Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Come viene discussa la Storia in Baccanale_degli_Andrii?

L'opera fu l'ultima ad essere fornita da Tiziano per la Sala dei Baccanali nei Camerini d'alabastro di Alfonso I d'Este, dopo la Festa degli amorini (1518-1519) e il Bacco e Arianna (1520-1523), con un intervento anche sul Festino degli dei di Giovanni Bellini, nel 1524-1525, dove ritoccò il paesaggio in modo da adattarlo allo stile degli altri dipinti.Nel 1598 Ferrara passò sotto il dominio dello Stato Pontificio e la famiglia d'Este dovette riparare a Modena. Durante il trasferimento, il cardinale Pietro Aldobrandini, legato del Papa, si appropriò di diverse tele, fra cui il Baccanale e la Festa di Venere. Dagli Aldobrandini le opere divennero proprietà dei Ludovisi, che a loro volta li cedettero al conte di Monterrey, dignitario di Spagna e cognato del conte di Olivares, in pagamento dell'assegnazione del Principato di Piombino a Niccolò I. Questi a sua volta ne fece dono a Filippo IV di Spagna nel 1639. Le prime menzioni documentate in Spagna risalgono agli inventari dell'Alcázar di Madrid nel 1666, 1686 e 1700.Le tre tele di Tiziano furono ammirate e copiate tanto in Italia quanto in Spagna, da artisti come Rubens, Reni, Poussin e Velázquez, fornendo ispirazione per lo sviluppo del gusto barocco. È rimasta famosa la notizia del pianto sincero del Domenichino nel vedere quei capolavori lasciare l'Italia.Nel 1782 Joshua Reynolds ammirò il Baccanale, che gli ispirò un singolare parallelismo tra Tiziano e Virgilio: «È a Tiziano che bisogna rivolgere i nostri occhi per scoprire nel colore, nella luce, nelle ombre l'eccellenza ad altissimo livello. Egli è stato il primo e insieme il più grande maestro in tale arte. Il suo principale eccellere sta nella maniera o nel linguaggio, come si voglia dire, in cui Tiziano e quelli della sua scuola si esprimono. La maniera, in pittura, è in realtà ciò che è il linguaggio in poesia [...] . Come è stato detto per Virgilio che persino allo spargere il letame sulla terra riesce a dare un tono di dignità, altrettanto si può dire per Tiziano. Qualsiasi cosa egli tocchi, per quanto insignificante o familiare, per una sorta di magia essa viene investita di grandezza e importanza».

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Nel contesto di Baccanale_degli_Andrii, esplora la Tema mitologico e la Descrizione stile.

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio (I, 25), una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Esplora la Tema mitologico sulla Descrizione stile di questa opera d'arte, Baccanale_degli_Andrii.

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio (I, 25), una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: In Baccanale_degli_Andrii, come viene chiarita la Tema mitologico della Descrizione stile?

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio (I, 25), una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Tema mitologico nella Descrizione stile di Baccanale_degli_Andrii.

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio (I, 25), una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Nel contesto di Baccanale_degli_Andrii, esplora la I personaggi e la Descrizione stile.

In primo piano, a destra, si trova nell'angolo il nudo sensuale di una ninfa-baccante dall'incarnato chiarissimo, citazione colta delle statue dell'Arianna dormiente, col gomito destro alzato e il braccio piegato dietro la testa, una convenzione per rappresentare il sonno. Essa, scrisse Vasari, "è tanto bella che par viva".Poco dietro un puer mingens si alza la tunichetta, "piscia in un fiume e si vede nell'acqua", come lo descrisse sempre Vasari, mentre al centro due fanciulle discorrono distese, illuminate dalla piena luce. Una di esse, senza voltarsi, alza il piatto, in cui un uomo nudo versa il vino da una brocca. Un altro uomo le tocca impunemente la caviglia, voltandosi però verso un ballerino che sembra stare per inciampare: egli cita fedelmente un personaggio della Battaglia di Cascina di Michelangelo, quello visibile in basso a destra nella copia di Aristotile da Sangallo. Nonostante il gesto l'uomo e la donna sembrano ignorarsi: il forte senso di bellezza e di gioia, anche erotica, non viene mai turbato da atteggiamenti volgari.A destra un uomo grasso, che ricorda Sileno, sta inginocchiato seminudo e beve con voluttà da una brocca, appena riempita dal fiume di vino, dove sta attingendo anche un ragazzo. In secondo piano, nell'ombra del boschetto, si vedono un servitore che porta a spalla un cratere a volute colmo e due cantori. Più a destra si trova il gruppo dei ballerini, tra cui spiccano l'uomo che tenta di fare il giocoliere, reggendo una brocca trasparente colma di vino sulla punta delle dita, e la coppia in piena luce, le cui vesti sono accese in vibranti riflessi materici. Il ragazzo di spalle tiene in mano una corona d'edera, specie sacra a Dioniso, mentre l'altra pianta sacra, la vite, è visibile in alto, arrampicata tra le fronde degli alberi.La ballerina in tunica bianca somiglia alla donna in rosso al centro della scena, e a loro volta ricordano le effigi della presunta amante di Tiziano, la donna bionda dai capelli crespi che appare, ad esempio, anche nella Flora o nella Donna allo specchio. Le violette che la figura femminile al centro tiene tra i capelli potrebbero essere un'allusione al nome Violante: una tradizione vuole infatti che quell'amante fosse la figlia di Palma il Vecchio, che aveva appunto quel nome.Più in lontananza, sulla collina, si intravedono due uomini che, vicino a un cane, stanno mescendo il vino in un grosso cratere, mentre più in alto, alla sommità, un vecchio stremato giace accasciato e nudo, in una posizione imbarazzante: si tratta di una riflessione moraleggiante che richiama alle conseguenze degli eccessi, legato direttamente al tema biblico dell'ebbrezza di Noè, che ricorda la caducità dell'idillio pastorale. Inoltre la sua lontananza ricorda come in tali attività licenziose si debba lasciare il passo ai giovani, un tema già affrontato da Tiziano nelle Tre età dell'uomo. La presenza del puttino, non a caso, ricrea lungo una diagonale il tema delle tre età dell'amore, assieme ai due ballerini..

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Esplora la I personaggi sulla Descrizione stile di questa opera d'arte, Baccanale_degli_Andrii.

In primo piano, a destra, si trova nell'angolo il nudo sensuale di una ninfa-baccante dall'incarnato chiarissimo, citazione colta delle statue dell'Arianna dormiente, col gomito destro alzato e il braccio piegato dietro la testa, una convenzione per rappresentare il sonno. Essa, scrisse Vasari, "è tanto bella che par viva".Poco dietro un puer mingens si alza la tunichetta, "piscia in un fiume e si vede nell'acqua", come lo descrisse sempre Vasari, mentre al centro due fanciulle discorrono distese, illuminate dalla piena luce. Una di esse, senza voltarsi, alza il piatto, in cui un uomo nudo versa il vino da una brocca. Un altro uomo le tocca impunemente la caviglia, voltandosi però verso un ballerino che sembra stare per inciampare: egli cita fedelmente un personaggio della Battaglia di Cascina di Michelangelo, quello visibile in basso a destra nella copia di Aristotile da Sangallo. Nonostante il gesto l'uomo e la donna sembrano ignorarsi: il forte senso di bellezza e di gioia, anche erotica, non viene mai turbato da atteggiamenti volgari.A destra un uomo grasso, che ricorda Sileno, sta inginocchiato seminudo e beve con voluttà da una brocca, appena riempita dal fiume di vino, dove sta attingendo anche un ragazzo. In secondo piano, nell'ombra del boschetto, si vedono un servitore che porta a spalla un cratere a volute colmo e due cantori. Più a destra si trova il gruppo dei ballerini, tra cui spiccano l'uomo che tenta di fare il giocoliere, reggendo una brocca trasparente colma di vino sulla punta delle dita, e la coppia in piena luce, le cui vesti sono accese in vibranti riflessi materici. Il ragazzo di spalle tiene in mano una corona d'edera, specie sacra a Dioniso, mentre l'altra pianta sacra, la vite, è visibile in alto, arrampicata tra le fronde degli alberi.La ballerina in tunica bianca somiglia alla donna in rosso al centro della scena, e a loro volta ricordano le effigi della presunta amante di Tiziano, la donna bionda dai capelli crespi che appare, ad esempio, anche nella Flora o nella Donna allo specchio. Le violette che la figura femminile al centro tiene tra i capelli potrebbero essere un'allusione al nome Violante: una tradizione vuole infatti che quell'amante fosse la figlia di Palma il Vecchio, che aveva appunto quel nome.Più in lontananza, sulla collina, si intravedono due uomini che, vicino a un cane, stanno mescendo il vino in un grosso cratere, mentre più in alto, alla sommità, un vecchio stremato giace accasciato e nudo, in una posizione imbarazzante: si tratta di una riflessione moraleggiante che richiama alle conseguenze degli eccessi, legato direttamente al tema biblico dell'ebbrezza di Noè, che ricorda la caducità dell'idillio pastorale. Inoltre la sua lontananza ricorda come in tali attività licenziose si debba lasciare il passo ai giovani, un tema già affrontato da Tiziano nelle Tre età dell'uomo. La presenza del puttino, non a caso, ricrea lungo una diagonale il tema delle tre età dell'amore, assieme ai due ballerini..

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: In Baccanale_degli_Andrii, come viene chiarita la I personaggi della Descrizione stile?

In primo piano, a destra, si trova nell'angolo il nudo sensuale di una ninfa-baccante dall'incarnato chiarissimo, citazione colta delle statue dell'Arianna dormiente, col gomito destro alzato e il braccio piegato dietro la testa, una convenzione per rappresentare il sonno. Essa, scrisse Vasari, "è tanto bella che par viva".Poco dietro un puer mingens si alza la tunichetta, "piscia in un fiume e si vede nell'acqua", come lo descrisse sempre Vasari, mentre al centro due fanciulle discorrono distese, illuminate dalla piena luce. Una di esse, senza voltarsi, alza il piatto, in cui un uomo nudo versa il vino da una brocca. Un altro uomo le tocca impunemente la caviglia, voltandosi però verso un ballerino che sembra stare per inciampare: egli cita fedelmente un personaggio della Battaglia di Cascina di Michelangelo, quello visibile in basso a destra nella copia di Aristotile da Sangallo. Nonostante il gesto l'uomo e la donna sembrano ignorarsi: il forte senso di bellezza e di gioia, anche erotica, non viene mai turbato da atteggiamenti volgari.A destra un uomo grasso, che ricorda Sileno, sta inginocchiato seminudo e beve con voluttà da una brocca, appena riempita dal fiume di vino, dove sta attingendo anche un ragazzo. In secondo piano, nell'ombra del boschetto, si vedono un servitore che porta a spalla un cratere a volute colmo e due cantori. Più a destra si trova il gruppo dei ballerini, tra cui spiccano l'uomo che tenta di fare il giocoliere, reggendo una brocca trasparente colma di vino sulla punta delle dita, e la coppia in piena luce, le cui vesti sono accese in vibranti riflessi materici. Il ragazzo di spalle tiene in mano una corona d'edera, specie sacra a Dioniso, mentre l'altra pianta sacra, la vite, è visibile in alto, arrampicata tra le fronde degli alberi.La ballerina in tunica bianca somiglia alla donna in rosso al centro della scena, e a loro volta ricordano le effigi della presunta amante di Tiziano, la donna bionda dai capelli crespi che appare, ad esempio, anche nella Flora o nella Donna allo specchio. Le violette che la figura femminile al centro tiene tra i capelli potrebbero essere un'allusione al nome Violante: una tradizione vuole infatti che quell'amante fosse la figlia di Palma il Vecchio, che aveva appunto quel nome.Più in lontananza, sulla collina, si intravedono due uomini che, vicino a un cane, stanno mescendo il vino in un grosso cratere, mentre più in alto, alla sommità, un vecchio stremato giace accasciato e nudo, in una posizione imbarazzante: si tratta di una riflessione moraleggiante che richiama alle conseguenze degli eccessi, legato direttamente al tema biblico dell'ebbrezza di Noè, che ricorda la caducità dell'idillio pastorale. Inoltre la sua lontananza ricorda come in tali attività licenziose si debba lasciare il passo ai giovani, un tema già affrontato da Tiziano nelle Tre età dell'uomo. La presenza del puttino, non a caso, ricrea lungo una diagonale il tema delle tre età dell'amore, assieme ai due ballerini..

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Descrivi le caratteristiche della I personaggi nella Descrizione stile di Baccanale_degli_Andrii.

In primo piano, a destra, si trova nell'angolo il nudo sensuale di una ninfa-baccante dall'incarnato chiarissimo, citazione colta delle statue dell'Arianna dormiente, col gomito destro alzato e il braccio piegato dietro la testa, una convenzione per rappresentare il sonno. Essa, scrisse Vasari, "è tanto bella che par viva".Poco dietro un puer mingens si alza la tunichetta, "piscia in un fiume e si vede nell'acqua", come lo descrisse sempre Vasari, mentre al centro due fanciulle discorrono distese, illuminate dalla piena luce. Una di esse, senza voltarsi, alza il piatto, in cui un uomo nudo versa il vino da una brocca. Un altro uomo le tocca impunemente la caviglia, voltandosi però verso un ballerino che sembra stare per inciampare: egli cita fedelmente un personaggio della Battaglia di Cascina di Michelangelo, quello visibile in basso a destra nella copia di Aristotile da Sangallo. Nonostante il gesto l'uomo e la donna sembrano ignorarsi: il forte senso di bellezza e di gioia, anche erotica, non viene mai turbato da atteggiamenti volgari.A destra un uomo grasso, che ricorda Sileno, sta inginocchiato seminudo e beve con voluttà da una brocca, appena riempita dal fiume di vino, dove sta attingendo anche un ragazzo. In secondo piano, nell'ombra del boschetto, si vedono un servitore che porta a spalla un cratere a volute colmo e due cantori. Più a destra si trova il gruppo dei ballerini, tra cui spiccano l'uomo che tenta di fare il giocoliere, reggendo una brocca trasparente colma di vino sulla punta delle dita, e la coppia in piena luce, le cui vesti sono accese in vibranti riflessi materici. Il ragazzo di spalle tiene in mano una corona d'edera, specie sacra a Dioniso, mentre l'altra pianta sacra, la vite, è visibile in alto, arrampicata tra le fronde degli alberi.La ballerina in tunica bianca somiglia alla donna in rosso al centro della scena, e a loro volta ricordano le effigi della presunta amante di Tiziano, la donna bionda dai capelli crespi che appare, ad esempio, anche nella Flora o nella Donna allo specchio. Le violette che la figura femminile al centro tiene tra i capelli potrebbero essere un'allusione al nome Violante: una tradizione vuole infatti che quell'amante fosse la figlia di Palma il Vecchio, che aveva appunto quel nome.Più in lontananza, sulla collina, si intravedono due uomini che, vicino a un cane, stanno mescendo il vino in un grosso cratere, mentre più in alto, alla sommità, un vecchio stremato giace accasciato e nudo, in una posizione imbarazzante: si tratta di una riflessione moraleggiante che richiama alle conseguenze degli eccessi, legato direttamente al tema biblico dell'ebbrezza di Noè, che ricorda la caducità dell'idillio pastorale. Inoltre la sua lontananza ricorda come in tali attività licenziose si debba lasciare il passo ai giovani, un tema già affrontato da Tiziano nelle Tre età dell'uomo. La presenza del puttino, non a caso, ricrea lungo una diagonale il tema delle tre età dell'amore, assieme ai due ballerini..

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Nel contesto di Baccanale_degli_Andrii, esplora la Il tema musicale e la Descrizione stile.

Il legame profondo tra musica e piaceri dionisiaci è testimoniato dal foglio di musica che giace a terra, al centro del dipinto. In esso si legge un giocoso motto francese, che evoca il canone circolare di ripetizione che porta all'ebbrezza:La frase risale con ogni probabilità ad Adrian Willaert, compositore fiammingo in quegli anni a Ferrara.Non ci sono tuttavia strumenti musicali che suonano: gli unici strumenti ritratti, al momento inutilizzati, sono solo i flauti diritti, due tenuti in mano dalle ragazze in primo piano e un terzo è a terra poco più indietro, presso un bicchiere colmo di vino, una coppa metallica rovesciata e un vassoio per libagioni.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Esplora la Il tema musicale sulla Descrizione stile di questa opera d'arte, Baccanale_degli_Andrii.

Il legame profondo tra musica e piaceri dionisiaci è testimoniato dal foglio di musica che giace a terra, al centro del dipinto. In esso si legge un giocoso motto francese, che evoca il canone circolare di ripetizione che porta all'ebbrezza:La frase risale con ogni probabilità ad Adrian Willaert, compositore fiammingo in quegli anni a Ferrara.Non ci sono tuttavia strumenti musicali che suonano: gli unici strumenti ritratti, al momento inutilizzati, sono solo i flauti diritti, due tenuti in mano dalle ragazze in primo piano e un terzo è a terra poco più indietro, presso un bicchiere colmo di vino, una coppa metallica rovesciata e un vassoio per libagioni.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: In Baccanale_degli_Andrii, come viene chiarita la Il tema musicale della Descrizione stile?

Il legame profondo tra musica e piaceri dionisiaci è testimoniato dal foglio di musica che giace a terra, al centro del dipinto. In esso si legge un giocoso motto francese, che evoca il canone circolare di ripetizione che porta all'ebbrezza:La frase risale con ogni probabilità ad Adrian Willaert, compositore fiammingo in quegli anni a Ferrara.Non ci sono tuttavia strumenti musicali che suonano: gli unici strumenti ritratti, al momento inutilizzati, sono solo i flauti diritti, due tenuti in mano dalle ragazze in primo piano e un terzo è a terra poco più indietro, presso un bicchiere colmo di vino, una coppa metallica rovesciata e un vassoio per libagioni.

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Baccanale_degli_Andrii

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Il tema musicale nella Descrizione stile di Baccanale_degli_Andrii.

Il legame profondo tra musica e piaceri dionisiaci è testimoniato dal foglio di musica che giace a terra, al centro del dipinto. In esso si legge un giocoso motto francese, che evoca il canone circolare di ripetizione che porta all'ebbrezza:La frase risale con ogni probabilità ad Adrian Willaert, compositore fiammingo in quegli anni a Ferrara.Non ci sono tuttavia strumenti musicali che suonano: gli unici strumenti ritratti, al momento inutilizzati, sono solo i flauti diritti, due tenuti in mano dalle ragazze in primo piano e un terzo è a terra poco più indietro, presso un bicchiere colmo di vino, una coppa metallica rovesciata e un vassoio per libagioni.

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Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Concentrati su Allegoria_della_Prudenza ed esplora la abstract.

Allegoria della Prudenza è il titolo dato ad un quadro di Tiziano raffigurante tre teste umane, un vecchio, un uomo maturo ed un giovane, che sovrastano tre teste animali, rispettivamente un lupo, un leone ed un cane. Eseguito a olio su tela tra il 1565 e il 1570, il quadro misura 76,2 per 68,6 cm. È conservato nella National Gallery di Londra.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Allegoria_della_Prudenza.

Allegoria della Prudenza è il titolo dato ad un quadro di Tiziano raffigurante tre teste umane, un vecchio, un uomo maturo ed un giovane, che sovrastano tre teste animali, rispettivamente un lupo, un leone ed un cane. Eseguito a olio su tela tra il 1565 e il 1570, il quadro misura 76,2 per 68,6 cm. È conservato nella National Gallery di Londra.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Come chiarisce Allegoria_della_Prudenza la sua abstract?

Allegoria della Prudenza è il titolo dato ad un quadro di Tiziano raffigurante tre teste umane, un vecchio, un uomo maturo ed un giovane, che sovrastano tre teste animali, rispettivamente un lupo, un leone ed un cane. Eseguito a olio su tela tra il 1565 e il 1570, il quadro misura 76,2 per 68,6 cm. È conservato nella National Gallery di Londra.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Come viene discussa la abstract in Allegoria_della_Prudenza?

Allegoria della Prudenza è il titolo dato ad un quadro di Tiziano raffigurante tre teste umane, un vecchio, un uomo maturo ed un giovane, che sovrastano tre teste animali, rispettivamente un lupo, un leone ed un cane. Eseguito a olio su tela tra il 1565 e il 1570, il quadro misura 76,2 per 68,6 cm. È conservato nella National Gallery di Londra.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Concentrati su Allegoria_della_Prudenza ed esplora la Una lettura del quadro.

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo (giovinezza, maturità, vecchiaia) espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland. [1]La luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto (o titulus) diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA(M) ACTIONE(M) DETVRPET (Sulla base del passato / il presente prudentemente agisce / per non guastare l'azione futura).Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio (IV, 27)«Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo. La popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta (1419) degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili (1499), negli Emblemata di Andrea Alciati (1531) ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda l'Allegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata (1521) per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano (1556), opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa (1643), ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con l'Autoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso. [2] Per capire chi siano le altre due persone conviene ancora rifarsi ad Erwin Panofsky che ha, in modo convincente, ipotizzato che debba trattarsi del figlio Orazio (divenuto valido aiuto di Tiziano nell'amministrazione degli affari di famiglia) e Marco Vecellio, nipote di Tiziano figlio un certo suo cugino Tommaso (o Tomà) Vecellio, che il vecchio maestro aveva accolto nella sua casa avviandolo all'arte della pittura.La funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky, (a partire dal seminale L'arte della memoria di Frances Yates) hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto l'Idea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Esplora la Una lettura del quadro di questa opera d'arte, Allegoria_della_Prudenza.

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo (giovinezza, maturità, vecchiaia) espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland. [1]La luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto (o titulus) diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA(M) ACTIONE(M) DETVRPET (Sulla base del passato / il presente prudentemente agisce / per non guastare l'azione futura).Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio (IV, 27)«Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo. La popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta (1419) degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili (1499), negli Emblemata di Andrea Alciati (1531) ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda l'Allegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata (1521) per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano (1556), opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa (1643), ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con l'Autoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso. [2] Per capire chi siano le altre due persone conviene ancora rifarsi ad Erwin Panofsky che ha, in modo convincente, ipotizzato che debba trattarsi del figlio Orazio (divenuto valido aiuto di Tiziano nell'amministrazione degli affari di famiglia) e Marco Vecellio, nipote di Tiziano figlio un certo suo cugino Tommaso (o Tomà) Vecellio, che il vecchio maestro aveva accolto nella sua casa avviandolo all'arte della pittura.La funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky, (a partire dal seminale L'arte della memoria di Frances Yates) hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto l'Idea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Come chiarisce Allegoria_della_Prudenza la sua Una lettura del quadro?

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo (giovinezza, maturità, vecchiaia) espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland. [1]La luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto (o titulus) diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA(M) ACTIONE(M) DETVRPET (Sulla base del passato / il presente prudentemente agisce / per non guastare l'azione futura).Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio (IV, 27)«Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo. La popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta (1419) degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili (1499), negli Emblemata di Andrea Alciati (1531) ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda l'Allegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata (1521) per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano (1556), opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa (1643), ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con l'Autoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso. [2] Per capire chi siano le altre due persone conviene ancora rifarsi ad Erwin Panofsky che ha, in modo convincente, ipotizzato che debba trattarsi del figlio Orazio (divenuto valido aiuto di Tiziano nell'amministrazione degli affari di famiglia) e Marco Vecellio, nipote di Tiziano figlio un certo suo cugino Tommaso (o Tomà) Vecellio, che il vecchio maestro aveva accolto nella sua casa avviandolo all'arte della pittura.La funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky, (a partire dal seminale L'arte della memoria di Frances Yates) hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto l'Idea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Allegoria_della_Prudenza

Prompt: Come viene discussa la Una lettura del quadro in Allegoria_della_Prudenza?

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo (giovinezza, maturità, vecchiaia) espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland. [1]La luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto (o titulus) diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA(M) ACTIONE(M) DETVRPET (Sulla base del passato / il presente prudentemente agisce / per non guastare l'azione futura).Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio (IV, 27)«Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo. La popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta (1419) degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili (1499), negli Emblemata di Andrea Alciati (1531) ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda l'Allegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata (1521) per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano (1556), opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa (1643), ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con l'Autoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso. [2] Per capire chi siano le altre due persone conviene ancora rifarsi ad Erwin Panofsky che ha, in modo convincente, ipotizzato che debba trattarsi del figlio Orazio (divenuto valido aiuto di Tiziano nell'amministrazione degli affari di famiglia) e Marco Vecellio, nipote di Tiziano figlio un certo suo cugino Tommaso (o Tomà) Vecellio, che il vecchio maestro aveva accolto nella sua casa avviandolo all'arte della pittura.La funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky, (a partire dal seminale L'arte della memoria di Frances Yates) hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto l'Idea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Anfiteatro della memoria
Marco Vecellio
motto
Scolastica (filosofia)
Ambrogio Teodosio Macrobio
Horapollo
Hypnerotomachia Poliphili
Lina Bolzoni
Erwin Panofsky
Andrea Alciato
Andrea Alciati
Apollo
1556
Cesare Ripa
Egitto
Francesco Petrarca
Categoria:Dipinti di Tiziano
Frances Amelia Yates
Giulio Camillo Delminio
1499
Tiziano
Edipo
Teatro della Memoria
Prado
Idea del Theatro
Convivio
Emblemata
Scottish National Gallery
XVI secolo
Africa
Macrobio
Emblema
Saturnalia (Macrobio)
Saturnalia
1531
National Gallery of Scotland
Dante
National Gallery di Londra
tela
allegoria
Aristotele
pittura a olio
Alessandria d'Egitto
1926
Museo del Prado
Categoria:Iconografia
1521
emblema
Petrarca
Dante Alighieri
Umanesimo
1419
National Gallery (Londra)
Frances Yates
1643
Orapollo
Serapide
Hans Holbein il Giovane
Sfinge
olio
Tiziano Vecellio
pittura su tela
Panofsky
Alessandria
Africa (Petrarca)
Allegoria
Scolastica
Pierio Valeriano


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Concentrati su Musica_alle_Tuileries ed esplora la abstract.

Musica alle Tuileries (La Musique aux Tuileries) è un dipinto a olio su tela (76,2×118,1 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1862 e conservato alla National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Musica_alle_Tuileries.

Musica alle Tuileries (La Musique aux Tuileries) è un dipinto a olio su tela (76,2×118,1 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1862 e conservato alla National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Come chiarisce Musica_alle_Tuileries la sua abstract?

Musica alle Tuileries (La Musique aux Tuileries) è un dipinto a olio su tela (76,2×118,1 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1862 e conservato alla National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Come viene discussa la abstract in Musica_alle_Tuileries?

Musica alle Tuileries (La Musique aux Tuileries) è un dipinto a olio su tela (76,2×118,1 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1862 e conservato alla National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Concentrati su Musica_alle_Tuileries ed esplora la Descrizione.

Le Tuileries, parco che raccorda place de la Concorde con il museo del Louvre, era uno dei luoghi di ritrovo più mondani di Parigi, sede di concerti e di imprescindibili eventi sociali. Lo stesso Manet, che ricordiamo essere di origine altoborghese, vi si recava spesso dopo aver pranzato all'elegante caffè Tortoni, per appuntarvi qualche disegno in compagnia dell'amico Charles Baudelaire. Quest'ultimo aveva da poco scritto un saggio denominato Il pittore della vita moderna, dove affermò:Musica alle Tuileries ha decise tangenze con il saggio di Baudelaire, del quale intende essere probabilmente la trasposizione pittorica. Con questo dipinto, infatti, Manet intende cogliere l'eroismo della società moderna, senza rifugiarsi in temi storici o mitologici, e per farlo decide di raffigurare la borghesia parigina assiepata tra gli alberi delle Tuileries, con i loro sguardi e le loro osservazioni. Tra le varie personalità che affollano il parco vi sono lo stesso Manet con un bastone da passeggio, tagliato dal margine sinistro della tela (in riferimento al fatto che quello che vediamo non è che una porzione della vita), e vari suoi amici, come il pittore Albert de Balleroy, il fratello Eugène, il pittore Fantin-Latour, la moglie del comandante Lejosne, il musicista Offenbach (in quegli anni alla ribalta della gloria con il suo pezzo Orphée aux enfers) e infine Baudelaire, Gautier e Zacharie Astruc. A completare la composizione vi sono varie sedie da giardino e un parasole in primo piano. Manet, in questo modo, delinea compiutamente la propria situazione all'interno della società culturale parigina, in modo analogo a quanto già Courbet aveva fatto con L'atelier del pittore nel 1855.A dispetto del titolo non vi è traccia di concerti o strumenti musicali. Manet, in ogni caso, con Musica alle Tuileries si cimenta in un'audace raffigurazione della società parigina dell'Ottocento, dando vita a una composizione che seppur statica restituisce una sensazione di brulichio e di vita, la stessa «vita parigina» che verrà da lì a poco cantata da Offenbach in un'operetta: «Tutto gira, gira, gira ... Tutto danza, danza, danza ...». Quest'atmosfera chiassosa, che si armonizza perfettamente con l'impressione sonora della marea umana mentre conversa, deriva soprattutto dallo stile compendiario del dipinto, che presenta infatti una stesura pittorica poco definita, con i volumi che diventano sempre meno nitidi andando da sinistra a destra. Il fatto che le figure siano spesso poco più che abbozzate scandalizzò il pubblico: particolarmente acerba fu la condanna del critico Babou, scettico da tale «mania di vedere per macchie» che si estendeva persino ai ritratti, qualificati alla stregua di «la macchia-Baudelaire, la macchia-Manet» e via dicendo. Altrettanto criticata fu la scelta di Manet di raffigurare un tipo di scena sino ad allora privilegiato dalle riviste, dunque «basso», e quindi in completo disaccordo con i quadri accademici che andavano allora di moda, sempre affollati di personaggi storici o mitologici inseriti all'interno di ricche ambientazioni classicheggianti. Il quadro, in ogni caso, fu realizzato in studio dopo alcuni studi eseguiti sul posto, e fu esposto nel 1863 presso la galleria di Louis Martinet insieme ad altri dieci dipinti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Musica_alle_Tuileries.

Le Tuileries, parco che raccorda place de la Concorde con il museo del Louvre, era uno dei luoghi di ritrovo più mondani di Parigi, sede di concerti e di imprescindibili eventi sociali. Lo stesso Manet, che ricordiamo essere di origine altoborghese, vi si recava spesso dopo aver pranzato all'elegante caffè Tortoni, per appuntarvi qualche disegno in compagnia dell'amico Charles Baudelaire. Quest'ultimo aveva da poco scritto un saggio denominato Il pittore della vita moderna, dove affermò:Musica alle Tuileries ha decise tangenze con il saggio di Baudelaire, del quale intende essere probabilmente la trasposizione pittorica. Con questo dipinto, infatti, Manet intende cogliere l'eroismo della società moderna, senza rifugiarsi in temi storici o mitologici, e per farlo decide di raffigurare la borghesia parigina assiepata tra gli alberi delle Tuileries, con i loro sguardi e le loro osservazioni. Tra le varie personalità che affollano il parco vi sono lo stesso Manet con un bastone da passeggio, tagliato dal margine sinistro della tela (in riferimento al fatto che quello che vediamo non è che una porzione della vita), e vari suoi amici, come il pittore Albert de Balleroy, il fratello Eugène, il pittore Fantin-Latour, la moglie del comandante Lejosne, il musicista Offenbach (in quegli anni alla ribalta della gloria con il suo pezzo Orphée aux enfers) e infine Baudelaire, Gautier e Zacharie Astruc. A completare la composizione vi sono varie sedie da giardino e un parasole in primo piano. Manet, in questo modo, delinea compiutamente la propria situazione all'interno della società culturale parigina, in modo analogo a quanto già Courbet aveva fatto con L'atelier del pittore nel 1855.A dispetto del titolo non vi è traccia di concerti o strumenti musicali. Manet, in ogni caso, con Musica alle Tuileries si cimenta in un'audace raffigurazione della società parigina dell'Ottocento, dando vita a una composizione che seppur statica restituisce una sensazione di brulichio e di vita, la stessa «vita parigina» che verrà da lì a poco cantata da Offenbach in un'operetta: «Tutto gira, gira, gira ... Tutto danza, danza, danza ...». Quest'atmosfera chiassosa, che si armonizza perfettamente con l'impressione sonora della marea umana mentre conversa, deriva soprattutto dallo stile compendiario del dipinto, che presenta infatti una stesura pittorica poco definita, con i volumi che diventano sempre meno nitidi andando da sinistra a destra. Il fatto che le figure siano spesso poco più che abbozzate scandalizzò il pubblico: particolarmente acerba fu la condanna del critico Babou, scettico da tale «mania di vedere per macchie» che si estendeva persino ai ritratti, qualificati alla stregua di «la macchia-Baudelaire, la macchia-Manet» e via dicendo. Altrettanto criticata fu la scelta di Manet di raffigurare un tipo di scena sino ad allora privilegiato dalle riviste, dunque «basso», e quindi in completo disaccordo con i quadri accademici che andavano allora di moda, sempre affollati di personaggi storici o mitologici inseriti all'interno di ricche ambientazioni classicheggianti. Il quadro, in ogni caso, fu realizzato in studio dopo alcuni studi eseguiti sul posto, e fu esposto nel 1863 presso la galleria di Louis Martinet insieme ad altri dieci dipinti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Come chiarisce Musica_alle_Tuileries la sua Descrizione?

Le Tuileries, parco che raccorda place de la Concorde con il museo del Louvre, era uno dei luoghi di ritrovo più mondani di Parigi, sede di concerti e di imprescindibili eventi sociali. Lo stesso Manet, che ricordiamo essere di origine altoborghese, vi si recava spesso dopo aver pranzato all'elegante caffè Tortoni, per appuntarvi qualche disegno in compagnia dell'amico Charles Baudelaire. Quest'ultimo aveva da poco scritto un saggio denominato Il pittore della vita moderna, dove affermò:Musica alle Tuileries ha decise tangenze con il saggio di Baudelaire, del quale intende essere probabilmente la trasposizione pittorica. Con questo dipinto, infatti, Manet intende cogliere l'eroismo della società moderna, senza rifugiarsi in temi storici o mitologici, e per farlo decide di raffigurare la borghesia parigina assiepata tra gli alberi delle Tuileries, con i loro sguardi e le loro osservazioni. Tra le varie personalità che affollano il parco vi sono lo stesso Manet con un bastone da passeggio, tagliato dal margine sinistro della tela (in riferimento al fatto che quello che vediamo non è che una porzione della vita), e vari suoi amici, come il pittore Albert de Balleroy, il fratello Eugène, il pittore Fantin-Latour, la moglie del comandante Lejosne, il musicista Offenbach (in quegli anni alla ribalta della gloria con il suo pezzo Orphée aux enfers) e infine Baudelaire, Gautier e Zacharie Astruc. A completare la composizione vi sono varie sedie da giardino e un parasole in primo piano. Manet, in questo modo, delinea compiutamente la propria situazione all'interno della società culturale parigina, in modo analogo a quanto già Courbet aveva fatto con L'atelier del pittore nel 1855.A dispetto del titolo non vi è traccia di concerti o strumenti musicali. Manet, in ogni caso, con Musica alle Tuileries si cimenta in un'audace raffigurazione della società parigina dell'Ottocento, dando vita a una composizione che seppur statica restituisce una sensazione di brulichio e di vita, la stessa «vita parigina» che verrà da lì a poco cantata da Offenbach in un'operetta: «Tutto gira, gira, gira ... Tutto danza, danza, danza ...». Quest'atmosfera chiassosa, che si armonizza perfettamente con l'impressione sonora della marea umana mentre conversa, deriva soprattutto dallo stile compendiario del dipinto, che presenta infatti una stesura pittorica poco definita, con i volumi che diventano sempre meno nitidi andando da sinistra a destra. Il fatto che le figure siano spesso poco più che abbozzate scandalizzò il pubblico: particolarmente acerba fu la condanna del critico Babou, scettico da tale «mania di vedere per macchie» che si estendeva persino ai ritratti, qualificati alla stregua di «la macchia-Baudelaire, la macchia-Manet» e via dicendo. Altrettanto criticata fu la scelta di Manet di raffigurare un tipo di scena sino ad allora privilegiato dalle riviste, dunque «basso», e quindi in completo disaccordo con i quadri accademici che andavano allora di moda, sempre affollati di personaggi storici o mitologici inseriti all'interno di ricche ambientazioni classicheggianti. Il quadro, in ogni caso, fu realizzato in studio dopo alcuni studi eseguiti sul posto, e fu esposto nel 1863 presso la galleria di Louis Martinet insieme ad altri dieci dipinti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Musica_alle_Tuileries

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Musica_alle_Tuileries?

Le Tuileries, parco che raccorda place de la Concorde con il museo del Louvre, era uno dei luoghi di ritrovo più mondani di Parigi, sede di concerti e di imprescindibili eventi sociali. Lo stesso Manet, che ricordiamo essere di origine altoborghese, vi si recava spesso dopo aver pranzato all'elegante caffè Tortoni, per appuntarvi qualche disegno in compagnia dell'amico Charles Baudelaire. Quest'ultimo aveva da poco scritto un saggio denominato Il pittore della vita moderna, dove affermò:Musica alle Tuileries ha decise tangenze con il saggio di Baudelaire, del quale intende essere probabilmente la trasposizione pittorica. Con questo dipinto, infatti, Manet intende cogliere l'eroismo della società moderna, senza rifugiarsi in temi storici o mitologici, e per farlo decide di raffigurare la borghesia parigina assiepata tra gli alberi delle Tuileries, con i loro sguardi e le loro osservazioni. Tra le varie personalità che affollano il parco vi sono lo stesso Manet con un bastone da passeggio, tagliato dal margine sinistro della tela (in riferimento al fatto che quello che vediamo non è che una porzione della vita), e vari suoi amici, come il pittore Albert de Balleroy, il fratello Eugène, il pittore Fantin-Latour, la moglie del comandante Lejosne, il musicista Offenbach (in quegli anni alla ribalta della gloria con il suo pezzo Orphée aux enfers) e infine Baudelaire, Gautier e Zacharie Astruc. A completare la composizione vi sono varie sedie da giardino e un parasole in primo piano. Manet, in questo modo, delinea compiutamente la propria situazione all'interno della società culturale parigina, in modo analogo a quanto già Courbet aveva fatto con L'atelier del pittore nel 1855.A dispetto del titolo non vi è traccia di concerti o strumenti musicali. Manet, in ogni caso, con Musica alle Tuileries si cimenta in un'audace raffigurazione della società parigina dell'Ottocento, dando vita a una composizione che seppur statica restituisce una sensazione di brulichio e di vita, la stessa «vita parigina» che verrà da lì a poco cantata da Offenbach in un'operetta: «Tutto gira, gira, gira ... Tutto danza, danza, danza ...». Quest'atmosfera chiassosa, che si armonizza perfettamente con l'impressione sonora della marea umana mentre conversa, deriva soprattutto dallo stile compendiario del dipinto, che presenta infatti una stesura pittorica poco definita, con i volumi che diventano sempre meno nitidi andando da sinistra a destra. Il fatto che le figure siano spesso poco più che abbozzate scandalizzò il pubblico: particolarmente acerba fu la condanna del critico Babou, scettico da tale «mania di vedere per macchie» che si estendeva persino ai ritratti, qualificati alla stregua di «la macchia-Baudelaire, la macchia-Manet» e via dicendo. Altrettanto criticata fu la scelta di Manet di raffigurare un tipo di scena sino ad allora privilegiato dalle riviste, dunque «basso», e quindi in completo disaccordo con i quadri accademici che andavano allora di moda, sempre affollati di personaggi storici o mitologici inseriti all'interno di ricche ambientazioni classicheggianti. Il quadro, in ogni caso, fu realizzato in studio dopo alcuni studi eseguiti sul posto, e fu esposto nel 1863 presso la galleria di Louis Martinet insieme ad altri dieci dipinti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Natività_mistica

Prompt: Concentrati su Natività_mistica ed esplora la abstract.

La Natività mistica è un dipinto a tempera su tela (108,5x75 cm) di Sandro Botticelli, datato 1501 e conservato nella National Gallery di Londra.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Natività_mistica.

La Natività mistica è un dipinto a tempera su tela (108,5x75 cm) di Sandro Botticelli, datato 1501 e conservato nella National Gallery di Londra.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

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Natività_mistica

Prompt: Come chiarisce Natività_mistica la sua abstract?

La Natività mistica è un dipinto a tempera su tela (108,5x75 cm) di Sandro Botticelli, datato 1501 e conservato nella National Gallery di Londra.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Come viene discussa la abstract in Natività_mistica?

La Natività mistica è un dipinto a tempera su tela (108,5x75 cm) di Sandro Botticelli, datato 1501 e conservato nella National Gallery di Londra.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Concentrati su Natività_mistica ed esplora la Storia.

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Natività_mistica.

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

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Natività_mistica

Prompt: Come chiarisce Natività_mistica la sua Storia?

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

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Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

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Natività_mistica

Prompt: Come viene discussa la Storia in Natività_mistica?

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Concentrati su Natività_mistica ed esplora la Descrizione.

Il titolo di Natività mistica è stato assegnato dalla critica moderna per sottolineare il complesso simbolismo della scena.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Natività_mistica.

Il titolo di Natività mistica è stato assegnato dalla critica moderna per sottolineare il complesso simbolismo della scena.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Come chiarisce Natività_mistica la sua Descrizione?

Il titolo di Natività mistica è stato assegnato dalla critica moderna per sottolineare il complesso simbolismo della scena.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Natività_mistica?

Il titolo di Natività mistica è stato assegnato dalla critica moderna per sottolineare il complesso simbolismo della scena.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

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Natività_mistica

Prompt: Nel contesto di Natività_mistica, esplora la La grotta del Sandro botti e la Descrizione.

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

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Natività_mistica

Prompt: Esplora la La grotta del Sandro botti sulla Descrizione di questa opera d'arte, Natività_mistica.

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: In Natività_mistica, come viene chiarita la La grotta del Sandro botti della Descrizione?

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Descrivi le caratteristiche della La grotta del Sandro botti nella Descrizione di Natività_mistica.

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Nel contesto di Natività_mistica, esplora la Gli angeli nella metà inferiore e la Descrizione.

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Esplora la Gli angeli nella metà inferiore sulla Descrizione di questa opera d'arte, Natività_mistica.

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: In Natività_mistica, come viene chiarita la Gli angeli nella metà inferiore della Descrizione?

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Gli angeli nella metà inferiore nella Descrizione di Natività_mistica.

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Nel contesto di Natività_mistica, esplora la Gli angeli nella metà superiore e la Descrizione.

Sopra la tettoia tre angeli, con le vesti che ricordano i colori delle tre Virtù teologali (da sinistra bianco per la Fede, rosso per la Carità e verde per la Speranza) intonano un canto reggendo un corale tra le mani. Più in alto, oltre il boschetto che circonda la grotta, fatto di slanciati alberelli disposti a semicerchio, e il cielo azzurrino, si apre un fulgido brano di paradiso, su fondo oro, dove un gruppo di dodici angeli inscena un vorticoso carosello tenendosi per mano e reggendo rametti d'ulivo a cui sono appesi nastri svolazzanti e corone. Questo fantastico girotondo venne probabilmente ispirato da una reale sacra rappresentazione messa in scena da Filippo Brunelleschi in San Felice in Piazza. Si tratta di una ricreazione dell'Annunciazione, in cui dei fanciulli stavano sospesi nel vuoto, sostenuti da una struttura dorata a forma di cupola, simulando un coro angelico. Questo tipo di rappresentazione ebbe un successo tale che venne a lungo replicata per cui non è escluso che Botticelli l'avesse potuta osservare direttamente. Il disegno conservato agli Uffizi e noto come Lunetta con tre angeli volteggianti potrebbe essere preparatorio alle tre figure di angeli cantori.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Esplora la Gli angeli nella metà superiore sulla Descrizione di questa opera d'arte, Natività_mistica.

Sopra la tettoia tre angeli, con le vesti che ricordano i colori delle tre Virtù teologali (da sinistra bianco per la Fede, rosso per la Carità e verde per la Speranza) intonano un canto reggendo un corale tra le mani. Più in alto, oltre il boschetto che circonda la grotta, fatto di slanciati alberelli disposti a semicerchio, e il cielo azzurrino, si apre un fulgido brano di paradiso, su fondo oro, dove un gruppo di dodici angeli inscena un vorticoso carosello tenendosi per mano e reggendo rametti d'ulivo a cui sono appesi nastri svolazzanti e corone. Questo fantastico girotondo venne probabilmente ispirato da una reale sacra rappresentazione messa in scena da Filippo Brunelleschi in San Felice in Piazza. Si tratta di una ricreazione dell'Annunciazione, in cui dei fanciulli stavano sospesi nel vuoto, sostenuti da una struttura dorata a forma di cupola, simulando un coro angelico. Questo tipo di rappresentazione ebbe un successo tale che venne a lungo replicata per cui non è escluso che Botticelli l'avesse potuta osservare direttamente. Il disegno conservato agli Uffizi e noto come Lunetta con tre angeli volteggianti potrebbe essere preparatorio alle tre figure di angeli cantori.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: In Natività_mistica, come viene chiarita la Gli angeli nella metà superiore della Descrizione?

Sopra la tettoia tre angeli, con le vesti che ricordano i colori delle tre Virtù teologali (da sinistra bianco per la Fede, rosso per la Carità e verde per la Speranza) intonano un canto reggendo un corale tra le mani. Più in alto, oltre il boschetto che circonda la grotta, fatto di slanciati alberelli disposti a semicerchio, e il cielo azzurrino, si apre un fulgido brano di paradiso, su fondo oro, dove un gruppo di dodici angeli inscena un vorticoso carosello tenendosi per mano e reggendo rametti d'ulivo a cui sono appesi nastri svolazzanti e corone. Questo fantastico girotondo venne probabilmente ispirato da una reale sacra rappresentazione messa in scena da Filippo Brunelleschi in San Felice in Piazza. Si tratta di una ricreazione dell'Annunciazione, in cui dei fanciulli stavano sospesi nel vuoto, sostenuti da una struttura dorata a forma di cupola, simulando un coro angelico. Questo tipo di rappresentazione ebbe un successo tale che venne a lungo replicata per cui non è escluso che Botticelli l'avesse potuta osservare direttamente. Il disegno conservato agli Uffizi e noto come Lunetta con tre angeli volteggianti potrebbe essere preparatorio alle tre figure di angeli cantori.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Gli angeli nella metà superiore nella Descrizione di Natività_mistica.

Sopra la tettoia tre angeli, con le vesti che ricordano i colori delle tre Virtù teologali (da sinistra bianco per la Fede, rosso per la Carità e verde per la Speranza) intonano un canto reggendo un corale tra le mani. Più in alto, oltre il boschetto che circonda la grotta, fatto di slanciati alberelli disposti a semicerchio, e il cielo azzurrino, si apre un fulgido brano di paradiso, su fondo oro, dove un gruppo di dodici angeli inscena un vorticoso carosello tenendosi per mano e reggendo rametti d'ulivo a cui sono appesi nastri svolazzanti e corone. Questo fantastico girotondo venne probabilmente ispirato da una reale sacra rappresentazione messa in scena da Filippo Brunelleschi in San Felice in Piazza. Si tratta di una ricreazione dell'Annunciazione, in cui dei fanciulli stavano sospesi nel vuoto, sostenuti da una struttura dorata a forma di cupola, simulando un coro angelico. Questo tipo di rappresentazione ebbe un successo tale che venne a lungo replicata per cui non è escluso che Botticelli l'avesse potuta osservare direttamente. Il disegno conservato agli Uffizi e noto come Lunetta con tre angeli volteggianti potrebbe essere preparatorio alle tre figure di angeli cantori.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg


Natività_mistica

Prompt: Nel contesto di Natività_mistica, esplora la Interpretazioni e la Descrizione.

L'opera combina il tema della nascita di Cristo con quello della sua seconda venuta, cioè il ritorno sulla Terra prima del Giudizio Universale come promesso nel Libro della Rivelazione. In quell'occasione si assisterà alla completa riconciliazione tra gli uomini e Dio, come sembrano preannunciare le figure abbracciate in primo piano. Oppure le tre coppie potrebbero indicare i mezzi per vincere la presenza del male, ovvero la fratellanza e, tramite l'esempio degli angeli, la preghiera.Sicuramente il soggetto venne ispirato dalla situazione religiosa e politica fiorentina all'alba del nuovo secolo, memore ancora dei tragici eventi che avevano visto la calata di Carlo VIII, la cacciata di Piero de' Medici dalla signoria della città e la presa di potere del partito di Girolamo Savonarola. Botticelli in particolare dovette essere molto colpito dalla figura del frate ferrarese, e in tutte le sue opere dell'ultima fase, dagli anni ottanta in poi, si assiste a un ripiegamento verso forme sempre più drammaticamente religiose, ricche di significati escatologici e caratterizzate da convenzioni stilistiche volutamente arcaizzanti, che lasciarono sostanzialmente isolato l'artista nel panorama artistico dell'epoca.Il pathos che si respira nel quadro è eloquente e ricorda il canto del partito savonaroliano Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Non mancano però elementi della cultura umanistica, come la scritta in greco che corre lungo l'estremità superiore della tavola, che riporta la data e alcuni riferimenti alle condizioni dell'Italia in quel frangente, che vengono definite "torbide". Per molti studiosi l'iscrizione sarebbe un riferimento indiretto al Savonarola e all'avverarsi delle sue profezie catastrofiche.

Ricostruzione in modello dell'"ingegno" dell'Annunciazione di San Felice in Piazza di Brunelleschi

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti sulla natività di Gesù

File:Brunelleschi, ricostruzione del modello dell'ingegno dell'annuncianzioe di san felice in piazza, da una mostra del 1975.jpg