Concerto_interrotto

Prompt: Concentrati su Concerto_interrotto ed esplora la Descrizione e stile.

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta (un'allegoria delle fedeltà). Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi (pubblicato nel 1608) e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza.La tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer. La gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Concerto_interrotto.

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta (un'allegoria delle fedeltà). Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi (pubblicato nel 1608) e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza.La tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer. La gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come chiarisce Concerto_interrotto la sua Descrizione e stile?

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta (un'allegoria delle fedeltà). Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi (pubblicato nel 1608) e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza.La tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer. La gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Concerto_interrotto

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Concerto_interrotto?

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta (un'allegoria delle fedeltà). Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi (pubblicato nel 1608) e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza.La tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer. La gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

File:Johannes Vermeer - Girl Interrupted at Her Music (detail) - WGA24649.jpg

Categoria:Dipinti nella Frick Collection


Prompt: Concentrati su Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica ed esplora la abstract.

La Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica è un dipinto a olio su tela (72,2x59,7 cm) di Jan Vermeer, databile al 1671 circa e conservato nella National Gallery of Ireland  di Dublino. È firmato sul foglio che sporge dal tavolo "IV Meer".

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica.

La Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica è un dipinto a olio su tela (72,2x59,7 cm) di Jan Vermeer, databile al 1671 circa e conservato nella National Gallery of Ireland  di Dublino. È firmato sul foglio che sporge dal tavolo "IV Meer".

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come chiarisce Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica la sua abstract?

La Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica è un dipinto a olio su tela (72,2x59,7 cm) di Jan Vermeer, databile al 1671 circa e conservato nella National Gallery of Ireland  di Dublino. È firmato sul foglio che sporge dal tavolo "IV Meer".

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come viene discussa la abstract in Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica?

La Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica è un dipinto a olio su tela (72,2x59,7 cm) di Jan Vermeer, databile al 1671 circa e conservato nella National Gallery of Ireland  di Dublino. È firmato sul foglio che sporge dal tavolo "IV Meer".

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Concentrati su Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica ed esplora la Storia.

Probabilmente il dipinto è ricordato come "raffigurante due personaggi, uno dei quali è seduto a scrivere una lettera" nella cessione al fornaio van Buyten da parte della vedova di Vermeer, assieme alla Suonatrice di chitarra. Si trattava di una garanzia per un debito piuttosto consistente, di 617 fiorini.Nei secoli XVIII e XIX passò per varie collezioni private, e prima di entrare nel museo, nel 1993, il dipinto venne rubato per ben due volte: la prima ad opera degli estremisti dell'IRA, la seconda da altri ladri.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica.

Probabilmente il dipinto è ricordato come "raffigurante due personaggi, uno dei quali è seduto a scrivere una lettera" nella cessione al fornaio van Buyten da parte della vedova di Vermeer, assieme alla Suonatrice di chitarra. Si trattava di una garanzia per un debito piuttosto consistente, di 617 fiorini.Nei secoli XVIII e XIX passò per varie collezioni private, e prima di entrare nel museo, nel 1993, il dipinto venne rubato per ben due volte: la prima ad opera degli estremisti dell'IRA, la seconda da altri ladri.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come chiarisce Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica la sua Storia?

Probabilmente il dipinto è ricordato come "raffigurante due personaggi, uno dei quali è seduto a scrivere una lettera" nella cessione al fornaio van Buyten da parte della vedova di Vermeer, assieme alla Suonatrice di chitarra. Si trattava di una garanzia per un debito piuttosto consistente, di 617 fiorini.Nei secoli XVIII e XIX passò per varie collezioni private, e prima di entrare nel museo, nel 1993, il dipinto venne rubato per ben due volte: la prima ad opera degli estremisti dell'IRA, la seconda da altri ladri.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come viene discussa la Storia in Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica?

Probabilmente il dipinto è ricordato come "raffigurante due personaggi, uno dei quali è seduto a scrivere una lettera" nella cessione al fornaio van Buyten da parte della vedova di Vermeer, assieme alla Suonatrice di chitarra. Si trattava di una garanzia per un debito piuttosto consistente, di 617 fiorini.Nei secoli XVIII e XIX passò per varie collezioni private, e prima di entrare nel museo, nel 1993, il dipinto venne rubato per ben due volte: la prima ad opera degli estremisti dell'IRA, la seconda da altri ladri.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Concentrati su Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica ed esplora la Descrizione e stile.

Il tema della lettera fu esplorato più volte da Vermeer. In questo caso l'ambientazione è quella solita della stanza illuminata da una finestra a sinistra, da cui entra una luce che inonda i protagonisti: una donna seduta a un tavolo (coperto come di consueto da un pesante tappeto orientale di lana) assorta nella scrittura di una lettera e una serva che attende in disparte, che guarda dalla finestra per trovare un po' di silenziosa distrazione. L'atteggiamento della signora sembra tradire una certa irruenza: forse si tratta di una risposta a una lettera non gradita, magari quella accartocciata a terra in primo piano. Quello della domestica invece fa pensare all'impazienza di ricevere la lettera che essa dovrà probabilmente spedire subito dopo.La penombra rivela poi altri elementi della stanza: il pavimento a piastrelle bianche e nere ben scorciato in prospettiva, la tenda pesante verde in primo piano e quella leggera e bianca a lato della finestra (sulla quale si vede uno stemma), la sedia imbottita di velluto e il quadro appeso alla parete di sfondo, una grande scena con il Ritrovamento di Mosé, opera che probabilmente era in casa dell'artista e che si ritrova, in scala più piccola, anche nell'Astronomo. Tale soggetto era interpretato all'epoca come esempio di intervento della Divina Provvidenza, ma non è chiaro se questa sia la chiave per celare un ipotetico significato allegorico della scena, connesso con la missiva.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica.

Il tema della lettera fu esplorato più volte da Vermeer. In questo caso l'ambientazione è quella solita della stanza illuminata da una finestra a sinistra, da cui entra una luce che inonda i protagonisti: una donna seduta a un tavolo (coperto come di consueto da un pesante tappeto orientale di lana) assorta nella scrittura di una lettera e una serva che attende in disparte, che guarda dalla finestra per trovare un po' di silenziosa distrazione. L'atteggiamento della signora sembra tradire una certa irruenza: forse si tratta di una risposta a una lettera non gradita, magari quella accartocciata a terra in primo piano. Quello della domestica invece fa pensare all'impazienza di ricevere la lettera che essa dovrà probabilmente spedire subito dopo.La penombra rivela poi altri elementi della stanza: il pavimento a piastrelle bianche e nere ben scorciato in prospettiva, la tenda pesante verde in primo piano e quella leggera e bianca a lato della finestra (sulla quale si vede uno stemma), la sedia imbottita di velluto e il quadro appeso alla parete di sfondo, una grande scena con il Ritrovamento di Mosé, opera che probabilmente era in casa dell'artista e che si ritrova, in scala più piccola, anche nell'Astronomo. Tale soggetto era interpretato all'epoca come esempio di intervento della Divina Provvidenza, ma non è chiaro se questa sia la chiave per celare un ipotetico significato allegorico della scena, connesso con la missiva.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come chiarisce Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica la sua Descrizione e stile?

Il tema della lettera fu esplorato più volte da Vermeer. In questo caso l'ambientazione è quella solita della stanza illuminata da una finestra a sinistra, da cui entra una luce che inonda i protagonisti: una donna seduta a un tavolo (coperto come di consueto da un pesante tappeto orientale di lana) assorta nella scrittura di una lettera e una serva che attende in disparte, che guarda dalla finestra per trovare un po' di silenziosa distrazione. L'atteggiamento della signora sembra tradire una certa irruenza: forse si tratta di una risposta a una lettera non gradita, magari quella accartocciata a terra in primo piano. Quello della domestica invece fa pensare all'impazienza di ricevere la lettera che essa dovrà probabilmente spedire subito dopo.La penombra rivela poi altri elementi della stanza: il pavimento a piastrelle bianche e nere ben scorciato in prospettiva, la tenda pesante verde in primo piano e quella leggera e bianca a lato della finestra (sulla quale si vede uno stemma), la sedia imbottita di velluto e il quadro appeso alla parete di sfondo, una grande scena con il Ritrovamento di Mosé, opera che probabilmente era in casa dell'artista e che si ritrova, in scala più piccola, anche nell'Astronomo. Tale soggetto era interpretato all'epoca come esempio di intervento della Divina Provvidenza, ma non è chiaro se questa sia la chiave per celare un ipotetico significato allegorico della scena, connesso con la missiva.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Donna_che_scrive_una_lettera_alla_presenza_della_domestica?

Il tema della lettera fu esplorato più volte da Vermeer. In questo caso l'ambientazione è quella solita della stanza illuminata da una finestra a sinistra, da cui entra una luce che inonda i protagonisti: una donna seduta a un tavolo (coperto come di consueto da un pesante tappeto orientale di lana) assorta nella scrittura di una lettera e una serva che attende in disparte, che guarda dalla finestra per trovare un po' di silenziosa distrazione. L'atteggiamento della signora sembra tradire una certa irruenza: forse si tratta di una risposta a una lettera non gradita, magari quella accartocciata a terra in primo piano. Quello della domestica invece fa pensare all'impazienza di ricevere la lettera che essa dovrà probabilmente spedire subito dopo.La penombra rivela poi altri elementi della stanza: il pavimento a piastrelle bianche e nere ben scorciato in prospettiva, la tenda pesante verde in primo piano e quella leggera e bianca a lato della finestra (sulla quale si vede uno stemma), la sedia imbottita di velluto e il quadro appeso alla parete di sfondo, una grande scena con il Ritrovamento di Mosé, opera che probabilmente era in casa dell'artista e che si ritrova, in scala più piccola, anche nell'Astronomo. Tale soggetto era interpretato all'epoca come esempio di intervento della Divina Provvidenza, ma non è chiaro se questa sia la chiave per celare un ipotetico significato allegorico della scena, connesso con la missiva.

Categoria:Dipinti nella National Gallery of Ireland


Madame_Moitessier

Prompt: Concentrati su Madame_Moitessier ed esplora la abstract.

Madame Moitessier è un dipinto a olio su tela (120x92,1 cm) di Jean-Auguste-Dominique Ingres, databile al 1856 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madame_Moitessier.

Madame Moitessier è un dipinto a olio su tela (120x92,1 cm) di Jean-Auguste-Dominique Ingres, databile al 1856 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come chiarisce Madame_Moitessier la sua abstract?

Madame Moitessier è un dipinto a olio su tela (120x92,1 cm) di Jean-Auguste-Dominique Ingres, databile al 1856 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madame_Moitessier?

Madame Moitessier è un dipinto a olio su tela (120x92,1 cm) di Jean-Auguste-Dominique Ingres, databile al 1856 e conservato nella National Gallery di Londra.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Concentrati su Madame_Moitessier ed esplora la Storia.

Quando Marie-Clotilde-Inès de Foucauld, nata nel 1821, si sposò col facoltoso banchiere Sigisbert Moitessier, ne fu richiesto un ritratto a Ingres. Inizialmente l'artista, che riteneva il genere del ritratto meno "elevato" dei prediletti soggetti mitologici, si dimostrò riluttante, ma in seguito vide la donna e, restandone colpito dalla bellezza, accettò. Madame Moitesser aveva fattezze pienamente rispondenti al suo ideale di bellezza classica, che lo convinsero a dipingere una sorta di moderna declinazione di un affresco rinvenuto da non molto a Ercolano, arricchito anche da suggestioni rinascimentali. L'opera, oggi nota come Ercole e Telefo (Napoli, Museo archeologico nazionale), era molto conosciuta all'epoca per la personificazione come una dea dell'Arcadia. Forse l'artista l'aveva visto di persona nel 1814, ma era comunque popolare per le numerose incisioni.L'opera, avviata nel 1844, fu completa solo nel 1856, dodici anni dopo. Inizialmente sarebbe dovuta apparire la figlia appena nata, Caterina, ma Ingres, per non compromettere la composizione, cassò l'idea verso il 1847. I lavori procedettero lentamente. Nel giugno del 1849 la morte della moglie di Ingres sospese qualsiasi lavoro dell'artista per diversi mesi. Nel frattempo Madame Moitesser fu distratta da una seconda gravidanza e dalla morte del padre. Nel 1851 la donna ricordò a Ingres l'impegno del ritratto non ancora consegnato, ma anziché sveltire l'opera avviata, il pittore decise di iniziare da capo un ritratto più semplice, consegnato nel dicembre di quell'anno: la tela Madame Moitessier in nero, con la protagonista in piedi, oggi alla National Gallery di Washington.Qualche anno dopo Ingres tornò al ritratto seduto e, dopo aver ritoccato l'abito per adattarsi alla moda nel frattempo variata, lo completò nel 1856.Fu acquistato dal museo londinese nel 1936.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madame_Moitessier.

Quando Marie-Clotilde-Inès de Foucauld, nata nel 1821, si sposò col facoltoso banchiere Sigisbert Moitessier, ne fu richiesto un ritratto a Ingres. Inizialmente l'artista, che riteneva il genere del ritratto meno "elevato" dei prediletti soggetti mitologici, si dimostrò riluttante, ma in seguito vide la donna e, restandone colpito dalla bellezza, accettò. Madame Moitesser aveva fattezze pienamente rispondenti al suo ideale di bellezza classica, che lo convinsero a dipingere una sorta di moderna declinazione di un affresco rinvenuto da non molto a Ercolano, arricchito anche da suggestioni rinascimentali. L'opera, oggi nota come Ercole e Telefo (Napoli, Museo archeologico nazionale), era molto conosciuta all'epoca per la personificazione come una dea dell'Arcadia. Forse l'artista l'aveva visto di persona nel 1814, ma era comunque popolare per le numerose incisioni.L'opera, avviata nel 1844, fu completa solo nel 1856, dodici anni dopo. Inizialmente sarebbe dovuta apparire la figlia appena nata, Caterina, ma Ingres, per non compromettere la composizione, cassò l'idea verso il 1847. I lavori procedettero lentamente. Nel giugno del 1849 la morte della moglie di Ingres sospese qualsiasi lavoro dell'artista per diversi mesi. Nel frattempo Madame Moitesser fu distratta da una seconda gravidanza e dalla morte del padre. Nel 1851 la donna ricordò a Ingres l'impegno del ritratto non ancora consegnato, ma anziché sveltire l'opera avviata, il pittore decise di iniziare da capo un ritratto più semplice, consegnato nel dicembre di quell'anno: la tela Madame Moitessier in nero, con la protagonista in piedi, oggi alla National Gallery di Washington.Qualche anno dopo Ingres tornò al ritratto seduto e, dopo aver ritoccato l'abito per adattarsi alla moda nel frattempo variata, lo completò nel 1856.Fu acquistato dal museo londinese nel 1936.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come chiarisce Madame_Moitessier la sua Storia?

Quando Marie-Clotilde-Inès de Foucauld, nata nel 1821, si sposò col facoltoso banchiere Sigisbert Moitessier, ne fu richiesto un ritratto a Ingres. Inizialmente l'artista, che riteneva il genere del ritratto meno "elevato" dei prediletti soggetti mitologici, si dimostrò riluttante, ma in seguito vide la donna e, restandone colpito dalla bellezza, accettò. Madame Moitesser aveva fattezze pienamente rispondenti al suo ideale di bellezza classica, che lo convinsero a dipingere una sorta di moderna declinazione di un affresco rinvenuto da non molto a Ercolano, arricchito anche da suggestioni rinascimentali. L'opera, oggi nota come Ercole e Telefo (Napoli, Museo archeologico nazionale), era molto conosciuta all'epoca per la personificazione come una dea dell'Arcadia. Forse l'artista l'aveva visto di persona nel 1814, ma era comunque popolare per le numerose incisioni.L'opera, avviata nel 1844, fu completa solo nel 1856, dodici anni dopo. Inizialmente sarebbe dovuta apparire la figlia appena nata, Caterina, ma Ingres, per non compromettere la composizione, cassò l'idea verso il 1847. I lavori procedettero lentamente. Nel giugno del 1849 la morte della moglie di Ingres sospese qualsiasi lavoro dell'artista per diversi mesi. Nel frattempo Madame Moitesser fu distratta da una seconda gravidanza e dalla morte del padre. Nel 1851 la donna ricordò a Ingres l'impegno del ritratto non ancora consegnato, ma anziché sveltire l'opera avviata, il pittore decise di iniziare da capo un ritratto più semplice, consegnato nel dicembre di quell'anno: la tela Madame Moitessier in nero, con la protagonista in piedi, oggi alla National Gallery di Washington.Qualche anno dopo Ingres tornò al ritratto seduto e, dopo aver ritoccato l'abito per adattarsi alla moda nel frattempo variata, lo completò nel 1856.Fu acquistato dal museo londinese nel 1936.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madame_Moitessier?

Quando Marie-Clotilde-Inès de Foucauld, nata nel 1821, si sposò col facoltoso banchiere Sigisbert Moitessier, ne fu richiesto un ritratto a Ingres. Inizialmente l'artista, che riteneva il genere del ritratto meno "elevato" dei prediletti soggetti mitologici, si dimostrò riluttante, ma in seguito vide la donna e, restandone colpito dalla bellezza, accettò. Madame Moitesser aveva fattezze pienamente rispondenti al suo ideale di bellezza classica, che lo convinsero a dipingere una sorta di moderna declinazione di un affresco rinvenuto da non molto a Ercolano, arricchito anche da suggestioni rinascimentali. L'opera, oggi nota come Ercole e Telefo (Napoli, Museo archeologico nazionale), era molto conosciuta all'epoca per la personificazione come una dea dell'Arcadia. Forse l'artista l'aveva visto di persona nel 1814, ma era comunque popolare per le numerose incisioni.L'opera, avviata nel 1844, fu completa solo nel 1856, dodici anni dopo. Inizialmente sarebbe dovuta apparire la figlia appena nata, Caterina, ma Ingres, per non compromettere la composizione, cassò l'idea verso il 1847. I lavori procedettero lentamente. Nel giugno del 1849 la morte della moglie di Ingres sospese qualsiasi lavoro dell'artista per diversi mesi. Nel frattempo Madame Moitesser fu distratta da una seconda gravidanza e dalla morte del padre. Nel 1851 la donna ricordò a Ingres l'impegno del ritratto non ancora consegnato, ma anziché sveltire l'opera avviata, il pittore decise di iniziare da capo un ritratto più semplice, consegnato nel dicembre di quell'anno: la tela Madame Moitessier in nero, con la protagonista in piedi, oggi alla National Gallery di Washington.Qualche anno dopo Ingres tornò al ritratto seduto e, dopo aver ritoccato l'abito per adattarsi alla moda nel frattempo variata, lo completò nel 1856.Fu acquistato dal museo londinese nel 1936.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Concentrati su Madame_Moitessier ed esplora la Descrizione e stile.

La protagonista è ritratta seduta su una poltrona imbottita, al ginocchio, mentre guarda lo spettatore. Ha un gomito piegato e la mano appoggiata con un dito sopra l'orecchio, citando l'affresco antico.L'elemento considerato più bello dell'opera è lo sfarzoso abito intessuto a fiori (non stampato, come dimostrano le frange sul petto). Si tratta di boccato di Lione, un particolare tessuto in seta che Napoleone III promosse per sostenerne le industrie, facendolo indossare alla moglie, ovvero l'imperatrice Eugenia. I colori pastello poi sono legati alla ripresa del rococò che l'imperatrice aveva lanciato, ispirandosi alla figura di Maria Antonietta che essa ammirava. Madame Moitessier inoltre indossa un guardinfante, ovvero un telaio rigido che gonfia la gonna.L'artista usò una stesura molto levigata nell'incarnato che ricorda il marmo, mentre il vestito, per ottenere la consistenza del tessuto, è fatto con una tecnica più ruvida. La bellezza ideale della donna è esaltata anche dal motivo dello specchio; sebbene l'angolatura che rimanda sia improbabile, esso offre una diversa veduta della donna, di profilo, e cita il tema delle Veneri allo specchio dei pittori rinascimentali e barocchi (come la Donna allo specchio di Tiziano, la Venere allo specchio di Rubens, ecc.). Sebbene Ingres ammirasse le braccia carnose della donna, essa chiese di snellirle.Alle spalle della donna, come tipico del genere ritrattistico, si trovano alcuni oggetti che richiamano l'intelligenza e la cultura dell'effigiata: in questo caso un vaso giapponese di Imari e un paravento di seta intessuto a mano, usato per proteggere la pelle dal calore del fuoco nei caminetti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Madame_Moitessier.

La protagonista è ritratta seduta su una poltrona imbottita, al ginocchio, mentre guarda lo spettatore. Ha un gomito piegato e la mano appoggiata con un dito sopra l'orecchio, citando l'affresco antico.L'elemento considerato più bello dell'opera è lo sfarzoso abito intessuto a fiori (non stampato, come dimostrano le frange sul petto). Si tratta di boccato di Lione, un particolare tessuto in seta che Napoleone III promosse per sostenerne le industrie, facendolo indossare alla moglie, ovvero l'imperatrice Eugenia. I colori pastello poi sono legati alla ripresa del rococò che l'imperatrice aveva lanciato, ispirandosi alla figura di Maria Antonietta che essa ammirava. Madame Moitessier inoltre indossa un guardinfante, ovvero un telaio rigido che gonfia la gonna.L'artista usò una stesura molto levigata nell'incarnato che ricorda il marmo, mentre il vestito, per ottenere la consistenza del tessuto, è fatto con una tecnica più ruvida. La bellezza ideale della donna è esaltata anche dal motivo dello specchio; sebbene l'angolatura che rimanda sia improbabile, esso offre una diversa veduta della donna, di profilo, e cita il tema delle Veneri allo specchio dei pittori rinascimentali e barocchi (come la Donna allo specchio di Tiziano, la Venere allo specchio di Rubens, ecc.). Sebbene Ingres ammirasse le braccia carnose della donna, essa chiese di snellirle.Alle spalle della donna, come tipico del genere ritrattistico, si trovano alcuni oggetti che richiamano l'intelligenza e la cultura dell'effigiata: in questo caso un vaso giapponese di Imari e un paravento di seta intessuto a mano, usato per proteggere la pelle dal calore del fuoco nei caminetti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come chiarisce Madame_Moitessier la sua Descrizione e stile?

La protagonista è ritratta seduta su una poltrona imbottita, al ginocchio, mentre guarda lo spettatore. Ha un gomito piegato e la mano appoggiata con un dito sopra l'orecchio, citando l'affresco antico.L'elemento considerato più bello dell'opera è lo sfarzoso abito intessuto a fiori (non stampato, come dimostrano le frange sul petto). Si tratta di boccato di Lione, un particolare tessuto in seta che Napoleone III promosse per sostenerne le industrie, facendolo indossare alla moglie, ovvero l'imperatrice Eugenia. I colori pastello poi sono legati alla ripresa del rococò che l'imperatrice aveva lanciato, ispirandosi alla figura di Maria Antonietta che essa ammirava. Madame Moitessier inoltre indossa un guardinfante, ovvero un telaio rigido che gonfia la gonna.L'artista usò una stesura molto levigata nell'incarnato che ricorda il marmo, mentre il vestito, per ottenere la consistenza del tessuto, è fatto con una tecnica più ruvida. La bellezza ideale della donna è esaltata anche dal motivo dello specchio; sebbene l'angolatura che rimanda sia improbabile, esso offre una diversa veduta della donna, di profilo, e cita il tema delle Veneri allo specchio dei pittori rinascimentali e barocchi (come la Donna allo specchio di Tiziano, la Venere allo specchio di Rubens, ecc.). Sebbene Ingres ammirasse le braccia carnose della donna, essa chiese di snellirle.Alle spalle della donna, come tipico del genere ritrattistico, si trovano alcuni oggetti che richiamano l'intelligenza e la cultura dell'effigiata: in questo caso un vaso giapponese di Imari e un paravento di seta intessuto a mano, usato per proteggere la pelle dal calore del fuoco nei caminetti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Madame_Moitessier?

La protagonista è ritratta seduta su una poltrona imbottita, al ginocchio, mentre guarda lo spettatore. Ha un gomito piegato e la mano appoggiata con un dito sopra l'orecchio, citando l'affresco antico.L'elemento considerato più bello dell'opera è lo sfarzoso abito intessuto a fiori (non stampato, come dimostrano le frange sul petto). Si tratta di boccato di Lione, un particolare tessuto in seta che Napoleone III promosse per sostenerne le industrie, facendolo indossare alla moglie, ovvero l'imperatrice Eugenia. I colori pastello poi sono legati alla ripresa del rococò che l'imperatrice aveva lanciato, ispirandosi alla figura di Maria Antonietta che essa ammirava. Madame Moitessier inoltre indossa un guardinfante, ovvero un telaio rigido che gonfia la gonna.L'artista usò una stesura molto levigata nell'incarnato che ricorda il marmo, mentre il vestito, per ottenere la consistenza del tessuto, è fatto con una tecnica più ruvida. La bellezza ideale della donna è esaltata anche dal motivo dello specchio; sebbene l'angolatura che rimanda sia improbabile, esso offre una diversa veduta della donna, di profilo, e cita il tema delle Veneri allo specchio dei pittori rinascimentali e barocchi (come la Donna allo specchio di Tiziano, la Venere allo specchio di Rubens, ecc.). Sebbene Ingres ammirasse le braccia carnose della donna, essa chiese di snellirle.Alle spalle della donna, come tipico del genere ritrattistico, si trovano alcuni oggetti che richiamano l'intelligenza e la cultura dell'effigiata: in questo caso un vaso giapponese di Imari e un paravento di seta intessuto a mano, usato per proteggere la pelle dal calore del fuoco nei caminetti.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Concentrati su Madame_Moitessier ed esplora la Studi e omaggi.

Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario. Uno studio su tela, nel quale la figura è stata disegnata da Ingres e lo sfondo è stato dipinto da un assistente, si trova al museo Ingres di Montauban.Pablo Picasso vide per la prima volta il dipinto a una mostra a Parigi, nel 1921. Nel decennio successivo, citò ripetutamente Ingres nella sua arte, soprattutto nel suo omaggio nel dipinto Donna con un libro. La giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Esplora la Studi e omaggi di questa opera d'arte, Madame_Moitessier.

Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario. Uno studio su tela, nel quale la figura è stata disegnata da Ingres e lo sfondo è stato dipinto da un assistente, si trova al museo Ingres di Montauban.Pablo Picasso vide per la prima volta il dipinto a una mostra a Parigi, nel 1921. Nel decennio successivo, citò ripetutamente Ingres nella sua arte, soprattutto nel suo omaggio nel dipinto Donna con un libro. La giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come chiarisce Madame_Moitessier la sua Studi e omaggi?

Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario. Uno studio su tela, nel quale la figura è stata disegnata da Ingres e lo sfondo è stato dipinto da un assistente, si trova al museo Ingres di Montauban.Pablo Picasso vide per la prima volta il dipinto a una mostra a Parigi, nel 1921. Nel decennio successivo, citò ripetutamente Ingres nella sua arte, soprattutto nel suo omaggio nel dipinto Donna con un libro. La giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


Madame_Moitessier

Prompt: Come viene discussa la Studi e omaggi in Madame_Moitessier?

Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario. Uno studio su tela, nel quale la figura è stata disegnata da Ingres e lo sfondo è stato dipinto da un assistente, si trova al museo Ingres di Montauban.Pablo Picasso vide per la prima volta il dipinto a una mostra a Parigi, nel 1921. Nel decennio successivo, citò ripetutamente Ingres nella sua arte, soprattutto nel suo omaggio nel dipinto Donna con un libro. La giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Ingres - Etude pour Le Portrait de Madame Moitessier assise.jpg


La_pubertà

Prompt: Concentrati su La_pubertà ed esplora la abstract.

La pubertà è un dipinto del pittore norvegese Edvard Munch, appartenente al movimento della secessione di Berlino. L'opera è stata realizzata nel 1894-95 ed è conservata presso la Galleria nazionale di Oslo.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, La_pubertà.

La pubertà è un dipinto del pittore norvegese Edvard Munch, appartenente al movimento della secessione di Berlino. L'opera è stata realizzata nel 1894-95 ed è conservata presso la Galleria nazionale di Oslo.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come chiarisce La_pubertà la sua abstract?

La pubertà è un dipinto del pittore norvegese Edvard Munch, appartenente al movimento della secessione di Berlino. L'opera è stata realizzata nel 1894-95 ed è conservata presso la Galleria nazionale di Oslo.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come viene discussa la abstract in La_pubertà?

La pubertà è un dipinto del pittore norvegese Edvard Munch, appartenente al movimento della secessione di Berlino. L'opera è stata realizzata nel 1894-95 ed è conservata presso la Galleria nazionale di Oslo.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Concentrati su La_pubertà ed esplora la Storia.

Tra la fine del 1894 e il 1895 Munch, a soli venticinque anni, aveva cominciato a creare serie di quadri raffiguranti pubertà. In questo momento Munch si era già affermato come artista di considerevole notorietà a Berlino. Durante questo periodo della sua vita, Munch spesso risiedeva a Berlino, dove si trovava la sua cerchia di amici ed era molto famoso. Il suo nuovo gruppo di amici lo portò ulteriormente nel suo stato d'animo depresso. Munch filtra la sua depressione sessuale in Pubertà e come altri quadri che ha creato più tardi questo è intriso di simbolismo che riflette i sentimenti che hanno continuato a crescere nei dieci anni successivi.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, La_pubertà.

Tra la fine del 1894 e il 1895 Munch, a soli venticinque anni, aveva cominciato a creare serie di quadri raffiguranti pubertà. In questo momento Munch si era già affermato come artista di considerevole notorietà a Berlino. Durante questo periodo della sua vita, Munch spesso risiedeva a Berlino, dove si trovava la sua cerchia di amici ed era molto famoso. Il suo nuovo gruppo di amici lo portò ulteriormente nel suo stato d'animo depresso. Munch filtra la sua depressione sessuale in Pubertà e come altri quadri che ha creato più tardi questo è intriso di simbolismo che riflette i sentimenti che hanno continuato a crescere nei dieci anni successivi.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come chiarisce La_pubertà la sua Storia?

Tra la fine del 1894 e il 1895 Munch, a soli venticinque anni, aveva cominciato a creare serie di quadri raffiguranti pubertà. In questo momento Munch si era già affermato come artista di considerevole notorietà a Berlino. Durante questo periodo della sua vita, Munch spesso risiedeva a Berlino, dove si trovava la sua cerchia di amici ed era molto famoso. Il suo nuovo gruppo di amici lo portò ulteriormente nel suo stato d'animo depresso. Munch filtra la sua depressione sessuale in Pubertà e come altri quadri che ha creato più tardi questo è intriso di simbolismo che riflette i sentimenti che hanno continuato a crescere nei dieci anni successivi.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come viene discussa la Storia in La_pubertà?

Tra la fine del 1894 e il 1895 Munch, a soli venticinque anni, aveva cominciato a creare serie di quadri raffiguranti pubertà. In questo momento Munch si era già affermato come artista di considerevole notorietà a Berlino. Durante questo periodo della sua vita, Munch spesso risiedeva a Berlino, dove si trovava la sua cerchia di amici ed era molto famoso. Il suo nuovo gruppo di amici lo portò ulteriormente nel suo stato d'animo depresso. Munch filtra la sua depressione sessuale in Pubertà e come altri quadri che ha creato più tardi questo è intriso di simbolismo che riflette i sentimenti che hanno continuato a crescere nei dieci anni successivi.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Concentrati su La_pubertà ed esplora la Descrizione.

Il soggetto è un'adolescente, nuda, seduta che con le mani copre la zona pubica. Come in altri quadri di Munch, i colori sono piuttosto scuri e si può notare un'esuberanza nell'uso del colore rosso (il colore dei capelli della ragazza, che richiama quello del sangue, con un evidente rimando alla pubescenza nonché al trauma vissuto dall'autore a causa dell'agonia della madre e della sorella, entrambe malate di tubercolosi). Ci sono analogie tra quest'opera e La fanciulla malata. Centro dell'interesse di Munch è infatti l'uomo, il dramma del suo esistere, del suo essere solo di fronte a tutto ciò che lo circonda: con i propri conflitti psichici e le proprie paure. C'è soltanto l'essenziale: la ragazza, il letto, l'ombra della ragazza sulla parete. La figura è realistica, il volto incerto e spaurito dice il turbamento della ragazza per il mutamento che sente compiersi nel proprio essere. Il trapasso dallo stato di fanciulla a quello di donna, il cui destino forzato è di amare, procreare, morire, non è per Munch un evento fisico-psicologico, ma un problema sociale (condizione sociale della donna in quell'epoca). Il fatto veramente importante non è la descrizione di una situazione psicologica, ma la nuova concezione del valore, della funzione del simbolo, che è sempre il segno di un divieto, di un tabù sociale.L'ombra nera alla sinistra della fanciulla è forse la chiave di lettura dell'intero quadro: essa rappresenterebbe per il pittore il presagio della morte dell'anima che la donna, qualunque sia la sua condizione sociale, dovrà inevitabilmente subire in futuro. Il suo ruolo, per come credeva il pittore, è infatti solo quello di procreare e accudire i figli, senza alcuna possibilità di condurre una vita diversa e dedita ad altre attività. Nel momento in cui la fanciulla diventerà quindi una donna, perderà lo stato di libertà in cui aveva vissuto fino a quel momento compiendo un inesorabile passo verso la morte.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, La_pubertà.

Il soggetto è un'adolescente, nuda, seduta che con le mani copre la zona pubica. Come in altri quadri di Munch, i colori sono piuttosto scuri e si può notare un'esuberanza nell'uso del colore rosso (il colore dei capelli della ragazza, che richiama quello del sangue, con un evidente rimando alla pubescenza nonché al trauma vissuto dall'autore a causa dell'agonia della madre e della sorella, entrambe malate di tubercolosi). Ci sono analogie tra quest'opera e La fanciulla malata. Centro dell'interesse di Munch è infatti l'uomo, il dramma del suo esistere, del suo essere solo di fronte a tutto ciò che lo circonda: con i propri conflitti psichici e le proprie paure. C'è soltanto l'essenziale: la ragazza, il letto, l'ombra della ragazza sulla parete. La figura è realistica, il volto incerto e spaurito dice il turbamento della ragazza per il mutamento che sente compiersi nel proprio essere. Il trapasso dallo stato di fanciulla a quello di donna, il cui destino forzato è di amare, procreare, morire, non è per Munch un evento fisico-psicologico, ma un problema sociale (condizione sociale della donna in quell'epoca). Il fatto veramente importante non è la descrizione di una situazione psicologica, ma la nuova concezione del valore, della funzione del simbolo, che è sempre il segno di un divieto, di un tabù sociale.L'ombra nera alla sinistra della fanciulla è forse la chiave di lettura dell'intero quadro: essa rappresenterebbe per il pittore il presagio della morte dell'anima che la donna, qualunque sia la sua condizione sociale, dovrà inevitabilmente subire in futuro. Il suo ruolo, per come credeva il pittore, è infatti solo quello di procreare e accudire i figli, senza alcuna possibilità di condurre una vita diversa e dedita ad altre attività. Nel momento in cui la fanciulla diventerà quindi una donna, perderà lo stato di libertà in cui aveva vissuto fino a quel momento compiendo un inesorabile passo verso la morte.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come chiarisce La_pubertà la sua Descrizione?

Il soggetto è un'adolescente, nuda, seduta che con le mani copre la zona pubica. Come in altri quadri di Munch, i colori sono piuttosto scuri e si può notare un'esuberanza nell'uso del colore rosso (il colore dei capelli della ragazza, che richiama quello del sangue, con un evidente rimando alla pubescenza nonché al trauma vissuto dall'autore a causa dell'agonia della madre e della sorella, entrambe malate di tubercolosi). Ci sono analogie tra quest'opera e La fanciulla malata. Centro dell'interesse di Munch è infatti l'uomo, il dramma del suo esistere, del suo essere solo di fronte a tutto ciò che lo circonda: con i propri conflitti psichici e le proprie paure. C'è soltanto l'essenziale: la ragazza, il letto, l'ombra della ragazza sulla parete. La figura è realistica, il volto incerto e spaurito dice il turbamento della ragazza per il mutamento che sente compiersi nel proprio essere. Il trapasso dallo stato di fanciulla a quello di donna, il cui destino forzato è di amare, procreare, morire, non è per Munch un evento fisico-psicologico, ma un problema sociale (condizione sociale della donna in quell'epoca). Il fatto veramente importante non è la descrizione di una situazione psicologica, ma la nuova concezione del valore, della funzione del simbolo, che è sempre il segno di un divieto, di un tabù sociale.L'ombra nera alla sinistra della fanciulla è forse la chiave di lettura dell'intero quadro: essa rappresenterebbe per il pittore il presagio della morte dell'anima che la donna, qualunque sia la sua condizione sociale, dovrà inevitabilmente subire in futuro. Il suo ruolo, per come credeva il pittore, è infatti solo quello di procreare e accudire i figli, senza alcuna possibilità di condurre una vita diversa e dedita ad altre attività. Nel momento in cui la fanciulla diventerà quindi una donna, perderà lo stato di libertà in cui aveva vissuto fino a quel momento compiendo un inesorabile passo verso la morte.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


La_pubertà

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in La_pubertà?

Il soggetto è un'adolescente, nuda, seduta che con le mani copre la zona pubica. Come in altri quadri di Munch, i colori sono piuttosto scuri e si può notare un'esuberanza nell'uso del colore rosso (il colore dei capelli della ragazza, che richiama quello del sangue, con un evidente rimando alla pubescenza nonché al trauma vissuto dall'autore a causa dell'agonia della madre e della sorella, entrambe malate di tubercolosi). Ci sono analogie tra quest'opera e La fanciulla malata. Centro dell'interesse di Munch è infatti l'uomo, il dramma del suo esistere, del suo essere solo di fronte a tutto ciò che lo circonda: con i propri conflitti psichici e le proprie paure. C'è soltanto l'essenziale: la ragazza, il letto, l'ombra della ragazza sulla parete. La figura è realistica, il volto incerto e spaurito dice il turbamento della ragazza per il mutamento che sente compiersi nel proprio essere. Il trapasso dallo stato di fanciulla a quello di donna, il cui destino forzato è di amare, procreare, morire, non è per Munch un evento fisico-psicologico, ma un problema sociale (condizione sociale della donna in quell'epoca). Il fatto veramente importante non è la descrizione di una situazione psicologica, ma la nuova concezione del valore, della funzione del simbolo, che è sempre il segno di un divieto, di un tabù sociale.L'ombra nera alla sinistra della fanciulla è forse la chiave di lettura dell'intero quadro: essa rappresenterebbe per il pittore il presagio della morte dell'anima che la donna, qualunque sia la sua condizione sociale, dovrà inevitabilmente subire in futuro. Il suo ruolo, per come credeva il pittore, è infatti solo quello di procreare e accudire i figli, senza alcuna possibilità di condurre una vita diversa e dedita ad altre attività. Nel momento in cui la fanciulla diventerà quindi una donna, perderà lo stato di libertà in cui aveva vissuto fino a quel momento compiendo un inesorabile passo verso la morte.

Oslo
tela
Categoria:Nudi artistici
La fanciulla malata
Edvard Munch
Categoria:Dipinti di Edvard Munch
olio
Pittura su tela
Galleria nazionale
1894
Pittura a olio
Galleria nazionale di Oslo
secessione di Berlino
Categoria:Dipinti a Oslo
1895
Categoria:Ritratti pittorici femminili


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Concentrati su Madonna_del_Diadema_blu ed esplora la abstract.

La Madonna del Diadema blu è un dipinto a olio su tavola (58x44 cm) di Raffaello Sanzio e Giovan Francesco Penni, databile al 1510-1511 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Madonna_del_Diadema_blu.

La Madonna del Diadema blu è un dipinto a olio su tavola (58x44 cm) di Raffaello Sanzio e Giovan Francesco Penni, databile al 1510-1511 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come chiarisce Madonna_del_Diadema_blu la sua abstract?

La Madonna del Diadema blu è un dipinto a olio su tavola (58x44 cm) di Raffaello Sanzio e Giovan Francesco Penni, databile al 1510-1511 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come viene discussa la abstract in Madonna_del_Diadema_blu?

La Madonna del Diadema blu è un dipinto a olio su tavola (58x44 cm) di Raffaello Sanzio e Giovan Francesco Penni, databile al 1510-1511 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Concentrati su Madonna_del_Diadema_blu ed esplora la Storia.

L'opera è nota dal 1620, quando si trovava nella raccolta La Vrillière di Parigi. In seguito pervenne al principe di Carignano (1728) e a Luigi XV di Francia (1743), dalle cui raccolte finì nelle collezioni reali e quindi nel museo parigino.L'attribuzione è generalmente riferita al Sanzio, anche se Cavalcaselle vi lesse un intervento del Penni, mentre Fischel attribuì all'allievo l'intera esecuzione. Oggi, anche per via del cattivo stato di conservazione, si tende a considerare l'opera eseguita su disegno del maestro e da aiuti.Non si conoscono disegni preparatori riferibili all'opera e, con l'esclusione del Filippini che parlò del 1507, l'esecuzione oscilla per gli studiosi tra il 1510 e il 1511 o tutt'al più il 1512. Se opera di bottega potrebbe invece collocarsi verso il 1518.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Madonna_del_Diadema_blu.

L'opera è nota dal 1620, quando si trovava nella raccolta La Vrillière di Parigi. In seguito pervenne al principe di Carignano (1728) e a Luigi XV di Francia (1743), dalle cui raccolte finì nelle collezioni reali e quindi nel museo parigino.L'attribuzione è generalmente riferita al Sanzio, anche se Cavalcaselle vi lesse un intervento del Penni, mentre Fischel attribuì all'allievo l'intera esecuzione. Oggi, anche per via del cattivo stato di conservazione, si tende a considerare l'opera eseguita su disegno del maestro e da aiuti.Non si conoscono disegni preparatori riferibili all'opera e, con l'esclusione del Filippini che parlò del 1507, l'esecuzione oscilla per gli studiosi tra il 1510 e il 1511 o tutt'al più il 1512. Se opera di bottega potrebbe invece collocarsi verso il 1518.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come chiarisce Madonna_del_Diadema_blu la sua Storia?

L'opera è nota dal 1620, quando si trovava nella raccolta La Vrillière di Parigi. In seguito pervenne al principe di Carignano (1728) e a Luigi XV di Francia (1743), dalle cui raccolte finì nelle collezioni reali e quindi nel museo parigino.L'attribuzione è generalmente riferita al Sanzio, anche se Cavalcaselle vi lesse un intervento del Penni, mentre Fischel attribuì all'allievo l'intera esecuzione. Oggi, anche per via del cattivo stato di conservazione, si tende a considerare l'opera eseguita su disegno del maestro e da aiuti.Non si conoscono disegni preparatori riferibili all'opera e, con l'esclusione del Filippini che parlò del 1507, l'esecuzione oscilla per gli studiosi tra il 1510 e il 1511 o tutt'al più il 1512. Se opera di bottega potrebbe invece collocarsi verso il 1518.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come viene discussa la Storia in Madonna_del_Diadema_blu?

L'opera è nota dal 1620, quando si trovava nella raccolta La Vrillière di Parigi. In seguito pervenne al principe di Carignano (1728) e a Luigi XV di Francia (1743), dalle cui raccolte finì nelle collezioni reali e quindi nel museo parigino.L'attribuzione è generalmente riferita al Sanzio, anche se Cavalcaselle vi lesse un intervento del Penni, mentre Fischel attribuì all'allievo l'intera esecuzione. Oggi, anche per via del cattivo stato di conservazione, si tende a considerare l'opera eseguita su disegno del maestro e da aiuti.Non si conoscono disegni preparatori riferibili all'opera e, con l'esclusione del Filippini che parlò del 1507, l'esecuzione oscilla per gli studiosi tra il 1510 e il 1511 o tutt'al più il 1512. Se opera di bottega potrebbe invece collocarsi verso il 1518.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Concentrati su Madonna_del_Diadema_blu ed esplora la Descrizione e stile.

Si tratta di una Madonna del Velo: Maria solleva un velo trasparente per scoprire il figlio addormentato, prefigurandone la tragica sorte. Alla Crocifissione rimanda anche la croce di san Giovannino. Raffaello addolcì la scena con un tono intimo a familiare, a cui partecipa anche Giovanni Battista, abbracciato da Maria e dolcemente sorridente. Il Bambino dormiente cita forse opere della statuaria antica, o il celebre Cupido dormiente di Michelangelo.Spicca l'accento plastico nei panneggi, fortemente chiaroscurati, e l'effetto dinamico della figura di Maria, con il velo, retto dal diadema blu che dà il titolo all'opera, gonfiato dallo spostamento d'aria, a sottolineare il suo movimento in avanti.Lo sfondo è composto da un paesaggio aperto, dove rovine incombenti fanno da quinte, mentre al centro, in lontananza, si vede il profilo di una città, probabilmente Roma, con un tempio classico con statue sul timpano.Appartiene allo stile di un allievo la tavolozza ricca di colori pastello smaltati, simili alla porcellana.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Madonna_del_Diadema_blu.

Si tratta di una Madonna del Velo: Maria solleva un velo trasparente per scoprire il figlio addormentato, prefigurandone la tragica sorte. Alla Crocifissione rimanda anche la croce di san Giovannino. Raffaello addolcì la scena con un tono intimo a familiare, a cui partecipa anche Giovanni Battista, abbracciato da Maria e dolcemente sorridente. Il Bambino dormiente cita forse opere della statuaria antica, o il celebre Cupido dormiente di Michelangelo.Spicca l'accento plastico nei panneggi, fortemente chiaroscurati, e l'effetto dinamico della figura di Maria, con il velo, retto dal diadema blu che dà il titolo all'opera, gonfiato dallo spostamento d'aria, a sottolineare il suo movimento in avanti.Lo sfondo è composto da un paesaggio aperto, dove rovine incombenti fanno da quinte, mentre al centro, in lontananza, si vede il profilo di una città, probabilmente Roma, con un tempio classico con statue sul timpano.Appartiene allo stile di un allievo la tavolozza ricca di colori pastello smaltati, simili alla porcellana.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come chiarisce Madonna_del_Diadema_blu la sua Descrizione e stile?

Si tratta di una Madonna del Velo: Maria solleva un velo trasparente per scoprire il figlio addormentato, prefigurandone la tragica sorte. Alla Crocifissione rimanda anche la croce di san Giovannino. Raffaello addolcì la scena con un tono intimo a familiare, a cui partecipa anche Giovanni Battista, abbracciato da Maria e dolcemente sorridente. Il Bambino dormiente cita forse opere della statuaria antica, o il celebre Cupido dormiente di Michelangelo.Spicca l'accento plastico nei panneggi, fortemente chiaroscurati, e l'effetto dinamico della figura di Maria, con il velo, retto dal diadema blu che dà il titolo all'opera, gonfiato dallo spostamento d'aria, a sottolineare il suo movimento in avanti.Lo sfondo è composto da un paesaggio aperto, dove rovine incombenti fanno da quinte, mentre al centro, in lontananza, si vede il profilo di una città, probabilmente Roma, con un tempio classico con statue sul timpano.Appartiene allo stile di un allievo la tavolozza ricca di colori pastello smaltati, simili alla porcellana.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Madonna_del_Diadema_blu

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Madonna_del_Diadema_blu?

Si tratta di una Madonna del Velo: Maria solleva un velo trasparente per scoprire il figlio addormentato, prefigurandone la tragica sorte. Alla Crocifissione rimanda anche la croce di san Giovannino. Raffaello addolcì la scena con un tono intimo a familiare, a cui partecipa anche Giovanni Battista, abbracciato da Maria e dolcemente sorridente. Il Bambino dormiente cita forse opere della statuaria antica, o il celebre Cupido dormiente di Michelangelo.Spicca l'accento plastico nei panneggi, fortemente chiaroscurati, e l'effetto dinamico della figura di Maria, con il velo, retto dal diadema blu che dà il titolo all'opera, gonfiato dallo spostamento d'aria, a sottolineare il suo movimento in avanti.Lo sfondo è composto da un paesaggio aperto, dove rovine incombenti fanno da quinte, mentre al centro, in lontananza, si vede il profilo di una città, probabilmente Roma, con un tempio classico con statue sul timpano.Appartiene allo stile di un allievo la tavolozza ricca di colori pastello smaltati, simili alla porcellana.

Giovanni Battista Cavalcaselle
Timpano (architettura)
Dettaglio del paesaggio
Maria (madre di Gesù)
Madonne di Raffaello
Raffaello Sanzio
Michelangelo Buonarroti
Cavalcaselle
Madonna
Categoria:Dipinti nel Louvre
1510
su tavola
timpano
1511
1518
porcellana
Categoria:Madonne di Raffaello
upright=1.4
Giovan Francesco Penni
pittura a olio
1620
thumb
File:Madonna del diadema blu, 02.jpg
Diadema
Parigi
Luigi XV di Francia
Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano
olio
1507
Cupido dormiente
Michelangelo
principe di Carignano
Museo del Louvre


Ritratto_di_Gertrude_Stein

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Gertrude_Stein ed esplora la abstract.

Ritratto di Gertrude Stein è un dipinto a olio su tela (99,6x81,3 cm) realizzato nel 1905-1906 dal pittore spagnolo Pablo Picasso.Conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York, il quadro è considerato dai critici come l'opera che precorse il Cubismo. Il soggetto, la scrittrice statunitense Gertrude Stein, fu una cara amica di Picasso nonché collezionista di quadri cubisti e prima vera mecenate e sostenitrice delle opere del pittore spagnolo. La forte personalità della Stein, che rimase poi proprietaria della tela fino alla morte, fu rappresentata da Picasso grazie all'evidenziamento dei suoi profondi occhi neri.Pare che nel realizzare questo dipinto Picasso abbia esitato a lungo prima di realizzare il volto che come si può notare è molto diverso dal resto del dipinto, soprattutto dalle mani. Dall'analisi della pittura infatti, e alcune testimonianze dell'epoca lo confermerebbero, emerge che la testa sia addirittura stata cancellata e ridipinta. In effetti si ritrovano nei tratti duri e irrealisti le influenze dell'arte africana (l'interesse per la quale fioriva in quegli anni) ed il germe del cubismo. Lo sviluppo di questa tendenza nell'arte di Picasso si avrà l'anno successivo con Les demoiselles d'Avignon. Questo ritratto risulta essere quindi una delle più alte testimonianze dell'interesse coltivato in quegli anni per la scultura iberica arcaica. Picasso riesce a trasfigurare una posa modellata secondo canoni tradizionali relativi ai ritratti - visibile ad esempio nelle opere di Ingres - in una figura ieratica e già orientata verso la brutalità e semplificazione de Les Demoiselles d'Avignon.Quando venne presentato in pubblico, in molti criticarono il ritratto, sostenendo che non assomigliasse per niente alla Stein. Picasso replicò che, col tempo, la somiglianza sarebbe stata ottima. Del resto la scrittrice vi si riconobbe immediatamente, tanto da tenerlo presso di sé per il resto della sua vita; e a tal proposito, dichiarò: "Fui, e sono tuttora, soddisfattissima di questo ritratto. Per me, sono io: ed è la sola immagine di me che sia me".Dopo la morte della Stein, l'opera passò in dono al Metropolitan Museum.

File:Gertrude Stein statue in NYC (cropped).jpg

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum


Ritratto_di_Gertrude_Stein

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_Gertrude_Stein.

Ritratto di Gertrude Stein è un dipinto a olio su tela (99,6x81,3 cm) realizzato nel 1905-1906 dal pittore spagnolo Pablo Picasso.Conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York, il quadro è considerato dai critici come l'opera che precorse il Cubismo. Il soggetto, la scrittrice statunitense Gertrude Stein, fu una cara amica di Picasso nonché collezionista di quadri cubisti e prima vera mecenate e sostenitrice delle opere del pittore spagnolo. La forte personalità della Stein, che rimase poi proprietaria della tela fino alla morte, fu rappresentata da Picasso grazie all'evidenziamento dei suoi profondi occhi neri.Pare che nel realizzare questo dipinto Picasso abbia esitato a lungo prima di realizzare il volto che come si può notare è molto diverso dal resto del dipinto, soprattutto dalle mani. Dall'analisi della pittura infatti, e alcune testimonianze dell'epoca lo confermerebbero, emerge che la testa sia addirittura stata cancellata e ridipinta. In effetti si ritrovano nei tratti duri e irrealisti le influenze dell'arte africana (l'interesse per la quale fioriva in quegli anni) ed il germe del cubismo. Lo sviluppo di questa tendenza nell'arte di Picasso si avrà l'anno successivo con Les demoiselles d'Avignon. Questo ritratto risulta essere quindi una delle più alte testimonianze dell'interesse coltivato in quegli anni per la scultura iberica arcaica. Picasso riesce a trasfigurare una posa modellata secondo canoni tradizionali relativi ai ritratti - visibile ad esempio nelle opere di Ingres - in una figura ieratica e già orientata verso la brutalità e semplificazione de Les Demoiselles d'Avignon.Quando venne presentato in pubblico, in molti criticarono il ritratto, sostenendo che non assomigliasse per niente alla Stein. Picasso replicò che, col tempo, la somiglianza sarebbe stata ottima. Del resto la scrittrice vi si riconobbe immediatamente, tanto da tenerlo presso di sé per il resto della sua vita; e a tal proposito, dichiarò: "Fui, e sono tuttora, soddisfattissima di questo ritratto. Per me, sono io: ed è la sola immagine di me che sia me".Dopo la morte della Stein, l'opera passò in dono al Metropolitan Museum.

File:Gertrude Stein statue in NYC (cropped).jpg

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum


Ritratto_di_Gertrude_Stein

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Gertrude_Stein la sua abstract?

Ritratto di Gertrude Stein è un dipinto a olio su tela (99,6x81,3 cm) realizzato nel 1905-1906 dal pittore spagnolo Pablo Picasso.Conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York, il quadro è considerato dai critici come l'opera che precorse il Cubismo. Il soggetto, la scrittrice statunitense Gertrude Stein, fu una cara amica di Picasso nonché collezionista di quadri cubisti e prima vera mecenate e sostenitrice delle opere del pittore spagnolo. La forte personalità della Stein, che rimase poi proprietaria della tela fino alla morte, fu rappresentata da Picasso grazie all'evidenziamento dei suoi profondi occhi neri.Pare che nel realizzare questo dipinto Picasso abbia esitato a lungo prima di realizzare il volto che come si può notare è molto diverso dal resto del dipinto, soprattutto dalle mani. Dall'analisi della pittura infatti, e alcune testimonianze dell'epoca lo confermerebbero, emerge che la testa sia addirittura stata cancellata e ridipinta. In effetti si ritrovano nei tratti duri e irrealisti le influenze dell'arte africana (l'interesse per la quale fioriva in quegli anni) ed il germe del cubismo. Lo sviluppo di questa tendenza nell'arte di Picasso si avrà l'anno successivo con Les demoiselles d'Avignon. Questo ritratto risulta essere quindi una delle più alte testimonianze dell'interesse coltivato in quegli anni per la scultura iberica arcaica. Picasso riesce a trasfigurare una posa modellata secondo canoni tradizionali relativi ai ritratti - visibile ad esempio nelle opere di Ingres - in una figura ieratica e già orientata verso la brutalità e semplificazione de Les Demoiselles d'Avignon.Quando venne presentato in pubblico, in molti criticarono il ritratto, sostenendo che non assomigliasse per niente alla Stein. Picasso replicò che, col tempo, la somiglianza sarebbe stata ottima. Del resto la scrittrice vi si riconobbe immediatamente, tanto da tenerlo presso di sé per il resto della sua vita; e a tal proposito, dichiarò: "Fui, e sono tuttora, soddisfattissima di questo ritratto. Per me, sono io: ed è la sola immagine di me che sia me".Dopo la morte della Stein, l'opera passò in dono al Metropolitan Museum.

File:Gertrude Stein statue in NYC (cropped).jpg

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum


Ritratto_di_Gertrude_Stein

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_Gertrude_Stein?

Ritratto di Gertrude Stein è un dipinto a olio su tela (99,6x81,3 cm) realizzato nel 1905-1906 dal pittore spagnolo Pablo Picasso.Conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York, il quadro è considerato dai critici come l'opera che precorse il Cubismo. Il soggetto, la scrittrice statunitense Gertrude Stein, fu una cara amica di Picasso nonché collezionista di quadri cubisti e prima vera mecenate e sostenitrice delle opere del pittore spagnolo. La forte personalità della Stein, che rimase poi proprietaria della tela fino alla morte, fu rappresentata da Picasso grazie all'evidenziamento dei suoi profondi occhi neri.Pare che nel realizzare questo dipinto Picasso abbia esitato a lungo prima di realizzare il volto che come si può notare è molto diverso dal resto del dipinto, soprattutto dalle mani. Dall'analisi della pittura infatti, e alcune testimonianze dell'epoca lo confermerebbero, emerge che la testa sia addirittura stata cancellata e ridipinta. In effetti si ritrovano nei tratti duri e irrealisti le influenze dell'arte africana (l'interesse per la quale fioriva in quegli anni) ed il germe del cubismo. Lo sviluppo di questa tendenza nell'arte di Picasso si avrà l'anno successivo con Les demoiselles d'Avignon. Questo ritratto risulta essere quindi una delle più alte testimonianze dell'interesse coltivato in quegli anni per la scultura iberica arcaica. Picasso riesce a trasfigurare una posa modellata secondo canoni tradizionali relativi ai ritratti - visibile ad esempio nelle opere di Ingres - in una figura ieratica e già orientata verso la brutalità e semplificazione de Les Demoiselles d'Avignon.Quando venne presentato in pubblico, in molti criticarono il ritratto, sostenendo che non assomigliasse per niente alla Stein. Picasso replicò che, col tempo, la somiglianza sarebbe stata ottima. Del resto la scrittrice vi si riconobbe immediatamente, tanto da tenerlo presso di sé per il resto della sua vita; e a tal proposito, dichiarò: "Fui, e sono tuttora, soddisfattissima di questo ritratto. Per me, sono io: ed è la sola immagine di me che sia me".Dopo la morte della Stein, l'opera passò in dono al Metropolitan Museum.

File:Gertrude Stein statue in NYC (cropped).jpg

Categoria:Dipinti nel Metropolitan Museum


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni ed esplora la abstract.

Il Ritratto di Giovanna Tornabuoni è un dipinto a tempera su tavola (77x49 cm) di Domenico Ghirlandaio, datato 1488 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni.

Il Ritratto di Giovanna Tornabuoni è un dipinto a tempera su tavola (77x49 cm) di Domenico Ghirlandaio, datato 1488 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni la sua abstract?

Il Ritratto di Giovanna Tornabuoni è un dipinto a tempera su tavola (77x49 cm) di Domenico Ghirlandaio, datato 1488 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni?

Il Ritratto di Giovanna Tornabuoni è un dipinto a tempera su tavola (77x49 cm) di Domenico Ghirlandaio, datato 1488 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni ed esplora la Storia.

L'opera è datata 1488, anno della morte di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni, di parto. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni.

L'opera è datata 1488, anno della morte di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni, di parto. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni la sua Storia?

L'opera è datata 1488, anno della morte di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni, di parto. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come viene discussa la Storia in Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni?

L'opera è datata 1488, anno della morte di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni, di parto. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni ed esplora la Descrizione e stile.

Sullo sfondo di una parete scura, dove si apre uno stipo con alcuni oggetti, si staglia netto il ritratto della nobildonna fiorentina vista di profilo, in una posa eretta e di grande dignità, seppure addolcita dalle curve della schiena e del petto, dall'abito fastoso e dai colori lucidi e quasi smaltati.L'identificazione con Giovanna Tornabuoni è possibile grazie ai ritratti di lei presenti negli affreschi della Cappella Tornabuoni (Visitazione e Nascita della Vergine), nei quali ha la stessa acconciatura con la crocchia che lascia liberi dei riccioli dorati a incorniciare il volto, nonché lo stesso vestito, con preziosi ricami dorati. La veste, una gamurra, differisce nelle maniche, che erano estraibili e intercambiabili; in questo caso sotto la veste Giovanna indossa un ricco corpetto con ricami floreali e una camicia bianca, che sbuffa con pieghette chiuse da lacci lungo la manica e la spalla. Essa stringe in mano un fazzoletto e indossa pochi gioielli, ma di valore, tra cui il grosso pendente con perle di calibro e un rubino, legato da un nastro scuro sul collo, mentre una spilla simile si trova nello stipo dietro di essa.Qui si vedono anche un libro di preghiere semichiuso, simbolo di religiosità, una collana di grani rossi di corallo appesa (forse un rosario) e un'iscrizione latina, che allude alle virtù della ragazza, tratto da un epigramma del I secolo d.C. del poeta latino Marziale: ARS VTINAM MORES ANIMVMQUE EFFINGERE POSSES PVLCHRIOR IN TERRIS NVLLA TABELLA FORET MCCCCLXXXVIII ("Arte, volesse il cielo che tu potessi rappresentare il comportamento e l'animo, non ci sarebbe in terra tavola più bella. 1488").L'opera, ritenuta uno dei più bei ritratti femminili del Quattrocento fiorentino, è di fattura estremamente curata e fine.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni.

Sullo sfondo di una parete scura, dove si apre uno stipo con alcuni oggetti, si staglia netto il ritratto della nobildonna fiorentina vista di profilo, in una posa eretta e di grande dignità, seppure addolcita dalle curve della schiena e del petto, dall'abito fastoso e dai colori lucidi e quasi smaltati.L'identificazione con Giovanna Tornabuoni è possibile grazie ai ritratti di lei presenti negli affreschi della Cappella Tornabuoni (Visitazione e Nascita della Vergine), nei quali ha la stessa acconciatura con la crocchia che lascia liberi dei riccioli dorati a incorniciare il volto, nonché lo stesso vestito, con preziosi ricami dorati. La veste, una gamurra, differisce nelle maniche, che erano estraibili e intercambiabili; in questo caso sotto la veste Giovanna indossa un ricco corpetto con ricami floreali e una camicia bianca, che sbuffa con pieghette chiuse da lacci lungo la manica e la spalla. Essa stringe in mano un fazzoletto e indossa pochi gioielli, ma di valore, tra cui il grosso pendente con perle di calibro e un rubino, legato da un nastro scuro sul collo, mentre una spilla simile si trova nello stipo dietro di essa.Qui si vedono anche un libro di preghiere semichiuso, simbolo di religiosità, una collana di grani rossi di corallo appesa (forse un rosario) e un'iscrizione latina, che allude alle virtù della ragazza, tratto da un epigramma del I secolo d.C. del poeta latino Marziale: ARS VTINAM MORES ANIMVMQUE EFFINGERE POSSES PVLCHRIOR IN TERRIS NVLLA TABELLA FORET MCCCCLXXXVIII ("Arte, volesse il cielo che tu potessi rappresentare il comportamento e l'animo, non ci sarebbe in terra tavola più bella. 1488").L'opera, ritenuta uno dei più bei ritratti femminili del Quattrocento fiorentino, è di fattura estremamente curata e fine.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni la sua Descrizione e stile?

Sullo sfondo di una parete scura, dove si apre uno stipo con alcuni oggetti, si staglia netto il ritratto della nobildonna fiorentina vista di profilo, in una posa eretta e di grande dignità, seppure addolcita dalle curve della schiena e del petto, dall'abito fastoso e dai colori lucidi e quasi smaltati.L'identificazione con Giovanna Tornabuoni è possibile grazie ai ritratti di lei presenti negli affreschi della Cappella Tornabuoni (Visitazione e Nascita della Vergine), nei quali ha la stessa acconciatura con la crocchia che lascia liberi dei riccioli dorati a incorniciare il volto, nonché lo stesso vestito, con preziosi ricami dorati. La veste, una gamurra, differisce nelle maniche, che erano estraibili e intercambiabili; in questo caso sotto la veste Giovanna indossa un ricco corpetto con ricami floreali e una camicia bianca, che sbuffa con pieghette chiuse da lacci lungo la manica e la spalla. Essa stringe in mano un fazzoletto e indossa pochi gioielli, ma di valore, tra cui il grosso pendente con perle di calibro e un rubino, legato da un nastro scuro sul collo, mentre una spilla simile si trova nello stipo dietro di essa.Qui si vedono anche un libro di preghiere semichiuso, simbolo di religiosità, una collana di grani rossi di corallo appesa (forse un rosario) e un'iscrizione latina, che allude alle virtù della ragazza, tratto da un epigramma del I secolo d.C. del poeta latino Marziale: ARS VTINAM MORES ANIMVMQUE EFFINGERE POSSES PVLCHRIOR IN TERRIS NVLLA TABELLA FORET MCCCCLXXXVIII ("Arte, volesse il cielo che tu potessi rappresentare il comportamento e l'animo, non ci sarebbe in terra tavola più bella. 1488").L'opera, ritenuta uno dei più bei ritratti femminili del Quattrocento fiorentino, è di fattura estremamente curata e fine.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Ritratto_di_Giovanna_Tornabuoni?

Sullo sfondo di una parete scura, dove si apre uno stipo con alcuni oggetti, si staglia netto il ritratto della nobildonna fiorentina vista di profilo, in una posa eretta e di grande dignità, seppure addolcita dalle curve della schiena e del petto, dall'abito fastoso e dai colori lucidi e quasi smaltati.L'identificazione con Giovanna Tornabuoni è possibile grazie ai ritratti di lei presenti negli affreschi della Cappella Tornabuoni (Visitazione e Nascita della Vergine), nei quali ha la stessa acconciatura con la crocchia che lascia liberi dei riccioli dorati a incorniciare il volto, nonché lo stesso vestito, con preziosi ricami dorati. La veste, una gamurra, differisce nelle maniche, che erano estraibili e intercambiabili; in questo caso sotto la veste Giovanna indossa un ricco corpetto con ricami floreali e una camicia bianca, che sbuffa con pieghette chiuse da lacci lungo la manica e la spalla. Essa stringe in mano un fazzoletto e indossa pochi gioielli, ma di valore, tra cui il grosso pendente con perle di calibro e un rubino, legato da un nastro scuro sul collo, mentre una spilla simile si trova nello stipo dietro di essa.Qui si vedono anche un libro di preghiere semichiuso, simbolo di religiosità, una collana di grani rossi di corallo appesa (forse un rosario) e un'iscrizione latina, che allude alle virtù della ragazza, tratto da un epigramma del I secolo d.C. del poeta latino Marziale: ARS VTINAM MORES ANIMVMQUE EFFINGERE POSSES PVLCHRIOR IN TERRIS NVLLA TABELLA FORET MCCCCLXXXVIII ("Arte, volesse il cielo che tu potessi rappresentare il comportamento e l'animo, non ci sarebbe in terra tavola più bella. 1488").L'opera, ritenuta uno dei più bei ritratti femminili del Quattrocento fiorentino, è di fattura estremamente curata e fine.

Categoria:Dipinti di Domenico Ghirlandaio

Categoria:Opere commissionate dalla famiglia Tornabuoni

Categoria:Dipinti nel Museo Thyssen-Bornemisza

File:Niccolò di Forzore Spinelli - Médaille Giovanna Tornabuoni.jpg


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Concentrati su Fontana_Re_Fahd ed esplora la abstract.

La fontana Re Fahd (in arabo: نافورة الملك فهد), o fontana di Gedda, è la fontana con il più alto getto d'acqua al mondo ed è sita a Jeddah Corniche, a Gedda.La fontana è stata donata alla città dal re Fahd.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Fontana_Re_Fahd.

La fontana Re Fahd (in arabo: نافورة الملك فهد), o fontana di Gedda, è la fontana con il più alto getto d'acqua al mondo ed è sita a Jeddah Corniche, a Gedda.La fontana è stata donata alla città dal re Fahd.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come chiarisce Fontana_Re_Fahd la sua abstract?

La fontana Re Fahd (in arabo: نافورة الملك فهد), o fontana di Gedda, è la fontana con il più alto getto d'acqua al mondo ed è sita a Jeddah Corniche, a Gedda.La fontana è stata donata alla città dal re Fahd.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come viene discussa la abstract in Fontana_Re_Fahd?

La fontana Re Fahd (in arabo: نافورة الملك فهد), o fontana di Gedda, è la fontana con il più alto getto d'acqua al mondo ed è sita a Jeddah Corniche, a Gedda.La fontana è stata donata alla città dal re Fahd.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Concentrati su Fontana_Re_Fahd ed esplora la Storia.

La struttura è stata costruita sull'esempio della Jet d'eau di Ginevra e i primi progetti risalgono al 1980. L'opera è stata inaugurata nel 1985.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Fontana_Re_Fahd.

La struttura è stata costruita sull'esempio della Jet d'eau di Ginevra e i primi progetti risalgono al 1980. L'opera è stata inaugurata nel 1985.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come chiarisce Fontana_Re_Fahd la sua Storia?

La struttura è stata costruita sull'esempio della Jet d'eau di Ginevra e i primi progetti risalgono al 1980. L'opera è stata inaugurata nel 1985.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come viene discussa la Storia in Fontana_Re_Fahd?

La struttura è stata costruita sull'esempio della Jet d'eau di Ginevra e i primi progetti risalgono al 1980. L'opera è stata inaugurata nel 1985.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Concentrati su Fontana_Re_Fahd ed esplora la Dati tecnici.

L'opera utilizza acqua marina proveniente dal Mar Rosso e la lancia a un'altezza di 312 metri a una velocità di 322 km/h. Viene utilizzata, inoltre, un'illuminazione notturna sul getto d'acqua rendendolo visibile da qualsiasi punto della metropoli saudita.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Esplora la Dati tecnici di questa opera d'arte, Fontana_Re_Fahd.

L'opera utilizza acqua marina proveniente dal Mar Rosso e la lancia a un'altezza di 312 metri a una velocità di 322 km/h. Viene utilizzata, inoltre, un'illuminazione notturna sul getto d'acqua rendendolo visibile da qualsiasi punto della metropoli saudita.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come chiarisce Fontana_Re_Fahd la sua Dati tecnici?

L'opera utilizza acqua marina proveniente dal Mar Rosso e la lancia a un'altezza di 312 metri a una velocità di 322 km/h. Viene utilizzata, inoltre, un'illuminazione notturna sul getto d'acqua rendendolo visibile da qualsiasi punto della metropoli saudita.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Fontana_Re_Fahd

Prompt: Come viene discussa la Dati tecnici in Fontana_Re_Fahd?

L'opera utilizza acqua marina proveniente dal Mar Rosso e la lancia a un'altezza di 312 metri a una velocità di 322 km/h. Viene utilizzata, inoltre, un'illuminazione notturna sul getto d'acqua rendendolo visibile da qualsiasi punto della metropoli saudita.

Categoria:Fontane
Categoria:Architetture di Gedda
Ginevra
Re Fahd
re Fahd
Mar Rosso
Jeddah Corniche
Fahd dell'Arabia Saudita
Jet d'eau
arabo
Lingua araba
Gedda


Piccola_Madonna_Cowper

Prompt: Concentrati su Piccola_Madonna_Cowper ed esplora la abstract.

La Piccola Madonna Cowper (così chiamata per distinguerla dalla Grande Madonna Cowper) è un dipinto a olio su tavola (58x43 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1504-1505 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington


Piccola_Madonna_Cowper

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Piccola_Madonna_Cowper.

La Piccola Madonna Cowper (così chiamata per distinguerla dalla Grande Madonna Cowper) è un dipinto a olio su tavola (58x43 cm) di Raffaello Sanzio, databile al 1504-1505 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Washington