Diana_e_le_ninfe

Prompt: Concentrati su Diana_e_le_ninfe ed esplora la Descrizione e stile.

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi. La dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre (1654), le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

File:Vermeer - Diana en haar gezelschap (19th version with a blue sky).jpg

Cristo in casa di Marta e Maria (Vermeer)


Diana_e_le_ninfe

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Diana_e_le_ninfe.

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi. La dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre (1654), le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

File:Vermeer - Diana en haar gezelschap (19th version with a blue sky).jpg

Cristo in casa di Marta e Maria (Vermeer)


Diana_e_le_ninfe

Prompt: Come chiarisce Diana_e_le_ninfe la sua Descrizione e stile?

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi. La dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre (1654), le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

File:Vermeer - Diana en haar gezelschap (19th version with a blue sky).jpg

Cristo in casa di Marta e Maria (Vermeer)


Diana_e_le_ninfe

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Diana_e_le_ninfe?

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi. La dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre (1654), le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

File:Vermeer - Diana en haar gezelschap (19th version with a blue sky).jpg

Cristo in casa di Marta e Maria (Vermeer)


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Concentrati su Jeunes_filles_au_piano ed esplora la abstract.

Jeunes filles au piano è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1892 e conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Jeunes_filles_au_piano.

Jeunes filles au piano è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1892 e conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Come chiarisce Jeunes_filles_au_piano la sua abstract?

Jeunes filles au piano è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1892 e conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Come viene discussa la abstract in Jeunes_filles_au_piano?

Jeunes filles au piano è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1892 e conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Concentrati su Jeunes_filles_au_piano ed esplora la Descrizione.

Renoir, dopo aver eseguito l'opera nel 1892, la espose alla sua rassegna personale presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Da lì fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei pittori ancora viventi più celebri e riunirle in una sala al palazzo del Lussemburgo, interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare dunque palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.L'opera raffigura due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano a suonare il pianoforte. Renoir si sofferma sui vari particolari dell'abitazione familiare, restituendo un'immagine che coglie magistralmente la deliziosa immersione delle due fanciulle negli esercizi musicali: Jeunes filles au piano, in effetti, è un dipinto che riprende la maniera sciolta, immediata e spontanea di Berthe Morisot, pittrice impressionista dedita alla raffigurazione di donne che svolgono attività di vario tipo entro le mura domestiche. Brani di particolare preziosità pittorica sono il vaso posto sul pianoforte, la chioma bionda e fluente che incornicia il viso angelico della ragazza in primo piano e la sua mano destra, appoggiata sulla tastiera dello strumento come se volesse accarezzarlo.Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo stile aigre. Le forme di questo dipinto, infatti, sono descritte da linee morbide e dolci e sono irrorate di una luminosità fresca e diffusa: si avverte chiaramente, dunque, l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle precedenti opere aigre. È a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Jeunes_filles_au_piano.

Renoir, dopo aver eseguito l'opera nel 1892, la espose alla sua rassegna personale presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Da lì fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei pittori ancora viventi più celebri e riunirle in una sala al palazzo del Lussemburgo, interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare dunque palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.L'opera raffigura due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano a suonare il pianoforte. Renoir si sofferma sui vari particolari dell'abitazione familiare, restituendo un'immagine che coglie magistralmente la deliziosa immersione delle due fanciulle negli esercizi musicali: Jeunes filles au piano, in effetti, è un dipinto che riprende la maniera sciolta, immediata e spontanea di Berthe Morisot, pittrice impressionista dedita alla raffigurazione di donne che svolgono attività di vario tipo entro le mura domestiche. Brani di particolare preziosità pittorica sono il vaso posto sul pianoforte, la chioma bionda e fluente che incornicia il viso angelico della ragazza in primo piano e la sua mano destra, appoggiata sulla tastiera dello strumento come se volesse accarezzarlo.Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo stile aigre. Le forme di questo dipinto, infatti, sono descritte da linee morbide e dolci e sono irrorate di una luminosità fresca e diffusa: si avverte chiaramente, dunque, l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle precedenti opere aigre. È a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Come chiarisce Jeunes_filles_au_piano la sua Descrizione?

Renoir, dopo aver eseguito l'opera nel 1892, la espose alla sua rassegna personale presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Da lì fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei pittori ancora viventi più celebri e riunirle in una sala al palazzo del Lussemburgo, interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare dunque palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.L'opera raffigura due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano a suonare il pianoforte. Renoir si sofferma sui vari particolari dell'abitazione familiare, restituendo un'immagine che coglie magistralmente la deliziosa immersione delle due fanciulle negli esercizi musicali: Jeunes filles au piano, in effetti, è un dipinto che riprende la maniera sciolta, immediata e spontanea di Berthe Morisot, pittrice impressionista dedita alla raffigurazione di donne che svolgono attività di vario tipo entro le mura domestiche. Brani di particolare preziosità pittorica sono il vaso posto sul pianoforte, la chioma bionda e fluente che incornicia il viso angelico della ragazza in primo piano e la sua mano destra, appoggiata sulla tastiera dello strumento come se volesse accarezzarlo.Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo stile aigre. Le forme di questo dipinto, infatti, sono descritte da linee morbide e dolci e sono irrorate di una luminosità fresca e diffusa: si avverte chiaramente, dunque, l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle precedenti opere aigre. È a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Jeunes_filles_au_piano

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Jeunes_filles_au_piano?

Renoir, dopo aver eseguito l'opera nel 1892, la espose alla sua rassegna personale presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Da lì fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei pittori ancora viventi più celebri e riunirle in una sala al palazzo del Lussemburgo, interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare dunque palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.L'opera raffigura due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano a suonare il pianoforte. Renoir si sofferma sui vari particolari dell'abitazione familiare, restituendo un'immagine che coglie magistralmente la deliziosa immersione delle due fanciulle negli esercizi musicali: Jeunes filles au piano, in effetti, è un dipinto che riprende la maniera sciolta, immediata e spontanea di Berthe Morisot, pittrice impressionista dedita alla raffigurazione di donne che svolgono attività di vario tipo entro le mura domestiche. Brani di particolare preziosità pittorica sono il vaso posto sul pianoforte, la chioma bionda e fluente che incornicia il viso angelico della ragazza in primo piano e la sua mano destra, appoggiata sulla tastiera dello strumento come se volesse accarezzarlo.Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo stile aigre. Le forme di questo dipinto, infatti, sono descritte da linee morbide e dolci e sono irrorate di una luminosità fresca e diffusa: si avverte chiaramente, dunque, l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle precedenti opere aigre. È a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

Categoria:Dipinti di Pierre-Auguste Renoir


Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi ed esplora la abstract.

Il Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi è un dipinto a olio su tavola (155,2x118,9 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1518. Il grande ritratto del papa venne inviato a Firenze nel 1518 per rappresentare il pontefice, impossibilitato a spostarsi, alle nozze del nipote Lorenzo duca di Urbino con la nobildonna francese Madeleine de La Tour d'Auvergne (parente del re di Francia Francesco I), dalla cui unione nacque Caterina de' Medici. Il ritratto venne sistemato in Palazzo Medici e le fonti lo ricordano "sopra alla tavola dove mangiava la Duchessa e gli altri signori, in mezzo, che veramente rallegrava ogni cosa".Vasari ne fece una descrizione di stupefatta ammirazione, che ben rievoca l'impressione che l'opera fece presso i contemporanei: incantava l'acuta descrizione degli oggetti, la resa minuziosa dei dettagli preziosi e soprattutto "i lumi delle finestre, le spalle del papa e il rigirare delle stanze" riflessi nel pomello della sedia camerale.Ne furono fatte varie copie, tra cui una del Vasari stesso nel 1536; lo storico aretino riporta anche una storia secondo cui una copia di Andrea del Sarto (oggi a Napoli) venne spedita al posto dell'originale a Federico II Gonzaga, che l'aveva ammirato in casa di Ottaviano de' Medici e tanto aveva insistito per avere l'opera con Clemente VII; in realtà si pensa si tratti di un falso racconto, poiché dal carteggio si evince che il marchese non ricevette il dipinto prima del 1525.Secondo Federico Zeri la copia di Vasari era invece custodita (e fu fotografata) nel 1985 presso una non specificata collezione privata a Terni.Una terza copia fu dipinta nel 1520 da Giuliano Bugiardini con il cardinale nipote Innocenzo Cybo al posto del de' Rossi, nel frattempo deceduto.Nel 1589 l'originale risulta inventariato agli Uffizi, e dal 1799 al 1816 finì in Francia tra le prede napoleoniche.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino delle collezioni, destinando il ritratto alla galleria palatina di palazzo Pitti, dove l'opera si trovava fino al XIX secolo.Dopo il restauro del 1995, la tavola è stata di nuovo restaurata nel 2017-2018

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi.

Il Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi è un dipinto a olio su tavola (155,2x118,9 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1518. Il grande ritratto del papa venne inviato a Firenze nel 1518 per rappresentare il pontefice, impossibilitato a spostarsi, alle nozze del nipote Lorenzo duca di Urbino con la nobildonna francese Madeleine de La Tour d'Auvergne (parente del re di Francia Francesco I), dalla cui unione nacque Caterina de' Medici. Il ritratto venne sistemato in Palazzo Medici e le fonti lo ricordano "sopra alla tavola dove mangiava la Duchessa e gli altri signori, in mezzo, che veramente rallegrava ogni cosa".Vasari ne fece una descrizione di stupefatta ammirazione, che ben rievoca l'impressione che l'opera fece presso i contemporanei: incantava l'acuta descrizione degli oggetti, la resa minuziosa dei dettagli preziosi e soprattutto "i lumi delle finestre, le spalle del papa e il rigirare delle stanze" riflessi nel pomello della sedia camerale.Ne furono fatte varie copie, tra cui una del Vasari stesso nel 1536; lo storico aretino riporta anche una storia secondo cui una copia di Andrea del Sarto (oggi a Napoli) venne spedita al posto dell'originale a Federico II Gonzaga, che l'aveva ammirato in casa di Ottaviano de' Medici e tanto aveva insistito per avere l'opera con Clemente VII; in realtà si pensa si tratti di un falso racconto, poiché dal carteggio si evince che il marchese non ricevette il dipinto prima del 1525.Secondo Federico Zeri la copia di Vasari era invece custodita (e fu fotografata) nel 1985 presso una non specificata collezione privata a Terni.Una terza copia fu dipinta nel 1520 da Giuliano Bugiardini con il cardinale nipote Innocenzo Cybo al posto del de' Rossi, nel frattempo deceduto.Nel 1589 l'originale risulta inventariato agli Uffizi, e dal 1799 al 1816 finì in Francia tra le prede napoleoniche.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino delle collezioni, destinando il ritratto alla galleria palatina di palazzo Pitti, dove l'opera si trovava fino al XIX secolo.Dopo il restauro del 1995, la tavola è stata di nuovo restaurata nel 2017-2018

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi la sua abstract?

Il Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi è un dipinto a olio su tavola (155,2x118,9 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1518. Il grande ritratto del papa venne inviato a Firenze nel 1518 per rappresentare il pontefice, impossibilitato a spostarsi, alle nozze del nipote Lorenzo duca di Urbino con la nobildonna francese Madeleine de La Tour d'Auvergne (parente del re di Francia Francesco I), dalla cui unione nacque Caterina de' Medici. Il ritratto venne sistemato in Palazzo Medici e le fonti lo ricordano "sopra alla tavola dove mangiava la Duchessa e gli altri signori, in mezzo, che veramente rallegrava ogni cosa".Vasari ne fece una descrizione di stupefatta ammirazione, che ben rievoca l'impressione che l'opera fece presso i contemporanei: incantava l'acuta descrizione degli oggetti, la resa minuziosa dei dettagli preziosi e soprattutto "i lumi delle finestre, le spalle del papa e il rigirare delle stanze" riflessi nel pomello della sedia camerale.Ne furono fatte varie copie, tra cui una del Vasari stesso nel 1536; lo storico aretino riporta anche una storia secondo cui una copia di Andrea del Sarto (oggi a Napoli) venne spedita al posto dell'originale a Federico II Gonzaga, che l'aveva ammirato in casa di Ottaviano de' Medici e tanto aveva insistito per avere l'opera con Clemente VII; in realtà si pensa si tratti di un falso racconto, poiché dal carteggio si evince che il marchese non ricevette il dipinto prima del 1525.Secondo Federico Zeri la copia di Vasari era invece custodita (e fu fotografata) nel 1985 presso una non specificata collezione privata a Terni.Una terza copia fu dipinta nel 1520 da Giuliano Bugiardini con il cardinale nipote Innocenzo Cybo al posto del de' Rossi, nel frattempo deceduto.Nel 1589 l'originale risulta inventariato agli Uffizi, e dal 1799 al 1816 finì in Francia tra le prede napoleoniche.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino delle collezioni, destinando il ritratto alla galleria palatina di palazzo Pitti, dove l'opera si trovava fino al XIX secolo.Dopo il restauro del 1995, la tavola è stata di nuovo restaurata nel 2017-2018

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi?

Il Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi è un dipinto a olio su tavola (155,2x118,9 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1518. Il grande ritratto del papa venne inviato a Firenze nel 1518 per rappresentare il pontefice, impossibilitato a spostarsi, alle nozze del nipote Lorenzo duca di Urbino con la nobildonna francese Madeleine de La Tour d'Auvergne (parente del re di Francia Francesco I), dalla cui unione nacque Caterina de' Medici. Il ritratto venne sistemato in Palazzo Medici e le fonti lo ricordano "sopra alla tavola dove mangiava la Duchessa e gli altri signori, in mezzo, che veramente rallegrava ogni cosa".Vasari ne fece una descrizione di stupefatta ammirazione, che ben rievoca l'impressione che l'opera fece presso i contemporanei: incantava l'acuta descrizione degli oggetti, la resa minuziosa dei dettagli preziosi e soprattutto "i lumi delle finestre, le spalle del papa e il rigirare delle stanze" riflessi nel pomello della sedia camerale.Ne furono fatte varie copie, tra cui una del Vasari stesso nel 1536; lo storico aretino riporta anche una storia secondo cui una copia di Andrea del Sarto (oggi a Napoli) venne spedita al posto dell'originale a Federico II Gonzaga, che l'aveva ammirato in casa di Ottaviano de' Medici e tanto aveva insistito per avere l'opera con Clemente VII; in realtà si pensa si tratti di un falso racconto, poiché dal carteggio si evince che il marchese non ricevette il dipinto prima del 1525.Secondo Federico Zeri la copia di Vasari era invece custodita (e fu fotografata) nel 1985 presso una non specificata collezione privata a Terni.Una terza copia fu dipinta nel 1520 da Giuliano Bugiardini con il cardinale nipote Innocenzo Cybo al posto del de' Rossi, nel frattempo deceduto.Nel 1589 l'originale risulta inventariato agli Uffizi, e dal 1799 al 1816 finì in Francia tra le prede napoleoniche.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino delle collezioni, destinando il ritratto alla galleria palatina di palazzo Pitti, dove l'opera si trovava fino al XIX secolo.Dopo il restauro del 1995, la tavola è stata di nuovo restaurata nel 2017-2018

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi ed esplora la Descrizione e stile.

Con questo ritratto ufficiale, Raffaello proseguì nell'opera di rinnovo della tradizione già avviata con il Ritratto di Giulio II. Il papa, vestito col camauro, la mozzetta e una veste di velluto bordata di pelliccia e riccamente decorata, è infatti seduto a un tavolo coperto da un drappo rosso sulla sedia camerale sul cui pomello si vede un riflesso della finestra e della stanza. La composizione si svolge in diagonale, anziché di profilo o frontalmente come di solito, e il papa non è ritratto in maniera impostata, ma intento alla lettura, appena sospesa, di un prezioso manoscritto miniato (un libro d'ore), lente d'ingrandimento alla mano, vicino a una campanella riccamente ornata a cesello, usata per chiamare i servitori e i cortigiani. Gli oggetti sul tavolo alludono senza dubbio ai gusti raffinati del Papa mecenate. Pochi accenni spaziali mostrano un pilastro della stanza, con cornici spezzate.Dietro di lui stanno due cardinali cugini, Giulio de' Medici (futuro Clemente VII, a sinistra) e Luigi de' Rossi (a destra), in assenza di azione che accentua il carattere "storico" della rappresentazione. L'ultimo restauro ha potuto appurare che queste due figure non sono state aggiunte in un secondo momento (come si pensava in precedenza), poiché il loro disegno si sovrappone in maniera congrua a quello della sedia e del tavolo e le incisioni che disegnano l'architettura dello sfondo si fermano esattamente ai loro contorni). Il ritratto acquisì quindi poco dopo anche il valore di esaltazione dinastica. Essi dimostrano una notevole familiarità, col gesto del cardinal de' Rossi che poggia le mani sullo schienale della sedia e guarda direttamente lo spettatore, come se ne percepisse la presenza; gli altri sguardi invece divergono, quasi ad amplificare lo spazio su molteplici direttrici.Il ritratto del papa è altamente individuato nella fisionomia, come il volto tondo e dal mento gonfio, il naso grande e arcuato, lo sguardo intenso, rivolto a un punto indefinito nella stanza, i solchi ai lati della bocca, sulla fronte le leggere occhiaie, oltre alla leggera ricrescita della barba.Il punto di vista è leggermente rialzato e il taglio del tavolo dai bordi del dipinto creano un effetto particolarmente innovativo, che evidenzia le direttrici diagonali: l'effetto è quello di uno spazio aperto che prosegue in tutte le direzioni, coinvolgendo al massimo lo spettatore che si trova vivamente partecipe alla scena.I colori si basano su una stupenda "sinfonia dei rossi", dal purpureo del copricapo di velluto, alle sete cardinalizie dai toni accesi, fino allo scarlatto del drappo lanoso sul tavolo e alla tinta sanguigna delle frange e della stoffa sulla sedia.L'atmosfera pacata ma allusiva al potere papale e allo splendore della sua corte e l'armonia dell'intera composizione fanno di questo dipinto una delle opere più significative e ammirate degli ultimi anni dell'artista.

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi.

Con questo ritratto ufficiale, Raffaello proseguì nell'opera di rinnovo della tradizione già avviata con il Ritratto di Giulio II. Il papa, vestito col camauro, la mozzetta e una veste di velluto bordata di pelliccia e riccamente decorata, è infatti seduto a un tavolo coperto da un drappo rosso sulla sedia camerale sul cui pomello si vede un riflesso della finestra e della stanza. La composizione si svolge in diagonale, anziché di profilo o frontalmente come di solito, e il papa non è ritratto in maniera impostata, ma intento alla lettura, appena sospesa, di un prezioso manoscritto miniato (un libro d'ore), lente d'ingrandimento alla mano, vicino a una campanella riccamente ornata a cesello, usata per chiamare i servitori e i cortigiani. Gli oggetti sul tavolo alludono senza dubbio ai gusti raffinati del Papa mecenate. Pochi accenni spaziali mostrano un pilastro della stanza, con cornici spezzate.Dietro di lui stanno due cardinali cugini, Giulio de' Medici (futuro Clemente VII, a sinistra) e Luigi de' Rossi (a destra), in assenza di azione che accentua il carattere "storico" della rappresentazione. L'ultimo restauro ha potuto appurare che queste due figure non sono state aggiunte in un secondo momento (come si pensava in precedenza), poiché il loro disegno si sovrappone in maniera congrua a quello della sedia e del tavolo e le incisioni che disegnano l'architettura dello sfondo si fermano esattamente ai loro contorni). Il ritratto acquisì quindi poco dopo anche il valore di esaltazione dinastica. Essi dimostrano una notevole familiarità, col gesto del cardinal de' Rossi che poggia le mani sullo schienale della sedia e guarda direttamente lo spettatore, come se ne percepisse la presenza; gli altri sguardi invece divergono, quasi ad amplificare lo spazio su molteplici direttrici.Il ritratto del papa è altamente individuato nella fisionomia, come il volto tondo e dal mento gonfio, il naso grande e arcuato, lo sguardo intenso, rivolto a un punto indefinito nella stanza, i solchi ai lati della bocca, sulla fronte le leggere occhiaie, oltre alla leggera ricrescita della barba.Il punto di vista è leggermente rialzato e il taglio del tavolo dai bordi del dipinto creano un effetto particolarmente innovativo, che evidenzia le direttrici diagonali: l'effetto è quello di uno spazio aperto che prosegue in tutte le direzioni, coinvolgendo al massimo lo spettatore che si trova vivamente partecipe alla scena.I colori si basano su una stupenda "sinfonia dei rossi", dal purpureo del copricapo di velluto, alle sete cardinalizie dai toni accesi, fino allo scarlatto del drappo lanoso sul tavolo e alla tinta sanguigna delle frange e della stoffa sulla sedia.L'atmosfera pacata ma allusiva al potere papale e allo splendore della sua corte e l'armonia dell'intera composizione fanno di questo dipinto una delle opere più significative e ammirate degli ultimi anni dell'artista.

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi la sua Descrizione e stile?

Con questo ritratto ufficiale, Raffaello proseguì nell'opera di rinnovo della tradizione già avviata con il Ritratto di Giulio II. Il papa, vestito col camauro, la mozzetta e una veste di velluto bordata di pelliccia e riccamente decorata, è infatti seduto a un tavolo coperto da un drappo rosso sulla sedia camerale sul cui pomello si vede un riflesso della finestra e della stanza. La composizione si svolge in diagonale, anziché di profilo o frontalmente come di solito, e il papa non è ritratto in maniera impostata, ma intento alla lettura, appena sospesa, di un prezioso manoscritto miniato (un libro d'ore), lente d'ingrandimento alla mano, vicino a una campanella riccamente ornata a cesello, usata per chiamare i servitori e i cortigiani. Gli oggetti sul tavolo alludono senza dubbio ai gusti raffinati del Papa mecenate. Pochi accenni spaziali mostrano un pilastro della stanza, con cornici spezzate.Dietro di lui stanno due cardinali cugini, Giulio de' Medici (futuro Clemente VII, a sinistra) e Luigi de' Rossi (a destra), in assenza di azione che accentua il carattere "storico" della rappresentazione. L'ultimo restauro ha potuto appurare che queste due figure non sono state aggiunte in un secondo momento (come si pensava in precedenza), poiché il loro disegno si sovrappone in maniera congrua a quello della sedia e del tavolo e le incisioni che disegnano l'architettura dello sfondo si fermano esattamente ai loro contorni). Il ritratto acquisì quindi poco dopo anche il valore di esaltazione dinastica. Essi dimostrano una notevole familiarità, col gesto del cardinal de' Rossi che poggia le mani sullo schienale della sedia e guarda direttamente lo spettatore, come se ne percepisse la presenza; gli altri sguardi invece divergono, quasi ad amplificare lo spazio su molteplici direttrici.Il ritratto del papa è altamente individuato nella fisionomia, come il volto tondo e dal mento gonfio, il naso grande e arcuato, lo sguardo intenso, rivolto a un punto indefinito nella stanza, i solchi ai lati della bocca, sulla fronte le leggere occhiaie, oltre alla leggera ricrescita della barba.Il punto di vista è leggermente rialzato e il taglio del tavolo dai bordi del dipinto creano un effetto particolarmente innovativo, che evidenzia le direttrici diagonali: l'effetto è quello di uno spazio aperto che prosegue in tutte le direzioni, coinvolgendo al massimo lo spettatore che si trova vivamente partecipe alla scena.I colori si basano su una stupenda "sinfonia dei rossi", dal purpureo del copricapo di velluto, alle sete cardinalizie dai toni accesi, fino allo scarlatto del drappo lanoso sul tavolo e alla tinta sanguigna delle frange e della stoffa sulla sedia.L'atmosfera pacata ma allusiva al potere papale e allo splendore della sua corte e l'armonia dell'intera composizione fanno di questo dipinto una delle opere più significative e ammirate degli ultimi anni dell'artista.

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Ritratto_di_Leone_X_con_i_cardinali_Giulio_de'_Medici_e_Luigi_de'_Rossi?

Con questo ritratto ufficiale, Raffaello proseguì nell'opera di rinnovo della tradizione già avviata con il Ritratto di Giulio II. Il papa, vestito col camauro, la mozzetta e una veste di velluto bordata di pelliccia e riccamente decorata, è infatti seduto a un tavolo coperto da un drappo rosso sulla sedia camerale sul cui pomello si vede un riflesso della finestra e della stanza. La composizione si svolge in diagonale, anziché di profilo o frontalmente come di solito, e il papa non è ritratto in maniera impostata, ma intento alla lettura, appena sospesa, di un prezioso manoscritto miniato (un libro d'ore), lente d'ingrandimento alla mano, vicino a una campanella riccamente ornata a cesello, usata per chiamare i servitori e i cortigiani. Gli oggetti sul tavolo alludono senza dubbio ai gusti raffinati del Papa mecenate. Pochi accenni spaziali mostrano un pilastro della stanza, con cornici spezzate.Dietro di lui stanno due cardinali cugini, Giulio de' Medici (futuro Clemente VII, a sinistra) e Luigi de' Rossi (a destra), in assenza di azione che accentua il carattere "storico" della rappresentazione. L'ultimo restauro ha potuto appurare che queste due figure non sono state aggiunte in un secondo momento (come si pensava in precedenza), poiché il loro disegno si sovrappone in maniera congrua a quello della sedia e del tavolo e le incisioni che disegnano l'architettura dello sfondo si fermano esattamente ai loro contorni). Il ritratto acquisì quindi poco dopo anche il valore di esaltazione dinastica. Essi dimostrano una notevole familiarità, col gesto del cardinal de' Rossi che poggia le mani sullo schienale della sedia e guarda direttamente lo spettatore, come se ne percepisse la presenza; gli altri sguardi invece divergono, quasi ad amplificare lo spazio su molteplici direttrici.Il ritratto del papa è altamente individuato nella fisionomia, come il volto tondo e dal mento gonfio, il naso grande e arcuato, lo sguardo intenso, rivolto a un punto indefinito nella stanza, i solchi ai lati della bocca, sulla fronte le leggere occhiaie, oltre alla leggera ricrescita della barba.Il punto di vista è leggermente rialzato e il taglio del tavolo dai bordi del dipinto creano un effetto particolarmente innovativo, che evidenzia le direttrici diagonali: l'effetto è quello di uno spazio aperto che prosegue in tutte le direzioni, coinvolgendo al massimo lo spettatore che si trova vivamente partecipe alla scena.I colori si basano su una stupenda "sinfonia dei rossi", dal purpureo del copricapo di velluto, alle sete cardinalizie dai toni accesi, fino allo scarlatto del drappo lanoso sul tavolo e alla tinta sanguigna delle frange e della stoffa sulla sedia.L'atmosfera pacata ma allusiva al potere papale e allo splendore della sua corte e l'armonia dell'intera composizione fanno di questo dipinto una delle opere più significative e ammirate degli ultimi anni dell'artista.

Categoria:Dipinti nella Galleria Palatina

Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi (Andrea del Sarto Napoli)

Categoria:Ritratti pittorici di cardinali


Pala_degli_Oddi

Prompt: Concentrati su Pala_degli_Oddi ed esplora la abstract.

La Pala degli Oddi è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela (267x163 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Pala_degli_Oddi.

La Pala degli Oddi è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela (267x163 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come chiarisce Pala_degli_Oddi la sua abstract?

La Pala degli Oddi è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela (267x163 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come viene discussa la abstract in Pala_degli_Oddi?

La Pala degli Oddi è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela (267x163 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Concentrati su Pala_degli_Oddi ed esplora la Storia.

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti (Oxford, Ashmolean Museum), uno per l'apostolo in primo piano a destra (Londra, British Museum), e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso, (Lilla, Musée des Beaux-Arts)

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Pala_degli_Oddi.

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti (Oxford, Ashmolean Museum), uno per l'apostolo in primo piano a destra (Londra, British Museum), e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso, (Lilla, Musée des Beaux-Arts)

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come chiarisce Pala_degli_Oddi la sua Storia?

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti (Oxford, Ashmolean Museum), uno per l'apostolo in primo piano a destra (Londra, British Museum), e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso, (Lilla, Musée des Beaux-Arts)

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come viene discussa la Storia in Pala_degli_Oddi?

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti (Oxford, Ashmolean Museum), uno per l'apostolo in primo piano a destra (Londra, British Museum), e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso, (Lilla, Musée des Beaux-Arts)

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Concentrati su Pala_degli_Oddi ed esplora la Descrizione e stile.

L'opera mostra l'incoronazione della Vergine, divisa in due registri come tipico della scuola di Perugino: in alto, nella metà celeste, ha luogo l'incoronazione vera e propria, per mano di Gesù e alla presenza di quattro festosi angeli musicanti, un paio di putti alati sdraiati su soffici nuvolette e uno stormo di cherubini e serafini in aria; in basso, nella metà terrena, si trova il sepolcro scoperchiato di Maria e i dodici apostoli che assistono meravigliati all'ascensione e all'avvenimento paradisiaco. Dal sarcofago, disposto in tralice, escono fiori tipicamente offerti alla Vergine, quali gigli bianchi e rose. Il tema dell'Incoronazione è contaminato con quello della Madonna della Cintola, infatti san Tommaso, al centro, stende tra le mani la cintura ricevuta in dono da Maria, ovvero la reliquia del Sacro Cingolo venerata a Prato.Perugino si era già cimentato con composizioni simili come nella Pala di Monteripido, di quegli stessi anni, dal cui confronto però emergono anche le novità del linguaggio di Raffaello, che tenta di rinsaldare le due zone non eliminando però ancora la cesura centrale e differenziando con maggiore incisività le espressioni dei vari astanti, non senza qualche limite che è stato definito "di insistenza accademica".

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

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Pala_degli_Oddi

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Pala_degli_Oddi.

L'opera mostra l'incoronazione della Vergine, divisa in due registri come tipico della scuola di Perugino: in alto, nella metà celeste, ha luogo l'incoronazione vera e propria, per mano di Gesù e alla presenza di quattro festosi angeli musicanti, un paio di putti alati sdraiati su soffici nuvolette e uno stormo di cherubini e serafini in aria; in basso, nella metà terrena, si trova il sepolcro scoperchiato di Maria e i dodici apostoli che assistono meravigliati all'ascensione e all'avvenimento paradisiaco. Dal sarcofago, disposto in tralice, escono fiori tipicamente offerti alla Vergine, quali gigli bianchi e rose. Il tema dell'Incoronazione è contaminato con quello della Madonna della Cintola, infatti san Tommaso, al centro, stende tra le mani la cintura ricevuta in dono da Maria, ovvero la reliquia del Sacro Cingolo venerata a Prato.Perugino si era già cimentato con composizioni simili come nella Pala di Monteripido, di quegli stessi anni, dal cui confronto però emergono anche le novità del linguaggio di Raffaello, che tenta di rinsaldare le due zone non eliminando però ancora la cesura centrale e differenziando con maggiore incisività le espressioni dei vari astanti, non senza qualche limite che è stato definito "di insistenza accademica".

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come chiarisce Pala_degli_Oddi la sua Descrizione e stile?

L'opera mostra l'incoronazione della Vergine, divisa in due registri come tipico della scuola di Perugino: in alto, nella metà celeste, ha luogo l'incoronazione vera e propria, per mano di Gesù e alla presenza di quattro festosi angeli musicanti, un paio di putti alati sdraiati su soffici nuvolette e uno stormo di cherubini e serafini in aria; in basso, nella metà terrena, si trova il sepolcro scoperchiato di Maria e i dodici apostoli che assistono meravigliati all'ascensione e all'avvenimento paradisiaco. Dal sarcofago, disposto in tralice, escono fiori tipicamente offerti alla Vergine, quali gigli bianchi e rose. Il tema dell'Incoronazione è contaminato con quello della Madonna della Cintola, infatti san Tommaso, al centro, stende tra le mani la cintura ricevuta in dono da Maria, ovvero la reliquia del Sacro Cingolo venerata a Prato.Perugino si era già cimentato con composizioni simili come nella Pala di Monteripido, di quegli stessi anni, dal cui confronto però emergono anche le novità del linguaggio di Raffaello, che tenta di rinsaldare le due zone non eliminando però ancora la cesura centrale e differenziando con maggiore incisività le espressioni dei vari astanti, non senza qualche limite che è stato definito "di insistenza accademica".

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Pala_degli_Oddi?

L'opera mostra l'incoronazione della Vergine, divisa in due registri come tipico della scuola di Perugino: in alto, nella metà celeste, ha luogo l'incoronazione vera e propria, per mano di Gesù e alla presenza di quattro festosi angeli musicanti, un paio di putti alati sdraiati su soffici nuvolette e uno stormo di cherubini e serafini in aria; in basso, nella metà terrena, si trova il sepolcro scoperchiato di Maria e i dodici apostoli che assistono meravigliati all'ascensione e all'avvenimento paradisiaco. Dal sarcofago, disposto in tralice, escono fiori tipicamente offerti alla Vergine, quali gigli bianchi e rose. Il tema dell'Incoronazione è contaminato con quello della Madonna della Cintola, infatti san Tommaso, al centro, stende tra le mani la cintura ricevuta in dono da Maria, ovvero la reliquia del Sacro Cingolo venerata a Prato.Perugino si era già cimentato con composizioni simili come nella Pala di Monteripido, di quegli stessi anni, dal cui confronto però emergono anche le novità del linguaggio di Raffaello, che tenta di rinsaldare le due zone non eliminando però ancora la cesura centrale e differenziando con maggiore incisività le espressioni dei vari astanti, non senza qualche limite che è stato definito "di insistenza accademica".

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Nel contesto di Pala_degli_Oddi, esplora la Predella e la Descrizione e stile.

La predella, sempre conservata presso la Pinacoteca Vaticana, è composta da tre scomparti di 27x50 cm ciascuno. Essi vennero trasportati su un'unica tela, poi divisi e incorniciati da pilastrini. Rappresentano, da sinistra:AnnunciazioneAdorazione dei MagiPresentazione al TempioIl modello delle scene è la predella della Pala di Fano di Perugino e altre opere simili, ma rispetto al modello la luminosità è più cristallina e l'apertura al paesaggio di più ampio respiro.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Esplora la Predella sulla Descrizione e stile di questa opera d'arte, Pala_degli_Oddi.

La predella, sempre conservata presso la Pinacoteca Vaticana, è composta da tre scomparti di 27x50 cm ciascuno. Essi vennero trasportati su un'unica tela, poi divisi e incorniciati da pilastrini. Rappresentano, da sinistra:AnnunciazioneAdorazione dei MagiPresentazione al TempioIl modello delle scene è la predella della Pala di Fano di Perugino e altre opere simili, ma rispetto al modello la luminosità è più cristallina e l'apertura al paesaggio di più ampio respiro.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: In Pala_degli_Oddi, come viene chiarita la Predella della Descrizione e stile?

La predella, sempre conservata presso la Pinacoteca Vaticana, è composta da tre scomparti di 27x50 cm ciascuno. Essi vennero trasportati su un'unica tela, poi divisi e incorniciati da pilastrini. Rappresentano, da sinistra:AnnunciazioneAdorazione dei MagiPresentazione al TempioIl modello delle scene è la predella della Pala di Fano di Perugino e altre opere simili, ma rispetto al modello la luminosità è più cristallina e l'apertura al paesaggio di più ampio respiro.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Pala_degli_Oddi

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Predella nella Descrizione e stile di Pala_degli_Oddi.

La predella, sempre conservata presso la Pinacoteca Vaticana, è composta da tre scomparti di 27x50 cm ciascuno. Essi vennero trasportati su un'unica tela, poi divisi e incorniciati da pilastrini. Rappresentano, da sinistra:AnnunciazioneAdorazione dei MagiPresentazione al TempioIl modello delle scene è la predella della Pala di Fano di Perugino e altre opere simili, ma rispetto al modello la luminosità è più cristallina e l'apertura al paesaggio di più ampio respiro.

File:The Adoration of the Magi - Rafael.jpg

Categoria:Dipinti sull'incoronazione della Vergine

File:Raphael Presentation in the Temple.jpg

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei Magi

Categoria:Dipinti nella Pinacoteca Vaticana

Categoria:Dipinti sulla presentazione di Gesù al Tempio

File:Raphael - The Annunciation (Oddi altar).jpg


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Concentrati su Storie_di_Lucrezia ed esplora la abstract.

Le Storie di Lucrezia sono un dipinto a tempera su tavola (80x130 cm) di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. La tavola fa coppia con le Storie di Virginia nell'Accademia Carrara di Bergamo.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Storie_di_Lucrezia.

Le Storie di Lucrezia sono un dipinto a tempera su tavola (80x130 cm) di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. La tavola fa coppia con le Storie di Virginia nell'Accademia Carrara di Bergamo.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come chiarisce Storie_di_Lucrezia la sua abstract?

Le Storie di Lucrezia sono un dipinto a tempera su tavola (80x130 cm) di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. La tavola fa coppia con le Storie di Virginia nell'Accademia Carrara di Bergamo.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come viene discussa la abstract in Storie_di_Lucrezia?

Le Storie di Lucrezia sono un dipinto a tempera su tavola (80x130 cm) di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. La tavola fa coppia con le Storie di Virginia nell'Accademia Carrara di Bergamo.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Concentrati su Storie_di_Lucrezia ed esplora la Storia.

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze (oggi palazzo Incontri).

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Storie_di_Lucrezia.

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze (oggi palazzo Incontri).

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come chiarisce Storie_di_Lucrezia la sua Storia?

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze (oggi palazzo Incontri).

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come viene discussa la Storia in Storie_di_Lucrezia?

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze (oggi palazzo Incontri).

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Concentrati su Storie_di_Lucrezia ed esplora la Descrizione e stile.

La scena ha come tema fondamentale l'onore violato, ispirato al racconto di Tito Livio: Lucrezia, moglie di Collatino, dopo aver subito le violenze sessuali del figlio di Tarquinio il Superbo, Sesto, si suicidò, provocando così la rivolta che portò all'abbattimento della monarchia a Roma. Si tratta di un tema di solito destinato a ambienti privati ad uso femminile, come le camere da letto.La scena è ambientata in una grandiosa architettura, riccamente decorata come nella Calunnia (altra opera della fase tarda) con una grande arco di trionfo ispirato agli archi del Foro Romano, decorato da bassorilievi e statue dorate (si riconoscono le colonne come nell'arco di Settimio Severo e i Prigionieri Daci come in quello di Costantino), e con una colonna onoraria al centro con la statua di un'altra eroina, Giuditta. Probabilmente il dipinto adombra anche il tema politico della liceità della rivolta contro la dittatura, come suggeriscono i rilievi e la statua di Giuditta, legato alla situazione fiorentina di quegli anni, con la cacciata di Piero il Fatuo e l'instaurarsi della Repubblica savonaroliana.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Storie_di_Lucrezia.

La scena ha come tema fondamentale l'onore violato, ispirato al racconto di Tito Livio: Lucrezia, moglie di Collatino, dopo aver subito le violenze sessuali del figlio di Tarquinio il Superbo, Sesto, si suicidò, provocando così la rivolta che portò all'abbattimento della monarchia a Roma. Si tratta di un tema di solito destinato a ambienti privati ad uso femminile, come le camere da letto.La scena è ambientata in una grandiosa architettura, riccamente decorata come nella Calunnia (altra opera della fase tarda) con una grande arco di trionfo ispirato agli archi del Foro Romano, decorato da bassorilievi e statue dorate (si riconoscono le colonne come nell'arco di Settimio Severo e i Prigionieri Daci come in quello di Costantino), e con una colonna onoraria al centro con la statua di un'altra eroina, Giuditta. Probabilmente il dipinto adombra anche il tema politico della liceità della rivolta contro la dittatura, come suggeriscono i rilievi e la statua di Giuditta, legato alla situazione fiorentina di quegli anni, con la cacciata di Piero il Fatuo e l'instaurarsi della Repubblica savonaroliana.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come chiarisce Storie_di_Lucrezia la sua Descrizione e stile?

La scena ha come tema fondamentale l'onore violato, ispirato al racconto di Tito Livio: Lucrezia, moglie di Collatino, dopo aver subito le violenze sessuali del figlio di Tarquinio il Superbo, Sesto, si suicidò, provocando così la rivolta che portò all'abbattimento della monarchia a Roma. Si tratta di un tema di solito destinato a ambienti privati ad uso femminile, come le camere da letto.La scena è ambientata in una grandiosa architettura, riccamente decorata come nella Calunnia (altra opera della fase tarda) con una grande arco di trionfo ispirato agli archi del Foro Romano, decorato da bassorilievi e statue dorate (si riconoscono le colonne come nell'arco di Settimio Severo e i Prigionieri Daci come in quello di Costantino), e con una colonna onoraria al centro con la statua di un'altra eroina, Giuditta. Probabilmente il dipinto adombra anche il tema politico della liceità della rivolta contro la dittatura, come suggeriscono i rilievi e la statua di Giuditta, legato alla situazione fiorentina di quegli anni, con la cacciata di Piero il Fatuo e l'instaurarsi della Repubblica savonaroliana.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Storie_di_Lucrezia

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Storie_di_Lucrezia?

La scena ha come tema fondamentale l'onore violato, ispirato al racconto di Tito Livio: Lucrezia, moglie di Collatino, dopo aver subito le violenze sessuali del figlio di Tarquinio il Superbo, Sesto, si suicidò, provocando così la rivolta che portò all'abbattimento della monarchia a Roma. Si tratta di un tema di solito destinato a ambienti privati ad uso femminile, come le camere da letto.La scena è ambientata in una grandiosa architettura, riccamente decorata come nella Calunnia (altra opera della fase tarda) con una grande arco di trionfo ispirato agli archi del Foro Romano, decorato da bassorilievi e statue dorate (si riconoscono le colonne come nell'arco di Settimio Severo e i Prigionieri Daci come in quello di Costantino), e con una colonna onoraria al centro con la statua di un'altra eroina, Giuditta. Probabilmente il dipinto adombra anche il tema politico della liceità della rivolta contro la dittatura, come suggeriscono i rilievi e la statua di Giuditta, legato alla situazione fiorentina di quegli anni, con la cacciata di Piero il Fatuo e l'instaurarsi della Repubblica savonaroliana.

Categoria:Dipinti nell'Isabella Stewart Gardner Museum

La virtuosa Lucrezia viene trovata senza sensi da suo marito e i suoi compari (dettaglio)


Hokusai_manga

Prompt: Concentrati su Hokusai_manga ed esplora la abstract.

Hokusai manga (北斎漫画? "Schizzi sparsi di Hokusai") è una raccolta di schizzi con vari soggetti, ad opera dell'artista giapponese Katsushika Hokusai. I soggetti dei disegni includono paesaggi, flora e fauna, scene di vita quotidiana e il soprannaturale. La parola manga nel titolo non si riferisce ai manga narrativi contemporanei.Dipinti su xilografie in tre colori (nero, grigio e carne), i manga comprendono letteralmente migliaia di immagini in 15 volumi, il primo fu pubblicato nel 1814, quando l'artista aveva cinquantacinque anni. Gli ultimi tre volumi furono pubblicati postumi, due di questi furono assemblati dal loro editore utilizzando del materiale inedito. L'ultimo volume era composto da opere pubblicate in precedenza, con la presenza anche di alcune non di Hokusai, e non è considerato autentico dagli storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Hokusai_manga.

Hokusai manga (北斎漫画? "Schizzi sparsi di Hokusai") è una raccolta di schizzi con vari soggetti, ad opera dell'artista giapponese Katsushika Hokusai. I soggetti dei disegni includono paesaggi, flora e fauna, scene di vita quotidiana e il soprannaturale. La parola manga nel titolo non si riferisce ai manga narrativi contemporanei.Dipinti su xilografie in tre colori (nero, grigio e carne), i manga comprendono letteralmente migliaia di immagini in 15 volumi, il primo fu pubblicato nel 1814, quando l'artista aveva cinquantacinque anni. Gli ultimi tre volumi furono pubblicati postumi, due di questi furono assemblati dal loro editore utilizzando del materiale inedito. L'ultimo volume era composto da opere pubblicate in precedenza, con la presenza anche di alcune non di Hokusai, e non è considerato autentico dagli storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come chiarisce Hokusai_manga la sua abstract?

Hokusai manga (北斎漫画? "Schizzi sparsi di Hokusai") è una raccolta di schizzi con vari soggetti, ad opera dell'artista giapponese Katsushika Hokusai. I soggetti dei disegni includono paesaggi, flora e fauna, scene di vita quotidiana e il soprannaturale. La parola manga nel titolo non si riferisce ai manga narrativi contemporanei.Dipinti su xilografie in tre colori (nero, grigio e carne), i manga comprendono letteralmente migliaia di immagini in 15 volumi, il primo fu pubblicato nel 1814, quando l'artista aveva cinquantacinque anni. Gli ultimi tre volumi furono pubblicati postumi, due di questi furono assemblati dal loro editore utilizzando del materiale inedito. L'ultimo volume era composto da opere pubblicate in precedenza, con la presenza anche di alcune non di Hokusai, e non è considerato autentico dagli storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come viene discussa la abstract in Hokusai_manga?

Hokusai manga (北斎漫画? "Schizzi sparsi di Hokusai") è una raccolta di schizzi con vari soggetti, ad opera dell'artista giapponese Katsushika Hokusai. I soggetti dei disegni includono paesaggi, flora e fauna, scene di vita quotidiana e il soprannaturale. La parola manga nel titolo non si riferisce ai manga narrativi contemporanei.Dipinti su xilografie in tre colori (nero, grigio e carne), i manga comprendono letteralmente migliaia di immagini in 15 volumi, il primo fu pubblicato nel 1814, quando l'artista aveva cinquantacinque anni. Gli ultimi tre volumi furono pubblicati postumi, due di questi furono assemblati dal loro editore utilizzando del materiale inedito. L'ultimo volume era composto da opere pubblicate in precedenza, con la presenza anche di alcune non di Hokusai, e non è considerato autentico dagli storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Concentrati su Hokusai_manga ed esplora la Storia della pubblicazione.

La prefazione del primo volume dell'opera, scritta da Hanshū Sanjin (半洲散人?), un artista minore di Nagoya, suggerisce che la pubblicazione dell'opera possa essersi avvalsa degli aiutanti di Hokusai. Parte della prefazione dice:Il volume finale è considerato spurio da alcuni storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Esplora la Storia della pubblicazione di questa opera d'arte, Hokusai_manga.

La prefazione del primo volume dell'opera, scritta da Hanshū Sanjin (半洲散人?), un artista minore di Nagoya, suggerisce che la pubblicazione dell'opera possa essersi avvalsa degli aiutanti di Hokusai. Parte della prefazione dice:Il volume finale è considerato spurio da alcuni storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come chiarisce Hokusai_manga la sua Storia della pubblicazione?

La prefazione del primo volume dell'opera, scritta da Hanshū Sanjin (半洲散人?), un artista minore di Nagoya, suggerisce che la pubblicazione dell'opera possa essersi avvalsa degli aiutanti di Hokusai. Parte della prefazione dice:Il volume finale è considerato spurio da alcuni storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come viene discussa la Storia della pubblicazione in Hokusai_manga?

La prefazione del primo volume dell'opera, scritta da Hanshū Sanjin (半洲散人?), un artista minore di Nagoya, suggerisce che la pubblicazione dell'opera possa essersi avvalsa degli aiutanti di Hokusai. Parte della prefazione dice:Il volume finale è considerato spurio da alcuni storici dell'arte.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Concentrati su Hokusai_manga ed esplora la Fonti del Manga.

Tradizionalmente si ritiene che, dopo l'esplosione della produzione, Hokusai selezionò accuratamente e ridisegnò gli schizzi, sistemandoli negli schemi sopravvissuti. Tuttavia, Michener sostiene che lo schema delle immagini su una particolare opera sia stata organizzata dagli intagliatori e dagli editori, non dall'artista stesso.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Esplora la Fonti del Manga di questa opera d'arte, Hokusai_manga.

Tradizionalmente si ritiene che, dopo l'esplosione della produzione, Hokusai selezionò accuratamente e ridisegnò gli schizzi, sistemandoli negli schemi sopravvissuti. Tuttavia, Michener sostiene che lo schema delle immagini su una particolare opera sia stata organizzata dagli intagliatori e dagli editori, non dall'artista stesso.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come chiarisce Hokusai_manga la sua Fonti del Manga?

Tradizionalmente si ritiene che, dopo l'esplosione della produzione, Hokusai selezionò accuratamente e ridisegnò gli schizzi, sistemandoli negli schemi sopravvissuti. Tuttavia, Michener sostiene che lo schema delle immagini su una particolare opera sia stata organizzata dagli intagliatori e dagli editori, non dall'artista stesso.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come viene discussa la Fonti del Manga in Hokusai_manga?

Tradizionalmente si ritiene che, dopo l'esplosione della produzione, Hokusai selezionò accuratamente e ridisegnò gli schizzi, sistemandoli negli schemi sopravvissuti. Tuttavia, Michener sostiene che lo schema delle immagini su una particolare opera sia stata organizzata dagli intagliatori e dagli editori, non dall'artista stesso.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Concentrati su Hokusai_manga ed esplora la Eredità.

Il primo volume di Manga (definito da Hokusai come un "pennello impazzito"), era un libro di istruzioni sull'arte pubblicato per aumentare i propri introiti, trovandosi in difficoltà economica. Poco dopo Hokusai rimosse il testo e lo ripubblicò. Manga testimonia la dedizione al realismo artistico nella rappresentazione delle persone e del mondo naturale. L'opera fu immediatamente un successo, presto seguirono i volumi successivi. L'opera fu conosciuta in Occidente da quando Philipp Franz von Siebold pubblicò le proprie parafrasi litografate di alcuni schizzi nel suo Nippon: Archiv zur Beschreinbung von Japon nel 1831. L'opera iniziò a circolare in Occidente dopo l'arrivo in Giappone di Matthew C. Perry nel 1854.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Esplora la Eredità di questa opera d'arte, Hokusai_manga.

Il primo volume di Manga (definito da Hokusai come un "pennello impazzito"), era un libro di istruzioni sull'arte pubblicato per aumentare i propri introiti, trovandosi in difficoltà economica. Poco dopo Hokusai rimosse il testo e lo ripubblicò. Manga testimonia la dedizione al realismo artistico nella rappresentazione delle persone e del mondo naturale. L'opera fu immediatamente un successo, presto seguirono i volumi successivi. L'opera fu conosciuta in Occidente da quando Philipp Franz von Siebold pubblicò le proprie parafrasi litografate di alcuni schizzi nel suo Nippon: Archiv zur Beschreinbung von Japon nel 1831. L'opera iniziò a circolare in Occidente dopo l'arrivo in Giappone di Matthew C. Perry nel 1854.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come chiarisce Hokusai_manga la sua Eredità?

Il primo volume di Manga (definito da Hokusai come un "pennello impazzito"), era un libro di istruzioni sull'arte pubblicato per aumentare i propri introiti, trovandosi in difficoltà economica. Poco dopo Hokusai rimosse il testo e lo ripubblicò. Manga testimonia la dedizione al realismo artistico nella rappresentazione delle persone e del mondo naturale. L'opera fu immediatamente un successo, presto seguirono i volumi successivi. L'opera fu conosciuta in Occidente da quando Philipp Franz von Siebold pubblicò le proprie parafrasi litografate di alcuni schizzi nel suo Nippon: Archiv zur Beschreinbung von Japon nel 1831. L'opera iniziò a circolare in Occidente dopo l'arrivo in Giappone di Matthew C. Perry nel 1854.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come viene discussa la Eredità in Hokusai_manga?

Il primo volume di Manga (definito da Hokusai come un "pennello impazzito"), era un libro di istruzioni sull'arte pubblicato per aumentare i propri introiti, trovandosi in difficoltà economica. Poco dopo Hokusai rimosse il testo e lo ripubblicò. Manga testimonia la dedizione al realismo artistico nella rappresentazione delle persone e del mondo naturale. L'opera fu immediatamente un successo, presto seguirono i volumi successivi. L'opera fu conosciuta in Occidente da quando Philipp Franz von Siebold pubblicò le proprie parafrasi litografate di alcuni schizzi nel suo Nippon: Archiv zur Beschreinbung von Japon nel 1831. L'opera iniziò a circolare in Occidente dopo l'arrivo in Giappone di Matthew C. Perry nel 1854.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Concentrati su Hokusai_manga ed esplora la Hokusai manga nella cultura di massa.

Nel 1981 è uscito l'omonimo film, dedicato alla vita di Katsushika Hokusai, diretto da Kaneto Shindō.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Esplora la Hokusai manga nella cultura di massa di questa opera d'arte, Hokusai_manga.

Nel 1981 è uscito l'omonimo film, dedicato alla vita di Katsushika Hokusai, diretto da Kaneto Shindō.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come chiarisce Hokusai_manga la sua Hokusai manga nella cultura di massa?

Nel 1981 è uscito l'omonimo film, dedicato alla vita di Katsushika Hokusai, diretto da Kaneto Shindō.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


Hokusai_manga

Prompt: Come viene discussa la Hokusai manga nella cultura di massa in Hokusai_manga?

Nel 1981 è uscito l'omonimo film, dedicato alla vita di Katsushika Hokusai, diretto da Kaneto Shindō.

Xilografia
1878
Kaneto Shindō
Matthew Perry (ufficiale di marina)
Nagoya
1814
Arte giapponese
Manga
Categoria:Dipinti di Katsushika Hokusai
Philipp Franz von Siebold
xilografie
manga
ISBN
Hokusai Manga (film)
xilografia
omonimo
Katsushika Hokusai
Matthew C. Perry


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Concentrati su San_Marco_libera_uno_schiavo ed esplora la abstract.

San Marco libera uno schiavo, o Il miracolo dello schiavo, è un dipinto a olio su tela (415x541 cm) realizzato nel 1548 dal pittore italiano Tintoretto per la Scuola Grande di San Marco. È conservato alle Gallerie dell'Accademia a Venezia.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, San_Marco_libera_uno_schiavo.

San Marco libera uno schiavo, o Il miracolo dello schiavo, è un dipinto a olio su tela (415x541 cm) realizzato nel 1548 dal pittore italiano Tintoretto per la Scuola Grande di San Marco. È conservato alle Gallerie dell'Accademia a Venezia.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Come chiarisce San_Marco_libera_uno_schiavo la sua abstract?

San Marco libera uno schiavo, o Il miracolo dello schiavo, è un dipinto a olio su tela (415x541 cm) realizzato nel 1548 dal pittore italiano Tintoretto per la Scuola Grande di San Marco. È conservato alle Gallerie dell'Accademia a Venezia.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Come viene discussa la abstract in San_Marco_libera_uno_schiavo?

San Marco libera uno schiavo, o Il miracolo dello schiavo, è un dipinto a olio su tela (415x541 cm) realizzato nel 1548 dal pittore italiano Tintoretto per la Scuola Grande di San Marco. È conservato alle Gallerie dell'Accademia a Venezia.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Concentrati su San_Marco_libera_uno_schiavo ed esplora la Descrizione.

Il soggetto del dipinto riprende Gianfranco Castellana narrato nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze su un miracolo di san Marco.Nella scena si vede in alto il santo che interviene rendendo invulnerabile uno schiavo disteso nudo a terra in procinto di essere martirizzato dal suo padrone, con l'accecamento e la frantumazione degli arti, per aver venerato le reliquie del santo.Grazie all'intervento di san Marco, gli strumenti del martirio (le punte acuminate che avrebbero dovuto accecarlo e i martelli che avrebbero dovuto spezzargli le gambe) si rompono, diventando inservibili.È sulla figura del santo che irrompe dal cielo che Tintoretto condensa l'attenzione, rappresentandolo in volo a testa in giù con un audace scorcio, proteso verso il corpo dello schiavo, dettaglio che non è contenuto nel racconto della Legenda Aurea ma che è presente nel bassorilievo bronzeo con lo stesso soggetto scolpito da Jacopo Sansovino in una delle tribune del presbiterio della basilica di San Marco. Una gestualità concitata di pose e moti traduce le emozioni dei presenti che scaturiscono alla vista del prodigio, e ha il suo perno nella contrapposizione tra il moto di stupore del padrone seduto sulla destra e il carnefice che brandisce gli strumenti del martirio in frantumi al centro.Il tutto avviene in un ambiente orientale. La luce ha tre punti di provenienza: frontale, dall'aureola di Marco e dallo sfondo. Lo stesso Tintoretto si sarebbe autoritratto nell'uomo barbuto in piedi vestito di scuro, accanto al turco col turbante rosso, nella parte centro/sinistra. La vitalità dei colori e i contrasti chiaroscurali accentuano il vigore plastico delle figure e la vividezza delle pennellate che passano da tocchi densi a quelli rapidi e vaghi che definiscono i dettagli dello sfondo enfatizzando la teatralità dell'episodio.Come il Trafugamento del corpo di san Marco, l'opera fu restaurata nel 1815-16 da Giuseppe Baldassini e Antonio Florian sulla base delle direttive di Pietro Edwards; l'intervento fu di fatto una manomissione, infatti le opere furono ridotte di dimensioni e vennero modificati alcuni elementi iconografici.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, San_Marco_libera_uno_schiavo.

Il soggetto del dipinto riprende Gianfranco Castellana narrato nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze su un miracolo di san Marco.Nella scena si vede in alto il santo che interviene rendendo invulnerabile uno schiavo disteso nudo a terra in procinto di essere martirizzato dal suo padrone, con l'accecamento e la frantumazione degli arti, per aver venerato le reliquie del santo.Grazie all'intervento di san Marco, gli strumenti del martirio (le punte acuminate che avrebbero dovuto accecarlo e i martelli che avrebbero dovuto spezzargli le gambe) si rompono, diventando inservibili.È sulla figura del santo che irrompe dal cielo che Tintoretto condensa l'attenzione, rappresentandolo in volo a testa in giù con un audace scorcio, proteso verso il corpo dello schiavo, dettaglio che non è contenuto nel racconto della Legenda Aurea ma che è presente nel bassorilievo bronzeo con lo stesso soggetto scolpito da Jacopo Sansovino in una delle tribune del presbiterio della basilica di San Marco. Una gestualità concitata di pose e moti traduce le emozioni dei presenti che scaturiscono alla vista del prodigio, e ha il suo perno nella contrapposizione tra il moto di stupore del padrone seduto sulla destra e il carnefice che brandisce gli strumenti del martirio in frantumi al centro.Il tutto avviene in un ambiente orientale. La luce ha tre punti di provenienza: frontale, dall'aureola di Marco e dallo sfondo. Lo stesso Tintoretto si sarebbe autoritratto nell'uomo barbuto in piedi vestito di scuro, accanto al turco col turbante rosso, nella parte centro/sinistra. La vitalità dei colori e i contrasti chiaroscurali accentuano il vigore plastico delle figure e la vividezza delle pennellate che passano da tocchi densi a quelli rapidi e vaghi che definiscono i dettagli dello sfondo enfatizzando la teatralità dell'episodio.Come il Trafugamento del corpo di san Marco, l'opera fu restaurata nel 1815-16 da Giuseppe Baldassini e Antonio Florian sulla base delle direttive di Pietro Edwards; l'intervento fu di fatto una manomissione, infatti le opere furono ridotte di dimensioni e vennero modificati alcuni elementi iconografici.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Come chiarisce San_Marco_libera_uno_schiavo la sua Descrizione?

Il soggetto del dipinto riprende Gianfranco Castellana narrato nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze su un miracolo di san Marco.Nella scena si vede in alto il santo che interviene rendendo invulnerabile uno schiavo disteso nudo a terra in procinto di essere martirizzato dal suo padrone, con l'accecamento e la frantumazione degli arti, per aver venerato le reliquie del santo.Grazie all'intervento di san Marco, gli strumenti del martirio (le punte acuminate che avrebbero dovuto accecarlo e i martelli che avrebbero dovuto spezzargli le gambe) si rompono, diventando inservibili.È sulla figura del santo che irrompe dal cielo che Tintoretto condensa l'attenzione, rappresentandolo in volo a testa in giù con un audace scorcio, proteso verso il corpo dello schiavo, dettaglio che non è contenuto nel racconto della Legenda Aurea ma che è presente nel bassorilievo bronzeo con lo stesso soggetto scolpito da Jacopo Sansovino in una delle tribune del presbiterio della basilica di San Marco. Una gestualità concitata di pose e moti traduce le emozioni dei presenti che scaturiscono alla vista del prodigio, e ha il suo perno nella contrapposizione tra il moto di stupore del padrone seduto sulla destra e il carnefice che brandisce gli strumenti del martirio in frantumi al centro.Il tutto avviene in un ambiente orientale. La luce ha tre punti di provenienza: frontale, dall'aureola di Marco e dallo sfondo. Lo stesso Tintoretto si sarebbe autoritratto nell'uomo barbuto in piedi vestito di scuro, accanto al turco col turbante rosso, nella parte centro/sinistra. La vitalità dei colori e i contrasti chiaroscurali accentuano il vigore plastico delle figure e la vividezza delle pennellate che passano da tocchi densi a quelli rapidi e vaghi che definiscono i dettagli dello sfondo enfatizzando la teatralità dell'episodio.Come il Trafugamento del corpo di san Marco, l'opera fu restaurata nel 1815-16 da Giuseppe Baldassini e Antonio Florian sulla base delle direttive di Pietro Edwards; l'intervento fu di fatto una manomissione, infatti le opere furono ridotte di dimensioni e vennero modificati alcuni elementi iconografici.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


San_Marco_libera_uno_schiavo

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in San_Marco_libera_uno_schiavo?

Il soggetto del dipinto riprende Gianfranco Castellana narrato nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze su un miracolo di san Marco.Nella scena si vede in alto il santo che interviene rendendo invulnerabile uno schiavo disteso nudo a terra in procinto di essere martirizzato dal suo padrone, con l'accecamento e la frantumazione degli arti, per aver venerato le reliquie del santo.Grazie all'intervento di san Marco, gli strumenti del martirio (le punte acuminate che avrebbero dovuto accecarlo e i martelli che avrebbero dovuto spezzargli le gambe) si rompono, diventando inservibili.È sulla figura del santo che irrompe dal cielo che Tintoretto condensa l'attenzione, rappresentandolo in volo a testa in giù con un audace scorcio, proteso verso il corpo dello schiavo, dettaglio che non è contenuto nel racconto della Legenda Aurea ma che è presente nel bassorilievo bronzeo con lo stesso soggetto scolpito da Jacopo Sansovino in una delle tribune del presbiterio della basilica di San Marco. Una gestualità concitata di pose e moti traduce le emozioni dei presenti che scaturiscono alla vista del prodigio, e ha il suo perno nella contrapposizione tra il moto di stupore del padrone seduto sulla destra e il carnefice che brandisce gli strumenti del martirio in frantumi al centro.Il tutto avviene in un ambiente orientale. La luce ha tre punti di provenienza: frontale, dall'aureola di Marco e dallo sfondo. Lo stesso Tintoretto si sarebbe autoritratto nell'uomo barbuto in piedi vestito di scuro, accanto al turco col turbante rosso, nella parte centro/sinistra. La vitalità dei colori e i contrasti chiaroscurali accentuano il vigore plastico delle figure e la vividezza delle pennellate che passano da tocchi densi a quelli rapidi e vaghi che definiscono i dettagli dello sfondo enfatizzando la teatralità dell'episodio.Come il Trafugamento del corpo di san Marco, l'opera fu restaurata nel 1815-16 da Giuseppe Baldassini e Antonio Florian sulla base delle direttive di Pietro Edwards; l'intervento fu di fatto una manomissione, infatti le opere furono ridotte di dimensioni e vennero modificati alcuni elementi iconografici.

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 04,2.JPG

Categoria:Dipinti nelle Gallerie dell'Accademia

Dettaglio: il corpo esanime dello schiavo.

Categoria:Dipinti del Tintoretto già nella Scuola Grande di San Marco

Dettaglio: un carnefice mostra lo strumento di supplizio spezzato.

File:Dettaglio di San Marco libera un schiavo di Jacopo Tintoretto (2).jpg

File:Dettaglio di san Marco che libera uno schiavo di Jacopo Tintoretto, (3).JPG

File:Jacopo tintoretto, san marco libera uno schiavo, 1547-48, da capitolo della scuola grande di s.marco 08.JPG


La_Schiavona

Prompt: Concentrati su La_Schiavona ed esplora la abstract.

La Schiavona è un dipinto a olio su tela (117x97 cm) di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


La_Schiavona

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, La_Schiavona.

La Schiavona è un dipinto a olio su tela (117x97 cm) di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


La_Schiavona

Prompt: Come chiarisce La_Schiavona la sua abstract?

La Schiavona è un dipinto a olio su tela (117x97 cm) di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


La_Schiavona

Prompt: Come viene discussa la abstract in La_Schiavona?

La Schiavona è un dipinto a olio su tela (117x97 cm) di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


La_Schiavona

Prompt: Concentrati su La_Schiavona ed esplora la Storia.

Nel 1640 l'opera è ricordata in casa Martinengo Colleone a Brescia, come opera di Tiziano. Passò nella raccolta Crespi di Milano nel 1900 e dopo alcuni passaggi di proprietà, tra cui la raccolta Cook di Richmond, pervenne nel 1942 al museo londinese.Il titolo del dipinto è puramente tradizionale e si riferisce a una donna dalmata (della Schiavonia, che all'epoca indicava Dalmazia), che qualcuno ha riconosciuto dalla foggia dell'abito e dalla fisionomia. In realtà la dama ritratta fa parte della nobiltà dell'epoca, con costumi compatibili con quelli delle donne abbienti dei territori controllati dalla Serenissima. Alcuni hanno provato a identificare la donna con Caterina Cornaro, ipotesi priva però di qualsiasi riscontro. (H. Cook, 1915). Già assegnato a Giorgione, è oggi comunemente accettato come capolavoro giovanile di Tiziano, anche per l'assenza di quella modulata dolcezza del pittore di Castelfranco, sostituita piuttosto da una pulsante vitalità. Strette sono le analogie anche con la donna protagonista del Miracolo del neonato, affresco padovano di Tiziano databile al 1511.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


La_Schiavona

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, La_Schiavona.

Nel 1640 l'opera è ricordata in casa Martinengo Colleone a Brescia, come opera di Tiziano. Passò nella raccolta Crespi di Milano nel 1900 e dopo alcuni passaggi di proprietà, tra cui la raccolta Cook di Richmond, pervenne nel 1942 al museo londinese.Il titolo del dipinto è puramente tradizionale e si riferisce a una donna dalmata (della Schiavonia, che all'epoca indicava Dalmazia), che qualcuno ha riconosciuto dalla foggia dell'abito e dalla fisionomia. In realtà la dama ritratta fa parte della nobiltà dell'epoca, con costumi compatibili con quelli delle donne abbienti dei territori controllati dalla Serenissima. Alcuni hanno provato a identificare la donna con Caterina Cornaro, ipotesi priva però di qualsiasi riscontro. (H. Cook, 1915). Già assegnato a Giorgione, è oggi comunemente accettato come capolavoro giovanile di Tiziano, anche per l'assenza di quella modulata dolcezza del pittore di Castelfranco, sostituita piuttosto da una pulsante vitalità. Strette sono le analogie anche con la donna protagonista del Miracolo del neonato, affresco padovano di Tiziano databile al 1511.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra