasso risentiranno ancora dell'influenza dell'opera di Hokusai, ne è un esempio il dipinto Reclining Nude del 1932, in cui la donna che prova piacere è allo stesso tempo anche il polpo, ed è quindi capace di dare piacere a sé stessa. Nel 2003, il pittore australiano David Laity, ha presentato un'opera derivata dalla xilografia di Hokusai e intitolata The Dream of the Fisherman's Wife, innescando anche una piccola polemica riguardo all'oscenità del disegno dopo la sua esposizione alla galleria d'arte di Melbourne; sollecitata da alcuni cittadini, la polizia aprì un'indagine il cui risultato fu però che l'opera non infrangeva alcuna legge anti-pornografia della città. La stampa di Hokusai ha avuto grande influenza anche su Masami Teraoka, odierno artista nippo-americano, il quale ha creato tutta una serie di immagini raffiguranti donne (tra cui c'è anche il personaggio ricorrente della cercatrice di perle) che si intrattengono in rapporti sessuali con cefalopodi come simbolo di potere sessuale femminile.La cosiddetta "aria della piovra" Un dì, ero piccina dell'opera Iris di Pietro Mascagni, che il compositore creò nel 1898, con libretto di Luigi Illica, potrebbe essere stata ispirata dalla stampa di Hokusai. Il personaggio principale, Iris, descrive infatti una scena, che aveva visto in un tempio Buddista quando era bambina, raffigurante un polpo che avvolgeva i suoi tentacoli attorno a una giovane donna sorridente, uccidendola. Iris ricorda anche che un bonzo le aveva spiegato: "Quella piovra è il piacere...quella piovra è la morte!".

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Una xilografia di Kuniyoshi raffigurante Tamatori mentre lotta con un polpo


Il_carro_da_fieno

Prompt: Concentrati su Il_carro_da_fieno ed esplora la abstract.

Il carro da fieno (The Hay Wain) è un dipinto a olio su tela (130,2x185,4 cm) di John Constable, databile al 1821 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_carro_da_fieno.

Il carro da fieno (The Hay Wain) è un dipinto a olio su tela (130,2x185,4 cm) di John Constable, databile al 1821 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Come chiarisce Il_carro_da_fieno la sua abstract?

Il carro da fieno (The Hay Wain) è un dipinto a olio su tela (130,2x185,4 cm) di John Constable, databile al 1821 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_carro_da_fieno?

Il carro da fieno (The Hay Wain) è un dipinto a olio su tela (130,2x185,4 cm) di John Constable, databile al 1821 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Nel contesto di Il_carro_da_fieno, esplora la A Londra e la Storia.

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo Landscape: Noon (Paesaggio: Mezzogiorno).Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Esplora la A Londra sulla Storia di questa opera d'arte, Il_carro_da_fieno.

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo Landscape: Noon (Paesaggio: Mezzogiorno).Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: In Il_carro_da_fieno, come viene chiarita la A Londra della Storia?

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo Landscape: Noon (Paesaggio: Mezzogiorno).Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Descrivi le caratteristiche della A Londra nella Storia di Il_carro_da_fieno.

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo Landscape: Noon (Paesaggio: Mezzogiorno).Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Nel contesto di Il_carro_da_fieno, esplora la Al Salon di Parigi e la Storia.

Gli entusiastici commenti di Géricault, Pichot e Nodier sollecitarono John Arrowsmith (mercante d'arte e gallerista parigino di origini inglesi) a tentare di acquistare Il carro da fieno per settanta ghinee, senza riuscirci perché Constable ne voleva almeno centocinquanta. L'obiettivo di Arrowsmith era quello di far esporre la tela al Salon di Parigi dell'estate 1824: pertanto, si dimostrò disposto a spendere duecentocinquanta ghinee a patto che Constable gli cedesse un altro quadro, Veduta della Stour. L'accordo fu sottoscritto il 15 aprile 1824:Appena giunta a Parigi l'opera fu esposta presso la galleria personale di Arrowsmith al n. 1 di rue de la Grange-aux-Belles: tra i primi ad ammirarla vi fu Eugène Delacroix che arrivò a commentare: «Constable mi fa un gran bene». Venne infine ammessa nel Salon, aperto il 24 agosto 1824: il successo che riscosse fu sfolgorante, anche se fu accompagnato dalle virulente critiche degli artisti classicisti, i quali biasimarono la preminenza del colore rispetto al disegno, le modalità di applicazione del colore con la giustapposizione di tocchi e la presenza di forme abbozzate e non definite. Stendhal, invece, raccomandò a Constable di immortalare «uno scenario splendido, come l’imboccatura della valle della Grande-Chartreuse, vicino a Grenoble, e non [...] un carro da fieno che attraversa a guado un canale d’acqua stagnante»: ciò malgrado, fu anche egli prodigo di plausi, tanto che nel Journal de Paris 16 ottobre scrisse:Il Salon si chiuse nel gennaio 1825 con la visita regia di Carlo X di Borbone, re di Francia, il quale assegnò a Constable una medaglia d’oro in virtù del pregio artistico del Carro da fieno. Ciò malgrado, dopo la chiusura del Salon la tela rimase invenduta nella galleria di Arrowsmith per tre anni: fu solo nel 1828 che fu acquistata da Jean-François Boursault-Malherbe, direttore di teatro e amante di fiori e giardini. Alla sua morte l'opera passò intorno al 1838 a Edmund Higginson, per poi trovare la sua collocazione definitiva nella National Gallery di Londra, ove giunse nel 1886 dopo vari passaggi di proprietà.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Esplora la Al Salon di Parigi sulla Storia di questa opera d'arte, Il_carro_da_fieno.

Gli entusiastici commenti di Géricault, Pichot e Nodier sollecitarono John Arrowsmith (mercante d'arte e gallerista parigino di origini inglesi) a tentare di acquistare Il carro da fieno per settanta ghinee, senza riuscirci perché Constable ne voleva almeno centocinquanta. L'obiettivo di Arrowsmith era quello di far esporre la tela al Salon di Parigi dell'estate 1824: pertanto, si dimostrò disposto a spendere duecentocinquanta ghinee a patto che Constable gli cedesse un altro quadro, Veduta della Stour. L'accordo fu sottoscritto il 15 aprile 1824:Appena giunta a Parigi l'opera fu esposta presso la galleria personale di Arrowsmith al n. 1 di rue de la Grange-aux-Belles: tra i primi ad ammirarla vi fu Eugène Delacroix che arrivò a commentare: «Constable mi fa un gran bene». Venne infine ammessa nel Salon, aperto il 24 agosto 1824: il successo che riscosse fu sfolgorante, anche se fu accompagnato dalle virulente critiche degli artisti classicisti, i quali biasimarono la preminenza del colore rispetto al disegno, le modalità di applicazione del colore con la giustapposizione di tocchi e la presenza di forme abbozzate e non definite. Stendhal, invece, raccomandò a Constable di immortalare «uno scenario splendido, come l’imboccatura della valle della Grande-Chartreuse, vicino a Grenoble, e non [...] un carro da fieno che attraversa a guado un canale d’acqua stagnante»: ciò malgrado, fu anche egli prodigo di plausi, tanto che nel Journal de Paris 16 ottobre scrisse:Il Salon si chiuse nel gennaio 1825 con la visita regia di Carlo X di Borbone, re di Francia, il quale assegnò a Constable una medaglia d’oro in virtù del pregio artistico del Carro da fieno. Ciò malgrado, dopo la chiusura del Salon la tela rimase invenduta nella galleria di Arrowsmith per tre anni: fu solo nel 1828 che fu acquistata da Jean-François Boursault-Malherbe, direttore di teatro e amante di fiori e giardini. Alla sua morte l'opera passò intorno al 1838 a Edmund Higginson, per poi trovare la sua collocazione definitiva nella National Gallery di Londra, ove giunse nel 1886 dopo vari passaggi di proprietà.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: In Il_carro_da_fieno, come viene chiarita la Al Salon di Parigi della Storia?

Gli entusiastici commenti di Géricault, Pichot e Nodier sollecitarono John Arrowsmith (mercante d'arte e gallerista parigino di origini inglesi) a tentare di acquistare Il carro da fieno per settanta ghinee, senza riuscirci perché Constable ne voleva almeno centocinquanta. L'obiettivo di Arrowsmith era quello di far esporre la tela al Salon di Parigi dell'estate 1824: pertanto, si dimostrò disposto a spendere duecentocinquanta ghinee a patto che Constable gli cedesse un altro quadro, Veduta della Stour. L'accordo fu sottoscritto il 15 aprile 1824:Appena giunta a Parigi l'opera fu esposta presso la galleria personale di Arrowsmith al n. 1 di rue de la Grange-aux-Belles: tra i primi ad ammirarla vi fu Eugène Delacroix che arrivò a commentare: «Constable mi fa un gran bene». Venne infine ammessa nel Salon, aperto il 24 agosto 1824: il successo che riscosse fu sfolgorante, anche se fu accompagnato dalle virulente critiche degli artisti classicisti, i quali biasimarono la preminenza del colore rispetto al disegno, le modalità di applicazione del colore con la giustapposizione di tocchi e la presenza di forme abbozzate e non definite. Stendhal, invece, raccomandò a Constable di immortalare «uno scenario splendido, come l’imboccatura della valle della Grande-Chartreuse, vicino a Grenoble, e non [...] un carro da fieno che attraversa a guado un canale d’acqua stagnante»: ciò malgrado, fu anche egli prodigo di plausi, tanto che nel Journal de Paris 16 ottobre scrisse:Il Salon si chiuse nel gennaio 1825 con la visita regia di Carlo X di Borbone, re di Francia, il quale assegnò a Constable una medaglia d’oro in virtù del pregio artistico del Carro da fieno. Ciò malgrado, dopo la chiusura del Salon la tela rimase invenduta nella galleria di Arrowsmith per tre anni: fu solo nel 1828 che fu acquistata da Jean-François Boursault-Malherbe, direttore di teatro e amante di fiori e giardini. Alla sua morte l'opera passò intorno al 1838 a Edmund Higginson, per poi trovare la sua collocazione definitiva nella National Gallery di Londra, ove giunse nel 1886 dopo vari passaggi di proprietà.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG


Il_carro_da_fieno

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Al Salon di Parigi nella Storia di Il_carro_da_fieno.

Gli entusiastici commenti di Géricault, Pichot e Nodier sollecitarono John Arrowsmith (mercante d'arte e gallerista parigino di origini inglesi) a tentare di acquistare Il carro da fieno per settanta ghinee, senza riuscirci perché Constable ne voleva almeno centocinquanta. L'obiettivo di Arrowsmith era quello di far esporre la tela al Salon di Parigi dell'estate 1824: pertanto, si dimostrò disposto a spendere duecentocinquanta ghinee a patto che Constable gli cedesse un altro quadro, Veduta della Stour. L'accordo fu sottoscritto il 15 aprile 1824:Appena giunta a Parigi l'opera fu esposta presso la galleria personale di Arrowsmith al n. 1 di rue de la Grange-aux-Belles: tra i primi ad ammirarla vi fu Eugène Delacroix che arrivò a commentare: «Constable mi fa un gran bene». Venne infine ammessa nel Salon, aperto il 24 agosto 1824: il successo che riscosse fu sfolgorante, anche se fu accompagnato dalle virulente critiche degli artisti classicisti, i quali biasimarono la preminenza del colore rispetto al disegno, le modalità di applicazione del colore con la giustapposizione di tocchi e la presenza di forme abbozzate e non definite. Stendhal, invece, raccomandò a Constable di immortalare «uno scenario splendido, come l’imboccatura della valle della Grande-Chartreuse, vicino a Grenoble, e non [...] un carro da fieno che attraversa a guado un canale d’acqua stagnante»: ciò malgrado, fu anche egli prodigo di plausi, tanto che nel Journal de Paris 16 ottobre scrisse:Il Salon si chiuse nel gennaio 1825 con la visita regia di Carlo X di Borbone, re di Francia, il quale assegnò a Constable una medaglia d’oro in virtù del pregio artistico del Carro da fieno. Ciò malgrado, dopo la chiusura del Salon la tela rimase invenduta nella galleria di Arrowsmith per tre anni: fu solo nel 1828 che fu acquistata da Jean-François Boursault-Malherbe, direttore di teatro e amante di fiori e giardini. Alla sua morte l'opera passò intorno al 1838 a Edmund Higginson, per poi trovare la sua collocazione definitiva nella National Gallery di Londra, ove giunse nel 1886 dopo vari passaggi di proprietà.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:John constable, il carro di fieno, 1821, 04.jpg

John Constable, ''Autoritratto'' (1816); penna su carta, Tate Gallery, Londra

File:Flatford Mill, site of the HayWain.JPG