Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come viene discussa la Storia in Orologio_astronomico_di_Praga?

L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Concentrati su Orologio_astronomico_di_Praga ed esplora la Quadrante astronomico.

Il quadrante astronomico è a forma di astrolabio, uno strumento medioevale per la determinazione delle posizioni delle stelle. Sullo sfondo del quadrante è rappresentata la Terra fissa nel cielo attorno alla quale si muovono quattro meccanismi: un anello zodiacale, un anello esterno rotante, una lancetta con il simbolo del Sole e una con il simbolo della Luna.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

Il quadrante astronomico è a forma di astrolabio, uno strumento medioevale per la determinazione delle posizioni delle stelle. Sullo sfondo del quadrante è rappresentata la Terra fissa nel cielo attorno alla quale si muovono quattro meccanismi: un anello zodiacale, un anello esterno rotante, una lancetta con il simbolo del Sole e una con il simbolo della Luna.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come chiarisce Orologio_astronomico_di_Praga la sua Quadrante astronomico?

Il quadrante astronomico è a forma di astrolabio, uno strumento medioevale per la determinazione delle posizioni delle stelle. Sullo sfondo del quadrante è rappresentata la Terra fissa nel cielo attorno alla quale si muovono quattro meccanismi: un anello zodiacale, un anello esterno rotante, una lancetta con il simbolo del Sole e una con il simbolo della Luna.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come viene discussa la Quadrante astronomico in Orologio_astronomico_di_Praga?

Il quadrante astronomico è a forma di astrolabio, uno strumento medioevale per la determinazione delle posizioni delle stelle. Sullo sfondo del quadrante è rappresentata la Terra fissa nel cielo attorno alla quale si muovono quattro meccanismi: un anello zodiacale, un anello esterno rotante, una lancetta con il simbolo del Sole e una con il simbolo della Luna.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Nel contesto di Orologio_astronomico_di_Praga, esplora la Sfondo del quadrante e la Quadrante astronomico.

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu (giorno), nella zona nera (notte) o in quelle rosse (fasi di alba e tramonto).Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora (aurora) e ortus (alba), in quella destra occasus (tramonto) e crepusculum (crepuscolo)I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga (Tempo Centrale Europeo). Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti (numerate da 1 a 12 con cifre arabe) e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie". La lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Sfondo del quadrante sulla Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu (giorno), nella zona nera (notte) o in quelle rosse (fasi di alba e tramonto).Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora (aurora) e ortus (alba), in quella destra occasus (tramonto) e crepusculum (crepuscolo)I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga (Tempo Centrale Europeo). Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti (numerate da 1 a 12 con cifre arabe) e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie". La lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: In Orologio_astronomico_di_Praga, come viene chiarita la Sfondo del quadrante della Quadrante astronomico?

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu (giorno), nella zona nera (notte) o in quelle rosse (fasi di alba e tramonto).Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora (aurora) e ortus (alba), in quella destra occasus (tramonto) e crepusculum (crepuscolo)I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga (Tempo Centrale Europeo). Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti (numerate da 1 a 12 con cifre arabe) e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie". La lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Sfondo del quadrante nella Quadrante astronomico di Orologio_astronomico_di_Praga.

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu (giorno), nella zona nera (notte) o in quelle rosse (fasi di alba e tramonto).Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora (aurora) e ortus (alba), in quella destra occasus (tramonto) e crepusculum (crepuscolo)I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga (Tempo Centrale Europeo). Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti (numerate da 1 a 12 con cifre arabe) e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie". La lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Nel contesto di Orologio_astronomico_di_Praga, esplora la Anello zodiacale e la Quadrante astronomico.

All'interno del quadrante vi è un anello mobile recante i 12 simboli dello zodiaco (disposti in ordine antiorario), che indica anche la posizione del sole sull'eclittica. Nella foto qui riportata il Sole si trova in Cancro, per spostarsi poi nel Leone.La disposizione dei simboli sull'anello zodiacale è derivata dall'uso di una proiezione stereografica del piano dell'eclittica usando il polo nord come base della proiezione stessa; come comunemente fatto per gli orologi astronomici di questo periodo.La piccola stella dorata indica la posizione dell'equinozio di primavera ed il tempo siderale può essere letto sulla scala contrassegnata dai numeri romani dorati.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Anello zodiacale sulla Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

All'interno del quadrante vi è un anello mobile recante i 12 simboli dello zodiaco (disposti in ordine antiorario), che indica anche la posizione del sole sull'eclittica. Nella foto qui riportata il Sole si trova in Cancro, per spostarsi poi nel Leone.La disposizione dei simboli sull'anello zodiacale è derivata dall'uso di una proiezione stereografica del piano dell'eclittica usando il polo nord come base della proiezione stessa; come comunemente fatto per gli orologi astronomici di questo periodo.La piccola stella dorata indica la posizione dell'equinozio di primavera ed il tempo siderale può essere letto sulla scala contrassegnata dai numeri romani dorati.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: In Orologio_astronomico_di_Praga, come viene chiarita la Anello zodiacale della Quadrante astronomico?

All'interno del quadrante vi è un anello mobile recante i 12 simboli dello zodiaco (disposti in ordine antiorario), che indica anche la posizione del sole sull'eclittica. Nella foto qui riportata il Sole si trova in Cancro, per spostarsi poi nel Leone.La disposizione dei simboli sull'anello zodiacale è derivata dall'uso di una proiezione stereografica del piano dell'eclittica usando il polo nord come base della proiezione stessa; come comunemente fatto per gli orologi astronomici di questo periodo.La piccola stella dorata indica la posizione dell'equinozio di primavera ed il tempo siderale può essere letto sulla scala contrassegnata dai numeri romani dorati.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Anello zodiacale nella Quadrante astronomico di Orologio_astronomico_di_Praga.

All'interno del quadrante vi è un anello mobile recante i 12 simboli dello zodiaco (disposti in ordine antiorario), che indica anche la posizione del sole sull'eclittica. Nella foto qui riportata il Sole si trova in Cancro, per spostarsi poi nel Leone.La disposizione dei simboli sull'anello zodiacale è derivata dall'uso di una proiezione stereografica del piano dell'eclittica usando il polo nord come base della proiezione stessa; come comunemente fatto per gli orologi astronomici di questo periodo.La piccola stella dorata indica la posizione dell'equinozio di primavera ed il tempo siderale può essere letto sulla scala contrassegnata dai numeri romani dorati.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Nel contesto di Orologio_astronomico_di_Praga, esplora la Antica ora boema e la Quadrante astronomico.

La serie di numeri arabi su sfondo scuro presenti sul bordo esterno dell'orologio indicano l'Antica ora boema, misurata partendo dal tramonto. L'anello si muove nell'arco dell'anno per far coincidere la prima ora della giornata con il momento del tramonto. Tra il XIV e il XVIII secolo anche in Italia questo era il sistema più diffuso di conteggio delle ore. E di conseguenza dei giorni.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Antica ora boema sulla Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

La serie di numeri arabi su sfondo scuro presenti sul bordo esterno dell'orologio indicano l'Antica ora boema, misurata partendo dal tramonto. L'anello si muove nell'arco dell'anno per far coincidere la prima ora della giornata con il momento del tramonto. Tra il XIV e il XVIII secolo anche in Italia questo era il sistema più diffuso di conteggio delle ore. E di conseguenza dei giorni.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: In Orologio_astronomico_di_Praga, come viene chiarita la Antica ora boema della Quadrante astronomico?

La serie di numeri arabi su sfondo scuro presenti sul bordo esterno dell'orologio indicano l'Antica ora boema, misurata partendo dal tramonto. L'anello si muove nell'arco dell'anno per far coincidere la prima ora della giornata con il momento del tramonto. Tra il XIV e il XVIII secolo anche in Italia questo era il sistema più diffuso di conteggio delle ore. E di conseguenza dei giorni.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Antica ora boema nella Quadrante astronomico di Orologio_astronomico_di_Praga.

La serie di numeri arabi su sfondo scuro presenti sul bordo esterno dell'orologio indicano l'Antica ora boema, misurata partendo dal tramonto. L'anello si muove nell'arco dell'anno per far coincidere la prima ora della giornata con il momento del tramonto. Tra il XIV e il XVIII secolo anche in Italia questo era il sistema più diffuso di conteggio delle ore. E di conseguenza dei giorni.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Nel contesto di Orologio_astronomico_di_Praga, esplora la Sole e la Quadrante astronomico.

Il simbolo del Sole si muove attorno all'anello zodiacale, in modo da indicare la posizione del sole rispetto all'eclittica. È fissato ad una lancetta che termina con una piccola mano, in modo da segnare l'ora in 3 diversi modi:La posizione della mano rispetto ai numeri romani indica l'ora locale di Praga;La posizione del sole rispetto ai settori delimitati dalle linee curve indica l'ora intesa come 1/12 di tempo tra l'alba ed il tramonto (ora planetaria);La posizione della mano rispetto all'anello esterno segna l'antica ora Boema.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Sole sulla Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

Il simbolo del Sole si muove attorno all'anello zodiacale, in modo da indicare la posizione del sole rispetto all'eclittica. È fissato ad una lancetta che termina con una piccola mano, in modo da segnare l'ora in 3 diversi modi:La posizione della mano rispetto ai numeri romani indica l'ora locale di Praga;La posizione del sole rispetto ai settori delimitati dalle linee curve indica l'ora intesa come 1/12 di tempo tra l'alba ed il tramonto (ora planetaria);La posizione della mano rispetto all'anello esterno segna l'antica ora Boema.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: In Orologio_astronomico_di_Praga, come viene chiarita la Sole della Quadrante astronomico?

Il simbolo del Sole si muove attorno all'anello zodiacale, in modo da indicare la posizione del sole rispetto all'eclittica. È fissato ad una lancetta che termina con una piccola mano, in modo da segnare l'ora in 3 diversi modi:La posizione della mano rispetto ai numeri romani indica l'ora locale di Praga;La posizione del sole rispetto ai settori delimitati dalle linee curve indica l'ora intesa come 1/12 di tempo tra l'alba ed il tramonto (ora planetaria);La posizione della mano rispetto all'anello esterno segna l'antica ora Boema.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Sole nella Quadrante astronomico di Orologio_astronomico_di_Praga.

Il simbolo del Sole si muove attorno all'anello zodiacale, in modo da indicare la posizione del sole rispetto all'eclittica. È fissato ad una lancetta che termina con una piccola mano, in modo da segnare l'ora in 3 diversi modi:La posizione della mano rispetto ai numeri romani indica l'ora locale di Praga;La posizione del sole rispetto ai settori delimitati dalle linee curve indica l'ora intesa come 1/12 di tempo tra l'alba ed il tramonto (ora planetaria);La posizione della mano rispetto all'anello esterno segna l'antica ora Boema.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Nel contesto di Orologio_astronomico_di_Praga, esplora la Luna e la Quadrante astronomico.

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Luna sulla Quadrante astronomico di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: In Orologio_astronomico_di_Praga, come viene chiarita la Luna della Quadrante astronomico?

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

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Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Descrivi le caratteristiche della Luna nella Quadrante astronomico di Orologio_astronomico_di_Praga.

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Concentrati su Orologio_astronomico_di_Praga ed esplora la Figure animate.

Le quattro figure che fiancheggiano l'orologio si animano allo scoccare di ogni ora. Ognuna di esse rappresenta i vizi capitali: lo scheletro simboleggia la morte, il turco la lussuria, il personaggio con lo specchio impersona la vanità e il viandante con la borsa (in origine un usuraio ebreo, sostituito dopo la seconda guerra mondiale) rappresenta l'avarizia.Allo scoccare dell'ora lo scheletro suona una campana tirando la fune con la mano destra e capovolge la clessidra che ha nella sinistra, nel frattempo il turco, l'avaro e il vanitoso fanno no con la testa; a questo punto esce il corteo con i dodici apostoli (11 apostoli più San Paolo) che, a coppie, si inchinano alla folla, Le finestre che fanno uscire le statue si aprono contemporaneamente. La prima figura ad uscire dalla finestra sulla destra è San Paolo (con in mano un libro e una spada), seguito da Tommaso (con una lancia), Giuda che porta un libro, Simone con una sega e Bartolomeo con un libro. Mentre nella seconda finestra, escono Pietro (recante una chiave), Matteo con un'ascia, Giovanni con un serpente, Andrea e Filippo con una croce e Giacomo con una mazza, alla fine dello spettacolo il gallo, sopra le finestre dell'orologio canta l'ora suonata.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Esplora la Figure animate di questa opera d'arte, Orologio_astronomico_di_Praga.

Le quattro figure che fiancheggiano l'orologio si animano allo scoccare di ogni ora. Ognuna di esse rappresenta i vizi capitali: lo scheletro simboleggia la morte, il turco la lussuria, il personaggio con lo specchio impersona la vanità e il viandante con la borsa (in origine un usuraio ebreo, sostituito dopo la seconda guerra mondiale) rappresenta l'avarizia.Allo scoccare dell'ora lo scheletro suona una campana tirando la fune con la mano destra e capovolge la clessidra che ha nella sinistra, nel frattempo il turco, l'avaro e il vanitoso fanno no con la testa; a questo punto esce il corteo con i dodici apostoli (11 apostoli più San Paolo) che, a coppie, si inchinano alla folla, Le finestre che fanno uscire le statue si aprono contemporaneamente. La prima figura ad uscire dalla finestra sulla destra è San Paolo (con in mano un libro e una spada), seguito da Tommaso (con una lancia), Giuda che porta un libro, Simone con una sega e Bartolomeo con un libro. Mentre nella seconda finestra, escono Pietro (recante una chiave), Matteo con un'ascia, Giovanni con un serpente, Andrea e Filippo con una croce e Giacomo con una mazza, alla fine dello spettacolo il gallo, sopra le finestre dell'orologio canta l'ora suonata.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come chiarisce Orologio_astronomico_di_Praga la sua Figure animate?

Le quattro figure che fiancheggiano l'orologio si animano allo scoccare di ogni ora. Ognuna di esse rappresenta i vizi capitali: lo scheletro simboleggia la morte, il turco la lussuria, il personaggio con lo specchio impersona la vanità e il viandante con la borsa (in origine un usuraio ebreo, sostituito dopo la seconda guerra mondiale) rappresenta l'avarizia.Allo scoccare dell'ora lo scheletro suona una campana tirando la fune con la mano destra e capovolge la clessidra che ha nella sinistra, nel frattempo il turco, l'avaro e il vanitoso fanno no con la testa; a questo punto esce il corteo con i dodici apostoli (11 apostoli più San Paolo) che, a coppie, si inchinano alla folla, Le finestre che fanno uscire le statue si aprono contemporaneamente. La prima figura ad uscire dalla finestra sulla destra è San Paolo (con in mano un libro e una spada), seguito da Tommaso (con una lancia), Giuda che porta un libro, Simone con una sega e Bartolomeo con un libro. Mentre nella seconda finestra, escono Pietro (recante una chiave), Matteo con un'ascia, Giovanni con un serpente, Andrea e Filippo con una croce e Giacomo con una mazza, alla fine dello spettacolo il gallo, sopra le finestre dell'orologio canta l'ora suonata.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

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Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

File:Prag - Rathausuhr Monatsarbeiten.jpg<!--replacing Image:Prazsky orloj kalendar.jpg-->

Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Orologio_astronomico_di_Praga

Prompt: Come viene discussa la Figure animate in Orologio_astronomico_di_Praga?

Le quattro figure che fiancheggiano l'orologio si animano allo scoccare di ogni ora. Ognuna di esse rappresenta i vizi capitali: lo scheletro simboleggia la morte, il turco la lussuria, il personaggio con lo specchio impersona la vanità e il viandante con la borsa (in origine un usuraio ebreo, sostituito dopo la seconda guerra mondiale) rappresenta l'avarizia.Allo scoccare dell'ora lo scheletro suona una campana tirando la fune con la mano destra e capovolge la clessidra che ha nella sinistra, nel frattempo il turco, l'avaro e il vanitoso fanno no con la testa; a questo punto esce il corteo con i dodici apostoli (11 apostoli più San Paolo) che, a coppie, si inchinano alla folla, Le finestre che fanno uscire le statue si aprono contemporaneamente. La prima figura ad uscire dalla finestra sulla destra è San Paolo (con in mano un libro e una spada), seguito da Tommaso (con una lancia), Giuda che porta un libro, Simone con una sega e Bartolomeo con un libro. Mentre nella seconda finestra, escono Pietro (recante una chiave), Matteo con un'ascia, Giovanni con un serpente, Andrea e Filippo con una croce e Giacomo con una mazza, alla fine dello spettacolo il gallo, sopra le finestre dell'orologio canta l'ora suonata.

File:Image-Prag - Rathausuhr MonatsarbeitenIndexClip.jpg<!-- was Image:Prazsky orloj kalendar detail.jpg-->

File:Orologio Astronomico Praga - restauro.jpg

Categoria:Monumenti nazionali della Repubblica Ceca

Schema dell'orologio della Città Vecchia.

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Un particolare dell'orologio della Città Vecchia.

L'orologio, il calendario e le figure animate dopo il restauro del 2018


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Concentrati su Il_massacro_di_Scio ed esplora la abstract.

Il massacro di Scio è un dipinto a olio su tela (417x354 cm) del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1824 e conservato al museo del Louvre di Parigi.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Il_massacro_di_Scio.

Il massacro di Scio è un dipinto a olio su tela (417x354 cm) del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1824 e conservato al museo del Louvre di Parigi.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come chiarisce Il_massacro_di_Scio la sua abstract?

Il massacro di Scio è un dipinto a olio su tela (417x354 cm) del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1824 e conservato al museo del Louvre di Parigi.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come viene discussa la abstract in Il_massacro_di_Scio?

Il massacro di Scio è un dipinto a olio su tela (417x354 cm) del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1824 e conservato al museo del Louvre di Parigi.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Concentrati su Il_massacro_di_Scio ed esplora la Storia.

Il dipinto prende spunto da un episodio storico realmente accaduto: il massacro di Chio. All'inizio dell'Ottocento, infatti, la Grecia rientrava ancora nei domini dell'Impero ottomano: volendo recuperare l'agognata indipendenza, il popolo greco diede prontamente avvio a numerosi episodi di insurrezione, tutti tragicamente soffocati nel sangue. Tra gli eccidi più spaventosi vi fu quello compiuto nel 1822 nell'isola di Chio, dove i Turchi per rappresaglia contro i Greci trucidarono circa ventimila persone e deportarono i superstiti come schiavi.Il massacro di Chio fece scalpore negli ambienti intellettuali romantici, vivi sostenitori dell'indipendenza della Grecia. Tra i più sensibili alle atrocità della guerra greco-turca vi fu il pittore francese Eugène Delacroix, che profondamente indignato decise di eseguire un dipinto per denunciare l'avvenimento, relativamente lontano geograficamente ma assai vicino alla sensibilità europea. L'opera, realizzata con la collaborazione di numerosi testimoni e accompagnata dalla stesura di diversi disegni preparatori, fu terminata nel 1824 e presentata al Salon del 25 agosto di quell'anno con il titolo Scènes des massacres de Scio; familles grecques attendent la mort ou l'esclavage [Scene di massacro a Scio; famiglie greche attendono la morte o la schiavitù].La critica accolse Il massacro di Scio in modo impietoso: furono in molti, infatti, a rimproverare Delacroix dell'applicazione «rozza» del colore e della mancanza di disegno delle figure, caratteristiche fraintese come un'offensiva trascuratezza pittorica. Stendhal ritenne l'opera mediocre e «sragionevole», Jean-Auguste-Dominique Ingres arrivò a definirla «la febbre e l'epilessia dell'arte moderna», ma la critica più virulenta giunse da Antoine-Jean Gros, che definì il dipinto «il massacro della pittura».Nonostante la ferocia delle critiche, Il massacro di Scio piacque allo Stato Francese, che nel 1824 lo acquistò per la bella cifra di 6.000 franchi per esporlo nel palazzo del Lussemburgo. Il dipinto trovò la sua collocazione definitiva nel novembre del 1874, quando giunse nella collezione del Louvre, museo dove è tuttora esposto.Marco Valsecchi riferisce che allo stesso Salon parigino del 1824 Il pittore accademico neoclassico Antoine-Jean Gros avrebbe difeso «invece della macchina accademica di Ingres, Il voto di Luigi XIII, (...) la vasta tela di Delacroix I massacri di Scio, (...). E per questa preferenza data all'avversario Delacroix, Gros verrà definito il più brillante ma anche il più infelice degli scolari di David». Ancora Marco Valsecchi nota come questa opera di Delacroix richiami, per l'iconografia e per l'accento di pietà, la «Pala di Santa Tecla del Tiepolo per il Duomo di Este».

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Il_massacro_di_Scio.

Il dipinto prende spunto da un episodio storico realmente accaduto: il massacro di Chio. All'inizio dell'Ottocento, infatti, la Grecia rientrava ancora nei domini dell'Impero ottomano: volendo recuperare l'agognata indipendenza, il popolo greco diede prontamente avvio a numerosi episodi di insurrezione, tutti tragicamente soffocati nel sangue. Tra gli eccidi più spaventosi vi fu quello compiuto nel 1822 nell'isola di Chio, dove i Turchi per rappresaglia contro i Greci trucidarono circa ventimila persone e deportarono i superstiti come schiavi.Il massacro di Chio fece scalpore negli ambienti intellettuali romantici, vivi sostenitori dell'indipendenza della Grecia. Tra i più sensibili alle atrocità della guerra greco-turca vi fu il pittore francese Eugène Delacroix, che profondamente indignato decise di eseguire un dipinto per denunciare l'avvenimento, relativamente lontano geograficamente ma assai vicino alla sensibilità europea. L'opera, realizzata con la collaborazione di numerosi testimoni e accompagnata dalla stesura di diversi disegni preparatori, fu terminata nel 1824 e presentata al Salon del 25 agosto di quell'anno con il titolo Scènes des massacres de Scio; familles grecques attendent la mort ou l'esclavage [Scene di massacro a Scio; famiglie greche attendono la morte o la schiavitù].La critica accolse Il massacro di Scio in modo impietoso: furono in molti, infatti, a rimproverare Delacroix dell'applicazione «rozza» del colore e della mancanza di disegno delle figure, caratteristiche fraintese come un'offensiva trascuratezza pittorica. Stendhal ritenne l'opera mediocre e «sragionevole», Jean-Auguste-Dominique Ingres arrivò a definirla «la febbre e l'epilessia dell'arte moderna», ma la critica più virulenta giunse da Antoine-Jean Gros, che definì il dipinto «il massacro della pittura».Nonostante la ferocia delle critiche, Il massacro di Scio piacque allo Stato Francese, che nel 1824 lo acquistò per la bella cifra di 6.000 franchi per esporlo nel palazzo del Lussemburgo. Il dipinto trovò la sua collocazione definitiva nel novembre del 1874, quando giunse nella collezione del Louvre, museo dove è tuttora esposto.Marco Valsecchi riferisce che allo stesso Salon parigino del 1824 Il pittore accademico neoclassico Antoine-Jean Gros avrebbe difeso «invece della macchina accademica di Ingres, Il voto di Luigi XIII, (...) la vasta tela di Delacroix I massacri di Scio, (...). E per questa preferenza data all'avversario Delacroix, Gros verrà definito il più brillante ma anche il più infelice degli scolari di David». Ancora Marco Valsecchi nota come questa opera di Delacroix richiami, per l'iconografia e per l'accento di pietà, la «Pala di Santa Tecla del Tiepolo per il Duomo di Este».

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come chiarisce Il_massacro_di_Scio la sua Storia?

Il dipinto prende spunto da un episodio storico realmente accaduto: il massacro di Chio. All'inizio dell'Ottocento, infatti, la Grecia rientrava ancora nei domini dell'Impero ottomano: volendo recuperare l'agognata indipendenza, il popolo greco diede prontamente avvio a numerosi episodi di insurrezione, tutti tragicamente soffocati nel sangue. Tra gli eccidi più spaventosi vi fu quello compiuto nel 1822 nell'isola di Chio, dove i Turchi per rappresaglia contro i Greci trucidarono circa ventimila persone e deportarono i superstiti come schiavi.Il massacro di Chio fece scalpore negli ambienti intellettuali romantici, vivi sostenitori dell'indipendenza della Grecia. Tra i più sensibili alle atrocità della guerra greco-turca vi fu il pittore francese Eugène Delacroix, che profondamente indignato decise di eseguire un dipinto per denunciare l'avvenimento, relativamente lontano geograficamente ma assai vicino alla sensibilità europea. L'opera, realizzata con la collaborazione di numerosi testimoni e accompagnata dalla stesura di diversi disegni preparatori, fu terminata nel 1824 e presentata al Salon del 25 agosto di quell'anno con il titolo Scènes des massacres de Scio; familles grecques attendent la mort ou l'esclavage [Scene di massacro a Scio; famiglie greche attendono la morte o la schiavitù].La critica accolse Il massacro di Scio in modo impietoso: furono in molti, infatti, a rimproverare Delacroix dell'applicazione «rozza» del colore e della mancanza di disegno delle figure, caratteristiche fraintese come un'offensiva trascuratezza pittorica. Stendhal ritenne l'opera mediocre e «sragionevole», Jean-Auguste-Dominique Ingres arrivò a definirla «la febbre e l'epilessia dell'arte moderna», ma la critica più virulenta giunse da Antoine-Jean Gros, che definì il dipinto «il massacro della pittura».Nonostante la ferocia delle critiche, Il massacro di Scio piacque allo Stato Francese, che nel 1824 lo acquistò per la bella cifra di 6.000 franchi per esporlo nel palazzo del Lussemburgo. Il dipinto trovò la sua collocazione definitiva nel novembre del 1874, quando giunse nella collezione del Louvre, museo dove è tuttora esposto.Marco Valsecchi riferisce che allo stesso Salon parigino del 1824 Il pittore accademico neoclassico Antoine-Jean Gros avrebbe difeso «invece della macchina accademica di Ingres, Il voto di Luigi XIII, (...) la vasta tela di Delacroix I massacri di Scio, (...). E per questa preferenza data all'avversario Delacroix, Gros verrà definito il più brillante ma anche il più infelice degli scolari di David». Ancora Marco Valsecchi nota come questa opera di Delacroix richiami, per l'iconografia e per l'accento di pietà, la «Pala di Santa Tecla del Tiepolo per il Duomo di Este».

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come viene discussa la Storia in Il_massacro_di_Scio?

Il dipinto prende spunto da un episodio storico realmente accaduto: il massacro di Chio. All'inizio dell'Ottocento, infatti, la Grecia rientrava ancora nei domini dell'Impero ottomano: volendo recuperare l'agognata indipendenza, il popolo greco diede prontamente avvio a numerosi episodi di insurrezione, tutti tragicamente soffocati nel sangue. Tra gli eccidi più spaventosi vi fu quello compiuto nel 1822 nell'isola di Chio, dove i Turchi per rappresaglia contro i Greci trucidarono circa ventimila persone e deportarono i superstiti come schiavi.Il massacro di Chio fece scalpore negli ambienti intellettuali romantici, vivi sostenitori dell'indipendenza della Grecia. Tra i più sensibili alle atrocità della guerra greco-turca vi fu il pittore francese Eugène Delacroix, che profondamente indignato decise di eseguire un dipinto per denunciare l'avvenimento, relativamente lontano geograficamente ma assai vicino alla sensibilità europea. L'opera, realizzata con la collaborazione di numerosi testimoni e accompagnata dalla stesura di diversi disegni preparatori, fu terminata nel 1824 e presentata al Salon del 25 agosto di quell'anno con il titolo Scènes des massacres de Scio; familles grecques attendent la mort ou l'esclavage [Scene di massacro a Scio; famiglie greche attendono la morte o la schiavitù].La critica accolse Il massacro di Scio in modo impietoso: furono in molti, infatti, a rimproverare Delacroix dell'applicazione «rozza» del colore e della mancanza di disegno delle figure, caratteristiche fraintese come un'offensiva trascuratezza pittorica. Stendhal ritenne l'opera mediocre e «sragionevole», Jean-Auguste-Dominique Ingres arrivò a definirla «la febbre e l'epilessia dell'arte moderna», ma la critica più virulenta giunse da Antoine-Jean Gros, che definì il dipinto «il massacro della pittura».Nonostante la ferocia delle critiche, Il massacro di Scio piacque allo Stato Francese, che nel 1824 lo acquistò per la bella cifra di 6.000 franchi per esporlo nel palazzo del Lussemburgo. Il dipinto trovò la sua collocazione definitiva nel novembre del 1874, quando giunse nella collezione del Louvre, museo dove è tuttora esposto.Marco Valsecchi riferisce che allo stesso Salon parigino del 1824 Il pittore accademico neoclassico Antoine-Jean Gros avrebbe difeso «invece della macchina accademica di Ingres, Il voto di Luigi XIII, (...) la vasta tela di Delacroix I massacri di Scio, (...). E per questa preferenza data all'avversario Delacroix, Gros verrà definito il più brillante ma anche il più infelice degli scolari di David». Ancora Marco Valsecchi nota come questa opera di Delacroix richiami, per l'iconografia e per l'accento di pietà, la «Pala di Santa Tecla del Tiepolo per il Duomo di Este».

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Concentrati su Il_massacro_di_Scio ed esplora la Descrizione.

Il massacro di Scio raffigura vividamente le atrocità perpetrate dai Turchi contro la popolazione civile dell'isola di Scio. La scena è priva di un eroe, ma anche di un vero e proprio asse centrale, tanto che il punto in cui generalmente la scena raggiungeva il momento di maggiore intensità qui è vuoto.In primo piano, con un ampio scarto di proporzioni rispetto allo sfondo, è collocato lo schieramento di prigionieri, tutti compatti e compressi dal turco a cavallo, l'unica persona della scena a mostrare una certa vitalità. Tutti gli altri, infatti, giacciono in uno stato di prostrazione e di aberrazione delle forze vitali, e attendono rassegnate la deportazione. Al centro un uomo trafitto al costato, agonizzante, sta esalando gli ultimi respiri; troviamo inoltre un'anziana greca pure seduta a fianco al cadavere di un'altra donna, alla quale è aggrappato il giovanissimo figlio che tenta invano di succhiare il suo seno. Una donna nuda, infine, è legata al cavallo del soldato turco, pronto ad assassinare la madre della rapita. Sullo sfondo, organizzato in una composizione evanescente e privo di un preciso punto di fuga, notiamo inoltre un cielo tenebroso e una pianura riarsa, che si estende sino a culminare in un orizzonte mediterraneo.Nel Massacro di Scio Delacroix sperimentò le novità pittoriche introdotte dall'amico e collega Théodore Géricault nel quadro La zattera della Medusa, dalla quale riprese l'impostazione piramidale e i temi. La luce è molto intensa, e inonda le figure che - pressate le une sulle altre - proiettano pochissime ombre, evitando che il colore si smorzi. Gli accordi cromatici di questo dipinto, infatti, sono molto vivi, così come i contrasti sono assai numerosi. Ai contrasti del colore si accostano i contrasti emotivi: Delacroix, infatti, concilia sapientemente i lati più macabri e inquieti del dipinto con quelli più teneri e sensuali, ben esemplificati nella lasciva immagine della donna nuda legata al cavallo. Notevole, infine, anche il contrasto tra il realismo dei particolari, accuratamente descritti dal pittore, e l'irrealismo deliberatamente ottenuto accostando staticità e movimento.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Il_massacro_di_Scio.

Il massacro di Scio raffigura vividamente le atrocità perpetrate dai Turchi contro la popolazione civile dell'isola di Scio. La scena è priva di un eroe, ma anche di un vero e proprio asse centrale, tanto che il punto in cui generalmente la scena raggiungeva il momento di maggiore intensità qui è vuoto.In primo piano, con un ampio scarto di proporzioni rispetto allo sfondo, è collocato lo schieramento di prigionieri, tutti compatti e compressi dal turco a cavallo, l'unica persona della scena a mostrare una certa vitalità. Tutti gli altri, infatti, giacciono in uno stato di prostrazione e di aberrazione delle forze vitali, e attendono rassegnate la deportazione. Al centro un uomo trafitto al costato, agonizzante, sta esalando gli ultimi respiri; troviamo inoltre un'anziana greca pure seduta a fianco al cadavere di un'altra donna, alla quale è aggrappato il giovanissimo figlio che tenta invano di succhiare il suo seno. Una donna nuda, infine, è legata al cavallo del soldato turco, pronto ad assassinare la madre della rapita. Sullo sfondo, organizzato in una composizione evanescente e privo di un preciso punto di fuga, notiamo inoltre un cielo tenebroso e una pianura riarsa, che si estende sino a culminare in un orizzonte mediterraneo.Nel Massacro di Scio Delacroix sperimentò le novità pittoriche introdotte dall'amico e collega Théodore Géricault nel quadro La zattera della Medusa, dalla quale riprese l'impostazione piramidale e i temi. La luce è molto intensa, e inonda le figure che - pressate le une sulle altre - proiettano pochissime ombre, evitando che il colore si smorzi. Gli accordi cromatici di questo dipinto, infatti, sono molto vivi, così come i contrasti sono assai numerosi. Ai contrasti del colore si accostano i contrasti emotivi: Delacroix, infatti, concilia sapientemente i lati più macabri e inquieti del dipinto con quelli più teneri e sensuali, ben esemplificati nella lasciva immagine della donna nuda legata al cavallo. Notevole, infine, anche il contrasto tra il realismo dei particolari, accuratamente descritti dal pittore, e l'irrealismo deliberatamente ottenuto accostando staticità e movimento.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come chiarisce Il_massacro_di_Scio la sua Descrizione?

Il massacro di Scio raffigura vividamente le atrocità perpetrate dai Turchi contro la popolazione civile dell'isola di Scio. La scena è priva di un eroe, ma anche di un vero e proprio asse centrale, tanto che il punto in cui generalmente la scena raggiungeva il momento di maggiore intensità qui è vuoto.In primo piano, con un ampio scarto di proporzioni rispetto allo sfondo, è collocato lo schieramento di prigionieri, tutti compatti e compressi dal turco a cavallo, l'unica persona della scena a mostrare una certa vitalità. Tutti gli altri, infatti, giacciono in uno stato di prostrazione e di aberrazione delle forze vitali, e attendono rassegnate la deportazione. Al centro un uomo trafitto al costato, agonizzante, sta esalando gli ultimi respiri; troviamo inoltre un'anziana greca pure seduta a fianco al cadavere di un'altra donna, alla quale è aggrappato il giovanissimo figlio che tenta invano di succhiare il suo seno. Una donna nuda, infine, è legata al cavallo del soldato turco, pronto ad assassinare la madre della rapita. Sullo sfondo, organizzato in una composizione evanescente e privo di un preciso punto di fuga, notiamo inoltre un cielo tenebroso e una pianura riarsa, che si estende sino a culminare in un orizzonte mediterraneo.Nel Massacro di Scio Delacroix sperimentò le novità pittoriche introdotte dall'amico e collega Théodore Géricault nel quadro La zattera della Medusa, dalla quale riprese l'impostazione piramidale e i temi. La luce è molto intensa, e inonda le figure che - pressate le une sulle altre - proiettano pochissime ombre, evitando che il colore si smorzi. Gli accordi cromatici di questo dipinto, infatti, sono molto vivi, così come i contrasti sono assai numerosi. Ai contrasti del colore si accostano i contrasti emotivi: Delacroix, infatti, concilia sapientemente i lati più macabri e inquieti del dipinto con quelli più teneri e sensuali, ben esemplificati nella lasciva immagine della donna nuda legata al cavallo. Notevole, infine, anche il contrasto tra il realismo dei particolari, accuratamente descritti dal pittore, e l'irrealismo deliberatamente ottenuto accostando staticità e movimento.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Il_massacro_di_Scio

Prompt: Come viene discussa la Descrizione in Il_massacro_di_Scio?

Il massacro di Scio raffigura vividamente le atrocità perpetrate dai Turchi contro la popolazione civile dell'isola di Scio. La scena è priva di un eroe, ma anche di un vero e proprio asse centrale, tanto che il punto in cui generalmente la scena raggiungeva il momento di maggiore intensità qui è vuoto.In primo piano, con un ampio scarto di proporzioni rispetto allo sfondo, è collocato lo schieramento di prigionieri, tutti compatti e compressi dal turco a cavallo, l'unica persona della scena a mostrare una certa vitalità. Tutti gli altri, infatti, giacciono in uno stato di prostrazione e di aberrazione delle forze vitali, e attendono rassegnate la deportazione. Al centro un uomo trafitto al costato, agonizzante, sta esalando gli ultimi respiri; troviamo inoltre un'anziana greca pure seduta a fianco al cadavere di un'altra donna, alla quale è aggrappato il giovanissimo figlio che tenta invano di succhiare il suo seno. Una donna nuda, infine, è legata al cavallo del soldato turco, pronto ad assassinare la madre della rapita. Sullo sfondo, organizzato in una composizione evanescente e privo di un preciso punto di fuga, notiamo inoltre un cielo tenebroso e una pianura riarsa, che si estende sino a culminare in un orizzonte mediterraneo.Nel Massacro di Scio Delacroix sperimentò le novità pittoriche introdotte dall'amico e collega Théodore Géricault nel quadro La zattera della Medusa, dalla quale riprese l'impostazione piramidale e i temi. La luce è molto intensa, e inonda le figure che - pressate le une sulle altre - proiettano pochissime ombre, evitando che il colore si smorzi. Gli accordi cromatici di questo dipinto, infatti, sono molto vivi, così come i contrasti sono assai numerosi. Ai contrasti del colore si accostano i contrasti emotivi: Delacroix, infatti, concilia sapientemente i lati più macabri e inquieti del dipinto con quelli più teneri e sensuali, ben esemplificati nella lasciva immagine della donna nuda legata al cavallo. Notevole, infine, anche il contrasto tra il realismo dei particolari, accuratamente descritti dal pittore, e l'irrealismo deliberatamente ottenuto accostando staticità e movimento.

Eugène Delacroix, ''Studio di una testa di una donna anziana'' (1824); olio su tela, Musée des Beaux-Arts, Orléans

File:Eugene Delacroix - Scenes from Massacre at Chios- detail 1824 Louvre.jpg


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Concentrati su Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso ed esplora la abstract.

La Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola (158x120 cm) di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

File:BattleofIssusDetail0.jpg
Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
File:BattleofIssusDetail5.jpg
Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
File:BattleofIssusDetail2.jpg
Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso.

La Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola (158x120 cm) di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come chiarisce Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso la sua abstract?

La Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola (158x120 cm) di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come viene discussa la abstract in Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso?

La Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola (158x120 cm) di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Concentrati su Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso ed esplora la Storia.

Rallentata la carriera pittorica, nel corso degli anni venti Altdorfer, ormai raggiunta una certa stabilità economica e un notevole rango sociale, si dedicò prevalentemente ad altre attività, tra cui la politica, rivestendo vari incarichi per la sua città Ratisbona. Nel 1528 però rifiutò l'incarico di borgomastro perché aveva preso l'impegno di dipingere, per Guglielmo IV di Baviera, una grande tavola con la Battaglia di Isso, un tema storico destinato a decorare la propria residenza.La tavola, che mostra la storica battaglia del 333 a.C. adombrando le guerre contemporanee contro i turchi ottomani, faceva parte di due serie di tavole per le quali il duca aveva chiamato vari pittori, riguardanti episodi storici su illustri eroi ed eroine dell'antichità. Sicuramente la tavola di Altdorfer è la più nota del ciclo e una delle più strabilianti opere del Rinascimento tedesco.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Esplora la Storia di questa opera d'arte, Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso.

Rallentata la carriera pittorica, nel corso degli anni venti Altdorfer, ormai raggiunta una certa stabilità economica e un notevole rango sociale, si dedicò prevalentemente ad altre attività, tra cui la politica, rivestendo vari incarichi per la sua città Ratisbona. Nel 1528 però rifiutò l'incarico di borgomastro perché aveva preso l'impegno di dipingere, per Guglielmo IV di Baviera, una grande tavola con la Battaglia di Isso, un tema storico destinato a decorare la propria residenza.La tavola, che mostra la storica battaglia del 333 a.C. adombrando le guerre contemporanee contro i turchi ottomani, faceva parte di due serie di tavole per le quali il duca aveva chiamato vari pittori, riguardanti episodi storici su illustri eroi ed eroine dell'antichità. Sicuramente la tavola di Altdorfer è la più nota del ciclo e una delle più strabilianti opere del Rinascimento tedesco.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come chiarisce Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso la sua Storia?

Rallentata la carriera pittorica, nel corso degli anni venti Altdorfer, ormai raggiunta una certa stabilità economica e un notevole rango sociale, si dedicò prevalentemente ad altre attività, tra cui la politica, rivestendo vari incarichi per la sua città Ratisbona. Nel 1528 però rifiutò l'incarico di borgomastro perché aveva preso l'impegno di dipingere, per Guglielmo IV di Baviera, una grande tavola con la Battaglia di Isso, un tema storico destinato a decorare la propria residenza.La tavola, che mostra la storica battaglia del 333 a.C. adombrando le guerre contemporanee contro i turchi ottomani, faceva parte di due serie di tavole per le quali il duca aveva chiamato vari pittori, riguardanti episodi storici su illustri eroi ed eroine dell'antichità. Sicuramente la tavola di Altdorfer è la più nota del ciclo e una delle più strabilianti opere del Rinascimento tedesco.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come viene discussa la Storia in Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso?

Rallentata la carriera pittorica, nel corso degli anni venti Altdorfer, ormai raggiunta una certa stabilità economica e un notevole rango sociale, si dedicò prevalentemente ad altre attività, tra cui la politica, rivestendo vari incarichi per la sua città Ratisbona. Nel 1528 però rifiutò l'incarico di borgomastro perché aveva preso l'impegno di dipingere, per Guglielmo IV di Baviera, una grande tavola con la Battaglia di Isso, un tema storico destinato a decorare la propria residenza.La tavola, che mostra la storica battaglia del 333 a.C. adombrando le guerre contemporanee contro i turchi ottomani, faceva parte di due serie di tavole per le quali il duca aveva chiamato vari pittori, riguardanti episodi storici su illustri eroi ed eroine dell'antichità. Sicuramente la tavola di Altdorfer è la più nota del ciclo e una delle più strabilianti opere del Rinascimento tedesco.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
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arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Concentrati su Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso ed esplora la Descrizione e stile.

In uno straordinario paesaggio, visto a volo d'uccello e che si allontana a perdita d'occhio, si svolge la battaglia tra i greci di Alessandro Magno e i persiani di re Dario. Gli eserciti si scontrano nella parte bassa del dipinto, in un brulicare di figure, lance, armature e cavalli, che nonostante l'effetto da miniatura rimane perfettamente comprensibile. Si notano infatti i due schieramenti contrapposti, con movimenti opposti delle truppe che dai rispettivi accampamenti muovono verso lo scontro frontale. Alessandro, da destra, vestito di un'armatura dorata, si lancia all'inseguimento del cocchio di Dario, che tenta di fuggire verso sinistra.La scena è ambientata in un paesaggio alpino che ricorda Salisburgo e i suoi dintorni. Con un'eccezionale evocazione suggestiva, l'artista, ispirandosi certamente alla produzione dei cartografi che proprio in Germania era particolarmente fiorente, dipinse uno spaccato da un punto di vista altissimo, con l'orizzonte che si curva per effetto della sfericità terrestre, dove la tradizionale prospettiva aerea è magnificata dal gioco di luci e ombre drammaticamente contrapposte che nasce per effetto dell'alba del sole, a oriente, e dell'alta luna visibile in alto a sinistra al culmine di un turbine cilindrico di nubi, come se fosse per uscire di scena: chiaro è il simbolismo legato ai due comandanti. La materia liquida dei laghi e aerea delle nubi viene esaltata di bagliori, riflessi e dalla variazione di lustro, ora lucido, ora opaco, con una disposizione ad arte che centra l'attenzione sul cartiglio al centro in alto. Esso, rosso su una massa di vibranti toni blu, si staglia sospeso a mezz'aria, come un'apparizione divina (non a caso il cerchio di nubi attorno ad esso ricorda la collocazione del Padre Eterno in tante pale d'altare), e chiarisce i termini epici della rappresentazione:Dalla tabella, decorata da un nastro fiammeggiante, pende poi un cordone, che riporta l'occhio dello spettatore alla battaglia, in un moto circolare continuo sempre ravvivato dalla scoperta di nuovi dettagli.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Esplora la Descrizione e stile di questa opera d'arte, Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso.

In uno straordinario paesaggio, visto a volo d'uccello e che si allontana a perdita d'occhio, si svolge la battaglia tra i greci di Alessandro Magno e i persiani di re Dario. Gli eserciti si scontrano nella parte bassa del dipinto, in un brulicare di figure, lance, armature e cavalli, che nonostante l'effetto da miniatura rimane perfettamente comprensibile. Si notano infatti i due schieramenti contrapposti, con movimenti opposti delle truppe che dai rispettivi accampamenti muovono verso lo scontro frontale. Alessandro, da destra, vestito di un'armatura dorata, si lancia all'inseguimento del cocchio di Dario, che tenta di fuggire verso sinistra.La scena è ambientata in un paesaggio alpino che ricorda Salisburgo e i suoi dintorni. Con un'eccezionale evocazione suggestiva, l'artista, ispirandosi certamente alla produzione dei cartografi che proprio in Germania era particolarmente fiorente, dipinse uno spaccato da un punto di vista altissimo, con l'orizzonte che si curva per effetto della sfericità terrestre, dove la tradizionale prospettiva aerea è magnificata dal gioco di luci e ombre drammaticamente contrapposte che nasce per effetto dell'alba del sole, a oriente, e dell'alta luna visibile in alto a sinistra al culmine di un turbine cilindrico di nubi, come se fosse per uscire di scena: chiaro è il simbolismo legato ai due comandanti. La materia liquida dei laghi e aerea delle nubi viene esaltata di bagliori, riflessi e dalla variazione di lustro, ora lucido, ora opaco, con una disposizione ad arte che centra l'attenzione sul cartiglio al centro in alto. Esso, rosso su una massa di vibranti toni blu, si staglia sospeso a mezz'aria, come un'apparizione divina (non a caso il cerchio di nubi attorno ad esso ricorda la collocazione del Padre Eterno in tante pale d'altare), e chiarisce i termini epici della rappresentazione:Dalla tabella, decorata da un nastro fiammeggiante, pende poi un cordone, che riporta l'occhio dello spettatore alla battaglia, in un moto circolare continuo sempre ravvivato dalla scoperta di nuovi dettagli.

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Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come chiarisce Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso la sua Descrizione e stile?

In uno straordinario paesaggio, visto a volo d'uccello e che si allontana a perdita d'occhio, si svolge la battaglia tra i greci di Alessandro Magno e i persiani di re Dario. Gli eserciti si scontrano nella parte bassa del dipinto, in un brulicare di figure, lance, armature e cavalli, che nonostante l'effetto da miniatura rimane perfettamente comprensibile. Si notano infatti i due schieramenti contrapposti, con movimenti opposti delle truppe che dai rispettivi accampamenti muovono verso lo scontro frontale. Alessandro, da destra, vestito di un'armatura dorata, si lancia all'inseguimento del cocchio di Dario, che tenta di fuggire verso sinistra.La scena è ambientata in un paesaggio alpino che ricorda Salisburgo e i suoi dintorni. Con un'eccezionale evocazione suggestiva, l'artista, ispirandosi certamente alla produzione dei cartografi che proprio in Germania era particolarmente fiorente, dipinse uno spaccato da un punto di vista altissimo, con l'orizzonte che si curva per effetto della sfericità terrestre, dove la tradizionale prospettiva aerea è magnificata dal gioco di luci e ombre drammaticamente contrapposte che nasce per effetto dell'alba del sole, a oriente, e dell'alta luna visibile in alto a sinistra al culmine di un turbine cilindrico di nubi, come se fosse per uscire di scena: chiaro è il simbolismo legato ai due comandanti. La materia liquida dei laghi e aerea delle nubi viene esaltata di bagliori, riflessi e dalla variazione di lustro, ora lucido, ora opaco, con una disposizione ad arte che centra l'attenzione sul cartiglio al centro in alto. Esso, rosso su una massa di vibranti toni blu, si staglia sospeso a mezz'aria, come un'apparizione divina (non a caso il cerchio di nubi attorno ad esso ricorda la collocazione del Padre Eterno in tante pale d'altare), e chiarisce i termini epici della rappresentazione:Dalla tabella, decorata da un nastro fiammeggiante, pende poi un cordone, che riporta l'occhio dello spettatore alla battaglia, in un moto circolare continuo sempre ravvivato dalla scoperta di nuovi dettagli.

File:BattleofIssusDetail0.jpg
Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
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Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
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Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso

Prompt: Come viene discussa la Descrizione e stile in Battaglia_di_Alessandro_e_Dario_a_Isso?

In uno straordinario paesaggio, visto a volo d'uccello e che si allontana a perdita d'occhio, si svolge la battaglia tra i greci di Alessandro Magno e i persiani di re Dario. Gli eserciti si scontrano nella parte bassa del dipinto, in un brulicare di figure, lance, armature e cavalli, che nonostante l'effetto da miniatura rimane perfettamente comprensibile. Si notano infatti i due schieramenti contrapposti, con movimenti opposti delle truppe che dai rispettivi accampamenti muovono verso lo scontro frontale. Alessandro, da destra, vestito di un'armatura dorata, si lancia all'inseguimento del cocchio di Dario, che tenta di fuggire verso sinistra.La scena è ambientata in un paesaggio alpino che ricorda Salisburgo e i suoi dintorni. Con un'eccezionale evocazione suggestiva, l'artista, ispirandosi certamente alla produzione dei cartografi che proprio in Germania era particolarmente fiorente, dipinse uno spaccato da un punto di vista altissimo, con l'orizzonte che si curva per effetto della sfericità terrestre, dove la tradizionale prospettiva aerea è magnificata dal gioco di luci e ombre drammaticamente contrapposte che nasce per effetto dell'alba del sole, a oriente, e dell'alta luna visibile in alto a sinistra al culmine di un turbine cilindrico di nubi, come se fosse per uscire di scena: chiaro è il simbolismo legato ai due comandanti. La materia liquida dei laghi e aerea delle nubi viene esaltata di bagliori, riflessi e dalla variazione di lustro, ora lucido, ora opaco, con una disposizione ad arte che centra l'attenzione sul cartiglio al centro in alto. Esso, rosso su una massa di vibranti toni blu, si staglia sospeso a mezz'aria, come un'apparizione divina (non a caso il cerchio di nubi attorno ad esso ricorda la collocazione del Padre Eterno in tante pale d'altare), e chiarisce i termini epici della rappresentazione:Dalla tabella, decorata da un nastro fiammeggiante, pende poi un cordone, che riporta l'occhio dello spettatore alla battaglia, in un moto circolare continuo sempre ravvivato dalla scoperta di nuovi dettagli.

File:BattleofIssusDetail0.jpg
Stefano Zuffi
Alte Pinakothek
Ratisbona
Battaglia di Isso
Monaco
Albrecht Altdorfer
storica battaglia
cartiglio
re Dario
Salisburgo
su tavola
File:BattleofIssusDetail5.jpg
Categoria:Dipinti su battaglie
Alessandro Magno
pittura a olio
Guglielmo IV di Baviera
File:BattleofIssusDetail2.jpg
Alessandro Magno che insegue Dario
La città nello sfondo
thumb
Categoria:Dipinti di Albrecht Altdorfer
arte di guerra
333 a.C.
Categoria:Dipinti nell'Alte Pinakothek
Rinascimento tedesco
turchi ottomani
upright=1.6
1529
Monaco di Baviera
Dario III di Persia
Alessandro
olio
1528
borgomastro
Dettaglio


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Concentrati su Campo_di_grano_con_volo_di_corvi ed esplora la abstract.

Campo di grano con volo di corvi è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Van Gogh Museum di Amsterdam.

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Esplora la abstract di questa opera d'arte, Campo_di_grano_con_volo_di_corvi.

Campo di grano con volo di corvi è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Van Gogh Museum di Amsterdam.

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Come chiarisce Campo_di_grano_con_volo_di_corvi la sua abstract?

Campo di grano con volo di corvi è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Van Gogh Museum di Amsterdam.

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Come viene discussa la abstract in Campo_di_grano_con_volo_di_corvi?

Campo di grano con volo di corvi è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Van Gogh Museum di Amsterdam.

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Concentrati su Campo_di_grano_con_volo_di_corvi ed esplora la Descrizione.

Per molto tempo, ma erroneamente, si è ritenuto che questo fosse stato l'ultimo quadro dipinto da Van Gogh prima di morire. Gli storici dell'arte sono infatti incerti su quale sia l'ultimo dipinto di Van Gogh, dal momento che non esistono fonti documentate al riguardo.Generalmente critici e storici dell'arte vedono in questo quadro una rappresentazione dello stato d'animo tormentato e angosciato dell'artista: la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate, mediante le quali il pittore proietta il proprio stato d'animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.Una tempesta, quasi come un presentimento di lutto, si sta per abbattere su un campo di grano dal quale si leva, cupo e tenebroso, uno stormo di corvi neri in un basso volo disordinato, quasi come se fossero avvoltoi su un cadavere. È noto che l'artista nutriva un profondo rispetto nei confronti delle forze della natura, e questo spiega perché dipinse cieli agitati in molte delle sue opere: egli infatti riteneva che il soggetto fosse dotato di un incalcolabile potenziale artistico se riprodotto su tela. Il campo di grano, sconquassato senza pietà dal vento, è stato realizzato mediante vere e proprie frustate di giallo, mentre il cielo, inizialmente terso, è ora foriero di burrasca, a tal punto da essere offuscato dall'intenso colore nero delle nubi che, inesorabilmente, si calano ostili e minacciose.Il campo di grano è inoltre solcato da tre sentieri serpeggianti: il primo nell'angolo in basso a sinistra, il secondo al centro e il terzo nell'angolo in basso a destra. Si noti come i due sentieri laterali sembrano non avere né un punto d'origine né tanto meno sembrano condurre ad un punto preciso del quadro. Questa triplice diramazione, infatti, allude metaforicamente alle alternative annientatrici e terribili che hanno gravato incessantemente sulla vita di van Gogh, il quale - da vero e proprio «discepolo dell'angoscia», nel senso kierkegaardiano del termine - ha faticato a scegliere tra le inconciliabili alternative esistenziali e professionali che ha avuto davanti, le quali spesso conducevano a direzioni diametralmente opposte e inconcludenti, per poi riconoscersi e attuarsi nella possibilità artistica, con la quale ha smesso di reprimere e soffocare le sue tensioni interiori. Il viottolo al centro, che nel corso degli anni è risultato essere il più gravido di interpretazioni, rappresenta una strada senza via d'uscita, potenzialmente percorsa da chi non ha alcuna meta ove andare e non sa nemmeno cosa cercare e che, proprio per questo, rappresenta al meglio la forte angoscia esistenziale che inquietava il pittore. Così egli stesso descrisse la tela in una delle lettere al fratello Théo: «Sono campi estesi di grano sotto cieli agitati e non avevo bisogno di uscire dalla mia condizione per esprimere tristezza e solitudine estrema». Ritorna qui il contrasto tra il giallo, colore della fertilità e della vita, e il blu cobalto. Quest'accoppiamento cromatico, tuttavia, ha ormai perso ogni nota giubilante e assume toni drammaticamente tenebrosi, carichi di presagio, per nulla alleggeriti dal funereo turbinare dei corvi. I colori, sono depositati sulla tela con pennellate impazienti, frante, appuntite, quasi rabbiose, che rendono quest'opera «la più grande sinfonia coloristica mai realizzata sul dolore di vivere» (Francesco Morante). La luminosità sta ormai per soccombere, vinta dall'oscurità del colore nero che, implacabile, la avvolgerà completamente. All'artista non rimane altro da fare che contemplare, impotente, la tempesta che da lì a poco si scatenerà, proprio come l'uccellino in gabbia già descritto in una lettera a Théo nel 1880: «a guardare fuori il cielo turgido, carico di tempesta, e sente in sé la rivolta contro la propria fatalità». Infatti, nonostante la sua anima continuasse ad ardere di quel fuoco divoratore che da sempre lo aveva caratterizzato, l'artista non vedeva un futuro per la propria esistenza:

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Esplora la Descrizione di questa opera d'arte, Campo_di_grano_con_volo_di_corvi.

Per molto tempo, ma erroneamente, si è ritenuto che questo fosse stato l'ultimo quadro dipinto da Van Gogh prima di morire. Gli storici dell'arte sono infatti incerti su quale sia l'ultimo dipinto di Van Gogh, dal momento che non esistono fonti documentate al riguardo.Generalmente critici e storici dell'arte vedono in questo quadro una rappresentazione dello stato d'animo tormentato e angosciato dell'artista: la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate, mediante le quali il pittore proietta il proprio stato d'animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.Una tempesta, quasi come un presentimento di lutto, si sta per abbattere su un campo di grano dal quale si leva, cupo e tenebroso, uno stormo di corvi neri in un basso volo disordinato, quasi come se fossero avvoltoi su un cadavere. È noto che l'artista nutriva un profondo rispetto nei confronti delle forze della natura, e questo spiega perché dipinse cieli agitati in molte delle sue opere: egli infatti riteneva che il soggetto fosse dotato di un incalcolabile potenziale artistico se riprodotto su tela. Il campo di grano, sconquassato senza pietà dal vento, è stato realizzato mediante vere e proprie frustate di giallo, mentre il cielo, inizialmente terso, è ora foriero di burrasca, a tal punto da essere offuscato dall'intenso colore nero delle nubi che, inesorabilmente, si calano ostili e minacciose.Il campo di grano è inoltre solcato da tre sentieri serpeggianti: il primo nell'angolo in basso a sinistra, il secondo al centro e il terzo nell'angolo in basso a destra. Si noti come i due sentieri laterali sembrano non avere né un punto d'origine né tanto meno sembrano condurre ad un punto preciso del quadro. Questa triplice diramazione, infatti, allude metaforicamente alle alternative annientatrici e terribili che hanno gravato incessantemente sulla vita di van Gogh, il quale - da vero e proprio «discepolo dell'angoscia», nel senso kierkegaardiano del termine - ha faticato a scegliere tra le inconciliabili alternative esistenziali e professionali che ha avuto davanti, le quali spesso conducevano a direzioni diametralmente opposte e inconcludenti, per poi riconoscersi e attuarsi nella possibilità artistica, con la quale ha smesso di reprimere e soffocare le sue tensioni interiori. Il viottolo al centro, che nel corso degli anni è risultato essere il più gravido di interpretazioni, rappresenta una strada senza via d'uscita, potenzialmente percorsa da chi non ha alcuna meta ove andare e non sa nemmeno cosa cercare e che, proprio per questo, rappresenta al meglio la forte angoscia esistenziale che inquietava il pittore. Così egli stesso descrisse la tela in una delle lettere al fratello Théo: «Sono campi estesi di grano sotto cieli agitati e non avevo bisogno di uscire dalla mia condizione per esprimere tristezza e solitudine estrema». Ritorna qui il contrasto tra il giallo, colore della fertilità e della vita, e il blu cobalto. Quest'accoppiamento cromatico, tuttavia, ha ormai perso ogni nota giubilante e assume toni drammaticamente tenebrosi, carichi di presagio, per nulla alleggeriti dal funereo turbinare dei corvi. I colori, sono depositati sulla tela con pennellate impazienti, frante, appuntite, quasi rabbiose, che rendono quest'opera «la più grande sinfonia coloristica mai realizzata sul dolore di vivere» (Francesco Morante). La luminosità sta ormai per soccombere, vinta dall'oscurità del colore nero che, implacabile, la avvolgerà completamente. All'artista non rimane altro da fare che contemplare, impotente, la tempesta che da lì a poco si scatenerà, proprio come l'uccellino in gabbia già descritto in una lettera a Théo nel 1880: «a guardare fuori il cielo turgido, carico di tempesta, e sente in sé la rivolta contro la propria fatalità». Infatti, nonostante la sua anima continuasse ad ardere di quel fuoco divoratore che da sempre lo aveva caratterizzato, l'artista non vedeva un futuro per la propria esistenza:

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam


Campo_di_grano_con_volo_di_corvi

Prompt: Come chiarisce Campo_di_grano_con_volo_di_corvi la sua Descrizione?

Per molto tempo, ma erroneamente, si è ritenuto che questo fosse stato l'ultimo quadro dipinto da Van Gogh prima di morire. Gli storici dell'arte sono infatti incerti su quale sia l'ultimo dipinto di Van Gogh, dal momento che non esistono fonti documentate al riguardo.Generalmente critici e storici dell'arte vedono in questo quadro una rappresentazione dello stato d'animo tormentato e angosciato dell'artista: la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate, mediante le quali il pittore proietta il proprio stato d'animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.Una tempesta, quasi come un presentimento di lutto, si sta per abbattere su un campo di grano dal quale si leva, cupo e tenebroso, uno stormo di corvi neri in un basso volo disordinato, quasi come se fossero avvoltoi su un cadavere. È noto che l'artista nutriva un profondo rispetto nei confronti delle forze della natura, e questo spiega perché dipinse cieli agitati in molte delle sue opere: egli infatti riteneva che il soggetto fosse dotato di un incalcolabile potenziale artistico se riprodotto su tela. Il campo di grano, sconquassato senza pietà dal vento, è stato realizzato mediante vere e proprie frustate di giallo, mentre il cielo, inizialmente terso, è ora foriero di burrasca, a tal punto da essere offuscato dall'intenso colore nero delle nubi che, inesorabilmente, si calano ostili e minacciose.Il campo di grano è inoltre solcato da tre sentieri serpeggianti: il primo nell'angolo in basso a sinistra, il secondo al centro e il terzo nell'angolo in basso a destra. Si noti come i due sentieri laterali sembrano non avere né un punto d'origine né tanto meno sembrano condurre ad un punto preciso del quadro. Questa triplice diramazione, infatti, allude metaforicamente alle alternative annientatrici e terribili che hanno gravato incessantemente sulla vita di van Gogh, il quale - da vero e proprio «discepolo dell'angoscia», nel senso kierkegaardiano del termine - ha faticato a scegliere tra le inconciliabili alternative esistenziali e professionali che ha avuto davanti, le quali spesso conducevano a direzioni diametralmente opposte e inconcludenti, per poi riconoscersi e attuarsi nella possibilità artistica, con la quale ha smesso di reprimere e soffocare le sue tensioni interiori. Il viottolo al centro, che nel corso degli anni è risultato essere il più gravido di interpretazioni, rappresenta una strada senza via d'uscita, potenzialmente percorsa da chi non ha alcuna meta ove andare e non sa nemmeno cosa cercare e che, proprio per questo, rappresenta al meglio la forte angoscia esistenziale che inquietava il pittore. Così egli stesso descrisse la tela in una delle lettere al fratello Théo: «Sono campi estesi di grano sotto cieli agitati e non avevo bisogno di uscire dalla mia condizione per esprimere tristezza e solitudine estrema». Ritorna qui il contrasto tra il giallo, colore della fertilità e della vita, e il blu cobalto. Quest'accoppiamento cromatico, tuttavia, ha ormai perso ogni nota giubilante e assume toni drammaticamente tenebrosi, carichi di presagio, per nulla alleggeriti dal funereo turbinare dei corvi. I colori, sono depositati sulla tela con pennellate impazienti, frante, appuntite, quasi rabbiose, che rendono quest'opera «la più grande sinfonia coloristica mai realizzata sul dolore di vivere» (Francesco Morante). La luminosità sta ormai per soccombere, vinta dall'oscurità del colore nero che, implacabile, la avvolgerà completamente. All'artista non rimane altro da fare che contemplare, impotente, la tempesta che da lì a poco si scatenerà, proprio come l'uccellino in gabbia già descritto in una lettera a Théo nel 1880: «a guardare fuori il cielo turgido, carico di tempesta, e sente in sé la rivolta contro la propria fatalità». Infatti, nonostante la sua anima continuasse ad ardere di quel fuoco divoratore che da sempre lo aveva caratterizzato, l'artista non vedeva un futuro per la propria esistenza:

File:WLANL - Techdiva 1.0 - Inside the Van Gogh Museum (2).jpg

L'opera in esposizione al Van Gogh Museum di Amsterdam