Trittico_di_Modena

Prompt: In Trittico_di_Modena, come viene chiarita la Posteriore della Descrizione?

Le scene sulla parte posteriore compaiono: l'annunciazione (sinistra), la Veduta del Monte Sinai (centro) e l'Eterno Padre con Adamo ed Eva nel Paradiso (destra).Da notare che nella Veduta del Monte Sinai è raffigurato il monastero di Santa Caterina in Egitto.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Trittico_di_Modena

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Posteriore nella Descrizione di Trittico_di_Modena.

Le scene sulla parte posteriore compaiono: l'annunciazione (sinistra), la Veduta del Monte Sinai (centro) e l'Eterno Padre con Adamo ed Eva nel Paradiso (destra).Da notare che nella Veduta del Monte Sinai è raffigurato il monastero di Santa Caterina in Egitto.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Trittico_di_Modena

Prompt: Concentrati su Trittico_di_Modena ed esplora la Stile.

In questo lavoro, El Greco, usa l'oro come impregnazione e non come sfondo, come era consuetudine nell'arte bizantina, e su quello strato applicava i colori in stile veneziano, con una particolare lucentezza dovuta all'uso enfatico della luce.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Trittico_di_Modena

Prompt: Esplora la Stile di questa opera d'arte, Trittico_di_Modena.

In questo lavoro, El Greco, usa l'oro come impregnazione e non come sfondo, come era consuetudine nell'arte bizantina, e su quello strato applicava i colori in stile veneziano, con una particolare lucentezza dovuta all'uso enfatico della luce.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Trittico_di_Modena

Prompt: Come chiarisce Trittico_di_Modena la sua Stile?

In questo lavoro, El Greco, usa l'oro come impregnazione e non come sfondo, come era consuetudine nell'arte bizantina, e su quello strato applicava i colori in stile veneziano, con una particolare lucentezza dovuta all'uso enfatico della luce.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Trittico_di_Modena

Prompt: Come viene discussa la Stile in Trittico_di_Modena?

In questo lavoro, El Greco, usa l'oro come impregnazione e non come sfondo, come era consuetudine nell'arte bizantina, e su quello strato applicava i colori in stile veneziano, con una particolare lucentezza dovuta all'uso enfatico della luce.

Categoria:Dipinti sull'adorazione dei pastori

Categoria:Dipinti nella Galleria Estense

Categoria:Dipinti sul battesimo di Cristo


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Concentrati su Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte ed esplora la abstract.

Minerva protegge la Pace da Marte (Pace e Guerra) è un dipinto (208x298 cm) realizzato tra il 1629 ed il 1630 dal pittore Peter Paul Rubens.È conservato nella National Gallery di Londra.Rubens dipinse il quadro a Londra durante per una missione diplomatica di pace per la Spagna con l'Inghilterra e lo donò a re Carlo I.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte.

Minerva protegge la Pace da Marte (Pace e Guerra) è un dipinto (208x298 cm) realizzato tra il 1629 ed il 1630 dal pittore Peter Paul Rubens.È conservato nella National Gallery di Londra.Rubens dipinse il quadro a Londra durante per una missione diplomatica di pace per la Spagna con l'Inghilterra e lo donò a re Carlo I.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Come chiarisce Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte la sua abstract?

Minerva protegge la Pace da Marte (Pace e Guerra) è un dipinto (208x298 cm) realizzato tra il 1629 ed il 1630 dal pittore Peter Paul Rubens.È conservato nella National Gallery di Londra.Rubens dipinse il quadro a Londra durante per una missione diplomatica di pace per la Spagna con l'Inghilterra e lo donò a re Carlo I.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Come viene discussa la abstract in Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte?

Minerva protegge la Pace da Marte (Pace e Guerra) è un dipinto (208x298 cm) realizzato tra il 1629 ed il 1630 dal pittore Peter Paul Rubens.È conservato nella National Gallery di Londra.Rubens dipinse il quadro a Londra durante per una missione diplomatica di pace per la Spagna con l'Inghilterra e lo donò a re Carlo I.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Concentrati su Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte ed esplora la Descrizione.

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte.

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Come chiarisce Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte la sua Descrizione?

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Minerva_protegge_la_Pace_da_Marte?

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra


Vagliatore

Prompt: Concentrati su Vagliatore ed esplora la abstract.

Il vagliatore è un dipinto (101 x 71 cm) realizzato nel 1848 dal pittore Jean-François Millet. È conservato nella National Gallery di Londra.Il dipinto raffigura un contadino, ripreso mentre sta separando (appunto, vagliando) il grano dalla pula.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti di Jean-François Millet


Vagliatore

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Vagliatore.

Il vagliatore è un dipinto (101 x 71 cm) realizzato nel 1848 dal pittore Jean-François Millet. È conservato nella National Gallery di Londra.Il dipinto raffigura un contadino, ripreso mentre sta separando (appunto, vagliando) il grano dalla pula.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti di Jean-François Millet


Vagliatore

Prompt: Come chiarisce Vagliatore la sua abstract?

Il vagliatore è un dipinto (101 x 71 cm) realizzato nel 1848 dal pittore Jean-François Millet. È conservato nella National Gallery di Londra.Il dipinto raffigura un contadino, ripreso mentre sta separando (appunto, vagliando) il grano dalla pula.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti di Jean-François Millet


Vagliatore

Prompt: Come viene discussa la abstract in Vagliatore?

Il vagliatore è un dipinto (101 x 71 cm) realizzato nel 1848 dal pittore Jean-François Millet. È conservato nella National Gallery di Londra.Il dipinto raffigura un contadino, ripreso mentre sta separando (appunto, vagliando) il grano dalla pula.

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

Categoria:Dipinti di Jean-François Millet


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Concentrati su Visione_di_san_Girolamo ed esplora la abstract.

La Visione di san Girolamo è un dipinto a olio su tavola (343x149 cm) del Parmigianino, databile al 1526-1527 e conservato nella National Gallery a Londra.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Visione_di_san_Girolamo.

La Visione di san Girolamo è un dipinto a olio su tavola (343x149 cm) del Parmigianino, databile al 1526-1527 e conservato nella National Gallery a Londra.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come chiarisce Visione_di_san_Girolamo la sua abstract?

La Visione di san Girolamo è un dipinto a olio su tavola (343x149 cm) del Parmigianino, databile al 1526-1527 e conservato nella National Gallery a Londra.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come viene discussa la abstract in Visione_di_san_Girolamo?

La Visione di san Girolamo è un dipinto a olio su tavola (343x149 cm) del Parmigianino, databile al 1526-1527 e conservato nella National Gallery a Londra.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Concentrati su Visione_di_san_Girolamo ed esplora la Storia.

L'opera venne commissionata a Roma, il 3 gennaio 1526, da Maria Bufalini, moglie di Antonio Caccialupi, per decorare la propria cappella in San Salvatore in Lauro. Il contratto menzionava assieme "Francesco de Mazola de Parma" e un "Pietro" con lo stesso nome, identificabile con suo zio Pier Ilario Mazzola. La forma insolitamente alta e stretta della tavola è dovuta al fatto che dovesse essere al centro di un trittico, le cui ali, mai realizzate, dovevano rappresentare l'Immacolata concezione, a cui era dedicata la cappella, e i Santi Gioacchino e Anna. Non è chiaro quali parti dovesse dipingere il Parmigianino e quali lo zio.La tavola è citata dal Vasari come quella cui il pittore stava lavorando al momento del Sacco di Roma nel maggio del 1527, con i lavori bruscamente interrotti dall'arrivo dei Lanzichenecchi. Vasari descrive come Parmigianino si attardò a fuggire e, sorpreso da soldati tedeschi mentre lavorava, venne da questi risparmiato per la bellezza dell'opera che creava. Pagata poi una taglia con acquerelli e disegni, si vide poi minacciato da altre truppe, fuggendo subito, mentre Pier Ilario si trattenne in città qualche giorno per nascondere il dipinto nel refettorio di Santa Maria della Pace.Parmigianino non tornò più nella Città eterna, per cui l'opera rimase compiuta nel solo pannello centrale. Nel 1558 i Bufalini decisero di trasferirla nella loro cappella in Sant'Agostino a Città di Castello e da lì l'acquistò nel 1790 il pittore inglese James Durno. Trasferita in Inghilterra fu rivenduta al marchese di Albercorn per 1.500 ghinee. Passò poi ai signori Dawis e Taylor e poi al reverendo Holwell Carr, che nel 1826 la cedette al museo londinese.Se ne conoscono vari studi preparatori, al Museo Condé (132 recto e verso), al British Museum (1882-8-12-448 recto e verso) e altri fogli minori in altre collezioni (in tutto una ventina), che testimoniano la lunga ricerca di una soluzione compositiva soddisfacente. Un disegno alla Galleria Nazionale di Parma, pur essendo un semplice schizzo, è quello che più si avvicina alla versione definitiva, che tuttavia ribalta la composizione, progettata in senso orizzontale anziché verticale.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Visione_di_san_Girolamo.

L'opera venne commissionata a Roma, il 3 gennaio 1526, da Maria Bufalini, moglie di Antonio Caccialupi, per decorare la propria cappella in San Salvatore in Lauro. Il contratto menzionava assieme "Francesco de Mazola de Parma" e un "Pietro" con lo stesso nome, identificabile con suo zio Pier Ilario Mazzola. La forma insolitamente alta e stretta della tavola è dovuta al fatto che dovesse essere al centro di un trittico, le cui ali, mai realizzate, dovevano rappresentare l'Immacolata concezione, a cui era dedicata la cappella, e i Santi Gioacchino e Anna. Non è chiaro quali parti dovesse dipingere il Parmigianino e quali lo zio.La tavola è citata dal Vasari come quella cui il pittore stava lavorando al momento del Sacco di Roma nel maggio del 1527, con i lavori bruscamente interrotti dall'arrivo dei Lanzichenecchi. Vasari descrive come Parmigianino si attardò a fuggire e, sorpreso da soldati tedeschi mentre lavorava, venne da questi risparmiato per la bellezza dell'opera che creava. Pagata poi una taglia con acquerelli e disegni, si vide poi minacciato da altre truppe, fuggendo subito, mentre Pier Ilario si trattenne in città qualche giorno per nascondere il dipinto nel refettorio di Santa Maria della Pace.Parmigianino non tornò più nella Città eterna, per cui l'opera rimase compiuta nel solo pannello centrale. Nel 1558 i Bufalini decisero di trasferirla nella loro cappella in Sant'Agostino a Città di Castello e da lì l'acquistò nel 1790 il pittore inglese James Durno. Trasferita in Inghilterra fu rivenduta al marchese di Albercorn per 1.500 ghinee. Passò poi ai signori Dawis e Taylor e poi al reverendo Holwell Carr, che nel 1826 la cedette al museo londinese.Se ne conoscono vari studi preparatori, al Museo Condé (132 recto e verso), al British Museum (1882-8-12-448 recto e verso) e altri fogli minori in altre collezioni (in tutto una ventina), che testimoniano la lunga ricerca di una soluzione compositiva soddisfacente. Un disegno alla Galleria Nazionale di Parma, pur essendo un semplice schizzo, è quello che più si avvicina alla versione definitiva, che tuttavia ribalta la composizione, progettata in senso orizzontale anziché verticale.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come chiarisce Visione_di_san_Girolamo la sua Storia?

L'opera venne commissionata a Roma, il 3 gennaio 1526, da Maria Bufalini, moglie di Antonio Caccialupi, per decorare la propria cappella in San Salvatore in Lauro. Il contratto menzionava assieme "Francesco de Mazola de Parma" e un "Pietro" con lo stesso nome, identificabile con suo zio Pier Ilario Mazzola. La forma insolitamente alta e stretta della tavola è dovuta al fatto che dovesse essere al centro di un trittico, le cui ali, mai realizzate, dovevano rappresentare l'Immacolata concezione, a cui era dedicata la cappella, e i Santi Gioacchino e Anna. Non è chiaro quali parti dovesse dipingere il Parmigianino e quali lo zio.La tavola è citata dal Vasari come quella cui il pittore stava lavorando al momento del Sacco di Roma nel maggio del 1527, con i lavori bruscamente interrotti dall'arrivo dei Lanzichenecchi. Vasari descrive come Parmigianino si attardò a fuggire e, sorpreso da soldati tedeschi mentre lavorava, venne da questi risparmiato per la bellezza dell'opera che creava. Pagata poi una taglia con acquerelli e disegni, si vide poi minacciato da altre truppe, fuggendo subito, mentre Pier Ilario si trattenne in città qualche giorno per nascondere il dipinto nel refettorio di Santa Maria della Pace.Parmigianino non tornò più nella Città eterna, per cui l'opera rimase compiuta nel solo pannello centrale. Nel 1558 i Bufalini decisero di trasferirla nella loro cappella in Sant'Agostino a Città di Castello e da lì l'acquistò nel 1790 il pittore inglese James Durno. Trasferita in Inghilterra fu rivenduta al marchese di Albercorn per 1.500 ghinee. Passò poi ai signori Dawis e Taylor e poi al reverendo Holwell Carr, che nel 1826 la cedette al museo londinese.Se ne conoscono vari studi preparatori, al Museo Condé (132 recto e verso), al British Museum (1882-8-12-448 recto e verso) e altri fogli minori in altre collezioni (in tutto una ventina), che testimoniano la lunga ricerca di una soluzione compositiva soddisfacente. Un disegno alla Galleria Nazionale di Parma, pur essendo un semplice schizzo, è quello che più si avvicina alla versione definitiva, che tuttavia ribalta la composizione, progettata in senso orizzontale anziché verticale.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come viene discussa la Storia in Visione_di_san_Girolamo?

L'opera venne commissionata a Roma, il 3 gennaio 1526, da Maria Bufalini, moglie di Antonio Caccialupi, per decorare la propria cappella in San Salvatore in Lauro. Il contratto menzionava assieme "Francesco de Mazola de Parma" e un "Pietro" con lo stesso nome, identificabile con suo zio Pier Ilario Mazzola. La forma insolitamente alta e stretta della tavola è dovuta al fatto che dovesse essere al centro di un trittico, le cui ali, mai realizzate, dovevano rappresentare l'Immacolata concezione, a cui era dedicata la cappella, e i Santi Gioacchino e Anna. Non è chiaro quali parti dovesse dipingere il Parmigianino e quali lo zio.La tavola è citata dal Vasari come quella cui il pittore stava lavorando al momento del Sacco di Roma nel maggio del 1527, con i lavori bruscamente interrotti dall'arrivo dei Lanzichenecchi. Vasari descrive come Parmigianino si attardò a fuggire e, sorpreso da soldati tedeschi mentre lavorava, venne da questi risparmiato per la bellezza dell'opera che creava. Pagata poi una taglia con acquerelli e disegni, si vide poi minacciato da altre truppe, fuggendo subito, mentre Pier Ilario si trattenne in città qualche giorno per nascondere il dipinto nel refettorio di Santa Maria della Pace.Parmigianino non tornò più nella Città eterna, per cui l'opera rimase compiuta nel solo pannello centrale. Nel 1558 i Bufalini decisero di trasferirla nella loro cappella in Sant'Agostino a Città di Castello e da lì l'acquistò nel 1790 il pittore inglese James Durno. Trasferita in Inghilterra fu rivenduta al marchese di Albercorn per 1.500 ghinee. Passò poi ai signori Dawis e Taylor e poi al reverendo Holwell Carr, che nel 1826 la cedette al museo londinese.Se ne conoscono vari studi preparatori, al Museo Condé (132 recto e verso), al British Museum (1882-8-12-448 recto e verso) e altri fogli minori in altre collezioni (in tutto una ventina), che testimoniano la lunga ricerca di una soluzione compositiva soddisfacente. Un disegno alla Galleria Nazionale di Parma, pur essendo un semplice schizzo, è quello che più si avvicina alla versione definitiva, che tuttavia ribalta la composizione, progettata in senso orizzontale anziché verticale.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Concentrati su Visione_di_san_Girolamo ed esplora la Descrizione e stile.

Vasari descrisse così l'opera: "una Nostra Donna in aria che legge et ha un Fanciullo fra le gambe, et in terra con straordinaria e bella attitudine ginocchioni con un piè, fece un san Giovanni che torcendo il torso accenna Cristo fanciullo, et in terra a giacere in scorto è un san Girolamo in penitenza che dorme".In effetti il dipinto si divide in due registri sovrapposti, uno terreno dove san Girolamo addormentato vicino al crocifisso (suo è l'inconfondibile cappello cardinalizio abbandonato a terra vicino a un teschio) ha la visione in sogno di san Giovanni (si riconosce per l'abbigliamento, la lunga croce e il bacile per i battesimi legato alla cintura), in primo piano che, nel gesto suo più tipico di Precursore, indica il Bambino, rappresentato nella metà superiore, quella celeste, mentre scivola dalle gambe della madre, uno sfolgorante Madonna seduta su un raggio di luna e nubi, illuminata da una sfolgorante emissione di luce divina alle sue spalle, ispirata alle visioni del Correggio. La composizione si assesta così su piani verticali in sequenza, in rapida successione, senza interesse a definire uno spazio geometricamente misurabile, ma che al contrario appare spregiudicatamente innaturale e vertiginoso.La Madonna mostra un'influenza raffaellesca nella posa e nello sciolto rapporto col figlio (Madonna di Foligno, che all'epoca era visibile a Roma), così come nella tavolozza cromatica, arricchita di toni intensi e cangianti. La figura del Battista, che in primo piano guarda verso lo spettatore e compie un'elegante torsione per indicare l'epifania divina dietro di sé, fa venire altresì alla mente le figure solenni di Michelangelo, dalla muscolatura accentuata e complessamente atteggiate. La stessa posa del Bambino, che scivola via da Maria citò la Madonna di Bruges del Buonarroti, opera che pochi avevano veduto di persona, conosciuta forse attraverso disegni o attraverso le citazioni di Raffaello, come nella Madonna del Cardellino. Il braccio sollevato di Girolamo dormiente riprende invece opere del Correggio, come la Venere e Amore spiati da un satiro o il san Rocco nella Madonna di San Sebastiano.Numerosi dettagli sono veri gioielli di virtuosismo, dalla croce di canne del Battista, mai così realistica prima di allora, alla pelle maculata che lo copre, dal sottobosco nei pressi del san Girolamo addormentato, ai riflessi cangianti nella setosa veste del petto di Maria, di scultorea memoria, visti forse su antiche statue di ispirazione ellenistica. Straordinario è poi il Bambino nudo al centro, più adulto della tradizione e leziosamente atteggiato mentre sgambettando fa per scendere dal grembo materno per proiettarsi verso lo spettatore, al quale rivolge lo sguardo, con una mano che tiene un libretto aperto sul ginocchio di Maria e l'altra che tocca i capelli appoggiata al gomito, vicino a dove Maria gli porge con nonchalance la palma del martirio, chiusa in un pensiero malinconico. Si tratta di ricercate e quasi innaturali posizioni di aristocratica eleganza.Molto originale è l'effetto di verticalità, che dal Battista, tramite il suo gesto, si trasmette fino al volto della Vergine. Ad esso si contrappongono varie sfondature spaziali in profondo, tramite l'uso di scorci arditi, come il corpo di Girolamo o lo stesso Bambino. Sicuramente Parmigianino voleva stupire l'ambiente romano con un'opera sfacciatamente innovativa, che rielaborava spunti dei più grandi maestri allora attivi in città.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Visione_di_san_Girolamo.

Vasari descrisse così l'opera: "una Nostra Donna in aria che legge et ha un Fanciullo fra le gambe, et in terra con straordinaria e bella attitudine ginocchioni con un piè, fece un san Giovanni che torcendo il torso accenna Cristo fanciullo, et in terra a giacere in scorto è un san Girolamo in penitenza che dorme".In effetti il dipinto si divide in due registri sovrapposti, uno terreno dove san Girolamo addormentato vicino al crocifisso (suo è l'inconfondibile cappello cardinalizio abbandonato a terra vicino a un teschio) ha la visione in sogno di san Giovanni (si riconosce per l'abbigliamento, la lunga croce e il bacile per i battesimi legato alla cintura), in primo piano che, nel gesto suo più tipico di Precursore, indica il Bambino, rappresentato nella metà superiore, quella celeste, mentre scivola dalle gambe della madre, uno sfolgorante Madonna seduta su un raggio di luna e nubi, illuminata da una sfolgorante emissione di luce divina alle sue spalle, ispirata alle visioni del Correggio. La composizione si assesta così su piani verticali in sequenza, in rapida successione, senza interesse a definire uno spazio geometricamente misurabile, ma che al contrario appare spregiudicatamente innaturale e vertiginoso.La Madonna mostra un'influenza raffaellesca nella posa e nello sciolto rapporto col figlio (Madonna di Foligno, che all'epoca era visibile a Roma), così come nella tavolozza cromatica, arricchita di toni intensi e cangianti. La figura del Battista, che in primo piano guarda verso lo spettatore e compie un'elegante torsione per indicare l'epifania divina dietro di sé, fa venire altresì alla mente le figure solenni di Michelangelo, dalla muscolatura accentuata e complessamente atteggiate. La stessa posa del Bambino, che scivola via da Maria citò la Madonna di Bruges del Buonarroti, opera che pochi avevano veduto di persona, conosciuta forse attraverso disegni o attraverso le citazioni di Raffaello, come nella Madonna del Cardellino. Il braccio sollevato di Girolamo dormiente riprende invece opere del Correggio, come la Venere e Amore spiati da un satiro o il san Rocco nella Madonna di San Sebastiano.Numerosi dettagli sono veri gioielli di virtuosismo, dalla croce di canne del Battista, mai così realistica prima di allora, alla pelle maculata che lo copre, dal sottobosco nei pressi del san Girolamo addormentato, ai riflessi cangianti nella setosa veste del petto di Maria, di scultorea memoria, visti forse su antiche statue di ispirazione ellenistica. Straordinario è poi il Bambino nudo al centro, più adulto della tradizione e leziosamente atteggiato mentre sgambettando fa per scendere dal grembo materno per proiettarsi verso lo spettatore, al quale rivolge lo sguardo, con una mano che tiene un libretto aperto sul ginocchio di Maria e l'altra che tocca i capelli appoggiata al gomito, vicino a dove Maria gli porge con nonchalance la palma del martirio, chiusa in un pensiero malinconico. Si tratta di ricercate e quasi innaturali posizioni di aristocratica eleganza.Molto originale è l'effetto di verticalità, che dal Battista, tramite il suo gesto, si trasmette fino al volto della Vergine. Ad esso si contrappongono varie sfondature spaziali in profondo, tramite l'uso di scorci arditi, come il corpo di Girolamo o lo stesso Bambino. Sicuramente Parmigianino voleva stupire l'ambiente romano con un'opera sfacciatamente innovativa, che rielaborava spunti dei più grandi maestri allora attivi in città.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come chiarisce Visione_di_san_Girolamo la sua Descrizione e stile?

Vasari descrisse così l'opera: "una Nostra Donna in aria che legge et ha un Fanciullo fra le gambe, et in terra con straordinaria e bella attitudine ginocchioni con un piè, fece un san Giovanni che torcendo il torso accenna Cristo fanciullo, et in terra a giacere in scorto è un san Girolamo in penitenza che dorme".In effetti il dipinto si divide in due registri sovrapposti, uno terreno dove san Girolamo addormentato vicino al crocifisso (suo è l'inconfondibile cappello cardinalizio abbandonato a terra vicino a un teschio) ha la visione in sogno di san Giovanni (si riconosce per l'abbigliamento, la lunga croce e il bacile per i battesimi legato alla cintura), in primo piano che, nel gesto suo più tipico di Precursore, indica il Bambino, rappresentato nella metà superiore, quella celeste, mentre scivola dalle gambe della madre, uno sfolgorante Madonna seduta su un raggio di luna e nubi, illuminata da una sfolgorante emissione di luce divina alle sue spalle, ispirata alle visioni del Correggio. La composizione si assesta così su piani verticali in sequenza, in rapida successione, senza interesse a definire uno spazio geometricamente misurabile, ma che al contrario appare spregiudicatamente innaturale e vertiginoso.La Madonna mostra un'influenza raffaellesca nella posa e nello sciolto rapporto col figlio (Madonna di Foligno, che all'epoca era visibile a Roma), così come nella tavolozza cromatica, arricchita di toni intensi e cangianti. La figura del Battista, che in primo piano guarda verso lo spettatore e compie un'elegante torsione per indicare l'epifania divina dietro di sé, fa venire altresì alla mente le figure solenni di Michelangelo, dalla muscolatura accentuata e complessamente atteggiate. La stessa posa del Bambino, che scivola via da Maria citò la Madonna di Bruges del Buonarroti, opera che pochi avevano veduto di persona, conosciuta forse attraverso disegni o attraverso le citazioni di Raffaello, come nella Madonna del Cardellino. Il braccio sollevato di Girolamo dormiente riprende invece opere del Correggio, come la Venere e Amore spiati da un satiro o il san Rocco nella Madonna di San Sebastiano.Numerosi dettagli sono veri gioielli di virtuosismo, dalla croce di canne del Battista, mai così realistica prima di allora, alla pelle maculata che lo copre, dal sottobosco nei pressi del san Girolamo addormentato, ai riflessi cangianti nella setosa veste del petto di Maria, di scultorea memoria, visti forse su antiche statue di ispirazione ellenistica. Straordinario è poi il Bambino nudo al centro, più adulto della tradizione e leziosamente atteggiato mentre sgambettando fa per scendere dal grembo materno per proiettarsi verso lo spettatore, al quale rivolge lo sguardo, con una mano che tiene un libretto aperto sul ginocchio di Maria e l'altra che tocca i capelli appoggiata al gomito, vicino a dove Maria gli porge con nonchalance la palma del martirio, chiusa in un pensiero malinconico. Si tratta di ricercate e quasi innaturali posizioni di aristocratica eleganza.Molto originale è l'effetto di verticalità, che dal Battista, tramite il suo gesto, si trasmette fino al volto della Vergine. Ad esso si contrappongono varie sfondature spaziali in profondo, tramite l'uso di scorci arditi, come il corpo di Girolamo o lo stesso Bambino. Sicuramente Parmigianino voleva stupire l'ambiente romano con un'opera sfacciatamente innovativa, che rielaborava spunti dei più grandi maestri allora attivi in città.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Visione_di_san_Girolamo?

Vasari descrisse così l'opera: "una Nostra Donna in aria che legge et ha un Fanciullo fra le gambe, et in terra con straordinaria e bella attitudine ginocchioni con un piè, fece un san Giovanni che torcendo il torso accenna Cristo fanciullo, et in terra a giacere in scorto è un san Girolamo in penitenza che dorme".In effetti il dipinto si divide in due registri sovrapposti, uno terreno dove san Girolamo addormentato vicino al crocifisso (suo è l'inconfondibile cappello cardinalizio abbandonato a terra vicino a un teschio) ha la visione in sogno di san Giovanni (si riconosce per l'abbigliamento, la lunga croce e il bacile per i battesimi legato alla cintura), in primo piano che, nel gesto suo più tipico di Precursore, indica il Bambino, rappresentato nella metà superiore, quella celeste, mentre scivola dalle gambe della madre, uno sfolgorante Madonna seduta su un raggio di luna e nubi, illuminata da una sfolgorante emissione di luce divina alle sue spalle, ispirata alle visioni del Correggio. La composizione si assesta così su piani verticali in sequenza, in rapida successione, senza interesse a definire uno spazio geometricamente misurabile, ma che al contrario appare spregiudicatamente innaturale e vertiginoso.La Madonna mostra un'influenza raffaellesca nella posa e nello sciolto rapporto col figlio (Madonna di Foligno, che all'epoca era visibile a Roma), così come nella tavolozza cromatica, arricchita di toni intensi e cangianti. La figura del Battista, che in primo piano guarda verso lo spettatore e compie un'elegante torsione per indicare l'epifania divina dietro di sé, fa venire altresì alla mente le figure solenni di Michelangelo, dalla muscolatura accentuata e complessamente atteggiate. La stessa posa del Bambino, che scivola via da Maria citò la Madonna di Bruges del Buonarroti, opera che pochi avevano veduto di persona, conosciuta forse attraverso disegni o attraverso le citazioni di Raffaello, come nella Madonna del Cardellino. Il braccio sollevato di Girolamo dormiente riprende invece opere del Correggio, come la Venere e Amore spiati da un satiro o il san Rocco nella Madonna di San Sebastiano.Numerosi dettagli sono veri gioielli di virtuosismo, dalla croce di canne del Battista, mai così realistica prima di allora, alla pelle maculata che lo copre, dal sottobosco nei pressi del san Girolamo addormentato, ai riflessi cangianti nella setosa veste del petto di Maria, di scultorea memoria, visti forse su antiche statue di ispirazione ellenistica. Straordinario è poi il Bambino nudo al centro, più adulto della tradizione e leziosamente atteggiato mentre sgambettando fa per scendere dal grembo materno per proiettarsi verso lo spettatore, al quale rivolge lo sguardo, con una mano che tiene un libretto aperto sul ginocchio di Maria e l'altra che tocca i capelli appoggiata al gomito, vicino a dove Maria gli porge con nonchalance la palma del martirio, chiusa in un pensiero malinconico. Si tratta di ricercate e quasi innaturali posizioni di aristocratica eleganza.Molto originale è l'effetto di verticalità, che dal Battista, tramite il suo gesto, si trasmette fino al volto della Vergine. Ad esso si contrappongono varie sfondature spaziali in profondo, tramite l'uso di scorci arditi, come il corpo di Girolamo o lo stesso Bambino. Sicuramente Parmigianino voleva stupire l'ambiente romano con un'opera sfacciatamente innovativa, che rielaborava spunti dei più grandi maestri allora attivi in città.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Concentrati su Visione_di_san_Girolamo ed esplora la Copie.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Esplora la Copie di questa opera d'arte, Visione_di_san_Girolamo.

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come chiarisce Visione_di_san_Girolamo la sua Copie?

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Visione_di_san_Girolamo

Prompt: Come viene discussa la Copie in Visione_di_san_Girolamo?

chiesa di Sant'Agostino (Città di Castello)

File:Parmigianino, visione di san girolamo 03.jpg

Categoria:Dipinti nella National Gallery di Londra

File:Parmigianino, visione di san girolamo 04.jpg

File:Parmigianino, visione di san girolamo 02.jpg

Categoria:Dipinti su san Giovanni Battista


Alla_toletta

Prompt: Concentrati su Alla_toletta ed esplora la abstract.

Alla toletta o Al tavolo da toletta (in russo За туалетом. Автопортрет?, Za tualetom. Avtoportret) è un dipinto della pittrice russa Zinaida Evgen'evna Serebrjakova, realizzato nel 1909. Fa parte delle collezioni della galleria Tret'jakov di Mosca.Questo quadro fu realizzato alla fine dell'anno 1909, quando la pittrice viveva nel villaggio di Neskučne (nell'odierno oblast' di Charkiv, in Ucraina). Secondo l'artista, l'inverno era arrivato in anticipo quell'anno e tutto intorno era ricoperto di neve, ma in casa sua faceva caldo ed era accogliente, e lei si divertiva a dipingere davanti allo specchio dopo aver raccolto i suoi ninnoli sul suo tavolo.Su insistenza del pittore Eugène Lanceray (o Evgenij Evgen'evič Lanceray), il fratello di Zinaida, l'autoritratto venne spedito a San Pietroburgo, dove venne esposto alla settima mostra dell'unione dei pittori russi, che si era installata nella città all'inizio del 1910, dopo essere stata fondata a Mosca. Il quadro venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Aleksandrovič Serov, in particolare, espresse la sensazione che l'autoritratto allo specchio fosse un'opera molto fresca e molto dolce. Quanto al critico Aleksandr Nikolaevič Benois, egli scrisse che Serebrjakova aveva offerto al pubblico russo un regalo tanto meraviglioso con il suo sorriso su tutto il volto che non la si poteva che ringraziare. Il quadro venne acquistato direttamente alla mostra per la galleria Tret'jakov.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Alla_toletta.

Alla toletta o Al tavolo da toletta (in russo За туалетом. Автопортрет?, Za tualetom. Avtoportret) è un dipinto della pittrice russa Zinaida Evgen'evna Serebrjakova, realizzato nel 1909. Fa parte delle collezioni della galleria Tret'jakov di Mosca.Questo quadro fu realizzato alla fine dell'anno 1909, quando la pittrice viveva nel villaggio di Neskučne (nell'odierno oblast' di Charkiv, in Ucraina). Secondo l'artista, l'inverno era arrivato in anticipo quell'anno e tutto intorno era ricoperto di neve, ma in casa sua faceva caldo ed era accogliente, e lei si divertiva a dipingere davanti allo specchio dopo aver raccolto i suoi ninnoli sul suo tavolo.Su insistenza del pittore Eugène Lanceray (o Evgenij Evgen'evič Lanceray), il fratello di Zinaida, l'autoritratto venne spedito a San Pietroburgo, dove venne esposto alla settima mostra dell'unione dei pittori russi, che si era installata nella città all'inizio del 1910, dopo essere stata fondata a Mosca. Il quadro venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Aleksandrovič Serov, in particolare, espresse la sensazione che l'autoritratto allo specchio fosse un'opera molto fresca e molto dolce. Quanto al critico Aleksandr Nikolaevič Benois, egli scrisse che Serebrjakova aveva offerto al pubblico russo un regalo tanto meraviglioso con il suo sorriso su tutto il volto che non la si poteva che ringraziare. Il quadro venne acquistato direttamente alla mostra per la galleria Tret'jakov.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come chiarisce Alla_toletta la sua abstract?

Alla toletta o Al tavolo da toletta (in russo За туалетом. Автопортрет?, Za tualetom. Avtoportret) è un dipinto della pittrice russa Zinaida Evgen'evna Serebrjakova, realizzato nel 1909. Fa parte delle collezioni della galleria Tret'jakov di Mosca.Questo quadro fu realizzato alla fine dell'anno 1909, quando la pittrice viveva nel villaggio di Neskučne (nell'odierno oblast' di Charkiv, in Ucraina). Secondo l'artista, l'inverno era arrivato in anticipo quell'anno e tutto intorno era ricoperto di neve, ma in casa sua faceva caldo ed era accogliente, e lei si divertiva a dipingere davanti allo specchio dopo aver raccolto i suoi ninnoli sul suo tavolo.Su insistenza del pittore Eugène Lanceray (o Evgenij Evgen'evič Lanceray), il fratello di Zinaida, l'autoritratto venne spedito a San Pietroburgo, dove venne esposto alla settima mostra dell'unione dei pittori russi, che si era installata nella città all'inizio del 1910, dopo essere stata fondata a Mosca. Il quadro venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Aleksandrovič Serov, in particolare, espresse la sensazione che l'autoritratto allo specchio fosse un'opera molto fresca e molto dolce. Quanto al critico Aleksandr Nikolaevič Benois, egli scrisse che Serebrjakova aveva offerto al pubblico russo un regalo tanto meraviglioso con il suo sorriso su tutto il volto che non la si poteva che ringraziare. Il quadro venne acquistato direttamente alla mostra per la galleria Tret'jakov.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come viene discussa la abstract in Alla_toletta?

Alla toletta o Al tavolo da toletta (in russo За туалетом. Автопортрет?, Za tualetom. Avtoportret) è un dipinto della pittrice russa Zinaida Evgen'evna Serebrjakova, realizzato nel 1909. Fa parte delle collezioni della galleria Tret'jakov di Mosca.Questo quadro fu realizzato alla fine dell'anno 1909, quando la pittrice viveva nel villaggio di Neskučne (nell'odierno oblast' di Charkiv, in Ucraina). Secondo l'artista, l'inverno era arrivato in anticipo quell'anno e tutto intorno era ricoperto di neve, ma in casa sua faceva caldo ed era accogliente, e lei si divertiva a dipingere davanti allo specchio dopo aver raccolto i suoi ninnoli sul suo tavolo.Su insistenza del pittore Eugène Lanceray (o Evgenij Evgen'evič Lanceray), il fratello di Zinaida, l'autoritratto venne spedito a San Pietroburgo, dove venne esposto alla settima mostra dell'unione dei pittori russi, che si era installata nella città all'inizio del 1910, dopo essere stata fondata a Mosca. Il quadro venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Aleksandrovič Serov, in particolare, espresse la sensazione che l'autoritratto allo specchio fosse un'opera molto fresca e molto dolce. Quanto al critico Aleksandr Nikolaevič Benois, egli scrisse che Serebrjakova aveva offerto al pubblico russo un regalo tanto meraviglioso con il suo sorriso su tutto il volto che non la si poteva che ringraziare. Il quadro venne acquistato direttamente alla mostra per la galleria Tret'jakov.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Concentrati su Alla_toletta ed esplora la Storia.

Nel settembre del 1905, Zinaida Lanceray sposò il cugino di primo grado Boris Serebrjakov, che era ancora nel suo percorso di studi e che sarebbe diventato un ingegnere ferroviario. Nel novembre dello stesso anno, ella si recò a Parigi, dove studiò all'accademia della Grande Chaumière. Dopo il suo ritorno in Russia nella primavera del 1906, ella visse alcuni anni nella proprietà di famiglia di Neskučne, nel villaggio omonimo, che si trovava ai confini dei governatorati di Kursk e Char'kov dell'impero russo (oggi nel territorio dell'oblast' di Charkiv in Ucraina). Il 26 maggio 1906, nacque il suo primo figlio Evgenij (Ženija), e l'anno successivo nacque il suo secondo figlio Aleksandr (Šura). Tra il 1906 e il 1908 ella lavorò soprattutto su dei paesaggi, dei ritratti di contadini e altri aspetti della vita dei villaggi. Tra le opere di questo periodo si trovano vari ritratti e autoritratti. La maggior parte si data alla seconda metà degli anni 1900-1910 e sono dei dipinti a olio.In una lettera al critico d'arte Aleksej Nikolaevič Savinov del 20 giugno 1966, Zinaida Serebrjakova racconta come avesse passato l'estate del 1909 a Neskučne e come in autunno avesse deciso di restare nella regione, ma non nella proprietà di famiglia, bensì in un chutor vicino al villaggio, in una piccola fattoria che apparteneva a suo marito, che allora era in un viaggio d'affari. Secondo Serebrjakova, "la fattoria è piccola ma è più facile da riscaldare in inverno, rispetto alla grande proprietà di Neskučne". Ella ricordava: "L'inverno, quell'anno, arrivò molto presto; tutto era coperto di neve, il giardino, i campi. Dappertutto c'erano dei cumuli di neve e non si poteva uscire. Ma quella piccola fattoria era calda e confortevole, e cominciai a dipingermi allo specchio e mi sono divertita a riprodurre tutti i miei soprammobili sul tavolo da toletta".In un'altra lettera, scritta più o meno nello stesso periodo e indirizzata al critico d'arte Vladimir Pavlovič Lapšin, Zinaida Serebrjakova descrisse in quali circostanze aveva realizzato il suo autoritratto allo specchio: All'inizio del mese di dicembre del 1909, quando il lavoro per l'autoritratto non era ancora terminato, Serebrjakova ricevette una lettera del suo fratello Eugène Lanceray, nella quale questi le proponeva di presentare qualche nuova opera alle mostre di San Pietroburgo. Zinaida decise di inviare il suo autoritratto al tavolo della toeletta assieme a qualche altra opera. Nel gennaio del 1910, ella inviò due dipinti precedenti, un Autoritratto (1905) e il Ritratto della mia tata (1908), che furono presentati alla mostra del ritratto femminile moderno organizzata dalla redazione della rivista Apollon.A metà febbraio del 1910, la settima mostra dell'unione dei pittori russi venne trasferita da Mosca a San Pietroburgo e Alla toletta venne presentato al pubblico per la prima volta. Evgenij Lanceray descrisse così questo autoritratto nella sua lettera a Konstantin Somov del 18 febbraio 1910 (nella quale egli chiama "Šura" Aleksandr Benois, che era lo zio della Serebrjakova):Alla toletta venne presentato con altre tredici opere di Serebrjakova e venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Serov scrisse così in una lettera a Il'ja Ostrouchov del 31 marzo 1910: "Ho visto l'autoritratto allo specchio della Serebrjakova... è una cosa molto dolce e molto fresca". L'autoritratto venne acquistato subito dopo la mostra dalla galleria Tret'jakov assieme a due altre opere dell'artista, Autunno verde e Giovane ragazza (Marija Žegulina).L'autoritratto venne esposto nuovamente in una serie di mostre, tra le quali quella intitolata "Una donna nella pittura russa" (in russo Женщина в русской живописи?, Ženščina v russkoj živopisi), organizzata nel 1925 alla galleria Tret'jakov, e ancora in delle mostre personali dell'artista nel 1965-1966, svoltesi a Mosca, a Kiev e a Leningrado. Nell'aprile del 2017, il quadro fece parte di una retrospettiva delle opere dell'artista presso il Corpo degli Ingegneri della galleria Tret'jakov.Uno studio per il quadro, datato al 1909, si trova nella collezione degli eredi Serebrjakov. Nella lista delle opere citate nella monografia realizzata dalla critica d'arte Valentina Knjazeva (1979), viene indicato che degli schizzi della pittura, realizzati all'acquerello e con la matita su carta, si trovano nella collezione di suo figlio Evgenij Serebrjakov a Leningrado e in quello della famiglia A. Sidorova a Mosca. Un'altra variante dell'Autoritratto alla toletta venne realizzata a olio su tela.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Alla_toletta.

Nel settembre del 1905, Zinaida Lanceray sposò il cugino di primo grado Boris Serebrjakov, che era ancora nel suo percorso di studi e che sarebbe diventato un ingegnere ferroviario. Nel novembre dello stesso anno, ella si recò a Parigi, dove studiò all'accademia della Grande Chaumière. Dopo il suo ritorno in Russia nella primavera del 1906, ella visse alcuni anni nella proprietà di famiglia di Neskučne, nel villaggio omonimo, che si trovava ai confini dei governatorati di Kursk e Char'kov dell'impero russo (oggi nel territorio dell'oblast' di Charkiv in Ucraina). Il 26 maggio 1906, nacque il suo primo figlio Evgenij (Ženija), e l'anno successivo nacque il suo secondo figlio Aleksandr (Šura). Tra il 1906 e il 1908 ella lavorò soprattutto su dei paesaggi, dei ritratti di contadini e altri aspetti della vita dei villaggi. Tra le opere di questo periodo si trovano vari ritratti e autoritratti. La maggior parte si data alla seconda metà degli anni 1900-1910 e sono dei dipinti a olio.In una lettera al critico d'arte Aleksej Nikolaevič Savinov del 20 giugno 1966, Zinaida Serebrjakova racconta come avesse passato l'estate del 1909 a Neskučne e come in autunno avesse deciso di restare nella regione, ma non nella proprietà di famiglia, bensì in un chutor vicino al villaggio, in una piccola fattoria che apparteneva a suo marito, che allora era in un viaggio d'affari. Secondo Serebrjakova, "la fattoria è piccola ma è più facile da riscaldare in inverno, rispetto alla grande proprietà di Neskučne". Ella ricordava: "L'inverno, quell'anno, arrivò molto presto; tutto era coperto di neve, il giardino, i campi. Dappertutto c'erano dei cumuli di neve e non si poteva uscire. Ma quella piccola fattoria era calda e confortevole, e cominciai a dipingermi allo specchio e mi sono divertita a riprodurre tutti i miei soprammobili sul tavolo da toletta".In un'altra lettera, scritta più o meno nello stesso periodo e indirizzata al critico d'arte Vladimir Pavlovič Lapšin, Zinaida Serebrjakova descrisse in quali circostanze aveva realizzato il suo autoritratto allo specchio: All'inizio del mese di dicembre del 1909, quando il lavoro per l'autoritratto non era ancora terminato, Serebrjakova ricevette una lettera del suo fratello Eugène Lanceray, nella quale questi le proponeva di presentare qualche nuova opera alle mostre di San Pietroburgo. Zinaida decise di inviare il suo autoritratto al tavolo della toeletta assieme a qualche altra opera. Nel gennaio del 1910, ella inviò due dipinti precedenti, un Autoritratto (1905) e il Ritratto della mia tata (1908), che furono presentati alla mostra del ritratto femminile moderno organizzata dalla redazione della rivista Apollon.A metà febbraio del 1910, la settima mostra dell'unione dei pittori russi venne trasferita da Mosca a San Pietroburgo e Alla toletta venne presentato al pubblico per la prima volta. Evgenij Lanceray descrisse così questo autoritratto nella sua lettera a Konstantin Somov del 18 febbraio 1910 (nella quale egli chiama "Šura" Aleksandr Benois, che era lo zio della Serebrjakova):Alla toletta venne presentato con altre tredici opere di Serebrjakova e venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Serov scrisse così in una lettera a Il'ja Ostrouchov del 31 marzo 1910: "Ho visto l'autoritratto allo specchio della Serebrjakova... è una cosa molto dolce e molto fresca". L'autoritratto venne acquistato subito dopo la mostra dalla galleria Tret'jakov assieme a due altre opere dell'artista, Autunno verde e Giovane ragazza (Marija Žegulina).L'autoritratto venne esposto nuovamente in una serie di mostre, tra le quali quella intitolata "Una donna nella pittura russa" (in russo Женщина в русской живописи?, Ženščina v russkoj živopisi), organizzata nel 1925 alla galleria Tret'jakov, e ancora in delle mostre personali dell'artista nel 1965-1966, svoltesi a Mosca, a Kiev e a Leningrado. Nell'aprile del 2017, il quadro fece parte di una retrospettiva delle opere dell'artista presso il Corpo degli Ingegneri della galleria Tret'jakov.Uno studio per il quadro, datato al 1909, si trova nella collezione degli eredi Serebrjakov. Nella lista delle opere citate nella monografia realizzata dalla critica d'arte Valentina Knjazeva (1979), viene indicato che degli schizzi della pittura, realizzati all'acquerello e con la matita su carta, si trovano nella collezione di suo figlio Evgenij Serebrjakov a Leningrado e in quello della famiglia A. Sidorova a Mosca. Un'altra variante dell'Autoritratto alla toletta venne realizzata a olio su tela.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come chiarisce Alla_toletta la sua Storia?

Nel settembre del 1905, Zinaida Lanceray sposò il cugino di primo grado Boris Serebrjakov, che era ancora nel suo percorso di studi e che sarebbe diventato un ingegnere ferroviario. Nel novembre dello stesso anno, ella si recò a Parigi, dove studiò all'accademia della Grande Chaumière. Dopo il suo ritorno in Russia nella primavera del 1906, ella visse alcuni anni nella proprietà di famiglia di Neskučne, nel villaggio omonimo, che si trovava ai confini dei governatorati di Kursk e Char'kov dell'impero russo (oggi nel territorio dell'oblast' di Charkiv in Ucraina). Il 26 maggio 1906, nacque il suo primo figlio Evgenij (Ženija), e l'anno successivo nacque il suo secondo figlio Aleksandr (Šura). Tra il 1906 e il 1908 ella lavorò soprattutto su dei paesaggi, dei ritratti di contadini e altri aspetti della vita dei villaggi. Tra le opere di questo periodo si trovano vari ritratti e autoritratti. La maggior parte si data alla seconda metà degli anni 1900-1910 e sono dei dipinti a olio.In una lettera al critico d'arte Aleksej Nikolaevič Savinov del 20 giugno 1966, Zinaida Serebrjakova racconta come avesse passato l'estate del 1909 a Neskučne e come in autunno avesse deciso di restare nella regione, ma non nella proprietà di famiglia, bensì in un chutor vicino al villaggio, in una piccola fattoria che apparteneva a suo marito, che allora era in un viaggio d'affari. Secondo Serebrjakova, "la fattoria è piccola ma è più facile da riscaldare in inverno, rispetto alla grande proprietà di Neskučne". Ella ricordava: "L'inverno, quell'anno, arrivò molto presto; tutto era coperto di neve, il giardino, i campi. Dappertutto c'erano dei cumuli di neve e non si poteva uscire. Ma quella piccola fattoria era calda e confortevole, e cominciai a dipingermi allo specchio e mi sono divertita a riprodurre tutti i miei soprammobili sul tavolo da toletta".In un'altra lettera, scritta più o meno nello stesso periodo e indirizzata al critico d'arte Vladimir Pavlovič Lapšin, Zinaida Serebrjakova descrisse in quali circostanze aveva realizzato il suo autoritratto allo specchio: All'inizio del mese di dicembre del 1909, quando il lavoro per l'autoritratto non era ancora terminato, Serebrjakova ricevette una lettera del suo fratello Eugène Lanceray, nella quale questi le proponeva di presentare qualche nuova opera alle mostre di San Pietroburgo. Zinaida decise di inviare il suo autoritratto al tavolo della toeletta assieme a qualche altra opera. Nel gennaio del 1910, ella inviò due dipinti precedenti, un Autoritratto (1905) e il Ritratto della mia tata (1908), che furono presentati alla mostra del ritratto femminile moderno organizzata dalla redazione della rivista Apollon.A metà febbraio del 1910, la settima mostra dell'unione dei pittori russi venne trasferita da Mosca a San Pietroburgo e Alla toletta venne presentato al pubblico per la prima volta. Evgenij Lanceray descrisse così questo autoritratto nella sua lettera a Konstantin Somov del 18 febbraio 1910 (nella quale egli chiama "Šura" Aleksandr Benois, che era lo zio della Serebrjakova):Alla toletta venne presentato con altre tredici opere di Serebrjakova e venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Serov scrisse così in una lettera a Il'ja Ostrouchov del 31 marzo 1910: "Ho visto l'autoritratto allo specchio della Serebrjakova... è una cosa molto dolce e molto fresca". L'autoritratto venne acquistato subito dopo la mostra dalla galleria Tret'jakov assieme a due altre opere dell'artista, Autunno verde e Giovane ragazza (Marija Žegulina).L'autoritratto venne esposto nuovamente in una serie di mostre, tra le quali quella intitolata "Una donna nella pittura russa" (in russo Женщина в русской живописи?, Ženščina v russkoj živopisi), organizzata nel 1925 alla galleria Tret'jakov, e ancora in delle mostre personali dell'artista nel 1965-1966, svoltesi a Mosca, a Kiev e a Leningrado. Nell'aprile del 2017, il quadro fece parte di una retrospettiva delle opere dell'artista presso il Corpo degli Ingegneri della galleria Tret'jakov.Uno studio per il quadro, datato al 1909, si trova nella collezione degli eredi Serebrjakov. Nella lista delle opere citate nella monografia realizzata dalla critica d'arte Valentina Knjazeva (1979), viene indicato che degli schizzi della pittura, realizzati all'acquerello e con la matita su carta, si trovano nella collezione di suo figlio Evgenij Serebrjakov a Leningrado e in quello della famiglia A. Sidorova a Mosca. Un'altra variante dell'Autoritratto alla toletta venne realizzata a olio su tela.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come viene discussa la Storia in Alla_toletta?

Nel settembre del 1905, Zinaida Lanceray sposò il cugino di primo grado Boris Serebrjakov, che era ancora nel suo percorso di studi e che sarebbe diventato un ingegnere ferroviario. Nel novembre dello stesso anno, ella si recò a Parigi, dove studiò all'accademia della Grande Chaumière. Dopo il suo ritorno in Russia nella primavera del 1906, ella visse alcuni anni nella proprietà di famiglia di Neskučne, nel villaggio omonimo, che si trovava ai confini dei governatorati di Kursk e Char'kov dell'impero russo (oggi nel territorio dell'oblast' di Charkiv in Ucraina). Il 26 maggio 1906, nacque il suo primo figlio Evgenij (Ženija), e l'anno successivo nacque il suo secondo figlio Aleksandr (Šura). Tra il 1906 e il 1908 ella lavorò soprattutto su dei paesaggi, dei ritratti di contadini e altri aspetti della vita dei villaggi. Tra le opere di questo periodo si trovano vari ritratti e autoritratti. La maggior parte si data alla seconda metà degli anni 1900-1910 e sono dei dipinti a olio.In una lettera al critico d'arte Aleksej Nikolaevič Savinov del 20 giugno 1966, Zinaida Serebrjakova racconta come avesse passato l'estate del 1909 a Neskučne e come in autunno avesse deciso di restare nella regione, ma non nella proprietà di famiglia, bensì in un chutor vicino al villaggio, in una piccola fattoria che apparteneva a suo marito, che allora era in un viaggio d'affari. Secondo Serebrjakova, "la fattoria è piccola ma è più facile da riscaldare in inverno, rispetto alla grande proprietà di Neskučne". Ella ricordava: "L'inverno, quell'anno, arrivò molto presto; tutto era coperto di neve, il giardino, i campi. Dappertutto c'erano dei cumuli di neve e non si poteva uscire. Ma quella piccola fattoria era calda e confortevole, e cominciai a dipingermi allo specchio e mi sono divertita a riprodurre tutti i miei soprammobili sul tavolo da toletta".In un'altra lettera, scritta più o meno nello stesso periodo e indirizzata al critico d'arte Vladimir Pavlovič Lapšin, Zinaida Serebrjakova descrisse in quali circostanze aveva realizzato il suo autoritratto allo specchio: All'inizio del mese di dicembre del 1909, quando il lavoro per l'autoritratto non era ancora terminato, Serebrjakova ricevette una lettera del suo fratello Eugène Lanceray, nella quale questi le proponeva di presentare qualche nuova opera alle mostre di San Pietroburgo. Zinaida decise di inviare il suo autoritratto al tavolo della toeletta assieme a qualche altra opera. Nel gennaio del 1910, ella inviò due dipinti precedenti, un Autoritratto (1905) e il Ritratto della mia tata (1908), che furono presentati alla mostra del ritratto femminile moderno organizzata dalla redazione della rivista Apollon.A metà febbraio del 1910, la settima mostra dell'unione dei pittori russi venne trasferita da Mosca a San Pietroburgo e Alla toletta venne presentato al pubblico per la prima volta. Evgenij Lanceray descrisse così questo autoritratto nella sua lettera a Konstantin Somov del 18 febbraio 1910 (nella quale egli chiama "Šura" Aleksandr Benois, che era lo zio della Serebrjakova):Alla toletta venne presentato con altre tredici opere di Serebrjakova e venne ben accolto dal pubblico e dalla critica. Il pittore Valentin Serov scrisse così in una lettera a Il'ja Ostrouchov del 31 marzo 1910: "Ho visto l'autoritratto allo specchio della Serebrjakova... è una cosa molto dolce e molto fresca". L'autoritratto venne acquistato subito dopo la mostra dalla galleria Tret'jakov assieme a due altre opere dell'artista, Autunno verde e Giovane ragazza (Marija Žegulina).L'autoritratto venne esposto nuovamente in una serie di mostre, tra le quali quella intitolata "Una donna nella pittura russa" (in russo Женщина в русской живописи?, Ženščina v russkoj živopisi), organizzata nel 1925 alla galleria Tret'jakov, e ancora in delle mostre personali dell'artista nel 1965-1966, svoltesi a Mosca, a Kiev e a Leningrado. Nell'aprile del 2017, il quadro fece parte di una retrospettiva delle opere dell'artista presso il Corpo degli Ingegneri della galleria Tret'jakov.Uno studio per il quadro, datato al 1909, si trova nella collezione degli eredi Serebrjakov. Nella lista delle opere citate nella monografia realizzata dalla critica d'arte Valentina Knjazeva (1979), viene indicato che degli schizzi della pittura, realizzati all'acquerello e con la matita su carta, si trovano nella collezione di suo figlio Evgenij Serebrjakov a Leningrado e in quello della famiglia A. Sidorova a Mosca. Un'altra variante dell'Autoritratto alla toletta venne realizzata a olio su tela.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Concentrati su Alla_toletta ed esplora la Descrizione.

A livello compositivo, il quadro rappresenta l'artista che si riflette nel proprio specchio. La cornice dello specchio è visibile sulla tela e la candela a sinistra si vede due volte, una delle quali è il suo riflesso. La giovane si guarda nello specchio e si pettina mentre sorride. La sua posa è rilassata con "il movimento grazioso delle mani nude, il movimento leggero del suo busto che si gira, ben proporzionato". Sebbene il motivo dello specchio adoperato sia abbastanza semplice, l'immagine della candela vera ripetuta dal suo riflesso dà un tocco di originalità e ingegnosità alla composizione.I colori della tela sono di tonalità vive e allegre. I colori più intensi si trovano in primo piano, sul tavolo da toeletta. Vi si trovano dei flaconi di profumo in vetro con delle tinte gialle e verdi, un cuscinetto blu con degli spilloni, una scatola dipinta piena di perle e altri oggetti, tutti intrisi di colori che scintillano come dei gioielli. Dei toni attenuati si trovano nello stesso gioco di colori in altre parti della tela. Sullo sfondo, c'è un muro bianco davanti al quale si trova un tavolo sul quale è posata una bacinella con una brocca d'acqua per lavarsi.I colori caldi della figura femminile collegano i colori vivaci del primo piano allo sfondo blu-verdastro e bianco. Secondo la storica dell'arte Valentina Knjazeva, l'opera incanta per la sua saturazione della luce. Sembra che la figura della donna in primo piano, i mobili e lo sfondo del quadro non siano soltanto bagnati dalla luce, ma che la emettano essi stessi. La cornice dello specchio funge da cornice della composizione stessa e rafforza l'effetto della profondità spaziale dell'immagine. Il suo colore scuro mette in risalto la luminosità della tavolozza dell'artista.La realizzazione della tela venne suddivisa in più sedute. Serebrjakova dipinse in più strati, modellò accuratamente le forme, studiò con precisione qualunque dettaglio. Per il suo volto, le sue braccia e le spalle ella utilizzò le tinte piatte. Il suo stile pittorico permette di valorizzare la profondità del colore e di creare delle transizioni sottili tra i toni scelti.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Alla_toletta.

A livello compositivo, il quadro rappresenta l'artista che si riflette nel proprio specchio. La cornice dello specchio è visibile sulla tela e la candela a sinistra si vede due volte, una delle quali è il suo riflesso. La giovane si guarda nello specchio e si pettina mentre sorride. La sua posa è rilassata con "il movimento grazioso delle mani nude, il movimento leggero del suo busto che si gira, ben proporzionato". Sebbene il motivo dello specchio adoperato sia abbastanza semplice, l'immagine della candela vera ripetuta dal suo riflesso dà un tocco di originalità e ingegnosità alla composizione.I colori della tela sono di tonalità vive e allegre. I colori più intensi si trovano in primo piano, sul tavolo da toeletta. Vi si trovano dei flaconi di profumo in vetro con delle tinte gialle e verdi, un cuscinetto blu con degli spilloni, una scatola dipinta piena di perle e altri oggetti, tutti intrisi di colori che scintillano come dei gioielli. Dei toni attenuati si trovano nello stesso gioco di colori in altre parti della tela. Sullo sfondo, c'è un muro bianco davanti al quale si trova un tavolo sul quale è posata una bacinella con una brocca d'acqua per lavarsi.I colori caldi della figura femminile collegano i colori vivaci del primo piano allo sfondo blu-verdastro e bianco. Secondo la storica dell'arte Valentina Knjazeva, l'opera incanta per la sua saturazione della luce. Sembra che la figura della donna in primo piano, i mobili e lo sfondo del quadro non siano soltanto bagnati dalla luce, ma che la emettano essi stessi. La cornice dello specchio funge da cornice della composizione stessa e rafforza l'effetto della profondità spaziale dell'immagine. Il suo colore scuro mette in risalto la luminosità della tavolozza dell'artista.La realizzazione della tela venne suddivisa in più sedute. Serebrjakova dipinse in più strati, modellò accuratamente le forme, studiò con precisione qualunque dettaglio. Per il suo volto, le sue braccia e le spalle ella utilizzò le tinte piatte. Il suo stile pittorico permette di valorizzare la profondità del colore e di creare delle transizioni sottili tra i toni scelti.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come chiarisce Alla_toletta la sua Descrizione?

A livello compositivo, il quadro rappresenta l'artista che si riflette nel proprio specchio. La cornice dello specchio è visibile sulla tela e la candela a sinistra si vede due volte, una delle quali è il suo riflesso. La giovane si guarda nello specchio e si pettina mentre sorride. La sua posa è rilassata con "il movimento grazioso delle mani nude, il movimento leggero del suo busto che si gira, ben proporzionato". Sebbene il motivo dello specchio adoperato sia abbastanza semplice, l'immagine della candela vera ripetuta dal suo riflesso dà un tocco di originalità e ingegnosità alla composizione.I colori della tela sono di tonalità vive e allegre. I colori più intensi si trovano in primo piano, sul tavolo da toeletta. Vi si trovano dei flaconi di profumo in vetro con delle tinte gialle e verdi, un cuscinetto blu con degli spilloni, una scatola dipinta piena di perle e altri oggetti, tutti intrisi di colori che scintillano come dei gioielli. Dei toni attenuati si trovano nello stesso gioco di colori in altre parti della tela. Sullo sfondo, c'è un muro bianco davanti al quale si trova un tavolo sul quale è posata una bacinella con una brocca d'acqua per lavarsi.I colori caldi della figura femminile collegano i colori vivaci del primo piano allo sfondo blu-verdastro e bianco. Secondo la storica dell'arte Valentina Knjazeva, l'opera incanta per la sua saturazione della luce. Sembra che la figura della donna in primo piano, i mobili e lo sfondo del quadro non siano soltanto bagnati dalla luce, ma che la emettano essi stessi. La cornice dello specchio funge da cornice della composizione stessa e rafforza l'effetto della profondità spaziale dell'immagine. Il suo colore scuro mette in risalto la luminosità della tavolozza dell'artista.La realizzazione della tela venne suddivisa in più sedute. Serebrjakova dipinse in più strati, modellò accuratamente le forme, studiò con precisione qualunque dettaglio. Per il suo volto, le sue braccia e le spalle ella utilizzò le tinte piatte. Il suo stile pittorico permette di valorizzare la profondità del colore e di creare delle transizioni sottili tra i toni scelti.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Alla_toletta?

A livello compositivo, il quadro rappresenta l'artista che si riflette nel proprio specchio. La cornice dello specchio è visibile sulla tela e la candela a sinistra si vede due volte, una delle quali è il suo riflesso. La giovane si guarda nello specchio e si pettina mentre sorride. La sua posa è rilassata con "il movimento grazioso delle mani nude, il movimento leggero del suo busto che si gira, ben proporzionato". Sebbene il motivo dello specchio adoperato sia abbastanza semplice, l'immagine della candela vera ripetuta dal suo riflesso dà un tocco di originalità e ingegnosità alla composizione.I colori della tela sono di tonalità vive e allegre. I colori più intensi si trovano in primo piano, sul tavolo da toeletta. Vi si trovano dei flaconi di profumo in vetro con delle tinte gialle e verdi, un cuscinetto blu con degli spilloni, una scatola dipinta piena di perle e altri oggetti, tutti intrisi di colori che scintillano come dei gioielli. Dei toni attenuati si trovano nello stesso gioco di colori in altre parti della tela. Sullo sfondo, c'è un muro bianco davanti al quale si trova un tavolo sul quale è posata una bacinella con una brocca d'acqua per lavarsi.I colori caldi della figura femminile collegano i colori vivaci del primo piano allo sfondo blu-verdastro e bianco. Secondo la storica dell'arte Valentina Knjazeva, l'opera incanta per la sua saturazione della luce. Sembra che la figura della donna in primo piano, i mobili e lo sfondo del quadro non siano soltanto bagnati dalla luce, ma che la emettano essi stessi. La cornice dello specchio funge da cornice della composizione stessa e rafforza l'effetto della profondità spaziale dell'immagine. Il suo colore scuro mette in risalto la luminosità della tavolozza dell'artista.La realizzazione della tela venne suddivisa in più sedute. Serebrjakova dipinse in più strati, modellò accuratamente le forme, studiò con precisione qualunque dettaglio. Per il suo volto, le sue braccia e le spalle ella utilizzò le tinte piatte. Il suo stile pittorico permette di valorizzare la profondità del colore e di creare delle transizioni sottili tra i toni scelti.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Concentrati su Alla_toletta ed esplora la Accoglienza.

Il pittore e critico Aleksandr Benois dedicò una parte importante del suo articolo sulla settima mostra dell'unione dei pittori russi ai lavori della Serebrjakova. Sottolineò, in particolare, l'originalità e gli altri meriti del suo autoritratto. Benois definiva questo quadro "un regalo meraviglioso, un tale sorriso da tutta la sua bocca, che non la si può non ringraziare"; egli descrisse l'autoritratto come la cosa più felice che ci sia, rimarcando che è pieno di spontaneità e di semplicità: un vero temperamento artistico, qualcosa di sonoro, di giovane, di divertente, solare e luminoso, qualcosa di assolutamente artistico. Molti anni dopo, nel 1932, Aleksandr Benois si ricordò come Serebrjakova "sorprese tutti con il suo autoritratto notevole, divenuto un ornamento della galleria Tret'jakov", e scrisse che durante tutti gli anni passati da allora la sua arte era rimasta sempre "così fresca, così seducente, così ingenua".Il critico d'arte Aleksej Savinov rimarca l'assenza in questo autoritratto di Serebrjakova di qualunque traccia di manierismo, di superficialità, caratteristiche delle opere d'arte dell'inizio del ventesimo secolo. Egli caratterizza questa tela come qualcosa di semplice ma di durevole, che possiede dei tratti artistici autentici oltre al suo realismo sano e vigoroso: "La luce riversa dei raggi luminosi allegri nella camera bianca, e noi sentiamo, in un giorno di neve abbagliante e soleggiato la musica dei versi: Giorno di gelo e di sole, giorno meraviglioso...In un articolo dedicato all'autoritratto di Serebrjakova, il critico d'arte Dmitrij Sarab'janov individua nella femminilità la qualità più attraente dell'opera di questa artista, così come il suo proprio aspetto e il suo percorso di vita: "Tutto il suo aspetto rivela la purezza nascosta dalla sua anima, e lo splendore dei suoi occhi la sua bontà; i suoi sentimenti sono segnati dalla loro naturalezza; quanto ai pensieri incarnati nelle sue tele, questi riflettono la chiarezza della sua visione del destino umano". Sarab'janov, come Savinov, nota la semplicità delle concezioni dell'autoritratto di Serebrjakova, sottolineando che queste esprimono dei sentimenti naturali, che mostrano dei gesti ordinari (il pettinarsi, il guardarsi a uno specchio, eccetera), e si realizzano nel contesto di un ambiente molto semplice.La critica d'arte Valentina Knjazeva considera che Alla toletta sia divenuto un vero programma per la Serebrjakova. L'artista, scrive Knjazeva, "ha creato un'immagine umana perfettamente armoniosa, e quando ella ha cominciato a dipingere, utilizzò e sviluppò delle tradizioni artistiche del passato. Il suo quadro è il risultato di una creatività precoce e allo stesso tempo il punto di partenza di una lunga ricerca creativa.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Esplora la Accoglienza di questa opera d'arte, Alla_toletta.

Il pittore e critico Aleksandr Benois dedicò una parte importante del suo articolo sulla settima mostra dell'unione dei pittori russi ai lavori della Serebrjakova. Sottolineò, in particolare, l'originalità e gli altri meriti del suo autoritratto. Benois definiva questo quadro "un regalo meraviglioso, un tale sorriso da tutta la sua bocca, che non la si può non ringraziare"; egli descrisse l'autoritratto come la cosa più felice che ci sia, rimarcando che è pieno di spontaneità e di semplicità: un vero temperamento artistico, qualcosa di sonoro, di giovane, di divertente, solare e luminoso, qualcosa di assolutamente artistico. Molti anni dopo, nel 1932, Aleksandr Benois si ricordò come Serebrjakova "sorprese tutti con il suo autoritratto notevole, divenuto un ornamento della galleria Tret'jakov", e scrisse che durante tutti gli anni passati da allora la sua arte era rimasta sempre "così fresca, così seducente, così ingenua".Il critico d'arte Aleksej Savinov rimarca l'assenza in questo autoritratto di Serebrjakova di qualunque traccia di manierismo, di superficialità, caratteristiche delle opere d'arte dell'inizio del ventesimo secolo. Egli caratterizza questa tela come qualcosa di semplice ma di durevole, che possiede dei tratti artistici autentici oltre al suo realismo sano e vigoroso: "La luce riversa dei raggi luminosi allegri nella camera bianca, e noi sentiamo, in un giorno di neve abbagliante e soleggiato la musica dei versi: Giorno di gelo e di sole, giorno meraviglioso...In un articolo dedicato all'autoritratto di Serebrjakova, il critico d'arte Dmitrij Sarab'janov individua nella femminilità la qualità più attraente dell'opera di questa artista, così come il suo proprio aspetto e il suo percorso di vita: "Tutto il suo aspetto rivela la purezza nascosta dalla sua anima, e lo splendore dei suoi occhi la sua bontà; i suoi sentimenti sono segnati dalla loro naturalezza; quanto ai pensieri incarnati nelle sue tele, questi riflettono la chiarezza della sua visione del destino umano". Sarab'janov, come Savinov, nota la semplicità delle concezioni dell'autoritratto di Serebrjakova, sottolineando che queste esprimono dei sentimenti naturali, che mostrano dei gesti ordinari (il pettinarsi, il guardarsi a uno specchio, eccetera), e si realizzano nel contesto di un ambiente molto semplice.La critica d'arte Valentina Knjazeva considera che Alla toletta sia divenuto un vero programma per la Serebrjakova. L'artista, scrive Knjazeva, "ha creato un'immagine umana perfettamente armoniosa, e quando ella ha cominciato a dipingere, utilizzò e sviluppò delle tradizioni artistiche del passato. Il suo quadro è il risultato di una creatività precoce e allo stesso tempo il punto di partenza di una lunga ricerca creativa.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come chiarisce Alla_toletta la sua Accoglienza?

Il pittore e critico Aleksandr Benois dedicò una parte importante del suo articolo sulla settima mostra dell'unione dei pittori russi ai lavori della Serebrjakova. Sottolineò, in particolare, l'originalità e gli altri meriti del suo autoritratto. Benois definiva questo quadro "un regalo meraviglioso, un tale sorriso da tutta la sua bocca, che non la si può non ringraziare"; egli descrisse l'autoritratto come la cosa più felice che ci sia, rimarcando che è pieno di spontaneità e di semplicità: un vero temperamento artistico, qualcosa di sonoro, di giovane, di divertente, solare e luminoso, qualcosa di assolutamente artistico. Molti anni dopo, nel 1932, Aleksandr Benois si ricordò come Serebrjakova "sorprese tutti con il suo autoritratto notevole, divenuto un ornamento della galleria Tret'jakov", e scrisse che durante tutti gli anni passati da allora la sua arte era rimasta sempre "così fresca, così seducente, così ingenua".Il critico d'arte Aleksej Savinov rimarca l'assenza in questo autoritratto di Serebrjakova di qualunque traccia di manierismo, di superficialità, caratteristiche delle opere d'arte dell'inizio del ventesimo secolo. Egli caratterizza questa tela come qualcosa di semplice ma di durevole, che possiede dei tratti artistici autentici oltre al suo realismo sano e vigoroso: "La luce riversa dei raggi luminosi allegri nella camera bianca, e noi sentiamo, in un giorno di neve abbagliante e soleggiato la musica dei versi: Giorno di gelo e di sole, giorno meraviglioso...In un articolo dedicato all'autoritratto di Serebrjakova, il critico d'arte Dmitrij Sarab'janov individua nella femminilità la qualità più attraente dell'opera di questa artista, così come il suo proprio aspetto e il suo percorso di vita: "Tutto il suo aspetto rivela la purezza nascosta dalla sua anima, e lo splendore dei suoi occhi la sua bontà; i suoi sentimenti sono segnati dalla loro naturalezza; quanto ai pensieri incarnati nelle sue tele, questi riflettono la chiarezza della sua visione del destino umano". Sarab'janov, come Savinov, nota la semplicità delle concezioni dell'autoritratto di Serebrjakova, sottolineando che queste esprimono dei sentimenti naturali, che mostrano dei gesti ordinari (il pettinarsi, il guardarsi a uno specchio, eccetera), e si realizzano nel contesto di un ambiente molto semplice.La critica d'arte Valentina Knjazeva considera che Alla toletta sia divenuto un vero programma per la Serebrjakova. L'artista, scrive Knjazeva, "ha creato un'immagine umana perfettamente armoniosa, e quando ella ha cominciato a dipingere, utilizzò e sviluppò delle tradizioni artistiche del passato. Il suo quadro è il risultato di una creatività precoce e allo stesso tempo il punto di partenza di una lunga ricerca creativa.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Alla_toletta

Prompt: Come viene discussa la Accoglienza in Alla_toletta?

Il pittore e critico Aleksandr Benois dedicò una parte importante del suo articolo sulla settima mostra dell'unione dei pittori russi ai lavori della Serebrjakova. Sottolineò, in particolare, l'originalità e gli altri meriti del suo autoritratto. Benois definiva questo quadro "un regalo meraviglioso, un tale sorriso da tutta la sua bocca, che non la si può non ringraziare"; egli descrisse l'autoritratto come la cosa più felice che ci sia, rimarcando che è pieno di spontaneità e di semplicità: un vero temperamento artistico, qualcosa di sonoro, di giovane, di divertente, solare e luminoso, qualcosa di assolutamente artistico. Molti anni dopo, nel 1932, Aleksandr Benois si ricordò come Serebrjakova "sorprese tutti con il suo autoritratto notevole, divenuto un ornamento della galleria Tret'jakov", e scrisse che durante tutti gli anni passati da allora la sua arte era rimasta sempre "così fresca, così seducente, così ingenua".Il critico d'arte Aleksej Savinov rimarca l'assenza in questo autoritratto di Serebrjakova di qualunque traccia di manierismo, di superficialità, caratteristiche delle opere d'arte dell'inizio del ventesimo secolo. Egli caratterizza questa tela come qualcosa di semplice ma di durevole, che possiede dei tratti artistici autentici oltre al suo realismo sano e vigoroso: "La luce riversa dei raggi luminosi allegri nella camera bianca, e noi sentiamo, in un giorno di neve abbagliante e soleggiato la musica dei versi: Giorno di gelo e di sole, giorno meraviglioso...In un articolo dedicato all'autoritratto di Serebrjakova, il critico d'arte Dmitrij Sarab'janov individua nella femminilità la qualità più attraente dell'opera di questa artista, così come il suo proprio aspetto e il suo percorso di vita: "Tutto il suo aspetto rivela la purezza nascosta dalla sua anima, e lo splendore dei suoi occhi la sua bontà; i suoi sentimenti sono segnati dalla loro naturalezza; quanto ai pensieri incarnati nelle sue tele, questi riflettono la chiarezza della sua visione del destino umano". Sarab'janov, come Savinov, nota la semplicità delle concezioni dell'autoritratto di Serebrjakova, sottolineando che queste esprimono dei sentimenti naturali, che mostrano dei gesti ordinari (il pettinarsi, il guardarsi a uno specchio, eccetera), e si realizzano nel contesto di un ambiente molto semplice.La critica d'arte Valentina Knjazeva considera che Alla toletta sia divenuto un vero programma per la Serebrjakova. L'artista, scrive Knjazeva, "ha creato un'immagine umana perfettamente armoniosa, e quando ella ha cominciato a dipingere, utilizzò e sviluppò delle tradizioni artistiche del passato. Il suo quadro è il risultato di una creatività precoce e allo stesso tempo il punto di partenza di una lunga ricerca creativa.

Categoria:Dipinti di autori del XX secolo

Un autoritratto di Zinaida Serebrjakova del 1907, realizzato con guazzo e ad acquerello su carta.

Un francobollo russo del 2009 dedicato all'opera.

Categoria:Dipinti nella Galleria Tret'jakov

Categoria:Dipinti su bisogni quotidiani delle persone

File:Serebryakova Self Portrait 1907 Kiev.jpg


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_giovane_dama ed esplora la abstract.

Il Ritratto di giovane dama (variamente intitolato come Ragazza di profilo, Ritratto di dama, ecc.) è un dipinto a tecnica mista su tavola (45,5x32,7 cm) dal 2014 attribuito a Piero del Pollaiolo, databile al 1470-1472 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano, dove è utilizzato come simbolo stesso del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Ritratto_di_giovane_dama.

Il Ritratto di giovane dama (variamente intitolato come Ragazza di profilo, Ritratto di dama, ecc.) è un dipinto a tecnica mista su tavola (45,5x32,7 cm) dal 2014 attribuito a Piero del Pollaiolo, databile al 1470-1472 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano, dove è utilizzato come simbolo stesso del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_giovane_dama la sua abstract?

Il Ritratto di giovane dama (variamente intitolato come Ragazza di profilo, Ritratto di dama, ecc.) è un dipinto a tecnica mista su tavola (45,5x32,7 cm) dal 2014 attribuito a Piero del Pollaiolo, databile al 1470-1472 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano, dove è utilizzato come simbolo stesso del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Come viene discussa la abstract in Ritratto_di_giovane_dama?

Il Ritratto di giovane dama (variamente intitolato come Ragazza di profilo, Ritratto di dama, ecc.) è un dipinto a tecnica mista su tavola (45,5x32,7 cm) dal 2014 attribuito a Piero del Pollaiolo, databile al 1470-1472 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano, dove è utilizzato come simbolo stesso del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_giovane_dama ed esplora la Storia.

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi (secondo l'iscrizione sul retro probabilmente fasulla "UXOR JOHANNIS DE BARDI") o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Ritratto_di_giovane_dama.

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi (secondo l'iscrizione sul retro probabilmente fasulla "UXOR JOHANNIS DE BARDI") o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Come chiarisce Ritratto_di_giovane_dama la sua Storia?

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi (secondo l'iscrizione sul retro probabilmente fasulla "UXOR JOHANNIS DE BARDI") o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

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Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Come viene discussa la Storia in Ritratto_di_giovane_dama?

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi (secondo l'iscrizione sul retro probabilmente fasulla "UXOR JOHANNIS DE BARDI") o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

Categoria:Dipinti nel Museo Poldi Pezzoli

Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)


Ritratto_di_giovane_dama

Prompt: Concentrati su Ritratto_di_giovane_dama ed esplora la Descrizione e stile.

La donna è raffigurata sullo sfondo di un cielo azzurro solcato da alcune nubi, posta di profilo, secondo l'usanza tipica delle corti italiane che, tramite il modello umanistico del vir illustris, si ispiravano ai modi della medaglistica imperiale romana. L'ambientazione all'aria aperta segna la perfetta armonia tra natura e bellezza femminile, secondo un ideale classico recuperato nel Rinascimento.La fanciulla è ritratta fino alle spalle, con una leggera torsione del busto che permette di vedere la forma della scollatura. Grandissima attenzione è data alla descrizione della veste, dei gioielli e dell'elaboratissima acconciatura, sottolineando il carattere nobile e benestante della donna. Il corpetto è piuttosto scollato e aderente, allacciato sul davanti con una serie ravvicinata di bottoni e tipico della moda giovanile dell'epoca. La manica in velluto presenta un motivo floreale reso con sinteticità, senza ricorrere agli effetti lenticolari della pittura fiamminga. A quell'epoca le maniche erano tra le parti più importanti degli abiti, spesso intercambiabili e decorate da gioielli, tanto da essere spesso inventariate tra le gioie di famiglia. Si avvicina all'arte fiamminga invece la straordinaria attenzione ai valori della luce, che definisce con vari effetti i numerosi materiali raffigurati: dalla brillantezza delle perle alla lucentezza dei capelli, dalla delicatezza dell'incarnato fino ad effetti virtuosistici come il velo che copre delicatamente l'orecchio.I capelli sono raccolti nell'acconciatura detta "a vespaio", con un vezzo di perle, con al centro in questo caso un vistoso diadema con pietre preziose, che trattiene i capelli in una crocchia elaborata girando dietro la nuca e tenendo anche un velo trasparente che copre le orecchieI gioielli che essa indossa (perle e rubino) sembrano rimandare a significati nuziali, suggerendo una possibile destinazione del ritratto come parte della dote o come dono per la famiglia dello sposo prima della sigla del contratto matrimoniale. Le perle infatti alludono alla purezza verginale e il rubino al rosso dell'amore.Il profilo si staglia con forza dallo sfondo, con una linea di contorno netta ed espressiva (il cosiddetto "primato del disegno"), che fu una delle caratteristiche più tipiche dell'arte fiorentina della seconda metà del XV secolo.

Categoria:Dipinti di Piero del Pollaiolo

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Ritratto di fanciulla (Andrea della Robbia)