Madonna_d'Alba

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_d'Alba?

La Madonna, un tondo, viene di solito datata ai primi anni del soggiorno romano di Raffaello, solitamente al 1511, con alcune oscillazioni tra il 1508 e l'11 appunto. Ne esistono varie repliche, che ne testimoniano il successo.L'opera, secondo un manoscritto del Resta (Biblioteca Ambrosiana), si trovava nel Seicento nel convento degli olivetani di Nocera dei Pagani, fondato nel 1530. Su come vi fosse giunta esistono due ipotesi: una che fosse stata commissionata da Paolo Giovio, vescovo di Nocera, l'altra che vi fosse stata portata dal fondatore del convento Giambattista Castaldo dopo averla ottenuta durante il Sacco di Roma del 1527, al quale aveva preso parte. La fondazione del complesso religioso era stata dopotutto una sorta di ex voto dopo i fatti del '27.Nel 1686 l'opera lasciò Nocera, e passò nelle mani del marchese del Carpio Gaspar de Haro y Guzman, viceré di Napoli, che la portò in Spagna. Nel 1793 il dipinto è menzionato dal Conca nelle collezioni del Duca d'Alba a Madrid, dal quale prese il nome.Nel 1836 fu acquistato dallo zar Nicola I di Russia, che ne fece uno dei pezzi pregiati del Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo. Un secolo dopo il governo sovietico lo cedette in maniera clandestina al collezionista americano Andrew W. Mellon, assieme a un vasto lotto di capolavori, in una delle più grandi transazioni della storia del mercato d'arte. Come noto la collezione Mellon fu poi donata al nascente museo statunitense, facendone uno dei nuclei base.Durante la sua permanenza all'Ermitage, all'inizio del XIX secolo, il dipinto fu trasferito dal suo pannello circolare ad una tela quadrata. Analisi effettuate sul dipinto hanno mostrato che, a causa del trasferimento, la superficie pittorica ha subito delle fratture nelle parti destra e centrale.Un disegno preparatorio della composizione si trova nel Musée des Beaux-Arts di Lille.

File:Raffaello, madonna d'alba, 1510 circa, 02.JPG

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

Categoria:Dipinti sulla Madonna leggente

Categoria:Dipinti sulla Madonna dell'Umiltà

Santuario di Santa Maria dei Miracoli (Nocera Inferiore)


Madonna_d'Alba

Prompt: Concentrati su Madonna_d'Alba ed esplora la Descrizione e stile.

La Madonna è del tipo "dell'Umiltà", con Maria seduta in terra, su un cuscino, che tiene su una gamba il Bambin Gesù, il quale gioca con san Giovannino afferrandone la croce. Il gesto, che appare come un naturale gioco tra fanciulli, cela in realtà precisi valori religiosi, come l'accettazione del destino da parte di Cristo, preannunciato dal Battista. Tutti gli occhi convergono sulla croce, che è il fulcro della composizione. Le figure, inserite in un luminoso paesaggio bucolico, formano una composizione di tipo piramidale sviluppata spazialmente (come dimostrano le gambe di Maria in scorcio) e perfezionata per la superficie rotonda del dipinto. Evidente è l'influenza dei maestri fiorentini come Leonardo da Vinci, nella resa sfumata degli incarnati, e Michelangelo, nell'esaltazione plastica e sciolta delle forme. Maria indossa una veste dai colori pastello, con un turbante in testa e sandali all'antica.La ricchezza di riferimenti e l'attento studio della composizione non diminuiscono però il senso di immediatezza e spontaneità della scena, tipico di Raffaello.

File:Raffaello, madonna d'alba, 1510 circa, 02.JPG

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

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Santuario di Santa Maria dei Miracoli (Nocera Inferiore)


Madonna_d'Alba

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Madonna_d'Alba.

La Madonna è del tipo "dell'Umiltà", con Maria seduta in terra, su un cuscino, che tiene su una gamba il Bambin Gesù, il quale gioca con san Giovannino afferrandone la croce. Il gesto, che appare come un naturale gioco tra fanciulli, cela in realtà precisi valori religiosi, come l'accettazione del destino da parte di Cristo, preannunciato dal Battista. Tutti gli occhi convergono sulla croce, che è il fulcro della composizione. Le figure, inserite in un luminoso paesaggio bucolico, formano una composizione di tipo piramidale sviluppata spazialmente (come dimostrano le gambe di Maria in scorcio) e perfezionata per la superficie rotonda del dipinto. Evidente è l'influenza dei maestri fiorentini come Leonardo da Vinci, nella resa sfumata degli incarnati, e Michelangelo, nell'esaltazione plastica e sciolta delle forme. Maria indossa una veste dai colori pastello, con un turbante in testa e sandali all'antica.La ricchezza di riferimenti e l'attento studio della composizione non diminuiscono però il senso di immediatezza e spontaneità della scena, tipico di Raffaello.

File:Raffaello, madonna d'alba, 1510 circa, 02.JPG

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington

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Madonna_d'Alba

Prompt: Come chiarisce Madonna_d'Alba la sua Descrizione e stile?

La Madonna è del tipo "dell'Umiltà", con Maria seduta in terra, su un cuscino, che tiene su una gamba il Bambin Gesù, il quale gioca con san Giovannino afferrandone la croce. Il gesto, che appare come un naturale gioco tra fanciulli, cela in realtà precisi valori religiosi, come l'accettazione del destino da parte di Cristo, preannunciato dal Battista. Tutti gli occhi convergono sulla croce, che è il fulcro della composizione. Le figure, inserite in un luminoso paesaggio bucolico, formano una composizione di tipo piramidale sviluppata spazialmente (come dimostrano le gambe di Maria in scorcio) e perfezionata per la superficie rotonda del dipinto. Evidente è l'influenza dei maestri fiorentini come Leonardo da Vinci, nella resa sfumata degli incarnati, e Michelangelo, nell'esaltazione plastica e sciolta delle forme. Maria indossa una veste dai colori pastello, con un turbante in testa e sandali all'antica.La ricchezza di riferimenti e l'attento studio della composizione non diminuiscono però il senso di immediatezza e spontaneità della scena, tipico di Raffaello.

File:Raffaello, madonna d'alba, 1510 circa, 02.JPG

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Madonna_d'Alba

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Madonna_d'Alba?

La Madonna è del tipo "dell'Umiltà", con Maria seduta in terra, su un cuscino, che tiene su una gamba il Bambin Gesù, il quale gioca con san Giovannino afferrandone la croce. Il gesto, che appare come un naturale gioco tra fanciulli, cela in realtà precisi valori religiosi, come l'accettazione del destino da parte di Cristo, preannunciato dal Battista. Tutti gli occhi convergono sulla croce, che è il fulcro della composizione. Le figure, inserite in un luminoso paesaggio bucolico, formano una composizione di tipo piramidale sviluppata spazialmente (come dimostrano le gambe di Maria in scorcio) e perfezionata per la superficie rotonda del dipinto. Evidente è l'influenza dei maestri fiorentini come Leonardo da Vinci, nella resa sfumata degli incarnati, e Michelangelo, nell'esaltazione plastica e sciolta delle forme. Maria indossa una veste dai colori pastello, con un turbante in testa e sandali all'antica.La ricchezza di riferimenti e l'attento studio della composizione non diminuiscono però il senso di immediatezza e spontaneità della scena, tipico di Raffaello.

File:Raffaello, madonna d'alba, 1510 circa, 02.JPG

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Il_pifferaio

Prompt: Concentrati su Il_pifferaio ed esplora la abstract.

Il pifferaio (Le Fifre) è un dipinto a olio su tela (160×98 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1866 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
File:Le fifre, detail.png
Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
left
thumb
Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_pifferaio.

Il pifferaio (Le Fifre) è un dipinto a olio su tela (160×98 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1866 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
File:Le fifre, detail.png
Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come chiarisce Il_pifferaio la sua abstract?

Il pifferaio (Le Fifre) è un dipinto a olio su tela (160×98 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1866 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

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Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
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Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_pifferaio?

Il pifferaio (Le Fifre) è un dipinto a olio su tela (160×98 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1866 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

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Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
File:Le fifre, detail.png
Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
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Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Concentrati su Il_pifferaio ed esplora la Storia.

L'artista francese Édouard Manet, che sin dagli esordi nutriva una grande passione per la pittura spagnola del Seicento, si sarebbe recato in Spagna solo molto tardivamente, nel 1865. In visita al museo del Prado, a Madrid, fu letteralmente folgorato dal ritratto di Pablo de Valladolid di Diego Velázquez, a tal punto che, vibrante di commozione, all'amico Fantin-Latour confidò:Ritornato in patria, Manet decise di riproporre la lezione di Velázquez raffigurando stavolta un soggetto contemporaneo. L'opera fu inviata per il Salon del 1866: la critica, tuttavia, non aveva certo perdonato a Manet lo scandalo della Colazione sull'erba e dell'Olympia, e pertanto respinse il quadro. Particolarmente acerbe, furono le critiche di Mantz, voce della Gazette des Beaux-Arts, che denunciò la mancanza di ambientazione («niente terreno, niente aria, niente prospettiva») e l'ostentata bidimensionalità della figura («divertente esemplare di un immaginario ancora barbaro»).Il pifferaio, tuttavia, fu energicamente difeso da Émile Zola, scrittore che - vedendovi un parallelo con la propria missione letteraria - affermò: «Su un fondo grigio e luminoso si staglia il piccolo musicista, in bassa tenuta, pantaloni rossi e bonnetto. Soffia nel suo strumento, si presenta di faccia [...] La semplificazione creata dall'occhio chiaro e giusto dell’artista, ha fatto della tela un’opera assolutamente delicata e ingenua; deliziosa fino alla grazia e reale fino all'asprezza [...] non credo sia possibile ottenere un effetto più potente con mezzi più semplici». L'opera (fu posseduta da Durand-Ruel, Jean-Baptiste Faure, Isaac de Camondo), dal 1986 è esposta al museo d'Orsay.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
File:Le fifre, detail.png
Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Il_pifferaio.

L'artista francese Édouard Manet, che sin dagli esordi nutriva una grande passione per la pittura spagnola del Seicento, si sarebbe recato in Spagna solo molto tardivamente, nel 1865. In visita al museo del Prado, a Madrid, fu letteralmente folgorato dal ritratto di Pablo de Valladolid di Diego Velázquez, a tal punto che, vibrante di commozione, all'amico Fantin-Latour confidò:Ritornato in patria, Manet decise di riproporre la lezione di Velázquez raffigurando stavolta un soggetto contemporaneo. L'opera fu inviata per il Salon del 1866: la critica, tuttavia, non aveva certo perdonato a Manet lo scandalo della Colazione sull'erba e dell'Olympia, e pertanto respinse il quadro. Particolarmente acerbe, furono le critiche di Mantz, voce della Gazette des Beaux-Arts, che denunciò la mancanza di ambientazione («niente terreno, niente aria, niente prospettiva») e l'ostentata bidimensionalità della figura («divertente esemplare di un immaginario ancora barbaro»).Il pifferaio, tuttavia, fu energicamente difeso da Émile Zola, scrittore che - vedendovi un parallelo con la propria missione letteraria - affermò: «Su un fondo grigio e luminoso si staglia il piccolo musicista, in bassa tenuta, pantaloni rossi e bonnetto. Soffia nel suo strumento, si presenta di faccia [...] La semplificazione creata dall'occhio chiaro e giusto dell’artista, ha fatto della tela un’opera assolutamente delicata e ingenua; deliziosa fino alla grazia e reale fino all'asprezza [...] non credo sia possibile ottenere un effetto più potente con mezzi più semplici». L'opera (fu posseduta da Durand-Ruel, Jean-Baptiste Faure, Isaac de Camondo), dal 1986 è esposta al museo d'Orsay.

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Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come chiarisce Il_pifferaio la sua Storia?

L'artista francese Édouard Manet, che sin dagli esordi nutriva una grande passione per la pittura spagnola del Seicento, si sarebbe recato in Spagna solo molto tardivamente, nel 1865. In visita al museo del Prado, a Madrid, fu letteralmente folgorato dal ritratto di Pablo de Valladolid di Diego Velázquez, a tal punto che, vibrante di commozione, all'amico Fantin-Latour confidò:Ritornato in patria, Manet decise di riproporre la lezione di Velázquez raffigurando stavolta un soggetto contemporaneo. L'opera fu inviata per il Salon del 1866: la critica, tuttavia, non aveva certo perdonato a Manet lo scandalo della Colazione sull'erba e dell'Olympia, e pertanto respinse il quadro. Particolarmente acerbe, furono le critiche di Mantz, voce della Gazette des Beaux-Arts, che denunciò la mancanza di ambientazione («niente terreno, niente aria, niente prospettiva») e l'ostentata bidimensionalità della figura («divertente esemplare di un immaginario ancora barbaro»).Il pifferaio, tuttavia, fu energicamente difeso da Émile Zola, scrittore che - vedendovi un parallelo con la propria missione letteraria - affermò: «Su un fondo grigio e luminoso si staglia il piccolo musicista, in bassa tenuta, pantaloni rossi e bonnetto. Soffia nel suo strumento, si presenta di faccia [...] La semplificazione creata dall'occhio chiaro e giusto dell’artista, ha fatto della tela un’opera assolutamente delicata e ingenua; deliziosa fino alla grazia e reale fino all'asprezza [...] non credo sia possibile ottenere un effetto più potente con mezzi più semplici». L'opera (fu posseduta da Durand-Ruel, Jean-Baptiste Faure, Isaac de Camondo), dal 1986 è esposta al museo d'Orsay.

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Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
museo d'Orsay
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come viene discussa la Storia in Il_pifferaio?

L'artista francese Édouard Manet, che sin dagli esordi nutriva una grande passione per la pittura spagnola del Seicento, si sarebbe recato in Spagna solo molto tardivamente, nel 1865. In visita al museo del Prado, a Madrid, fu letteralmente folgorato dal ritratto di Pablo de Valladolid di Diego Velázquez, a tal punto che, vibrante di commozione, all'amico Fantin-Latour confidò:Ritornato in patria, Manet decise di riproporre la lezione di Velázquez raffigurando stavolta un soggetto contemporaneo. L'opera fu inviata per il Salon del 1866: la critica, tuttavia, non aveva certo perdonato a Manet lo scandalo della Colazione sull'erba e dell'Olympia, e pertanto respinse il quadro. Particolarmente acerbe, furono le critiche di Mantz, voce della Gazette des Beaux-Arts, che denunciò la mancanza di ambientazione («niente terreno, niente aria, niente prospettiva») e l'ostentata bidimensionalità della figura («divertente esemplare di un immaginario ancora barbaro»).Il pifferaio, tuttavia, fu energicamente difeso da Émile Zola, scrittore che - vedendovi un parallelo con la propria missione letteraria - affermò: «Su un fondo grigio e luminoso si staglia il piccolo musicista, in bassa tenuta, pantaloni rossi e bonnetto. Soffia nel suo strumento, si presenta di faccia [...] La semplificazione creata dall'occhio chiaro e giusto dell’artista, ha fatto della tela un’opera assolutamente delicata e ingenua; deliziosa fino alla grazia e reale fino all'asprezza [...] non credo sia possibile ottenere un effetto più potente con mezzi più semplici». L'opera (fu posseduta da Durand-Ruel, Jean-Baptiste Faure, Isaac de Camondo), dal 1986 è esposta al museo d'Orsay.

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Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
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Colazione sull'erba (Manet)
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Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Concentrati su Il_pifferaio ed esplora la Descrizione.

Il pifferaio raffigura un semplice ed anonimo ragazzino di stanza con la Guardia Imperiale. Il modello gli fu procurato dall'amico comandante Lejosne, anche se alcuni critici hanno paventato l'ipotesi che si tratti di Léon-Édouard Koëlla, il bambino che Manet avrebbe generato insieme a Suzanne Leenhoff nel 1849: non disponiamo, tuttavia, di una documentazione adeguata a dimostrare questa teoria, e neanche la paternità del bimbo, pur presunta, è mai stata accertata.Con Il pifferaio Manet non solo rinnova in modo radicale la gerarchia dei generi, conferendo a un soggetto di genere la stessa dignità di un ritratto ufficiale, bensì impiega anche uno stile audace e rivoluzionario. La figura infatti, è isolata su uno sfondo spoglio e privo di profondità, dove a malapena si riconoscono il piano verticale della parete e quello orizzontale del pavimento. Dal punto di vista cromatico Manet orchestra invece un accordo essenziale di colori uniformi e piatti, impostato sulla brillantezza del nero, addirittura nitido e luminoso (tipico dell'artista), sui rossi del pantalone, sull'uniformità del grigio dello sfondo, sulle guarnizioni nere e dorate e infine sulla densità dei bianchi, atti a sottolineare le pieghe della bandoliera e delle ghette. La tavolozza, in questo modo, è ridotta all'essenziale e crea un effetto di dirompente originalità.Con questo dipinto Manet denuncia l'influenza non solo di Velázquez, al quale Il pifferaio è un esplicito omaggio, ma anche delle stampe giapponesi, che grazie all'intensificarsi degli scambi commerciali con l'Oriente iniziarono a godere di grande popolarità. Così come le stampe giapponesi, infatti, Il pifferaio presenta una stesura piatta, con una bidimensionalità che viene accentuata dalla spessa linea di contorno nera che circoscrive ogni forma, e impiega un disegno semplice e netto, privo di prospettiva e di modellazione data del chiaroscuro.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
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Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Il_pifferaio.

Il pifferaio raffigura un semplice ed anonimo ragazzino di stanza con la Guardia Imperiale. Il modello gli fu procurato dall'amico comandante Lejosne, anche se alcuni critici hanno paventato l'ipotesi che si tratti di Léon-Édouard Koëlla, il bambino che Manet avrebbe generato insieme a Suzanne Leenhoff nel 1849: non disponiamo, tuttavia, di una documentazione adeguata a dimostrare questa teoria, e neanche la paternità del bimbo, pur presunta, è mai stata accertata.Con Il pifferaio Manet non solo rinnova in modo radicale la gerarchia dei generi, conferendo a un soggetto di genere la stessa dignità di un ritratto ufficiale, bensì impiega anche uno stile audace e rivoluzionario. La figura infatti, è isolata su uno sfondo spoglio e privo di profondità, dove a malapena si riconoscono il piano verticale della parete e quello orizzontale del pavimento. Dal punto di vista cromatico Manet orchestra invece un accordo essenziale di colori uniformi e piatti, impostato sulla brillantezza del nero, addirittura nitido e luminoso (tipico dell'artista), sui rossi del pantalone, sull'uniformità del grigio dello sfondo, sulle guarnizioni nere e dorate e infine sulla densità dei bianchi, atti a sottolineare le pieghe della bandoliera e delle ghette. La tavolozza, in questo modo, è ridotta all'essenziale e crea un effetto di dirompente originalità.Con questo dipinto Manet denuncia l'influenza non solo di Velázquez, al quale Il pifferaio è un esplicito omaggio, ma anche delle stampe giapponesi, che grazie all'intensificarsi degli scambi commerciali con l'Oriente iniziarono a godere di grande popolarità. Così come le stampe giapponesi, infatti, Il pifferaio presenta una stesura piatta, con una bidimensionalità che viene accentuata dalla spessa linea di contorno nera che circoscrive ogni forma, e impiega un disegno semplice e netto, privo di prospettiva e di modellazione data del chiaroscuro.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come chiarisce Il_pifferaio la sua Descrizione?

Il pifferaio raffigura un semplice ed anonimo ragazzino di stanza con la Guardia Imperiale. Il modello gli fu procurato dall'amico comandante Lejosne, anche se alcuni critici hanno paventato l'ipotesi che si tratti di Léon-Édouard Koëlla, il bambino che Manet avrebbe generato insieme a Suzanne Leenhoff nel 1849: non disponiamo, tuttavia, di una documentazione adeguata a dimostrare questa teoria, e neanche la paternità del bimbo, pur presunta, è mai stata accertata.Con Il pifferaio Manet non solo rinnova in modo radicale la gerarchia dei generi, conferendo a un soggetto di genere la stessa dignità di un ritratto ufficiale, bensì impiega anche uno stile audace e rivoluzionario. La figura infatti, è isolata su uno sfondo spoglio e privo di profondità, dove a malapena si riconoscono il piano verticale della parete e quello orizzontale del pavimento. Dal punto di vista cromatico Manet orchestra invece un accordo essenziale di colori uniformi e piatti, impostato sulla brillantezza del nero, addirittura nitido e luminoso (tipico dell'artista), sui rossi del pantalone, sull'uniformità del grigio dello sfondo, sulle guarnizioni nere e dorate e infine sulla densità dei bianchi, atti a sottolineare le pieghe della bandoliera e delle ghette. La tavolozza, in questo modo, è ridotta all'essenziale e crea un effetto di dirompente originalità.Con questo dipinto Manet denuncia l'influenza non solo di Velázquez, al quale Il pifferaio è un esplicito omaggio, ma anche delle stampe giapponesi, che grazie all'intensificarsi degli scambi commerciali con l'Oriente iniziarono a godere di grande popolarità. Così come le stampe giapponesi, infatti, Il pifferaio presenta una stesura piatta, con una bidimensionalità che viene accentuata dalla spessa linea di contorno nera che circoscrive ogni forma, e impiega un disegno semplice e netto, privo di prospettiva e di modellazione data del chiaroscuro.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
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Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
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Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Il_pifferaio

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Il_pifferaio?

Il pifferaio raffigura un semplice ed anonimo ragazzino di stanza con la Guardia Imperiale. Il modello gli fu procurato dall'amico comandante Lejosne, anche se alcuni critici hanno paventato l'ipotesi che si tratti di Léon-Édouard Koëlla, il bambino che Manet avrebbe generato insieme a Suzanne Leenhoff nel 1849: non disponiamo, tuttavia, di una documentazione adeguata a dimostrare questa teoria, e neanche la paternità del bimbo, pur presunta, è mai stata accertata.Con Il pifferaio Manet non solo rinnova in modo radicale la gerarchia dei generi, conferendo a un soggetto di genere la stessa dignità di un ritratto ufficiale, bensì impiega anche uno stile audace e rivoluzionario. La figura infatti, è isolata su uno sfondo spoglio e privo di profondità, dove a malapena si riconoscono il piano verticale della parete e quello orizzontale del pavimento. Dal punto di vista cromatico Manet orchestra invece un accordo essenziale di colori uniformi e piatti, impostato sulla brillantezza del nero, addirittura nitido e luminoso (tipico dell'artista), sui rossi del pantalone, sull'uniformità del grigio dello sfondo, sulle guarnizioni nere e dorate e infine sulla densità dei bianchi, atti a sottolineare le pieghe della bandoliera e delle ghette. La tavolozza, in questo modo, è ridotta all'essenziale e crea un effetto di dirompente originalità.Con questo dipinto Manet denuncia l'influenza non solo di Velázquez, al quale Il pifferaio è un esplicito omaggio, ma anche delle stampe giapponesi, che grazie all'intensificarsi degli scambi commerciali con l'Oriente iniziarono a godere di grande popolarità. Così come le stampe giapponesi, infatti, Il pifferaio presenta una stesura piatta, con una bidimensionalità che viene accentuata dalla spessa linea di contorno nera che circoscrive ogni forma, e impiega un disegno semplice e netto, privo di prospettiva e di modellazione data del chiaroscuro.

Enciclopedia Britannica
Olympia (Manet)
Colazione sull'erba
Museo d'Orsay
Diego Velázquez
Madrid
File:Le fifre, detail.png
Dettaglio de ''Il pifferaio''
gerarchia dei generi
tela
pittura a olio
Categoria:Dipinti nel Museo d'Orsay
Colazione sull'erba (Manet)
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Parigi
Jean-Baptiste Faure
ritratto di Pablo de Valladolid
museo del Prado
olio
pittura su tela
Édouard Manet
Émile Zola
Olympia


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Concentrati su Alchimista_che_scopre_il_fosforo ed esplora la abstract.

L'alchimista scopre il fosforo è un dipinto di Joseph Wright of Derby originariamente terminato nel 1771 e poi rimaneggiato nel 1795. Il titolo completo del dipinto è L'alchimista, alla ricerca della pietra filosofale, scopre il fosforo e prega per la buona conclusione della sua operazione, come era usanza degli antichi astrologi alchemici. Si è suggerito che questo quadro si riferisca alla scoperta del fosforo da parte dell'alchimista di Amburgo Hennig Brand nel 1669.L'uomo, che cercava la pietra filosofale distillando urina di cavallo, una notte vide dall'ampolla in ebollizione uscire un notevole chiarore che illuminò tutta la cantina dove conduceva le proprie ricerche. Per questo motivo volle dare come nome al composto appena scoperto "fosforo", in greco "portatore di luce"; questa storia era già stata spesso stampata nei libri popolari di chimica nel corso della vita di Wright, ed era ampiamente nota.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Alchimista_che_scopre_il_fosforo.

L'alchimista scopre il fosforo è un dipinto di Joseph Wright of Derby originariamente terminato nel 1771 e poi rimaneggiato nel 1795. Il titolo completo del dipinto è L'alchimista, alla ricerca della pietra filosofale, scopre il fosforo e prega per la buona conclusione della sua operazione, come era usanza degli antichi astrologi alchemici. Si è suggerito che questo quadro si riferisca alla scoperta del fosforo da parte dell'alchimista di Amburgo Hennig Brand nel 1669.L'uomo, che cercava la pietra filosofale distillando urina di cavallo, una notte vide dall'ampolla in ebollizione uscire un notevole chiarore che illuminò tutta la cantina dove conduceva le proprie ricerche. Per questo motivo volle dare come nome al composto appena scoperto "fosforo", in greco "portatore di luce"; questa storia era già stata spesso stampata nei libri popolari di chimica nel corso della vita di Wright, ed era ampiamente nota.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come chiarisce Alchimista_che_scopre_il_fosforo la sua abstract?

L'alchimista scopre il fosforo è un dipinto di Joseph Wright of Derby originariamente terminato nel 1771 e poi rimaneggiato nel 1795. Il titolo completo del dipinto è L'alchimista, alla ricerca della pietra filosofale, scopre il fosforo e prega per la buona conclusione della sua operazione, come era usanza degli antichi astrologi alchemici. Si è suggerito che questo quadro si riferisca alla scoperta del fosforo da parte dell'alchimista di Amburgo Hennig Brand nel 1669.L'uomo, che cercava la pietra filosofale distillando urina di cavallo, una notte vide dall'ampolla in ebollizione uscire un notevole chiarore che illuminò tutta la cantina dove conduceva le proprie ricerche. Per questo motivo volle dare come nome al composto appena scoperto "fosforo", in greco "portatore di luce"; questa storia era già stata spesso stampata nei libri popolari di chimica nel corso della vita di Wright, ed era ampiamente nota.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come viene discussa la abstract in Alchimista_che_scopre_il_fosforo?

L'alchimista scopre il fosforo è un dipinto di Joseph Wright of Derby originariamente terminato nel 1771 e poi rimaneggiato nel 1795. Il titolo completo del dipinto è L'alchimista, alla ricerca della pietra filosofale, scopre il fosforo e prega per la buona conclusione della sua operazione, come era usanza degli antichi astrologi alchemici. Si è suggerito che questo quadro si riferisca alla scoperta del fosforo da parte dell'alchimista di Amburgo Hennig Brand nel 1669.L'uomo, che cercava la pietra filosofale distillando urina di cavallo, una notte vide dall'ampolla in ebollizione uscire un notevole chiarore che illuminò tutta la cantina dove conduceva le proprie ricerche. Per questo motivo volle dare come nome al composto appena scoperto "fosforo", in greco "portatore di luce"; questa storia era già stata spesso stampata nei libri popolari di chimica nel corso della vita di Wright, ed era ampiamente nota.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Concentrati su Alchimista_che_scopre_il_fosforo ed esplora la Descrizione.

L'immagine mostra l'alchimista che cercando di produrre la pietra filosofale, mitica materia che potrebbe trasformare il volgare metallo in oro, con sua grande sorpresa scopre il fosforo. Wright non dipinge l'alchimista in uno sfondo del XVII secolo ma romanticizza l'immagine della stanza immaginando un ambiente medievale con alte volte gotiche e finestre a sesto acuto, come se si trovasse in una chiesa.Ha inoltre reso in maniera molto efficace il processo chimico necessario, che si basa sull'ebollizione dell'urina; una descrizione del 1730 della produzione del fosforo parla della necessità sia di 50 o 60 secchi di urina putrida che di "vermi allevati".Wright dà anche connotazioni religiose al dipinto: l'alchimista si inginocchia di fronte alla luminosa ampolla, stendendo le mani in un gesto simile a quello utilizzato da El Greco quando dipinse Stimmate di san Francesco e San Gerolamo in preghiera. Benedict Nicolson paragona il suo atteggiamento a quello di uno dei discepoli di Cristo che ricevono la comunione e ritiene che la disposizione del dipinto potrebbe essere stata ispirata dal dipinto di Thomas Wijck L'alchimista, che era in mostra a Londra durante la vita di Wright, è che è similare per le volte, la confusione degli oggetti nella stanza e per la presenza dell'assistente investito dalla luce.In ogni caso è chiaro che ebbe una forte influenza sul disegno il compagno di Wright, Peter Perez Burdett: esiste uno schizzo dell'uomo, datato 4 febbraio 1771, in cui già si vedono la volta, l'impostazione del disegno ed il contenitore di vetro al centro della scena. è Burdett che dice dove posizionare la figura nel dipinto e sempre Burdett aveva già fatto parlato a Wright di Matthew Turner in modo che il pittore potesse comprendere appieno la scienza alla base del fenomeno rappresentato nel dipinto.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Alchimista_che_scopre_il_fosforo.

L'immagine mostra l'alchimista che cercando di produrre la pietra filosofale, mitica materia che potrebbe trasformare il volgare metallo in oro, con sua grande sorpresa scopre il fosforo. Wright non dipinge l'alchimista in uno sfondo del XVII secolo ma romanticizza l'immagine della stanza immaginando un ambiente medievale con alte volte gotiche e finestre a sesto acuto, come se si trovasse in una chiesa.Ha inoltre reso in maniera molto efficace il processo chimico necessario, che si basa sull'ebollizione dell'urina; una descrizione del 1730 della produzione del fosforo parla della necessità sia di 50 o 60 secchi di urina putrida che di "vermi allevati".Wright dà anche connotazioni religiose al dipinto: l'alchimista si inginocchia di fronte alla luminosa ampolla, stendendo le mani in un gesto simile a quello utilizzato da El Greco quando dipinse Stimmate di san Francesco e San Gerolamo in preghiera. Benedict Nicolson paragona il suo atteggiamento a quello di uno dei discepoli di Cristo che ricevono la comunione e ritiene che la disposizione del dipinto potrebbe essere stata ispirata dal dipinto di Thomas Wijck L'alchimista, che era in mostra a Londra durante la vita di Wright, è che è similare per le volte, la confusione degli oggetti nella stanza e per la presenza dell'assistente investito dalla luce.In ogni caso è chiaro che ebbe una forte influenza sul disegno il compagno di Wright, Peter Perez Burdett: esiste uno schizzo dell'uomo, datato 4 febbraio 1771, in cui già si vedono la volta, l'impostazione del disegno ed il contenitore di vetro al centro della scena. è Burdett che dice dove posizionare la figura nel dipinto e sempre Burdett aveva già fatto parlato a Wright di Matthew Turner in modo che il pittore potesse comprendere appieno la scienza alla base del fenomeno rappresentato nel dipinto.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come chiarisce Alchimista_che_scopre_il_fosforo la sua Descrizione?

L'immagine mostra l'alchimista che cercando di produrre la pietra filosofale, mitica materia che potrebbe trasformare il volgare metallo in oro, con sua grande sorpresa scopre il fosforo. Wright non dipinge l'alchimista in uno sfondo del XVII secolo ma romanticizza l'immagine della stanza immaginando un ambiente medievale con alte volte gotiche e finestre a sesto acuto, come se si trovasse in una chiesa.Ha inoltre reso in maniera molto efficace il processo chimico necessario, che si basa sull'ebollizione dell'urina; una descrizione del 1730 della produzione del fosforo parla della necessità sia di 50 o 60 secchi di urina putrida che di "vermi allevati".Wright dà anche connotazioni religiose al dipinto: l'alchimista si inginocchia di fronte alla luminosa ampolla, stendendo le mani in un gesto simile a quello utilizzato da El Greco quando dipinse Stimmate di san Francesco e San Gerolamo in preghiera. Benedict Nicolson paragona il suo atteggiamento a quello di uno dei discepoli di Cristo che ricevono la comunione e ritiene che la disposizione del dipinto potrebbe essere stata ispirata dal dipinto di Thomas Wijck L'alchimista, che era in mostra a Londra durante la vita di Wright, è che è similare per le volte, la confusione degli oggetti nella stanza e per la presenza dell'assistente investito dalla luce.In ogni caso è chiaro che ebbe una forte influenza sul disegno il compagno di Wright, Peter Perez Burdett: esiste uno schizzo dell'uomo, datato 4 febbraio 1771, in cui già si vedono la volta, l'impostazione del disegno ed il contenitore di vetro al centro della scena. è Burdett che dice dove posizionare la figura nel dipinto e sempre Burdett aveva già fatto parlato a Wright di Matthew Turner in modo che il pittore potesse comprendere appieno la scienza alla base del fenomeno rappresentato nel dipinto.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Alchimista_che_scopre_il_fosforo?

L'immagine mostra l'alchimista che cercando di produrre la pietra filosofale, mitica materia che potrebbe trasformare il volgare metallo in oro, con sua grande sorpresa scopre il fosforo. Wright non dipinge l'alchimista in uno sfondo del XVII secolo ma romanticizza l'immagine della stanza immaginando un ambiente medievale con alte volte gotiche e finestre a sesto acuto, come se si trovasse in una chiesa.Ha inoltre reso in maniera molto efficace il processo chimico necessario, che si basa sull'ebollizione dell'urina; una descrizione del 1730 della produzione del fosforo parla della necessità sia di 50 o 60 secchi di urina putrida che di "vermi allevati".Wright dà anche connotazioni religiose al dipinto: l'alchimista si inginocchia di fronte alla luminosa ampolla, stendendo le mani in un gesto simile a quello utilizzato da El Greco quando dipinse Stimmate di san Francesco e San Gerolamo in preghiera. Benedict Nicolson paragona il suo atteggiamento a quello di uno dei discepoli di Cristo che ricevono la comunione e ritiene che la disposizione del dipinto potrebbe essere stata ispirata dal dipinto di Thomas Wijck L'alchimista, che era in mostra a Londra durante la vita di Wright, è che è similare per le volte, la confusione degli oggetti nella stanza e per la presenza dell'assistente investito dalla luce.In ogni caso è chiaro che ebbe una forte influenza sul disegno il compagno di Wright, Peter Perez Burdett: esiste uno schizzo dell'uomo, datato 4 febbraio 1771, in cui già si vedono la volta, l'impostazione del disegno ed il contenitore di vetro al centro della scena. è Burdett che dice dove posizionare la figura nel dipinto e sempre Burdett aveva già fatto parlato a Wright di Matthew Turner in modo che il pittore potesse comprendere appieno la scienza alla base del fenomeno rappresentato nel dipinto.

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Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Concentrati su Alchimista_che_scopre_il_fosforo ed esplora la Storia e fortuna del dipinto.

Fin dal 1771 il quadro suscitò molte interpretazioni contraddittorie. L'alone di mistero del quadro non era molto gradito ai possibili compratori del XVIII secolo, pur potendo essere inteso come il momento del passaggio al mondo moderno basato sul metodo scientifico, tant'è che, sebbene Wright fosse un artista riconosciuto a livello internazionale, il dipinto rimase invenduto.L'opera seguì Wright in Italia nel 1773-1775, tornò poi in Inghilterra , venne rielaborata nel 1795 e fu infine venduta solo quattro anni dopo la sua morte, quando i suoi beni furono messi all'asta da Christie's.

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Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Esplora la Storia e fortuna del dipinto di questa opera d'arte, Alchimista_che_scopre_il_fosforo.

Fin dal 1771 il quadro suscitò molte interpretazioni contraddittorie. L'alone di mistero del quadro non era molto gradito ai possibili compratori del XVIII secolo, pur potendo essere inteso come il momento del passaggio al mondo moderno basato sul metodo scientifico, tant'è che, sebbene Wright fosse un artista riconosciuto a livello internazionale, il dipinto rimase invenduto.L'opera seguì Wright in Italia nel 1773-1775, tornò poi in Inghilterra , venne rielaborata nel 1795 e fu infine venduta solo quattro anni dopo la sua morte, quando i suoi beni furono messi all'asta da Christie's.

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Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come chiarisce Alchimista_che_scopre_il_fosforo la sua Storia e fortuna del dipinto?

Fin dal 1771 il quadro suscitò molte interpretazioni contraddittorie. L'alone di mistero del quadro non era molto gradito ai possibili compratori del XVIII secolo, pur potendo essere inteso come il momento del passaggio al mondo moderno basato sul metodo scientifico, tant'è che, sebbene Wright fosse un artista riconosciuto a livello internazionale, il dipinto rimase invenduto.L'opera seguì Wright in Italia nel 1773-1775, tornò poi in Inghilterra , venne rielaborata nel 1795 e fu infine venduta solo quattro anni dopo la sua morte, quando i suoi beni furono messi all'asta da Christie's.

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art Gallery

Categoria:Dipinti di Joseph Wright of Derby


Alchimista_che_scopre_il_fosforo

Prompt: Come viene discussa la Storia e fortuna del dipinto in Alchimista_che_scopre_il_fosforo?

Fin dal 1771 il quadro suscitò molte interpretazioni contraddittorie. L'alone di mistero del quadro non era molto gradito ai possibili compratori del XVIII secolo, pur potendo essere inteso come il momento del passaggio al mondo moderno basato sul metodo scientifico, tant'è che, sebbene Wright fosse un artista riconosciuto a livello internazionale, il dipinto rimase invenduto.L'opera seguì Wright in Italia nel 1773-1775, tornò poi in Inghilterra , venne rielaborata nel 1795 e fu infine venduta solo quattro anni dopo la sua morte, quando i suoi beni furono messi all'asta da Christie's.

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Cristo_della_moneta

Prompt: Concentrati su Cristo_della_moneta ed esplora la abstract.

Il Cristo della moneta è un dipinto a olio su tavola (75x56 cm) di Tiziano, databile al 1516 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda. È firmato "Ticianus F.[ecit]".

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Cristo_della_moneta.

Il Cristo della moneta è un dipinto a olio su tavola (75x56 cm) di Tiziano, databile al 1516 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda. È firmato "Ticianus F.[ecit]".

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come chiarisce Cristo_della_moneta la sua abstract?

Il Cristo della moneta è un dipinto a olio su tavola (75x56 cm) di Tiziano, databile al 1516 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda. È firmato "Ticianus F.[ecit]".

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come viene discussa la abstract in Cristo_della_moneta?

Il Cristo della moneta è un dipinto a olio su tavola (75x56 cm) di Tiziano, databile al 1516 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda. È firmato "Ticianus F.[ecit]".

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Cristo_della_moneta

Prompt: Concentrati su Cristo_della_moneta ed esplora la Storia.

È molto probabile che la tavola fosse quella vista da Vasari su una porta di uno studio di Alfonso I d'Este a Ferrara. Seguendo le vicende della dinastia estense finì a Modena e nel 1746 venne venduta con la grande maggioranza delle collezioni artistiche al principe di Sassonia, confluendo successivamente nel museo di Dresda.Una copia antica all'Accademia di San Luca a Roma mostra l'opera di dimensioni maggiori, prima che venissero decurtate due ali ai lati. Un'altra copia, attribuita al Garofalo, è nelle collezioni degli Uffizi e mostra pure un formato più ampio.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Cristo_della_moneta.

È molto probabile che la tavola fosse quella vista da Vasari su una porta di uno studio di Alfonso I d'Este a Ferrara. Seguendo le vicende della dinastia estense finì a Modena e nel 1746 venne venduta con la grande maggioranza delle collezioni artistiche al principe di Sassonia, confluendo successivamente nel museo di Dresda.Una copia antica all'Accademia di San Luca a Roma mostra l'opera di dimensioni maggiori, prima che venissero decurtate due ali ai lati. Un'altra copia, attribuita al Garofalo, è nelle collezioni degli Uffizi e mostra pure un formato più ampio.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come chiarisce Cristo_della_moneta la sua Storia?

È molto probabile che la tavola fosse quella vista da Vasari su una porta di uno studio di Alfonso I d'Este a Ferrara. Seguendo le vicende della dinastia estense finì a Modena e nel 1746 venne venduta con la grande maggioranza delle collezioni artistiche al principe di Sassonia, confluendo successivamente nel museo di Dresda.Una copia antica all'Accademia di San Luca a Roma mostra l'opera di dimensioni maggiori, prima che venissero decurtate due ali ai lati. Un'altra copia, attribuita al Garofalo, è nelle collezioni degli Uffizi e mostra pure un formato più ampio.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come viene discussa la Storia in Cristo_della_moneta?

È molto probabile che la tavola fosse quella vista da Vasari su una porta di uno studio di Alfonso I d'Este a Ferrara. Seguendo le vicende della dinastia estense finì a Modena e nel 1746 venne venduta con la grande maggioranza delle collezioni artistiche al principe di Sassonia, confluendo successivamente nel museo di Dresda.Una copia antica all'Accademia di San Luca a Roma mostra l'opera di dimensioni maggiori, prima che venissero decurtate due ali ai lati. Un'altra copia, attribuita al Garofalo, è nelle collezioni degli Uffizi e mostra pure un formato più ampio.

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Cristo_della_moneta

Prompt: Concentrati su Cristo_della_moneta ed esplora la Descrizione e stile.

La scena è tratta dal Vangelo di Matteo (17:24–27), in cui Gesù invita Pietro a recarsi presso il lago, pescare il primo pesce, ed estrarre dalla sua bocca la moneta necessaria a pagare un tributo richiesto per entrare nella città di Cafarnao. Il soggetto è raro e quasi sempre veniva commissionato ai pittori da gabellieri o sovrani che imponevano nuove tasse, per dare un fondamento religioso alle richieste di denaro.Per Tiziano le due figure emergono dalla penombra con notevole forza plastica, invase da una luce incidente che accende i colori delle vesti e il chiarore degli incarnati. Sciolta è la disposizione dei personaggi, studiata in modo da accentuare l'intensità dello sguardo tra  Gesù e Pietro. La figura dell'apostolo è di estremo realismo, vestito come un popolano e con uno zingaresco orecchino a un lobo.Significativa è una testimonianza di Sigmund Freud a proposito del Redentore:«[…] Un altro quadro mi ha incantato, il “Cristo del tributo” di Tiziano, che conoscevo senza averlo notato particolarmente. Questa testa di Cristo, mia cara, è la sola verosimile che possiamo pensare avesse un tal uomo. Mi è sembrato, anzi, di dover credere che egli fosse stato davvero così importante, perché la sua rappresentazione è così riuscita. E in tutto ciò niente di divino, un nobile volto umano assai lontano dalla bellezza, e severità, interiorità, profondità, una mitezza superiore, una passione profonda: se tutto ciò non si trova in quel quadro, allora non esiste la fisiognomica. L’avrei portato volentieri via, ma c’era troppa gente […]. Dunque, me ne sono andato commosso. […]». (Sigmund Freud, "Lettere alla fidanzata", traduzione di Mazzino Montinari, Paolo Boringhieri editore, Torino 1963, pp. 75–76).L'opera era molto apprezzata anche da Fëdor Dostoevskij, assiduo frequentatore della pinacoteca.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Cristo_della_moneta.

La scena è tratta dal Vangelo di Matteo (17:24–27), in cui Gesù invita Pietro a recarsi presso il lago, pescare il primo pesce, ed estrarre dalla sua bocca la moneta necessaria a pagare un tributo richiesto per entrare nella città di Cafarnao. Il soggetto è raro e quasi sempre veniva commissionato ai pittori da gabellieri o sovrani che imponevano nuove tasse, per dare un fondamento religioso alle richieste di denaro.Per Tiziano le due figure emergono dalla penombra con notevole forza plastica, invase da una luce incidente che accende i colori delle vesti e il chiarore degli incarnati. Sciolta è la disposizione dei personaggi, studiata in modo da accentuare l'intensità dello sguardo tra  Gesù e Pietro. La figura dell'apostolo è di estremo realismo, vestito come un popolano e con uno zingaresco orecchino a un lobo.Significativa è una testimonianza di Sigmund Freud a proposito del Redentore:«[…] Un altro quadro mi ha incantato, il “Cristo del tributo” di Tiziano, che conoscevo senza averlo notato particolarmente. Questa testa di Cristo, mia cara, è la sola verosimile che possiamo pensare avesse un tal uomo. Mi è sembrato, anzi, di dover credere che egli fosse stato davvero così importante, perché la sua rappresentazione è così riuscita. E in tutto ciò niente di divino, un nobile volto umano assai lontano dalla bellezza, e severità, interiorità, profondità, una mitezza superiore, una passione profonda: se tutto ciò non si trova in quel quadro, allora non esiste la fisiognomica. L’avrei portato volentieri via, ma c’era troppa gente […]. Dunque, me ne sono andato commosso. […]». (Sigmund Freud, "Lettere alla fidanzata", traduzione di Mazzino Montinari, Paolo Boringhieri editore, Torino 1963, pp. 75–76).L'opera era molto apprezzata anche da Fëdor Dostoevskij, assiduo frequentatore della pinacoteca.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come chiarisce Cristo_della_moneta la sua Descrizione e stile?

La scena è tratta dal Vangelo di Matteo (17:24–27), in cui Gesù invita Pietro a recarsi presso il lago, pescare il primo pesce, ed estrarre dalla sua bocca la moneta necessaria a pagare un tributo richiesto per entrare nella città di Cafarnao. Il soggetto è raro e quasi sempre veniva commissionato ai pittori da gabellieri o sovrani che imponevano nuove tasse, per dare un fondamento religioso alle richieste di denaro.Per Tiziano le due figure emergono dalla penombra con notevole forza plastica, invase da una luce incidente che accende i colori delle vesti e il chiarore degli incarnati. Sciolta è la disposizione dei personaggi, studiata in modo da accentuare l'intensità dello sguardo tra  Gesù e Pietro. La figura dell'apostolo è di estremo realismo, vestito come un popolano e con uno zingaresco orecchino a un lobo.Significativa è una testimonianza di Sigmund Freud a proposito del Redentore:«[…] Un altro quadro mi ha incantato, il “Cristo del tributo” di Tiziano, che conoscevo senza averlo notato particolarmente. Questa testa di Cristo, mia cara, è la sola verosimile che possiamo pensare avesse un tal uomo. Mi è sembrato, anzi, di dover credere che egli fosse stato davvero così importante, perché la sua rappresentazione è così riuscita. E in tutto ciò niente di divino, un nobile volto umano assai lontano dalla bellezza, e severità, interiorità, profondità, una mitezza superiore, una passione profonda: se tutto ciò non si trova in quel quadro, allora non esiste la fisiognomica. L’avrei portato volentieri via, ma c’era troppa gente […]. Dunque, me ne sono andato commosso. […]». (Sigmund Freud, "Lettere alla fidanzata", traduzione di Mazzino Montinari, Paolo Boringhieri editore, Torino 1963, pp. 75–76).L'opera era molto apprezzata anche da Fëdor Dostoevskij, assiduo frequentatore della pinacoteca.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Cristo_della_moneta

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Cristo_della_moneta?

La scena è tratta dal Vangelo di Matteo (17:24–27), in cui Gesù invita Pietro a recarsi presso il lago, pescare il primo pesce, ed estrarre dalla sua bocca la moneta necessaria a pagare un tributo richiesto per entrare nella città di Cafarnao. Il soggetto è raro e quasi sempre veniva commissionato ai pittori da gabellieri o sovrani che imponevano nuove tasse, per dare un fondamento religioso alle richieste di denaro.Per Tiziano le due figure emergono dalla penombra con notevole forza plastica, invase da una luce incidente che accende i colori delle vesti e il chiarore degli incarnati. Sciolta è la disposizione dei personaggi, studiata in modo da accentuare l'intensità dello sguardo tra  Gesù e Pietro. La figura dell'apostolo è di estremo realismo, vestito come un popolano e con uno zingaresco orecchino a un lobo.Significativa è una testimonianza di Sigmund Freud a proposito del Redentore:«[…] Un altro quadro mi ha incantato, il “Cristo del tributo” di Tiziano, che conoscevo senza averlo notato particolarmente. Questa testa di Cristo, mia cara, è la sola verosimile che possiamo pensare avesse un tal uomo. Mi è sembrato, anzi, di dover credere che egli fosse stato davvero così importante, perché la sua rappresentazione è così riuscita. E in tutto ciò niente di divino, un nobile volto umano assai lontano dalla bellezza, e severità, interiorità, profondità, una mitezza superiore, una passione profonda: se tutto ciò non si trova in quel quadro, allora non esiste la fisiognomica. L’avrei portato volentieri via, ma c’era troppa gente […]. Dunque, me ne sono andato commosso. […]». (Sigmund Freud, "Lettere alla fidanzata", traduzione di Mazzino Montinari, Paolo Boringhieri editore, Torino 1963, pp. 75–76).L'opera era molto apprezzata anche da Fëdor Dostoevskij, assiduo frequentatore della pinacoteca.

Categoria:Dipinti nella Gemäldegalerie di Dresda


Pala_Pesaro

Prompt: Concentrati su Pala_Pesaro ed esplora la abstract.

La Pala Pesaro è un dipinto a olio su tela (478×268 cm) di Tiziano, databile al 1519-1526 e conservato nella basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia. La perfezione del disegno, la magnificenza del colore, la potenza espressiva dei ritratti rendono questa tela uno dei massimi capolavori della storia universale della pittura di ogni tempo.

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Pala_Pesaro.

La Pala Pesaro è un dipinto a olio su tela (478×268 cm) di Tiziano, databile al 1519-1526 e conservato nella basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia. La perfezione del disegno, la magnificenza del colore, la potenza espressiva dei ritratti rendono questa tela uno dei massimi capolavori della storia universale della pittura di ogni tempo.

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Come chiarisce Pala_Pesaro la sua abstract?

La Pala Pesaro è un dipinto a olio su tela (478×268 cm) di Tiziano, databile al 1519-1526 e conservato nella basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia. La perfezione del disegno, la magnificenza del colore, la potenza espressiva dei ritratti rendono questa tela uno dei massimi capolavori della storia universale della pittura di ogni tempo.

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Come viene discussa la abstract in Pala_Pesaro?

La Pala Pesaro è un dipinto a olio su tela (478×268 cm) di Tiziano, databile al 1519-1526 e conservato nella basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia. La perfezione del disegno, la magnificenza del colore, la potenza espressiva dei ritratti rendono questa tela uno dei massimi capolavori della storia universale della pittura di ogni tempo.

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Concentrati su Pala_Pesaro ed esplora la Storia.

L'opera venne commissionata il 24 aprile 1519 da Jacopo Pesaro, vescovo di Pafo nell'isola di Cipro, che già verso il 1506 aveva richiesto a Tiziano la piccola pala di Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI. Destinata all'altare della Concezione nella basilica francescana dei Frari, la stessa per il cui altare maggiore Tiziano aveva dipinto l'Assunta, era nata come ringraziamento per la vittoria nella battaglia di Santa Maura (non è specificato quando avvenne e il perché) riportata il 28 giugno 1502 all'interno della guerra turco-veneziana del 1499-1503, come ricordano i turchi prigionieri e il vessillo con le insegne dei Pesaro e dei Borgia, promotori, col defunto papa Alessandro VI, dell'iniziativa.Fu solennemente inaugurata l'8 dicembre 1526, quando era già stata saldata, il 26 maggio.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi


Pala_Pesaro

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Pala_Pesaro.

L'opera venne commissionata il 24 aprile 1519 da Jacopo Pesaro, vescovo di Pafo nell'isola di Cipro, che già verso il 1506 aveva richiesto a Tiziano la piccola pala di Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI. Destinata all'altare della Concezione nella basilica francescana dei Frari, la stessa per il cui altare maggiore Tiziano aveva dipinto l'Assunta, era nata come ringraziamento per la vittoria nella battaglia di Santa Maura (non è specificato quando avvenne e il perché) riportata il 28 giugno 1502 all'interno della guerra turco-veneziana del 1499-1503, come ricordano i turchi prigionieri e il vessillo con le insegne dei Pesaro e dei Borgia, promotori, col defunto papa Alessandro VI, dell'iniziativa.Fu solennemente inaugurata l'8 dicembre 1526, quando era già stata saldata, il 26 maggio.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

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Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi


Pala_Pesaro

Prompt: Come chiarisce Pala_Pesaro la sua Storia?

L'opera venne commissionata il 24 aprile 1519 da Jacopo Pesaro, vescovo di Pafo nell'isola di Cipro, che già verso il 1506 aveva richiesto a Tiziano la piccola pala di Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI. Destinata all'altare della Concezione nella basilica francescana dei Frari, la stessa per il cui altare maggiore Tiziano aveva dipinto l'Assunta, era nata come ringraziamento per la vittoria nella battaglia di Santa Maura (non è specificato quando avvenne e il perché) riportata il 28 giugno 1502 all'interno della guerra turco-veneziana del 1499-1503, come ricordano i turchi prigionieri e il vessillo con le insegne dei Pesaro e dei Borgia, promotori, col defunto papa Alessandro VI, dell'iniziativa.Fu solennemente inaugurata l'8 dicembre 1526, quando era già stata saldata, il 26 maggio.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi


Pala_Pesaro

Prompt: Come viene discussa la Storia in Pala_Pesaro?

L'opera venne commissionata il 24 aprile 1519 da Jacopo Pesaro, vescovo di Pafo nell'isola di Cipro, che già verso il 1506 aveva richiesto a Tiziano la piccola pala di Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI. Destinata all'altare della Concezione nella basilica francescana dei Frari, la stessa per il cui altare maggiore Tiziano aveva dipinto l'Assunta, era nata come ringraziamento per la vittoria nella battaglia di Santa Maura (non è specificato quando avvenne e il perché) riportata il 28 giugno 1502 all'interno della guerra turco-veneziana del 1499-1503, come ricordano i turchi prigionieri e il vessillo con le insegne dei Pesaro e dei Borgia, promotori, col defunto papa Alessandro VI, dell'iniziativa.Fu solennemente inaugurata l'8 dicembre 1526, quando era già stata saldata, il 26 maggio.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi


Pala_Pesaro

Prompt: Concentrati su Pala_Pesaro ed esplora la Descrizione e stile.

Dopo i successi del 1510 e 1520, la pala Pesaro rappresentò un successivo passo avanti nella concezione della pala d'altare a Venezia. Come nella Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo infatti Tiziano studiò un'originale composizione a sviluppo laterale della sacra conversazione, calibrata però per il punto di vista laterale, per la collocazione lungo la navata sinistra. Lo spazio della pala apre infatti una sorta di finestra illusoria, con il trono di Maria disposto su un ipotetico altare orientato nello stesso modo dell'altare maggiore.Il seggio di Maria col Bambino è infatti spostato verso destra, in posizione rialzata e sbieca, come chiarisce l'angolo dei gradini in basso. Attorno ad essa, sui gradini, si trovano i santi, Pietro (con le chiavi appoggiate ai piedi), Francesco d'Assisi (con le stigmate) e Antonio di Padova. Francesco e Antonio erano due importanti santi francescani, omonimi di due fratelli del committente, nonché promotori, soprattutto Antonio, del culto dell'Immacolata Concezione a cui l'altare era dedicato. Secondo uno studio del veneziano Guerino Lovato però, il secondo santo sarebbe frate Leone, compagno di Francesco sulla Verna, che assiste al miracolo delle stigmate e distoglie lo sguardo, invitando i fedeli a non dedicarsi ai testi ma alla contemplazione. Il Bambino, protetto dal velo della madre, è voltato verso Francesco e sembra osservarne le stigmate con interesse, come prefigurazione della Passione.Nella parte più bassa infine, sul pavimento a scacchi, si allineano inginocchiati i committenti. Si tratta di una presenza insolita per Venezia e l'area veneta in generale, che dovette apparire senz'altro innovativa e audace agli occhi degli osservatori dell'epoca. Per motivi politici si evitava infatti solitamente di farsi rappresentare. A sinistra Jacopo Pesaro, isolato, davanti a un armigero (san Giorgio?) (sempre lo storico Guerino Lovato ipotizza sia san Giacomo/Jacopo, il Santiago Matamoros guerriero contro gli infedeli, che respinge Solimano il Magnifico e gli impone di togliersi il turbante, cioè convertirsi alla ''vera fede", ipotesi rafforzata dalle attività a Cipro di Jacopo Pesaro e dalla familiarità dei Borgia con il culto prevalentemente spagnolo per il Matamoros) che impugna lo stendardo Pesaro-Borgia, decorato da un rametto d'alloro che indica la vittoria, e che tiene alla mano alcuni prigionieri ottomani, uno dei quali indossa un vistoso turbante bianco. A destra si trovano invece i fratelli di Jacopo: Francesco, Leonardo, Antonio, Fantino e Giovanni o Vittore. L'altare si trovava presso il luogo di sepoltura della famiglia, per cui la presenza di personaggi già defunti ne ricordava le fattezze, mentre per gli altri era una sorta di ritratto funebre prima del fatto. Il piccolo Leonardo, garante della linea maschile della casata, è girato verso l'osservatore per stabilire un contatto con il reale.In alto due angioletti, su una nuvoletta scura, giocano con la croce.Le due monumentali colonne, di sapore classico, che si perdono oltre il limite della cornice, non descrivono esattamente un edificio in prospettiva ma appaiono piuttosto collocate con libertà per evidenziare le figure di Maria e di Pietro: all'apostolo era riservata dopotutto una posizione preminente anche nella Pala ad Anversa. Sinding-Larsen (1962), osservando le tracce di pentimenti visibili nel cielo, pensò che la pala originariamente aveva come sfondo un'intelaiatura architettonica più tradizionale, con gli elementi della cornice che si prolungavano nello spazio pittorico.L'orchestrazione cromatica e luminosa è ricchissima. Il rosso squillante di alcune vesti e del vessillo non fa che riprendere i toni caldi dell'Assunta, a sua volta legati al colore dei mattoni che compongono le pareti. I colori sono luminosi, con una prevalenza di tinte pure rispetto ai mezzi toni sfumati, i panneggi cangianti, forti ed espressive le contrapposizioni tra chiari e scuri. L'animazione dinamica arriva a livelli fino ad allora sconosciuti, mentre lo spazio pittorico si dilata in tutte le direzioni, suggerendone la continuazione.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

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Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Pala_Pesaro.

Dopo i successi del 1510 e 1520, la pala Pesaro rappresentò un successivo passo avanti nella concezione della pala d'altare a Venezia. Come nella Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo infatti Tiziano studiò un'originale composizione a sviluppo laterale della sacra conversazione, calibrata però per il punto di vista laterale, per la collocazione lungo la navata sinistra. Lo spazio della pala apre infatti una sorta di finestra illusoria, con il trono di Maria disposto su un ipotetico altare orientato nello stesso modo dell'altare maggiore.Il seggio di Maria col Bambino è infatti spostato verso destra, in posizione rialzata e sbieca, come chiarisce l'angolo dei gradini in basso. Attorno ad essa, sui gradini, si trovano i santi, Pietro (con le chiavi appoggiate ai piedi), Francesco d'Assisi (con le stigmate) e Antonio di Padova. Francesco e Antonio erano due importanti santi francescani, omonimi di due fratelli del committente, nonché promotori, soprattutto Antonio, del culto dell'Immacolata Concezione a cui l'altare era dedicato. Secondo uno studio del veneziano Guerino Lovato però, il secondo santo sarebbe frate Leone, compagno di Francesco sulla Verna, che assiste al miracolo delle stigmate e distoglie lo sguardo, invitando i fedeli a non dedicarsi ai testi ma alla contemplazione. Il Bambino, protetto dal velo della madre, è voltato verso Francesco e sembra osservarne le stigmate con interesse, come prefigurazione della Passione.Nella parte più bassa infine, sul pavimento a scacchi, si allineano inginocchiati i committenti. Si tratta di una presenza insolita per Venezia e l'area veneta in generale, che dovette apparire senz'altro innovativa e audace agli occhi degli osservatori dell'epoca. Per motivi politici si evitava infatti solitamente di farsi rappresentare. A sinistra Jacopo Pesaro, isolato, davanti a un armigero (san Giorgio?) (sempre lo storico Guerino Lovato ipotizza sia san Giacomo/Jacopo, il Santiago Matamoros guerriero contro gli infedeli, che respinge Solimano il Magnifico e gli impone di togliersi il turbante, cioè convertirsi alla ''vera fede", ipotesi rafforzata dalle attività a Cipro di Jacopo Pesaro e dalla familiarità dei Borgia con il culto prevalentemente spagnolo per il Matamoros) che impugna lo stendardo Pesaro-Borgia, decorato da un rametto d'alloro che indica la vittoria, e che tiene alla mano alcuni prigionieri ottomani, uno dei quali indossa un vistoso turbante bianco. A destra si trovano invece i fratelli di Jacopo: Francesco, Leonardo, Antonio, Fantino e Giovanni o Vittore. L'altare si trovava presso il luogo di sepoltura della famiglia, per cui la presenza di personaggi già defunti ne ricordava le fattezze, mentre per gli altri era una sorta di ritratto funebre prima del fatto. Il piccolo Leonardo, garante della linea maschile della casata, è girato verso l'osservatore per stabilire un contatto con il reale.In alto due angioletti, su una nuvoletta scura, giocano con la croce.Le due monumentali colonne, di sapore classico, che si perdono oltre il limite della cornice, non descrivono esattamente un edificio in prospettiva ma appaiono piuttosto collocate con libertà per evidenziare le figure di Maria e di Pietro: all'apostolo era riservata dopotutto una posizione preminente anche nella Pala ad Anversa. Sinding-Larsen (1962), osservando le tracce di pentimenti visibili nel cielo, pensò che la pala originariamente aveva come sfondo un'intelaiatura architettonica più tradizionale, con gli elementi della cornice che si prolungavano nello spazio pittorico.L'orchestrazione cromatica e luminosa è ricchissima. Il rosso squillante di alcune vesti e del vessillo non fa che riprendere i toni caldi dell'Assunta, a sua volta legati al colore dei mattoni che compongono le pareti. I colori sono luminosi, con una prevalenza di tinte pure rispetto ai mezzi toni sfumati, i panneggi cangianti, forti ed espressive le contrapposizioni tra chiari e scuri. L'animazione dinamica arriva a livelli fino ad allora sconosciuti, mentre lo spazio pittorico si dilata in tutte le direzioni, suggerendone la continuazione.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Dipinti su san Francesco d'Assisi

Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Come chiarisce Pala_Pesaro la sua Descrizione e stile?

Dopo i successi del 1510 e 1520, la pala Pesaro rappresentò un successivo passo avanti nella concezione della pala d'altare a Venezia. Come nella Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo infatti Tiziano studiò un'originale composizione a sviluppo laterale della sacra conversazione, calibrata però per il punto di vista laterale, per la collocazione lungo la navata sinistra. Lo spazio della pala apre infatti una sorta di finestra illusoria, con il trono di Maria disposto su un ipotetico altare orientato nello stesso modo dell'altare maggiore.Il seggio di Maria col Bambino è infatti spostato verso destra, in posizione rialzata e sbieca, come chiarisce l'angolo dei gradini in basso. Attorno ad essa, sui gradini, si trovano i santi, Pietro (con le chiavi appoggiate ai piedi), Francesco d'Assisi (con le stigmate) e Antonio di Padova. Francesco e Antonio erano due importanti santi francescani, omonimi di due fratelli del committente, nonché promotori, soprattutto Antonio, del culto dell'Immacolata Concezione a cui l'altare era dedicato. Secondo uno studio del veneziano Guerino Lovato però, il secondo santo sarebbe frate Leone, compagno di Francesco sulla Verna, che assiste al miracolo delle stigmate e distoglie lo sguardo, invitando i fedeli a non dedicarsi ai testi ma alla contemplazione. Il Bambino, protetto dal velo della madre, è voltato verso Francesco e sembra osservarne le stigmate con interesse, come prefigurazione della Passione.Nella parte più bassa infine, sul pavimento a scacchi, si allineano inginocchiati i committenti. Si tratta di una presenza insolita per Venezia e l'area veneta in generale, che dovette apparire senz'altro innovativa e audace agli occhi degli osservatori dell'epoca. Per motivi politici si evitava infatti solitamente di farsi rappresentare. A sinistra Jacopo Pesaro, isolato, davanti a un armigero (san Giorgio?) (sempre lo storico Guerino Lovato ipotizza sia san Giacomo/Jacopo, il Santiago Matamoros guerriero contro gli infedeli, che respinge Solimano il Magnifico e gli impone di togliersi il turbante, cioè convertirsi alla ''vera fede", ipotesi rafforzata dalle attività a Cipro di Jacopo Pesaro e dalla familiarità dei Borgia con il culto prevalentemente spagnolo per il Matamoros) che impugna lo stendardo Pesaro-Borgia, decorato da un rametto d'alloro che indica la vittoria, e che tiene alla mano alcuni prigionieri ottomani, uno dei quali indossa un vistoso turbante bianco. A destra si trovano invece i fratelli di Jacopo: Francesco, Leonardo, Antonio, Fantino e Giovanni o Vittore. L'altare si trovava presso il luogo di sepoltura della famiglia, per cui la presenza di personaggi già defunti ne ricordava le fattezze, mentre per gli altri era una sorta di ritratto funebre prima del fatto. Il piccolo Leonardo, garante della linea maschile della casata, è girato verso l'osservatore per stabilire un contatto con il reale.In alto due angioletti, su una nuvoletta scura, giocano con la croce.Le due monumentali colonne, di sapore classico, che si perdono oltre il limite della cornice, non descrivono esattamente un edificio in prospettiva ma appaiono piuttosto collocate con libertà per evidenziare le figure di Maria e di Pietro: all'apostolo era riservata dopotutto una posizione preminente anche nella Pala ad Anversa. Sinding-Larsen (1962), osservando le tracce di pentimenti visibili nel cielo, pensò che la pala originariamente aveva come sfondo un'intelaiatura architettonica più tradizionale, con gli elementi della cornice che si prolungavano nello spazio pittorico.L'orchestrazione cromatica e luminosa è ricchissima. Il rosso squillante di alcune vesti e del vessillo non fa che riprendere i toni caldi dell'Assunta, a sua volta legati al colore dei mattoni che compongono le pareti. I colori sono luminosi, con una prevalenza di tinte pure rispetto ai mezzi toni sfumati, i panneggi cangianti, forti ed espressive le contrapposizioni tra chiari e scuri. L'animazione dinamica arriva a livelli fino ad allora sconosciuti, mentre lo spazio pittorico si dilata in tutte le direzioni, suggerendone la continuazione.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

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Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Pala_Pesaro

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Pala_Pesaro?

Dopo i successi del 1510 e 1520, la pala Pesaro rappresentò un successivo passo avanti nella concezione della pala d'altare a Venezia. Come nella Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo infatti Tiziano studiò un'originale composizione a sviluppo laterale della sacra conversazione, calibrata però per il punto di vista laterale, per la collocazione lungo la navata sinistra. Lo spazio della pala apre infatti una sorta di finestra illusoria, con il trono di Maria disposto su un ipotetico altare orientato nello stesso modo dell'altare maggiore.Il seggio di Maria col Bambino è infatti spostato verso destra, in posizione rialzata e sbieca, come chiarisce l'angolo dei gradini in basso. Attorno ad essa, sui gradini, si trovano i santi, Pietro (con le chiavi appoggiate ai piedi), Francesco d'Assisi (con le stigmate) e Antonio di Padova. Francesco e Antonio erano due importanti santi francescani, omonimi di due fratelli del committente, nonché promotori, soprattutto Antonio, del culto dell'Immacolata Concezione a cui l'altare era dedicato. Secondo uno studio del veneziano Guerino Lovato però, il secondo santo sarebbe frate Leone, compagno di Francesco sulla Verna, che assiste al miracolo delle stigmate e distoglie lo sguardo, invitando i fedeli a non dedicarsi ai testi ma alla contemplazione. Il Bambino, protetto dal velo della madre, è voltato verso Francesco e sembra osservarne le stigmate con interesse, come prefigurazione della Passione.Nella parte più bassa infine, sul pavimento a scacchi, si allineano inginocchiati i committenti. Si tratta di una presenza insolita per Venezia e l'area veneta in generale, che dovette apparire senz'altro innovativa e audace agli occhi degli osservatori dell'epoca. Per motivi politici si evitava infatti solitamente di farsi rappresentare. A sinistra Jacopo Pesaro, isolato, davanti a un armigero (san Giorgio?) (sempre lo storico Guerino Lovato ipotizza sia san Giacomo/Jacopo, il Santiago Matamoros guerriero contro gli infedeli, che respinge Solimano il Magnifico e gli impone di togliersi il turbante, cioè convertirsi alla ''vera fede", ipotesi rafforzata dalle attività a Cipro di Jacopo Pesaro e dalla familiarità dei Borgia con il culto prevalentemente spagnolo per il Matamoros) che impugna lo stendardo Pesaro-Borgia, decorato da un rametto d'alloro che indica la vittoria, e che tiene alla mano alcuni prigionieri ottomani, uno dei quali indossa un vistoso turbante bianco. A destra si trovano invece i fratelli di Jacopo: Francesco, Leonardo, Antonio, Fantino e Giovanni o Vittore. L'altare si trovava presso il luogo di sepoltura della famiglia, per cui la presenza di personaggi già defunti ne ricordava le fattezze, mentre per gli altri era una sorta di ritratto funebre prima del fatto. Il piccolo Leonardo, garante della linea maschile della casata, è girato verso l'osservatore per stabilire un contatto con il reale.In alto due angioletti, su una nuvoletta scura, giocano con la croce.Le due monumentali colonne, di sapore classico, che si perdono oltre il limite della cornice, non descrivono esattamente un edificio in prospettiva ma appaiono piuttosto collocate con libertà per evidenziare le figure di Maria e di Pietro: all'apostolo era riservata dopotutto una posizione preminente anche nella Pala ad Anversa. Sinding-Larsen (1962), osservando le tracce di pentimenti visibili nel cielo, pensò che la pala originariamente aveva come sfondo un'intelaiatura architettonica più tradizionale, con gli elementi della cornice che si prolungavano nello spazio pittorico.L'orchestrazione cromatica e luminosa è ricchissima. Il rosso squillante di alcune vesti e del vessillo non fa che riprendere i toni caldi dell'Assunta, a sua volta legati al colore dei mattoni che compongono le pareti. I colori sono luminosi, con una prevalenza di tinte pure rispetto ai mezzi toni sfumati, i panneggi cangianti, forti ed espressive le contrapposizioni tra chiari e scuri. L'animazione dinamica arriva a livelli fino ad allora sconosciuti, mentre lo spazio pittorico si dilata in tutte le direzioni, suggerendone la continuazione.

basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

Categoria:Sacre conversazioni con la Madonna col Bambino

Categoria:Dipinti su sant'Antonio da Padova

Categoria:Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari

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Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concentrati su Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette ed esplora la abstract.

Berthe Morisot con un mazzo di violette (Berthe Morisot au bouquet de violettes) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1872 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette.

Berthe Morisot con un mazzo di violette (Berthe Morisot au bouquet de violettes) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1872 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Come chiarisce Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette la sua abstract?

Berthe Morisot con un mazzo di violette (Berthe Morisot au bouquet de violettes) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1872 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Come viene discussa la abstract in Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette?

Berthe Morisot con un mazzo di violette (Berthe Morisot au bouquet de violettes) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1872 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Concentrati su Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette ed esplora la Descrizione.

Berthe Morisot era una giovane pittrice che affascinò subito Manet che, incantato, la rese protagonista d'elezione di una gran parte dei suoi ritratti. Particolarmente celebre è Berthe Morisot con un mazzo di violette, dove la donna è elegantemente vestita con un abito nero e un cappello à la page dello stesso colore: in prossimità del collo si apre una leggera scollatura, che lascia intravedere una camicetta di pizzo e un po' di carnagione. La mise è completata con alcuni sottogola e nastri per cappelli, ovviamente neri, e infine da un rigoglioso mazzetto di violette, che dà il nome al dipinto. Nell'angolo in alto a destra il dipinto è firmato e datato: «Manet 72».Anche in questo dipinto Manet si mostra particolarmente attento alle qualità formali dell'opera, orchestrando un raffinato accordo cromatico tra il delicato rosa dell'incarnato dell'effigiata, il bianco omogeneo che si dispiega sullo sfondo e, soprattutto, il nero dei suoi abiti, che appare brillante eppure incredibilmente delicato. Manet, infatti, aveva ben compreso la straripante potenza dei neri, e non si stancava mai di ripeterlo alla Morisot, sua allieva, che con i suoi dipinti già si stava accostando alla tensione cromatica impressionista, secondo la quale il nero va escluso, in quanto «non colore».Assai particolare è la tessitura luministica del dipinto, che si sostanza di una luce intensa e laterale che, sgorgando da sinistra, si proietta sulla donna in modo che la porzione sinistra del suo volto brilla, mentre quella destra rimane ombreggiata: in questo modo «Berthe Morisot sembra essere solo ombra e luce», per usare le parole del museo d'Orsay. L'effetto che ne deriva, in ogni caso, è molto suggestivo, a tal punto che il dipinto è unanimemente considerato uno dei risultati più elevati della ritrattistica di Manet: entusiastiche furono le lodi di Paul Valéry, secondo cui «nell'intera produzione di Manet non c'è nulla che uguagli il ritratto di Berthe Morisot, eseguito nel 1872. Mi ha colpito il nero, il nero assoluto, e quel viso dagli occhi grandi, la cui vaga fissità dà un senso di distrazione profonda e offre, in qualche modo, una presenza di assenza».

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette.

Berthe Morisot era una giovane pittrice che affascinò subito Manet che, incantato, la rese protagonista d'elezione di una gran parte dei suoi ritratti. Particolarmente celebre è Berthe Morisot con un mazzo di violette, dove la donna è elegantemente vestita con un abito nero e un cappello à la page dello stesso colore: in prossimità del collo si apre una leggera scollatura, che lascia intravedere una camicetta di pizzo e un po' di carnagione. La mise è completata con alcuni sottogola e nastri per cappelli, ovviamente neri, e infine da un rigoglioso mazzetto di violette, che dà il nome al dipinto. Nell'angolo in alto a destra il dipinto è firmato e datato: «Manet 72».Anche in questo dipinto Manet si mostra particolarmente attento alle qualità formali dell'opera, orchestrando un raffinato accordo cromatico tra il delicato rosa dell'incarnato dell'effigiata, il bianco omogeneo che si dispiega sullo sfondo e, soprattutto, il nero dei suoi abiti, che appare brillante eppure incredibilmente delicato. Manet, infatti, aveva ben compreso la straripante potenza dei neri, e non si stancava mai di ripeterlo alla Morisot, sua allieva, che con i suoi dipinti già si stava accostando alla tensione cromatica impressionista, secondo la quale il nero va escluso, in quanto «non colore».Assai particolare è la tessitura luministica del dipinto, che si sostanza di una luce intensa e laterale che, sgorgando da sinistra, si proietta sulla donna in modo che la porzione sinistra del suo volto brilla, mentre quella destra rimane ombreggiata: in questo modo «Berthe Morisot sembra essere solo ombra e luce», per usare le parole del museo d'Orsay. L'effetto che ne deriva, in ogni caso, è molto suggestivo, a tal punto che il dipinto è unanimemente considerato uno dei risultati più elevati della ritrattistica di Manet: entusiastiche furono le lodi di Paul Valéry, secondo cui «nell'intera produzione di Manet non c'è nulla che uguagli il ritratto di Berthe Morisot, eseguito nel 1872. Mi ha colpito il nero, il nero assoluto, e quel viso dagli occhi grandi, la cui vaga fissità dà un senso di distrazione profonda e offre, in qualche modo, una presenza di assenza».

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Come chiarisce Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette la sua Descrizione?

Berthe Morisot era una giovane pittrice che affascinò subito Manet che, incantato, la rese protagonista d'elezione di una gran parte dei suoi ritratti. Particolarmente celebre è Berthe Morisot con un mazzo di violette, dove la donna è elegantemente vestita con un abito nero e un cappello à la page dello stesso colore: in prossimità del collo si apre una leggera scollatura, che lascia intravedere una camicetta di pizzo e un po' di carnagione. La mise è completata con alcuni sottogola e nastri per cappelli, ovviamente neri, e infine da un rigoglioso mazzetto di violette, che dà il nome al dipinto. Nell'angolo in alto a destra il dipinto è firmato e datato: «Manet 72».Anche in questo dipinto Manet si mostra particolarmente attento alle qualità formali dell'opera, orchestrando un raffinato accordo cromatico tra il delicato rosa dell'incarnato dell'effigiata, il bianco omogeneo che si dispiega sullo sfondo e, soprattutto, il nero dei suoi abiti, che appare brillante eppure incredibilmente delicato. Manet, infatti, aveva ben compreso la straripante potenza dei neri, e non si stancava mai di ripeterlo alla Morisot, sua allieva, che con i suoi dipinti già si stava accostando alla tensione cromatica impressionista, secondo la quale il nero va escluso, in quanto «non colore».Assai particolare è la tessitura luministica del dipinto, che si sostanza di una luce intensa e laterale che, sgorgando da sinistra, si proietta sulla donna in modo che la porzione sinistra del suo volto brilla, mentre quella destra rimane ombreggiata: in questo modo «Berthe Morisot sembra essere solo ombra e luce», per usare le parole del museo d'Orsay. L'effetto che ne deriva, in ogni caso, è molto suggestivo, a tal punto che il dipinto è unanimemente considerato uno dei risultati più elevati della ritrattistica di Manet: entusiastiche furono le lodi di Paul Valéry, secondo cui «nell'intera produzione di Manet non c'è nulla che uguagli il ritratto di Berthe Morisot, eseguito nel 1872. Mi ha colpito il nero, il nero assoluto, e quel viso dagli occhi grandi, la cui vaga fissità dà un senso di distrazione profonda e offre, in qualche modo, una presenza di assenza».

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette

Berthe Morisot with a Bouquet of Violets

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Berthe_Morisot_con_un_mazzo_di_violette?

Berthe Morisot era una giovane pittrice che affascinò subito Manet che, incantato, la rese protagonista d'elezione di una gran parte dei suoi ritratti. Particolarmente celebre è Berthe Morisot con un mazzo di violette, dove la donna è elegantemente vestita con un abito nero e un cappello à la page dello stesso colore: in prossimità del collo si apre una leggera scollatura, che lascia intravedere una camicetta di pizzo e un po' di carnagione. La mise è completata con alcuni sottogola e nastri per cappelli, ovviamente neri, e infine da un rigoglioso mazzetto di violette, che dà il nome al dipinto. Nell'angolo in alto a destra il dipinto è firmato e datato: «Manet 72».Anche in questo dipinto Manet si mostra particolarmente attento alle qualità formali dell'opera, orchestrando un raffinato accordo cromatico tra il delicato rosa dell'incarnato dell'effigiata, il bianco omogeneo che si dispiega sullo sfondo e, soprattutto, il nero dei suoi abiti, che appare brillante eppure incredibilmente delicato. Manet, infatti, aveva ben compreso la straripante potenza dei neri, e non si stancava mai di ripeterlo alla Morisot, sua allieva, che con i suoi dipinti già si stava accostando alla tensione cromatica impressionista, secondo la quale il nero va escluso, in quanto «non colore».Assai particolare è la tessitura luministica del dipinto, che si sostanza di una luce intensa e laterale che, sgorgando da sinistra, si proietta sulla donna in modo che la porzione sinistra del suo volto brilla, mentre quella destra rimane ombreggiata: in questo modo «Berthe Morisot sembra essere solo ombra e luce», per usare le parole del museo d'Orsay. L'effetto che ne deriva, in ogni caso, è molto suggestivo, a tal punto che il dipinto è unanimemente considerato uno dei risultati più elevati della ritrattistica di Manet: entusiastiche furono le lodi di Paul Valéry, secondo cui «nell'intera produzione di Manet non c'è nulla che uguagli il ritratto di Berthe Morisot, eseguito nel 1872. Mi ha colpito il nero, il nero assoluto, e quel viso dagli occhi grandi, la cui vaga fissità dà un senso di distrazione profonda e offre, in qualche modo, una presenza di assenza».

File:Manet, Edouard - Berthe Morisot, 1872.jpg


Concerto_interrotto

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Il Concerto interrotto è un dipinto ad olio su tela (39,3x44,4 cm) di Jan Vermeer, databile al 1660 circa e conservato nella Frick Collection di New York; è anche conosciuto come Gentiluomo e fanciulla con musica.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Concerto_interrotto.

Il Concerto interrotto è un dipinto ad olio su tela (39,3x44,4 cm) di Jan Vermeer, databile al 1660 circa e conservato nella Frick Collection di New York; è anche conosciuto come Gentiluomo e fanciulla con musica.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come chiarisce Concerto_interrotto la sua abstract?

Il Concerto interrotto è un dipinto ad olio su tela (39,3x44,4 cm) di Jan Vermeer, databile al 1660 circa e conservato nella Frick Collection di New York; è anche conosciuto come Gentiluomo e fanciulla con musica.

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Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come viene discussa la abstract in Concerto_interrotto?

Il Concerto interrotto è un dipinto ad olio su tela (39,3x44,4 cm) di Jan Vermeer, databile al 1660 circa e conservato nella Frick Collection di New York; è anche conosciuto come Gentiluomo e fanciulla con musica.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Concentrati su Concerto_interrotto ed esplora la Storia.

Il dipinto è forse tra quelli inventariati nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696), probabilmente indicato al n.10: «Un gentiluomo e una giovane dama che fanno musica in una stanza. Dello stesso [Vermeer]; fiorini 81.0». In ogni caso la prima menzione certa dell'opera è in un'asta ad Amsterdam nel 1810, dove fu venduta per 640 fiorini. Nel catalogo della vendita l'uomo veniva indicato come "maestro di musica".Nel 1810 è ricordato in un'asta ad Amsterdam in cattivo stato di conservazione. Passò per varie collezioni private finché nel 1901 lo acquistò Henry Clay Frick.L'opera è in cattive condizioni di conservazione: ciò ha fatto anche sì, in passato, che venisse ritenuto una copia da un originale perduto del maestro.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Concerto_interrotto.

Il dipinto è forse tra quelli inventariati nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696), probabilmente indicato al n.10: «Un gentiluomo e una giovane dama che fanno musica in una stanza. Dello stesso [Vermeer]; fiorini 81.0». In ogni caso la prima menzione certa dell'opera è in un'asta ad Amsterdam nel 1810, dove fu venduta per 640 fiorini. Nel catalogo della vendita l'uomo veniva indicato come "maestro di musica".Nel 1810 è ricordato in un'asta ad Amsterdam in cattivo stato di conservazione. Passò per varie collezioni private finché nel 1901 lo acquistò Henry Clay Frick.L'opera è in cattive condizioni di conservazione: ciò ha fatto anche sì, in passato, che venisse ritenuto una copia da un originale perduto del maestro.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come chiarisce Concerto_interrotto la sua Storia?

Il dipinto è forse tra quelli inventariati nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696), probabilmente indicato al n.10: «Un gentiluomo e una giovane dama che fanno musica in una stanza. Dello stesso [Vermeer]; fiorini 81.0». In ogni caso la prima menzione certa dell'opera è in un'asta ad Amsterdam nel 1810, dove fu venduta per 640 fiorini. Nel catalogo della vendita l'uomo veniva indicato come "maestro di musica".Nel 1810 è ricordato in un'asta ad Amsterdam in cattivo stato di conservazione. Passò per varie collezioni private finché nel 1901 lo acquistò Henry Clay Frick.L'opera è in cattive condizioni di conservazione: ciò ha fatto anche sì, in passato, che venisse ritenuto una copia da un originale perduto del maestro.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come viene discussa la Storia in Concerto_interrotto?

Il dipinto è forse tra quelli inventariati nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam (16 maggio 1696), probabilmente indicato al n.10: «Un gentiluomo e una giovane dama che fanno musica in una stanza. Dello stesso [Vermeer]; fiorini 81.0». In ogni caso la prima menzione certa dell'opera è in un'asta ad Amsterdam nel 1810, dove fu venduta per 640 fiorini. Nel catalogo della vendita l'uomo veniva indicato come "maestro di musica".Nel 1810 è ricordato in un'asta ad Amsterdam in cattivo stato di conservazione. Passò per varie collezioni private finché nel 1901 lo acquistò Henry Clay Frick.L'opera è in cattive condizioni di conservazione: ciò ha fatto anche sì, in passato, che venisse ritenuto una copia da un originale perduto del maestro.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection